Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (Twitter | Instagram), Filipe Pereira (Twitter | Instagram), Bernardo Mazzei (Twitter | Instagram) e Jackson Good (Twitter) se reúnem para comentar sobre as últimas notícias envolvendo o universo cinemático da DC, desde o malfadado Snyderverso ao futuro imprevisível envolvendo James Gunn e Peter Safran.
Duração: 65 min.
Edição: Flávio Vieira Trilha Sonora: Flávio Vieira
Arte do Banner: Bruno Gaspar
Bem-vindos a bordo. Filipe Pereira (@filipepereiral | @filipepereirareal), Bruno Gaspar (@hecatesgaspar | @hecatesgaspar), Jackson Good e Nicholas “Aoshi” Prade se reúnem para comentar sobre as principais adaptações de games para o universo do cinema.
Duração: 141 min.
Edição: Flávio Vieira Trilha Sonora: Flávio Vieira
Arte do Banner: Bruno Gaspar
A Noiva de Chucky é a primeira tentativa de repaginar os filmes do boneco psicopata, reunindo mais elementos de comédia que de terror. Lançado dez anos depois do clássico Brinquedo Assassino, o longa de Ronny Yu mostra Tiffany, personagem de Jennifer Tilly, que começa a história cometendo o assassinato de um policial só para resgatar os restos mortais do boneco. Logo, ela faz um ritual de vodu graças a um manual de magia negra para amadores e faz o personagem dublado por Brad Dourif retornar a vida.
A franquia vinha em baixa, Brinquedo Assassino 3 deixou o criador Don Mancini em espera e por mais que hajam críticas pertinentes aos novos rumos da franquia, a dinâmica deu certo. O uso do clichê de par romântico do monstro, ao estilo A Noiva de Frankenstein e A Noiva do Re-Animator casa bem com o tom satírico. Outro ponto é a quebra de quarta-parede, embora o tom aqui seja nada sutil.
Yu tinha pouca experiência no cinema americano, vinha da produção do filme de fantasia Guerreiros da Virtude, mas ele fez bem seu papel, pois na proposta de tornar tudo mais cômico, há mais acertos que erros. Anos mais tardes, coube-lhe comandar o crossover Freddy vs Jason, que tem elementos presentes nesta obra de 1998. A atmosfera de autoparódia funciona, e a violência explícita idem, transformando ele em um bom exemplo no cinismo que tomou o cinema noventista.
A abordagem ao estilo videoclipe é acertada e a trilha sonora é um dos pontos fortes, em especial a sequência com Living Dead Girl, de Rob Zombie — curiosamente se tornaria um diretor promissor em 2003 com A Casa dos Mil Corpos e Halloween: O Início — que estabelece quem seria o protagonista dessa história e demonstrando que as regras de transferência de alma seriam mais corrompidas ainda.
O brilho do filme reside nas personagens femininas. Tilly estava no auge de sua beleza, o carisma da atriz a faz variar naturalmente entre a mulher hilária e tola, que ao esbarrar em clichês de romantismo barato acaba fracassando no intento de ser a mulher fatal perfeita. Tiff é incapaz de perceber que sua relação com Charles é abusiva, exceção feita ao final, quando decide poupar Jade (Katherine Heigl). A outra moça, aliás também faz um bom papel, e acaba sendo uma scream queen tão boa que chega a destoar do que é comum em obras de slasher. O problema reside nos personagens masculinos rasos. Chucky ainda consegue ter seu brilho, especialmente quando entra em competição com seu par. É sacana, vingativo, amargurado, mas ainda assim, um coadjuvante de luxo do drama da noiva.
O filme quando não se leva a sério acerta, embora hajam referências bobas até demais, como os souvenirs de personagens de A Hora do Pesadelo, sexta-feira 13 e Halloween, em uma clara cópia a Batman & Robin de Joel Schumacher, que um ano antes, fez uma cena semelhante mostrando quinquilharias dos vilões antigos do Morcego quando no Asilo Arkham.
A tentativa de repetir os clichês de Assassinos por Natureza e Bonnie e Clyde: Rajada de Balas, colaboram para deixar o terço final cansativo. Os atalhos que Mancini escolhe não tem muito sentido, e o filme carece de um ritmo bom. No trecho final, ainda há um momento bom, ao menos pela bizarrice, sendo a briga entre bonecos um conceito tão sem noção que soa cômico. A Noiva de Chucky é das continuações a mais acertada, pois busca algo diferente mesmo que tenha um final apelativo e tenha gerado tantos herdeiros bastardos.
A história do cinema se confunde facilmente com suas obras, especialmente as clássicas e entre elas, certamente Amor, Sublime Amor é uma das mais notáveis. O musical vencedor de dez estatuetas do Oscar é uma adaptação de Robert Wise e Jerome Robbins sobre o musical da Broadway e narra a história de duas gangues rivais de Nova York: os Jets, garotos caucasianos que se consideram os nativos do país, contra os Sharks, formados por imigrantes e filhos de imigrantes latinos, a maioria sendo de Porto Rico.
O filme se inicia com uma tomada aérea de Nova York, mostrando-a como o palco das lutas, um coliseu urbano onde a “guerra” entre meninos ocorreria, mostrando um panorama pessimista sobre a juventude, que deveria ser ingênua e sonhadora, mas é agressiva e afeita a brigas.
Os Jets não demoram a aparecer, liderados por Riff (Russ Tamblyn), um garoto de boa aparência, mas de índole delinquente. Sua gangue é tão problemática e imoral quanto ele, e toda sua jornada envolve tentar convencer seu amigo Tony, feito por Richard Beymer, a regressar as práticas de violência e traquinagem.
Os cenários remetem a pobreza, os primeiros ataques se dão em áreas comuns, em quadras de basquete, esporte conhecido na época por abrigar marginais e drogados. A ação se desenrola progressiva e gradativamente, com belos passos de balé, jazz e dança contemporânea, e até demora um pouco para ter diálogos entre os personagens. A intenção era impactar pela dança.
Já os Sharks são mostrados como gente mais sofrida, que tem de lutar para viver e sobreviver. Liderados por Bernardo (George Shakiris), logo ocorre um baile onde moços e moças, ligados ou não aos dois grupos se reúnem, e é nele, que a jovem e inspiradora Maria (Natalie Wood) encontra os olhos de Tony, e os dois passam a se enamorar. Essa é uma releitura de Romeu e Julieta, clássico teatral de William Shakespeare, adaptado para a segunda metade do século XX, e o intento de tornar a história mais palatável é bastante acertada, já que o drama é mais próximo do comum ao público.
Tecnicamente o filme é impecável, seus cenários, mesmo quando são pequenos remetem a um cinemão, parecem amplos, em jogos de espelhos tirados direto do teatro. As coreografias de Robbins são boas, até Fred Astaire, mestre do sapateado elogiou o desempenho de Tamblyn, fato que fez o ator se preocupar menos com o seu modo de atuar e dançar. As atuações, apesar de histriônicos, combinam bem com a trama, ajudam a tornar esse melodrama em algo crível, um conto urbano verossímil, mesmo cheio de fantasias.
Se o primeiro ato, antes do intervalo soa cansativo, o ritmo da segunda parte compensa, especialmente por focar mais na personagem mais rica do roteiro, Maria. O círculo de mulheres porto-riquenhas tem mais questões problemáticas. Com situações realmente graves e mais fáceis de associar com a atualidade, mesmo que as canções girem em torno da mulher só ter sucesso quando consegue alguém para banca-la. Chega a ser engraçado como Maria trabalha e provém seu sustento sozinha no meio da cena onde sonha com seu Tony/Romeu, isso serve de comentário do quão tacanho era o pensamento da época.
Toda a sequência da música da versão de confronto em Tonighté sublime, as gangues indo em direção ao tão aguardado confronto, Tony e Maria sonhando juntos em pensamento, mas fisicamente distantes, só esse trecho é como uma opereta particular, que reúne desejos e anseios de fontes completamente diferentes, e resultam em tragédias particulares e comuns a todos.
A luta entre Riff e Bernardo é icônica, e serviu de inspiração para diversas obras artísticas, entre elas o hit Beat It, de Michael Jackson, além é claro dos clássicos “underground” de Walter Hill, tanto Warriors: Os Selvagens da Noite quanto Ruas de Fogo.
O final é dramático, triste e melancólico, e por mais que pareça conveniente demais o desfecho, não há como negar sua carga dramática. Amor, Sublime Amor é um clássico atemporal, e é fácil de se apreciar mesmo atualmente, exceto talvez por ter um ritmo um pouco arrastado, sobretudo para o espectador mais apressado, ainda assim, é uma história de pulso, sentimento, poesia e verve, como os clássicos shakesperianos eram.
