Batman

Resenha | Batman: Gordon of Gotham

9 de dezembro de 2014 by Filipe Pereira

Resgatando o passado do canônico aliado do Morcego, Batman: Gordon of Gotham inicia-se mostrando o novato policial já com um senso de justiça maniqueísta, semelhante aos dos bons policiais, sem maiores nuances ou falhas de caráter. O paladino que habita as ruas da cidade contrasta-se com o irritado pai de família que esbraveja com sua esposa Bárbara, a qual, por sua vez, acusa-o de ser relapso e de não querer tanto quanto ela ter um bebê.

As referências de machismo e chauvinismo de James fazem dele uma versão suavizada e menos “durona” de Dirty Harry. O agente da lei ainda é cru, com o caráter em formação, conduzido por um senso de justiça ainda infantil, baseado numa moralidade exacerbada, desnecessária e antiquada, digna do desprezo que alguns cidadãos de Gotham têm, especialmente por parte dos que são próximos aos presos. Sua truculência também é mal vista por seus companheiros de profissão, o que se repetiria anos depois, quando age ao lado do Cruzado Encapuzado.

Apesar das críticas claras ao seu modus operandi, o destaque dado pelo roteiro de Denny O’Neill à ética do personagem é enorme, inclusive justificando os fins – a colaboração com um homem fora da lei –, já que os que deveriam servir à cidade não o fazem de modo justo e correto, nem passando perto disto. A vilania predomina no departamento de polícia, e Gordon logo se torna um rival dos que buscam a manutenção do status quo corrupto.

O lápis de Dick Giordano remete aos momentos clássicos de sua parceria com o roteirista, mas dessa vez não tão inspirado como em décadas atrás. O que se vê é uma arte regular mas nada acima do medíocre, nivelada de acordo com a qualidade do roteiro, o qual até tenta ter momentos extraordinários, mas é claramente engessado por seu formato de “conto do passado”.

O gigantesco flashback em que o atual comissário conta tudo ao Morcego se dá por um escandaloso caso de corrupção envolvendo urnas de votação adulteradas, que teriam ajudado um político a vencer eleições de modo ilícito. O ardil envolve muitos dos nomes do departamento de polícia, além de resgatar um dos pecados que mais pesavam na consciência de Gordon.

A chance de redenção ocorre ao policial anos após ele escrever a página mais negra de sua ficha profissional. O peso da idade faz com que ele fraqueje ante seu rival, mas não a ponto de sucumbir, fazendo justiça a toda culpa que carregava. Após a luta, a postura do tira veterano muda completamente. Munido de uma confiança que não o acompanhava até então, ele tem certeza de que suas ações impediriam um ato terrorista de proporção global.

Ao final, o encadernado, ainda não lançado no Brasil, serve para analisar uma ação corriqueira de James Gordon possivelmente antes de sua saída para Chicago, momento que ainda resultaria em um retorno a sua cidade, como visto em Batman – Ano Um. Apesar dos nomes de peso, a historieta não possui momentos mais marcantes do que as histórias áureas do Batman, ainda que seu lançamento, nos idos dos anos 90, tenha sido em momento oportuno, dada a miséria em que o personagem estava.

Resenha | Penguin: Pain and Prejudice

2 de dezembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman

Ao utilizar um paralelismo com o clássico literário de Jane Austen, Greg Kurwits soma aos desenhos de Szymon Kudranski o que seria o nascimento de uma das figuras mais icônicas do universo de Batman, mas que até então tinha sido mais achincalhada do que interpretada com o respeito que é devido ao segundo vilão mais popular da galeria de Batman. Largando mão a faceta que Burgess Meredith havia trabalhado no seriado de 1966 e levando em conta um bocado do ideário pensado para Batman – O Retorno, Penguin: Pain and Prejudice remonta a décadas anteriores às das operações criminosas de Oswald Cobblepot, mostrando-o quando ainda era um bebê recém-nascido de compleições horrendas, mas que não era exatamente o deformado que Danny De Vito imortalizou em 1992.

A origem do desprezo que sofria é mais séria do que era conhecida até então, mostrando um casal de pais relapsos que pouco se importavam em ter intimidades perto do “pequeno monstro”. O menino, mesmo rico, via-se isolado, rejeitado até por seus irmãos. Seu sangue não era aceito como parte do clã, tampouco os seus se compraziam com sua presença. Tudo o que restava a ele eram risadas maléficas, ecos da rejeição a sofrer no passado, presente e futuro. Suas únicas companhias eram as aves que cuidava, um zelo somente comparável aos seus esforços em impingir violência aos que lhe desagradam no ofício de chefão do crime.

Pinguim é mostrado sob duas facetas principais, a de um filho dedicado, que cuida de sua mãe apesar de todo o ressentimento que deveria ter, retribuindo os olhares perniciosos que recebia com amor, e, claro, o de cruel e impaciente mafioso que esmigalha qualquer subalterno que o desagrade, humilhando-o e torturando-o, fazendo ameaças aos familiares daqueles que o traíram em qualquer instância.

A empáfia do bandido só é cessada ante seu rival, o Morcego, dando lugar à notável covardia e ao medo de ser finalmente pego. A alcunha dada a Oswald é a de “maior contrabandista de jóias da cidade”, o que lhe garante um respeito maior que o da simples galeria de malfeitores de Gotham. O medo que o vilão tem do herói remete ao seu passado: as diferenças físicas gritantes entre os dois têm a função de rememorar o desprezo que o pai de Oswald tinha por ele, revelando, inclusive, um estranho desejo do infante por sua mãe, claras referências a um complexo edipiano que representaria não uma tensão sexual, mas sim um forte desejo de ser aceito.

No decorrer da história no presente, Pinguim dá mostras da reverberação dos traumas que viveu, exibindo um complexo de inferioridade maior que a sua importância no submundo de Gotham, com uma dificuldade de aceitação enorme mesmo com uma parceira cega, elemento bastante condizente com o clichê de cônjuge de pessoas monstruosas. A despeito de qualquer aproximação, intensa ou não, o vilão prefere a reclusão, o distanciamento dos homens, uma vez que ele jamais se sentiu parte daquele meio.

O desfecho da relação de Oswald com sua amada é prematuramente interrompido, muito graças ao seu receio de ser tocado, de ter seus defeitos expostos. Em troca de ter sua real identidade incógnita, ele cumpre um final trágico para sua amada, uma despedida tão sangrenta quanto o seu modo de operar, com a sujeira de Gotham refletindo-se em suas ações.

O modo como tentam retratar o personagem beira o sentimentalismo, mas a proposta não é abraçada por completo. É difícil distinguir qual é o real caráter de Penguin: Pain and Prejudice, se é validar as ações erráticas de seu protagonista ou dar uma maior importância ao seu papel diante do universo de vilões da DC. Nenhum dos dois objetivos é alcançado de modo pleno, o que nos faz perguntar se valia mesmo a pena a bifurcação, pois a amálgama das duas histórias até possui bons momentos, mas os núcleos tiram forças entre si, muito por causa do formato. O que é uma pena, pois os fatos mostrados no texto de Kurwits são bastante consistentes, assim como a boa arte escurecida de Kudranski.

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Crítica | Batman Eternamente

4 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Batman, Chris O'Donnell, DC Comics, Drew Barrymore, filmes dc, Jim Carrey, Joel Schumacher, Nicole Kidman, Tim Burton, tommy lee jones, Val Kilmer

O sucesso de Batman e Batman – O Retorno, dirigidos por Tim Burton, não impediu o descontentamento por parte da Warner, incomodada com o resultado da bilheteria da segunda produção, aquém do esperado pelo estúdio. A fotografia escura e tradicional do diretor, além da violência em cena, foi motivo que inspirou uma nova leitura do Morcego nos cinemas, com Burton delegado à função de produtor, e Joel Schumacher, escolhido para assumir a cadeira de direção.

Para compreender o sucesso de Batman Eternamente, devemos observar a época de seu lançamento. Em 1995, o Morcego era o único herói nas telas em um período em que não havia uma demanda cinematográfica favorável aos quadrinhos. A popularidade de Batman foi suficiente para atrair o público, mas é difícil levar a produção a sério e não imaginá-la como um diálogo explícito com a série sessentista.

Desde a primeira cena, é notável a transformação do ambiente. As cenas são iluminadas, e há uma comicidade que anteriormente existia somente em comentários pontuais. Na cena de apresentação do herói, não há traço de verossimilhança quando, em resposta a Alfred e ao jantar, Batman informa ao mordomo que comerá em algum drive thru. Como se a personagem risse de sua própria concepção.

Devido ao rumo diferente desta produção, Michael Keaton declinou o convite para retornar como o personagem, e coube a Val Kilmer vestir o manto, em uma interpretação que nada acrescenta ao personagem. Se Keaton apresentava um Batman/Wayne correto e um pouco inócuo, Kilmer funciona como um chamariz para o público feminino.

O vilão Coringa, apresentado no primeiro filme e, nesta cronologia, responsável por matar os pais de Batman, não é citado. Uma nova origem é apresentada e sem confirmá-lo como assassino. Uma prova de que não só as origens dos quadrinhos são frágeis como também, conforme o desejo dos roteiristas, passam por modificações ou atualizações. Desta vez, dois novos vilões são introduzidos na trama: Duas-Caras e Charada, porém somente acompanhamos a trajetória de origem de um deles. Interpretado por Tommy Lee Jones, o promotor Harvey Dent está transformado em Duas Caras, mas sem nenhuma explicação além da inferência de que a mudança aconteceu há aproximadamente dois anos. Quem se transforma em cena é Edward Nigma, um empregado das empresas Wayne que, após uma experiência mal sucedida e rejeitada por Bruce Wayne, transmuta-se no exagerado Charada. Além dos vilões, um novo interesse amoroso surge para Wayne no papel da psiquiatra Chase Meridian (Nicole Kidman), obcecada pela figura do Cavaleiro das Trevas. O excesso no elenco piora quando entra em cena Dick Grayson, o órfão que se torna Robin, o sidekick do Morcego.

Se já não bastasse a quantidade exagerada de personagens em cena e um roteiro que não os desenvolve ao menos de maneira satisfatória, comentários dizem que Jones e Carey não conheciam a essência de suas personagem e não procuraram leituras a respeito. Comentam que Jones foi orientado pelo diretor a seguir o estilo de Carey e seu Charada, um motivo coerente para explicar tanta afetação em dois vilões. Duas Caras parece acompanhar literalmente o estilo histriônico de Charada, e, além de mostrar uma descaracterização da figura de vilão, a dupla não parece em nenhum momento ameaçadora.

O plano estabelecido para destruir a cidade é um recurso digno de produções antigas vindas de uma visão de mundo maniqueísta. Um sistema inserido na televisão que extrai os pensamentos da população de Gotham City. Outro aspecto em que é impossível não se recordar das estratégias de roteiro Soc! Tum! Pof! do seriado com Adam West.

Se considerarmos o pastiche cômico e essa referência clássica, a produção pode ter certo valor como uma visão alternativa do Morcego, mas não como obra cuja intensão era se tornar sequência cinematográfica do bom ponto de partida estabelecido por Burton.

Dentro das situações propostas, nada parece bem desenvolvido. Duas-Caras e Charada são exagerados, e a presença de Robin não chega a ser um definitivo estrago final, até porque os personagens contracenam apenas nas cenas finais. No entanto, parece um argumento precipitado. Assim como nas demais interpretações, Chris O´Donell também está exagerado e nos entrega algumas cenas que passam do limite de qualquer constrangimento ou riso.

A direção de Schumacher é espantosamente errada. Gotham transformou-se em um cenário falso, misturado com luzes exageradas, como uma festa rave eterna. Não há frame que não contenha ao menos duas cores aberrantes em cena. Se a concepção era fazer uma Gotham diferente, acertaram em cheio, mas com exagero grotesco. Talvez a concepção da cidade fosse propositadamente abusiva nos elementos sensoriais, como um grande município. Mas nada justifica um local que não pareça em nada com uma metrópole real.

Vista hoje, parece impossível compreender como a obra conseguiu se destacar e fazer sucesso na época, com bilheteria de 336 milhões. Triste é saber que este ainda não seria o momento mais baixo do Morcego. A seguir, veríamos uma Batgirl, mais uniformes com mamilos em relevo e um Batcard para qualquer momento de necessidade.

Resenha | Robin: Dia Um

21 de outubro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, robin

Mantendo viva a chama escapista vista em alguns especiais do Morcego nos idos dos anos noventa – visando, obviamente, fazer um contraponto à mega-saga A Queda do Morcego –, a revista Batman Chronicles preconizava aventuras do Cruzado Encapuzado em meio a uma Gotham diferenciada. Em Robin: Dia Um, a cidade é apresentada como um lugar mais lúdico, mesmo sendo publicada em meio à saga Terremoto (No Brasil, presente na edição nº 32 da Editora Abril, ainda em formatinho).

Os desenhos de Lee Weeks habitam uma amálgama dos traços de David Mazuchelli, de Batman: Ano Um, e o visual típico da série televisiva sessentista do homem-morcego, emulando elementos dessas duas fases tão distintas. Batman é flagrado em mais uma ronda rotineira, atrapalhando um negócio escuso de uma das quadrilhas que habitam a cidade, mais uma vez desbaratando os marginais sem maiores complicações.

