Thiago Augusto Corrêa – Página: 3

Resenha | Aquaman: As Profundezas

13 de dezembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Aquaman, DC Comics, Geoff Johns, Ivan Reis, novos 52, Panini

A quantidade de personagens no universo da Dc Comics não é proporcional a quantidade de roteiristas da casa que entregam narrativas acima da média geral. Um fator que resulta em um movimento natural em que personagens oscilam dependendo do texto. Sem dúvida, grandes personagens são dedicados aos roteiristas de renome, ainda que novos talentos em alta recebam novas revistas como uma espécie de desafio, para provar a criatividade. Assim como há roteiristas que se destacam por se manterem na média, sem poucas histórias significativas no currículo, mas com tramas divertidas. Não há como suprir uma demanda alta sempre a procura de grandes histórias.

Dentre os personagens de grande destaque do estúdio, principalmente os que participam ou participaram da Liga da Justiça, Aquaman sempre foi um motivo de piada. O riso retoma uma época antiga em que o desenho Super-Amigos e sua abordagem infantil ajudou a popularizar e ridicularizar o herói. Como poucos autores investiram em uma boa história para a personagem, o herói nunca ganhou o destaque merecido. A fase de Peter David, lançada em 1994 a 1998, é uma dessas exceções. Porém, no Brasil, as histórias foram lançadas no mix da Melhores do Mundo, na época dos formatinhos da Abril, e nunca relançada. Em 2006, na fase Um Ano Depois da casa, Kurt Busiek tentou recriar a personagem, mas a série foi logo cancelada.

A chegada dos Novos 52 ao menos trouxe a possibilidade de analisar alguns personagens que há tempos não obtiam destaque e reconfigura-los. Com essa fase encerrada, resultando no distanciamento necessário para análise, é possível observar novos bons personagens como Batwing e Batman e autores que, em meio a uma fase criticada pela ideia de reboot, trouxeram um bom material como Flash de Francis Manapul e Aquaman escrito por Geoff Johns.

Relançado pela Panini Comics em edição encadernada em 2015, As Profundezas compila os seis primeiros números de Aquaman, apresentando três histórias iniciais: a incrível O Fosso, demonstrando como um bom roteirista não precisa de longas sagas para uma trama competente, e Perdido e Abandonado, focados em Mera.

Johns trabalha a própria má-fama do herói dentro da história: um homem, rei dos mares, considerado motivo de riso pela população por ser considerado alguém sem nenhum poder bem delineado. A situação se modifica quando seres humanoides surgem do mar e a polícia pede ajuda do soberano para o caso. Ao contrário das megas sagas, em apenas quatro partes, o roteirista demostra a renovação de seu Aquaman e a qualidade de sua obra. Apresentando um soberano cansado por não ser considerado heroico, ao mesmo tempo em que, durante a ação, demonstra habilidades além da malfalada telepatia marítima. Justificando porquê o personagem integrou diversas formações da Liga da Justiça. Assim como mostra a potência de Arthur, também desenvolve Mera no mesmo patamar, uma rainha poderosa, capaz de controlar a própria água.

As cenas de ação na trama são pontuais, realizadas com qualidade a favor da narrativa, uma boa história contrapondo o herói e o vilão de maneira tradicional. Ao inserir a trama em primeiro plano, o próprio leitor vai reconstruindo o Aquaman de acordo com as ações em cena observando sua inteligência, a superforça e outras características capazes de derrubar o mito de um herói bobo.

Aquaman – As Profundezas é um dos melhores inícios da fase Novos 52, capaz de reescrever a personagem, inserindo-a no merecido panteão de grandes heróis da Dc Comics. Geoff Johns faz jus ao seu sucesso, demonstrando conhecimento da personagem e domínio narrativo para criar uma história inicial robusta com uma trama simples, mas eficiente, e cenas de ação pontuais que demonstram que a fase do Aquaman perdedor foi deixada de lado.

Compre: Aquaman – As Profundezas.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | 30 Dias de Noite: Retorno A Barrow

10 de dezembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

30 Dias de Noite, Ben Templesmith, Devir, Steve Niles, Vampiros

Um ano após a sequência de 30 Dias de Noite ter sido lançada, a narrativa vampiresca de Steve Niles e Ben Templesmith prossegue em mais uma mini-série. Lançado originalmente em 2004 nos Estados Unidos e em 2006 no Brasil pela Devir, 30 Dias de Noite: Retorno a Barrow retorma ao claustrofóbico ambiente de Barrow, a cidade do Alaska que por 30 dias vive em total escuridão.

A trama se inicia quando um novo xerife assume o posto da cidade. Brian Kitka era irmão de um dos habitantes, vítima do ataque a Barrow na primeira história. Desde os ataques na cidade, o mundo ainda permanece cético com a existência de vampiros. Mesmo o livro escrito por Stella Ouman, apresentado em 30 Dias de Noite: Dias Sombrios, foi considerado uma obra de ficção, em parte pela ação dos vampiros em evitar que a história ganhasse maior alcance. Ainda sem saber ao certo o que aconteceu, Brian assume o cargo na cidade para investigar o paradeiro do irmão.

Desde o primeiro ataque a Barrow, os habitantes da cidade se dividem entre aqueles que fogem durante os 30 dias a outros que permanecem e lutam pelo local. Após descobrir um diário do irmão revelando o ataque de vampiros, o xerife e seu pequeno filho tentam sair da cidade mas não encontram nenhum meio de transporte. Não restando outra alternativa a não ser ficar e lutar. Como a progressão narrativa das duas histórias anteriores, a trama é focada no ataque dos vampiros como uma única grande cena. Pouco é retomado da história anterior, Dias Sombrios, a não ser o detetive vampiresco Dane e a informação de que alguém destruiu uma poderosa vampira em um ataque (Stella matou Lilith na mini-série anterior). A ausência de Stella e o marido ressuscitado é estranha porque o leitor sabe que, em algum momento, eles vão surgir em cena para concluir o gancho da trama passada. O roteiro retém as personagens quando poderia utilizá-las.

Templesmith mantém o mesmo estilo consagrado de seus traços, fazendo do visual da história um de seus pontos altos, representando Barrow como uma escuridão claustrofóbica como se fosse um espaço impossível de fugir. Steve Niles também se mantém alinhado ao próprio estilo, executando os mesmos vícios narrativos das obras anteriores. Ou seja, mantendo a tensão com qualidade mas produzindo um desfecho final resolvido de maneira rápida, sem expressão. Como é esperado pelo leitor, Estela e Eben retornam brevemente para destruir a nova horda vampiresca e proteger a cidade. Uma aparição reduzida a poucos quadros.

Entre o visual e o roteiro da saga 30 Dias de Noite há um paradoxo um pouco desequilibrado. Mesmo com imagens tão envolventes e expressivas, os desfechos são realizados de maneira protocolar. A tensão desenvolvida durante a história cessa de maneira brusca como se faltasse planejamento para um ato final mais robusto. Como se faltasse vontade do roteirista em explorar com maior profundidade um final impactante e, nesse momento da história, o casal Eben e Estela. Uma ausência que poderia ser executada com mais foco. As personagens voltariam somente no volume 7 da saga, em uma história dedicada especialmente a mostrar o que aconteceu com a dupla.

Compre: 30 Dias de Noite: Retorno a Barrow.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | O Erro – Elle Kennedy

5 de dezembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras, Paralela, Young Adult

Em observação às obras lançadas nos últimos anos no país, bem como a lista de livros mais vendidos, não é surpresa afirmar que o young adult se tornou um gênero importante para o mercado. O jovem foi redescoberto como um leitor e consumidor fundamental, fator que tem se retroalimentado em novos autores escrevendo diretamente para o público-alvo em uma linguagem direta e coloquial.

A série Off Campus da canadense Ellen Kennedy mantém a tendência ao explorar o Ensino Médio americano, o famoso high school, como ambiente para apresentar personagens típicos como garotas tímidas, astros do esporte de beleza ímpar, em tramas simples e focadas no entretenimento.

Lançada pela Paralela, selo editorial da Companhia das Letras, O Erro é o segundo volume da série intitulada no país como Amores Improváveis. A série composta por 4 livros e lançadas originalmente entre 2015 a 2016, buscava registrar narrativas de um grupo de amigos pertencentes a mesma escola, apresentando, como demonstra o título, histórias amorosas improváveis, aliadas a conquistas esportivas e a diversão tradicional de jovens sadios prestes a entrar na vida adulta.

Na trama, Logan é o típico adolescente talentoso no esporte, dono de uma personalidade charmosa que, aliada a beleza, conquista as mulheres. Porém, o personagem está apaixonado pela namorada do melhor amigo e prevê um futuro difícil a sua frente ao lidar com esse conflito e também devido ao pai alcoólatra. Até que um dia, como se espera naturalmente, ele conhece a tímida Grace.

A narrativa se estabelece a partir da visão padrão do colégio americano, inicialmente fortalecendo arquétipos para depois quebra-los parcialmente. O casal da trama segue a estrutura de opostos que se atraem: o mocinho famoso da escola que parece malvado e a menina comum que conquista seu coração. A história narrada pelos dois personagens alterna os ponto de vista, explorando, tanto ansiedade masculinas como femininas concentradas na juventude.

Embora outras narrativas do gênero sempre se mantenham desequilibrada ao unir uma trama de entretenimento, humor e erotismo, Kennedy sabe dialogar com naturalidade sobre tais polos. Principalmente, por seguir a risca a métrica de que a trama apresenta adolescentes falando com leitores adolescentes. Nenhuma cena sexual envolve descrições rebuscadas, mas se alinha e descreve as sensações mais naturais que qualquer adolescente sentiria se envolvido dessa maneira, uma autenticidade funcional ao seu público-alvo.

Focado em adolescentes, é natural que os conflitos sejam extremos, afinal, as personagens estão em uma fase de amadurecimento em que o imediatismo ainda é uma das tônicas. Embora seja perceptível a condução de alguns conflitos apenas como drama dentro da trama, o enredo fluí pelo carisma das personagens.

O Erro é uma narrativa rápida, feita para distrair os leitores, principalmente os jovens, em uma trama direta. Aos leitores jovens, o diálogo é mais forte e pode lhes transmitir uma mensagem mais profunda, ainda que, como outros young adults o final se ancora no mítico final feliz. Um contraponto oposto de narrativas maduras que nunca poupam o leitor de dramas severos.

Compre: O Erro – Elle Kennedy.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Stoner – John Williams

1 de dezembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

John Williams, literatura americana, Rádio Londres

Toda obra literária, em maior ou menor grau, está interligada a época de sua concepção. Conforme novas gerações a leem, novas interpretações surgem, alimentando a pluralidade de análises a partir da leitura inicial. Muitas obras canônicas conhecidas como grandes clássicos da literatura passaram pelo crivo de gerações diferentes durante séculos, estabelecendo marcos, críticas, elogios, divergências. Fatores que comprovam a grandiosidade da própria obra literária.