A Jaula é situado em algum lugar no tempo próximo da realidade brasileira atual, a trama dá conta de um rapaz que tenta roubar o rádio de um carro, arrombando o veículo para só depois se perceber preso dentro dele, já que o dono preparou uma armadilha inescapável.
O filme não possui um vasto elenco, baseia-se quase na totalidade em duas figuras, o assaltante Djalma, vivido por Chay Suede em uma interpretação diferenciada de todos os seus papéis habituais, e o dono do veículo, o doutor Henrique, ginecologista vivido por Alexandre Nero, um homem cansado da violência urbana e decide fazer justiça com as próprias mãos.
O filme apela para os clichês relacionados ao pensamento violento e agressivo dos tempos atuais. Sua atmosfera soa como uma corruptela de um Brasil em crise, e ainda que as ações cruéis do autoproclamado homem de bem só ocorram pela sua falta de perspectiva, acabar por refletir a vontade e a satisfação de boa parte do pensamento conversador e retrógrado atual.
Colocar em perspectiva esse dilema moral poderia facilmente recair sobre uma abordagem piegas, mas felizmente não é isso que acontece. O diretor João Wainer (Junho: O Mês que Abalou o Brasil e Quem Matou? Quem Mandou Matar?) ao lado do roteirista João Cândido Zacharias conseguem estabelecer a condenação moral ao sujeito que quer o sangue do fora da lei, e o faz de maneira singular, mesmo sendo este uma refilmagem de 4×4, filme argentino de Mariano Cohn.
O filme julga o sujeito como quem ele realmente é, um sujeito violento que não busca a justiça que seu discurso propõe, e sim o sangue e a dignidade de alguém que tentou prejudicá-lo. Fica patente que Henrique se considera humanamente superior, e só tem condição de realizar tão elaborada vingança por estar social e economicamente acima de Djalma. Polícia, mídia e até parte da população mostram que não é só Henrique que pensa de maneira doentia, mas boa parte da população reflete esse revanchismo. A sociedade segue refém desse argumento de justiçamento acrítico.
O pensamento político de envolver setores da comunicação e as expectativas de uma fração da população são melhor exploradas nessa versão. Wainer ainda cuida em não espetacularizar demais a violência. Há gore, tiros, mas a escolha de mostrar um personagem branco roubando é sábia, pois não apela ao clichê comum de colocar negros como o alvo principal da tortura psicológica. Ainda assim o roteiro tem um tom de denúncia, pois encaixa outro infrator, esse sim, de pele preta, que tenta roubar o mesmo carro sendo linchado pela multidão, levado pela polícia quase irreconhecível, deformado pelos socos e pontapés que sofreu. Nesse universo, tão parecido com o nosso é fácil perceber como até para criminosos existe mais rigidez com gente de pele negra.
A Jaula é curto, mas consegue estabelecer uma atmosfera de suspense e tortura poucas vezes visto no cinema nacional recente. Seu cineasta não tem receio em fazer um filme de gênero, e essa versão não deixa nada a desejar ao original argentino, adaptando muitíssimo bem certas situações para a realidade do Brasil atual.
Serie dramática do canal Showtime, Os Bórgias, assinada por Neil Jordan, narra a história do polêmico religioso Rodrigo Bórgia e sua família, conhecidos por sua luxúria e ganância. O programa estrelado por Jeremy Irons ficou notadamente conhecido por conta do ator, dado que em 2011 não era tão comum grandes atores do cinema migrarem para a televisão. Já na primeira temporada, acompanhamos Rodrigo (Irons) se tornando o Papa Alexandre VI.
Apesar de sua nacionalidade espanhola, isso pouco importa para a série. Os Borjas/Bórgias são uma grande família com três filhos adultos: o primogênito e também padre Cesare, de François Arnaud, que passa o programa tentando largar o manto religioso para ser um líder de exército; a filha Lucrécia (Holliday Grangier), uma bela e lasciva moça de aparência virginal e tendências incestuosas com o primeiro filho; o inconsequente e cruel Juan (David Oakes).
Jordan dirige o piloto e brinca com a visão do espectador, colocando a câmera em lugares específicos, sob a ótica e perspectiva de algumas criaturas, como a gaiola do pombo-correio que leva as informações sobre os votos necessários para que Bórgia vença a eleição ao papado, ou a de outras figuras subalternas dentro desse xadrez político.
Há algumas boas cenas de ação, inclusive de batalhas. Os exércitos do Papa e de outros países tem uma boa representação. Visualmente parecem realistas como bons filmes de época. A recriação de cenários e figurinos também impressiona. Porém, os efeitos de computação gráfica decepcionam, apesar da direção de arte compensar esses momentos.
A série subverte temas como o machismo com uma astúcia grande, exibindo mulheres fortes capazes de manipular e dominar esse mundo comandado por homens. O primeiro ano termina com humilhações públicas e a ascensão da família que dá nome ao seriado. Com o tempo os episódios ganham tons mais “adultos”, desde cenas de nudez à violência.
Durante o decorrer das temporadas, Rodrigo muda, passa a ser mais temente a religiosidade, mas não demora a retornar ao seu estado de escárnio com o catolicismo. Os personagens vão perdendo suas condições básicas de vida, inclusive o controle de suas faculdades mentais e até partes substanciais das memórias. É como se uma maldição caísse sobre eles, incluindo o avanço das questões relacionadas ao incesto. De todas as tramas, romances, traições e problemas tratados, certamente o mais focado no último e terceiro ano é a exploração da fé por parte dos políticos e poderosos de Roma.
O seriado teve três temporadas sendo interrompido de forma abrupta, com apenas 29 episódios, tendo sua trama terminada em um ebook, fato que impede boa parte da audiência de saber o que aconteceria com os personagens, até por conta das muitas liberdades tomadas pelo roteiro. O que se observa no período em que ficou no ar é uma história em que o conservadorismo, a política e a hipocrisia sempre andaram juntos.
Os Bórgias termina abruptamente, e nas temporadas seguintes lidaria com a morte do Papa e sua tentativa de se confessar para salvar a própria alma, porém sem sucesso. Diz-se também que teria uma participação maior do escritor Nicolau Maquiavel que se tornou personagem recorrente. É curioso como a série estreou no mesmo ano que Game Of Thrones, com semelhanças de tramas, contudo sem a mesma popularidade. Ainda assim, mesmo com os muitos defeitos em sua produção, a série de Jordan e da Showtime tem ótimos momentos.
Morbius é um personagem trágico das histórias do Homem-Aranha, baseado em um conceito de vilão animalesco, como era bem comum entre os rivais do Cabeça de Teia. Criado pelo roteirista Roy Thomas e pelo desenhista Gil Kane, ele é o primeiro antagonista do herói que não foi criado por Stan Lee, visto que na época o escritor trabalhava no roteiro de um filme que jamais saiu.
A estreia do personagem foi no ano de 1971 em Amazing Spider-Man 101. Na época, Peter Parker estava com dois pares de braços adicionais, fruto de uma poção que ele tomou para perder seus poderes, que obviamente deu errado. Ao tentar se esconder no laboratório do Doutor Curtis Connors, o Aranha acaba sendo atacado por Michael Morbius, um cientista grego que se submeteu a um tratamento envolvendo choque elétrico e morcegos-vampiros.
A origem do personagem foi mais aprofundada na edição seguinte, desenvolvendo suas motivações e origens, retratando a existência de uma doença degenerativa que possuía e da experiência que se submeteu, tornando-se um sujeito que precisava se alimentar de sangue para sobreviver, assim como os vampiros clássicos, mas com origem uma científica e não mitológica.
Morbius tem super-força, capacidade de voar, hipnose, super velocidade, ecolocalização e até um fator de cura acelerado. O personagem já era conhecido por sua genialidade antes mesmo de tornar um vampiro, ganhando um Nobel em fisiologia, contudo, com a experiência sofrida passou a ter capacidades mentais ainda mais avançadas. Também adquiriu alergia a luz solar, mas não necessariamente fatal.
O personagem só foi criado por conta da queda do código de censura que vigorava sobre os quadrinhos americanos, revisto no início de 1971. Alguns anos depois, em 73, a Marvel lançou a HQ Vampire Tales, com Drácula, Blade, e claro, Morbius, através da subsidiária Curtis Magazines. Nessas histórias haviam elementos típicos de produções de vampiros, como cultos satânicos, sacrifícios de moças virginais, etc.