Apesar de o roteiro de Bruce Canwell tocar em pontos-chave, como comportamento mafioso e brechas legais em denúncias não concluídas por parte dos malfeitores, os desenhos de Weeks não abrem margem para uma discussão mais profunda. Isso ocorre também no linguajar do diálogo entre mentor e pupilo, com Bruce Wayne e Dick Grayson conversando bem ao estilo camp das histórias escritas logo no início do surgimento da dupla dinâmica, ainda com arte de Bob Kane. No decorrer da trama, nota-se um clima semelhante ao pensado por Brian De Palma em Os Intocáveis, claro, excetuando a violência gráfica causada pelo antagonista Al Capone, mas permanecendo o mesmo senso de justiça de Eliot Ness – na figura de Batman, logicamente – além de conter uma homogeneidade entre a fotografia do filme e o visual da hq.

As peripécias das primeiras aventuras do parceiro-mirim do Morcego representam a adaptação do terceiro Robin, Tim Drake, ao ofício de menino prodígio, mesmo com os quase dez anos de exercício do manto. Após a morte de Jason Todd e agora com lugar cativo, o webmaster, que não era órfão – em mais um paradigma quebrado -, não havia ainda ganhado a popularidade que se esperava dele, por isso uma aproximação de uma encarnação mais popular era necessária, além de aproximar a iconografia visual de ambas as figuras.

Os primórdios do trabalho em equipe da dupla resgatam muito mais do que o simples escapismo das épocas mais inocentes da Era de Ouro,como comprova a competência de Batman enquanto treinador e o discipulado que fez com seu pupilo. Expõem também uma interação harmoniosa sem sugerir qualquer traço de homo-afetividade subliminar, como Fredric Wertham gostava de destacar. Usando plots parecidos com os filmes de Joel Schumacher, Robin – Dia Um consegue unir a origem do Robin e abordar a confiança mútua e simbiótica da dupla, sem precisar apelar para os clichês cafonas dos filmes e sem subestimar o leitor, apresentando uma aventura divertida e descompromissada.

Review | Batman: Os Bravos e Destemidos

14 de outubro de 2014 by Dan Cruz

Reviews, Séries

Batman

Ok, vamos falar sobre o Batman. Sobre o Batman que você gostava quando criança, não esse que você passou a idolatrar quando cresceu! Nada contra O Cavaleiro das Trevas, o tom sombrio de suas histórias ou os filmes do Nolan. Mas lembra quando seus amigos, irmãos e primos brincavam de Superamigos? Quando você amarrava uma toalha no pescoço e discutia sobre quem ia ser o Robin, o Coringa ou o Aquaman? Quando a sala da sua mãe se tornava uma Bat-Caverna e o quintal de casa ou o playground do condomínio se transformava em um cenário de aventuras – às vezes o chão era lava e você tinha que pular nos sofás e almofadas para não se queimar, ou subir no escorregador e salvar seu parceiro no combate ao crime? Lembra de como isso tudo era legal?

É sobre essa época que Batman – Os Bravos e Destemidos trata!

Se em 1992 tivemos Batman: A Série Animada, que não só revitalizou as animações do personagem como mostrou um Homem-Morcego mais sombrio e próximo das hqs, dezesseis anos depois o produtor James Tucker nos brinda com uma volta à Era de Prata dos quadrinhos com um desenho mais leve, divertido e aventuresco!

O título da série faz referência à longeva hq The Brave and The Bold, que mostrava aventuras de heróis da DC em parcerias inusitadas. Cada edição apresentava uma dupla de super-heróis que, normalmente, não se encontravam em seus títulos regulares. Batman, durante muito tempo, foi o personagem âncora desse gibi, e suas parcerias eram bastante diversas. Na série animada, ele é o personagem título, mas nem sempre o principal. Os coadjuvantes podem ser bastante conhecidos do grande público ou total estranhos. Um exemplo disso é o Lanterna Verde, que na série é o Guy Gardner e não John Stewart ou Hal Jordan. Além disso, embora reverencie a Era de Prata, alguns personagens são mostrados em suas versões mais modernas, como o Besouro Azul, por exemplo. Já o Flash é apresentado como Jay Garrick, mas Barry Allen e Wally West/Kid Flash também dão as caras.

Os episódios costumam contar com uma introdução que difere muito da história principal. Geralmente, vemos Batman e algum herói de segunda em meio a uma situação inusitada, com algum vilão prestes a derrota-los, até que eles viram o jogo e derrotam o malfeitor. Tudo num estilo bastante rocambolesco que poderia muito bem fazer parte de uma brincadeira com os antigos bonequinhos Super Powers na garagem do seu pai. Após essa curta introdução, entram os créditos iniciais. E que música tema! Uma batida mais acelerada, longe do tom sombrio da música de Danny Elfman, mas também diferente do tema da série live-action de 1966. A música inspira e dá o clima da série, que é de diversão e aventura. E aí vemos o título do episódio, que sempre é uma frase com um ponto de exclamação ao final! E finalmente conhecemos o convidado do dia!

Tanto os maiores super-heróis da DC como os menos conhecidos são contemplados na série. Aquaman, Tornado Vermelho, Pantera, Arqueiro Verde, Homem-Borracha, Os Titãs, Os Renegados… Todos estão lá, e ganham traços que emulam o período em que Dick Sprang desenhava o Batman. As cores vibrantes, os traços simples e fortes ao mesmo e os roteiros absurdos faz dessa a melhor série do Batman para crianças, sem ser imbecilizante. Mesmo nos momentos mais absurdos, um adulto pode perceber uma sacada genial dos roteiristas.

O Batman parece ser o único personagem que realmente se leva a sério. Sim, apesar do tom cartunesco, o Homem-Morcego mantém suas características, e foi definido pelos produtores da série como “um Adam West com colhões”! O uniforme cinza e azul é perfeito para a proposta da série, e todos seus gadgets aparecem e são bem utilizados. Aqui, Batman não é um ser atormentado pela morte dos seus pais, uma figura misteriosa e psicologicamente abalada. Ele é um herói! E como herói, faz o que deve ser feito, inspira e ajuda. É também dele a narração em off, característica de filmes noir, que mostra o quanto ele se preocupa com cada parceiro em cada episódio.

A série é sim, bastante exagerada. Mas faz piada desses exageros, principalmente nos episódios do Bat-Mite (Bat-Mirim nos quadrinhos brasileiros), duende da quinta dimensão que, ao contrário de Mxyzptlk, idolatra o Batman! Nesses episódios nada é sagrado, e até os fãs de quadrinhos na Comic Con viram motivo de piada – bem sacada, por sinal! Os episódios de Bat-Mite podem ser comparados com os especiais de Halloween dos Simpsons: são histórias malucas que não fazem parte da cronologia e brincam até com os produtores da série. Em um deles, há uma homenagem ao clássico encontro de Batman com a turma do Scooby-Doo – inclusive repetindo os erros de colorização frequentes naquela época, deixando o Batman sem calças por alguns frames! Em outro episódio, há a adaptação de Batboy e Bobin, paródia publicada na revista Mad na década de 1960, e até uma versão anime dos personagens!

Batman – Os Bravos e Destemidos é um retorno à época em que ser super-herói era algo mais simples e divertido.

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Resenha | Batman: A Máscara da Morte

7 de outubro de 2014 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Panini

Existem muitas histórias sobre o Batman e muitas formas de contá-las. Uma delas é a que nos é apresentada no mangá Batman: A Máscara da Morte, publicada no Brasil pela Panini Comics/Planet Manga. Mas por que utilizar-se dessa forma narrativa quando os quadrinhos convencionais do Homem-Morcego funcionam tão bem?

Em primeiro lugar, devemos entender algumas diferenças básicas entre o estilo comics e o estilo mangá de se contar uma história. Nos quadrinhos norte-americanos, geralmente temos um personagem que ganha seus poderes por acaso, seja por acidente de laboratório, mutação genética ou exposição à radiação. Super-heróis são obras do destino e geralmente começam a história como uma pessoa comum que teve sua vida drasticamente modificada com a aquisição de habilidades especiais de uma hora para outra. Nos mangás, a coisa é bem diferente. As histórias são mais focadas na “jornada do herói” e têm começo, meio e fim bastante claros. Os personagens evoluem durante a saga, e seus poderes não são dons do destino, mas conquistados com muito esforço. Isso reflete bem o tipo de cultura e modo de vida oriental, que não se apegam a um “destino manifesto”, mas no esforço e superação de desafios. Com os heróis ocidentais isso raramente acontece, e eles já começam sua saga com grandes poderes e grandes responsabilidades, que não se desenvolvem e mantêm um status quo por décadas a fio.

Exceto o Batman!

Batman tem algumas características que podem muito bem se adaptar ao estilo mangá de se contar histórias. Ele não é alienígena, não tem superpoderes, não ganhou suas habilidades por acaso. Ao ver seus pais serem assassinados quando tinha oito anos, Bruce Wayne passou a dedicar sua vida ao treinamento de todos os tipos de artes marciais, além de desenvolver um intelecto superior ao de uma pessoa normal. Bruce uniu força física e mental o suficiente para ser um excelente lutador e, ao mesmo tempo, o maior detetive do mundo. E esse tempo de treinamento, entre o assassinato de seus pais e sua transformação em Batman, é uma lacuna que deixa margem para inúmeras boas histórias, como a do filme Batman Begins e da série televisiva Gotham.

Em A Máscara da Morte, vemos uma parte do passado de Bruce Wayne em que ele treina no Japão, antes de se tornar o defensor de Gotham City. Ficamos sabendo um pouco mais sobre seu treinamento, seu sensei e sua formação. Como em todo mangá que se preze, temos alguns elementos místicos na história e que podem parecer estranhos aos leitores ocidentais. Mas esses elementos apenas fazem a história ficar mais interessante e se amarram perfeitamente ao fim do volume. Um assassino novo ronda Gotham, arrancando os rostos de suas vítimas, enquanto Bruce Wayne sofre alucinações com uma estranha e sombria criatura. Um inescrupuloso homem de negócios é apresentado, e sua assistente faz Bruce se recordar do tempo em que passou no Japão. A história faz conexões entre o passado do Cavaleiro das Trevas, os novos personagens apresentados e a criatura sombria, que tem uma silhueta muito parecida com a do próprio Batman. Para derrotá-la, Batman precisa enfrentar seus medos, revisitar o passado e seguir adiante.

A tal Máscara da Morte do título é um artefato místico que se confunde, em vários aspectos, com a própria máscara do Batman, pressupondo que serviu de inspiração para o manto do morcego. Quem a usa passa a sofrer uma maldição que enlouquece seu portador. Isso traz momentos perturbadores para o herói, dando a entender que ele e a criatura são a mesma pessoa.

O estilo mangá se encaixa perfeitamente com a atmosfera da história. Algumas cenas são verdadeiras tomadas cinematográficas, e o visual dinâmico faz o roteiro se desenvolver em um ritmo fantástico. Interessante notar que, em alguns momentos, o uso de onomatopeias sugere, inclusive, uma espécie de “trilha sonora”, coisa bastante rara em gibis ocidentais.

O autor Yoshinore Natsume conta, em uma entrevista ao final do volume, que teve bastante liberdade criativa. Tanto que escreveu em sua língua nativa e no formato que estava acostumado – o modo de leitura oriental é da direita pra esquerda, o que pode causar certo desconforto no início para quem não está acostumado com mangás. Mas é uma excelente leitura, uma forma nova de se interpretar a mitologia do Morcego e, de forma simples e direta, de contar uma boa história.

Review | Gotham (Episódio Piloto)

29 de setembro de 2014 by Dan Cruz

Reviews, Séries

Batman, Ben McKenzie, Camren Bicondova, David Mazouz, DC Comics, Donal Logue, Erin Richards, Robin Lord Taylor, Sean Pertwee, Zabryna Guevara

Treze anos depois do sucesso de Smallville, agora é a vez de outra cidade fictícia ser adaptada dos quadrinhos para a televisão. Mas dessa vez a aposta não é em um drama adolescente, e sim em uma abordagem mais séria: uma série policial com personagens conhecidos da DC Comics.

Produzida pela Fox e exibida no Brasil pela Warner, Gotham tem seu primeiro episódio exibido hoje (29/09) em terras tupiniquins. A diferença de apenas uma semana entre a exibição norte-americana e a nacional é um ponto positivo, pois quem não quer assistir a série por “outros meios” não precisa esperar tanto tempo entre um episódio e outro. Os leitores das HQs do Batman irão perceber a semelhança do episódio com a série em quadrinhos Gotham City Contra o Crime, aclamada pelo público e pela crítica.

A análise a seguir contém revelações sobre o enredo. Portanto, se você for “spoilerfóbico”, fique avisado!

A Gotham City dessa série difere um pouco da que nos foi apresentada na trilogia cinematográfica de Christopher Nolan em aspectos estéticos, como iluminação e arquitetura, entretanto, a cidade não deixa de ser um lugar violento e corrupto para se viver. Com ares de grande metrópole, o cenário se encaixa perfeitamente com o propósito da série. Fãs das revistas do Homem-Morcego perceberão bastante easter eggs durante o episódio, como um certo Ed Nygma, que não consegue fazer uma afirmação sem transformá-la em uma pergunta. Ou um comediante de stand up muito parecido com o que nos foi apresentado na graphic novel A Piada Mortal, de Alan Moore.

