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  • VortCast 106 | Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa

    VortCast 106 | Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa

    Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira | @flaviopvieira), Jackson Good (@jacksgood), Bruno Gaspar (@hecatesgaspar | @hecatesgaspar) e Filipe Pereira (@filipepereiral | @filipepereirareal) recebem Marcelo Miranda (@marcelomiranda1) para comentar sobre os erros e acertos do mais novo filme do Amigão da Vizinhança, Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa.

    Duração: 88 min.
    Edição:
     Flávio Vieira
    Trilha Sonora: Flávio Vieira
    Arte do Banner:
     Bruno Gaspar

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  • Resenha | I Am Not Okay With This

    Resenha | I Am Not Okay With This

    Considerado pela Organização Mundial da Saúde como o “mal do século” e a quarta principal causa de incapacitação no mundo, a depressão é hoje responsável pela interferência direta no cotidiano das pessoas, afetando desde a capacidade de trabalhar, estudar, como também o aproveitamento da própria vida. O Brasil hoje possui dados alarmantes de pessoas depressivas, sendo o segundo país das Américas com maior número de pessoas nesta condição, equivalentes a 5,8% da população, perdendo apenas para os EUA.

    As causas da depressão podem ser uma combinação de fatores, desde sociais como genéticos, e aliado ao fato das dificuldades no tratamento — menos de 25% dos pacientes que tomam antidepressivos continuam o tratamento por seis meses e uma grande parcela dos que param o fazem devido aos efeitos colaterais — e os preconceitos sofridos por muitos daqueles que padecem de tal transtorno, acendem um sinal de alerta sobre a importância da prevenção e da conscientização de toda a sociedade em relação à saúde mental.

    Desse modo, é natural que tais temas sejam cada vez mais discutidos em obras dos mais diversos gêneros. Algumas de forma responsável, outras não. Charles Forsman, aparentemente, se interessa muito pelo tema. Seus quadrinhos possuem um tom amargo e angustiante, além disso, tem como assinatura seu traço característico e temas que giram em torno de transtornos mentais envolvendo adolescentes e jovens adultos.

    Dono de um traço que remete diretamente aos Peanuts de Charles Schulz, Forsman se tornou conhecido com a publicação de The End of the F***ing World, publicado no Brasil pela Conrad e recentemente adaptado em uma série já cancelada pela Netflix. Curiosamente, esse traço fino e caricato, que nos remete diretamente à infância, causa uma estranheza direta pelos temas abordados. Ainda que Charlie Brown seja um personagem depressivo, Forsman eleva isso a uma leitura incômoda e difícil.

    I Am Not Okay With This, publicado pela editora Skript através do sistema de financiamento coletivo Catarse, retoma tais temas. Aqui acompanhamos a vida de Sydney, uma adolescente solitária que ganha um diário de sua orientadora estudantil como forma de expor seus sentimentos. Dessa forma, nossa relação com a personagem se dá por meio desse diário. Assim, o tom de monólogo em uma crônica episódica de sua vida permeia toda a obra. Através do diário sabemos da morte de seu pai e o quanto isso ainda afeta sua família, além das angústias, paixões e o vazio existencial da personagem.

    Ainda que a trama utilize o diário da protagonista para que conheçamos a personagem, o autor utiliza, em certos momentos, uma narrativa bifurcada na qual o viés da protagonista é sobreposto pelos fatos de certos personagens. Isso ocorre em dois momentos importantes da trama, ao demonstrar o dia-a-dia da mãe de Sydney e seu sofrimento, como também ao manter um olhar afastado envolvendo a violência sofrida por Dina, amiga e paixão da personagem.

    Ainda que utilize um diário como forma narrativa, o leitor percebe um sentimento de isolamento crescente da personagem. A cada página, um novo tijolo é posto em volta dela em relação à sociedade. Sua dificuldade de se expressar aumenta gradualmente, oprimida pelas próprias emoções. Essa dificuldade é demonstrada pelo autor sob um viés fantástico que diz muito sobre o caminho autodestrutivo da personagem. A violência, raiva e automutilação parecem ser a resposta da escuridão que aumenta lentamente e afasta Sydney de todos. Seu entorno não parece se dar conta do que está acontecendo com ela, algo tão comum atualmente. Mas o próprio diário e a narrativa bifurcada do autor demonstram que tais problemas não são exclusividades apenas dela, mas da nossa sociedade em geral.

    Em que pese os contornos obsessivos que o movimento “antispoiler” tem tomado — sem qualquer viés crítico e descolado da discussão da própria obra —, é necessário reforçar o caráter trágico do fim da obra, com a personagem sem qualquer capacidade de superar seu isolamento e optando por uma solução final. Forsman é direto. Não há nenhuma dramaticidade ou sentimentalismo. A crueza de seu trabalho atinge o ápice na página final.

    E sobre isso, não tenho condições técnicas ou intelectuais para esclarecer se a abordagem do autor foi a mais correta. Mas não me cabe ser censor da obra apenas pelo impacto que ela pode ter causado em mim. De qualquer forma, causa estranheza como a editora Skript anunciou esse quadrinho desde o seu lançamento como uma simples HQ alternativa, o que convenhamos, claramente não é só isso. Ainda assim, a resenha do Lucas, do site Melhores do Mundo, parece ter servido de alerta para que os editores se deem conta da responsabilidade que tem nas mãos e que um simples aviso na própria obra não é o suficiente.

    I Am Not Okay With This é um retrato opressivo, sombrio e contundente sobre nossos dias. Se Forsman parece não saber a melhor forma de retratar alguns temas, em contrapartida, tem muito a dizer sobre a vida de uma parcela da sociedade cujas emoções e problemas excedem sua capacidade de expressá-los.

    Se você sofre de depressão ou algum outro tipo de transtorno mental não hesite em buscar ajuda.

    Fontes e links úteis:
    https://www.cvv.org.br/
    https://www.setembroamarelo.org.br/
    https://www.paho.org/pt/topicos/depressao
    http://www.revistahcsm.coc.fiocruz.br/no-dia-mundial-da-saude-oms-alerta-sobre-depressao/
    https://www.gov.br/saude/pt-br/assuntos/saude-de-a-a-z/d/depressao
    https://www2.samp.com.br/fique-por-dentro/noticias/janeiro-branco-brasil-esta-entre-os-paises-com-maior-numero-de-casos-de-depressao-e-ansiedade.htm
    SOLOMON, A. O Demônio do Meio-Dia: Uma anatomia da depressão. São Paulo: Companhia das Letras, 2014.
    DUNKER, C. O Palhaço e o Psicanalista: Como escutar os outros pode transformar vidas. São Paulo. Planeta, 2019.
    https://oilychuck.wordpress.com/
    https://melhoresdomundo.net/a-gente-lemos-i-am-not-okay-with-this-com-muitos-spoilerezes/

  • Crítica | São Bernardo

    Crítica | São Bernardo

    São Bernardo

    Parte integrante do movimento Cinema Novo, São Bernardo trata da história de Paulo Honório, um mascate que habita o sertão de Alagoas e negocia gado e toda sorte de coisas. A obra de Leon Hirszman mostra o personagem de Othon Bastos tentando de todos os meios, inclusive antiéticos, para adquirir a fazenda que dá nome ao filme, local este onde havia trabalhado quando criança.

    O filme começa com um coro de sons indistinguíveis, que simbolizam a confusão mental de Honório, um homem violento, machista e autoritário, com dificuldades claras de convivência. Sua postura autossuficiente esconde um modo de pensar e viver bastante miserável, aquém dos próprios delírios de grandeza que ele nutre.

    O roteiro é uma adaptação de um dos grandes clássicos da literatura nacional, São Bernardo, de Graciliano Ramos, e tanto Hirszman quanto Bastos conseguiram capturar bem a essência do romance, não só em mostrar a jornada do protagonista e todo o contexto político-social da obra, mas também nos demais personagens, em especial, Madalena de Isabel Ribeiro, uma professora de pensamento e atitudes progressistas entrando em conflito direto com o conservadorismo de Honório. Os dois se casam, apesar de não combinarem em praticamente nada.

    O gerenciamento da fazenda torna seu proprietário próspero, mas sempre causando temor em qualquer pessoa que se relacione com ele. Suas sensações e obsessões de controle se chocam com o ideal que Madalena tem para si, e o texto se desenvolve muito bem nos conflitos. Hirzman não aborda de maneira óbvia as contradições de uma relação, e a estética empregada pelo cineasta faz o filme parecer uma declamação, tanto pela narração do ator, que revela o pensamento torto, sexista e moralista, quanto suas expressões corporais, que deixa claro ser um sujeito que parece estar sempre prestes a explodir.

    A postura turrona de Paulo esconde mal sua real face. Além da índole estranha se percebe a fragilidade de seu caráter e até de sua auto imagem. O comportamento possessivo de fato tem a ver com o receio de ficar sozinho, e acaba resultando em uma vaidade que faz até quem está perto se afastar.