Morbius teve embates com o Doutor Estranho, na história Vampiric Verses, da revista Doctor Strange, Sorcerer Supreme 14. O Vampiro e o Mago se juntam a Irmão Vodu e combatem o ressurgimento de vampiros milenares. Nesta história ele é mostrado como um sujeito cheio de conflitos, fato que deve estar nesse novo filme de Daniel Espinosa protagonizado por Jared Leto.
Outro momento notável das histórias é Sub-City, lançada em 1991, quando o Aranha descobre que o anti-herói tem um domínio nos esgotos de Nova York. Essa fase foi desenhada pelo criador de Spawn, Todd McFarlane, e é bastante lembrada pela sua arte.
Morbius fez parte do grupo Filhos da Meia-Noite, iniciativa idealizada pelo Doutor Estranho, presente na revista Rise of the Midnight Sons, de 1992, grupo formado por personagens mais obscuros, como Blade, Hannibal King, Morbius obviamente, os Motoqueiros Fantasma Danny Ketch e Johnny Blaze, os Redentores do Darkhold, entre outros. Essa era mais uma equipe da Marvel que tentou se firmar pegando carona no sucesso dos X-Men, mas, como boa parte dos outros grupos “caça-niqueis”, não teve vida longa.
Em 2019 foi lançada uma série, chamada Morbius: The Living Vampire, onde novos poderes do personagem são apresentados, como a capacidade de hipnose, lançada recentemente pela Panini no Brasil.
O personagem também participou de outras mídias, com a mais notável sendo a versão de Homem-Aranha: A Série Animada, de 1994. Esse desenho tinha umas peculiaridades, pois não podia aparecer sangue, socos ou armas de fogo, então ele sugava plasma, com esferas sugadores da essência vital nas palmas das mãos.
Nessa versão ele tinha uma relação com Felícia Hardy, a Gata Negra que era um dos interesses românticos de Peter no desenho. O vampiro também teve uma aparição no game Spider-Man 3, que adaptava para a geração 128 bits o filme Homem-Aranha 3.
Além disso, Morbius também apareceu brevemente na série animada Ultimate Homem-Aranha, em uma versão equivalente a sua contraparte do universo Ultimate. Aqui, ele tem ligação com a Hydra e aparece boa parte do desenho como um monstro de aparência de morcego.
Curiosidades:
O personagem Blade só tem a capacidade de andar a luz do dia graças a Morbius. Nos quadrinhos, em uma luta entre os dois, o Vampiro Vivo morde Blade e a mistura entre a toxina de Michael, com as enzimas do caçador de vampiros causaram nesse último uma mutação, passando então a conseguir andar de dia, tal qual o personagem de Thomas e Kane;
Gil Kane se inspirou no Conde Drácula de Jack Palance, que fez sua aparição em Drácula, O Demônio das Trevas (1974), para compor o visual da versão humana de Michael Morbius. O rosto dos dois personagens é bastante similar;
Loxias Crown, que será interpretado por Matt Smith, no filme é um personagem periférico das histórias de Morbius. Ele passou a ser um vampiro vivo tal qual o personagem que dá nome ao longa.
Velozes e Furiosos 9 tem seu início em 1989, com o patriarca dos Toretto, Jack, correndo em um circuito da Nascar e sofrendo um trágico acidente sob o olhar atônito dos dois filhos. Esse preâmbulo serve para estabelecer que o Dominic Don Toretto de Vin Diesel tem uma ligação emocional com os carros, e ainda introduz Jakob, seu irmão, vivido quando adulto por John Cena, como o novo antagonista.
Justin Lin retorna a direção e como é visto na introdução esse seria um filme mais dramático que os anteriores. Um dos fatores curiosos da série de filmes era sua capacidade de rir de si mesmo, além de introduzir piadas e memes do público em sua própria história. Fato é que a franquia tinha em seu elenco atores medíocres que repetiam clichês de família para tudo, boas cenas de ação e de carros em velocidade, e invariavelmente se vendia como um filme de assalto ou de conspirações com governos envolvendo carros. Não havia muita preocupação dramática. Muita ação, frases de efeito e diversão, contudo quando a jornada se leva a sério demais, mesmo os defensores mais ardorosos penam na tentativa de justificar toda essa movimentação.
A fórmula claramente se desgastou, o que sobra é a sensação de que a corda esticou demais. Nem os absurdos e momentos impossíveis funcionam, some-se a isso os adiamentos causados por uma pandemia que matou milhões, e o impacto desse filme beira a zero, nem mesmo o choque de uma revelação familiar dos Toretto quebra essa sensação.
O filme chegou a ser exibido em grandes festivais, como em Cannes, e teve lançamento de dois cortes, inclusive com uma versão do diretor (com míseros quatro minutos a mais e pouco muda o espírito da obra), fora isso, há conveniências difíceis de engolir, como o retorno de um terceiro irmão Toretto, nunca mencionado. O longa não se contenta em ser um projeto de prequel, como também faz retcons.
Outra questão foram as brigas das estrelas e a bifurcação do elenco da saga Velozes e Furiosos, com Vin Diesel e Dwayne Johnson não trabalhando juntos dentro desta franquia. Se Hobbs & Shaw é legal, mesmo sem uma bilheteria vultuosa, esse não conseguiu quase nada, foi prejudicado em arrecadação por conta do novo coronavírus e não acerta no quesito escapismo. Parece de fato que algo foi perdido e o apelo a personagens antigos já não é mais o mesmo.
O longa tem sacadas, ainda que esparsas e meio perdidas no roteiro, como a indagação de um dos personagens ao fato deles terem tantos feitos impossíveis sem nenhuma cicatriz ou perda significativa seja para atrapalhar suas vidas ou como lembranças, mas quando essa sentença é dita pelo ator mais canastrão do elenco, Tyrese Gibson, perde força. A realidade é que mais do que antes, não há nenhum temor pelo destino dos aventureiros.
Ao terminar de ver Velozes e Furiosos 9 a impressão que fica é que a saga já se esgotou, e que uma trama tão pretensamente adulta que envolve rivalidade entre irmão e até insinuações de parricídio, não deveria se levar tão a sério ou deveria ser introduzido de outra forma. Não após quase duas décadas de duração e dez filmes contando spin offs. É pouco, e nem os retornos forçados do filme compensam suas fragilidades.
Bem-vindos a bordo. Filipe Pereira (@filipepereiral | @filipepereirareal), Bernardo Mazzei (@be_mazzei) e Jackson Good (@jacksgood) se reúnem para comentar sobre os principais lançamentos nos cinemas e TV para o ano de 2022 e as principais expectativas.
Duração: 89 min.
Edição: Flávio Vieira Trilha Sonora: Flávio Vieira
Arte do Banner: Bruno Gaspar
007: Marcado Para a Morte poderia ter sido o início de uma era pródiga na adaptação dos livros de James Bond de Ian Fleming se não tivesse sido encerrada tão precocemente. O início do filme de John Glen abre com uma ação de treinamento envolvendo três agentes 00 comandados por M (Robert Brown), e o personagem de Timothhy Dalton não demora a aparecer frustrando em parte o plano dos vilões que queriam matar todos os agentes, mas não sem deixar perdas, como a dos espiões 002 e 004. O longa já demonstra a gravidade que será sua tônica já nesse início.
O clima da obra lembra os futuros longas de Martin Campbell — 007 Contra Goldeneye e 007: Cassino Royale — no sentido de perverter a fórmula e estabelecer um estilo diferente e renovado, ainda que use bastante os chavões do personagem cinematográfico, há um apego maior ao 007 de Fleming, até por preocupação do próprio Dalton.
A trama é bem simples, quase simplória, e envolve a proteção do agente 007 a um desertor da KGB. O drama possui as mesmas questões banais e maniqueístas do que era comum na cultura pop da época ao lidar com a Guerra Fria. Ainda se acrescenta vários momentos com elementos árabes, como os Mujahidin, descrito por Bond como a resistência afegã — um grupo de guerrilheiros afegãos contrários à intervenção russa.
Essa versão de Bond soa mais violenta que os filmes anteriores, imitando os heróis de ação que faziam sucesso na década de 1980, além de referenciar ao personagem literário original, que era mais frio do que a versão de Roger Moore. Essa talvez seja a encarnação mais parecida com a recente de Daniel Craig. Outro ponto importante diz respeito aos vilões, que deixaram de ser meros cientistas loucos e irreais.
As lutas aqui são bem mais agressivas que nas produções anteriores da franquia. Bond causa queimaduras nos inimigos, os fere com água fervendo em uma cena de ação dentro de uma cozinha, espanca sem dó capangas, causa explosões. A ação mais direta e franca e é o diferencial principal entre essa fase e a anterior.