Lançado em 1965, Stoner de John Williams é um desses livros que ganhou reconhecimento e novo fôlego a partir de uma nova geração. O romance voltou a cena em 2013 como uma obra-prima esquecida. Elogiada por autores contemporâneos, republicada no original e traduzida para outros países, a trama também se tornou sucesso em terras brasileiras: lançada pela Radio Londres o romance está em sua segunda edição, relançado em capa dura e com prefácio do escritor Peter Cameron.

Stoner é uma obra paradoxal devido a sua temática e escrita. A trama é simples, abordando a história de William Stoner, um pacato professor de literatura que o leitor acompanha do começo ao fim da vida. O próprio Williams foi um professor na Universidade do Missouri. Sem dúvida, parte da construção de seu personagem se baseou em sua própria experiência. Porém, o que sustenta o paradoxo narrativo é que uma história de estilo tão brusco e seco produz um sentimento vivo.

Como narrador, Williams evoca uma vida áspera, compondo frases diretas e simples, como se a dureza da escrita representassem a época. Conforme descreve a trajetória de Stoner, porém, o leitor percebe que se trata de um recurso estilístico bem utilizado para representar a inadequação da personagem. Stoner não é um homem frio, apenas distante daquilo que configuraria-o como um homem normal em sua sociedade.

A obra é capaz de criar um personagem central intenso e traçar um panorama de como era o americano na época da narrativa, situada de 1910 a 1950. Em uma época em que havia maior tentativa de sustentar valores como sucesso e casamento, os laços permanentes ficavam a margem de um fardo pesado, ao invés de um genuíno momento feliz. Stoner é uma figura de seu tempo. Um homem que fez da literatura sua inspiração e fuga, contemplando pouca felicidade além dela. As tentativas de realizar atos cotidianos, como um casamento, um filho, sempre resultaram em uma espécie de conflito que contraria a personagem, como se ela fosse incapaz de compreender o por quê de uma vida tão desarmônica.

De fato, as relações que permeiam o personagem sempre parecem distanciadas pelo próprio Stoner. Os amigos são destacados como grandes possibilidades de encontro, a esposa como um alguém incompreensível e, dentre esses pequenos detalhes, reside o grande valor de Stoner como obra: os pequenos fatos diários, a dúvida que permanece durante a vida, mesmo diante dos momentos mais insignificantes; a sensação de incompreensão mesmo quando tudo deveria ser compreendido. Nesse ponto, leitor e personagem se unem pelo amor a própria leitura. A vida quase insignificante de Stoner, porém, é vista como uma grande trajetória. Quando se compreende a cada capítulo que aquele homem distante, dedicado a literatura é somente alguém que não seguiu a mesma lógica da sociedade da época, a identificação é imediata.

Stoner é um precioso romance que se aprofunda sobre pequenos detalhes de uma vida. Enfoca os micro-acontecimentos, principalmente evidenciado as ações comuns mas que, para o personagem em questão, são atos extraordinários por fazerem parte de sua trajetória, mesmo que ele não reconhecia tal afirmativa com clareza. O tempo, alias, é um fator preponderante na trama, um distanciamento proposital para que tudo seja colocado em perspectiva. Fora dela, o tempo também foi crucial para que a obra de Williams alcançasse o seu merecido patamar de destaque. Não a toa, um grande número de leitores recomendam a obra como uma narrativa essencial do último século. Em sua observação aguda sobre os pequenos atos, Stoner é uma narrativa grandiosa.

Compre: Stoner – John Williams.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido

27 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

editora WMF, Editora Wmf Martins Fontes, Li Kunwu, Mao-Tse Tung, Philippe Ôtié, revolução chinesa, Wmf Martins Fontes

A segunda parte de Uma Vida Chinesa, lançado pela WMF Martins Fontes, dá sequência imediata a história vista na parte I – O Tempo do Pai. Porém, nessa parte intitulada O Tempo do Partido, a obra ganha um contraste emotivo maior, bem como o enfoque aprofunda o personagem central, Li, testemunha ocular da evolução da China.

A primeira parte da história focava em seu pai, apresentando as modificações da China a partir da instauração do socialismo, liderados por Mao-Tse Tung. Produzindo um relato ao mesmo tempo pessoal sobre as turbulências passadas pela família e contextual sobre as modificações sofridas pelo país no período. Na segunda parte, encontramos um Li mais maduro. Observando com maior atenção os contrastes de seu país sem estabelecer uma postura crítica negativa como apresentada no início. Com a morte de Mao, a China passa por novas mudanças, estabelecendo pequenas aberturas externas bem como reconhecendo que algumas ações do passado, como a revolução cultural, tiveram seus excessos. Revendo seus próprios erros em um processo chamado autocrítica, o partido procurou avançar sempre com o apoio da população.

O período abarcado pela trama, entre 1976 a 1980 é fundamental para que Li amadureça. O roteiro opta por aprofundar sua transformação sem destacar em demasia as modificações da China na época. O registro se torna pessoal apresentando o crescimento da personagem tanto profissionalmente como desenhista, melhorando seus traços, como intelectualmente, através de duas experiências ligadas ao socialismo chinês: defender a pátria e compreender o valor do campo. Dessa forma, o personagem se alista no Exército e, posteriormente, responsabiliza-se pelos cuidados de um campo de plantação. Ainda que o período seja curto, viver tais momentos geram uma outra visão na personagem, compreendendo na prática parte dos valores propostos pelo Partido Comunista Chinês, bem como reconhecendo que nem tudo funciona devido a corrupção de pequenos grupos.

Tornando-se um homem correto, de regras e trabalho duro, Li segue os preceitos de ordem verificando na prática a importância do trabalho no campo. Fatores que o fazem desejar entrar para o Partido. Mesmo a prisão do pai, enviado por dez anos a reeducação, não se torna um fator negativo, afinal, tratava-se de um novo momento na China em que tais erros não seriam mais cometidos. Sua indicação é realizada através de sua arte, publicada em alguns jornais até chamar atenção da publicidade e propaganda do partido que o convida a integrá-lo para ajudar na divulgação dos novos líderes políticos do país.

Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido enfatiza mais a jornada pessoal de Li do que o contexto da China. Uma estratégia bem composta em, inicialmente, apresentar a história Chinesa para que o leitor compreendesse melhor as motivações de seu personagem central, demonstrando como ele viveu durante esses anos de transição e, por consequência, compreendendo como o povo chines viveu na época.

Compre: Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Wasteland Scumfucks: Terra do Demônio

14 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Veneta, Quadrinhos Nacionais, Yuri Moraes

Em paralelo aos lançamentos de obras internacionais como A Arte de Voar de Antonio Altarriba e Do Inferno de Alan Moore, exemplos dentre tantos outros bons lançamentos, a Editora Veneta também investe em autores nacionais ampliando o mercado editorial de quadrinhos no país. Autores como Marcelo D’ Salete, Juscelino Neco, Marcello Quintanilha, L. M. Melite, entre outros, estão presentes no catálogo da editora, demonstrando que o Brasil também produz obras significativas.

Lançando mais uma obra nacional, Wasteland Scumfucks – Terra do Demônio é o segundo trabalho de Yuri Morais. A obra segue um formato de uma aventura seriada, ainda que pela composição dos traços e a quantidade de quadros em cada página se assemelhe as tradicionais páginas de tiras dominicais, um dia em que algumas tiras de destaque ganhavam uma história completa em mais quadros.

Na trama, GG é um jovem ex-escravo que escapou de um terrível campo de trabalho forçado. Sobrevivendo em um deserto conhecido como Terra do Demônio, o personagem tenta sobreviver ao lado de Z, um robô com problemas no circuito e uma elfa chamada Sérgio. A trama atravessa algumas referências pop, procurando subverter alguns personagens típicos de aventuras tradicionais.

O humor é a tônica da história. Até mesmo na caracterização básica das personagens é possível observar as referências a um caldo de estilos diferentes. A obra, porém, parece trafegar de um ponto a outro da ação apenas apoiada na construção de absurdos, explicitados tanto pelos personagens quanto em situações apresentadas. Em cena, os personagens são semelhantes entre si, compartilham o mesmo tipo de humor corrosivo e cáustico, perdendo um pouco de particularidades que poderiam ser melhores exploradas.

A trama é formalmente dividida em duas histórias mas fazem parte de uma mesma narrativa sequencial. Focado demais em situações de confronto e absurdo, o enredo permanece em segundo plano. A ideia de explorar um novo mundo colonizado e personagens marginais parece mais um pano de fundo para produzir os diálogos ácidos do que uma base que complementa-os. Bem como o surgimento de artefatos desse universo, como uma espada mágica na segunda história, entram em cena quase sem explicação. Mesmo que seja perceptível ao leitor que se trata de uma história seriada, com direito a gancho no final, evitar explicações iniciais de como funciona o mundo em que as personagens vivem retira parte da compreensão da obra. Como os personagens, os leitores são levados de ação a ação sem saber, ao certo, se há uma razão para tudo.

Ainda que uma análise crítica se paute a partir das referências de leitura, sendo assim possível de gerar contraponto entre críticos diversos, há outro aspecto que deve ser analisado além da composição da HQ. A diagramação das letras da edição poderia ser modificada em edições futuras. A escolha de uma fonte fina e de pouco corpo causam, em algumas páginas, dificuldade para ler. Na contracapa, por exemplo, em que a fonte está em um fundo vermelho, é necessário esforço para ler as informações. Um detalhe técnico que o leitor percebe quando há incomodo. Nesse caso, em certos momentos, a imersão narrativa se perdia para que se tentasse compreender as letras miúdas.

Wasteland Scumfucks – Terra do Demônio tenta manter uma tônica humorada, ainda que calcada em excesso em absurdos sem equilíbrio. Sem definir uma narrativa coerente aliada a personagens com personalidades semelhantes, a história não emplaca neste início.

Compre: Wasteland Scumfucks – Terra do Demônio.

Resenha | Antologia Acid Jazz

6 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

quadrinhos independentes

Formando o coletivo Baboon Comix, os paulistas da zona sul Beeau Goméz e Rodrigo Qomen, respectivamente desenhista e roteirista do grupo, lançaram em 2015 na FIQ, o Festival Internacional de Quadrinhos, uma antologia contendo três pequenas histórias. Um cartão de visitas para o público.

A Antologia Acid Jazz se desenvolve com alta expressividade, tendo, inicialmente, a temática do jazz atravessando as três narrativas que a compõe. Desde o título, a referência é inevitável, remetendo a uma ramificação do jazz surgida na Inglaterra durante os anos 1980, onde novos artistas deram uma nova roupagem mais urbana e moderna condizente com os dias atuais, misturando jazz com hip hop, funk, soul, reggae, R&B para a criação de uma nova musicalidade. Além de uma mesma trilha sonora em comum, os personagens são quase marginais, vivendo com angústia o movimento artístico enquanto refletem sobre a própria trajetória.