    Sua incompreensão também ajuda que ele seja um pária em casa, mesmo sendo bem-sucedido financeiramente, e ajudam a formar nele a postura de um sujeito paranoico. Isso resulta em fracasso até no mais banal de seus desejos, visto que até a paternidade, que lhe parecia natural lhe é negada. Sua esposa, que deveria ser sua protegida, adoece da dor da rejeição e da falta cuidados sentimentais básicos, pois não é tratada como um ser humano, e sim como mais uma propriedade.

    São Bernardo trata de questões candentes até os dias atuais, demonstrando a atualidade do texto de Ramos e da adaptação de Hirszman. O personagem de Othon é diferenciado, um explorador consciente de seu poder e ainda assim impotente no campo sentimental.

  • Resenha | Arlequina & Hera Venenosa: Paixões Violentas

    Resenha | Arlequina & Hera Venenosa: Paixões Violentas

    Em Batman: A Série Animada, desenvolvida por Bruce Timm, já havia um esboço de parceira (e até alguma tensão sexual mínima) entre as personagens Hera Venenosa e Arlequina. Diante disso, o roteirista Chuck Dixon ao lado do artista Joe Chiodo decidem explorar um pouco dessa interação entre as personagens na curta história Arlequina e Hera Venenosa: Paixões Violentas.

    Publicada há alguns anos pela Editora Mythos, e ainda que seja uma história curta, merecia uma edição mais caprichada. A arte de Chiodo emula o traço da animação dos anos 90 sem deixar de lado seu caráter próprio, apesar de apelar à sexualidade das personagens. O trabalho de cor realmente chama a atenção, se assemelhando a tintas de aquarela, infelizmente, pouco valorizado no papel desta edição.

    Na trama, Coringa expulsa a namorada após um assalto que dá errado. Ao invés dela perceber a relação abusiva existente, ela resolve obedecer sua ordem autoritária, acreditando que caso consiga se virar sozinha, ele a aceitaria de volta. Esse fato certamente serve de paralelo com a realidade de muitas mulheres abusadas física e emocionalmente, assim como a personagem.

    Há uma máxima falaciosa de que a DC Comics só começou a sexualizar a personagem após mudar seu uniforme, perto da época dos Novos 52, tal qual se vê em Batman: Assalto em Arkham e Esquadrão Suicida. Nessa história, publicada em 2001, ela luta contra a dupla dinâmica em poses praticamente impossíveis de ocorrer para uma mulher normal, faz às vezes de pinup, como um objeto sexual, assim como outras personagens.

    Em À Prova de Morte, filme  dirigido por Quentin Tarantino, há uma fala que conversa bem com a premissa desse gibi. O personagem assassino de Kurt Russell diz “existem poucas coisas mais atraentes que o ego amargurado de um anjo”, e isso combina com a postura da personagem após romper com o Palhaço do Crime. Embora Quinzel não tenha uma consciência sã de que sofria assédios constantes por parte de quem ela tinha como parceiro, enfim ela passou a ter uma postura resoluta quando tomou noção da rejeição que sofreu.

    Dixon apresenta uma história simples, com momentos de ação bem pensados e sem grandes arcos dramáticos. A temática é igualmente simples, o que mais faz brilhar certamente é o subtexto contestador de Hera reclamando que Harley que é submissa demais, ainda assim não lhe negando ajuda, seja por amizade ou por segundas intenções. Mesmo sendo uma história breve Paixões Violentas faz refletir, diferente de boa parte dos produtos da cultura pop, e isso se torna ainda mais válido quando reflete a realidade de violência doméstica existente em diversos lares.

  • 10 Séries Canceladas em 2021

    10 Séries Canceladas em 2021

    Já nos habituamos a todo ano receber notícias a respeito do cancelamento de nossas séries. 2021, apesar de completamente atípico, não poderia ser diferente. É verdade que o atual cenário pandêmico mundial mudou consideravelmente a produção do audiovisual, com diversas delas sofrendo interrupções, mas pouco a pouco as gravações foram retomadas. Entretanto, muitas delas foram encerradas prematuramente — ou até que outra emissora ou serviço de streaming decida continuá-la —, apesar de uma boa recepção de público e crítica, por isso, confira a lista de algumas das que tiveram seu desfecho interrompido neste ano.

    Lovecraft Country

    A adaptação do livro homônimo de Matt Ruff chegou na HBO em 2020, recebeu diversos prêmios e ainda assim teve o anúncio de seu cancelamento neste ano sem grandes explicações e causou bastante surpresa após receber mais de 18 indicações ao Emmy. A showrunner Misha Green vinha trabalhando em um roteiro e o elenco da série ainda com agenda reservada para as gravações de uma nova temporada.

    A série se passava nos Estados Unidos dos anos 1950 e mesclava o horror pulp (e extremamente preconceituoso) de H.P. Lovecraft com o segregacionismo racial do país.

    Punky, A Levada da Breca

    Vocês sabiam que Punky, a série de sucesso dos anos 80 teve um revival em 2021? Nem eu. A continuação da série apostou em produções como Três é Demais, que tiveram continuações recentes com boa parte do elenco original e tiveram um sucesso relativo, no entanto, não foi o caso de Punky que teve seu cancelamento anunciado quatro meses após a exibição da primeira temporada com dez episódios.

    Os Irregulares de Baker Street

    O que aparentava se tornar uma série de sucesso no serviço de streaming da Netflix fracassou amargamente e teve sua produção cancelada na primeira temporada. O grupo de jovens detetives sobrenaturais que trabalhavam para Sherlock Holmes parece não ter feito o sucesso esperado e os custos altos de produção cobraram o preço.

    Meu Pai e Outros Vexames

    Produzida e estrelada por Jamie Foxx, a comédia Meu Pai e Outros Vexames foi inspirada na relação entre Foxx e sua filha. O ator surgiu na comédia, mas a péssima repercussão de público e crítica foi o fator primordial para a Netflix cancelar a sitcom, ainda que os envolvidos aleguem que optaram por não renovar em comum acordo. A primeira temporada contou com oito episódios e, aparentemente, não era apenas a filha que ele estava deixando envergonhada.

    Os Eleitos

    A Disney+ anunciou no primeiro semestre de 2021 que Os Eleitos não retornariam para uma segunda temporada. Com essa decisão, a série se tornou a primeira produção do serviço a ser cancelado.

    Os Eleitos é fruto da parceria da Disney+ com a National Geographic e contou a história da corrida espacial norte-americana. Apesar do cancelamento, outras emissoras e serviços tem apontado o interesse em continuar essa história.

    Cursed: A Lenda do Lago

    A série de fantasia medieval teen, Cursed: A Lenda do Lago, foi cancelada pela Netflix em 2021 após a recepção morna do público em relação ao custo da produção. A releitura da lenda arturiana do ponto de vista de Nimue é baseada na graphic novel de Frank Miller e Tom Wheeler.

    O Legado de Júpiter

    A parceria de Mark Millar e Netflix ainda não rendeu nenhuma produção digna de nota, seja nos quadrinhos ou no serviço de streaming. Na esteira do seriado The Boys, Millar e Netflix acreditavam que a desconstrução dos super-heróis seria uma escolha mais do que acertada, no entanto, a escolha por adaptar apenas pouquíssimas páginas do primeiro arco do quadrinho parece ter cobrado seu preço e o cancelamento foi mais que merecido.

    Ainda assim, tanto o autor quanto o serviço já anunciaram que o mundo de O Legado de Júpiter será abordado em outras produções futuras, como a adaptação da mediana Supercrooks, que ganhará uma série em live action e anime.

    Turner & Hooch

    A série Turner & Hooch estrelada por Josh Peck e servia como um reboot da comédia policial com Tom Hanks, Uma Dupla Quase Perfeita, não conseguiu renovação para uma segunda temporada. Apesar do apelo nostálgico, o serviço de streaming encerrou o seriado com apenas uma primeira temporada de doze episódios. Embora a recepção do público parecesse popular, a série recebeu críticas medíocres da maioria dos veículos especializados.

    Y: O Último Homem

    A adaptação da série em quadrinhos de Brian K. Vaughan e Pia Guerra tinha tudo para ter vida longa na TV, mas assim como O Legado de Júpiter, a produção optou por espremer tudo e mais um pouco de poucas páginas de história e entregar nada ao espectador acreditando que teriam mais tempo para desenvolver a trama. Não rolou. Y: The Last Man não tinha ritmo algum e pouco a pouco a audiência foi diminuindo. Os produtores estão buscando uma nova casa para o seriado, mas até agora sem sucesso.

    Cowboy Bepop

    A adaptação em live action de Cowboy Bebop era bastante aguardada, mas como costuma acontecer em adaptações americanas de produções japoneses, o receio do público era grande. No entanto, assim que a primeira temporada foi disponibilizada na Netflix a recepção foi dividida e ainda que tenha atraído uma parcela considerável de espectadores, o serviço optou por cancela-lo semanas depois da estreia, visto que a audiência não justificava os gastos. Para quem esperava uma continuação para saber o final da série, recomendo que procurem o anime.

