Hiroyuki Sanada – Vortex Cultural

Crítica | Vida

9 de junho de 2017 by Bernardo Mazzei

Alien, Daniel Espinosa, Hiroyuki Sanada, Jake Gyllenhaal, Paul Wernick, Rebecca Ferguson, ryan reynolds, Seamus McGarvey

No espaço, ninguém pode ouvir você gritar. Em 1979, Alien: O Oitavo Passageiro chegou aos cinemas com esse slogan. Principal expoente do “terror espacial”, o filme dirigido por Ridley Scott gerou uma série de homenagens, cópias e outros sub-produtos. Nenhum deles se equiparou ao original, no entanto, inegável mencionar que algumas dessas produções ganharam certo destaque ao seguir o modelo estabelecido pelo clássico de Scott. Vida, dirigido por Daniel Espinosa, é uma dessas produções.

Na trama, seis cientistas a bordo da Estação Espacial Internacional obtêm de volta uma sonda problemática que foi à Marte em busca de evidências de vida. Ao analisarem o material, descobrem uma forma de vida unicelular que estava presente no solo do planeta vermelho. Batizado de Calvin, o organismo passa a reagir a estímulos externos e evolui de forma assustadora até se tornar um ser complexo e de instinto assassino. Após fugir do laboratório, Calvin passa a caçar um a um dos cientistas, mostrando ser uma ameaça terrível que não pode chegar à Terra.

O roteiro escrito por Rhett Reese e Paul Wernick (dupla de Zumbilândia, Caça aos Gângsteres e Deadpool) não propõe grandes questionamentos filosóficos, ainda que ouse uma pincelada rápida na questão acerca de estarmos ou não sozinhos no universo. Percebe-se desde o início que a intenção é o entretenimento puro e simples, uma vez que situações eletrizantes ou de suspense vão se encadeando rapidamente dentro do filme. Entretanto, isso acaba por diminuir o impacto de alguns acontecimentos e faz com que o espectador não sinta a menor simpatia pela maioria dos personagens, pois há pouco ou nenhum desenvolvimento da maioria deles. Só Jake Gyllenhaal e Rebecca Ferguson ganham uma atenção especial. O cientista Hugh, vivido por Ariyon Bakare tem um breve momento para que suas motivações sejam explicitadas, mas rapidamente é esquecido. Há de se ressaltar também, que o roteiro confunde despreparo com burrice. Ainda que os astronautas não tenham a menor ideia de como lidar com uma criatura assassina, algumas atitudes tomadas pelos personagens são simplesmente imbecis, fazendo o espectador torcer pro alienígena translúcido devido à sua superioridade intelectual demonstrada em relação aos astronautas.

O diretor Daniel Espinosa (de Protegendo o Inimigo e Crimes Ocultos) demonstra um bom domínio ao criar ótimas situações de suspense e ação. Ajuda muito a forma que Calvin assume durante o filme, um excelente conceito que faz com que o rumo de algumas cenas seja imprevisível. Entretanto, talvez prejudicado pelo roteiro, o diretor acaba acentuando a unidimensionalidade dos personagens. Além de se inspirar em Alien, Espinosa bebe na fonte de 2001: Uma Odisseia no Espaço, e em parceria com o diretor de fotografia Seamus McGarvey, cria planos lindíssimos, não apenas das instalações da estação espacial, como do próprio espaço. Outro ponto positivo são as perseguições em gravidade zero, onde o diretor cria uma constante sensação de imprevisibilidade. Já no tocante às atuações, há um competente trabalho de composição de personagens, ainda que o texto não colabore na construção ou mesmo dê credibilidade para a capacidade técnica de cada um deles. Os destaques ficam por conta da dupla de protagonistas Gyllenhaal e Ferguson.

Enfim, Vida é um thriller de suspense espacial que não ousa motivar nenhum tipo de discussão filosófica. Foi concebido apenas para ser uma diversão para os seus espectadores e essa função ele cumpre muito bem.

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Crítica Rasen: Ring Spiral

7 de janeiro de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Franquia O Chamado, Franquia Ringu, Hiroyuki Sanada

Hoje refutada, Rasen deveria ser a continuação direta dos eventos de Ring: o Chamado, contendo em si inclusive o nome do segundo livro de Kôji Suzuki. O fracasso do filme de Jijo Ida fez a produtora recontratar Hideo Nakata para a função de direção de Ring 2: O Chamado, enquanto Rasen passou a ser desconsiderado, e renomeado como Ring Espiral em alguns países. O curioso é que o filme lançado ainda em 1998 consegue ser bem fiel ao livro homônimo, mas perde demais se comparado a originalidade do primeiro filme.