O agente americano Felix Leiter retorna. O personagem estava fora desde 007: Viva e Deixe Morrer e é basicamente introduzido para que o público lembre dele antes da próxima aventura onde ele seria importante. No elenco outro destaque é que Moneypenny finalmente trocada, saindo Lois Maxwell e entrando Caroline Bliss. Curioso como não há nenhuma necessidade de explicar essa mudança, aparentemente o espectador era mais acostumado com isso.
007: Marcado Para a Morte tem alguns elementos bem diferentes do restante da saga, como pouco flerte entre as mulheres e o espião, fruto obviamente da recém-descoberta do vírus HIV. Possui um final cínico, e dentro do escopo de filmes da franquia acaba sendo um dos mais subestimados e injustiçados mesmo entre os fãs.
Dica Cultural será uma coluna, ainda sem periodicidade definida (tenham paciência), onde poderemos conversar mais franca e diretamente com o leitor e espectador, sem rodeios, sendo esse um espaço para dar dicas sobre coisas legais a serem consumidas e apreciadas por vocês.
Para um primeiro episódio, decidi indicar um podcast, na verdade, uma série específica em um podcast: Memórias, um segmento que resgata histórias clássicas, narrada e produzida pelo jornalista e grande influenciador Rodrigo Alves, no seu não menos brilhante podcast Vida de Jornalista, veiculado na Rádio Guarda-Chuva.
Esse é um podcast independente que trata de bastidores do jornalismo. O clima é informal, normalmente cobrindo algum grande evento ou acontecimento curioso. O diferencial é a maneira prosaica e íntima com que Rodrigo leva a conversa. Não é raro que o ouvinte se sinta parte da ação ou da conversa ao dar play em algum dos episódios.
Na parte final de 2021, Alves reeditou os episódios antigos, melhorando a qualidade do som. No entanto, não é a forma que mais chama a atenção em Memórias, e sim o conteúdo, já que são historias absolutamente deliciosas ou angustiantes, a depender do que a pauta exige. A primeira temporada foi lançada em 2019, e tem oito episódios, com assuntos como o Césio 137 em Goiás, o caso do Ônibus 174 no Rio de Janeiro, a cobertura do Tricampeonato Mundial do Brasil, crimes “como o Caso Eloá e da Irmã Dorothy, a Epidemia de Ebola, o caso do acidente de avião da Chapecoense, e claro, o season finale sobre a Guerra do Vietnã, com José Hamilton Ribeiro.
Conheci Rodrigo Alves como comentarista de jogos de basquete, da NBA nos canais Globo. Depois da temporada da Bolha em Orlando (2019-20), ele resolveu sair dos canais para se dedicar com exclusividade ao seu podcast solo — na época ele fazia ainda o igualmente brilhante podcast de basquete Dois Pontos, com Rafael Roque.
Falando assim parece que Rodrigo é “apenas” um mero jornalista esportivo, dado que a classe é conhecida por ser alienada em relação ao que não envolve o campo (ou quadra, no caso do basquete) e bola. Alves foge dessa regra, se junta ao saudoso João Saldanha, aos veteranos ainda na ativa José Trajano e Juca Kfouri, e os contemporâneos de Alves, Mauro Cezar Pereira e Paulo Vinícius Coelho, o PVC. Apesar da predileção em falar sobre esporte, é em Memórias que mora seu maior mérito.
Dos episódios, os que mais me marcaram foram o da tragédia da Chapecoense, até por conta do lado pessoal, já que amigos jornalistas morreram na queda do avião. Outro marcante foi o Caso Eloá, que denuncia a espetacularização da violência, que resultou na morte da vítima, mas é o relato de Hamilton Ribeiro sobre a cobertura da Revista Realidade a respeito do conflito no Vietnã que chama a atenção pelos detalhes relatados.
Capa da Realidade, com o repórter José Hamilton Ribeiro ferido
Tudo é muito detalhado e se destaca as dificuldades mundanas das pessoas, em especial dos jornalistas. Apurar, correr atrás, conversar com fonte, investigar, tudo isso é feito por gente de carne e osso, e todos os relatos, até nos assuntos de maior frieza, se preza demais pelo relato humano.
O podcast Vida de Jornalista está em diversas plataformas de áudio, e a série Memórias também está correndo, com uma nova temporada, que já iniciou ótima, com um episódio sobre a Chegada do Homem a Lua, Os meninos da Caverna e Casimiro e o Disco Voador, e seguirá assim, para uma nova leva de capítulos.
007 Contra GoldenEye é o primeiro filme de uma nova era do personagem — agora interpretado por Pierce Brosnan —, rompendo com o estilo anteriormente estabelecido por Timothy Dalton e inaugurando uma versão mais leve, mas também repleta de ação. A obra de Martin Cambpbell é marcante não só pela troca de ator no papel do agente secreto, mas também pela abordagem pós Guerra Fria que ainda tem de lidar com essas questões novas.
Na trama, o agente tem que impedir que o controle do poderoso satélite GoldenEye caia nas mãos dos inimigos britânicos, pois consegue causar pane em qualquer equipamento eletrônico do mundo. Os primeiros momentos do filme remontam ao conflito ocidental contra os soviéticos em uma base russa. A ação entre o protagonista e seu amigo Alec Trevelyan, o 006 vivido por Sean Bean, estabelece que a obra terá muitos momentos de ação com sequências viscerais que afastam a abordagem debochada da fase de Roger Moore, ainda que a personalidade do Bond de Brosnan tenha algumas similaridades com Moore.
Essa versão rompe com quase tudo que foi estabelecido anteriormente. Desde a posição do chefe do MI-6, M agora é interpretada por Judi Dench, a Moneypenny vivida por Samantha Bond, restando apenas Desmond Llewelyn como Q, já bem veterano e em vias de se aposentar. Brosnan foi cogitado para substituir Moore após ter feito a série Remington Steele, mas teve que aguardar uma fase com Dalton à frente do personagem. Isso de certa forma foi uma boa escolha, pois ele adquiriu experiência com filmes de ação e amadureceu sua versão de herói de ação.
Visualmente há uma grande diferença para os outros filmes, aqui o uso de efeitos especiais mais caros começa a ser utilizado, e marcas antigas como o caráter galanteador do personagem retornam, além de um claro cinismo por parte dos personagens periféricos. Se a Guerra Fria era repleta de maniqueísmos, aqui temos um roteiro que transita por lugares não tão comuns ao personagem, principalmente por conta do personagem de Bean que retorna nove anos após sua “morte”, como um anti-herói vingativo que usa a máscara do vilão e pretende discutir a ética do sistema.
Os outros vilões são bastante peculiares e complicados. Por mais que haja semelhanças de Trevelyan com outros bons personagens como o Raoul Silva, de Javier Bardem, em 007: Operação Skyfall, a motivação é pouco desenvolvida. Outra personagem “estranha” é Xenia Onatopp, de Famke Janssen, que apresenta um estereótipo complicado ao agir como uma ninfomaníaca e sociopata. Se a intenção era se distanciar do espectro do fantasma da Guerra Fria, não houve sucesso, pois se iguala a mulher russa a uma louca, naturalmente perversa e pervertida, um arquétipo xenófobo e tolo.
Do pano de fundo, há momentos curiosos como 007 agindo sozinho boa parte do tempo, evitando instalações do MI-6, simulando uma espécie de início de carreira que seria retomada futuramente em 007: Cassino Royale. Os cenários também diferiam das fases Dalton e Moore, até mesmo o carro muda, saindo o famoso Aston Martin pela BMW Z3, obviamente com diversas melhorias, ainda que sub-utilizados.
O filme perde fôlego ao se aproximar do final e a morte do vilão é baseada no clichê de queda, semelhante ao que aconteceu em Duro de Matar e Batman, fato que reforça a ideia de que James Bond geralmente retrata as manias e tendências culturais de sua época.
007 Contra GoldenEye é um filme conhecido também por elementos externos ao cinema, especialmente por conta do jogo de tiro em primeira pessoa do console Nintendo 64, que ajudou a revitalizar a marca. Um bom início para Brosnan, que apresentou para o mundo uma versão sedutora do herói e trouxe de volta a Bondmania para uma nova era, ainda que tenha problemas de concepção severos e uma dificuldade de abandonar a exploração dos soviéticos como vilões, mesmo pós queda do Muro de Berlim e dissolução da União Soviética, e esse apego se arrastaria por quase toda a fase do novo intérprete.
