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De Minas Gerais, Baixo Centro é um longa de Ewerton Belico e Samuel Marotta que começa com a andança de Djamba interpretado por Marcelo de Souza e Silva, ao som dos tambores que tocam no ritmo dos Ogãs, prenunciando o drama com elementos das religiões afro brasileiras que ocorrera ali.

Logo , aparece Robert , o personagem do sempre brilhante Alexandre de Sena, e ele encontra Teresa, uma menina bonita que está nos arredores de um baile de rua que toca rap nas alturas. A moça é feita por Cris Moreira. Logo, aparecem outros personagens, pessoas tão perdidas quanto esses primeiras, gente que não o rumo de seu próprio futuro.

O hiper naturalismo de Belico e Marotta é embalado também pelos funks tocados durante as andanças dos personagens, onde a maioria das letras dessas músicas tem um discurso consciente e de protesto. Isso acontece sobretudo nas cenas que tem casais no centro das atenções e diálogos entre os jovens.

Quando andam sozinhos, os personagens são perseguidos com uma câmera que não os apressa e que só observa o lento caminhar desses, algumas vezes acompanhado de uma música instrumental alta, denunciando ou perigo ou angústia, embora essas promessas não se cumpram em meio aos 80 minutos de exibição.

Baixo Centro tem um desfecho que mira um certo ideal poético, com uma justaposição de rostos em tela que tem o intuito de mostrar que os destinos dos personagens são bastante parecidos, independente até dos rumos que eles dão para os seus atos, mostrando que fatores externos como o social e as forças das autoridades tem peso sim dentro das suas rotinas pessoais. O texto de Belico e Marotta tenta mostrar seus personagens lidando com as frustrações e dificuldades típica da era moderna, mas não consegue chegar a grandes conclusões em meio a observação contemplativa que faz de todas essas situações, e do fracasso que é a tentativa de socializar dentro das grandes cidades, pois as maiores formas de afeto mostradas no filme e na realidade tangível, acontecem em pequenos grupos, geralmente de casais e não em coletivos como se deveria intuir em um grande cidade que reúne tantas milhares ou milhões de pessoas.

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De  Gregorio Gananian, Inaudito é um longa metragem que mira ser  um filme ensaio, a respeito do lendário guitarrista Lanny Gordin, o mesmo que eletrizou Gal Costa, Caetano Veloso, Jades Macalé e companhia, e o modo com a historia é contado varia entre a narração do mesmo e imagens dos lugares que ele julga importantes para a sua carreira. Em suma, é um filme itinerante.

Já no começo, Gordin toca a música Eu Nasci na China, repetindo que o nome dela se dá por seu local de nascimento. Isso pode parecer obvio para quem o conhece e talvez desimportante para o leitor, mas fato é que Gananian bate nessa tecla o tempo inteiro, para entender Lanny é preciso saber que ele é um cosmopolita, um homem do mundo, capaz de representar esse caráter globalizado no bom sentido em seu trabalho e música.

O exercício de linguagem lembra bastante outra obra, Sutis Interferências da Paula Gaitan, que fala a respeito de Arto Lidnsay, inclusive na forma de passar as informações e sensações de seus filmes. Nesse ponto, a dificuldade de se expressar por palavras que Gordin tem serve ao filme, dando ele um tom dramático e que exige atenção, ao mesmo tempo que torna ele um pouco complicado para apreciar. Esse é um filme que não deveria passar em uma sala de cinema comum, e sim em uma experiência mais sensorial

Ao mesmo tempo em que o filme se excede por ser refém de sua formula, a representação da facilidade que o biografado tem em tocar quase qualquer instrumento e estilo é muito bem representada, assim como a sensação de que a arte em sua forma bruta não é entendido pelas pessoas normais.

Gananian conduz um que filme que filosofa muito, que é espiritualista e conversa com a memória / espírito de ícones musicais (algumas vezes até de maneira literal, como é com Jimmy Hendrix, onde Lanny demonstra sua admiração), e no sentido de falar em legado,  Inaudito acerta demais, apesar de claramente ser longo demais sua exposição e exploração, ainda assim, é uma obra forte.

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A surpresa por traz de O Chalé é Uma Ilha Batida no Vento e Chuva é enorme, pois seu começo de certa forma não faz jus a toda a complexidade de texto e de atmosfera que o decorrer do filme trará. A ideia por trás dessa história veio do desejo da diretora, Leticia Simões em retratar um pouco da vida e obra do romancista Dalcidio Jurandir. Para isso, ela decide viajar até o Pará praticamente sozinha em um lugar que mal tem sinal de celular para tentar capturar um pouco de quem era Dalcidio.

O documentário não se apega a muitas fórmulas e ao invés de perguntar às pessoas o que elas achavam de Dalcidio, basicamente mostram os lugares que ele frequentou acompanhado de seus textos. A investigação passa por escolas do Pará, onde são entrevistados alunos e professores e há um interesse genuíno pelas perspectivas de vida dessas pessoas. A reflexão sobre a educação acaba sendo não só local, mas nacional, e desata alguns nós e dúvidas bem específicas. Uma professora diz que boa parte dos pais prefere colocar os filhos para trabalhar ao invés de estudar, enquanto outros profissionais falam de algo óbvio que é o desrespeito que boa parte dos alunos tem em sala de aula.