Entre bebidas e cigarros, as tramas adquirem um tom urbano. Ainda que utilizar o conceito de trama para definir as histórias seja impreciso. A obra é carregada de impressões, principalmente devido aos desenhos de Goméz, carregado de cores e distorções. O texto de Qohen tem forte influência poética, resultando em histórias curtas em que a metáfora é constante em cada frase, pautando-se na economia para que o leitor a interprete a sua maneira.

Costurados pela memórias de três músicos, os enfoques narrativos acontecem em momentos de tormento e delírio. A reflexão e a poesia das frases se contrapõe a brevidade de cada história. Fazendo da antologia uma obra mais interpretativa.

A concepção da obra, de acordo com entrevista dos próprios autores, foi realizada em menos de um mês, desde a composição do roteiro até a impressão. Porém, o curto período de tempo entre criação e lançamento não resultaram em uma obra de baixa qualidade. A edição é simples, mas eficiente para destacar a obra da dupla que, no ano passado, lançou uma história de maior fôlego chamada O Parricídio.

Inserindo um forte potencial interpretativo a cargo do leitor, Antologia Acid Jazz reúne três grandes histórias, pautadas pela poesia e pela expressividade dos traços, em uma ode clara a música e aos artistas marginais que, entre um trago e um gole, vomitam pedaços do coração em um papel.

Compre: Antologia Acid Jazz.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Couro de Gato

10 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Carlos Patati, Editora Veneta, João Sánchez, Samba

Lançado pela Veneta, Couro de Gato – Uma História de Samba, da dupla Carlos Patati e João Sánchez, remonta a origem do samba, a partir das famosas rodas realizadas em morros e no centro velho do Rio de Janeiro. Três histórias atravessam o tema, apresentando momentos distintos da evolução do samba como movimento cultural. Como personagem principal, um bamba fictício, Camunguelo, nome inspirado por um famoso flautista da época. É sob o olhar deste personagem que o leitor acompanha a evolução do samba.

A primeira história que nomeia a obra, Couro de Gato, concentra-se no início do século XX. O samba era uma manifestação de pequenos grupos, reunidos em torno de matriarcas que abriam sua casa para reuniões e manifestações culturais. Distante de qualquer conceito de autoria, o samba representava uma manifestação oriunda do povo africano trazido a força ao país. Nessa época, qualquer manifestação era intitulada de batuque. Somente posteriormente que cada expressão cultural foi ganhando contornos próprios, até chegarmos no samba como um estilo musical.

A reunião dos grupos negros do Rio de Janeiro marcavam um primeiro momento após o fim da escravidão em que muitos vieram até a capital do estado a procura de emprego, e outros que lutaram em campanhas do país, aguardando as prometidas terras que nunca vieram. De maneira sutil, a obra aponta que parte do desamparo foi fundamental para formar um grupo que começava a ficar a margem da própria sociedade.

A segunda história, O Último Samba do Castelo, é a narrativa mais robusta. Centraliza a figura de Camunguelo por sua experiência, contando momentos importantes do Morro do Castelo que, no dia seguinte, seria destruído como uma medida de recuperação do centro da cidade. Outro momento histórico que demonstra a falta de cuidado do governo com parte da sua população.

A história também é espaço para rememorar o início do samba e as diferenças do movimento após vinte anos. A cultura do samba havia se estabelecido e se ampliado em outros locais. Ao mesmo tempo, a trama também desenvolve um pouco mais a trajetória de Camunguelo que narra o passado a uma cabrocha que deseja conquistar. Evidenciando a postura do sambista da época como um conquistador charmoso, um malandro encantador que utilizava a mística poética também na conquista.

A terceira parte se situa na década de 30, quando a música desce do morro, conhecendo o asfalto, bem como compositores da cidade sobem o morro para fazer samba. Uma nova era em que a autoria havia sido estabelecida e o marco de sucesso era a capacidade de vender um samba para tocá-lo na rádio. Camunguelo divide a cena com icônicos sambista da época: Cartola e Noel Rosa. Todos compartilhando um estilo de vida misto em que a malandragem e o cotidiano se transformavam em matéria de samba. Uma crônica cotidiana narrando amores, desavenças e a poesia que fundamentada os versos cadenciados.

A escolha de João Sanchez para compor os traços busca uma interessante originalidade. A primeira parte da obra foi composta em xilogravura, a composição de traços realizados a partir da maneira, famoso nos desenhos da literatura de cordel. As duas partes seguintes foi inspirada pelo mesmo processo, um conceito que Patati chamou de xiloderivado, mantendo as características da xilogravura a procura de um formato original, mantendo a tradição do estilo mas agregando-a a uma forma mais moderna de registrar os desenhos. Tal processo amplia a sensação de imersão na obra, retratando historicamente o samba e visualmente um estilo artístico também importante na nossa cultura.

Promovendo um resgate do nosso samba, Couro de Gato é uma HQ que aguça o leitor para conhecer parte de nossa história musical e partir para outras leituras informativas. A obra conta com uma bibliografia no final para direcionar os leitores a procura de maiores informações sobre uma dos estilos musicais mais ricos da nossa cultura.

Compre: Couro de Gato – Uma História do Samba

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Uma Vida Chinesa – I. O Tempo do Pai

6 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Comunismo, Li Kunwu, Mao-Tse Tung, Philippe Ôtié, revolução chinesa, Wmf Martins Fontes

Parte da composição artística é feita com base na experiência pessoal. Ações modificadoras que utilizam uma narrativa como registro eterno. Em maior ou menor grau, há sempre um relato que atravessa as páginas ficcionais. Nenhum autor está alheio ao seu tempo ou livre de inserir partículas de si em sua obra. Bem como há uma vertente que explicitamente transforma o objeto artístico em uma forma de reconstruir o passado, procurando ressignificá-lo através da arte.

Lançado pela WMF Martins Fontes, Minha Vida Chinesa é uma história em três partes escritas por Li Kunwu e Philippe Ôtié, retratando o período em que Kunwu viveu na China. Cada uma das partes da HQ abarca um período do país, tendo como ponto de partida inicial a liderança de Mao-Tse Tung, uma das primeiras grandes transformações da China nos últimos séculos.

O primeiro volume, lançado originalmente em 2009 e no Brasil em 2015, intitula-se O tempo do Pai. Partindo desde a fundação da família para narrar os primeiros anos de vida do autor como um observador da revolução comunista na china. Uma análise influênciada pelo pai da personagem, um dos secretários a serviço do Partido Comunista Chinês. Diante desse cenário, é com certo amargor que Kunwu narra os feitos da época.

A partir da revolução, a China sempre foi vista de maneira dúbia. As análises sobre Mao no poder apresentam, muitas vezes, fatos tendenciosos. E, ainda hoje, parte do material de grandes estudiosos sobre o tema ainda não chegaram em nossa língua. Para se compreender a fundo as modificações da China no período, são necessários explorar textos em outras línguas, a procura de autores diversos e vozes distintas capazes de pontuar o que foi bom e ruim nesse período. De qualquer maneira, o narrador demonstra incômodo sobre o que viveu, como se houvesse uma diferença clara da China de Mao vista de fora, daquela vivida cotidianamente.

A contextualização da história é pautada sob o ponto de vista do autor. A evolução do comunismo chinês é vista como uma ação paradoxal em que havia muita utopia em contraposição a uma miséria crescente. Desde o início da narrativa, permeando a evolução a partir de 1955, há paradoxos explícitos entre uma ênfase publicitária, da potência do comunismo como regime para melhorar a nação, enquanto a vida do personagem e sua família demonstra um cenário mais delicado em que o campo e a cidade se imaginavam mais equilibrados do que estariam de fato, todos vivendo em um ambiente desigual.

A ideologia maoísta é inferida como uma doutrinação inserida em diversos aspectos da sociedade. Havia preceitos puros, evidenciando a transformação da população como ativa na força de trabalho, sempre recordando-os que todos possuem igualdade, preservando uma auto-consciência sempre retomada pelos simpatizantes ao movimento. Porém, conforme o sistema agrega nova parte da população para defender seus ideais, a utopia do socialismo é aquebrantada por pequenos interesses próprios.

Evidente que o leitor mais atento irá pressupor que tal fato não aconteceu na China como um todo. Porém, pela visão de Kunwu, o benefício próprio da população era claro e tal fator foi utilizado para subjugar aqueles que não eram considerados bem inseridos na sociedade. O que o Partido Comunista Chinês fez, de fato, foi manter uma ideologia ativa dentro do país para que o projeto comunista nunca fosse destruído. Figuras que lutaram na guerra contra o Japão se tornavam símbolos heroicos e havia ações para que cada adolescente e criança nunca esquecesse de tais fatos. O poder estava também destinado ao povo, convidado a participar ativamente, tanto em pequenas modificações de cada local quanto a se tornar parte do grupo militar, tornando-se um soldado do partido.

A crítica diante do comunismo se torna mais forte quando a China desenvolve o projeto da grande revolução cultural proletária. Foi neste período que o famoso livro vermelho de Mao foi lançado. Contendo canções, temas e bases que definiam quais procedimentos a população devia adotar. Em geral, qualquer cultura considerada burguesa deveria ser substituída pela cultura proletária, para que a população tivesse identificação imediata. Os totens da velha China são substituídos por Mao e a revolução vermelha.

A revolução cultural ainda é considerada um ponto difícil na trajetória de Mao na China. A imposição destruidora da velha China, destruindo qualquer conceito burguês, causou rupturas profundas entre a população. Na HQ fica evidente que havia um processo extremo de culpabilidade a qualquer chines que parecesse não seguir os preceitos comunista. Os autores expressam incômodo com tais fatos, principalmente porque a própria família de Kunwu foi vítima de denúncias e difamações. Mesmo um funcionário exemplar como seu pai, tornou-se alvo de investigações, produzidas a partir de denuncias da própria população.

Uma Vida Chinesa não intenta ser uma aula de história. Mas apresentar, sempre que possível, o testemunho de um personagem que viveu dentro da China durante tais transformações. As cenas contextualizadas são explicadas na própria narrativa, sendo possível compreender os fatos sem a necessidade de outros textos, ainda que para o enriquecimento da compreensão da época, seja favorável procurar outras fontes. Afinal, trata-se de um relato pessoal, uma visão única sobre um grande grupo heterogêneo e um grande momento do país.

Os traços de Kunwun realizados em nanquim são peculiares. A estética da obra segue o estilo tradicional das graphic novels, composta nas cores preto e branco. Porém, os traços possuem pequenas modificações de uma retratação tradicional, como se tudo fosse reinterpretado pelo autor para produzir ainda mais enfase. As expressões são bem delineadas e, muitas vezes, distorcidas, gerando personagens com forte expressão física.