  • Review | Por Baixo do Capacete: O Legado de  Boba Fett

    Review | Por Baixo do Capacete: O Legado de Boba Fett

    Por Baixo do Capacete: O Legado de Boba Fett é um breve especial da Disney+. O episódio tem pouco mais de vinte minutos, mas fala bastante a respeito do caçador de recompensas mais famoso de Star Wars, mesmo que o caçador de recompensas tenha pouco tempo de tela no seu produto de origem.

    Assinada pelo especialista em obras de making off, Brian Kwan, o filme se inicia com um engraçado relato do designer de som da trilogia clássica, Ben Burtt, assoprando uma pequena corneta para mostrar como ele chegou no som da aeronave pilotada pelo personagem. Ao passo que se valoriza o legado dele, em especial na venda de brinquedos, também não há super valorização de sua participação, que teve apenas quatro linhas de diálogo e seis minutos e meio de tela da obra original.

    A maior riqueza do especial mora nos detalhes a respeito da criação do guerreiro com armadura, em especial no resgate de depoimentos da produção original, como do criador da Milenium Falcon, Joe Johnston (que também ficaria conhecido como diretor de Rocketeer, Jurassic Park III e Capitão América: O Primeiro Vingador), que cita Ralph McQuarrie como um dos responsáveis ao seu lado pelos esboços da armadura e do personagem. Se detalha até a ideia de colocar esporas nos pés dele, para parecer um autêntico caçador do velho oeste.

    Durante o tempo de exibição também se salienta o quão importante era fazer a armadura mandaloriana parecer surrada, mesmo antes de existir uma mitologia em torno dos guerreiros de Mandalore. Também não se furta em falar sobre Star Wars: Holiday Special, com o próprio George Lucas comentando a inserção do personagem na sequência animada, driblando o assunto tabu já que esse especial era assunto proibido até pouco tempo, quando a própria Disney disponibilizou em seu streaming a sequência em que ele aparece, sob o nome A História do Wookie que Acredita com duração de nove minutos.

    Voltado aos fãs, o documentário foca em detalhes de bastidores, conversando com colecionadores de brinquedos e derivados da saga. O objetivo de louvar a memória do personagem é alcançado, e só por isso já valeu a pena ser produzido e apreciado por quem se interessa pelo universo expandido de Star Wars, além de servir de teaser para o seriado O Livro de Boba Fett.

  • Crítica | Dupla Explosiva 2: E a Primeira-Dama do Crime

    Crítica | Dupla Explosiva 2: E a Primeira-Dama do Crime

    Era apenas uma questão de tempo para que Dupla Explosiva, a comédia de ação estrelada por Ryan Reynolds e Samuel L. Jackson que foi sucesso de bilheteria no ano de 2017, ganhasse uma continuação. Porém, enquanto o primeiro filme divertia bastante ainda que possuísse certos problemas, esse aqui erra em praticamente tudo o que tenta.

    Seguindo a cartilha de Hollywood que dita que as sequências devem ser maiores e mais barulhentas que o original, Dupla Explosiva 2 amplifica tudo o que havia no primeiro. Entretanto, a balança se inverte e aqui os defeitos superam as qualidades. Na trama, o guarda-costas Michael Bryce (Reynolds) abandona sua licença sabática para proteger Darius (Jackson) e Sonia (Salma Hayek) depois que ela revela estar sendo perseguida por Aristotle Papadopolous (Antonio Banderas), um louco bilionário que está em poder de uma arma que pode destruir o mundo.

    Chega a ser impressionante um filme com um orçamento de 70 milhões de dólares possuir uma produção tão pobre. O excesso de CGI mal feito chega a ser irritante e compromete demais. Existem cenas que nem são de ação, mas que deixam claro o péssimo uso da tela verde. Ainda no tópico da ação, o diretor Patrick Hughes já havia demonstrado competência na condução de cenas do tipo no primeiro Dupla Explosiva e no terceiro Os Mercenários. Entretanto, aqui não faz nada digno de nota, somente um amontoado de clichês prejudicados por uma edição fraca. O humor do filme é tão pobre quanto, e aposta na repetição de piadas de constrangimento e cunho sexual que parecem ter saído de um derivado ruim de American Pie.

    O trio de protagonistas é enervante. Parece que Jackson e Hayek estão competindo para saber quem grita mais alto. Reynolds, desde que fez sucesso em Deadpool, parece interpretar qualquer personagem de uma só maneira. Ele repete o que fez antes em Esquadrão 6 e o que faria em Alerta Vermelho, com o agravante de emular o personagem mutante e ficar o tempo todo fazendo piadas autorreferentes, além de narrar o que está sentindo e o que está acontecendo na tela para o espectador, numa tentativa velada de quebrar a quarta parede que aqui não funciona, deixando transparecer que o filme não confia na inteligência de quem está o assistindo. Banderas até se salva interpretando seu vilão como se ele fosse um antagonista de Roger Moore nos filmes mais caricatos do agente 007. Porém, a participação de Morgan Freeman é desperdiçada por uma condução ruim que estraga boas piadas em potencial.

    Enfim, Dupla Explosiva 2 é uma experiência cansativa e enervante para o espectador, o que é uma pena. Infelizmente, por melhores que sejam os atores, não dá para apoiar um filme inteiro em carisma. É preciso mais do que isso.

    https://www.youtube.com/watch?v=8I-7eEIWKEQ&ab_channel=Ingresso.com

  • Crítica | Homem-Aranha 3

    Crítica | Homem-Aranha 3

    Homem-Aranha 3 fecha a trilogia de Sam Raimi sobre o herói tangível e cheio de defeitos criado por Steve Ditko e Stan Lee, mas não sem trazer consigo uma infinidade de reclamações sobre os rumos que a franquia tomou. Na trama, Peter Parker (Tobey Maguire) tem de enfrentar uma crise na relação com Mary Jane (Kirsten Dunst), além de três vilões diferentes.

    No início do filme há uma clara diferença desse para Homem-Aranha 2, o recapitular das aventuras anteriores se dá com arte de Alex Ross e aqui estão apenas as cenas conduzidas por Raimi, sem qualquer tratamento de imagem, como um resumo de capítulos anteriores de uma série barata, o cuidado com a cinessérie mudou e, além disso, se nota uma diferença no tema orquestrado, com tons e acordes diferentes, já que Danny Elfman dá lugar a  Christopher Young na trilha sonora. Esse tom obscuro deveria passar para a abordagem da personalidade de Peter, mas isso não ocorre, necessariamente.

     

    Homem-Aranha 3 é muitas vezes injustamente  criticado, no entanto, uma reclamação justa é o comportamento que o personagem de Maguire tem no início do filme, antes mesmo de ter contato com o “alienígena” que daria origem a Venom. Ele é impulsivo, se deslumbra com a aceitação que o povo lhe confere finalmente, após dois filmes com histórias conturbadas, e age de maneira brutalmente insensível, em especial com MJ. A vida pessoal de Peter finalmente se ajeita, ele está feliz, tanto como Aranha quanto Peter Parker, mas como se trata de um personagem trágico (aos menos aos olhos do diretor), não há como seguir assim por tanto tempo.

    Raimi é um cineasta muito fiel às suas raízes, mesmo quando faz obras mais voltadas para o público mainstream. Desse modo, é natural que existam cenas que remetam ao cinema de horror. E aqui a manifestação se dá no entorno do Homem Areia, tanto na transformação que Flint Marko (Thomas Haden Church) sofre, quanto nos momentos finais. Além de ter um visual arrebatador em ambos momentos, há significados que remetem aos monstros clássicos, em especial na sua gênese. Marko tem características da criatura de Frankenstein de Boris Karloff, e certamente essa referência seria melhor encaixada caso o roteiro fosse mais sólido, pois o evento que transforma o personagem é completamente avulso à trama, sem repercussão antes ou depois do ocorrido.

    As tramas secundárias também variam de qualidade. James Franco está bastante canastrão, não consegue dar camadas ao seu personagem, sua motivação não faz sentido por não ter tempo de tela, sem falar que expõe um dos defeitos do filme, os efeitos visuais primários. Dunst está muito bem, consegue trabalhar bem com o que é lhe dado, mesmo sendo pouco. Já a introdução dos personagens novos, como Gwen (Bryce Dallas Howard), Eddie Brock (Topher Grace) e o Capitão Stacy (James Cromwell) é gratuita ao extremo. Não há desenvolvimento mínimo de nenhum deles, e até os coadjuvantes do Clarim Diário parecem mais sólidos e profundos que o trio, fato que gera até incongruências, já que o J.J. Jameson de J.K. Simmons não sabe quem é Brock, mesmo com uma citação a ele em Homem-Aranha. O personagem é tão irrelevante para Raimi que a direção deliberadamente não o leva a sério.