Os versos de Dalcidio são ótimos e bem escolhidos. A justaposição das imagens com o som de suas palavras é muito boa mas em alguns pontos a narração não soa tão acertada soando inclusive burocrática. Apesar de Simões ter uma voz boa, em alguns momentos soa excessivamente lento, mas em tanto outros a leitura é intensa, e mesmo quando não está perfeito ainda há naturalidade. As divagações sobre literatura e como fazê-las agrega demais às imagens coletadas. Algumas cenas claramente tem as lentes sujas e colabora com o longa, já que conversa com um cinema de verdade, feito com baixo custo, suor, esforço e muito trabalho.

Há um ternura muito forte e a captação do trivial que a diretora faz condiz demais com o que fala a obra de Dalcidio. As cenas por dentro do rio, nas águas do arquipélago de Marajó filmadas a partir de uma jangada são de um primor tremendo e o resultado final de O Chalé é Uma Ilha Batida no Vento é uma celebração à vida no norte do país, além de evocar a memória de Dalcidio de maneira muito tocante, talentosa e bela.

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O filme de Lucas Camargo e Nicolas Thomé Zelune começa com uma narração em off, enquanto a imagem vai lentamente se abrindo, com um foco redondo mostrando uma gravura. O Pequeno Mal trata de relações e da dificuldade do homem se abrir com o outro, e se enxergar como parte de um coletivo. Essas sensações são passadas ao espectador principalmente pela vivência de João (João Paulo Bienemann), um garoto bastante distante até de seu parceiro, e de Janaína (Janaina Afhonso), uma menina epiléptica que cuidavam um do outro, e decidem morar juntos, a fim de sobreviver na capital paulista.

No noticiário televisivo, se fala de um incidente que ocorreu na estação de metrô de Pinheiros, quando ela ainda estava sendo construída, e tal situação de calamidade de certa forma conversa com o ideário pessimista e niilista de Janaína e João. O filme se dedica a uma melancolia típica das metrópoles urbanas e se vale desse sentimento bastante comum para tentar arrebatar seu público.

O filme tem uma linguagem que foge um pouco das fórmulas narrativas mais catedráticas, deixa muitos conceitos e respostas em aberto, e isso pode incomodar um pouco o público. Sua duração é curta de pouco mais de 70 minutos e não há gorduras no filme, todos os dramas apresentados são desenvolvidos na medida. A desolação de alma dos personagens é muito bem exemplificada, seja pelos problemas de saúde de um ou pela dificuldade do outro em se relacionar carnal e emocionalmente com quem quer que seja.

Os elementos fantásticos dos quais o filme se mune são mostrados normalmente em momentos em que não há como distinguir se são reais ou não, e a dualidade faz o filme crescer, em especial porque o trabalho da direção de arte remete a um período meio barroco, fazendo lembrar as primeiras produções dirigidas por Roger Corman (em especial as que adaptam Edgar Allan Poe) e algumas da Hammer Films (as que tinham Christopher Lee e Peter Cushing, principalmente), mas O Pequeno Mal é bem mais que apenas um filme de referências, e apesar de não ser perfeito, demonstra um belo potencial da dupla de diretores.

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Fôlego, do diretor Renato Sircilli foi um dos longas que correram os festivais de cinema nacional entre eles a 10ª Semana de Cinema. Sua estrutura narrativa mistura elementos entre a ficção e documentário, e seu começo envolve um dos personagens mexendo no computador, onde Nato acessa alguns programas.

Esse início, quase como um epílogo, guarda semelhanças espirituais com outro filme brasileiro dos últimos anos, o documentário A Vida Privada dos Hipopótamos, mas não demora a mudar seu caráter, mostrando seu elenco inclusive com rostos famosos. A conversa, por texto e áudio em alguns pontos, é entrecortada pelas interferências dramáticas, normalmente com vídeos de baixa resolução e tela pequena e em outras com qualidade maior preenchendo toda tela.

A questão de misturar elementos de ficção com documentário talvez confunda o espectador. Aparentemente, os personagens em tela não são pessoas reais, ao menos não ipsis literis, embora não se descarte a possibilidade de algumas situações terem realmente ocorrido, o fato é que o filme Fôlego existe dentro da narrativa metalinguística estabelecida, assim como quem assume o computador no começo é Nato, abreviação obviamente do nome do diretor, e mesmo o modo como o longa é fotografado lembra muito um estilo de documentário, como já foi utilizado até em filmes mais hypados, a exemplo de Tropa de Elite e Cidade de Deus, embora a linguagem de filme dentro do filme não impere nesses dois.

Bruno Monteiro, o rapaz com que Nato conversa se vê interagindo com Luciana Paes, que faz uma caixa de mercado que se interessa pelo trabalho teatral dele, e sua rotina envolve coisas simples cotidianas, como o registro de suas atividades físicas para expor nas redes sociais, seus almoços, idas às compras e até mesmo sexo grupal, ainda que esse último não se saiba se era algo natural ou proposto dentro do roteiro dramático. Essa mistura faz bem a obra, e gera curiosidade em como Sircilli construiu esse texto.

Durante a exibição, a fórmula de Fôlego se desgasta um pouco e o mirar em ser um objeto idílico faz o filme se perder um pouco nas divagações ultramodernas que propõe, ainda assim, há boas discussões e reflexões sobre a obsolência programada não só de produtos mas também dos homens e suas relações. O roteiro de Mariana Vieira, Moreno e Sircilli divaga demais e soa um pouco confuso, mas a beleza das imagens que Renato escolhe mostrar ajudam a tornar esse exercício de linguagem em algo singular.

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