A história é contada a partir das experiências de Mitsuo Andô (Kôichi Satô), um médico legista que tem que lidar com um sentimento de suicídio que o acompanha já há algum tempo. Logo, o mesmo recebe uma ligação, afirmando que Ryuji Takayama (Hiroyuki Sanada) , seu conhecido da época de faculdade havia falecido de um modo misterioso e recairia sobre ele investigar o óbito do sujeito, com direito a uma autópsia repleta de gore seguida de uma alucinante sequência de reencontro com o seu antigo amigo, que debocha de si por não ter tido coragem para se matar.

Se analisada a premissa, o longa de Ida é interessante, por conter no novo herói um especialista em patologias depressivas que sofre do mesmo mal que investiga. Até se demora para abordar a famigerada fita, com aproximadamente 15 minutos de tela, ou seja, por volta um sexto da totalidade do filme.

Se dá um rosto para Sadako (Hinako Saeki), o que constitui uma manobra horrenda, e todos os fatos ocorridos após isso são de qualidade discutível e cunho risível. Em certo momento, há uma extrema mudança de caráter no longa, pondo inclusive arquétipos de filmes slasher, como a punição aos sexualmente ativos.

Talvez essa seja a versão mais fiel aos livros de Suzuki. O argumento foi adaptado pelo próprio diretor que diferente do que havia ocorrido com Hiroshi Takahashi nos outros filmes, não lançaria mão de tantas licenças poéticas em relação ao texto original. Ida não compromete como diretor, e até tem seus bons momentos, especialmente no devaneio do protagonista ao ver seu amigo que sofre autopsia falar com ele e no momento em que Sadako é jogada no poço, mas sua inventividade com a câmera na mão não consegue acompanhar o lastro no texto, que até tenta ousar em alguns pontos, mas ainda fica muito preso ao escrito pelo autor do livro. Mesmo os bons conceitos se perdem em meio da um drama confuso e a transformação da maldição em vírus torna tudo ainda mais bobo e oportunista, contendo em si os mesmos defeitos de Rec 2.

As cenas de sexo são bastante gratuitas, bem como a necessidade de explicar todos os pormenores de maneira científica. A desconstrução de Sadako também soa gratuita e pueril, resultando em um equívoco quase tudo que é proposto na interpretação de Saeki para a menina do poço, mostrando uma mulher que parece mais preocupada em causar furor via sexualidade do que propagar a morte, como é mostrada no primeiro. Outras tanta invencionices incomodam, como o fato de ignorar o efeito de retorcer das vítimas ao serem mortas, fator que faz Rasen perder em identidade visual, soando como uma tentativa fracassada de inovar, parecendo mais um filme de terror explicativo e genérico dos Estados Unidos e menos com uma sequência de horror japonesa.

Crítica | Ring: O Chamado (Ringu)

17 de setembro de 2016 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Franquia O Chamado, Franquia Ringu, Hideo Nakata, Hiroyuki Sanada, Nanako Matsushima

As informações do filme de Hideo Nakata começam através das ondas e tubos de uma televisão antiga, típica dos anos noventa. Os primeiros momentos de Ring: O Chamado já estabelecem qual seria o instrumento de horror, mostrado duas meninas – Tomoko Oishi (Yûko Takeuchi) e Masami (Hitomi Satô) – que assistem televisão enquanto discutem sobre uma fita cassete que a primeira assistiu, para logo depois, ocorrer já o primeiro óbito. Ring: O Chamado seria o primeiro filme da saga da fita que fazia seus espectadores morrerem, resultando em um fenômeno pop do terror contemporâneo.

A tal gravação gera uma curiosidade tremenda em todos os personagens, especialmente nos que fazem de seu ofício e função desvendar mistérios. As passagens de tempo mostram a como parte da imprensa lida com o boato a respeito das mortes, e é nesse ínterim que Reiko Asakawa (Nanako Matsushima) é introduzida e elevada ao posto de protagonista da trama.

