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Enxergar o cinema em sua tridimensionalidade arte, meio de comunicação e indústria, não significa dizer ao mesmo tempo que esses vieses de análises funcionem exclusivamente de modo separado ou  postular que cada uma dessas dimensões sejam homogêneas entre si.

Essa análise não só permitiria nos fazer ver o acúmulo de elementos para se pensar o cinema sob diferentes facetas, sejam elas sociais, políticas, ou meramente revolucionária sob um aspecto técnico cinematográfico, como também do caráter estratégico que esse cinema pode ter como ferramenta potente para o esclarecimento de seus espectadores. No caso em tela, é evidente que a intenção deste texto é dual, seja como o cinema funciona ou como elemento esclarecedor da situação da classe trabalhadora.

Assim, é importante pensar o cinema de cineastas como Chaplin, Eisenstein, Costa-Gavras e tantos outros como um processo de construção de cinema onde enxergava no espectador uma parte concreta de uma intervenção e ferramenta para mudança real da sociedade. Uma ótica desse universo de não mais pensar no artista como um criador inspirado, mas como um trabalhador a serviço de uma outra sociedade, que não mais despeja seus conhecimento a serviço do seu próprio eu, mas sob a ótica de construção de superação da sociedade atual, e também da própria forma de arte tradicional.

Dessa forma, retornamos ao trabalhador para analisarmos o cinema sob essa tridimensionalidade de elementos catalisadores de politização da luta de classes, e também do cinema como forma de superação da arte, posta hoje em favor de uma sociedade emancipadora. Por conta disso, me reuni ao amigo Filipe Pereira para a construção da lista abaixo envolvendo o cinema e o trabalhador.

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A Greve (Serguei Eisenstein, 1924) – Flávio Vieira

Serguei Eisenstein foi um dos primeiros cineastas a analisar o modo de construção artística aliado a função social de seu trabalho, obviamente, sempre utilizando o contexto do meio onde viveu,: a União Soviética pré e pós revolução, o que determinou o forte cunho político de toda sua obra. A Greve torna evidente a preocupação do cineasta com as questões operárias, a luta entre capital x trabalho, como também da própria cultura proletária e organização independente. Além disso, importante relembrar que Eisenstein foi pioneiro na linguagem, estética, montagem e teoria cinematográfica.

Dois Dias, Uma Noite (Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, 2014) – Filipe Pereira

O filme dos irmãos Dardenne trata prioritariamente sobre a questão da depressão, utilizando a personagem Sandra – magistralmente interpretada por uma propositalmente modificada Marion Cotillard – como maior exemplo dos malefícios da doença. No entanto, o background mostra o agravo e manifestação da doença após uma demissão, fruto da total insensibilidade de seu patrão que, como um barão industrial, corta-a do quadro de funcionários e divide aos empregados um bônus que serviria de resolução para a permanência de Sandra. Sua epopeia ao tentar modificar a situação é prodigiosa em mostra-la como uma párea. O modo como alguns é tratada se assemelha a de alguem com uma doença contagiosa, repulsa mais caracterizada pela demissão do que pela depressão. Ao final, Sandra nota o ardil de seu antigo superior, mas não o culpa, ao contrário, utiliza o fato como trampolim para sair da letargia mental em que se encontrava, finalmente desenvolvendo uma expressão que não fosse de total miséria existencial. Símbolo da vitória não só sobre sua condição, mas também a quebra do paradigma de “escravidão assalariada”.

O Corte (Costa-Gavras, 2005) – Flávio Vieira

Costa-Gavras é conhecido pelo seu trabalho ao retratar temas pungentes em um cinema mais político, principalmente ligado a questões envolvendo a luta de classes. Em  O Corte isso fica mais uma vez evidente. Sempre preciso, e por vezes impiedoso, Gavras não poupa o espectador e mostra o impacto da perda de um emprego na sociedade atual e o drama familiar decorrente disso. Está tudo ali: perda de identidade, baixa auto-estima, impessoalidade, desespero, decadência financeira, o efeito desagregador no seio familiar, como também a opressão de uma entrevista de emprego e a atmosfera de competitividade reinante num ambiente corporativo.