A cena inicial nos mostra uma adolescente interpretada por Camren Bicondova vagando pelos telhados da cidade enquanto comete pequenos furtos. A agilidade e furtividade da garota faz com que ela se locomova por entre escadas, telhados e paredes de forma graciosa, até chegar a um beco onde, usando o leite que acabou de roubar, alimenta um gato. Nesse mesmo beco, a garota – que nesse ponto, quem é leitor de quadrinhos já deve ter percebido se tratar de Selina Kyle, a Mulher-Gato – presencia uma cena terrível: um casal é assaltado e morto na frente de seu jovem filho.

Enquanto isso, somos apresentados ao Departamento de Polícia de Gotham City (DPGC), onde o detetive novato James Gordon (Ben Mckenzie, o Ryan da série The O.C.) resolve um conflito que poderia custar algumas vidas sem a sua intervenção. Seu parceiro, o veterano Harvey Bullock (Donal Logue) não aprecia sua interferência. Os dois são, então, chamados para um caso de homicídio, e chegam até o beco onde o casal foi morto e a criança está em estado de choque. Gordon conversa com o garoto e tenta confortá-lo, enquanto Bullock descobre que os pais assassinados do menino são Thomas e Marta Wayne, uma das famílias mais ricas da cidade.

Essa parte da trama reproduz muito fielmente o que os fãs estão acostumados a ver nos quadrinhos, inclusive explicando o que a família de ricaços estava fazendo num beco escuro após o cinema, tornando o fato mais verossímil do que em Batman Begins. A tragicidade do acontecimento e a frieza do crime impressiona até mesmo quem já conhece a história, e dá indícios do que podemos esperar durante a temporada.

O episódio se desenvolve em torno da investigação do caso. Jim Gordon promete ao jovem Bruce Wayne que encontrará o assassino de seus pais, e o caso vai se desenrolando enquanto nos apresenta algumas figuras conhecidas. A princípio isso pode parecer um recurso usado apenas para agradar fãs, mas cada personagem apresentado tem muito potencial para ser desenvolvido. Somos apresentados ao jovem Oswald Cobblepot (brilhantemente interpretado por Robin Lord Taylor), cujo jeito de andar e o nariz pontudo lhe garantiu o apelido de Pinguim, à garota Ivy Pepper, que vive em um lar destruído por um pai extremamente violento e demonstra carinho com as plantas, à Carmine Falcone, chefão da máfia e à Fish Mooney, chefe do crime interpretada por Jada Pinkett Smith e criada especialmente para a série.

Do lado dos “mocinhos”, temos alguns grandes conhecidos dos fãs de quadrinhos. Os policiais Crispus Allen e Renee Montoya, da Unidade de Crimes Especiais (U.C.E.) são importantes para a trama, pois são rivais de Harvey. Barbara Kean, noiva de Gordon também tem um papel importante e, aparentemente, teve um caso amoroso com Montoya no passado – nos quadrinhos, Renee Montoya foi uma das primeiras mulheres a se declarar gay nas histórias do Batman. Alfred Pennyworth, o mordomo dos Wayne, aparece aqui um pouco menos amoroso e mais rígido com seu patrão e protegido.

O episódio termina com Jim Gordon entendendo que, para sobreviver em Gotham City, terá que reverter o jogo de corrupção no qual a cidade se encontra. Mesmo Bullock é apresentado como alguém que prefere se deixar levar pelo crime do que lutar em uma guerra perdida. Desde já fica aparente que Jim Gordon é o protagonista e não Bruce Wayne, sendo essa mais uma diferença entre essa série e Smallville. Sua caracterização está excelente, e difere do apresentado em Batman Begins não apenas por ser mais jovem, mas também mais decidido. Mesmo sabendo que Bullock não o quer como parceiro, ou que o DPGC está envolvido com a máfia, Jim se mantém firme em lutar contra a corrupção de sua cidade.

Julgar uma série pelo episódio piloto pode ser um tiro no escuro. Mas se todo potencial apresentado nesse capítulo for explorado, Gotham tem chance de ser a melhor série já produzida sobre personagens da DC Comics.

Resenha | Batman e Capitão América

23 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Capitão América, caveira vermelha, coringa, crossover, john byrne, robin

Remetendo ao antiquíssimo selo Túnel do Tempo (ou Elseworld), John Byrne utiliza sua larga experiência e o trânsito livre que sempre teve nas duas principais editoras de quadrinhos mainstream para contar o recordatório que remete ao começo da carreira de dois ícones heroicos imortais, o Cruzado Encapuzado e o homem que lutou a Segunda Guerra Mundial ostentando em seus músculos a bandeira americana, também lembrando, claro, de seus parceiros mirins e seu maiores rivais.

Passada em janeiro de 1945, ainda com os ecos europeus da grande guerra contra Hitler e companhia, a história começa em Gotham, mostrando uma referência visual muito semelhante a dos primeiros capítulos de Bob Kane enquanto desenhista da Detective Comics. O resgate a este momento específico é válido, causando no leitor um saudosismo agradabilíssimo e muito pontual, uma vez que, em meio aos anos 90, ocorria uma das maiores derrocadas do Batman – leia-se Queda do Morcego.

É curioso notar que a perseguição entre o Batmóvel e o carro do Coringa é feita por dois Fuscas, mostrando que quase nem era necessária a chancela em balões informando a época do confronto. O clima escapista é notado nas cores escolhidas por Byrne, que, apesar de manter um pouco do clima soturno das primeiras histórias, vê no excesso de cores nos uniformes dos personagens o retrato de uma época em que a docilidade pueril era de praxe.

Pelo lado europeu do globo, o Capitão América enfrenta a guerra que ainda domina o continente, num embate contra uma máquina assassina hitlerista, uma mistura de tanque de guerra com um robô mas que é facilmente subjugada pelo Sentinela da Liberdade, que, acompanhado do Sargento Rock e da Companhia Moleza, consegue derrubar a resistência nazista. Logo, o herói recebe uma ordem para se reapresentar e interceptar um avião sequestrado. Já no ar, ele decide deter a máquina voadora sem paraquedas ou qualquer outro artifício de segurança, logrando êxito, como era típico das primeiras histórias. Logo o Morcego se aproxima, também no ar, para ajudar o herói a combater seus oponentes, sem qualquer explicação prévia, mas em união bela e proveitosa.

Pelo dito nas linhas do roteiro, esta não seria a primeira cooperação entre os heróis, o que agrava ainda mais a missão dada a Steve Rogers, a de investigar uma possível conexão entre o milionário Bruce Wayne e o Coringa, que teria em mãos um plano expondo alguns segredos de Estado muito valiosos.

Em um embate físico entre as contrapartes sem uniforme, ambos, logo depois, decidem cooperar mutuamente, visando alcançar o palhaço vilão de Gotham. Detalhe importante e que colabora muito com a velha disputa entre marvetes e decenetes é que Bruce chega ao cúmulo de assumir sua inferioridade ao soldado americano, antes de eles fazerem as pazes e voltarem a ser amigos.

Logo se descobre que o ardil é orquestrado pelo Caveira Vermelho, que escapou da Alemanha e atacou Gotham, em um conchavo com o Coringa. O clima de união entre as editoras é tão grande que até os parceiros mirins são trocados, com o Capitão trabalhando com Robin e Bucky acompanhando o Cruzado dentro do veículo cheio de traquitanas internas.

O nostálgico caráter prossegue, com o plano megalomaníaco do Caveira revelado aos seus inimigos antes de ser plenamente executado. Toda a reconstrução pensada por Byrne é muito bem conduzida, mesmo que sua história não tenha qualquer compromisso com um subtexto mais profundo. Ao final, o encadernado ainda é capaz de demonstrar outras tantas pérolas, como a discussão ideológica entre Coringa e Caveira Vermelha; quando o segundo convida o Palhaço do Crime a se juntar ao terceiro Reich, logo ouve a resposta: “eu sou um insano criminoso americano” – numa referência clara a sua fidelidade à pátria, diferente e muito do que foi pensado por Jim Starlin em Morte em Família, cujo vilão torna-se embaixador do Irã. Claro, tudo isto é muito pautado na comédia.

Após uma explosão nuclear, os vilões chegam afinal ao seu tão esperado fim, o que prenuncia a nova exploração de conceito heroico que ocorreria lá pelos anos 60, com a evolução do atomic horror para o conceito de Stan Lee em fazer quadrinhos, com poderes de origens radioativas. Além deste conjunto de referências, ainda há um epílogo, sugerido por Roger Estern, em que o novo Batman (Dick Grayson) acha um esquife de gelo, que guarda o herói de guerra Steve Rogers, acordado após décadas de hibernação. O pensamento de Byrne em homenagear Jack Kirby, Bill Finger e Bob Kane é um exercício de singela beleza, além de ser uma homenagem extrema, e até inteligente, guardadas, é claro, as devidas proporções.

Resenha | Batman / Aliens

16 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alien, Batman, Bernie Wrightson, crossover, Ron Marz

Assumindo estar refém de uma sensação das mais básicas, o Cruzado Encapuzado declara ter medo ao analisar a questão que se avolumou. Tentando manter a aura de suspense, o Morcego já é mostrado se embrenhando em uma floresta, supostamente em uma missão. O roteiro de Ron Marz faz um resgate curioso, mostrando um visual semelhante ao do filme de John McTiernan, O Predador, por apresentar uma selva e inserir junto ao protagonista uma equipe de especialistas durões e marombados, que investigam um estranho caso.

Batman aportou no golfo do México, na fronteira da Guatemala com o México, para investigar um episódio curioso, cuja origem só é revelada após algumas páginas decorridas, uma vez que a Waynetch havia enviado uma equipe a tal lugar, já que obtinha negócios naquela região. É curioso o quanto Marz segura para mostrar o monstro, tentando guardar qualquer suspense ou surpresa de como seria o modus operandi dos Aliens. Toda a situação mostrada no filme original pensado por Dan O’Bannon se repete, mas sem qualquer expectativa de sustos.

Pior do que o modo vagaroso do qual a trama segue é o ataque grupal que os monstros fazem, bem mais cerebrais do que os mostrados nas abordagens cinematográficas. Na segunda parte, a narração volta aos primórdios, recontando a origem da tragédia do herói, mesclando-a com o temor de Batman com o Alien. A partir destes embates, a trama fica mais fluida e menos truncada, ainda que as lutas com os monstros não sejam nada demais.

O desenho de Bernie Wrightson está bem menos interessante do que nos idos dos anos 70, quando fazia a arte do Monstro do Pântano, de Len Wein. A regularidade cai vertiginosamente, pois nem mesmo o seu lápis é um diferencial na qualidade da revista. Tanto roteiro quanto desenhos são banais e dispensáveis.

Exceto pela última batalha do Morcego contra o Alien agigantado – fruto de uma “invasão” ao corpo de um crocodilo de proporções dantescas –, quase não há condições de clímax. Através de uma manobra comum em sua carreira, Batman consegue vencer o oponente, fisicamente muito superior a ele, por meio do uso de traquitanas as quais ele sequer está acostumado a usar. O desfecho é covarde e clichê, com o paladino orfão usando a força de um elemento da natureza (a lava de um vulcão) para acabar com as últimas criaturas que ainda sobraram. Após retornar à casa, Bruce ainda se dá ao trabalho de fazer um discurso edificante, que põe em dúvida a origem do mal impingido pelas criaturas extraterrestres: se a ação seria somente uma resposta instintiva, como é com o tubarão, ou se a predação dos monstros seria perversa como a natureza humana. Nada que evidentemente resgate o crossover do ordinário.

Resenha | Batman: Asilo Arkham

9 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, dave mckean, DC Comics, Grant Morrison, Panini

David McKean é um artista dos mais renomados da indústria de quadrinhos. Graças a sua ocupação maior como artista plástico, pouco se tem (fora, é claro, as inúmeras capas de artigos para o selo Vertigo) de materiais dele como desenhista. Seu modo peculiar de ver o mundo garante uma aura anárquica, caótica e até agressiva para as obras que assina, e sua arte sequencial é tão singular que não combina com tramas normativas ou convencionais. A química de McKean funciona com cabeças pensantes, como as de Neil Gaiman, e ganha mais um capítulo interessantíssimo com a tresloucada Asilo Arkham, uma das primeiras histórias de Grant Morrison com o Homem Morcego.

No primeiro de abril em que os insanos malfeitores de Gotham resolvem se rebelar e tomar o asilo para os internos, pondo em risco os funcionários da instituição, já eram esperadas demandas das mais insanas possíveis, entre elas, a descida do Cruzado Encapuzado ao inferno que era o sanatório. Antes de qualquer recurso textual, há uma série de gravuras, na maioria figuras abstratas, remetendo a estados mentais alterados e idílicos lugares, recônditos mentais, esconderijos para a perturbada percepção daqueles que são internos do Arkham.