No ano de 2015, John Wick: De Volta ao Jogo estabeleceu um novo parâmetro para os filmes de ação. Ao invés das cenas de ação ultra picotadas de Busca Implacável ou com a câmera inquieta da franquia Jason Bourne, chegavam cenas intensas com câmera mais fixa no intuito de mostrar em ricos detalhes toda a violência das sequências e dar destaque ao trabalho dos atores e dublês. Sendo assim, soava no mínimo estranha a presença de Bob Odenkirk, o consagrado intérprete de Saul Goodman das séries Breaking Bad e Better Call Saul, como protagonista de Anônimo. Entretanto, esse talvez seja o maior acerto do filme.
Na trama, Odenkirk vive Hutch Mansell, um excessivamente pacato pai e marido que age de forma passiva com as intempéries da vida. Quando dois ladrões invadem sua casa, Hutch se recusa a defender a si mesmo e sua família, desapontando a todos com sua omissão. As consequências posteriores do incidente acabam despertando uma raiva adormecida nele, trazendo à tona instintos adormecidos e colocando-o em um caminho onde a violência é a tônica.
Dirigido por Ilya Naishuller e roteirizado por Derek Kolstad, co-roteirista da saga JohnWick, Anônimo pode parecer um tanto simplório quando lemos a sua sinopse devido a sua semelhança com Desejo de Matar. Entretanto, dizer mais do que isso sobre o filme pode entregar grandes surpresas, pois o roteiro se desdobra gradualmente, revelando uma trama mais complexa do que inicialmente aparenta. O diretor Naishuller, cuja maior credencial antes de Anônimo é o filme de ação em primeira pessoa Hardcore: Missão Extrema, conduz muito bem o andamento da película, partindo de uma intrigante cena inicial com a primeira aparição de Odenikirk, passando por momentos bucólicos onde vemos o cotidiano de Hutch e sua família, para depois empilhar sequências de ação empolgantes uma atrás da outra, sempre entrecortadas com cenas que mostram a evolução de comportamento do protagonista, flashbacks e suas relações com novos personagens que vão surgindo.
A escolha de Odenkirk para o papel pode provocar estranheza em um primeiro momento. O ator é um comediante já bem estabelecido em Hollywood e sempre demonstrou grande talento transitando entre o drama e a comédia, vide seu trabalho nas séries mencionadas anteriormente. Porém, o ator treinou por dois anos para poder fazer todas as cenas de ação sem precisar recorrer a dublês e o resultado é excelente. Além disso, sua composição para Hutch Mansell é um grande acerto. O elenco de apoio que conta com nomes como os veteranos Michael Ironside e Christopher Lloyd também contribui para a boa dinâmica do filme.
Assim como a saga John Wick, Anônimo também propõe a existência de um universo maior. Existiu até um boato de que os dois filmes poderiam fazer parte de um mesmo universo compartilhado. De qualquer forma, seria interessante ver mais histórias de Hutch Mansell para entendermos ainda mais sobre seu passado.
Free Guy: Assumindo o Controle estava programado para lançamento em julho de 2020. Adiado por duas vezes desde o início da pandemia, a película finalmente chegou aos cinemas em agosto de 2021. Os trailers já geravam uma grande expectativa, mas o timing do lançamento foi quase perfeito.
Do início de 2020 para cá, tivemos vários escândalos envolvendo a indústria dos games: o lançamento de Cyberpunk 2077 entupido de bugs e defeitos pela CD Projekt Red, seu descaso com os consumidores, as denúncias de empregados da produtora de assédio moral, horas extras em demasia sem a mínima remuneração, o escândalo de assédio moral e sexual envolvendo a Activision Blizzard e Ubisoft que foi totalmente ignorado pelos chefões das empresas, além do racismo e sexismo por parte de grandes expoentes da comunidade gamer, para ficar somente nos mais notórios. Tudo bem que Free Guy é uma comédia feita para a família, mas o longa dirigido por Shawn Levy aborda de maneira interessante e leve esses problemas que há bastante tempo vêm assolando o mundo dos videogames.
No filme, Ryan Reynolds vive Guy, um NPC (personagem não jogável) de um jogo de mundo aberto no estilo de GTA. Guy repete diariamente a sua rotina até que ganha consciência própria e resolve quebrar a sua programação, passando a agir por conta própria. Em um desses momentos, ele encontra uma personagem que age de maneira peculiar dentro daquele mundo. Ao conseguir estabelecer contato, a jogadora mostra para Guy que ele vive em um mundo virtual de um jogo de ação, mas que em breve esse mundo irá ser desligado. É quando o protagonista toma a decisão de ajudar a jogadora a manter esse mundo vivo, plano esse que trará serias repercussões no mundo virtual e no mundo real.
Roteirizado por Matt Lieberman e Zak Penn se equilibra muito bem com sua narrativa dividida entre os eventos do mundo virtual e real. Enquanto no mundo virtual vemos uma inspirada paródia de jogos como Grand Theft Auto, Fortnite e outros jogos no estilo sandbox, no mundo real a narrativa traz críticas à práticas tóxicas da comunidade gamer, ao consumismo desvairado e à atuação predatória das grandes empresas de videogame. Tudo isso é feito de maneira muito bem acertada, com um deslize mínimo aqui e ali, o que não compromete em nada a narrativa. As piadas visuais são muito bem sacadas e existem diálogos espertíssimos durante todo o filme. Talvez o único ponto capaz de gerar controvérsia é a interpretação extremamente caricata de Taika Waititi. Ainda que a intenção seja mostrar alguém inescrupuloso que não aceita ser contrariado, em muitos momentos o ator/diretor infantiliza demais o personagem.
A narrativa central em torno de Guy denota uma inspiração em O Show de Truman. Seu despertar e sua jornada de autoconhecimento vai ganhando contornos de reality show à medida que a comunidade começa a observar com atenção suas ações e seu desenvolvimento no mundo virtual. Em paralelo, a subtrama envolvendo Jodie Comer, a programadora que invadia o jogo como Molotov Girl, seu avatar em Free World que desperta o amor de Guy, é feita com bastante sensibilidade, mas sem cair no sentimentalismo barato, já que ela batalha para que sua propriedade intelectual que pode revolucionar todo o mundo dos games não se torne somente uma ferramenta para arrancar dinheiro dos usuários. Dentro disso tudo, são amarradas as críticas mencionadas no parágrafo anterior, que apesar de não serem escancaradas, são evidentes o suficiente para gerar questionamentos internos nos espectadores.
É muito interessante observar como Ryan Reynolds rende quando tem um diretor que sabe conduzi-lo da forma correta. Nos últimos tempos, o ator vinha sempre interpretando variações de Deadpool e de seu próprio comportamento em redes sociais, o que vem o tornando extremamente repetitivo. Porém, o diretor consegue arrancar uma boa atuação de seu protagonista, com ótimas nuances de comédia e drama quando o momento se faz necessário. Jodie Comer mostra porque vem se destacando em Hollywood, a protagonista de Killing Eve entrega uma atuação comprometida e cativante tanto quando está no mundo real, como quando está no virtual. Já Waititi, como já dito, entrega uma atuação vacilante em certos momentos, mas nada que seja comprometedor. Entretanto, o grande destaque é Lil Rel Howery, o ator que já foi muitíssimo bem como o amigo de Daniel Kaluuya em Corra!, faz uma atuação sensível e divertida, roubando todas as cenas em que aparece, além de ser responsável pelos grandes momentos emocionais do filme. Os demais atores não comprometem e o longa ainda consegue espaço para diversas participações especiais.
Em resumo, Free Guy é um divertidíssimo filme que vale demais a pena ser assistido. Não posso esquecer de dizer que o filme é um roteiro original, ou seja, não é baseado em nenhum livro, história em quadrinhos ou outra produção. Tomara que no meio da enxurrada de adaptações, remakes e reboots continuem a aparecer ideias originais boas assim.
O mangá Opus começa no capítulo 24 da parte 3 de Resonance. Uma mulher está apontando uma arma para a própria mãe quando, de repente, a cara desta começa a derreter, revelando ser o vilão mascarado.
Calma. Respira. Do que diabos estamos falando? Na verdade, Resonance é o mangá que o protagonista de Opus está prestes a finalizar. O artista Nagai quer dar um desfecho X, porém seu editor gostaria do final Y. A partir daí, uma série de acontecimentos bizarros tomarão a vida de Nagai, pois a realidade se juntará à ficção que ele mesmo criou!
A obra é uma aula de metalinguagem, e Satoshi Kon esbanja genialidade nesse aspecto. O saudoso mestre Kon mostra os embates internos de um artista em relação à própria obra, além de deixar muito claro que forças externas podem simplesmente encerrar uma obra de forma abrupta. E quanto mais você avança nos dois volumes do mangá, compostos de 20 capítulos no total, por vezes esquecemos o que é realidade e o que é ficção.
