Joe Wright – Vortex Cultural

Crítica | O Destino de uma Nação

12 de janeiro de 2018 by Filipe Pereira

Anthony McCarten, Gary Oldman, Joe Wright, Kristin Scott Thomas, Lily James, Segunda Guerra

O Destino de Uma Nação – cinebiografia que tem como foco a ascensão de Winston Churchill ao posto de Primeiro-ministro do Reino Unido – é o novo filme de Joe Wright (Desejo e Reparação, Peter Pan e Anna Karenina), que traz Gary Oldman muito bem enquadrado e inspirado em reproduzir a figura do controverso político.

A trama toda se passa no mês de Maio de 1940, quando Churchill era uma alternativa para o cargo de Primeiro-ministro, principalmente por conta dos acontecidos envolvendo a Segunda Grande Guerra. O filme mostra a rotina diária, familiar e metódica do personagem, em um tentativa de humanizá-lo ao mostrar seus muitos defeitos de convivência.

O filme de Wright se vale muito do lançamento de Dunkirk, de Christopher Nolan, já que que o roteiro de Anthony McCarten tem uma base forte na grande batalha de Dunkirk, inclusive com lamúrias e reclamações do personagem principal pelos motivos que fizeram a empreitada dar errado. O tema bélico faz parte das questões envolvendo a vida política do de Churchill, mas se gasta um tempo demasiado nesses desenvolvimentos, basicamente para esticar os momentos de tensão, onde invariavelmente Oldman vai bem, mas que em outros pontos, soa caricatural, tal qual Anthony Hopkins, em Hitchcock.

O uso da contagem de dias no mês de Maio é extremamente enfadonha, tal qual algumas necessidades de tornar literal situações que o personagem tem de passar. Ao ser aconselhado pelo rei Rei George VI (Ben Mendelsohn), Churchill vai ao metrô para ouvir o povo, e decide então seguir seu instinto, ao contrário dos companheiros de partido, Viscound Hallifax (Stephen Dillane) e Neville Chamberlain (Ronald Pickup), decidindo seguir em guerra contra o Eixo. Apesar de emocional, a cena é piegas e desnecessária.

O início de O Destino de Uma Nação é promissor, fazendo acreditar que seria emocional e econômico, e obviamente não chegando a um equilíbrio dessas duas condições, tendo um desfecho bastante melodramático e que remete a cinebiografias recentes como A Teoria de Tudo e O Jogo da Imitação, fato que surpreende, uma vez que o cinema do diretor costuma ser mais equilibrado nesse sentido.

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Crítica | Peter Pan

8 de outubro de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Garrett Hedlund, Hugh Jackman, J.M. Barrie, Joe Wright, peter pan, Rooney Mara

A intenção de Joe Wright em refilmar o clássico literário e de animação Peter Pan é bem clara, e muito ligada a sua filmografia, comumente retratando cenários suntuosos e tramas que primam pelo visual. Como em Anna Karenina e no curioso Hanna, este Pan de 2015 consegue exprimir nuances no imaginário do público, distantes demais do que a maioria dos espectadores sabe a respeito do rapaz que não cresce.

A trama se passa antes da época de As Aventuras de Peter Pan, filme animado premiado de Walt Disney, e se distancia muito da versão em live action da década passada, especialmente pelo esmero de seu diretor em dar ares de grandeza ao conto. Levi Miller dá vida ao personagem-título de uma maneira interessante, apoiado em um roteiro que apela para orfandade, claramente no intuito de universalizar ainda mais sua história. Pecados de clichês à parte, os defeitos do filme passam longe da personificação do ator mirim.

Os efeitos especiais da trama são ligados às coincidências e às uniões que Pan faz ao chegar a Terra do Nunca. A construção de cenários e atmosferas do lugar mágico são curiosas, misturando pop, anarquia e crossdresser, fatores que fazem do caricato Barba Negra de Hugh Jackman um personagem que não prima pelo conteúdo, mas que funciona em quase todas as vezes em que é acionado, especialmente nos momentos musicais, onde os renegados entoam hinos grunge e punk.

No entanto, a personificação de James Hook poderia ser melhor trabalhada. Garret Hedlund não tem qualquer carisma – vide Tron O Legado e Na Estrada – a ponto de seu personagem não dizer nada absolutamente ao público. Quando ele não está em tela, quase não se sente sua falta. A ausência de qualquer complexidade em seu comportamento o torna genérico, como qualquer anti-herói que se vira para o “lado do bem” repentinamente. O cuidado em construir um 3D que acrescenta á trama passa longe de ser o mesmo na atmosfera em volta do pretenso Capitão Gancho, pouco fazendo crer que ele se tornaria o antagonista de uma possível continuação.

Apesar de tropeços na construção de cenários da terra dos nativos, onde habitariam os Garotos Perdidos e onde habitam aves esdrúxulas que mais lembram pokemóns deformados, não há muito a se lamentar. As escolhas para retratar a matança de seres místicos são tão inocentes que beiram a poesia. Wright mais uma vez abusa das cores, o que faz pensar em certa ambiguidade de seu texto, referenciando não só à psicodelia, como também ao flerte com questões graves, como dislexia infanto-juvenil. Peter Pan não consegue o intento de ser uma obra-prima, em razão de algumas licenças textuais ruins, mas funciona como versão em carne e osso de uma história conhecida por ser animada, especialmente em comparação com as péssimas adaptações recentes, como Branca de Neve e o Caçador, Alice No País Das Maravilhas, Cinderela e o musical Caminhos da Floresta.