Um trecho de Alice, de Lewis Carroll é flagrado, que reafirma o estado soberano de loucura, e a consequente inexorabilidade da condição. A partir daí adentra-se na intimidade de Amadeus, o mesmo que dá nome ao asilo, em seu diário, que demonstra de forma gráfica a nada aplacada realidade do ainda infante, pelos idos de 1901, ao conviver com uma mãe à beira da loucura. A mentalidade débil já o assombrava quando pequeno, de modo atroz. A cor que predomina neste plot é o castanho, diferente do tom grafite que contempla o Batman, que em sua primeira aparição é mostrado como uma rasura em formato humanoide, um esboço, que precisava de uma arte-final, e que sofreria este último tratamento ainda dentro daquele micro-universo.

O Coringa convida seu nêmese a descer as escadas da mansão rústica, mas o convite é mera formalidade, uma vez que para o morcego adentrar os portões do Arkham parecia uma questão de tempo, talvez uma referência de Morrison a máxima freudiana denominada “retorno do recalcado”, onde – em linguagem popular – o doente tende a voltar aos seus pecados originais, mesmo os renegados a muito, além de ser um regresso aos seus traumas.

É notável que o roteiro segue a dualidade da fórmula de transição entre protagonistas, de Batman para Amadeus. O ofício e repertório de ambos é muito semelhante, pois tanto o Detetive quanto o psiquiatra tratam em sua intimidade de insanos, e ambos vivem a atravessar a tênue linha da saúde mental plena, ou, no caso, o que mais se assemelhe a isto. Os pacientes, analisados pelo imberbe Coringa estão em condições ainda mais lastimáveis e penuriosas que o Palhaço, desde Harvey Duas Caras, que está explorando um campo maior de possibilidades, além do velho cara e coroa, e que em virtude disso mal consegue conter sua bexiga. A recuperação dos internos cai na tradição folclórica do local.

A primeira vez em que o rosto do Batman é contemplado sem que quase todo ele esteja à sombra, é quando este quebra um pedaço de vidro, para então perfurar a própria mão, para não se ver capturado pela aura lunática do asilo. O artifício é tentar esconder-se do perigo não mostrando a face ao maior temor da vida, reconhecendo que o senso de loucura é mais forte que a resistência do homem por trás da máscara.

Talvez a mais plausível posição ideológica seja a do Chapeleiro Louco, que é outra referência a Lewis Carroll, que guarda a ideia de que o Asilo é formado pelos pensamentos de alguém, como era o País dos Espelhos, e que talvez a mente por trás disso, fosse a do morcego – ou até de sua contraparte narrativa, o fundador.

Um dos médicos da instituição, Cavendish, foi um dos responsáveis pela liberação dos presos. Seu motivo seria os escritos de Arkham, que assume a sua condição lunática, a mesma que tanto negou e reprimiu. Seu entendimento é de que aquilo seria uma questão hereditária e inegável ao sangue dos seus. Nem mesmo as precárias condições, que não permitiam ao psiquiatra ter uma pena para escrever, o impediram de registrar suas lembranças, e logo ele passa a riscar as próprias unhas para dar vazão ao seu texto profano e sedutor.

Através de uma artimanha nada usual e pouco correta, o Morcego consegue através de interferência externa, vencer Cavendish, tomando para si a responsabilidade de restabelecer a Ordem e a saúde mental daquela sociedade. Seu avatar deveria ser o mais forte, assim que ele assume a via que finalmente o distinguiria dos derrotados, que era a loucura finalmente assumida. Assim, ele estaria em pé de igualdade com os seus semelhantes, afinal.

O mergulho que Morrison e McKean fazem é na intimidade, na parte mais volátil da psiquê do Batman, expondo-o ao lugar mais sujo e fétido que todo o seu universo contempla. A soberania do herói só ocorre graças a sua atitude de abrir mão de suas crenças, entre elas, a de que criminosos são seres inferiores, supersticiosos e covardes. De fato a maioria é, mas somente a patuleia. Casos como os do Coringa, Duas Caras, Chapeleiro e Crocodilo provam que a tese não é tão congruente quanto ele gostaria, e que não há tantas diferenças entre eles e o paladino. O aspecto pitoresco e tragicômico imposto pela dupla de autores faz o peso de cada atitude do morcego ser ainda maior e mais trágico, além de ser uma reimaginação das mais pontuais, pelo quase ineditismo em assumir a condição de louco que preconiza veladamente o herói criado por Bob Kane e Bill Finger, num belo quadro expressionista que remete a um tipo de arte que infelizmente caiu em desuso, e que se diferencia muito da média industrial.

O Morcego Quebrado: Batman e a Queda

2 de setembro de 2014 by Dan Cruz

Artigos, Quadrinhos

Batman, DC Comics

Os anos “nojenta”

A Queda do Morcego foi, indiscutivelmente, a saga do Batman que marcou os anos 90. Não que ela fosse um primor de arte e roteiro, mas foi tanto a porta de entrada de muitos leitores quanto a de saída para outros mais velhos.

A última década do século XX viu o surgimento de quadrinhos cada vez mais violentos. A figura do “anti-herói” passa a ser extremamente valorizada, e parece não haver lugar para escoteiros nos gibis. A arte começa a ser cada vez mais exagerada, com personagens musculosos ao extremo e anatomicamente desproporcionais, e os heróis bonzinhos dão lugar cada vez mais a machões parrudos, sujos e com músculos até a orelha. A linha entre o bem e o mal se torna cada vez mais tênue, a ponto de sumir por algumas vezes. A editora Image é fundada e dá uma banana para os roteiros (quem precisa disso?) em troca de uma arte avassaladora que chame a atenção de adolescentes.

Com isso, a DC Comics viu-se quase que obrigada a dar uma “chacoalhada” no seu universo fictício. Só na primeira metade dos anos 90, tivemos a morte do Super-Homem, a loucura do Lanterna Verde, a Mulher-Maravilha perdendo seu posto, o Flash correndo a uma velocidade terminal… E o Batman. Ah, o Batman…

O Cavaleiro das Trevas

O Batman já tinha passado por uma grande reformulação há pouco tempo, nas mãos de Frank Miller. O Cavaleiro das Trevas e Ano Um foram duas minisséries que deixaram pra trás o clima leve de décadas de história do personagem para deixá-lo mais sombrio. O Homem-Morcego já não se parecia nem um pouco com os super-heróis da Era de Prata, e passou a adotar uma postura mais, digamos, obsessiva. Reflexos dessa fase se encontram até hoje nos meios pelos quais ele passa, tendo seu ápice na trilogia cinematográfica de Christopher Nolan. Mas ainda era pouco. Batman ainda era um personagem da DC, e precisava (na cabeça dos editores) de algo mais próximo do que estava acontecendo na Image. E foi aí que tiveram a ideia da reformulação total do nosso herói.

Os quadrinhos da Abril

Nessa época, tanto a Marvel quanto a DC, e mais tarde a Image, eram publicadas em formatinho (o mesmo formato dos gibis da Turma da Mônica) no Brasil pela Editora Abril. Essa primeira fase da Queda saiu na revista Liga da Justiça e Batman, que, após oito edições, ganhou a revista-irmã Batman, e suas histórias eram interconectadas e intercaladas. À época surgiram várias críticas quanto a esse formato. A primeira, e talvez mais pertinente, foi sobre a publicação abranger personagens tão distintos. Não parecia ser uma boa ideia colocar as histórias sombrias de um Batman exaurido pelo fardo de combater o crime na mesma revista em que uma Liga da Justiça galhofeira era publicada. Embora Dan Jurgens quisesse dar um tom mais sério à Liga do que seus antecessores (que tinham transformado o título em uma espécie de sitcom com super-heróis), a Liga ainda tinha Besouro Azul e Gladiador Dourado em suas fileiras. Podemos somar a isso o fato da cronologia estar totalmente defasada. Nos primeiros números, vemos o Batman usando uma braçadeira de luto pela morte do Super-Homem, mas nas histórias da Liga isso ainda não tinha acontecido, e a tal braçadeira só foi entregue dez edições depois!

Fora isso, para aproveitar ao máximo as 84 páginas disponíveis, eram feitos cortes terríveis nas histórias. Para fazer duas histórias se tornarem uma só, cortavam a última página da primeira história e a primeira da segunda, para parecer uma história contínua. O resultado era desastroso, pois isso podia ser notado principalmente na mudança de artista e de estilo. Além disso, trechos chaves da trama iam, por vezes, para o ralo. Um exemplo, como forma de curiosidade, é o modo como Bane invade a Mansão Wayne, que foi cortada e só apresentada anos mais tarde.

Não só as páginas eram cortadas como os diálogos também. Ainda sem recursos tecnológicos como os de hoje, as letras eram escritas à mão nos balões. O formato reduzido em comparação ao original obrigava os textos a serem mais curtos, e os tradutores reduziam bastante as falas. Comparar uma página original com sua versão nacional é até covardia.

Isso sem contar que as capas das edições nacionais muitas vezes não refletiam a história da revista. E quando acertavam na capa, tínhamos outro problema: Kelley Jones. O artista que desenhava as capas seguia à risca o estilo Image, inventando músculos onde não existem e descaracterizando os personagens. Sua arte dividia opiniões. Uns gostavam e outros odiavam, principalmente porque seu estilo gótico contrastava com a arte mais leve de Jim Aparo no miolo da revista. Jones continuou desenhando as capas até o fim da saga e, mais tarde, passou a desenhar as histórias do Batman. E o formato reduzido da revista acabava deformando a arte.

A queda

A Queda do Morcego começou com uma premissa básica: Bruce Wayne, após anos lutando contra o crime em Gotham, estava num estado de cansaço físico e mental avançado. Isso levaria um novo vilão a se aproveitar de sua situação precária de saúde para tirá-lo de circulação. Assim, fomos apresentados a Bane, um vilão nascido e criado na prisão, que treinou seu corpo e sua mente para se tornar o senhor do crime de Gotham City. Bane, com seu alto intelecto, percebeu o que se passava com Batman e se aproveitou disso. Liderou uma fuga em massa do Asilo Arkham, para que o já combalido Cavaleiro das Trevas enfrentasse todos os seus piores inimigos, um a um, até não se aguentar em pé. E foi o que aconteceu. Batman, após uma série de confrontos envolvendo o Charada, Espantalho, Vaga-Lume, Hera Venenosa, Sr. Zsasz, Chapeleiro Louco e o Coringa, finalmente encontra-se com Bane. O mentor do plano havia descoberto a identidade de Batman e já o esperava na Mansão Wayne, para o pegar quando não tivesse mais força. E foi o que fez: após dar uma surra homérica no Morcego, Bane quebra sua coluna em uma das cenas mais icônicas dos quadrinhos no período. Batman foi, finalmente, derrotado.

Quem manda na noite

Em seguida, Bane leva o desacordado Batman para o alto de um edifício em Gotham e o joga de lá de cima, fazendo com que seu corpo moribundo caia na calçada. Batman só não morre porque tem a queda amortecida pelos toldos do prédio (e porque é o personagem principal). Convenientemente, Alfred Pennyworth já o estava esperando com uma ambulância de resgate e o leva pra caverna. O mordomo, que também é treinado em medicina (e corte e costura!) já havia preparado uma UTI em seu covil, e faz o que pode para salvar a vida de seu patrão/amigo/filho adotivo. Enquanto isso, Bane se estabelece como o novo chefão do crime de Gotham.

Essa fase da saga traz algumas bizarrices de roteiro que, vendo em retrospecto, não fazem sentido algum. Em primeiro lugar, está a desculpa esfarrapada que a bat-família arranja para o sumiço de Bruce Wayne: ele se acidentou com o Porshe. Por que diabos não foi levado para um hospital, então? Enquanto está incapacitado, Bruce escolhe alguém pra substituí-lo. Jean-Paul Valley, o Azrael, assume então o manto do morcego. Outra escorregada de roteiro, pois não havia nenhum motivo plausível para não ser Dick Grayson o novo Batman. Afinal, não foi pra isso que ele foi treinado desde criança? Quem é Azrael, afinal de contas?

Jean-Paul Valley foi introduzido ao público na minissérie A Espada de Azrael, e além de ser um personagem menor, estava há pouco tempo na bat-família. Foi uma decisão bastante estúpida entregar o manto a ele, afinal de contas. Somando o fato de que ele era uma espécie de fanático religioso, com supostas visões de um suposto santo implantadas em sua mente, não tinha como dar certo. E o novo Batman começou uma jornada rumo à loucura, tratando os criminosos de forma ultraviolenta, fazendo upgrades no bat-traje que começou com uma manopla com garras e culminou em uma armadura de batalha. Perseguindo implacavelmente os bandidos, Paul chega até Bane e lhe dá uma surra que o deixa catatônico. É o início de uma nova era para um novo Homem-Morcego.

A cruzada

As visões de São Dumas implantadas em sua mente pelo “Sistema” faz com que Paul fique completamente obcecado e inicie uma espécie de cruzada contra o crime. Nessa fase da saga, o novo Batman não só expulsa Robin da Bat-Caverna como sela todas as suas entradas e saídas conhecidas pelo Menino-Prodígio. Sua armadura começa a ganhar mais acessórios, como um capacete no lugar da máscara, um lançador automático de batarangues – que agora eram menores e mais letais – e garras mais afiadas. Nessas histórias, o Batman se tornaria uma paródia do que o público de outras editoras esperavam de um herói, um ser psicótico e com sede de vingança ao invés de justiça. A loucura foi crescendo de forma assustadora, a ponto de Paul deixar um vilão morrer, sem remorso algum. Esse novo Batman era, para todos os efeitos, um assassino a sangue frio.