Ao decidir produzir um relato confessional e pessoal de uma vivência, a obra evita a normatização histórica, sem medo de inserir um ponto de vista diante dos fatos observados. Um material rico que funciona como um bom exemplo de uma história diante da História e um ponto de partida para aqueles que desejam estudar o tema, em um formato sempre convidativo como os das HQs.

Compre: Uma Vida Chinesa – I. O Tempo do Pai

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Anne Frank: A Biografia Ilustrada

4 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Anne Frank, antissemitismo, Companhia das Letras, Nazismo, quadrinhos na cia, Segunda Guerra, segunda guerra mundial

Registro fundamental da história, O Diário de Anne Frank se consagrou como um importante relato de uma testemunha vivendo sob a opressão da Segunda Guerra Mundial. Uma narrativa autoral com qualidade suficiente para se tornar também uma obra literária, tornando-se um relato de resistência e inspiração.

Anne Frank nasceu como uma alemã livre. Quinze anos depois, quando morreu de tifo em um campo de concentração, sua vida havia se transformado por completo. A garota e sua família foram testemunhas da violência do Terceiro Reich contra qualquer um que era considerado impuro. Amadureceu e viveu parte da adolescência no anexo secreto em que a família e agregados permaneceram por dois anos fugindo do jugo alemão. Até serem traídos por um desconhecido. Durante o tempo em que permaneceu escondida, manteve um diário.

A transformação de seu diário pessoal, escrito como forma de suportar o peso de dias terríveis, tornou-se um exemplo das diversas violências que o povo judeu, bem como outras minorias, passaram durante a guerra. Desde seu lançamento, o livro foi editado em versões diversas e até mesmo a autoria da obra foi questionada. O diário veio a tona a partir da leitura do pai de Anne, Otto Frank, único sobrevivente da família. Edições posteriores lançadas sem nenhuma edição, demonstraram que Anne era, de fato, uma garota precoce que amadureceu emocionalmente e literariamente no período de guerra.

A força de sua história permanece em Anne Frank: A Biografia Ilustrada, lançado pela Quadrinhos da Cia, e realizada pela dupla Sid Jacobson e Ernie Colón. A obra é a quarta parceria da equipe que anteriormente trabalhou em duas edições dedicadas ao 11 de Setembro e em uma biografia de Che Guevara. Ou seja, autores que possuem um entrosamento adequado e, além disso, trabalharam anteriormente com materiais reais e histórias significativas. Dessa forma, a dupla é capaz de ir além da mera transposição de um livro para um novo formato.

Jacobson pontua a história de Anne Frank expandido o enfoque de seu diário. Retoma a união que fundamentou a família, demonstrando como os Frank e os Hollãnder viviam antes do enlace matrimonial, bem como explica os fatos que levaram aos fatídicos acontecimentos da Guerra. A voz para narrar tais fatos é didática, mas bem inserida para criar o necessário contexto da época. Apresentando pequenos trechos do próprio diário ou outras fontes originais como cartas escritas por Otto Frank, a obra ganha maiores contornos explorando tanto o drama da família como da guerra em geral, situando os motivos fundamentais que levaram os alemães a assumir uma política agressiva de extermínio do povo judeu.

A figura de Anne Frank é ressaltada com vigor, dando credibilidade necessária para que o leitor compreenda que a garota era um personagem diferente dentro da sociedade como um todo. Alguém que, desde a infância, foi tida como especial e diferente de outras figuras do seio familiar. Dessa forma, é coerente compreender como a garota foi capaz de usar a literatura como um meio de identificação pessoal e de alívio para seus dias massacrantes. Vivendo sob o jugo da guerra, sua maturidade foi precoce e urgente.

A biografia, porém, tem espaço suficiente para demonstrar como cada Frank reagiu diante do mesmo problema. Dentro de uma situação sufocante, qualquer conflito natural de uma família se torna ainda mais difícil, beirando explosões que não acontecem devido ao confinamento obrigatório no anexo secreto. A história dos Frank aponta também como, em tempos obscuros, o apoio e ajuda são fundamentais para evitar maiores agressões. Além do diário ter sido guardado por uma das colaboradores de Otto, a rotina para que a família vivesse minimamente confortável dentro um espaço apertado foi apoiada pelos amigos íntimos que colocaram a própria vida em risco diante da barbárie.

Conforme chega ao seu desfecho, quando os Frank são capturados, a biografia se torna mais vaga. Considerando que a fonte original seja o diário de Anne, é evidente que os relatos da família dentro dos campos de concentração sejam diminutos. O que Otto fez foi reunir posteriormente o relato de outros prisioneiros que estiveram ao lado de Anne. Um processo misto entre o pessoal e literário que desejava, ao menos, dar um fim digno a trajetória da família.

A trajetória de Anne continua ainda hoje sendo uma das fortes figuras de resistência da Segunda Guerra Mundial. Seu papel como criança alemã judia com uma morte precoce, vivendo em um mundo massacrado pela guerra se mantém como um símbolo que representa um povo. O injustificado genocídio que oprimiu e dizimou um número gigantesco de judeus e outras minorias. Um fato histórico que nunca pode ser esquecido para que nunca mais se repita.

Anne Frank: A Biografia Ilustrada foi realizada com aval da Casa de Anne Frank, instituição responsável por preservar a imagem da família e sua história. Formatada em uma outra mídia, a obra mantém a intensidade do relato original e apresenta a um novo público a relevância de uma interessante testemunha ocular de um momento sombrio da história. A edição lançada no país ainda conta com uma cronologia da família Frank, bem como apresenta sugestões de leitura para se aprofundar no tema.

Compre: Anne Frank: A Biografia Ilustrada.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Feito na América

3 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Doug Liman, narcotráfico, pablo escobar, Tom Cruise

Tom Cruise é um dos poucos atores de Hollywood a manter a alcunha de astro. Destacado em uma época em que o nome era suficiente para resultar em uma boa bilheteria, independente da qualidade do filme, hoje sua carreira se mantém em produções de ação e aventura ou em tramas que envolvam ação física diretamente.

Com a queda dos brucutus no meio da década de 90, e da ascendência de poucos atores do estilo em uma nova geração, Cruise se tornou uma espécie de ator misto, com uma boa qualidade técnica na interpretação quando possível (com direito a arroubos dramáticos), um charme que a idade ainda não destruiu, e uma dedicação intensa à cenas de ação, sempre desafiando a si mesmo como nas perigosas cenas da franquia Missão: Impossível.

O ator retoma a parceria com Doug Liman, iniciada em 2014 no eficiente No Limite do Amanhã, para retratar uma história baseada em fatos reais que segue um estilo narrativo presente em diversas produções da última década: a trajetória de um personagem que utiliza as falhas e corrupções do sistema para benefício próprio. Para ficarmos em dois exemplos semelhantes: Steven Spielberg e a história de Frank Abagnale Jr em Prenda-Me se For Capaz. Martin Scorsese e seu Lobo de Wall Street. Obras que tem em comum personagens charmosos, corruptores, capazes de manipular a ordem de maneira quase indomável.

Feito Na América segue a vertente contemporânea de explorar a década de 70 e 80 como uma nostalgia fetichista. Desde o logo da Universal que se transforma na vinheta antiga do estúdio à transposição cinematográfica dos conceitos analógicos, com defeitos causados pelas reproduções das fitas de vídeo, apresentando falhas propositais na imagem. Tudo é orquestrado para fornecer um registro de uma história antiga, destacando a personalidade de Barry Seal, um competente mas descontente piloto de aviões comerciais que realiza pequenas corrupções diárias, como vender charutos cubanos em território americano, e que não mede consequências quando oportunidades maiores batem em sua porta.

Em uma época em que a Guerra Fria regia as tensões mundiais e os Estados Unidos tentavam evitar qualquer levante comunista na America Latina, Seal aceita a proposta de se tornar um agente da CIA em uma operação secreta, produzindo fotos aéreas de países com possíveis grupos comunistas. Pego em uma de suas viagens por traficantes, vislumbra a possibilidade de lucrar de ambos os lados, trabalhando tanto para o governo quanto para o famoso cartel de drogas de Medellin, na Colombia.

Em uma trama com poucos conflitos, o personagem de Cruise representa o desequilíbrio de certas políticas americanas. Ações desesperadas que hoje parecem cômicas pelo improvável, mas que foram levadas a sério em sua execução. Em cena, Seal parece invencível, um homem charmoso e com lábia suficiente para convencer qualquer um de sua habilidade em resolver problemas. Ele é capaz de enganar a CIA, trair traficantes, evitar o sistema judiciário, esconder pilhas e pilhas de dinheiro sem nenhum medo. A potência de Tom Cruise corrobora a favor da personagem, embora a ausência de conflitos retire os tons dramáticos da história. Trata-se de uma obra que segue a vertente do espetáculo. As cenas que exploram esse mundo as avessas são boas, trazendo um riso irônico no público devido ao absurdo.

A direção de Liman e a edição ágil de Andrew Mondshein (A Múmia, Chocolate, Sexto Sentido) se contrapõe a estética oitentista, revelando que o filme possui um registro cinematográfico atual, com grande parte das informações apresentadas em cenas rápidas. Focado em excesso no entretenimento e no estilo estético oitentista (um brega que não é mais cafona, mas sim nostálgico), a trama tem fôlego curto, mesmo que Cruise esteja bem em cena, dando credibilidade ao personagem.

Ainda que a história se revele divertida, mantém a impressão de que se trata de um filme-produto, focado na exploração de conceitos em alta no mercado, como o anti-herói que dribla o sistema, a estética do videoclipe de cenas com cortes rápidos e a nostalgia oitentista como uma fórmula que atrai o público. Funciona como uma produção para assistir sem culpa, porém, um filme que se perderá facilmente da memória em um curto período de tempo pela falta de originalidade.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Astronauta: Magnetar (1)

13 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

cris peter, Danilo Beyruth, graphic msp, mauricio de sousa, Panini

Quando, após vinte anos na Editora Globo, o Estúdio Maurício de Sousa migrou para a Panini Comics em 2007, a parceria com a nova editora ampliou o resgate da Turma da Mônica em reedições do início de cada personagem, bem como a publicação de edições especiais e de encadernados com as tiras de jornal. Dois anos após a estreia na casa nova, as celebrações para a carreira cinquentenária de Maurício de Sousa foi o ponto de partida para três edições comemorativas (MSP 50, MSP +50 e MSP Novos 50) reunindo diversos artistas brasileiros compondo histórias em homenagem a Turma da Mônica.

O selo Graphic MSP surgiu a partir da boa recepção dessas três coletâneas e possibilitou uma abordagem inédita na obra de Maurício de Sousa: a reinterpretação de seus personagens por outros autores em uma história fechada. Escolhido como o primeiro projeto desta nova linha editorial, o personagem Astronauta foi revisto por Danilo Beyruth e Cris Peter.