    Entre as reclamações mais comuns ao filme está a personalidade de Peter modificada pelo simbionte, que muitos atribuíam ao comportamento dos fãs de emocore. Ora, na época, os meninos comuns que usavam esse visual diferia de Peter. Eram introspectivos, gostavam de parecer sombrios, já Parker é o oposto disso, espalhafatoso, inconsequente e age até como um bully em alguns momentos, com uma personalidade tão baixa quanto a do seu nêmese escolar Flash Thompson. Ele claramente não era Emo, só pegou emprestado desse estilo o cabelo e a maquiagem um pouco mais forte, comparar o Andrew Garfield em O Espetacular Homem-Aranha com o estereótipo do hipster até faz algum sentido, mas o Peter de Tobey de emo tinha apenas o visual.

    Parker parece governado unicamente pelo id (parte da mente que quer gratificação imediata de todos os seus desejos e necessidades, segundo o conceito freudiano), e dito assim, esses momentos não parecem tão erráticos, especialmente a cena “musical”, já que é o símbolo maior da breguice que Raimi sempre impôs a sua versão do Cabeça de Teia.

    A reunião dos antagonistas não tem nenhuma força, é um pretexto pobre que está lá para justificar uma ação entre amigos com Harry e Peter juntando as forças, que só não é mais vergonhosa do que o momento de retorno do uniforme clássico, ao lado de uma bandeira dos EUA tremulando, que faz automaticamente o povo esquecer dos maus atos do Aranha. Além dessas questões, boa parte da imaturidade de Peter também não cabe, já que ele aprendeu ou deveria ter aprendido com seus erros do passado, e justificar esses atos pelo simbionte também não faz sentido, visto que sua personalidade já havia se transformado antes mesmo dele utiliza-lo.

    Raimi saiu reclamando de interferência dos estúdios, seu desejo seria explorar personagens como o Abutre e a Gata Negra, mas por influência de Avi Arad, teve que fazer o filme com Venom. Desse modo,  Homem-Aranha 4 previsto para 2011 foi abortado, assim como uma segunda trilogia. Ainda assim Homem-Aranha 3 parece mais com o ideal de Ditko e Lee, por ser senhor de sua própria história e seguir dando camadas trágicas, mas humanas ao personagem. Peter segue falho, tolo, mas capaz de se sacrificar e tentar evoluir, mesmo que a mão invisível do roteiro o faça agir como alguém que não digeriu bem seus problemas.

  • Crítica | O Chefão de Nova York

    Crítica | O Chefão de Nova York

     

    O Chefão de Nova York é um filme de 1973 do movimento Blaxploitation que reúne elementos do “gênero” mafioso, bem ao lastro de O Poderoso Chefão de Francis Ford Coppola feito um ano antes. Na trama, se acompanha a vida de Tommy Gibbs, um garoto que ainda nos anos 1950 trabalha como engraxate e presta serviços a máfia ítalo-americana de Nova York. O filme não demora a dar um salto temporal (dez anos depois), e rapidamente, o protagonista vira um predador de gângsteres, inclusive acertando as contas com os poderosos da Cosa Nostra e congêneres.

    O filme é protagonizado por Fred Williamson, ator de filmes de ação conhecido entre outras produções como a imitação de 007, Bolt: O Homem Relâmpago, além de ter participado da série M.A.S.H. e nos anos noventa  ser um dos “heróis” de Um Drink no Inferno. Um dos erros do filme no Brasil foi não usar o nome original, Black Caesar, já que além de forte, faz referência a história trágica que seguindo a direção de Larry Cohen, tem contornos tão emblemáticos quanto os da peça de William Shakespeare.

    Lentamente, Gibbs evolui enquanto chefão da máfia, com métodos ainda mais violentos que seus colegas. Os motivos que o tornam assim são puramente financeiros. O protagonista se dá conta, ao falar com um possível empregador branco, que para o negro entrar nesse tipo de negócio é preciso aceitar menos pagamentos que seu equivalente caucasiano. Ao discutir com esse chefão da antiga geração, ele leva para si a máxima preconceituosa proferida ao seu povo, de que “os negros não têm ambição”, mas ele tinha.

    Um fator diferencial é a música Down and Out in New York City, de Bodie Chandler e Barry DeVorzon, executada pelo lendário James Brown no auge de sua fama. As músicas narram as emoções dos eventos emocionantes que ocorrem com Tommy, desde as traições criminosas que sofre, até os reencontros com seus familiares.

    É curioso como há muitas semelhanças entre os métodos de Gibbs e os de Zé Pequeno de Cidade de Deus. Mesmo não dito, o vilão do filme de Fernando Meirelles e Kátia Lund tem clara inspiração nas desventuras de Black Caesar, inclui-se aí a falta de tato com as mulheres, o confronto com seu melhor amigo de infância e até a inspiração visual para o fim do anti-herói/vilão.

    Há ainda comentários irônicos pontuais, como a chacina toscamente engendrada contra os mafiosos, com um estranho ataque em uma fazenda que mistura um instrumental de cordas em uma música tipicamente italiana, se funde ao som do jazz enquanto os capangas de Tommy promovem uma matança. Claramente, o status quo do submundo do crime sofreu alterações.

    O Chefão de Nova York acaba se tornando um filme-símbolo, pois se o blaxploitation é um movimento de cinema que atende às demandas do povo preto, colocando-os como superior ou igual aos brancos (inclusive na área de entretenimento). Tommy busca ser um criminoso explorador como qualquer Chefão da Cosa Nostra, a fim de inverter a ordem de vilania e escravidão estabelecida ao longo dos últimos séculos.

  • Crítica | 007: O Espião Que Me Amava

    Crítica | 007: O Espião Que Me Amava

    Roger Moore marcou a memória da cultura pop como o James Bond com mais aparições em filmes, sete no total, e certamente, 007: O Espião Que me Amava é o mais elogiado de sua era. Décimo filme da franquia, se localiza no cenário político da Guerra Fria, começando com o sumiço do submarino russo chamado Potemkin, fato que faz Bond ter contato com a agente XXX, Anya Amasova (Bárbara Bach). Dos roteiros protagonizados por Moore, esse é que tem o cunho político mais evidenciado.

    Moore está bem à vontade no papel. O intérprete não é conhecido por ter um grande talento dramático, mas aqui transborda carisma e charme. Trejeitos e olhares que expõe se tornaram características básicas da personagem, influenciando até no modo de agir de outras versões. É curioso como mesmo sendo bem diferente de Sean Connery,  sua atuação ainda remete diretamente ao comportamento comum do agente. O olhar direto para a câmera (e consequentemente para o público) eram tão marcantes e equivalentes à postura altiva de Connery, enquanto acendia um isqueiro com um cigarro pendurado na boca, facetas de um homem educado, fino e que sabe seu lugar nesse mundo.

    O roteiro de Christopher Wood guarda muitas semelhanças com o visto em Moscou Contra 007, não só pelas  semelhanças entre Amasova e Tatiana Romanova, a bondgirl que co-protagoniza o filme dos anos sessenta, mas também pela cooperação entre agentes britânicos e soviéticos, rimas visuais e até por uma longa sequência em um trem que percorre a Europa. A distinção mais visível entre as obras é o uso mais livre dos gadgets de Q (Desmond Llewelyn), como relógios que recebem mensagens em plena década de 1970, mas o restante da atmosfera é bem semelhante, claro, sem perder a identidade própria desta aventura.

    Esse é o filme que ficou famoso pelo Lotus Sprit, carro anfíbio charmosíssimo que ajudaram a fazer a fama de Moore como o Bond mais fantasioso e fantástico. O diretor Lewis Gilbert brinca com vários clichês da marca, como lutas na neve, vilões deformados, a exemplo de Jaws/Dentes de Aço feito por Richard Kiel. Esses aspectos ajudam a tirar um pouco a seriedade do filme, mas o equilíbrio entre momentos mais grotescos com os sóbrios são bem encaixados, resultando no mais exitoso da franquia nesse quesito.

    Mesmo o cenário completamente louco de laboratório submarino do vilão é legal. O Karl Stromberg de Curd Jürgens não parece tão ameaçador, mas cabe bem ao estilo de aventura escapista que a adaptação de Ian Fleming apresenta. 007: O Espião que me Amava possui alguns problemas que certamente não seriam tão facilmente ignorados, sobretudo com sexismo, mas considerando sua época e o fato dos filmes de 007 replicarem sempre a cultura vigente há de se relevar boa parte dos seus pecados, já que está certamente está no hall das melhores aventuras do personagem, atendendo as expectativas de bons combates, romance e, claro, ações de investigação, em uma época onde o auge do escapismo residia exatamente nesse tipo de produção.

  • VortCast 105 | Diários de Quarentena XXIII

    VortCast 105 | Diários de Quarentena XXIII

    Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira | @flaviopvieira), Jackson Good (@jacksgood) e Bruno Gaspar (@hecatesgaspar | @hecatesgaspar) retornam para se despedir do ano (e do formato Diários de Quarentena)  nesta edição onde comentamos sobre quadrinhos nacionais, filmes da Marvel e muito mais.