Nagai encontrará seus próprios personagens, e estes acabarão se rebelando contra o roteiro já escrito. Daí teremos o início da fusão entre realidade e ficção, e o termo “furos de roteiro” ganhará um novo significado para todos nós (leia para descobrir do que estou falando). É realmente incrível a sagacidade de Kon ao trazer tantas alegorias e loucuras para retratar algo extremamente real: a dificuldade de um artista conceber uma obra e ter controle sobre ela. No caso de Nagai, a força externa é seu editor. Para os personagens de Resonance, essa força externa é o próprio Nagai. E agora as criaturas encontram seu criador e juntos tentarão mudar os rumos do roteiro. Ou será que não?
Talvez o ponto mais genial desta obra seja a casualidade que envolve a criação do final. O último capítulo da obra não foi finalizado pelo autor. Isso mesmo, Opus tem o mesmo problema de Resonance. “Então estamos diante de um mangá sem final?”, você pergunta. Felizmente, não. A editora, ao publicar o mangá, teve acesso ao rascunho do capítulo final, e este pode ser conferido na íntegra aqui. Interessante que mantiveram o material 100% original, com a arte quase toda em lápis. Eu custo a acreditar que isso não foi uma jogada de mestre de Kon, pois conversa de forma perfeita com Opus. Basta notar que no primeiro capítulo Nagai entrega o capítulo final em rascunho. E agora, o próprio autor de Opus só possui o final do mangá em rascunho…
Intencional ou não, Opus é uma obra fascinante que brinca com a própria realidade e retrata uma espécie de bastidores da alma de um artista. Satoshi Kon é um mestre imortal que merece ser apreciado sempre (assista a Perfect Blue e Paprika para notar algumas ideias que diretores de Holywood “pegaram emprestado”, só para citar dois exemplos). Pena que a Editora Panini não deu um tratamento melhor a edição brasileira. Uma obra desse calibre merecia, pelo menos, páginas com papel de melhor qualidade, que é o caso das páginas coloridas que abrem o volume 1. Vencido esse pequeno obstáculo, Opus é um grande mangá que merece pertencer à sua estante.
007 Contra Octopussy, filme de John Glen e o penúltimo de Roger Moore como James Bond. A trama se inicia com um agente do MI-6, de patente 00, morto diante das câmeras, segurando um Ovo Fabergé falso, e recai sobre o agente secreto a investigação desse estranho caso.
Claramente, Moore está cansado, já não está tão disposto quanto nos filmes anteriores. Se em 007: Somente Para os Seus Olhos ele já estava bem envelhecido, a situação, como era de se esperar, piora bastante no filme seguinte. Se percebe facilmente rugas e marcas de expressão em sua expressão. A Octopussy, do título, é filha do Major Dexter Smythe um rival de Bond assassinado por ele. Mesmo com a intenção de vingança, a personagem de Maud Adams tem que se unir com o agente para enfrentar os planos megalomaníacos de Kamal Khan, personagem do icônico (e aqui bastante caricato) ator francês Louis Jordan, e de mais um conjunto de estereótipos árabes bem complicados, mas ainda assim, icônicos, como era comum na exploração dos temas de Ian Fleming, criador do agente secreto.
O longa, apesar de possuir o nome de um livro de Fleming, quase não tem elementos do texto, sendo o personagem Smythe um dos poucos momentos citados na obra original. Além disso, esta é a primeira aventura com Robert Brown oficialmente como M, além disso, a Moneypenny de Lois Maxwell apresenta uma nova secretária do MI-6, Penelope Smallbone (Michaela Clavell), que curiosamente, não retornaria em 007 Na Mira dos Assassinatos. Desde Somente Para Seus Olhos os produtores se preparavam para se despedir do intérprete, e para isso, ensaiavam inserir um novo elenco de coadjuvantes para o futuro.
Esse, aliás foi o filme que competiu nos cinemas contra 007: Nunca Mais Outra Vez, o famigerado filme de Irvin Kershner que recontava a história de 007 Contra a Chantagem Atômica. Obviamente, a recepção de público e crítica foi mais amistosa com o filme Glen, embora fosse difícil de comparar as produções, visto que o tom e a trama não possuem nenhuma similaridade.
O filme acerta por não se levar a sério. O ápice é uma cena onde se chega ao cúmulo de colocar um flautista entoando a música tema do agente para encantar uma serpente. Outro ponto digno de nota é a sala dos generais soviéticos, que lembra uma variação mais escurecida da sala de guerra de Dr. Fantástico de Stanley Kubrick. No entanto, o pastiche de Cuba, presente no início do filme quando 007 entra em cena é demasiado ridículo, o que salva essa sequência é a cena de Moore pilotando um avião em um pequeno hangar, em mais um momento puramente cômico do longa-metragem.
007 Contra Octopussy é sem dúvida um dos filmes que mais apela para a fórmula humorística da fase Moore, e na maior parte do tempo, esse aspecto funciona, mesmo com o desfecho conveniente e forçado. O que realmente depõe contra o filme é a clara indisposição do protagonista, ainda que essa não seria a última incursão do ator no papel.
O Pacificador é um personagem da DC Comics, que ganhou notoriedade após o filme O Esquadrão Suicida de James Gunn. O personagem foi criado por Joe Gill e Pat Boyette, na editora Charlton Comics, em novembro de 1966, na revista Fightin’ 5 #40.
Seu alter-ego, é Christopher Smith, e ele quase fez parte da graphic novelWatchmen, na época em que Alan Moore ainda desejava usar os personagens da Charlton para contar sua história. Com a decisão da DC em preserva-los, seu papel coube ao Comediante, que era consideravelmente mais cínico que Smith, e teve uma boa recepção, não à toa que boa parte da personalidade dele hoje advém do personagem criado por Moore.
Inicialmente, o Pacificador mantinha um código ético inabalável que usava armas estritamente não letais, embora com o tempo tenha se tornado um vigilante mais violento, disposto a fazer sacrifícios pelo bem maior, fato mostrado no longa de Gunn e aprofundado em sua série. Com o tempo, passou a agir tal qual em sua versão live action, como um homem perturbado, com graves questões mentais — isso pode ser observado na minissérie em 4 edições Peacemaker, escrita por Paul Kupperberg e desenhada por Tod Smith, lançada em 1988 nos EUA e 1991 no Brasil em DC Especial #06, publicada pela Editora Abril. Essa versão pós-Crise nas Infinitas Terras remodela o personagem após ser reintroduzido no universo DC, com uma conotação política e psicológica maior, tendo em vista que o personagem acredita que sua mente foi distorcida por seu pai abusivo e nazista quando ainda era jovem, e assim, muitas vezes ele é retratado ora como um herói, ora vilão… ou algo no limiar entre essas duas coisas.
Com a compra Charlton pela DC nos anos oitenta, o Pacificador passa a figurar junto a outros personagens, mas continua ao lado de seus antigos parceiros, como Questão, Besouro Azul e Capitão Átomo — substituídos em Watchmen, respectivamente, por Rorschach, Coruja e Dr. Manhattan.
Seus poderes e habilidades incluem uma condição e resistência física sobre-humana, tecnologia de voo, um capacete de comunicação high tech que confere habilidades — e variam conforme o gosto do roteirista. Além disso, é especializado em combate corporal, espionagem, tática e estratégia, além de possuir acesso a armas militares avançadas e ser um exímio atirador.
Chris Smith era filho de um agente nazista que trabalhou nos campos de concentração durante a ocupação da Polônia pelo III Reich. No seriado a produção fez algumas mudanças, para começar ele está vivo e se chama Auggie Smith, interpretado por Robert Patrick, famoso por ser o T-1000 em O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final. Patrick é bastante conhecido nos EUA por seu alinhamento político junto à extrema-direita. Na série, ele recebeu a alcunha de O Dragão Branco, personagem da DC conhecido por ser um terrorista e supremacista branco.
Gunn optou por uma amálgama. O Dragão Branco nos gibis era William James Heller, sujeito criado por seu avô nazista, depois se tornou um ativista da supremacia ariana, assumiu a alcunha de William Hell, e após brigar com um personagem homônimo, decidiu mudar seu nome, e começou a usar uma armadura vermelha e branca, inspirada nas roupas da Klu Klux Klan, grupo historicamente racista e fascista.
O Dragão Branco fez parte de alguns grupos de vilões, entre eles o ajuntamento de bandidos nazistas, IV Reich –
membros como Baronesa Blitzkrieg, Barão Gestapo e Capitão Suástica — e depois no Esquadrão Suicida, onde foi controlado por Amanda Waller e até tentou matá-la. Além de Heller, Daniel Ducannon, vilão do Gavião Negro também utilizou esse nome, mas ao contrário do original, ele tinha poderes pirotécnicos e voava.