Lançado em setembro de 2012, Astronauta – Magnetar causou um forte impacto desde o início. Um novo formato apresentando as clássicas personagens conhecidas pelo público, dessa vez, em uma vertente diferente, mais adulta pelo que sugeririam as divulgações da época. No prefácio que abre a edição, Sousa afirma que criou o Astronauta como forma de competir com outros personagens da época voltados para a ficção científica. Claro que o fez em seu estilo, um garoto carismático que fazia parte de uma organização brasileira dedicada aos astronautas, a BRASA. O conceito infantil, tônica de sua obra desde a criação é deixado de lado nessa história que se aprofunda em bases da ficção científica para gerar contraponto entre o Astronauta, um homem solitário em missões perigosas contra a vastidão do universo, imenso e silencioso.

Na trama, o personagem realiza uma missão para estudar um magnetar, uma estrela de nêutrons com um forte campo magnético, quando comete um erro que pode lhe custar a vida. Como muitas obras de ficção científica, é o cerne humano que está em discussão, contrapondo a solidão de um náufrago sendo obrigado a lidar com as adversidades do espaço e a angústia interna, lutando pela sobrevivência.

A simplicidade do roteiro de Beyruth é o destaque da trama, focada com precisão no drama, sem excessos, mas suficiente forte para demonstrar como o projeto das graphic novels produzia uma nova linha narrativa da obra de Maurício. Seu astronauta é um adulto quase amargo, resgatando do passado bonitas lições nostálgicas, como as conversas com o avô, e memórias duras como o amor perdido.

As composições dos quadros em cada página apresentam a dimensão do espaço contrastando-a com a solidão da personagem e, brevemente, retomando a sua infância, conectando-o com as origens fundamentadas por Maurício na versão clássica. Em um roteiro tradicional que cumpre seu objeto de trazer uma nova ótica após 50 anos de uma mesma versão do personagem. Ainda que pareça cedo afirmar, o selo MSP Graphic Novel é um dos marcos contemporâneos dos quadrinhos brasileiros, sem dúvida.

Compre: Astronauta – Magnetar

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | As Sobreviventes – Riley Sager

12 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

editora gutenberg, Horror, literatura de terror, suspense, Terror

O subgênero do terror conhecido como slasher foi fundamentado como um estilo a partir da década de 1970 com dois grandes clássicos do terror: O Massacre da Serra Elétrica (1974), de Tobe Hooper, e Halloween (1978), de John Carpenter. A tradução do verbo slash, retalhar, cortar, apresentam pistas do subgênero, fundamentado por um assassino serial, com ou sem máscara, que elimina um grupo de pessoas com, provavelmente, poucos sobreviventes no final.

Evidentemente, há registros anteriores a tais marcos como Psicose (1960), de Alfred Hitchcock, porém, as estruturas analíticas em torno do subgênero não haviam sido desenvolvidas. Dessa forma, os filmes citados permanecem como um dos primeiros fundadores e, posteriormente, a década de 80 daria vazão a grandes séries slasher como A Hora do Pesadelo e Sexta-Feira 13 e, na década seguinte, com Pânico.

Escrito por Todd Ritter sob pseudônimo de Riley Sager, As Sobreviventes, lançado pela Editora Gutenberg, retoma a tradição dos slasher apresentando um depois dos massacres vistos em diversos filmes. A trama é centrada na jovem Quincy Carpenter, a única sobrevivente de um massacre terrível. Ao lado de outras duas sobreviventes de situações similares, ganharam a alcunha de sobreviventes pela mídia. Mas Quincy é a única que guarda poucas recordações de sua noite fatídica, até que novas informações trazem novas lembranças e, finalmente, a verdade.

Sager desenvolve certo ineditismo narrativo ao apresentar um momento posterior após os filmes de horror. Compondo uma narrativa dividida entre primeira pessoa – narrada por Quincy no presente – e terceira – ao apresentar, aos poucos, os fatos acontecidos no massacre que transformou a personagem em uma sobrevivente – a tensão se desenvolve a cada capítulo. Sendo uma obra oriunda do gênero slasher, é como se, a cada nova revelação, fosse iminente a aparição de um homem mascarado e uma faca afiada. Um tipo de leitura fluída que ganha o status de page-turner, uma obra que gera intensa curiosidade por parte do leitor que o faz ler capítulo após capítulo, até o final.

Ao selecionar uma personagem central como Quincy, uma sobrevivente de um massacre brutal, o autor é capaz, mesmo em uma trama mais próxima do suspense, introduzir uma psicologia profunda na garota diante de uma situação-limite com alto índice de trauma. Cada uma das sobreviventes reagiram a sua maneira com seu próprio passado. No caso da garota, o bloqueio neurológico não só funciona como afastamento da situação como garante ao leitor descobrir junto com a personagem os novos fatos sobre o dia fatídico.

Se os filmes sempre pontuam as personagens focadas em um tempo determinado, um final de semana, uma festa comemorativa, a narrativa expande esse tempo, demonstrando que, apesar da grande violência, tem-se um cotidiano normal de alguém que procura recomeçar a vida, apesar do trauma vivido e da característica exploração midiática, comum aos acontecimentos e escândalos de grande repercussão.

Um evidente amante do gênero, Sager transpõe com qualidade as bases do subgênero à sua ficção. Dessa forma, comum ao subgênero, o desenlace traz uma revelação final com reviravoltas, como manda a regra sobre a revelação do assassino, nem sempre tão imaginativa assim. Porém, os fatos são coerentes com a história, ainda que seja interessante pontuar que o leitor que não se sente confortável com o estilo slasher, talvez se incomode com o desfecho. Porém, mesmo nele, há uma interessante discussão sobre a adoração que muitos tem sobre tais massacres reais, como, por exemplo, o sempre presente interesse de muitos a respeito de famosos assassinos seriais.

Com o apoio da leitura atenta de Stephen King, mestre que elogiou a obra como um dos thrillers do ano, As Sobreviventes, eleito uma das melhores leituras de julho no Goodreads, é uma interessante narrativa de suspense que se distância um pouco do comum, alinhando na literatura um dos subgêneros mais queridos dos filmes de terror.

Compre: As Sobreviventes – Riley Sager

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Menino 23: Infâncias Perdidas do Brasil

11 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Documentário, escravidão, Nazismo, Racismo

Há um ditado popular que define que a verdade nunca fica escondida para sempre. Talvez a repetição costumeira da expressão faça com que ela perca a força, mas, ainda assim, é uma máxima funcional. Ocultar fatos e, portanto, a verdade é sempre um aspecto mais doloroso do que analisar a realidade sem filtro.

Baseado na tese de Doutorado em Educação de Sidney Aguilar Filho, defendida em 2011, Menino 23 – Infâncias Perdidas no Brasil é um documentário que retoma um passado obscuro do país a partir de um fato inusitado. Em uma aula de história de Sidney sobre nazismo, uma aluna aponta que na fazenda da família um pequeno acidente revelou um conjunto de tijolos com a suástica nazista. A partir dessa evidência o autor investiga a história, descobrindo no município de Campina do Monte Alegre uma fazenda de uma poderosa família da região que retirou 50 crianças negras de um orfanato para escraviza-las.

O documentário de Belisário Franca retorna a um Brasil de 1930 apresentando a contextualização mundial e social do país na época. A Bolsa de Nova York havia quebrado no final da década anterior. O país vivia a crise mundial e ainda se readequava tanto a uma nova condução política com o fim da República Velha como ainda sofria para estabilizar socialmente os escravos, alforriados há apenas 42 anos.

Na época, o patriotismo e o nacionalismo se confundiam entre orgulho a pátria e uma ideologia que identificava uma preservação da nação acima de tudo. Seguindo vertentes internacionais, o Brasil foi um dos países a alimentar o movimento nacionalista aliado as teses favoráveis a eugenia, uma busca de uma pureza racial. Em um momento anterior ao domínio de Hitler no poder da Alemanha e de toda a barbárie do Holocausto, a eugenia ainda era vista como um movimento intelectual que foi observado como um ato de modernidade capaz de alinhar a nação a outros grandes países. Campanhas sanitárias e educacionais fomentavam o movimento eugênico brasileiro analisando, por exemplo, a importância da esterilização, da seleção de imigrantes e análises sobre o que seria a verdadeira raça brasileira com teses apontando que a mestiçagem inviabilizaria o país como grande nação.

Dentro desse cenário delicado, a narrativa aponta a história de uma importante família local que adota no Rio de Janeiro um grupo de crianças negras com a falsa pretensão de educa-las. Recebidas em uma fazenda em Campina do Monte Alegre, as crianças vivem em situações precárias, vivendo isoladamente como escravos a serviço da família.

O documentário apresenta a trajetória de dois jovens que sobreviveram ao período e prestam seu depoimento histórico sobre um grupo que nem mesmo possuía nome. Oficialmente adotados pela família, o grupo era tratado por números, bestificados a perder seu próprio nome de batismo. O Menino 23 destacado no título da produção é Aloísio Silva, um dos personagens centrais dessa história. Em um amplo espaço isolado, a fazenda dos Rocha Miranda era um espaço ideal para demonstrar a leniência da lei. O status de representante da elite brasileira na época, garantiu-lhes a facilidade em adotar 50 garotos sem grandes questionamentos.

Trazendo a verdade a tona, a produção revela com fatos informações abrangentes que, ao mesmo tempo, compreendem a época e demostram a violência vivida pelos garotos em uma ação que, independente do pensamento eugênico popular no país, explicitava o racismo que ainda perdura. Ao dar voz aos garotos-sem-nome, o documentário revela o outro lado da história. Elimina qualquer anonimato que mascara o conceito da escravidão, do preconceito e do racismo para apresentar personagens reais que viverem na pele anos de violência física e emocional instituída por uma família de elite, em grande parte apoiadora de teorias estúpidas mas, estranhamente, bem quistas na época.

Os tijolos com a suásticas encontrados por acaso pontuam a muralha que escondeu durante muito tempo a verdade. Uma ação perversa em um período não tão distante do país que funciona como exemplo de um racismo na época, trazido a tona graças a um acaso, nos fazendo questionar quantos mais casos como esse nunca foram revelados e quantos ainda existem em pleno século XXI. Um fato entristecedor de uma realidade que ainda persiste nas diversas desigualdades do Brasil.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Homem-Aranha: Funeral para Octopus

5 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Abril Jovem, Homem-Aranha, Marvel Comics

Em paralelo as edições mensais dos quadrinhos da Marvel, os especiais sempre foram uma estratégia do estúdio para lançar um material extra, aproveitando-se de ocasiões especiais ou de personagens com alto índice de venda. Não se trata de um conceito recente, ainda que, em décadas anteriores, muito material lançado no exterior como especial foi inserido em mensais pela Abril Jovem em seu formatinho.