A Busca

Enquanto isso, Bruce Wayne estava totalmente sem saber o que ocorria. Numa cadeira de rodas, o antigo Batman procurava alguma maneira de voltar a andar, e encontrou em sua terapeuta Shondra Kinsolving um tratamento alternativo e uma nova paixão. Em uma trama rocambolesca de novela mexicana, Shondra é sequestrada pelo seu irmão malvado (!), que descobre que ela tem poderes curativos (!!), e Bruce faz um juramento, com os punhos cerrados para o céu (!!!), de que não descansaria até encontrá-la. Shondra, que estava sendo drogada pelo seu irmão para ser manipulada, é enfim encontrada pela força-tarefa de Bruce e, no meio de um duelo telecinético com o vilão, dispara uma onda de energia que cura a coluna quebrada de Wayne, fazendo-o voltar a andar (!!!! Ah, eu desisto de colocar exclamações aqui!). Infelizmente, o trauma foi muito grande, e a mente da Doutora Shondra Kinsolving se torna a de uma criança de oito anos. Bruce, com o coração partido, financia o seu tratamento em uma instituição mental na Inglaterra, e não a vemos novamente.

O Retorno do Morcego

Ao voltar pra Gotham City, Bruce Wayne finalmente é atualizado sobre a situação do seu sucessor, e decide que é hora de tomar seu lugar. Como esteve muito tempo paralítico, precisa antes passar por um treinamento intensivo com Lady Shiva, que o obrigou a matar um homem como teste final. Bruce engana sua mestra fingindo matar e conclui seu treinamento. Vestindo novamente o manto do morcego original, o Batman verdadeiro enfrenta o novo Batman, numa luta que se estende por algumas edições. Bruce é mais experiente e melhor preparado, mas, a essa altura, Jean-Paul usava uma armadura extrema que incluía, entre outras coisas, um lança chamas! Após uma épica batalha na caverna (que Bruce consegue invadir pelo mesmo buraco que caiu quando era criança), o Batman original derrota o seu substituto não pela força, mas pela inteligência. Atraindo-o por túneis cada vez mais estreitos, Azrael se vê forçado a largar a armadura aos poucos para poder se locomover, até que sai para a luz, que momentaneamente o cega e o traz à razão. Paul percebe que não é o Batman, e entrega o posto a seu verdadeiro dono.

Esse é o fim?

A história final, embora intitulada Clímax, é paradoxalmente decepcionante. Claro que a ideia foi demonstrar a superioridade moral de Bruce Wayne sobre Jean-Paul Valley, mas mesmo assim não funcionou. A arte de Barry Kitson não ajudou muito, deixando a impressão de que o desenhista é um “escravo de close-ups”, pois usa quadros e mais quadros apenas com o rosto dos personagens. Uma saga como essa, que levou dois anos para ser concluída, merecia um final melhor. As histórias que vieram depois foram bastante insossas, com Dick Grayson assumindo o lugar de Bruce por um tempo para que esse pudesse se recuperar melhor – o que, diga-se de passagem, deveria ter acontecido desde o começo.

Entre o começo e o fim da saga, tivemos momentos bons, ótimos e meias-bocas. Uma das melhores coisas que aconteceram a partir dessa saga foi a revista solo do Robin, que acabou tendo 183 edições e só foi cancelada em 2009. Além disso, excelentes artistas como Graham Nolam, Jim Aparo e Tom Grummet – além de outros menos ortodoxos, como Norm Breyfogle – estiveram sempre presentes durante esses dois anos. Os roteiros nem sempre eram bons, mas davam pra entreter e na maioria das vezes cumpriam seu papel.

A Queda do Morcego é bastante datada, e se lida novamente nos dias de hoje pode se tornar até um pouco (se não bastante) intragável. Mas foi algo que se destacou durante um período de escassez de ideias e criatividade editorial. Certamente, quem a leu em sua própria época (principalmente quem começou no mundo dos quadrinhos com ela) guarda memórias afetivas que podem trair os mais incautos.

O que fica para a posteridade é uma espécie de “lição de moral”, mais ou menos como a ideia principal da graphic novel O Reino do Amanhã: o mundo precisa de heróis de verdade, não de lunáticos fascistas ultraviolentos que fazem justiça com as próprias mãos. Só não dá pra dizer ao certo se os fãs de Jean-Paul Valley entenderam essa metáfora ou procuraram o próximo herói sanguinário depois dessa saga.

Resenha | Batman Anual 4

26 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Grant, Batman, Brent Anderson, Scarface

Uma das poucas publicações da Editora Abril em formato americano (17 x 26 cm), lançada em julho de 1995 e fugindo do esquema da mega-saga Queda do Morcego, Batman Anual 4 traz quatro histórias, sendo três delas enfocando o retorno de um dos vilões que se tornaram emblemáticos após o lançamento do seriado animado do Batman. Antes de Batman: The Animated Series quase não havia notoriedade no personagem Ventríloquo e seu “boneco” Scarface. Talvez pelo desenho fazer sucesso que a editora decidiu lançar este microarco na mesma publicação.

A primeira parte conta com roteiro de Alan Grant, que escreve toda a trilogia, e desenhos de Norm Breyfogle. A história A Morte do Chefão, publicada em Batman 475, em 1992, contém uma abordagem caricatural, por causa do lápis de Breyfogle, que, mesmo deixando de lado a seriedade do Morcego, consegue acentuar de modo interessante os contornos nonsenses do títere. Quando uma gangue rival alveja Scarface e ele é “morto”, Rhino, um de seus capangas, toma o objeto desmorto, contrariando a instrução do seu patrão, que diz ser tarde para levá-lo. O respeito do encarregado é tanto que ele pretende fazer um velório decente para o seu mandante, o que demonstra que os delírios do Ventríloquo são tão grandes que corrompem até quem não está dentro de sua mente.

Como objeto de curiosidade, é nesta edição em que Rene Montoya estreia na polícia de Gotham, atuando também como assistente do Comissário Gordon. Sua participação ainda é tímida, mas bastante pontual na trama. O Ventríloquo passa a refutar sua contraparte, negando toda a importância que Scarface tinha em sua exploração criminal. Tal atitude tenta esconder o incômodo que o titereiro tem em ser dominado por sua anomalia mental, sendo esta tão presente que o personagem, mesmo falando sem manejar o fantoche, troca as letras, atrapalhado pelo som não anasalado, já que o nariz de Scarface está danificado. Logo, ele retoma o poder novamente, invertendo (mais uma vez) o papel de escravo e escravizador.

Ao menos na parte 2, Exclode Coração (a grafia é esta mesma), os desenhos vão para as mão de Jim Amparo, que era o responsável pelo lápis da Detective Comics na época, e logo no início percebe-se a diferença da abordagem, especialmente por ser muito mais séria. Um pequeno drama – repetido à exaustão em toda a jornada do herói – envolve a sua amada Vicki Vale, que quase é morta por suas peripécias enquanto jornalista. O Cruzado Encapuzado decide então revelar sua identidade secreta à mulher, convalescente no hospital. Ela prontamente diz, aliviadíssima, que ficava feliz em saber que ele não era “o idiota fracote que fingia ser”, sinceridade esta somente aceita por quem ama de verdade e somente mostrada graças a um delírio do milionário, que apenas sonhou com tal situação.

De dentro do hospital, Wayne vê o Bat-Sinal e vai correndo à emergência, tendo de deixar a moça de lado e de abandonar seu coração e seus sentimentos ali, naquele quarto de repouso. Mesmo com duas fortes demonstrações – uma de sentimentalismo de Wayne em relação a Vale, ainda que o herói não tenha sido capaz de contar seu segredo, e outra de vingança, em que Scarface se vinga violentamente de um inimigo, jogando-o vivo ao mar para que se afogasse –, não há grandes menções à possibilidade de ser esta uma história extraordinária.

Após uma pin-up de Jim Lee – belíssima por sinal – segue-se outro momento da vida do herói, destacando-se que o emblema no peito de Batman ainda nem possuía a elipse amarela. Era um recordatório que remetia aos anos iniciais da carreira de Batman. Os autores James D. Hudnall (argumento) e Brent Anderson (desenhos) mostram o herói se embrenhando na mata, em terras estrangeiras, em busca de um raptado Alfred. Como na primeira história, quase não há nada que ultrapasse a linha da mediocridade – como muitos dos exemplares do Morcego dos anos 90, nas historinhas publicadas pelo grupo Abril de comunicação –, mesmo que essa “edição especial” tenha esse formato diferente e com 100 páginas de conteúdo.

Resenha | Batman & The Spirit

19 de agosto de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Darwyn Cooke, dave stewart, DC Comics, jeph loeb, Panini, Spirit, Will Eisner

Criado pelo revolucionário Will Eisner, o herói The Spirit surgiu na década de 40 em um supletivo dominical dedicado aos quadrinhos. Desde então, tornou-se uma das criações icônicas do mestre e ainda lembrada pelo público contemporâneo, que, mesmo sem ser uma testemunha ocular do sucesso da personagem, reconhece a criação mascarada que traja sobretudo e uma gravata, uma referência noir e adulta, inédita para a época.

Em 2007, a DC Comics adquiriu os direitos da personagem e coube ao roteirista Jeph Loeb apresentá-la a um novo público leitor. Desenhado por Darwyn Cooke, responsável integralmente por doze edições seguintes do herói, este crossover utiliza um dos medalhões do estúdio como destaque para apresentar um novo antigo personagem que possui semelhanças com o Homem-Morcego. Ambos são detetives que utilizam o mistério e a teatralidade como estilo para esconder a origem e o alterego, atuam em uma cidade específica e têm como amigo um comissário da polícia.

A trama de Convenção do Crime apresenta a amizade entre Gordon e Dolan, relembrando a primeira vez em que Spirit e Batman se encontraram para evitar um ataque de um grande grupo de vilões. O argumento narrativo é básico e cria paralelos entre as personagens de cada universo como modo de interação. Dessa maneira, Gordon e Dolan são convidados para uma convenção policial em comum e, ao mesmo tempo, seduzidos por mulheres fatais, P’Gell, no caso de Gordon, e Pamela Islay formando um par com Dolan. Os heróis são atraídos pelo grupo vilanesco ao mesmo local para serem exterminados. Após um desconforto inicial, e a descrença por parte de Spirit da real existência do Homem-Morcego, a dupla forma uma equipe.

A história não se desenvolve além de uma aventura de apresentação. O roteiro de Loeb não se situa nem em sua fase elogiada, nem em sua derrocada posterior. Permanece equilibrada e agrada ao demonstrar as diferenças operacionais entre as personagens. Por outro lado, o traço de Cooke, voltado a um estilo mais cartunesco e, assim, fora dos padrões mais realistas de muitos desenhistas atuais, é um primoroso acerto. Completa com estilo a personagem de Spirit e, longe do realismo do Morcego, demonstra-se funcional pela aventura e as doses de humor que ainda evidenciam traços de um estilo noir.

Torna-se visível que utilizar Batman como uma figura de destaque – a trama tem também uma aparição-relâmpago de Superman – funciona para situar o herói de Eisner e mostrar ao público que as personagens habitam um mesmo universo. Como ponto de partida e uma carta de apresentação, a história é funcional. Porém, a fase seguinte apresentada por Cooke é composta com um apuro tão preciso que transforma este crossover entre grandes personagens em uma sombra quase insignificante.

Crítica | Batman: Assalto em Arkham

5 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Andrea Romano, arlequina, Batman, DC Comics, esquadrão suicida, filmes dc, Heath Corson, Jay Oliva, Kevin Conroy, novos 52, Pistoleiro

De começo simplista, Batman: Assalto em Arkham segue a nova onda de animações da DC Comics pós-reboot, e diferentemente de outros pares como Liga da Justiça: Guerra e O Filho do Batman, esta foca personagens secundários do universo do Morcego, mais especificamente os vilões. A toada é diferenciada da estética dos Novos 52, já que logo no início é mostrada uma Amanda Waller ainda obesa, com a costumeira e bela construção de sua personagem antes da última “reinvenção”. A violência também é inserida no filme de maneira mais acentuada se comparada a de seus primos, com direito a sangue e dilacerações.

O mote da história varia nas referências, com momentos que lembram a série recente de games de Batman relacionados a Franquia Arkham e, claro, a formação do Esquadrão Suicida, idealizada pela membro do Projeto Cadmus. A velha máxima do grupo de bandidos é reafirmada, cuja sentença aparece em duas formas: a total cooperação deles em troca da remissão de seus pecados ou a morte.

A missão desta vez caracteriza-se por uma invasão ao asilo de Amadeus Arkham para recuperar o cajado do Charada, que poderia conter uma arma de destruição em massa. A desculpa para a ausência de Batman na história se dá por ele estar em outra missão, ainda que tal prioridade seja muito discutível.

O submundo de Gotham é um campo muito fértil para as desventuras do grupo de marginais, ao exibirem toda a a sua misantropia à procura das condições mínimas para a execução da missão a qual foram comissionados. No entanto, a postura dos personagens do ideário da cidade é curiosa e contrastante com a violência gráfica mostrada anteriormente.