    Duração: 118 min.
    Edição: Flávio Vieira e Rafael Moreira
    Trilha Sonora: Flávio Vieira e Rafael Moreira
    Arte do Banner:
     Bruno Gaspar

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  • Crítica | Infiltrado

    Crítica | Infiltrado

    O brucutu gente fina Jason Statham e o diretor Guy Ritchie são parceiros de longa data. Os dois se apresentaram juntos para o mundo com o já clássico Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes, continuaram a jornada rumo ao estrelato com o sensacional Snatch: Porcos e Diamantes e estiveram juntos no fracasso com o enfadonho Revólver. Após longo hiato, a dupla volta a se reunir em Infiltrado, filme que apesar de eficiente, é irregular tal como as carreiras de Statham e Ricthie.

    Na trama de Infiltrado, Harry (Statham) começa a trabalhar em uma empresa de carros-fortes que movimenta grandes quantidades de dinheiro. Ao neutralizar uma tentativa de assalto de maneira quase sobre-humana, Harry desperta a atenção de seus colegas de trabalho, que passam a suspeitar das suas reais intenções no emprego.

    O longa difere totalmente do restante da filmografia de Ritchie. Sempre afeito a uma assinatura visual estilizada, aqui o diretor filma de uma maneira tradicional, com planos mais estáticos e longos até mesmo em certas sequências de ação. A sobriedade também se faz presente no primeiro terço da película, onde as apresentações dos personagens são feitas. Tudo vai sendo muito bem estabelecido e a narrativa, apesar de um pouco mais lenta que o normal por ser dividida em episódios, flui bem. Entretanto, o filme começa a apresentar problemas ao transitar entre núcleos de personagens e promover idas e vindas no tempo, tornando o filme arrastado e provocando cansaço no espectador. Ainda assim, quando entra na sua parte final consegue recuperar o fôlego, faz uma grande costura de eventos que ocorrem simultaneamente sem deixar a bola cair e apresenta um desfecho eletrizante.

    Se durante toda a filmografia de Ritchie o humor foi uma presença constante, aqui temos um filme sombrio, onde os diálogos são bastante secos, mas longe de serem monótonos. Há apenas um problema de excesso de exposição no momento onde a narrativa fica bastante truncada. Statham compõe um personagem bastante contido em relação aos seus papéis tradicionais, deixando transparecer desde o início que estamos lidando com alguém que calcula todos os seus movimentos, tal e qual um clássico herói de faroeste, gênero de filme que é uma clara influência durante todo o tempo de projeção de Infiltrado, seja na fotografia de Alan Stewart, trilha de Christopher Benstead ou até mesmo nos figurinos e direção de arte.

    A reedição da parceria Statham/Ritchie rende um thriller eficiente, ainda que irregular. Caso o diretor tivesse mantido o nível de qualidade durante toda a película, com certeza Infiltrado estaria entre os melhores de sua filmografia.

  • Crítica | 007: Os Diamantes São Eternos

    Crítica | 007: Os Diamantes São Eternos

    007 - Os Diamantes São Eternos

    Em 007: Os Diamantes São Eternos a demanda pelo retorno de Sean Connery foi finalmente atendida, mas sem desconsiderar os momentos urgentes da última aventura de James Bond, em 007: A Serviço Secreto de Sua Majestade. O início da trama mostra o personagem em uma jornada de vingança violenta, indo atrás dos homens da Spectre em busca da vingança pela morte de sua amada esposa.

    O curioso aqui é o tom desse início, bastante diferente do restante da aventura, funcionando como um prólogo.  Resolve as questões pendentes para enfim apresentar uma nova trama, a última envolvendo a super organização Spectre. Connery, volta bem envelhecido, por mais que entre esse e Com 007 Só Se Vive Duas Vezes tenha se passado apenas quatro anos, o tempo parece pesar. A maquiagem não disfarça as marcas de expressões e sinais da idade, e até a peruca com tons grisalhos denuncia que Bond está velho demais para esse tipo de ação.

    Essa obra também marca um tom mais humorístico nas ações de 007. A dupla de vilões secundários também colabora para essa sensação, Mr. Wint (Bruce Glover) e Mr. Kidd (Putter Smith) são caricatos e, claramente, um casal gay. Para além da condição homofóbica com que são tratados, possuem visual bastante esquisito, acompanhado de um comportamento obsessivo e compulsivo. Colocar no papel de vilania pessoas que fogem da normalidade do herói branco heteronormativo era uma das marcas mais tortas da franquia, e com a saída de Connery isso pioraria, já que era ainda mais comum apelar para isso na fase mais cômica protagonizada por Roger Moore.

    Até existe alguma coragem no filme ao colocar a Moneypenny de Lois Maxwell como agente de campo, algo inédito e que seria referenciado por Sam Mendes em 007: Operação Skyfall, mas geralmente, a trama gira em torno dos chavões de 007. A versão de Blofeld feita por Charles Gray por sua vez é menos empolgante que a de Donaldo Pleasence ou Ted Savalas, a máxima de colocar sempre um novo intérprete para fazer o vilão atingiu aqui seu desgaste.

    Além do começo truncado, o desenrolar dos fatos soa estranho. Guy Hamilton já havia feito 007 Contra Goldfinger, filme menos pretensioso, mas bastante divertido dessa fase, entre outros aspectos por ser repleto de coadjuvantes carismáticos. Isso passa longe de acontecer em 007: Os Diamantes São Eternos, pois é arrastado e pouco dinâmico, com reviravoltas tolas e um protagonista indisposto e preguiçoso, fato que fazia jus a procura dos diretores por uma nova encarnação do agente de Ian Fleming.

  • Review | Gavião Arqueiro

    Review | Gavião Arqueiro

    A série do Gavião Arqueiro, personagem criado por Stan Lee e Don Heck, lida com muitos assuntos: as repercussões de Vingadores: Ultimato, a morte da Viúva Negra, a culpa de Clint Barton em sua fase como Ronin e o treinamento de sua pupila. Por mais que o seriado de Jonathan Igla não seja tão audacioso em seu roteiro, acaba se perdendo em meio a todos esses objetivos.

    De positivo, há o bom ingresso da personagem Kate Bishop, interpretada por Hailee Steinfeld, que faz um bom dueto com Jeremy Renner. Sua personagem tem um passado ligado ao heroísmo do personagem-título, e remonta aos Vingadores de Joss Wheddon, e sua motivação é bem desenvolvida — ainda que apressada —, mas os aspectos de qualidade param por aí.

    Antes da pandemia, quando estavam em produção Wandavision, Falcão e o Soldado Invernal e Loki, havia a promessa por parte de Kevin Feige de que as produções anteriores, comandadas por Jeph Loeb seriam esquecidas, contando aí a subestimada Agentes da SHIELD, como também Demolidor, Jessica Jones, Inumanos, etc. Ainda não se sabe se esse trato foi descumprido, ainda mais após o advento de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa e tudo que o filme trouxe em participações e outras consequências, mas o desenrolar da série abre uma possibilidade mínima de que, ao menos em parte, as outras produções podem alguma influência.

    O drama da série é urbano, mostrando a violência das grandes cidades. Como já se deu em outras séries de heróis urbanos envolvendo a parceria Marvel e Netlix. Além disso, o seriado brinca com os clichês de Nova York, arrumando espaço até para um número musical da Broadway, em um dos momentos mais inspirados em termos de humor na série.

    Outro bom ponto é o drama de Clint, visto no desenrolar das desavenças do procedimento do Ronin, mas a busca frenética prometida na gênese é interrompida para dar vazão a uma enrolação e plots de vingança um pouco redundantes, além de não gerar interesse no espectador.

    Mesmo tendo só seis episódios há muita enrolação, e nem mesmo participações de personagens como o  Espadachim (Tony Dalton) e Yelena Belova (Florence Pugh) salvam a trama. Há um problema claro de ritmo. Metade da temporada é absolutamente parada, não se desenvolve quase nada, no máximo se apresentam easter eggs de personagens cuja aparição deveria ser bem guardada. É muito pouco.

    Gavião Arqueiro não tem uma segunda temporada garantida, embora seus diretores tenham mostrado entusiasmo para um possível retorno. Fora a interação, ao estilo Máquina Mortífera, entre os protagonistas, não há com o que se empolgar. Fica a expectativa de que a série consiga trazer o roteiro de uma segunda temporada que faça jus a construção visual apresentada nessa temporada inicial, visto que o texto está abaixo da mediocridade típica das séries de heróis de quadrinhos recente, tanto em versões da Marvel quanto de suas concorrentes.