Havia, no entanto, ocasiões especiais que as histórias eram vendidas da mesma maneira que seu original, como Homem-Aranha: Funeral Para Octopus lançado em um longínquo 1997, em Grandes Heróis Marvel, 1ª série, nº 56, pela Abril. Reler atualmente um formatinho é, inevitavelmente, uma leitura nostálgica, principalmente se o leitor se iniciou nos quadrinhos por estas edições de preço acessível para a época. Mesmo que se tente evitar qualquer elemento nostálgico, era um momento interessante nos quadrinhos do Brasil em que um colecionador podia comprar tudo o que quisesse do eixo Marvel/DC Comics sem gastar muito. Os tempos eram outros, evidentemente. Mas muitos se lembram desta época com carinho.

Dito isso, a história em questão se passava durante a difamada Saga do Clone. Reclamada por muitos leitores mas que produziu, durante a participação de Ben Reilly nas histórias, uma interessante dinâmica entre dois Aranhas. Histórias que não são épicas mas divertiam pela composição aventureira e, normalmente, bem humorada. De fato, se fosse preciso definir essa história em poucas palavras, diversão seria a palavra fundamental.

Embora a década de 90 tenha produzido muitas histórias estranhas em diversas revistas, em linhas gerais, as edições de Homem-Aranha conseguiram manter a tônica de histórias leves e mais aventureiras do que outras versões posteriores que aprofundaram os dilemas vividos por Peter Parker. Na trama, Otto Octavius foi assassinado e Peter Parker decide descobrir quem foi seu assassino. Há um senso de justiça e gratidão no heroi, pois, o velho Oquinho foi responsável por salvá-lo em um momento anterior. Demonstrando como Octavius sempre foi um personagem dúbio, um vilão intelingente e carismático.

Dessa forma, enquanto Peter se encarrega em descobrir os fatos por trás da morte de Otto, Ben Reilly tenta destruir a nova reunião do Sexteto Sinistro. Trata-se de uma história simples, divida em dois polos narrativos, recurso comum na época em que havia os dois Aranhas. Difícil analisar se o fator nostalgia não carrega um pouco as tintas da aventura ou se a linearidade da história produz uma trama simples mas divertida. Há o básico do herói em cena, as boas cenas de luta, piadas non sense inseridas durante a ação e isso é suficiente para uma boa aventura. Interessante notar que há uma cena em que Peter utiliza um dos aparatos de Octopus para derrotar os vilões. Na época, seria inimaginável que Dan Jurgens utilizaria o arqui-inimigo do Aranha como personagem central de uma história, ao trocar seus corpos em uma estranha história chamada Último Desejo, uma transição do Homem-Aranha tradicional para o Homem-Aranha Superior, interessante fase de Dan Slott a frente do título do teioso.

Homem Aranha: Funeral para Octopus é uma história fechada, portanto, fácil de ser lida fora da cronologia. Lida com distanciamento temporal de sua época, é evidente as diferenças de estilo narrativo. Porém, a essência de Peter Parker está presente e resulta em uma boa e breve leitura. Agrada e mata a saudade nostálgica das pequenas edições brasileiras da adolescência de muitos leitores (este incluso).

Na Vitrola: 30 anos de Bad, de Michael Jackson

4 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Artigos

na vitrola

Cinco anos após o lançamento daquele que se tornaria um dos maiores álbuns de todos os tempos, Thriller, Michael Jackson retornava a parceria com o produtor Quincy Jones para uma terceira e última contribuição. Bad tinha a missão de manter a densidade sonora do álbum anterior, aliada ao sucesso musical.

Trinta anos após o lançamento completado em 31 de agosto, o álbum permanece como uma das joias da coroa do rei do pop. Se os dois impecáveis álbuns anteriores funcionavam como uma desconstrução da música pop até então, com inserção de elementos novos e uma mistura bem pontuada de ritmos, Bad era a reconstrução, centrado em um pop mais tradicional sem deixar de lado o arroubo criativo.

O sucesso de Thriller permitiu que um empolgado Jacko apresentasse diversas canções autorais. As composições somavam mais de sessenta e o músico cogitou a possibilidade de lançar um disco triplo. Quincy Jones, porém, convenceu-o a seguir o caminho tradicional em um disco com dez faixas que, posteriormente, ganhou a inserção de Leave Me Alone na versão em CD. De qualquer maneira, algumas das canções engavetadas foram resgatadas nos dois discos póstumos lançados desde a morte do astro em 2009.

Embora tivesse uma sólida carreira ao lado dos irmãos e iniciado uma incrível carreira solo, Jackson tentava novamente se renovar nesse novo álbum. Depois de incendiar a disco em Off The Wall e quebrar barreiras musicais com o clássico disco com Billy Jean, fez um álbum com algumas canções de maior peso, mas centradas em seu universo íntimo. Um cronista pop.

Bad já refletia o fervor em torno do ídolo. A exploração midiática que nunca lhe deixaria em paz, mesmo após morto. Com a imagem explorada e desgastada em jornais, revistas e em tabloides de fofocas, o álbum é como um direito de resposta de um jovem de 29 anos que cresceu diante das câmeras. Bem como representa a mudança física do astro, diferente daquela vista nas fotos do álbum anterior, com um nariz mais afilado e evidentemente mais branco, se causado por uma doença ou por desejo estético, nunca se saberá de fato.

Para aprofundarmos sobre cada canção, realizamos um faixa a faixa.

Faixa a faixa

01 – Bad (Michael Jackson)

Não a toa, Bad, o álbum, abre com a homônima canção manifesto baseada na história verídica de um garoto que sofria bullying. A letra ainda se mantem como uma metáfora daquele cantor negro que quebrou barreiras musicais, bem como funcionava como o elemento conceitual do disco. Os sapatos brilhantes e o chapéu de Billy Jean cediam espaço para uma jaqueta de couro, reestruturando a imagem do astro, aliada a icônica frase “Who´s Bad” do refrão. Uma deliciosa canção que abria o álbum de maneira tão incendiária como Wanna Be Startin’ Somethin, de Thriller.

02 – The Way You Make Me Feel (Michael Jackson)

A postura de machão do ídolo se mantém como um conceito. A segunda faixa é uma declaração de amor, pontuada pelo bom ritmo, em uma teclado que entra na melodia como um ataque, aumentando a densidade da música. A sequência de palmas no final, complementam a balada, demonstrando a busca pela pluralidade sonora.

03 – Speed Demon (Michael Jackson)

A canção que mais destoa do disco tem uma história cotidiana em sua inspiração. Atrasado para o estúdio, Jackson foi multado por excesso de velocidade. O baixo acelerado no refrão, quase sintetizado, soa anacrônico. Sem técnica se comparado as outras canções do álbum. A voz, porém, destaca-se entre o sussurro e a agressão, um equilibrio vocal na faixa mais tradicional do disco.

04 – Liberian Girl (Michael Jackson)

Com a participação da cantora Letta Mbulo, responsável pelos versos iniciais em swalli, Liberian Girl é outra canção de amor dedicada a uma personagem não identificada. Uma provável estratégia do astro para destilar seu lado amoroso sem revelar uma musa, ainda mais se considerarmos o exagerado olhar da imprensa em sua vida. A fama é representada no videoclipe da canção com uma câmera oculta, filmando diversos grandes astros da música e do cinema, que se revela no final como sendo o próprio Jackson.

05 – Just Good Friends with Stevie Wonder (Terry Britten, Graham Lyle)

A única das onze canções que não atingiu mundialmente alguma lista de mais ouvidas. Estranho se imaginarmos que trata-se de um dueto com Steve Wonder, um dos grandes da Motown, revisado por Michael diversas vezes. A canção repete um embate parecido com The Girl Is Mine (em dueto com Paul McCartney) mas, dessa vez, o ritmo é dançante e a personagem feminina da história está indecisa com qual dos amores ficar, representada no título, o clássico “somos apenas amigos”. Diante dos singles anteriores em rotação nas rádios, talvez faltou espaço para essa boa canção que, de quebra, reunia os dois astros consagrados.

06 – Anoter Part Of Me (Michael Jackson)

Lançado na época do auge do vinil, a primeira faixa do Lado B foi estrategicamente inserida com Another Part Of Me. Fisicamente, o outro lado do disco e, portanto, outra parte de Michael Jackson. Uma das primeiras canções a dialogar sobre causas mundiais, uma das vertentes da música e do estilo de vida de Jackson que sempre foi um filantropo e havia, em 1985, produzido uma gigantesca parceira musical contra fome da Africa na excelente We Are The World.

07 – Man In The Mirror (Siedah Garrett, Glen Ballard)

Uma das canções mais significativas do álbum, Man In The Mirror não foi composta pelo cantor. A batida suave iniciada com os dedos estalando inferem uma balada terna, mas se tornaria uma das canções emblemáticas para compreender o próprio cantor.

Michael tinha prazer em cantar essa canção sobre as mudanças pessoais e internas de cada um como fonte transformadora para um mundo melhor. Conforme a mensagem se adensa, a melodia cresce a contornos épicos, com um coral acompanhando a letra. Sentimental sem sentimentalismo barato e com a dose certa de reflexão. Com o tempo, a canção se tornou símbolo do próprio músico: um homem diante de um espelho, infelizmente, sem saber as vezes quem era.

08 – I Just Can´t Stop Loving You with Siedah Garrett (Michael Jackson)

As canções próprias retornam em outra balada, agora amorosa. I Just Can´t Stop Loving You é cantada em parceria com Siedah Garrett – uma das compositoras da faixa anterior – bisando uma relação amorosa. Não há nenhuma grande inovação musical, mas o dueto é potente e sintetiza um dos pensamentos do astro ressaltando o amor como filosofia, love is the answer, diz. Quincy Jones insistiu que Garett participasse do dueto, ainda que, inicialmente, houvesse o plano de convidar alguma cantora famosa.

09 – Dirty Diana (Michael Jackson)

Comparada com Beat It pelo peso da guitarra, Dirty Diana é a canção que mais se aproxima do álbum anterior pelo peso da sonoridade. Mas os versos sobre uma mulher fatal destruidora de corações apresentam um eu-lírico mais maduro. A canção emula uma gravação ao vivo, explicitando um lado roqueiro de um astro e suas groupies apaixonadas.

10 – Smooth Criminal (Michael Jackson)

Marcada como ponto de transição definitivo entre Thriller e Bad, Smooth Criminal é uma das canções mais lembradas, marcante em sua estrutura musical e visualmente estética no videoclipe envolvendo a máfia como tema. Uma canção sincopada pelo baixo narrando a história de uma garota assassinada por um atirador profissional.