O mafioso superpoderoso Pinguim é apresentado como um selvagem se alimentando de uma pilha de peixes crus, como fazia sua contraparte deformada e monstruosa em Batman: O Retorno – tal caracterização além de datada é contraditória por ser demasiada imatura, especialmente quando é precedida por uma cena de cunho sexual envolvendo Arlequina e o Pistoleiro.

Os ares do universo pré-Novos 52 são notados na escolha de dubladores, especialmente com o retorno de Kevin Conroy como dublador do Cruzado Encapuzado, o que não ocorria em longas desde Liga da Justiça: Ponto de Ignição. É curioso como o diretor Jay Oliva prossegue reverenciando o segundo filme de Tim Burton à frente do herói, com cenas literalmente copiadas e com o design do batmóvel muito semelhante ao veículo pilotado por Michael Keaton. Por mais que não seja o personagem que mais aparece em tela, o Morcego ainda envolve-se em cenas de luta impressionantes se analisadas sob o ponto de vista gráfico.

Alguns outros easter eggs são mostrados, entre eles máscaras dos palhaços capangas do Coringa de Heath Ledger. Do meio para o final da exibição, a tônica volta para os personagens mais conhecidos e carismáticos, primeiro remetendo à óbvia rivalidade de Batman com seu nêmese, depois com a reativação do romance protagonizado por Coringa e Arlequina – é esta relação, aliás, a responsável para que o caótico plano do Palhaço do Crime fosse às vias de fato. O caos do manicômio ganha as ruas da cidade, pondo-se além dos portões da casa de loucos.

O Coringa rouba a cena, fazendo do Asilo e seus arredores um zoológico ao liberar todas as feras enjauladas para desviar a atenção da bomba de Nygma, que ele resolve ativar só por diversão. Tudo ocorre em tempo o suficiente para o herói destravar todas as traquitanas de seu rival. Se por um lado há uma sobra de violência nos primeiros momentos, o roteiro de Heath Corson não consegue desenvolver algo mais elaborado quando se cobra uma visão mais adulta dos fatos.

Esse desequilíbrio entre o juvenil e o infantil denigre muito a fita, fazendo dela uma peça de gosto duvidoso e de público não definido. Seu caráter é de difícil distinção, e fora a bela coordenação de vozes de Andrea Romano e seu atores, pouco há para se elogiar no filme, claro, destacando a melhora aparente quando comparado com as animações que emulam os Novos 52.

Resenha | Batman: A Morte da Família

29 de julho de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, coringa, DC Comics, Greg Capullo, novos 52, Scott Snyder

Após a ~~mega~~ mini-saga A Noite das Corujas, Scott Snyder prosseguiu no título principal do Homem-Morcego e consequentemente fez o esboço da saga posterior, que envolveria o arquirrival e gênese oficial do Cruzado Encapuzado além dos títulos acessórios de Batman. O Coringa, que estava um pouco apagado após a estreia de Detective Comics, voltaria em grande estilo ao crime e à vilania de Gotham.

A obra foi lançada após a edição número zero de Batman, cujas edições lançadas pela editora mostram histórias anteriores às apresentadas nos primeiros arcos do reboot, narrando os primeiros acontecimentos do retorno de Bruce Wayne à sua cidade natal quando infiltrado em meio à gangue do Capuz Vermelho. Ao final da edição, há uma reimaginação interessante da inspiração dos Robins Dick Grayson, Jason Todd e Tim Drake, mostrando um pouco a admiração que cada um teve pelo líder do Bat-Squad.

A ausência do Coringa é sentida por praticamente doze meses em todo o primeiro ano após o reboot, exceto pela já citada história de Tony Salvador Daniels. Não à toa, a retomada viria por meio da revista do personagem que ele aleijou anos antes. Morte da Família tem seu primeiro episódio em Batgirl 13 – com o lápis do brasileiro Ed Benes (especialista em desenhar mulheres de corpos esculturais) -, uma história curiosa por mexer com os brios da moça, já que Barbara Gordon sofreu o diabo com o Palhaço Infernal. O período em que Coringa estava em hiato era obviamente ligado à sua possível morte, uma vez que um vilão estava com o seu rosto, uma face dilacerada que depois é roubada por seu antigo dono.

O retorno triunfal do Bobo seria infectando toda a cidade, aterrorizando o Comissário Gordon, que, graças a esse fato, igualaria o seu comportamento ao de uma garotinha indefesa diante do maior apuro de sua vida inocente. A manipulação que o vilão exerce não influi somente nos cidadãos, mas também em alguns dos vilões de Gotham, especialmente nos estreitamente ligados ao bandido.

A tática consiste em atacar o Morcego em nível pessoal, com uma das primeiras ações consistindo no rapto de Alfred Pennyworth para desestabilizar Bruce Wayne e irritar “você sabe quem“. É curioso como Coringa mostra saber a identidade secreta de Batman, mas não se importa com isso, não de um modo expositivo que demonstre uma vontade de contar a novidade ao mundo. É como se o cargo estivesse vazio, sem a mesma importância que qualquer outro membro da galeria de vilões daria ao descobrir, de fato, a identidade do Cruzado Encapuzado. Mas a circunstância não o impede de atacar seu rival. O golpe é baixo: exibir qual a contraparte do herói é irrelevante; a volúpia é por humilhar o paladino.

Os ataques prosseguem. James Gordon cai, vítima de uma hemorragia causada pela intoxicação do Gás do Riso. O plano de minar as emoções do herói esbarram no sangue frio e na decisão de atacar o Coringa de modo planejado, mas ainda assim o bombardeio prossegue, e de modo sério. Dois momentos mostram o quão sério e assertivo é o modus operandi do insano palhaço. Primeiro, quando ele e o Pinguim são comparados, demonstrando a diferença do pensamento anárquico, em cometer delitos, e o do crime organizado, mostrando que o primeiro é muito mais exitoso do que o outro; o segundo momento é a disposição do vilão em atacar um a um dos membros da família do Morcego, já que, para ele, não são segredos as suas identidades e as suas rotinas pessoais.

É uma pena que não haja uma unicidade de traços entre os desenhistas das revistas, que têm no visual do Coringa o avatar da incompetência. Alguns artistas dão um maior foco ao rosto disforme do personagem, enquanto outros tratam a sua face como algo semelhante a uma máscara de látex, o que diminui, e muito, o impacto que teriam as atitudes loucas do idealizador daquele estratagema. Mas tal defeito não consegue encobrir a principal qualidade de Coringa enquanto vilão, que é a imprevisibilidade. O palhaço, que mostra uma nova loucura sempre que aparece, relembra os bons momentos de Grant Morrison à frente do número – mais uma vez Snyder bebe da fonte deixada pelo roteirista escocês.

Uma das histórias paralelas que mais atraem a atenção do leitor é o tie-in presente em Asa Noturna (Nightwing), com roteiro de Kyle Higgins e desenhos do brasileiro Eddie Barrows. Dick Grayson começa a namorar uma moça que mais tarde revela ser filha de Tony Zucco, o que reabre algumas feridas internas, escondidas após anos de vigilantismo, mas que ainda marcam a vida do primeiro parceiro-mirim do Morcego. O ataque do Coringa a ele é talvez o mais catastrófico das atitudes do vilão, pois ceifa as esperanças do ex-acrobata e prenuncia a sua mudança de atitude num futuro próximo.

Batman se sente acuado. O vilão conseguiu tocar a psiquê do Cruzado. O megalomaníaco plano visa desmoralizar o guardião de Gotham. A tensão presente nas histórias contém muito mais elementos interessantes que os momentos pregressos, talvez por Snyder estar um pouco mais à vontade à frente do título. Por incrível que pareça, seus méritos não são todos fundamentados no gigantesco carisma do Coringa. As ações registradas são justificadas pela óbvia loucura e fazem sentido dentro do microuniverso da Bat-família.

É notório que as decisões em relação ao Palhaço do Crime passem muito pelo estilo diferente do personagem, primeiro com a decisão da retirada do seu rosto, pondo-o numa posição mais grotesca de sua história, mas também exagerando nas características da loucura. O que não pode ser associado à repetição da fórmula é o modo como o vilão trata os personagens acessórios, tocando de modo pessoal na rotina dos aliados do Morcego, especialmente em relação a Bartgirl (Barbara Gordon) e Asa Noturna, abalando, direta e indiretamente, a confiança dos dois em Batman.

A conclusão da saga, presente em Batman 17, mostra toda a Bat-família capturada pelo Coringa, todos diante de uma mesa, em uma referência obscura à família de canibais de Massacre da Serra Elétrica, de Tobe Hooper. Todo o plano arquitetado e posto em prática vai bem, até esbarrar na decisão final, no modo como o Morcego resolve os mistérios e vence seu adversário, jogando com ele em um campo onde jamais gostaria de entrar.

O Batman blefa, usa as mesmas artimanhas que seu inimigo, e isto até poderia ser uma boa saída, mas o modo como ela é construída é bastante preguiçosa, tendo muitos casos semelhantes em toda a trajetória do personagem. Durante setenta e cinco anos, o Morcego já usou artifícios semelhantes de enganação. Até mesmo no final de Batman Eternamente o modo como o Bat-Val Kilmer vence o Duas Caras de Tommy Lee Jones é muito semelhante ao caderno que contém a malfadada “identidade real” do Palhaço. A questão poderia ter sido melhor pensada, até pela pompa que a saga ganhou com o passar do tempo. A explicação que Bruce dá por não ter assassinado seu nêmese chega a ser plausível, e, aliada à separação do Bat-Squad, quase fez com que as soluções fáceis de Snyder fossem toleráveis. Contudo, elas não apagam o gosto ruim que fica após saborear o desfecho de Morte da Família, apesar dessa história ser muito mais bem urdida que as sagas anteriores.

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Resenha | Batman: A Noite das Corujas

8 de julho de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Greg Capullo, Panini, rafael albuquerque, Scott Snyder

A primeira saga pós-reboot da DC que envolve mais de um título surge através do herói mais popular (e caça-níqueis) da editora. A Noite das Corujas tem uma introdução presente nos primeiros sete números de Batman, de Scott Snyder e Greg Capullo, com o arco denominado A Corte das Corujas, que insere um culto secreto que influencia diretamente no curso da cidade, tomando para si os décimos-terceiros andares de todos os prédios da metrópole e liberando assassinos exímios que servem de capangas aos seus propósitos malignos, os Garras.

A saga começa no número oito de Batman, mais uma vez capitaneada por Scott Snyder e, como já era previsto no arco primário, a Corte lançaria um ataque a Wayne. Tal investida é interessante e bem urdida, assim como toda a arquitetura dos assassinatos e a ordem das execuções dos grandes nomes de Gotham. As histórias extras, desenhadas pelo brasileiro Rafael Albuquerque – que já havia feito uma ótima parceira com Snyder em Vampiro Americano – dão um ar de urgência ao drama vivido pelo mordomo Alfred Pennyworth, verdadeiramente amedrontado pela presença dos Garras em sua casa.

As revistas acessórias servem para mostrar como se alastrou a ameaça da Corte, especialmente em Asa Noturna – que mostra um Dick Grayson com uma causa pessoal – , desenhada magistralmente pelo brasileiro Eddy Barrows. Outras histórias paralelas servem como Tains da linha universal da trama. O checklist oficial inclui edições de Batwing, Batgirl, All Star Western, Batman e Robin, Mulher Gato, Detective Comics, Batman O Cavaleiro das Trevas, Capuz Vermelho e os Foras da Lei e Aves de Rapina.

Em Batman 9, a batalha dentro da mansão Wayne prossegue, com o Cruzado Encapuzado usando uma mega-armadura, a la Robocop, para combater o exército de capangas super-desenvolvidos. Em uma manobra semelhante a que fez em Ano Um, o herói se desvencilha dos opositores com seus companheiros mamíferos, para logo depois se enfiar em uma investigação pela cidade, em que chega atrasado para a execução de Lincoln March. Mais uma vez, a side-line envolvendo os Penyworths, ao final da edição, apresenta uma faceta mais interessante da saga. Os desenhos de Albuquerque abrilhantam demais as seções e tiram um pouco a sensação ruim deixada ao leitor ao ter de suportar a arte de Capullo. As origens explanadas incluem também tramas pretéritas do casal Thomas e Martha a respeito do que seria a Gotham do presente. A chamada Queda da Casa de Wayne é narrada por Jarvis Pennyworth, pai do fiel mordomo.

Incrivelmente as edições de Batgirl não estão mal escritas. Gail Silmone, que estava à frente há pouco tempo dos roteiros de Aves de Rapina até faz um bom começo, com aventuras pouco rebuscadas e de cunho escapista. Até a escolha em por Barbara Gordon tendo um embate contra uma mulher parece ser uma escolha acertada, mesmo que soe covarde. Já em Batman e Robin, a publicação se baseia inteira no carisma de Damian Wayne, que não é pouco. Sua popularidade segura muito bem o título e a violência gráfica também prende a atenção do leitor.