     

  • Crítica | Venom: Tempo de Carnificina

    Crítica | Venom: Tempo de Carnificina

    Crítica Venom Tempo de Carnificina

    Venom: Tempo de Carnificina retorna às aventuras do jornalista com problemas de dupla personalidade Eddie Brock, dessa vez o personagem oriundo das histórias do Homem-Aranha tem o desafio de seguir sua vida, após terminar o namoro estabelecido antes, sofrendo instabilidades na sua nova relação “amorosa”, com a sua contraparte extraterrestre

    A história do filme, dessa vez dirigida pelo ator Andy Serkis, começa em 1996, mostrando o passado de Cletus Kasady, com sua amada Frances, separados enquanto estão em um hospital psiquiátrico. Logo o tempo retorna ao presente e mostra o futuro Carnificina (Woody Harrelson) enquanto sonha um dia reencontrar Frances (Naomi Harris). Nos quadrinhos, a personagem tem o codinome Shriek, é inimiga do Aranha e tem o poder de dar gritos sônicos, que são, aliás um dos pontos fracos dos simbiontes. Obviamente, a origem dessas habilidades não é discutida, dado que a prioridade do filme passa longe de ser congruente ou lógico.

    Esse início não avança em nada na história do protagonista, funcionando como um prólogo. Isso não é um problema, só demonstra que o filme terá também como foco narrativo o seu antagonista. O destino faz Brock e Kasady colidirem, e depois de uma matéria sensacionalista, o maníaco olharia para Eddie com maus olhos, e não sem razão, pois Brock segue sendo ganancioso, um anti-herói que não liga para a ética mesmo com todas as lições do filme anterior, Venom.

    Há uma clara mudança de postura do protagonista nesse segundo filme. Se no filme de Ruben Fleischer o desempenho de Tom Hardy era uma das poucas coisas que funcionavam, visto que só ele parecia atuar propositalmente sério. Nesta parte dois a abordagem é muito mais focada na esquizofrenia e nos conflitos entre as Brock e o simbionte. Ao se dar conta disso e ler a sentença anterior, o leitor pode pensar ser um elogio, mas não, já que aqui se abraça a galhofa em demasia, inclusive no papel de Brock, ao passo que o filme nem sequer tenta soar como uma comédia.

    A equipe de roteiristas mudou, dos três escritores anteriores do filme de Fleischer ficou somente Kelly Marcel, que também escreveu Cinquenta Tons de Cinza, além de Hardy que escreveu com ela o argumento. Dado o tom de relação abusiva (que busca parecer romântica), não é surpreendente perceber semelhanças entre o que Christian Grey faz com o que é estabelecido aqui. Curiosamente Kasady parece ter inspiração em vilões dos filmes do Batman de Tim Burton, uma mescla entre o Coringa de Jack Nicholson e o Pinguim de Danny DeVito em Batman: O Retorno. Seu passado é mostrado de modo criativo, como uma singela pintura num quadro em branco. O espírito deste trecho faz lembrar produções como James e O Pêssego Gigante e Frankenweenie.

    Harrelson rouba a cena em boa parte de suas participações, aparentemente está à vontade em interpretar alguém com transtornos mentais e de personalidade. Harris não tem um desempenho positivo e as tentativas de repetir os clichês de Assassinos Por Natureza são pífias. Michelle Williams e Stephen Graham também não tem muito espaço para trabalhar, estão lá como meros enfeites.

    Depois das complicações com Mogli: Entre Dois Mundos, Serkis demorou a se reabilitar, certamente pensou que seria bom abraçar um projeto caro como este, mas para o seu azar a pandemia do novo coronavírus atravessou o tempo da estreia do longa. Venom foi um sucesso de bilheteria e mal falado pela crítica, este não foi tão massacrado pelos analistas, mas também não arrecadou tanto, portanto o diretor acabou saindo derrotado, o que é uma pena, pois seu desempenho não é ruim. As cenas de ação são boas, as batalhas de aliens certamente são a melhor coisa do longa, mas não são positivas ao ponto de salva-lo da mediocridade. Venom: Tempo de Carnificina tem um roteiro cheio de furos, tenta adaptar uma história do Homem-Aranha, mas sem o Homem-Aranha (?!), e o próprio percebe isso quando utiliza em sua cena pós-crédito uma tentativa de atrela-lo aos filmes do Tom Holland.

  • Crítica | 007: Nunca Mais Outra Vez

    Crítica | 007: Nunca Mais Outra Vez

    Durante o decorrer da década de 1980 várias obras infames ganharam projeção e publicidade em meio ao público médio, e sem dúvida, 007: Nunca Mais Outra Vez se destacou por fazer parte desse cenário. O filme que traria Sean Connery para seu papel mais famoso tem trama muito semelhante a 007 Contra a Chantagem Atômica e é fruto de uma briga judicial entre os escritores desse roteiro. Na trama, Bond recebe uma convocação para recuperar bombas nucleares roubadas pela organização Spectre, tradicionalmente presente nos livros de Ian Fleming.

    Para além da exibição, a obra é mais conhecido pela polêmica envolvendo os direitos autorais. Kevin McClory produtor e co-autor do roteiro do filme de 1965 ganhou ação na justiça dos Estados Unidos e pôde fazer seu próprio filme com o personagem desde que este fosse produzido após 1975. Nas discussões a respeito disso Connery sugeriu que o personagem estivesse de fato mais velho e maduro, mas a ideia foi descartada e fingiriam que ele era o mesmo personagem de sempre, mesmo com o intérprete já vivendo personagens mais veteranos, a exemplo de Robin e Marian, O Homem Que Queria Ser Rei e tantos outros.

    O filme não possui boa parte das marcas do personagem, como os créditos iniciais, a trilha musical, etc. Sobraram os personagens M, Moneypenny, Q e, claro, a organização Spectre. Irvin Kershner, diretor de O Império Contra-Ataca foi responsável por conduzir Nunca Mais Outra Vez. O filme tem como bondgirl principal a belíssima Kim Basinger, que tem seu corpo explorado de modo mais agressivo do que era comum aos filmes do espião britânico. Max Von Sidow como Blofeld, tem em sua ação uma abordagem semelhante aos filmes de brucutus, com violência mais franca e estética semelhante aos filmes de soldado. Em alguns pontos, as brigas lembram o visto em Rambo: Programado Para Matar.

    O filme é repleto de momentos bobos, como quando o herói derrota um brutamontes após jogar um líquido estranho, que parecia ser ácido, para depois descobrirmos se tratar da urina do espião. O filme ainda chega ao cúmulo de ter Rowan Atkinson, intérprete do clássico personagem Mister Bean, que anos mais tarde faria Johnny English, uma paródia aos clichês de 007.

    Reza a lenda que McClory desejava que esse fosse apenas um de uma nova série de filmes do agente britânico, mas essa intenção não se materializou. Durante os anos 90, sua intenção era refilmar essa mesma história com o título Warhead 2000, e chamaria Timothy Dalton para fazer Bond, porém a justiça americana freou esse projeto. A julgar pela qualidade deste, foi melhor assim. Para Connery o filme ainda causou sensações mistas. Ao passo que ele recebeu o maior cachê pago a um ator britânico até a 1983, ele também conseguiu quebrar seu pulso, enquanto ensaiava uma coreografia de luta com o instrutor Steven Seagal.

    Nunca Mais Outra Vez desperdiça o talento de Klaus Maria Brandauer, ator austríaco acostumado a papéis mais dramáticos e que aqui parece um bobo alegre. Além disso, o roteiro é fraco, as atuações são genéricas, a música tema é pouco marcante, e nem ao menos os cenários remetem às histórias de Fleming.

    https://www.youtube.com/watch?v=0RIICiAaEwI

  • Crítica | Matrix Revolutions

    Crítica | Matrix Revolutions

    Crítica Matrix Revolutions

    Matrix Revolutions é o terceiro filme da saga idealizada pelas irmãs Wachowski, e carrega muitas expectativas, em especial, ter que fechar as pontas soltas de Matrix Reloaded, dar sequência aos conceitos filosóficos primordiais de Matrix e pincelar questões ligadas a aceitação de gênero. Todas essas resoluções teriam de ocorrer em pouco mais de duas horas. Se perder em meio a essas demandas é fácil.

    Filmado em conjunto com Reloaded, o longa se inicia em um cenário de limbo, com o Neo (Keanu Reeves) aguardando seu destino enquanto seus amigos tentam resgatá-lo, num conceito bem mais filosófico que as brigas envolvendo Trinity nos dois primeiros. Este trecho é obviamente um paralelo com o purgatório, lugar onde as almas se preparam para o julgamento de danação ou paraíso segundo a fé cristã católica. Este momento serve para lidar com a obsolescência dos programas, e para ratificar o sentimentalismo e “humanidade” desses seres.

    Se a Matrix é programada para domar os homens e precisa se alimentar das emoções deles em um esquema de vida falso, mas que necessita ser congruente para quem nela vive, pode-se dizer que é preciso sensibilidade para equilibrar tudo. Se as máquinas têm anseios e sentimentos, seria natural que os programas do simulacro também fossem igualmente sentimentais, que tivessem desejos e inseguranças. O conceito de um casal de programas, querer que sua filha (Sati) viva apesar da programação de destino fatal relegado a eles faz sentido, e conversa bem com o segmento O Segundo Renascer, do compilado de animações Animatrix, lançado em 2003. Se conceitos relacionados ao potencial de Merovingio e Persephone são abandonadas nesta parte, essa questão é um ponto positivo, e conversa bem com a condição do Agente Smith (Hugo Weaving), já que após sua derrota ele se reinventa, e age como um vírus predatório. Esses programas buscam viver a todo custo, assim como Roy Batty em Blade Runner, buscam se adaptar e seguir vivos, mesmo que essa condição comprometa o funcionamento básico da matrix.