Crítica | Orgulho e Preconceito

26 de setembro de 2015 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Jane Austen, Joe Wright, keira knightley

Nascida e criada no interior da Inglaterra, a escritora Jane Austen produziu narrativas que analisavam com ironia refinada os costumes de sua época, transformando suas personagens femininas em representantes que se diferenciavam pela inteligência e percepção. Uma de suas obras mais lidas, Orgulho e Preconceito, ressurgiu nas telas em 2005 em nova adaptação marcando a estreia de Joe Wright em longas-metragens e o início de sua parceria com a atriz Keira Knightley.

A narrativa de Orgulho e Preconceito poderia ser confundida com um romance histórico, não fossem suas personagens bem delineadas. Aliado a elas, o estilo de Austen promoveu elogiados romances. A adaptação de Deborah Moggach para as telas mantém a vivacidade das personagens, abrangendo com qualidade as aproximadas 400 páginas do romance e alinhando-o a um estilo cinematográfico. A passagem de tempo é feita de maneira natural e implícita, modificando uma das bases do romance moderno, a dilatação temporal, em uma linguagem visualmente acessível, ainda mais quando o tempo é primordial para a história.

A estética escolhida nas cenas visam demonstrar o núcleo familiar, e Wright faz bom uso de cenas filmadas em steadycam, dando agilidade – e certa euforia – a uma casa formada por seis mulheres. O tempo e o espaço são primordiais para representar a espera das personagens e a composição do ambiente. O título da obra revela a estrutura básica das personagens que transitam no romance central, sem saber definidamente de quem é o orgulho ou o preconceito. Elizabeth Bennet é a mais lúcida das irmãs da família, ao mesmo tempo que sua inteligência é uma armadilha para o preconceito. Enquanto Sr. Darcy, um dos personagens mais cativantes e cultuados da literatura, é dúbia e charmosa, sem sabermos de antemão se sua atração pela garota é refreada por não estarem na mesma camada social ou por um orgulho interno.

Sem sombra de dúvida, trata-se de uma história de amor. Conduzida pela pena de Austen, a história não só faz da época um pano de fundo como transforma-a em um personagem coletivo representado pelas irmãs desenfreadas, a matriarca preocupada com o futuro das filhas à procura de bons partidos e outros tipos que personificam uma imagem assertiva e impositiva do século XIX.

Em cena, Knightley demonstra amadurecimento neste papel dramático e um physique du rôle que a fez se dedicar a diversos papéis de época após esta interpretação, e se tornar estrela de outras produções posteriores de Wright. Seu carisma é fundamental para dar credibilidade aos conflitos de Elizabeth e ao embate amoroso desenvolvido durante a narrativa.

A personagem Lisbeth é uma libertária por definição. Deseja sair das amarras obrigatórias do casamento arranjado para procurar a liberdade de escolher quem deseja. O amor é uma transgressão, e a união de um casal improvável também representa uma ruptura para a época. Não à toa ela é o enfoque da história, e não suas irmãs, representadas como mais frívolas e despreocupadas com o amor como liberdade.

O estilo de Austen, mantido nas cenas, demonstra a excelência desta adaptação em não desfigurar a base do romance ao mesmo tempo que estrutura uma linguagem cinematográfica apurada. Uma obra que, devido à sua qualidade, também merece destaque como exemplo de versão definitiva de uma grande composição literária.

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Crítica | Anna Karenina

4 de abril de 2013 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Anna Karenina, Joe Wright, Jude Law, keira knightley, Liev Tolstoi

Joe Wright é famoso por suas adaptações literárias: nos últimos anos ele dirigiu Orgulho e Preconeito, Desejo e Reparação e agora Anna Karenina.

Adaptado do clássico de Tolstoi, o filme conta a história de Anna, uma mulher casada da alta sociedade de São Petersburgo que se apaixona por um jovem militar e acaba sendo levada a ruína. O romance se estende por mais de 800 páginas e é quase um tratado sobre o amor, a felicidade doméstica e os costumes da Rússia do século XIX.

O primeiro acerto de Wright é abandonar essas pretensões e condensar a história: ele reduz ao mínimo a importância dos personagens secundários e das histórias laterais e se foca na relação de Anna e Vronsky. Uma sensualidade explícita, ausente do original, e o bom trabalho de atuação dos protagonistas confere intensidade ao que já é uma das histórias de amor mais emblemáticas da literatura mundial.

Na verdade, boa parte da eficiência do filme se deve a adequação dos atores: embora nenhuma atuação seja excepcional (talvez o maior destaque seja para Aaron Taylor-Johnson como Vronsky) eles encarnam bem seus personagens e aquilo que eles representam na história.

Além do foco no casal principal, Wright torna Anna Karenina mais adaptável ao abrir mão de qualquer naturalismo. A trama se passa em um palco e a movimentação dos atores é teatral e coreografada. Não se trata mais de uma análise da natureza humana ou uma investigação sobre o casamento, é uma história de amor, épica, trágica e fantástica. Essa impressão é reforçada pelos figurinos e pela direção de arte, que criam uma Rússia quase de contos de fadas, uma terra distante, fria e maravilhosa.

No entanto, por mais que o diretor se esforce em fazer a narrativa caber no filme, Anna Karenina tem problemas de ritmo: a ação é corrida e a narrativa acaba cheia de pontas soltas. A rapidez também acaba tornando raso o desespero final da personagem e seu suicídio parece quase gratuito.

No final, Anna Karenina é um bom filme e uma boa adaptação, Wright confia em seus atores e na riqueza visual e tenta contornar as nuances psicológicas (que são justamente o problema em seu Desejo e Reparação). Não é uma obra prima, mas é uma história de amor bem contada, intensa e comovente e um filme visualmente impressionante.

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Texto de autoria de Isadora Sinay.

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Crítica | Anna Karenina