Um single perfeito para destacar as características elementares de Michael Jackson. A canção narrada em surruros, os pequenos gritos entre os versos, o destaque instrumental que, nos shows, dão espaço para a coreografia e, novamente, mais uma caracterização que se tornou clássica, onde o astro se veste como um mafioso. Se o disco finalizasse nessa canção, seria um desfecho brilhante. Mas no lançamento em CD, outra significativa canção foi inserida.

11 – Leave Me Alone (Michael Jackson)

Em Leave Me Alone há um Michael Jackson paranoico e incomodado com o excesso midiático ao seu redor. Embora a letra tente demonstrar que estava além das extravagâncias criadas pela mídia, é evidente o incomodo do músico e as bizarrices criadas em todos de sua personalidade. Tanto a canção quanto o clipe lidam de maneira irônica e cômica com a pressão de ser um grande astro. Pressão que um dia quase lhe fez sucumbir. Nessa canção, porém, Michael responde a altura as agressões da mídia em uma excelente faixa.

Moonwalker e a Turnê Bad

Embora o tema transmídia nem fosse citado na época, Michael sempre se revelou um artista múltiplo e sintonizado com a imagem além da música. O filme Moonwalker traz uma versão visual do disco com direito a um divertido jogo lançado na época. Trata-se de uma gigantesca peça publicitária que queria ser um filme mas falha, ainda que possua boas cenas musicais.

Além do vídeo, a turnê de Bad foi a responsável por transformar Michael Jackson no Rei do Pop. Nos shows toda a grandiosidade cênica do astro era posta em prova e, fato raro nos astros pop de hoje, Jackson ainda cantava e dançava nos shows, sem uso de playback. Na celebração de 25 anos do álbum, um dvd registrando um dos shows da turnê foi lançado, demonstrando a grandiosidade e esforço do músico ao estar no palco. Na mesma ocasião, três novas faixas foram apresentadas: Streetwalker, canção com qualidade para estar na seleção oficial do álbum mas retirada pela qualidade superior de outras. Todo Mi Amor Es Tú, difícil versão hispânica com um cantor que claramente não dominava a língua e Fly Away, uma balada sem nenhum destaque.

Mesmo com o grandioso sucesso, musicalmente Bad não consegue atingir a perfeição de Thriller. Mas estabelece bem o próximo seguimento de sua carreira e mostra um músico capaz de dialogar tanto com o tradicional quanto a inovar quando necessário.

O disco fechava a trilogia com o produtor Quincy Jones e mantinha Jackson na trilha dos grandes astros e músicos contemporâneos. Demonstrando que o músico nunca parava de explorar a música, engrossando sempre que possível o caldo sonoro de suas canções. Na época de lançamento de Bad, Michael ainda causaria outras futuras revoluções, antes das queda midiáticas que fizeram muitos duvidar do Rei. Mas aqui temos um homem alinhado com sua própria arte, iluminado e brilhante. Who´s bad?

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | A Santa Aliança – A. J. Kazinski

10 de agosto de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

A. J. Kazinski, editora Tordesilhas

Teorias da conspiração sempre se transformam em um rico tecido especulativo cujo objetivo é desconstruir ou reformular a história oficial de um evento. Acrescentando elementos de intriga e movimentos secretos com poucos envolvidos, motivo pelo qual sempre se torna um tema curioso e um assunto passível de discussão. Quando inserimos a literatura dentro desse conceito, observamos que diversos thrillers partem de uma espécie de suspense conspiratório para atrair o público e desenvolver sua tensão, mistérios fundamentais para produzir uma boa história.

O gênero foi impulsionado desde o lançamento de O Código Da Vinci, em 2003. O maior sucesso de Dan Brown não trouxe apenas as teorias conspiratórias em cena como inspirou diversos outros produtos que utilizavam a intriga com inferências do passado como mote. Histórias curiosas que, nem sempre, mantinham-se na qualidade, afinal, o que estrutura uma boa narrativa do gênero é a capacidade de equilíbrio entre a ficção e a base histórica que ganha um novo sentido na trama.

Reforçando tal afirmativa, os roteiristas Rønnow Klarlund e Jacob Weinreich, retornam ao pseudônimo A. J. Kazinski para mais um bom thriller, dessa vez, valendo-se da potência de uma conspiração. Lançado pela Tordesilhas, A Santa Aliança é o terceiro livro da dupla (os anteriores foram O Último Homem Bom e O Sono e a Morte). A trama acompanha a jovem jornalista Eva Katz se readaptando na vida após a perda do namorado, um soldado no Afeganistão, e um emprego como repórter. Inserida na reabilitação de trabalho da Dinamarca, é realocada para trabalhar em uma creche e, em seu primeiro dia, impressiona-se com um desenho infantil sobre um assassinato e começa a investigá-lo, descobrindo uma história que envolve uma rede de segredos de grupos poderosos na sociedade dinamarquesa.

A narrativa trabalha com qualidade os clichês de uma história de suspense e as bases do gênero policial, colocando sempre a investigação em contraposição com os homens que tentam detê-la. Embora a personagem seja uma jornalista, é o faro pela verdade, um senso que jornalistas e detetives ficcionais têm em comum, o elemento que propulsiona a história. Porém, o grande mérito da obra é a capacidade de desenvolver a psicologia das personagem a um ponto crível, além do mistério. Um fator que justifica com maior ênfase o porquê a jornalista se vê obcecada em descobrir os fatos. As perdas anteriores de sua vida, como a traumática morte do marido, são retratadas de maneira franca em lembranças que evocam a beleza da memória e, ao mesmo tempo, a dor de alguém que, ainda, não superou o passado. Não a toa, a personagem se agarra na investigação como um momento lúcido em sua vida. Tal efeito, a profundidade psicológica de Katz, envolve o leitor além do mistério, estabelecendo um reconhecimento diante de alguém que passou por difíceis momentos traumático.

O bom background da personagem se equilibra com a inserção da realidade em uma conspiração que remonta desde a fundação da Santa Aliança, coligação criada no Século XIV pelas potências monárquicas da Europa. Um momento histórico com potencial para desenvolver intrigas entre governos, mantendo a credibilidade da narrativa sem o excesso de distorções históricas como Brown faz para inserir mensagens implícitas em objetos de arte e documentos diversos em suas narrativas com o professor Robert Langdon.

Como a trama se passa em um breve período, dividido entre as ações diárias de cada personagem, a ação é composta de maneira rápida, encadeando descobertas da jornalista e ações do grupo que tenta parar a investigação a todo custo. Alternando o ponto de vista entre ela e o grupo citado, a tensão se amplia, sem nunca perder o foco.

Bem desenvolvido como um thriller explorando o tema sempre curioso das conspirações, A Santa Aliança é uma boa narrativa do gênero, pautada, principalmente, nas bases do entretenimento para compor um produto de leitura rápida e intensa aventura. Diante de muitas obras com temas semelhantes, a dupla Kazinski sabe compor um bom material e conduzir o leitor ávido em resolver o mistério.

Compre: A Santa Aliança – A. J. Kazinski

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #9

1 de agosto de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, cavaleiro das trevas, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson

(Atenção: a crítica a seguir comenta acontecimentos dos números lançados de The Dark Knight III: The Master Race. Se não quiser saber nenhuma informação a respeito, interrompa a leitura – mas retorne a ela após ter lido as edições).

O desfecho de Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior mantém a narrativa em coerência com excesso de anti-clímax. Uma característica preponderante na nova empreitada de Frank Miller, em parceria com Andy Kubert, no (outrora) brilhante universo criado em 1985.

O último número, novamente, contraria o leitor, evitando qualquer cena épica para finalizar em grande estilo uma história arrastada. O grande embate com os kryptonianos é realizado sem urgência, como a ameaça de destruição mundial vinha sendo tratada nos últimos números. Mesmo retornando da morte, Batman é poupado por Superman, evitando outra morte. Miller ressalta a importância da existência de um homem-morcego mas, novamente, exagera ao extremo. Como a última parte da trama é narrada pelo próprio Cavaleiro das Trevas, há momentos de egocentrismo exagerado, ressaltando o herói como um personagem potente e necessário, até mesmo se vangloriando de sua capacidade física, comparando a violência como uma arte.

Batman pode ter sido o herói que desencadeou a ação em diversos momentos como no início da história quando ameaçou os kryptonianos, bem como foi o responsável por resgatar o Azulão do exílio. Porém, é excessivo até mesmo para um personagem que, nos últimos anos, é um paradoxo de um humano comum dentro do universo DC, porém, quase invencível.

Os outros heróis do panteão da Liga da Justiça que, aos poucos, reassumem seus mantos, não trouxeram nenhum acréscimo à trama. Mulher-Maravilha permanece em Themyscira; Lanterna Verde retorna somente para se vingar do grupo que lhe arrancou o braço com o anel e, por consequência, o poder. A cena é tão desproporcional que soa incoerente. Hal Jordan teve momentos de fraqueza, vide Crepúsculo Esmeralda, mas não é um personagem que age dessa maneira.

Por fim, o desfecho derradeiro, o final da ação com os vilões, utiliza uma das saídas mais incômodas em qualquer estilo narrativo: o personagem que surge no momento certo para resolver o problema, um recurso conhecido como deus ex-machina. Após passar a história toda preso no mundo subatômico, Átomo retorna no momento e na hora certa para encolher os kryptonianos e encerrar a trama. Ou quase, o vilão Quar é poupado para que Lara tenha uma última cena, destruindo-o. O drama em potencial para a dúvida da personagem entre vilã e heroína foi construído a toa, com pouca evolução na história.

Enquanto a série principal foi mediana do início ao fim, a história paralela configurou bons momentos. O último número apresenta Superman e a filha dialogando sobre o mundo heroico em uma espécie de síntese do que fundamenta o herói. A história e boa e poderia ser um bom ponto de partida da saga. Porém, ainda que exista uma lógica entre as ações da trama – Superman isolado, Lara voltando-se contra o seu povo – trabalhar com um cenário desolado de heróis para que Batman tivesse um destaque ainda maior se tornou inverossímil. Que tipo de heróis seriam esses que não reagiriam a um ataque de grande porte como o desenvolvido pela série?, o leitor pode se perguntar.

A última página de ambas as histórias são emparelhadas, ambas mostrando mestre e pupilo como se dessem continuidade a cada herói em uma nova geração. A cena, por si só, é um clichê, ainda que uma daquelas cenas que sempre despertam certa emoção no leitor. Mas demonstra um esgarçamento tão grande na criatividade narrativa que: o de Batman bisa a famosa capa original do Cavaleiro das Trevas, a sombra do morcego diante de um raio, imagem reverenciada e homenageada em excesso em diversas e diversas recriações; e a de Superman finaliza com Lara colocando um óculos no rosto, simbolizando sua vontade de compreender as motivações do pai e assumindo o mesmo tipo de disfarce que Clark Kent usou em sua vida. Interessante, mas implausível. Bobo, na verdade. Prova apenas que a personagem não compreendeu nada do que observou durante a ação da trama.