Um dos elementos que deveria ser o diferencial positivo da série acaba por vezes sendo um flagrante defeito. A motivação da Corte das Corujas seria a de limpar a cidade, mas como dito pelos próprios membros, eles são um meio-termo entre a justiça e o crime, o meio-termo entre o bem e o mal, o cinza que converge entre preto e branco. Esse posicionamento pretensamente equilibrado parece mais com algo pouco engajado do que um movimento taxativo. Serve para justificar o sobrenome do Asa Noturna, pois ele seria o “filho do Cinza” – Gray Son – e este argumento não é uma piada. Essa máxima precisava ser melhor trabalhada, e a negligência não se justifica por falta de espaço, visto que muitos números da saga nada dizem, ou seja, havia espaço para fundamentar isso.

Um dos desfechos da saga se dá em Batman Annual 1, com roteiros de Scott Snyder e James Tynion IV, com desenhos de Peter Steigerwald, em uma história que explica um pouco a origem de Victor Fries – o Senhor Frio – além de contar qual foi a sua participação na “ressurreição” dos Garras que atacaram os alvos propostos pela alta cúpula. A gênese do vilão é trágica igual ao seu background pós-Crise nas Infinitas Terras, mas neste é atrelada a Waynetech e (muito) pessoalmente a Bruce, que destitui o cientista de sua pesquisa para a cura de sua esposa, por este não estar desempenhando bem o seu ofício empregatício primário. O herdeiro de ouro de Gotham tem uma postura muito radical e até meio egoísta, especialmente em contraste com o que falava no início do arco, sobre esperança, amor e paz, negand0-se a solidariedade que viria junto a todos esses bons predicados.

O plot twist abre mão de uma condição praticamente canônica relativa a Senhor Frio somente para justificar a motivação de uma sociedade secreta (nunca antes mencionada), um algoz que não faz jus a tais retcons. Toda a construção relacionada a isto é chocante, mas sem qualidade; um grito sem espírito, carente de alma, algo sensacionalista e baseado em nada. Evidente que, a partir disso, a questionável moral do playboy órfão e filantropo volta a ser algo inabalável.

O sacramento da honra de Bruce é preservada; o mesmo não pode-se dizer da moral presente no clã Wayne. A solução escolhida por Snyder para finalmente derrubar a portentosa Corte é muito fácil, nada original, com um ar irritante de comida requentada, pois o roteirista se vale de máximas antes utilizadas por Morrison e por Jeph Loeb em Silêncio, que já havia aventado a possibilidade do irmão Thomas Wayne Júnior retornar – mesmo como um mcguffin safado – de forma muito apelativa. O grave problema de Corte das Corujas é que ela termina de modo anticlimático e conservador. Todo o circo armado serviria para fortalecer a mensagem repleta de pieguice do homem que jurou proteger a cidade a todo custo.

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Resenha | Batman: A Corte Das Corujas

1 de julho de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Greg Capullo, novos 52, Scott Snyder

Scott Snyder havia se notabilizado com uma história no selo Vertigo, passando os roteiros de O Vampiro Americano para Stephen King no começo e depois fechando a saga sozinho. Após fazer dez números de Detective Comics, Snyder se tornaria um dos queridinhos de Dan DiDidio e de todo o editorial da DC Comics responsável por Superman Sem Limites e pelas primeiras histórias do Monstro do Pântano. A primeira mostra dessa predileção é o título do Batman, que conta com desenhos de Greg Capullo.

A primeira história, O Truque da Faca, mostra uma Gotham desesperançosa, quase jogada às baratas e repleta de malfeitores. Semelhante a uma reunião mequetrefe, a história é mais condizente com as do Homem-Aranha do que com as do Morcego, com criaturas como Espantalho, Crocodilo, Duas Caras, Charada e outros, que atacam o Cruzado Encapuzado de modo afoito, num embate puramente físico, que mal dá chance a qualquer elaboração de um plano mais sofisticado. Tal ataque serve para a comparação textual que Batman faz, comparando seus antagonistas a adolescentes, refutando a ideia de que a cidade reflete os seus vilões.

Gotham é a imagem e semelhança de seu protetor, tanto é que o único bandido que se diferencia da patuleia é o Coringa. Não há uma introdução da origem do personagem. A figura que (supostamente) sofreu pouco ou quase nada com o reboot, de modo que a história de sua origem é postergada. Voltando à máxima da definição da cidade, Bruce Wayne, em discurso, fala que Gotham é algo indefinido, entre lar, família e/ou propósito. Diante de toda essa esperança, Bruce é apresentado a Lincoln March, CEO da March Venture, magnata e homem de negócio de importância enorme para a cidade, visto que quer se tornar prefeito.

O mistério de um assassinato leva Batman a investigar o que seria a ação de um serial killer, que, segundo testes de DNA, bateria com as descrições de Dick Grayson, seu primeiro parceiro, o que estabeleceria uma clara quebra de confiança. Paralelo a isto, Lincoln March se aproxima de Bruce, mas não para captar apoio público ou verba para sua campanha, mas sim para ganhar um único voto, o do herdeiro e reconstrutor de Gotham. Há uma tentativa clara de criar-se uma ponte entre os dois socialites de Gotham, até pelo passado semelhante de ambos, pois Lincoln também foi órfão muito cedo. Mas a bela discussão dos dois é interrompida por um assassino, com vestes de coruja, que esfaqueia o político na frente de um temporariamente inerte Wayne. A reação de Bruce é de parecer defender-se de modo legítimo, como se tivesse sorte, e, como era de se esperar, o alvo real era mesmo ele. A Corte das Corujas é revelada aos seus olhos, e ele reafirma a promessa de que a cidade só teria uma lenda: o Batman.

Uma das coisas mais interessantes dessa nova abordagem é o uso que o detetive dá à tecnologia, com interfaces mais interativas e dispositivos de alto rendimento e fácil manuseio – ao menos para ele. Nas palavras de Alfred, é como se a Batcaverna fosse levada para qualquer lugar através de uma “simples” lente ocular. As ultrapassadas ideias de que um computador do tamanho de uma caverna seria mais eficiente que dispositivos portáteis repletos de memória foram finalmente deixadas de lado, evoluindo alguns dos conceitos apresentados na fase de Grant Morrison à frente do número.

Os problemas do roteiro de Snyder não são grotescos, mas sim de concepção. A ideia de instalar uma sociedade secreta – formada por novos ricos, que tem em si um número grande de assassinos treinados, e que se vale dos décimos terceiros andares dos prédios da metrópole – é curiosa, mas inverossímil. Acreditar que todo aquele aparato ficou incógnito por décadas e só seria descoberto pelo maior detetive do mundo em pleno século XXI é contestável demais, além de exigir do leitor uma suspensão de descrença imensa. A vontade de emular a questão de que os ninhos de corujas são feitos em lugares escondidos, longe dos olhos humanos mas próximos de seus lares, tem uma intenção genuína, porém conta com uma execução fraca.

Com o desenrolar da trama, Batman se recusa a acreditar na existência da Corte das Corujas, um pouco por falta de fé, mas também por deixar transparecer um pouco de preciosismo e egocentrismo, e tal erro lhe custa caro. O Morcego é convidado a enfrentar seus opositores em um labirinto soturno, um local que, mesmo que o personagem geralmente se sinta à vontade, torna-se amedrontador. O embate não é exatamente físico e varia entre delírios mentais envolvendo o passado de Gotham e a realidade perigosa e predatória que ataca o vigilante.

A arte de Capullo tem uma qualidade que é no mínimo discutível, mas ganha bons momentos nas edições cinco e seis, onde ele decide usar o seu lápis de modo mais anárquico, fazendo o seu Batman ficar até mais parrudo, semelhante ao que ocorrera com o Cavaleiro das Trevas de Frank Miller.

O oponente Garra é um combatente interessante no começo, mas logo se mostra um sujeito comum, sendo mais um vilão ordinário e pouco diferenciado da patuleia criminosa de Gotham. Uma caça que ocorre na cadeia alimentar natural das aves sobre os mamíferos voadores. A explicação de Bruce a Dick de que ele poderia ser um membro da tal corte é risível, graças ao famigerado soco cirúrgico de Batman, que consegue arrancar exatamente o dente com a inscrição da ave esculpida. A solução é fraquíssima e causa gargalhadas em quem acompanha as desventuras do Cruzado Encapuzado. Logo depois, a Corte manda seu “exército de Garras” cruzar o caminho de Bruce Wayne, no que seria a primeira mega saga envolvendo a batfamília, denominada Noite das Corujas. Apesar dos muitos tropeços, os primeiros sete números de Batman mostram uma aventura escapista até divertida, claro, levando-se em conta concessões às problemáticas infantis.

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Crítica | Batman (1989)

24 de junho de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Batman, Billy Dee Williams, coringa, DC Comics, filmes dc, Jack Nicholson, Jack Palance, Kim Basinger, Michael Gough, Michael Keaton, Tim Burton

Em 1989, Tim Burton era um proeminente diretor. No currículo tinha alguns curtas e duas produções cinematográficas elogiadas: As Aventuras de Pee-Wee e Os Fantasmas Se Divertem. Bases que permitiram assumir a cadeira de diretor em Batman, filme de um dos grandes heróis dos quadrinhos que ansiava por uma versão nas telas.

Na época, heróis ainda eram um nicho restrito nos Estados Unidos. Tinham um mercado sólido, formavam personagens presentes no coletivo popular, mas estavam na periferia da arte. Não eram considerados um material bruto, rico e criativo para um filme-pipoca. E o sucesso de Superman – O Filme foi considerado um acerto que poderia não ser repetido em um futuro próximo.

Anterior ao mercado de filmes-pipoca quadrinescos, a aventura não contém a tradicional jornada de origem presente em um primeiro filme. A morte dos pais de Bruce Wayne é desenvolvida em um pequeno flashback durante a narrativa, dando maior dinamismo ao embate entre herói e vilão.

A abertura de Batman, de 1989, adentra de maneira eficiente o universo do Morcego e apresenta os recursos cênicos que tornariam Burton um grande diretor. Gotham City é um cenário escuro e esfumaçado, composto com leves referências góticas. Ambiente ideal para o surgimento do lendário morcego.

Na década de oitenta, a composição de uma produção cinematográfica voltada para o entretenimento era conduzida de maneira diferente da contemporânea. Visto em comparativo, o hiper-realismo dos filmes atuais, no qual a trilogia de Christopher Nolan está inserida, faz desta produção um reflexo menos realista da personagem.

Além da mudança natural da linguagem cinematográfica, os quadrinhos também estavam em um momento diferente. Na DC Comics, a Crise Das Infinitas Terras havia zerado a cronologia do estúdio cinco anos atrás, e Batman passava por uma transição lenta que o transformava cada vez mais em um herói soturno e indestrutível, um recurso que se potencializou após a Queda do Morcego na década seguinte.

Nos papéis centrais, Michael Keaton e Jack Nicholson foram escolhidos para representar Batman/Bruce Wayne e Coringa. Keaton havia participado do filme anterior de Burton e, mesmo com baixa estatura, parecia uma escolha certa pela parceria com o diretor. A interpretação seria razão para reclamação de fãs durante muito tempo mesmo que, devido à ausência de carga dramática da personagem – e, por consequência, sem um aprofundamento interpretativo – o comentário seja injustificado.

A grande estrela é Jack Nicholson, tanto pela responsabilidade de interpretar o vilão mais conhecido do personagem como pelo gordo salário que recebeu pelo papel. Uma visão do Coringa bem diferente da defendida por Heath Ledger anos depois, mas que é fiel com a personagem da época: um palhaço insano mas também apoiado na ironia cômica.

O ator produz veracidade na insanidade da personagem e, inevitavelmente, se destaca mais do que o raso herói. Em relação aos quadrinhos, a origem é a mesma, exceto que o vilão também é responsável pela morte dos pais de Bruce Wayne. Um dos poucos elementos que enfocam o drama nesta história aventureira.

Mesmo sem aprofundar-se na psicologia de Batman – outro conceito que se tornaria primordial a partir da década de noventa e na nova trilogia – a produção apresenta com eficiência a personagem e a luta contra a violência e o mal. No quesito das cenas de ação, as batalhas estão longe das bem elaboradas e sincrônicas coreografias atuais, mas resultam em bons momentos pelo clima cênico do Morcego. Como na cena do museu em que o Coringa, destruindo peças de arte de maneira iconoclasta, é interrompido por um herói que quebra a claraboia e adentra o local.

Mesmo com o embate primordial de Batman x Coringa, demais elementos da mitologia são utilizados brevemente. O promotor Harvey Dent e o Comissário Gordon mal aparecem em cena; a batcaverna, embora não seja exibida em nenhuma cena extensa, apresenta-se bem ambientada, como um local lúgubre e tecnológico, bem registrado pelos quadrinhos da época; assim como o arsenal do Cavaleiro das Trevas com tecnologia de ponta para a época; e um uniforme que, embora aparente imobilidade na luta corporal, assemelha-se a uma armadura rígida (sem nenhuma possibilidade de mamilos desenhados sobre o peito). Contornos definitivos que representam com adequação a figura tradicional do herói.

Vinte e cinco anos após sua realização, o filme continua vivaz e fiel à personagem. A produção, que foi supervisionada pelo criador Bob Kane, é uma das grandes referências culturais, com diversas representações visuais em mídias diferentes. Não se poderia prever que, anos depois, os heróis se tornariam presença obrigatória no verão americano e que Tim Burton pareceria tão esgotado em sua temática de árvores retorcidas, utilizando a participação da esposa, Helena Bonham Carter, e de Johnny Depp em quase todas as suas obras.