O Duplo (Richard Ayoade, 2013) – Filipe Pereira

Baseado no romance de Dostoievski, o filme de Richard Ayoade apresenta um micro universo sombrio e mecânico, semelhante as distopias vistas em Brazil e em outros filmes de Terry Gilliam. O cenário é uma tela em branco para a narração das desventuras de Simon (Jesse Eisenberg) que vê sua vaga no trabalho ser aos poucos tomadas por uma pessoa cujas expressões são idênticas as suas. A citada contra parte, chamada de James, rouba benefícios, atas e a confiança de seu opressor chefe, utilizando seus esforços para mostrar o quão obsoleto e descartável Simon é para a vida e, consequentemente, para o mercado, fazendo dele uma peça completamente desimportante e substituível da engrenagem, encerrando a profecia de mercantilização da vida humana, com o capital tratando o homem como o ser diminuto, cuja proposição proveio dele mesmo.

Roger e Eu (Michael Moore, 1989) – Flávio Vieira

Nos idos de 1989, o forte tom de denúncia e crítica à sociedade moderna, com toques refinados de sarcasmo já eram presentes no primeiro trabalho do polêmico Michael Moore, Roger & Eu. O documentário traz Moore em sua saga ao tentar dialogar com Roger Smith, presidente da General Motors,  responsável pelo fechamento de onze indústrias da GM, o que acarretou em mais de 30.000 desempregados na cidade natal de Moore, Flint. O documentarista é incisivo ao ilustrar a perversidade inerente à logica incessante da busca pelo lucro, a concentração de riqueza nas mãos de um pequeno grupo e as desigualdades sociais que se alastram ao redor do globo.

O ABC da Greve (Leon Hirszman, 1990) – Filipe Pereira

Acompanhando as greves ocorridas no estado de São Paulo pelos idos de 1979, O ABC da Greve reverberava as reclamações da classe operária por maiores direitos trabalhistas, apoiando veemente o fortalecimento dos sindicatos. A experiência do diretor e roteirista Leon Hirzsman em dramas passados nos anos pós chumbo, como em Eles Não Usam Black Tie já mostrava a indignação com o modo como o Regime Militar tratava o proletariado, fazendo deste documentário uma obra pessoal para o cineasta. Lançado postumamente, o filme serve para quebrar o silêncio que os militares tentavam impor aos líderes do movimento que propunham os mesmo direitos que os poderosos sempre tiveram, comumente associados a opressão daqueles que causaram medo e terror aos mais necessitados. O grito e o canto de revolta merece ser mais propagado dado que o filme é completamente subestimado pela critica de cinema brasileira, mesmo hoje.

Os Companheiros (Mario Monicelli, 1963) – Flávio Vieira

Mario Monicelli, cineasta italiano conhecido pelo O Incrível Exército de Brancaleone (1966), abordou a questão sindical no longa metragem, Os Companheiros, três anos antes de sua produção mais conhecida. O diretor transporta sua história para um grande centro industrial da Europa do início do século XX, onde trabalhadores se submetem a uma extenuante jornada de trabalho de 14 horas. A trama se desenvolve após um trabalhador fatigado se descuidar no maquinário utilizado para seu labor e perder sua mão. O ponto de ruptura se dá com a chegada de um professor na cidade, interpretado pelo grande Marcelo Mastroiani, que passa a formar um processo de mobilização e organização desses trabalhadores. Os Companheiros é um filme que nos ganha pela simplicidade, mas não deixa de nos mostrar a dureza decorrente dessas relações de trabalho e a luta por uma vida digna e uma sociedade mais justa.