Anunciado com grande destaque, O Cavaleiro das Trevas – A Raça Superior foi divulgado como o retorno triunfal de Frank Miller em um universo consagrado. Aliado a outros grandes nomes da indústria dos quadrinhos, os leitores aguardavam uma trama que retomasse o melhor do Cavaleiro de 1985 e esquecesse os excessos da continuação. Mas não foi o que aconteceu. O resultado foi uma história alongada em demasia, exageradamente anti-climática e sem nenhum grande momento.

Miller se saiu melhor nas histórias paralelas, bem como pareceu mais enfocado na crítica submersa da trama, analisando o extremismo religioso, do que na composição substancial d e uma boa história em quadrinhos. Sem dúvida, foi um grande título em vendas. O tempo reafirmará melhor a recepção desta série mas uma breve previsão: Cavaleiro das Trevas III será esquecido em pouco tempo.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #8

26 de julho de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson, O Cavaleiro das Trevas

(Atenção: a crítica a seguir comenta acontecimentos dos números lançados de The Dark Knight III: The Master Race. Se não quiser saber nenhuma informação a respeito, interrompa a leitura – mas retorne a ela após ter lido as edições).

Em Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #07, tivemos o retorno de Bruce Wayne, após um brevíssimo período morto. Renascido no poço de Lázaro, o herói volta à ativa em perfeita forma, rejuvenescido. Um fator que poderia engatilhar, finalmente, o início do ato final da história mas, mais uma vez, o ritmo que domina a penúltima edição é o prolongamento desnecessário da narrativa.

Engana-se quem pensou que haveria uma grande cena de ação neste número. Enquanto Themyscira é invadida pelos kryptonianos, Superman e Batman estão na caverna do morcego e chegam ao local somente no fim da batalha, quando parte do grupo foi derrotado e outra parte fugiu. Ou seja, todos o desenvolvimento da história até aqui, incluindo o lento reagrupamento dos heróis, não teve nenhum objetivo evidente. Tudo indica que haverá mais uma batalha na última edição e, com isso, finda-se a trama.

Além de um argumento breve, estendido além do necessário, os erros na composição da narrativa são aparentes. Deixar todo o ápice para o último número é repetir um velho problema dos quadrinhos em que as histórias se encerram rapidamente por falta de um planejamento entre o que se pretende contar e o quanto de páginas estarão disponíveis para tal ato. Lembrando que somente durante o lançamento da série foi anunciado a ampliação da história para mais um número, inicialmente o enredo terminaria na oitava edição.

A prova da escassez temática também se evidencia na história paralela. A trama é narrada pela comissária de Gotham, investigando uma cena de um crime realizado por uma nova geração de Coringas, comandado pela antiga capanga do palhaço, a nazista Bruno. Não há nenhum motivo para inserir qualquer elemento extra a esta altura da história, a não ser revelar a falta de tema do argumento central. O mais improvável, porém, é que Batman aparece em cena para ajudar a comissária como se não houvesse urgência no problema com os kryptonianos. Ainda que seja coerente a ajuda do morcego, as densidades dos problemas são desnivelados, diante de uma catástrofe mundial, porque não colocar outro herói em cena para esse momento? E, mesmo sendo uma história paralela, é evidente que ela segue a temporalidade da trama principal, ou seja, invalidando a possibilidade de ser uma ação realizada durante outro momento do universo de Cavaleiro das Trevas.

Nesses prolongamentos desnecessários é que se observa o quanto A Raça Superior se tornou uma longa história com pouco argumento e, a essa altura, impossível de se salvar como uma boa revista. Mas, finalmente, depois de um hiato em número anteriores, chegou a hora do último e derradeiro capítulo final.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | O Poderoso Chefinho

17 de junho de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

alec baldwin, dreamworks, Steve Buscemi

As animações contemporâneas se bifurcam em duas vertentes: aquela que expandiu suas produções além de um mero produto familiar de entretenimento, como a Pixar, Studio Ghibli e, recentemente, a Laika; e outros cujo enfoque é apenas a diversão com um apelo maior ao público infantil. Dois polos que atingem um grande número de bilheteria, ainda que no caminho do entretenimento a fórmula se demonstre mais evidente.

Dirigido por Tom McGrath, responsável por outras animações-pipoca da Dreamworks como Madagascar, Os Pinguins de Madagascar e Megamente (este último um ponto fora da curva por uma qualidade elevada além do riso fácil), O Poderoso Chefinho é um filme que poderia fazer parte da primeira vertente e se expandir além de um produto de entretenimento. Afinal, abordar o nascimento de um irmão pela visão de um garoto, dando margem a uma imaginação ativa que o faz imaginá-lo como um vilão, teria uma necessária carga dramática e cômica. Porém, o roteiro de Michael McCullers, cujo melhor texto ainda é o divertido Austin Powers – O Agente “Bond” Cama, opta por uma trama linear, voltada para a família com direito a um riso fácil entre gags físicas e piadas bobas envolvendo bumbum e pum.

A trama apresenta uma corporação em que os bebês são divididos em duas categorias antes de nascer: os familiares, que se comportam como bebês normais e os chefes, responsáveis por mandar na hierarquia local. Para evitar que a demanda de bebês caia no mundo, um bebê executivo é enviado a Terra com a missão de, como destaca sua sinopse, demonstrar que o amor é uma força poderosa.

Ainda que tenha uma base criativa por trás, com potencial para ser uma história bem explorada a partir do imaginário do irmão mais velho do bebê, a trama evita qualquer efeito dramático para inserir os irmãos em uma missão para evitar que os bebês sejam trocados por outro tipo de amor na terra. O conceito do bebê-chefe é exposto na trama como se fosse natural, sem demonstrar se a história é apenas uma imaginação do jovem Tim, receoso por um novo membro em sua família, e, por consequência, o único que imagina o bebê como um pequeno executivo de terno, relógio e maleta, ou se, de fato, há uma corporação de infantes, oculta dos adultos.

Como estruturar um espaço imaginário daria maior profundidade a trama (e talvez teria certa semelhança com o bonito e complexo Divertida Mente), a saída foi buscar a animação de entretenimento em uma história sem muito sentido interno, recheada de cenas de humor variado em que se destacam bebês, piadas físicas e, como citado anteriormente, piadas envolvendo bumbum e pum. Não se trata de exigir argumentos complexos em uma animação, mas de compreender que, mesmo na simplicidade boba da história, há lacunas que são mal explicadas e que, mesmo atenuadas pelos risos, resultam em um filme comum que repete a formula aventuresca de outras animações lançadas anualmente no verão americano.

Porém, como muitas animações, O Poderoso Chefinho conquistou o público e mesmo concorrendo com produções de grande porte como A Bela e a Fera da Disney, teve alta arrecadação tanto nos Estados Unidos quanto nas bilheterias mundiais. Dessa forma, uma continuação está a caminho, inevitavelmente.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Resenha | Instrumental – James Rhodes

8 de junho de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

biografia, Rádio Londres

“Mas ouça o seguinte: pergunte a um cara que usou heroína durante anos e depois parou como foi que ele fez para conseguir parar, e isso será muito mais elucidativo que o conselho de algum clínico geral que se quer sabia como aplicar uma dose.” (p. 236)

Lançado pela Rádio Londres, Instrumental é uma narrativa equilibrada entre a biografia e um talentoso relato sobre uma difícil trajetória. Escrito pelo músico britânico James Rhodes, a polifonia se apresenta desde o título, remetendo-se tanto a música clássica, que não utiliza nenhum vocal, como aos conjunto de instrumentos necessários que compõe o próprio James Rhodes. Um homem de uma trajetória tortuosa, com marcas que lhe acompanharam a vida toda e foram reinterpretadas somente em fase adulta.

Estuprado quando criança, viciado em álcool e, posteriormente, drogas, e internado, por mais de uma vez, em um hospital psiquiátrico com um histórico de cinco tentativas de suicídio, o livro é parte do processo de cura do pianista, exibindo com autentica crueza suas dores em uma tônica em que a ironia se sobrepõe a comiseração. Rhodes dialoga com o leitor como um velho amigo, um homem que se sente confortável para expor sua alma, o trauma que lhe causou profundas marcas psicológicas e físicas, bem como apresentar a tábua de salvação de sua dor: a música clássica.

A música entrou em sua vida como um golpe luminoso, um processo catártico que, inicialmente, reconecta a sensibilidade perdida pela dor. Cada capítulo do livro cita uma importante peça clássica para o autor. Dessa forma, além de exibir parte de seu conhecimento sobre o tema, o músico também pontua brevemente sobre tais grandes autores, miseráveis na vida, geniais nas composições, um contraponto entre o trabalho árdua e a loucura. Um fator preponderante a muitos músicos clássicos que viveram em condições duras, doenças incuráveis, pesados problemas familiares, mas fizeram da música um ponto de redenção e força.

Rhodes é um pianista jovem que vem tentando aproximar a música clássica de um novo público, afinal, a música clássica é, por natureza, um grupo seleto na música, diz. Como parte de agregar o novo público, o músico convida o leitor a conhecer as músicas citadas e há até mesmo uma playlist oficial para ser ouvida online (imperdível), compartilhando anonimamente com o autor um amplo leque musical que foi responsável por ajudar a superar seus traumas.

Instrumental foi lançado quando o autor tinha apenas 38 de idade. O próprio autor questiona porquê um homem com uma longa vida pela frente escreveria uma biografia a esta altura mas, em seguida, justifica demonstrando que sua história com cicatrizes de um estupro, sequências de auto-destruição e loucura pacificada pela música fazem-no alguém ideal para rir de sua própria dor e, iconoclasta, mostrar que pode superá-la pela música, narrando uma história oficial e rindo dela ao mesmo tempo, sem auto comiseração. Um homem em harmonia com a própria trajetória.

Compre: Instrumental – James Rhodes

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

thiago-augusto

Resenha | Aquaman: As Profundezas

Resenha | 30 Dias de Noite: Retorno A Barrow

Resenha | O Erro – Elle Kennedy

Resenha | Stoner – John Williams

Resenha | Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido

Resenha | Wasteland Scumfucks: Terra do Demônio

Resenha | Antologia Acid Jazz

Resenha | Couro de Gato

Resenha | Uma Vida Chinesa – I. O Tempo do Pai

Resenha | Anne Frank: A Biografia Ilustrada

Crítica | Feito na América

Resenha | Astronauta: Magnetar (1)

Resenha | As Sobreviventes – Riley Sager

Crítica | Menino 23: Infâncias Perdidas do Brasil

Resenha | Homem-Aranha: Funeral para Octopus

Na Vitrola: 30 anos de Bad, de Michael Jackson

Faixa a faixa

Moonwalker e a Turnê Bad

Resenha | A Santa Aliança – A. J. Kazinski

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #9

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #8

Crítica | O Poderoso Chefinho

Resenha | Instrumental – James Rhodes