Ao contrário do que normalmente ocorre nos filmes norte-americanos de gênero terror, nesse não há uma preocupação em se estabelecer uma história maniqueísta, de luta contra o bem e o mal, tampouco os personagens que são vítimas são mostrados em atitudes imorais, ao contrário, são pessoas ditas normais.

O livro de Koji Suzuki já havia sido adaptado para o audiovisual em um telefilme, mas ganhou notoriedade graças a inventividade de Nakata, que consegue imprimir suspense e tensão mesmo nos pequenos elementos narrativos da história, seja nos closes rápidos nos corpos deformados das vítimas, ao estilo Sergio Leone, ou o uso de elementos tão corriqueiros como fonte de tormento. Há um uso forte da trilha sonora como efeito atemorizante e da estática das TVs, imitando o clássico Poltergeist: O Fenômeno, de Tobe Hooper e Steven Spielberg, ainda que o conteúdo de real amedrontamento esteja na metalinguagem de um filme que assassinará aqueles que assistem, fortificada a sensação de desespero proporcionada pelo ambiente fechado e escuro do cinema.

A decisão de Reiko em procurar o vídeo que causaria o infortúnio pode ser banal e estúpido, mas condiz perfeitamente com a condição de jornalista que envolve sua profissão. O longa contém um número elevado de cenas externas de dia, fato que faz desconstruir a ideia de quem só há medo e pavor nas noites. A jornada de Reiko e seu ex-marido Ryuji Takaiama (Hiroyuki Sanada) pelo interior do país, a fim de encontrar uma fuga para a morte certa. O resultado é uma busca difícil e infrutífera na maior parte dos eventos, mas que resulta em um conjunto de respostas inconvenientes.

As questões envolvendo a história da Sadako, a tal mulher misteriosa, que buscava assassinar quem ousava ver o filme até o final é repleta de causos terríveis, mostrando o homem como a pior das criaturas, capaz de encerrar a vida até de seus entes queridos. A sensação de alívio, vista nos instantes próximos do final não duram muito tempo, relembrando o quão duro pode ser o destino, à exemplo do que aconteceu com a menina vitimada que busca na coleta de almas sua justificação. Tal prerrogativa teria que ser levada a frente, para pôr fim a maldição, fato que põe Sadako e Reiko em pé de igualdade, e mais uma vez reforça a ideia de Ring: O Chamado de que o homem tem uma forte tendência a ser misantrópico e egoísta.

Crítica | Mr. Holmes

15 de dezembro de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arthur Conan Doyle, Bill Condon, Festival do Rio 2015, Hiroyuki Sanada, Ian McKellen, Laura Linney, literatura policial, Sherlock Holmes

Baseado na velhice e extrema misantropia do personagem-título, Mr. Holmes é uma aventura capitaneada por Bill Condon, que usa o talento de Sir Ian McKellen para dar substância a um roteiro confuso, atrapalhado e bastante genérico. A história se situa 35 anos após a “real” aposentadoria do Detetive, excluindo, claro, as mortes que forjou, com um Holmes que do alto de seus 93 anos tenta reescrever o seu último caso.

O agravo que o roteiro propõe é que Sherlock já não tem todas as qualidades necessárias para relembrar seus próprios atos, graças à senilidade que se aproxima e aplaca sua inteligência e memória conhecidamente irretocáveis. A problemática não está nisso, e sim no drama genérico, que se encaixaria com qualquer personagem, não somente com o investigador de Baker Street.

As licenças poéticas são muitas e não chegam a comprometer a qualidade do filme, mesmo que soem incongruentes, como o fato de ignorar-se que ao menos um dos 56 contos canônicos ter sido “escrito” pelo próprio agente, a despeito do médico/escritor que o acompanhava. A atribuição de elementos básicos, como uso de boné e cachimbo à imaginação de Watson, varia dentro do texto fílmico entre uma charmosa negação do herói e exageros do escritor original, que fantasiava demasiadamente, fatos reclamados já nos primeiros contos depois de Um Estudo em Vermelho.

O enfoque no enferrujamento do detetive poderia ser mais interessante, mas é diluído por todo o entorno familiar, o que torna o drama cafona, banalizando até seu exílio com a pasteurização conservadora de humanizar o personagem, aspecto aliás completamente desnecessário. A mensagem interessante fica por conta da solidão dele, que não tem mais seus amigos, parentes e antigos colegas policiais, uma vez que somente os mitos sobrevivem eternamente – inclusive sobre mal engendradas produções cinematográficas.