O grupo IV Reich
O primeiro Pacificador, Christopher Smith, é comumente retratado como insano. Seu capacete além de possuir sensores de presença e outros aparatos, também captura os pensamentos dos fantasmas de quem ele já matou, ao menos é o que acredita o personagem. Na já citada minissérie de 1988, o personagem é enviado para o Vietnã e se mostra como um soldado bastante eficiente, mas tomado pela culpa pelo passado nazista de seu pai.
Na prática, ele agia como um sujeito que inventava inimigos imaginários, sendo eternamente perseguido, mesmo que somente em sua mente, e essa faceta é muito bem enquadrada por John Cena e pela atmosfera criada pela série de Gunn.
Apesar de ter claros problemas de conduta, o personagem já fez parte de alguns grupos, como a organização secreta Xeque-Mate, Esquadrão Suicida, Shadow Fighters, L.A.W. (Living Assault Weapons) e League Busters. Além de Smith, outros dois personagens usaram a alcunha de Pacificador, como Mitchel Black, que agiu na época da Crise Infinita, além de outra figura, misteriosa e sem identidade revelada, que assumiu o papel em Justice League International #65, de junho de 1994.
Curiosidades:
O personagem apareceu em Reino do Amanhã, num flashback onde ele, junto aos outros heróis da Charlton, brigam contra o vilão Parasita. Vale perceber a influência de Star Wars, pois seu capacete lembra o de um mandaloriano, estilo Boba Fett. Na história Chris morreu com seus companheiros, quando o Capitão Átomo explodiu;
Em algum ponto, ele lideraria um grupo de soldados, chamado Força Pacificadora, que atuaria no Oriente Médio, em busca de “combater o terror”, mas o projeto foi abortado antes mesmo de ser colocado em prática, pelo presidente Gerald Ford;
John Cena é o primeiro ator a interpretar o personagem em carne e osso. O ex-lutador de wrestler, famoso por seu carisma e por ter uma trajetória semelhante a Dwayne “The Rock” Johnson parece ter afeiçoado bastante a Smith e seu alter-ego, tanto que assina a produção executiva dessa série;
Na série, há participações de alguns personagens da DC, como o já citado Dragão Branco, o mascarado Vigilante, introduzido em novembro de 1941 na revista Action Comics # 42,embora no seriado a versão do Vigilante é segunda, Adrian Chase, personagem introduzido em The New Teen Titans Annual #2 de 1983. Outra participação legal é a do Mestre Judoca, personagem também da Charlton, oriundo Special War Series #4 de novembro 1965;
A versão original do personagem pertence à Terra 4 do Multiverso da DC Comics, junto aos outros personagens da Charlton, em PAX Americana, de Grant Morrison e Frank Quitely, podemos acompanhar um pouco desse universo em uma releitura de Watchmen.
Pancadaria: Por Dentro do Épico Conflito Marvel vs. DC é um livro de estudo de caso sobre a rivalidade entre as duas maiores editoras mainstream dos Estados Unidos, escrito pelo jornalista Reed Tucker. A publicação é parte da cena de bons livros que se voltam para o universo dos quadrinhos no Brasil e no mundo.
Ainda na introdução o escritor tira algumas conclusões sobre o choque entre editoras e as diferenças entre elas, destacando a capacidade da Marvel Comics se renovar enquanto a DC Comics se assemelha a uma reunião de idosos incapazes de retratar algo fora de suas zonas de conforto.
Os capítulos iniciais destacam o pioneirismo da DC quando ainda era chamada National Comics, primeiro com reunião de heróis em grupos, como também em iniciativas editoriais que popularizavam os personagens de maneira unida e organizada. Um bom retrato da chamada Era de Ouro e pelos fatores que ajudaram a formar o que se entendia por quadrinhos de heróis. O tradutor, Guilherme Kroll faz um ótimo trabalho, o livro é repleto de notas de rodapé envolvendo contexto das publicações lá fora e no Brasil, como, por exemplo, as traduções nacionais envolvendo mudanças de nomes — Lois Lane para Mirian Lane, Átomo para Eléktron, etc.
Fato é que Marvel e DC eram bem diferentes desde sua concepção, ainda que a temática das aventuras nas revistas coincidisse. A Marvel, inicialmente, variava entre a mera replicação do que fazia sucesso nos quadrinhos populares da concorrente, com destaque de uma fala de Stan Lee:
“éramos uma empresa de macacos de imitação”
Enquanto sua concorrente era predatória, comprando todas as pequenas concorrentes — boatos no livro dão conta que até se cogitou a compra dos direitos do Príncipe Namor e Tocha Humana original, obviamente não confirmado pelas partes.
A maior riqueza do livro são os detalhes da indústria, como a função de Stan Lee de estagiário, responsável por entregas, servir café e demais serviços auxiliares enquanto sonhava em se tornar romancista, já que encarava os quadrinhos como uma arte menor. Além disso, o livro se debruça bastante sobre a Marvel, desde a importância e decadência de Jack Kirby, como também da ascensão de Stan Lee.
Reed tem uma escrita prosaica que prende o leitor, além disso, há muita fluidez e inteligência em transições de temas e assuntos. É tudo muito orgânico e o escritor não tem receio em expor a supressão dos artistas por parte da DC e as constantes brigas de Lee na Marvel para serem dados os legítimos créditos aos artistas e escritores no início da segunda metade do século XX.
Acompanhar os rumos que cada um dos personagens da indústria traçam neste livro faz o leitor buscar as histórias retratadas ali, seja dos personagens do Quarto Mundo quanto o primeiro crossover entre as editoras: Superman x Homem Aranha. O autor detalha tudo muito bem os crossovers dos anos 90, as tentativas de adaptação para televisão e cinema, e as principais disputas. O mesmo ocorre nas referências à era das graphic novels, e em como a DC foi pioneira no formato de venda de “livros”, enquanto a Marvel não pensou tanto nisso, fato que foi importante para a falência da editora, que chegou a vender os direitos de seus personagens.
A leitura de Tucker é convidativa, especialmente pela riqueza de detalhes dos bastidores da indústria de quadrinhos, tudo é bem explorado, tanto para o leitor não habituado a esse universo, quanto aos mais experientes. Pancadaria é uma leitura rica sobre esse subgênero e muito complementar a outros estudos sobre o tema.
O Homem-Aranha é um dos heróis de histórias em quadrinhos mais populares, rivalizando com o Batman na editora concorrente. É fácil simpatizar com a personagem, dada sua humanidade e suas dificuldades típicas do homem comum. Dessa forma, é natural que ao longo das décadas a personagem tenha ganhado vários títulos em quadrinhos, filmes, games e, claro, séries animadas.
Homem-Aranha (Spider-Man, 1967-1970)
A primeira recebeu o título de Homem-Aranha e teve produção assinada pela Grantay & Lawrence e Kratz Animation. A animação foi exibida durante os anos de 1967 a 1970 e teve um total de 52 episódios. O Aranha trabalhava no Clarim Diário e tinha como interesse amoroso Betty Brant, que além de ser a primeira namorada do personagem, era o par romântico da época.
Sua produção era muito barata, notando inclusive que as teias só cobriam parte do uniforme do Teioso. Essa também foi conhecida por dois fatos peculiares: a tradução do nome dos personagens nas primeiras dublagens brasileiras — Pedro Prado (Peter Parker), tia Maria (Tia May), Doutor Polvo (Dr. Octopus), J. Jonas Jaime (J.J. Jameson) — e, claro, a montanha de memes envolvendo a animação.
O seriado é tão barato que se torna engraçado, com alguns personagens clássicos e outros originais. Destaque para o Doutor Escorregadio, com poderes de… fazer o Aranha escorregar. Outra questão digna de nota é sua música tema, bastante emblemática, regravado até mesmo pelos Ramones, além de estar presente em quase tudo do Homem-Aranha, inclusive nos filmes para cinema.
O Aranha só voltaria a ter uma nova animação nos anos oitenta. Nesse ínterim, houve uma série com atores, The Amazing Spider-Man, além de sua versão japonesa, Supaidāman.
Homem-Aranha (Spider-Man, 1981-1982)
A nova série animada, intitulada apenas como Homem-Aranha, começou em 1981 e foi até o ano seguinte. O traço dela lembrava a versão de John Romita, e a trama era ambientada no período em que o herói cursava faculdade na Universidade Empire State.