Resenha | Batman Berlin

17 de junho de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, John Francis Moore, Paul Pope

Lançada originalmente em Batman Chronicles#11 – com publicação da Editora Abril em Batman: Lendas do Cavaleiro das Trevas n° 3, a história com texto e arte de Paul Pope (Ano 100 e Batman Preto e Branco) mostra o homem-morcego agindo na Alemanha dominada pelos nazistas, nos anos que coincidiam com as primeiras publicações de Bob Kane e Bill Finger.

O interessante da abordagem de Pope é a aura nostálgica remetendo imediatamente à gênese do personagem, muito mais soturno e violento, além de se utilizar de elementos do expressionismo alemão. A troca da base de operações é feita de modo orgânico e funciona na proposta do autor. As referências a Detective Comics #27 e ao Ano Um são notadas logo no início, mas a abordagem diferenciada faz lembrar a de outras obras além das do Morcego, como o Nosferatu de Murnau.

Em 1938, o milionário e socialite Baruch Wane recebe o comissário de polícia Gordon que o alerta sobre um malfeitor sabotador de algumas das ações policiais pela capital. O milionário evidencia que as áreas afetadas pelo vigilante não são lugares onde ele costuma passar, demonstrando um abismo social entre a classe deste e dos menos favorecidos economicamente. Wane é também um pintor famoso – justificando sua fortuna – e logo recusa fazer um retrato do Führer, com a desculpa de que era um artista cubista – e realmente o é, mas guardava em si óbvias reprovações ao regime ditatorial.

As cores de Ted McKeever ajudam a grafar ainda mais o incômodo do personagem principal. Seus tons em marrom contrastam visualmente com a arquitetura azulada da cidade, mostrando o quão a criatura é diferente e diversa do local que ela assombra. Baruck Wane apesar de ser um homem afortunado sofreu as mesmas agruras do povo, com seu passado órfão, mostrando em um recordatório os pais de Wane, mortos unicamente por serem judeus.

A ideia do anti-herói é ligada ao poder da destruição em devastar o lado comum do monopólio de homens maus para, das cinzas, surgir um novo modo de governar. As últimas páginas mostram um predomínio das tonalidades laranjas, com o fogo que preenche o ideal do personagem, como também seu ímpeto incendiário e o discurso libertário, necessário naqueles tempos maus. Batmam Berlin é uma bela análise do mito do Morcego, se utilizando de um momento histórico para fazer valer uma deslumbrante leitura, cujo visual é ainda mais aprazível que o bem urdido enredo.

A segunda e pequena história A Maldição da Mulher Gato, de John Francis Moore e arte de Kieron Dwyer evoca elementos da literatura pulp. Os ares de filme noir – ainda mais evidentes com a quase ausência de cor – mostram uma breve trama, focando a superstição dos marginais e o cinismo dos policiais. Apesar de curiosa, a segunda narrativa não ofusca a primeira, e mesmo sem temáticas semelhantes, estas duas formam um bom encadernado.

Resenha | Batman: Contos do Demônio

27 de maio de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, bob kane, DC Comics, Dick Giordano, Irv Novick, Neal Adams, Panini

O principal fator que motivou a criação de Ra’s Al Ghul por parte de Denny O’Neil e Neal Adams era a necessidade que o herói possuía de ter um grande vilão. Isso já acontecia com o Batman, levando em consideração a presença do Coringa, mas, nos idos dos anos 70, sua figura já não era muito condizente com o teor mais adulto e sério de sua abordagem. O contraponto ao senso de justiça do detetive vem com o Cabeça do Demônio, que tem uma motivação semelhante à do nêmese, que, ao invés de olhar somente uma metrópole como algo de necessária proteção, procura abranger o salvamento do mundo todo. Porém, tal método se realizava por vias muito mais radicais que as do cruzado encapuzado e de forma muito mais egocêntrica, visto que Al Ghul se via como o futuro ditador do planeta.

A edição Contos do Demônio da Panini reúne os trabalhos de O’Neil e Adams e também contém o texto introdutório de Sam Hamm — um dos roteiristas de Batman – O Filme e Batman – O Retorno —, além de um posfácio de O’Neil. A primeira história do encadernado é No Covil dos Assassinos, com arte de Dick Giordano, no qual introduz a voluptuosa Talia Al Ghul. Publicado em 1971, Batman se esgueira pela cidade num contraste entre o lodo das ações dos marginais e o ponto alto, a Estátua da Liberdade, onde encontra um informante, morto pelo misterioso Daaark. A curta história desemboca numa tentativa de fuga atabalhoada em que Talia demonstra uma faceta de moça em perigo, bastante diferente do estereótipo de femme fatale que assume mais tarde.

Em A Filha do Demônio, Adams assina a arte com Giordano, e a identidade secreta do encapuzado é mostrada muito facilmente desbaratada. Ao ter de se deslocar ao subúrbio para ir até a bat-caverna, Batman, no subterrâneo da mansão, se depara com Ra’s Al Ghul, que teria raptado Talia assim como mantinha o Garoto-Prodígio cativo. Nas cenas recordatórias do incidente que deu origem ao herói, o lápis de Adams emula os primeiros momentos da arte de Bob Kane à frente do título da Detective Comics. Mesmo antes da virada no final, é possível prever o que ocorrerá. Ubu, o guarda-costas de Ra’s, faz questão de sempre lembrá-lo que “O Mestre vai primeiro”, mantendo seu líder na dianteira — como ocorre com a divindade do Candomblé, Exu, Orixá que sempre recebe as oferendas logo de início. Al Ghul é um exímio jogador, pondo-se passos adiante de todos que com ele competem, incluindo Batman. Sua face é curiosamente esculpida em montanhas pelas quais eles passam, e as armadilhas parecem feitas cuidadosamente para assustar os aventureiros, mas não para matá-los, como notado pelo investigador, que reage de forma justificadamente irritada pela fracassada tentativa dos vilões em ludibriá-lo. Após esse fato, ele trata de expor as intenções vis de seu opositor, tendo ainda uma última surpresa.

Como no número anterior, a história Pântano Sinistro começa com um susto de Alfred e a aparição do Cabeça do Demônio — no que seria quase uma fórmula para O’Neil. Os desenhos dessa vez são de Irv Novick e Dick Giordano, e a trama envolve o roubo de um experimento dos laboratórios do novo nêmese do Morcego. Uma cena de ressurreição é mostrada, ainda que seja somente a imaginação de Bruce baseada na narração de Al Ghul, portanto sendo muito diferente das descidas ao Poço de Lázaro.

Da mesma equipe criativa da história anterior, esta Vingança Para Um Homem Morto mostra o Morcego sendo salvo por Talia em uma de suas investigações. A imagem da moça consegue transitar facilmente entre a de um gato preto — belo e atraente, porém azarado — e a de um talismã que produz sorte e faz o herói sair da enrascada, ainda que a origem desse imbróglio seja por vezes ligado ou originado por ela. Somente após ver a falta de escrúpulos de Ra’s Al Ghul ao manipular os restos mortais de um ser humano para lograr êxito em seus intuitos, o herói percebe o falho caráter do dito imortal. Mas, apesar disto, o Cabeça de Demônio se assemelha mais ao arquétipo do anti-herói do que ao de um vilão clássico, uma vez que suas intenções não são necessariamente más, e sim extremas, visando sempre algo bravo e justo — ao menos sob seu ponto de vista.

O herói volta a passar por histórias mais soturnas, bem diferentes das aventuras burlescas dos anos 60, as mesmas que inspiraram o seriado de Adam West. Tal retorno às sombras foi muito anterior ao Cavaleiro das Trevas de Miller, pois já dava os seus primeiros passos com estas histórias de O’Neil, ainda que o início tenha sido realizado timidamente. Primeiro, a polêmica parceria com Robin é deixada de lado, visto que Dick Grayson está estudando em Hudson, o que faz com que suas participações sejam muitíssimo esporádicas. Em Bruce Wayne… Descanse em Paz! é arquitetado um sequestro farsante do milionário filantropo, cuja intenção envolve diminuir as chances do herói em ser pego com sua identidade civil, já que ele estaria em uma “guerra” contra o mais astuto dos antagonistas. Nessa e na próxima história (O Poço de Lázaro) o Morcego cria “aliança” com o gangster Fosforos Malone, o que possibilita a ele conseguir chegar a meios que ele não alcançaria sozinho. Após uma longa viagem, Batman finalmente ataca seu adversário, vendo-o voltar do mundo dos mortos. O embate entre os dois inimigos deixa de ser teórico e intelectual para finalmente chegar às vias de fato, em O Demônio Vive Outra Vez, ainda que de modo abreviado, em virtude de contratempos com os aliados do Morcego. O duelo é finalmente concluído com uma disputa de esgrima na qual o valor dos contestes é provado.

Resenha | Batman: Pulp Fiction

5 de abril de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Dan Brereton, DC Comics, gotham city, Howard Chaykin

A série Túnel do Tempo costuma colocar os personagens canônicos da DC Comics em diferentes linhas temporais, mostrando a rotina de suas aventuras em uma nova ambientação, algumas vezes no mesmo local, mas sempre em épocas diferentes. A terceira (de quatro) edição do especial Batman 70 Anos contém duas boas aventuras: Gotham City 1889, em meio a Era Vitoriana, com a sensacional arte de Mike Mignola, explorando o personagem com figuras históricas, como Sigmund Freud e Jack Estripador, e Batman Pulp Fiction, ambientada nos anos 1960, em meio a Guerra Fria. Basicamente, esta é mais um demonstração da atuação do Morcego em seu cenário, fazendo de Gotham City o palco perfeito para as suas atuações de amedrontamento dos criminosos e malfeitores supersticiosos.

Batman – Pulp Fiction foi publicada em Thrillkiller 1 a partir de janeiro de 1997, e conta com roteiros de Howard Chaykin e arte de Dan Brereton. A história explora uma Gotham situada no ano de 1961, época pós-geração beat, pós-macarthismo, e recém retirada do período de Einsehower na presidência da América.

O narrador da história desdenha do otimismo psicodélico que envolve os habitantes da gótica cidade. Os tempos eram outros, sombras pairavam sobre a nação e ainda mais sobre Gotham City. O ultramoralismo predominava no pensamento geral, mesmo no comportamento da classe criminosa. Os homossexuais eram restritos a guetos e os bandidos eram organizados. Duas Caras — que supostamente não é Harvey Dent, visto que ele age como promotor da cidade — trabalha como um mafioso que extorque dos comerciantes locais uma substancial parcela dos lucros, até que é impedido por dois vigilantes fora da lei: Robin e Batgirl. Uma nova ideia de dupla dinâmica e com visual bem mais adulto que suas contrapartes do universo DC regular.

O departamento de polícia é composto pelo rebelde e antiquado James Gordon, que neste universo paralelo também tem de lidar com a corrupção dentro do batalhão, e seu (praticamente) único aliado é a “mosca branca” anti-corrupção avatarizada na figura do detetive Bruce Wayne, herdeiro da tradicional e falida família Wayne. O mesmo senso de justiça é presente nesta contraparte, mas, graças também à falta de recursos, sua forma de combate ao crime é uma aposta mais baixa e modesta.

A corrupção atinge os maiores pontos da alta roda da cidade. Há um conluio dos mais escusos entre o prefeito e alguns dos malfeitores e ex-detentos do Arkham. O envolvimento entre eles esconde crimes como assassinatos de pessoas influentes, quase sempre visando culpar os poucos “cavaleiros brancos” de Gotham. Como nas histórias noir, há um triangulo amoroso entre os heróis envolvendo Barbara Gordon, em sua dúvida entre ter como par Dick Grayson ou Bruce Wayne. O curioso é que mesmo com os antagonistas famosos presentes, ainda que em versões diferentes, é notório o envolvimento do prefeito Ryan na conspiração, que concentra muita influência política e, claro, muito poder dentro do cenário de vilania do município.

Uma reviravolta após o fim da terceira edição rearranja os principais personagens. Wayne torna-se fugitivo, graças à falsa acusação de assassinato de Selina Kyle, e abraça o manto do morcego finalmente. A dupla dinâmica muda, e as coisas começam a ficar mais cruéis e sinceras, além do aumento da violência. É curioso o retorno de Bruce à mansão e a escolha pelo vigilantismo, pois estes revelam o retorno ao seu estado de espírito preferido e é uma reafirmação de sua natureza. Apesar de ter sido um policial, não poderia negar o próprio ethos e seu entendimento de justiça singular, muito mais intervencionista do que o de um tira comum.

Apesar de ser repleto de boas referências, o roteiro torna-se secundário diante da arte surrealista de Dan Brereton; a anarquia de seu lápis combina demais com as cores, e as curvas femininas ficam muitíssimo bem grafadas, sensualidade essa que é uma das mais importantes na tônica de toda a trama. O fim da história principal guarda alguns fatos interessantes, mas não faz da revista algo totalmente indispensável ou acima da média. Além do já citado desenho de Brereton, Batman: Pulp Fiction pouco acrescenta ao leitor experiente das aventuras do Morcego.

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