Cabra Marcado Para Morrer (Eduardo Coutinho, 1984) – Filipe Pereira

Interrompido durante a instauração do Golpe Militar, Cabra Marcado Para Morrer é um filme simbólico, não só sobre as tratativas da repressão aos mais pobres, pelo braço duro do estado, como também pela disseminação do ódio aos homens do campo. A sabotagem que Eduardo Coutinho acompanha famílias atacadas pelos membros do alto escalão do exército e servem de exemplo do montante de ações que dividiam os membros do campesinato, bem como a perseguição aos formadores dessas ligas equivalente aos sindicatos que habitavam o urbano. Talvez a obra mais conhecida da filmografia de Coutinho, Cabra Marcado exibe o melancólico retrato dos campestres, impotentes diante dos fomentadores do Regime, excluídos e assassinados como se fossem animais indo para o abate.

As Neves do Kilimanjaro (Robert Guédiguian, 2011)

Robert Guédiguian, cineasta francês de origem armênia, utiliza o poema Os Pobres, de Victor Hugo, como ponto central de As Neves do Kilimanjaro. A trama nos apresenta Michel, um sindicalista que acaba demitido por decidir sortear seu nome em uma lista de cortes, por se recusar a receber um tratamento especial pela sua posição junto ao sindicato. Como se isso não fosse o bastante, ao celebrar seu aniversário de casamento ao lado de sua esposa, as personagens são assaltadas e perdem um grande valor em dinheiro, além de uma viagem para Tanzânia que receberam como presente. O filme discute as questões classistas envolvidas nas relações cotidianas e a violência decorrente delas. Apesar de por vezes cruzar a linha entre o moralismo e a moralidade, o filme é um belo exemplo de que as relações sociais são elementos catalisadores de transformações maiores de uma sociedade.

Como Era Verde Meu Vale (John Ford, 1941) – Filipe Pereira

Clássico do cinema norte-americano, Como Era Verde Meu Vale é um dos primeiros filmes da fase áurea do cinema de John Ford. Não à toa, pois usa história simples para apontar as tristes condições do trabalhador popular. Utilizando a ruína da família Morgan, mesmo diante da total dedicação de cada um dos membros. A película mostra uma triste epopeia pela região interiorana dos Estados Unidos, onde os membros do clã se voluntariam para trabalhos que mal pagam seus alimentos. A complexidade dos dramas e sentimentos mostrados em tela são apresentados de modo simples, mas a reflexão pós cenas não é fácil por tratar das dificuldades e dos sonhos de quem uma população que ajudou a construir a nação. Também serve de fonte para discussões mais abrangentes de como a exploração da mais valia só faz aumentar o espectro da miséria financeira e, consequentemente, de alma e espirito também.

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Concluo com o clássico poema de Vinícius de Moraes, O Operário em Construção:

Leia Mais: O Cinema e o Trabalhador.

Imagine este cenário: trabalhadores suados, com sede (sem direito a beber água, para não prejudicarem a produção), num ambiente totalmente fechado, cuja temperatura de 29°C se junta à umidade que impregna o ar.

Embora essa cena tenha sido exibida em algumas obras da sétima arte, ela também fez parte de várias realidades, como por exemplo no século XVIII, em Manchester, Inglaterra, numa fábrica de algodão. Se no cinema ela dura alguns minutos, no cotidiano desses trabalhadores ela se estendia por 14 horas (às vezes 17), dias, meses e anos seguidos, sem férias, 13º ou qualquer outro direito trabalhista conquistado posteriormente.

Charles Chaplin, com toda a sua sensibilidade e genialidade, nos aponta a falta de respeito pelo ser humano, e o abuso do patrão sobre o trabalhador, em 1936 com Tempos Modernos. Retratando os primeiros tempos da industrialização e do capitalismo, mostrando-nos as condições sub-humanas a que o “proletariado” era submetido, através do personagem Carlitos, em cenas como a da esteira rolante (cuja velocidade é frequentemente aumentada, a partir das ordens do presidente da fábrica, que se comunica por um telão).