    O subtexto mais rico certamente tem a ver com a transição de gênero. A jornada de Neo não é só um paralelo com Cristo, há a percepção que sua identidade no mundo real também não é “verdadeira” quanto deveria ser. Para muitos, o fato dele ter poderes fora da Matrix é incongruente ou é a demonstração cabal de que Zion era outra camada de simulação, hoje faz  mais sentido comparar isso com a descoberta da identidade, no caso de Neo sua relação com os poderes, enquanto para as diretoras têm toda a conotação de gênero. A Matrix não permite que Neo tenha poderes não por ele estar acima do código-fonte, mas por conta das habilidades que ele sequer tem consciência. Para acessar essa condição, Neo precisou se entender, descobrir quem ele era, assim como ocorreu com as cineastas anos depois.

    Da parte da ação houve um salto de qualidade. Os confrontos melhoraram muito entre Reloaded e Revolutions, inclusive no que toca o agente Smith. Foram utilizados mais dublês e efeitos práticos, além de mais cenas noturnas que disfarçam melhor as fragilidades dos efeitos em computação gráfica. Outro bom ponto são as batalhas em Zion, que lembram animes de mechas e robôs gigantes, tais como Gundam. Aqui também se dribla a máxima de batalha em várias frentes carente de emoção, diferente de outros filmes, é fácil ter empatia pelos humanos nessas lutas.

    Essa terceira parte também faz justiça a Niobe (Jada Pinkett Smith). Sua jornada é bem pontuada e mesmo com pouco tempo de tela se percebe a difícil decisão que ela teve que tomar. Trinity também é valorizada, sua relação com Neo é mostrada como um grande pilar na franquia, e Carrie-Anne Moss está de novo muito bem.

    Matrix Revolutions não é um fechamento ideal, mas a decisão de Neo em estabelecer a paz entre os dois povos guerreiros é sábia, mostra que seus poderes enquanto paralelo de Cristo não são só de onipotência, mas também de conhecimento e sabedoria, finalizando bem seu papel de sacrifício. Ao menos nesse ponto o roteiro seguiu tão inspirado quanto o filme original, e certamente essas continuações seriam melhor construídas caso houvesse um espaço de intervalo maior entre elas.

  • Crítica | Matrix Reloaded

    Crítica | Matrix Reloaded

    Crítica Matrix Reloaded

    Matrix foi um sucesso estrondoso e mudou os paradigmas do cinema de ação. Natural que continuações surgissem, e em 2003 Matrix Reloaded foi anunciado em conjunto com sua continuação, Matrix Revolutions, ambos gravados simultaneamente. Segundo as irmãs Wachowski, a história sempre foi pensada para ser uma trilogia, embora o primeiro filme tenha um fechamento satisfatório.

    O início desse remete ao primeiro, com uma cena de ação com Trinity (Carrie-Anne Moss) em um momento de perigo iminente, com uma possibilidade de fracasso ligeiramente provável. Essa sequência é breve, e serve para mostrar que as lutas com arame seguem bem feitas e, em contrapartida, também prevê o uso de computação gráfica mais extensivo nessa parte da saga, quase sempre com problemas.

    No primeiro filme, a cidade dos humanos, Zion, é apenas citada. Já aqui é um cenário grande, belo à sua maneira, mesmo que seja paupérrimo, com famílias amontoadas em pequenas baías que se assemelham ao cenário favelizado dos morros cariocas e em diversos outros lugares suburbanos nas metrópoles do mundo. A liberdade de escolha tem um preço.

    Muito se reclama a respeito dos roteiros das sequências, mas a realidade é que os paralelos com as mitologias e religiões segue sendo um ponto bem explorado. Entre eles está na adulação que boa parte dos habitantes de Zion fazem a Neo, tratado realmente como uma figura divina, inclusive com sacrifícios e oferendas. A reação que Keanu Reeves tem a esses momentos de agradecimento surpreende pelo desempenho do intérprete, conhecido por não ter dotes dramáticos tão valorosos, a exemplo de Drácula de Bram Stoker, mas o destaque maior está obviamente na referência ao culto a personalidade, denunciado por Cristo, mas tão presentes nas religiões.

    Outro fator é a figura de Morpheus como o profeta que prepara a vinda do Messias. Laurence Fishburne ratifica e evolui sua variação de João Batista. Tal qual era o primo carnal de Cristo que anunciava a vinda do Escolhido à Terra, ele segue auxiliando o Salvador. Batista vivia no deserto se alimentando de gafanhotos e mel, enquanto Morpheus no primeiro Matrix se alimenta sem luxos, de forma precária e ainda arrasta os seus seguidores da Nabucodonosor a fazer o mesmo. Aqui outro sacrifício também é mostrado, já que ele abriu mão da relação com Niobe (Jada Pinkett Smith), cortando os vínculos carnais.

    Há muitos bons conceitos, como a expansão dos programas, representados de forma complexa, com anseios humanos, como também os novos personagens introduzidos que ajudam a expandir a mitologia da série de filmes, ainda que muitos deles não tenha nenhum aprofundamento. Outro destaque fica para as cenas de ação, em especial a de perseguição na auto-estrada, certamente o ápice emocional do filme. O segmento põe à prova toda a extensa preparação do elenco que durou oito meses, e isso é visto nos momentos de luta, como nos choques de carros e perseguições que resgatam os clássicos Bullit e Operação França, em um circuito de cinco quilômetros, feito exclusivamente para a produção.

    Há muitas fragilidades no filme, em especial o primeiro embate de Neo com a nova versão do Senhor Smith. Um produto que foi tão bem cuidado não merecia uma computação gráfica tão artificial quanto esta, e isto resume os problemas de Matrix Reloaded, um produto mal-acabado tecnicamente, imaturo enquanto história solo e pouca dramaticidade. Tudo parece mecânico e presunçoso, e essa é uma história de homens, não de máquinas.

     

  • Crítica | Animatrix

    Crítica | Animatrix

    Crítica Animatrix

    Após o sucesso de Matrix muito se produziu a respeito desse universo. O longa cooperativo Animatrix certamente foi a mais acertada dessas empreitadas e gerou uma certa unanimidade entre os aficionados pela obra das irmãs Wachowski. A produção reúne nove histórias curtas conduzidas por mestres da animação japonesa, segmento que inspirou demais o roteiro e abordagem visual vista do filme de 1999.

    O Voo Final de Osíris, começa com uma batalha de espadas simulada entre um casal que tripulam a nave Osíris. O segmento eleva o conceito da Mulher de Vermelho para algo além. Se no filme das Wachowski o personagem Mouse fantasiava com sua criação, aqui há um paralelo com o sexo já na introdução, com os personagens usando suas lâminas para simular um combate, mas também para tirar a roupa um do outro, mostrando que a liberação da libido é um elemento fundamental nessa saga.

    A ação  não demora a ocorrer, com um ataque de Sentinelas a Zion e a animação em 3D funciona à perfeição, ao contrário de Matrix Reloaded, méritos claros a Andrew R. Jones que trouxe a equipe responsável pelo filme  Final Fantasy, e conseguiu mostrar suas qualidades — anos depois ele ganharia o Oscar de efeitos visuais por Avatar e Mogli: O Menino Lobo.

    As acrobacias, violência e a ideia da rivalidade entre homem e máquina ganham muito sentido aqui, e esse é sem dúvida o modo ideal de explorar o universo de Matrix. As histórias curtas e com personagens que não estão nos filmes dá a dimensão de como esse mundo é único.

    Outro bom segmento é O Segundo Renascer. Seu início é psicodélico, abusando de cores gritantes para mostrar o começo dos conflitos dos autômatos com a humanidade. Retirado dos arquivos de Zion, se nota que a revolta dos mecânicos se deu por conta da escravidão. Questões como segregação são levantadas e mostradas de maneira simples e sem rodeios.

    O curta, dirigido por Mahiro Maeda, conhecido por Blue Submarine Nº. 6 tem bons elementos de ficção científica, fazendo alusões a conceitos de Isaac Asimov, ainda que referencie a revolta das máquinas, algo que o autor de Fundação não gostava de abordar, mas aqui além de ser palatável ao grande público, ainda evita arquétipos bobos ou maniqueístas.

    Há elementos de temática samurai no segmento Era Uma Vez um Garoto, de Shinichiro Watanabe, e O Robô Sensível, de Peter Chung. Cada um deles se dedica a desmistificar o universo de Matrix, tornando-o menos pueril, mostrando que na briga entre humanidade e máquinas, não há apenas um lado certo, e sim uma complexa e intensa relação problemática.