A série tinha um ar ingênuo e sérias restrições a violência. Acabou se encerrando com apenas 26 episódios e teve transmissão simultânea com Homem-Aranha e Seus Amigos. Justamente por isso teve vida curta e acabou ofuscada pelo seriado de maior sucesso do personagem na época.
Homem-Aranha e Seus Amigos (Spider-Man and His Amazing Friends, 1981-1983)
Homem-Aranha e Seus Amigos tinha uma atmosfera semelhante ao seriado anterior, no entanto, com o acréscimo de dois outros personagens, Homem de Gelo e Flama, ambos colegas de turma de Peter na faculdade.
Reza a lenda que a ideia era trazer o Tocha Humana, mas problemas de licenciamento impediram os produtores, e então criaram a personagem Flama, que teve até versão nos quadrinhos poucos anos depois em introduzida nos quadrinhos em Uncanny X-Men #193. Esse também é o desenho onde a parte de baixo do apartamento do Aranha é um laboratório, ficando à disposição dos personagens através de um botão que faz o chão inverter o sentido com o teto de baixo (imagina os frascos com substâncias de cabeça para baixo).
Homem-Aranha: A Nova Série Animada (Spider-Man: The New Animated Series, 2003)
Lançada em 2003 para aproveitar a fama do filme do Homem-Aranha, a animação Homem-Aranha: A Nova Série Animada foi o primeiro produto animado já comandado pela Sony. No início, seria uma versão do Homem-Aranha Ultimate, com produção de Brian Michael Bendis, mas tudo mudou com o sucesso do filme protagonizado por Tobey Maguire e dirigido por Sam Raimi.
A qualidade da animação utilizava de efeitos 3D que hoje soam bastante datados, mas funcionava bem, principalmente em cenas noturnas. O roteiro era mais adulto, inclusive com algumas insinuações sexuais. A produção ficou a cargo da Saban Entertainment e a série foi exibida na MTV.
Outro destaque era o elenco de dubladores, que contou com Neil Patrick Harris, Rob Zombie, Jeremy Piven, Michael Clarke Duncan e outros.
Espetacular Homem-Aranha (The Spectacular Spider-Man, 2008-2009)
Como a última animação, Espetacular Homem-Aranha também teve um bom início, duas temporadas entre 2008 e 2009, 26 episódios e conseguiu reunir um belo conjunto de coadjuvantes das histórias clássicas do Aranha.
O produtor Greg Weisman esperava que a série tivesse 5 temporadas que lidariam com Peter se formando na Midtown Manhattan Magnet High School, e findaria com ele a caminho da universidade. No entanto em 2009 os direitos televisivos do personagem retornaram à Marvel, e após a compra da companhia pela Disney o desenho foi descontinuado. Esse fim prematuro foi bastante lamentado, pois a série conseguiu capturar a essência do personagem, possuía fidelidade ao material original e, claro, era bastante divertida.
Já na Disney, houve duas animações. A primeira, Ultimate Homem-Aranha, ficou no ar de 2012 a 2017. Seu traço era bonito, o tom das histórias apelava bastante para um tipo de humor que fez muitos fãs torcerem o nariz. Além disso, o roteiro usava e abusava de metalinguagem e quebra da quarta parede.
Foi nesse seriado que boa parte dos personagens do Aranhaverso apareceram pela primeira vez no audiovisual, desde Miles Morales e Spider-Gwen ao Agente Venom. Em um arco de quatro episódios, Peter se encontra com algumas de suas contrapartes, anos antes da Sony lançar Homem-Aranha no Aranhaverso — ainda que isso já tenha sido feito na clássica animação dos anos 90.
Apesar do sucesso comercial de Ultimate seja com merchandising ou audiência, a Disney resolver encerrar a animação para dar lugar a Homem-Aranha, ou Marvel Spider-Man, que na data da publicação deste post ainda está em exibição. A qualidade da animação é bastante aquém e sua trama é bastante boba, colocando Miles, Peter, Gwen e outras versões estudando juntas e combatendo o crime.
Outras versões animadas do herói ganharam holofotes, como a do Disney Júnior, Spidey e Seus Amigos Espetaculares, com bonecos em 3d cabeçudos, que lembram Esquadrão de Heróis da Marvel. As aventuras são bobinhas, mas divertidas para crianças em fase alfabetização.
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Por fim, se aguarda uma nova animação que mostraria os primeiros meses do Aranha de Tom Holland, com o nome Spider-Man Freshman Year, ainda sem muitas informações, com a promessa de que chegará ainda em 2022.
E assim segue o herói aracnídeo, em diversas versões, que seguem mostrando sua essência, algumas mais acertadas e outras nem tanto, mas sempre levando em frente a máxima que Stan Lee e Steve Ditko pensaram para ele, de que com grandes poderes, vem grandes responsabilidades. Boa parte dessas versões (sobretudo as mais recentes) podem ser vistas nos serviços de streaming.
Criado por Tom Clancy, o Ryanverse já foi adaptado para diversas mídias. Tudo começou com A Caçada ao Outubro Vermelho, filme que adaptou o livro homônimo que tinha o analista da CIA, Jack Ryan, como protagonista. Desde então, várias outras adaptações de livros para o audiovisual tem o personagem como central em suas histórias — recentemente um seriado do personagem chegou ao Amazon Prime Video.
Ocorre que, nos livros, o escritor criou um universo muito rico com vários personagens interessantes que ganharam suas histórias próprias, tais como o esquadrão Rainbow Six (adaptado para uma longeva e bem sucedida série de games) e agora John Kelly, personagem de apoio de vários livros com Jack Ryan.
Não é exagero dizer que Kelly é uma espécie de super soldado, pois nos livros ele é sempre mostrado como alguém extremamente competente e habilidoso. Isso o torna um dos personagens mais importantes que habitam o Ryanverse, presença recorrente nas obras literárias, tendo desenvolvido uma grande amizade com Jack Ryan à medida que vão trabalhando juntos. Devido a isso, Clancy detalhou sua origem no livro homônimo a esta adaptação, além de colocá-lo como personagem central em vários outros da linha principal do seu universo compartilhado, além de spinoffs, tais como Rainbow Six e os livros protagonizados por Jack Ryan Jr. Nos cinemas, antes de Michael B. Jordan encarnar o personagem, Kelly foi interpretado por Willem Dafoe em Perigo Real e Imediato, último filme da trilogia iniciada em A Caçada ao Outubro Vermelho e por Liev Schreiber no fracassado reboot do ano de 2001, A Soma de Todos os Medos.
Na trama, após voltar de uma missão de resgate que quase terminou em desastre, Kelly tem sua casa invadida por um grupo de assassinos que mata a sua esposa e o deixa seriamente ferido. Acusado pela morte dela e envolvido em uma conspiração que vai aos altos escalões governamentais, Kelly parte em uma jornada violenta para descobrir quem matou sua esposa e expor toda a trama conspiratória.
Roteirizado por Taylor Sheridan (A Qualquer Custo e Terra Selvagem) e Will Staples, e dirigido por Stefano Sollima (Sicario: Dia do Soldado), Sem Remorso difere dos filmes protagonizados por Jack Ryan na abordagem. Aqui o tom é muito mais pessoal, com todos os eventos gravitando em torno do protagonista. Mesmo em Jogos Patrióticos, filme estrelado por Harrison Ford em que Ryan se torna alvo da vingança de um terrorista irlandês, os eventos que se desenrolam dependem de outros aspectos da trama, desde a burocracia da CIA ao comportamento dos seus chefes. Aqui, a dinâmica é inversa: Kelly é a força motriz do filme e o seu entorno reage ao seu comportamento, tomando as ações a partir do que ele faz, fazendo a narrativa ser bem mais direta.
Jordan demonstra mais uma vez ser um dos grandes atores da atualidade. Sua atuação confere profundidade emocional ao protagonista, evitando que ele seja somente uma máquina perfeita de matar. O ator é plenamente capaz de segurar um filme sozinho, pois une competência e carisma. Some-se isso à boa direção de Sollima, que consegue criar bons momentos de ação e tensão, tais como a fuga do prédio cercado, a sequência inicial de infiltração e o interrogatório onde Kelly incendeia um carro para conseguir informações. Além disso, nas sequências mais “burocráticas” que mostram os núcleos políticos e corporativos do filme, o diretor encadeia bem os eventos, deixando claro para o espectador o que está ocorrendo.
Ainda que não seja um filme memorável, Sem Remorso é um eficiente thriller de ação com um bom roteiro de Sheridan, direção segura de Sollima e uma ótima atuação de Jordan. Boa diversão e um bom ponto de partida para uma nova franquia.