Na cena onde o protagonista parece ser “engolido” pela engrenagem, faz-se uma alusão à despersonalização do individuo, assim como naquela em que ele testa uma máquina para alimentar o trabalhador, evitando assim, que este perca tempo se alimentando, já que o propósito era efetivar e maximizar o lucro, produzir mais em menos tempo e pelo menor custo.

Uma imagem que não poderia passar desapercebida é quando o ingênuo Carlitos pega uma bandeira sinalizadora que cai acidentalmente de um caminhão e, ao tentar chamar atenção do motorista,  é confundido com o líder de uma passeata e levado pelos policiais. Chaplin nos conta sobre a consciência das condições precárias impostas ao empregados, sua vontade de mudar isso, e a repressão que as autoridades exerciam.

Foi uma manifestação, em Chicago (Estados Unidos), em 1886, na luta por mais salários e a redução da jornada de trabalho, que originou o feriado comemorado no 1° de maio. Além de ser um destacado pólo industrial, esta cidade figurava no cenário mundial como um dos maiores centros sindicais. No primeiro dia do mês de maio, na penúltima década do século XIX, milhares de pessoas foram à ruas manifestar seu descontentamento, iniciando-se também, nos EUA, uma greve geral. Nos dias que se seguiram imediatamente, estabeleceu-se um clima de violência, ferindo dezenas de pessoas e matando algumas. Mas o ato que marcou definitivamente esta data, foi a prisão de 8 líderes, sentenciados ao enforcamento.

No entanto, nem todo o trabalhador se propõe a lutar, de imediato, pelos direitos da sua classe. Alguns porque se acomodam, construindo um imaginário de que é essa a sua condição da sociedade. Outros porque o próprio sistema capitalista, de consumo, acaba colocando-os num impasse ideológico.

É este impasse, o grau de precariedade das condições de trabalho (considerando esta força como mercadoria) e todas as relações de produção num universo capitalista, que o diretor Elio Petri tenta explicar em A Classe Operária Vai ao Paraíso (1971).

Este filme italiano tem como protagonista Lulu (Gian Maria Volonté), um operário-padrão aplaudido pelos superiores e hostilizado pelos colegas de trabalho, que o identificam como alienado, entregue ao sistema. Até que Lulu Massa perde um dedo numa máquina, e começa a despertar para a exploração que lhes é imposta, começando uma luta interna de ideais.

Movimentos grevistas e repressão aos mesmos, também são questões abordadas em Germinal (1993) de Claude Berri, baseado no romance homônimo de Emile Zola (1881).

Nenhuma palavra me pareceu tão justa quanto “abordadas”, porque os temas citados acima são tratados, por incrível que pareça, de uma forma mais superficial, dando ênfase realmente à diferença entre a burguesia e os trabalhadores, sendo que os primeiros vivem emersos em sua alienação, futilidades e opulente suntuosidade, como é mostrado na maioria das cenas que os retrata, em volta de uma mesa mais do que generosa. Já os segundos, vivem em condições, para as quais a palavra “miseráveis” ainda seria atenuante, chegando a oferecer sexo em troca de comida, e permanecendo numa situação sem qualquer individualidade, sem qualquer traço de personificação, num núcleo familiar descaraterizado, onde funcionam como meros fatores de contabilidade.

Despida de qualquer ideologia pré-concebida, a sua luta é pela sobrevivência, a sua revolta é motivada pelo princípio da ação/reação (à exploração), e o próprio conceito de justiça acaba sendo deteriorado pela força das necessidades básicas, como nos mostra a cena em que o personagem de Gerard Depardieu (Toussaint) come a sopa que deveria ser o alimento do seu filho.