    Animatrix expande o universo e gera boas discussões. Um bom exercício imaginativo e especulativo, e poderia ser repetido mais vezes, de maneira estendida como há muitos anos se promete.

  • Crítica | O Homem nas Trevas 2

    Crítica | O Homem nas Trevas 2

    Lançado no ano de 2016, o primeiro O Homem nas Trevas foi uma grande surpresa pela sua qualidade e um sucesso. Produzido pelo mestre Sam Raimi e dirigido por Fede Álvarez, o longa contava a história de um grupo de jovens ladrões que invade a casa de um homem cego indefeso em busca de um suposto dinheiro que ele ali guarda. Porém, de indefeso o homem não tinha nada.

    A produção teve um custo de cerca de 10 milhões de dólares e arrecadou uma cifra próxima de 160 milhões de dólares. Com um filme de altíssima qualidade que obteve um lucro absurdo, era óbvio que uma sequência não demoraria a ser lançada. Tendo sido filmado todo na segunda metade do ano de 2020, O Homem nas Trevas 2 foi lançado em 2021 com Rodo Sayagues substituindo Fede Álvarez na direção e mais uma vez com roteiro assinado pelos dois. Entretanto, enquanto o primeiro filme se apresenta quase como um slasher onde o antagonista cego surge como uma ameaça imparável, nesse segundo o roteiro o transforma em protagonista e dá uma guinada inexplicável rumo à redenção do personagem, o que provoca enorme estranheza no espectador.

    Na trama passada oito anos após os eventos do primeiro filme, o veterano navy seal cego Norman Nordstrom está morando com sua filha de onze anos ainda nos arrasados subúrbios de Detroit. Com convivência social restrita ao máximo, a garota é criada pelo pai para se tornar uma sobrevivente. Entretanto, ao dar um passeio com uma veterana de guerra que trabalha como florista e também é o mais próximo de um amigo que Norman conhece, a garota tem um tenso encontro com um traficante de drogas em um posto de gasolina. Esse encontro acaba tendo péssimas repercussões, com a gangue sendo sequestrada e cabendo a Norman resgatá-la.

    O primeiro grande erro do filme é eliminar o elemento claustrofóbico que seu predecessor possuía e tentar inverter a perspectiva. Na primeira película, Norman estava completamente em seu domínio, o que elevava a tensão ao máximo, pois acompanhávamos a luta do grupo de ladrões para sobreviver em um lugar sem nenhuma luz, onde eles não conheciam absolutamente nada, enquanto eram caçados por alguém extremamente inteligente e implacável. Entretanto, nessa segunda película, tal elemento ocorre por alguns minutos, mais precisamente na sequência do sequestro da garota. Infelizmente esse aceno ao original dura pouco e logo depois somos apresentados a Norman tendo que cair no mundo e ir a lugares estranhos para tentar achar a garota. Isso poderia ser bem interessante, porém o que temos é o personagem resolvendo tudo de maneira extremamente tranquila, praticamente sem nenhum desafio. Nos momentos onde Norman precisa enfrentar inimigos, seu comportamento ao super-herói cego Demolidor, ainda que com instintos homicidas.

    O outro grande erro do filme é a tentativa de criar uma jornada de redenção para o personagem. No original, fica mais do que claro que Norman é um personagem extremamente vil, ainda que um fato traumático tenha sido um gatilho para seu comportamento. Porém, desde o primeiro momento fica apontado que isso não é justificativa para ele ser como é. Já nesse segundo filme, o diretor/roteirista insere alguns momentos de ternura entre o protagonista e a garota, além da sua jornada para resgatá-la, com o único intuito de despertar simpatia no espectador. Entretanto, essa guinada beira a canalhice, tendo em vista que no primeiro filme é mostrado que o personagem sequestrou, torturou e cometeu violência sexual contra uma mulher. Mesmo com ele reconhecendo para sua filha adotiva que é um monstro, o estrago da tentativa de redenção já está feito.

    Como ponto positivo, o diretor Sayagues demonstra ter aprendido bem com seu amigo Fede Álvarez a direção de cenas de suspense e ação. Ainda que fugazes, elas são bem conduzidas e eficientes. As cenas de combate são muito bem coreografadas e extremamente brutais, exigindo muito comprometimento do ator Stephen Lang e da equipe de dublês. Aliás, Lang entrega outra vez uma ótima interpretação, mesmo que dessa vez o roteiro mais comprometa do que ajude.

    É compreensível que a equipe criativa por trás de O Homem nas Trevas 2 não quisesse entregar mais do mesmo. Porém, ao se desviar demais do original e tentar estabelecer uma nova dinâmica para um personagem imperdoável, entregaram um filme que apesar de ter cenas eficientes de ação e suspense, desperta incômodo e até mesmo afastamento no espectador.

  • Crítica | Um Homem de Família (2000)

    Crítica | Um Homem de Família (2000)

    Um Homem de Família traz a história de Jack Campbell (Nicolas Cage), um bem-sucedido corretor milionário que em 1987, abriu mão da relação com sua namorada de faculdade, viajando rumo a Londres para uma vida bem diferente do que tinha até então. Na noite do dia 24 de dezembro de 2000, após receber uma ligação da mesma Kate que ele abandonou, ele segue seu dia normalmente, mas curioso a respeito de como poderia ser sua vida caso seguisse com ela.

    Essa é uma versão que tenta modernizar histórias natalinas, como Um Conto de Natal, de Charles Dickens, com pitadas referenciais ao clássico de Frank Capra, A Felicidade Não Se Compra. O lúdico invade a trama que até então parecia cínica e vaidosa, que em um momento de tédio e vazio existencial pensa nas alternativas que sua vida teve. A materialização da mudança, após o personagem interromper um assalto resulta em uma estranha fantasia que se vale até do arquétipo do negro místico, interpretado por Don Cheadle, e coloca o herói da jornada em situações bem distantes daquela rotina de antes.

    Cage já havia trabalhado com grandes diretores, ganhado um Oscar por Despedida em Las Vegas, além de protagonizar grandes filmes de ação como A Outra FaceA Rocha, ou seja, estava no auge de sua carreira. Brett Ratner era conhecido por seu trabalho nas comédias Tudo Por Dinheiro e A Hora do Rush, o que pode ter motivado Cage a participar do projeto, aliado a outras discussões existentes no roteiro de Um Homem de Família, como o próprio consumismo e a hipocrisia típica do período.

    A comparação entre às duas vidas de Jack é absurda, em uma ele tem a realização profissional, na outra é a completa ruína do ponto de vista financeiro. A lição que lhe é dada poderia ser curta, mas ele é individualista, obcecado por ter tudo de volta. Nem mesmo simples manifestações de afeto são encaradas por ele como algo normal. Ele é ríspido até mesmo com a sua filha menor, e demora a enxergar afeição nos pequenos momentos.

    A negação dele é tão intensa que faz o espectador perguntar se os primeiros momentos do filme não eram um devaneio, e se sua vida, na verdade, não é a de um homem ordinário, ambicioso, mas preso a uma rotina medíocre, agravada por uma crise de meia-idade.

    O drama é vagarosamente desenvolvido, e mesmo em meio a negação de Jack, a maior riqueza da trama ainda é a relação dele com Kate. Se Cage consegue apresentar uma boa versão do homem insatisfeito, Téa Leoni é deslumbrante visual e espiritualmente. Os poucos momentos que Campbell se permite ter prazer é quando está com ela, mesmo nas crises normais da vida adulta média, quando ele se enxerga como casal com a mulher que jurou amar e cuidar ele parece estar completo.

    A vaidade e teimosia do protagonista seguem grandes em todo o filme e sua tentativa em corrigir a rota mostra que ele dificilmente entenderá a lição que querem lhe passar. Ele só se vê como um homem de negócios. O compromisso que ele parece ter é com o dinheiro e somente isso.

    Para todos os efeitos, Jack é humano, e se nega a aceitar qualquer uma de suas versões. Quando tem a família, ele deseja a riqueza, e quando vê essa riqueza se aproximar, ele não quer perder Kate e tudo que veio dessa união. Ele não é iluminado, ao contrário, é burro e fútil, já Kate, na versão fantasiosa parece ser evoluída, e até no mundo dito real, parece ser mais generosa que seu possível par.

    Um Homem de Família é um conto sobre maturidade, sobre lidar com as escolhas que a vida oferece, como se permitir construir algo com quem ama, mesmo que esse dia-a-dia não seja repleto de luxos. A mensagem anticapitalista seria bem empregada, não fosse pelo final conveniente para os anseios dos personagens, e é uma lástima que um filme tão reflexivo termine tal qual uma comédia romântica água com açúcar. No entanto, o restante da jornada para chegar a essa conclusão é válida, afinal, Kate e Jack são apenas seres humanos, capazes de escolher mal seus próprios destinos, como qualquer um de nós.

    https://www.youtube.com/watch?v=vy5pt3FT5Tk