A trama gira em torno de uma família de mineiros, cujo chefe, Toussaint, estimulado e em parceria com um operário recém chegado, Étienne (Renaud) com experiência em revoltas e contestações, resolve criar um “fundo de resistência”, como plano para a uma condição de sobrevivência, e todo este processo acaba levando a maiores tensões. Apesar de o próprio título, germinal, referir-se ao desenvolvimento da gestação e maturação dos movimentos grevistas desse período, e de haver algumas pinceladas dos discursos de Marx e Engels, esta obra aprofunda-se efetivamente é nas relações humanas, e nos mecanismos que condicionam e provocam comportamentos. Há na obra uma evidente intenção em mostrar os contrates, o que é favorecido também pela brilhante fotografia de Yves Angelo (quando contrapõe a luz dos aposentos burgueses ao opaco sombrio das minas e “casas” dos trabalhadores).

Mas se você, prefere não mergulhar em ideologias declaradas ou supostas e, em vez disso, deixar-se emocionar em alguns momentos, e entregar-se a reflexões sobre superação e ética, em outros, num contexto mais atual, aqui vão duas sugestões que também englobam a luta no mercado de trabalho, e os malabarismos necessários às adaptações, internas e externas, que este nos exige.

“Há coisas que acontecem na vida e há coisas que você faz acontecer. É a diferença entre ter um plano e não ter.”

Esta é uma das premissas que norteou Chris Gardner, um homem que viu afundar um negócio onde investira todo o seu dinheiro, afundou-se em dívidas, foi abandonado pela esposa, dormiu por algum tempo em banheiros públicos e abrigos para moradores de rua, e teve que cuidar sozinho de seu filho de cinco anos. Mas Chris é obstinado, e torna-se dono de uma grande corretora e, consequentemente de milhões de dólares.

A história real foi registrado num livro e, posteriormente, transformada em filme, sob a direção de Gabriele Muccino e a brilhante atuação de Will Smith, contracenando com seu próprio filho, Jaden Smith. À Procura da Felicidade (2006), apesar de trazer alguns pontos dramatizados ou açucarados pelo roteirista Steven Conrad, não deixa de emocionar e encorajar alguns daqueles que não conseguem ver um luz no final do túnel.

Mas sejamos realistas! Claro que persistência e foco são essenciais, no entanto, não há tantos Chris por aí! Sabemos da crise de desemprego numa escala global. Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, sempre atentos para os temas em pauta, sabem disso, e os trazem esta questão, com o roteiro e a direção de Dois Dias, Uma Noite (2014).

A história passa-se na Bélgica, e tudo se inicia quando Sandra (Marion Cotillard) é despertada pelo som do celular. A cena é praticamente um monólogo, pois não se ouve quem está do outro lado da linha, mas a forma como Marion se expressa diante da câmera, satisfaz plenamente a intensão dos diretores em seu enfoque psicológico.

Quando se preparava para retornar ao trabalho, após um afastamento ocasionado por uma depressão, que parece superada, Sandra fica sabendo que seus colegas haviam aceitado a proposta da empresa em substituir a sua vaga por um bônus de mil dólares. Diante disso, ela tem apenas o fim de semana para fazê-los mudar de ideia, e começa uma maratona de visitas a cada um. Aqui, os irmãos Dardenne discutem a questão social.

As relações humanas são abordadas fora do núcleo familiar, embora a família seja usada como pretexto para a priorização do bônus, por parte dos outros funcionários. Este dilema sustenta o teor moral e ético da trama, e os conflitos externos, desencadeados pela fragilidade do mercado de trabalho, e pelo peso do seu retorno monetário, tornam-se reveladores de conflitos internos vividos pelos personagens.

O tema central destes filmes é o trabalho… Será? Essas histórias (e todos os recursos cinematográficos que atuam como agentes simbólicos) nos levam a uma reflexão sobre algo que exige a busca pelo equilíbrio entre a razão e a emoção: as relações humanas, culturais e sociais!

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Texto de autoria de Cristina Ribeiro.

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