Crítica | 47 Ronins

26 de junho de 2014 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Carl Rinsch, filmes de samurai, Hiroyuki Sanada, Keanu Reeves, Ko Shibasa

47 Ronins é um filme que enfrentou muitos problemas de produção, e filmes com problemas assim são grandes candidatos ao fracasso. Com o início das filmagens em 2011 e três roteiristas depois (Chris Morgan, Hossein Amini e Walter Amada), a produção americana chegou por lá em 25 de dezembro de 2013, estreando nos cinemas brasileiros em 31 de janeiro de 2014, o que deixou boa parte dos fãs de Keanu Reeves ansiosos, já que, tomando Matrix como base, seria interessante ver o ator em um filme de samurais. Porém, nem o atraso na produção, o orçamento estourado e gordo de US$ 175 milhões e as mudanças no roteiro, fizeram com que o diretor estreante Carl Rinsch convencesse os mais otimistas.

O filme é baseado numa das maiores histórias da cultura japonesa, um evento que aconteceu entre os anos de 1701 e 1703, que demonstrou um ato de bravura e coragem, onde 47 ronins vingaram a morte de seu mestre, acusado de agredir um funcionário da justiça japonesa. Mas, como dito, o filme é baseado nessa passagem e isso não significa que a estória percorreu exatamente da maneira como aconteceu há mais de 300 anos, o que é comum em Hollywood. Vide o exemplo de 300, de Zack Snyder.

Kai (Keanu Reeves) é um bebê sem traço oriental algum que foi deixado numa floresta para morrer por ser considerado amaldiçoado. No entanto, o bebê foi resgatado por Lord Asano (Min Tanaka) e passou a conviver junto do senhor feudal e de sua filha, Mika (Ko Shibasaki) até a fase adulta. Kai sempre sofreu por ser um gaijin (o que aqui no Brasil é conhecido popularmente como “gringo”) e, mesmo sendo muito útil a todo o povoado sabendo lutar, vivia à sombra da população e dos samurais que cuidavam da guarda de Lord Asano. A cena em que o grupo de samurais é atacado por um animal colossal deixa bem claro isso. Kai consegue matar o bicho e mesmo aos olhos de testemunhas, um dos samurais recebe todos os méritos.

A vida de Kai muda quando Lord Kira (Tadanabu Asano) chega à cidade com sua comitiva para um torneio de samurais que será assistido pelo Shogun Tsunayoshi, vivido por Cary-Hiroyuki Tagawa, o Shang Tsung, de Mortal Kombat. Percebe-se, portanto, que Lord Kira também é um senhor feudal e que o Shogun seria uma espécie de governador que está acima dos senhores feudais.

Kai percebe que Kira tem outras intenções, mas ninguém acredita nele, nem mesmo o líder dos samurais, Oishi (Hiroyuki Sanada). Após Kira conseguir provar que sofreu um atentado cometido por Lord Asano, o Shogun concede a Asano o julgamento através do seppuku, a pena de morte por suicídio, numa linda cena. Com isso, o Shogun passa o feudo a Kira e os 46 samurais de Lord Asano se tornam ronins, samurais sem mestre. A partir daqui, Keanu Reeves deixa de ser o protagonista e atua como um coadjuvante de luxo ao lado de Hiroyuki Sanada, quando seu personagem, Oishi pede ajuda a Kai para reunir os outros samurais renegados.

O filme tem um visual lindo e primoroso. Todos os cenários, as locações e figurinos são maravilhosamente caprichados, nos mínimos detalhes e esse é o seu maior destaque. Uma pena que a estória não convence e talvez o maior erro tenha sido incluir elementos de magia, já que o filme fluiria bem mais sem elementos míticos que poderiam ter sido corrigidos por conta de um roteiro mais inteligente. Percebe-se claramente que a presença da feiticeira aliada de Lord Kira, bem como o passado sombrio de Kai revelado no início do terceiro ato foi a maneira mais fácil de resolver as situações mais complexas do filme. Pura preguiça, algo bastante comum em Hollywood.

Com exceção de Reeves, o elenco é todo japonês, porém falando inglês, o que é um ponto negativo. Mas o filme não é um desastre e tem ótimas passagens, sendo a maioria delas onde a direção de arte está diretamente envolvida. Além de manterem fielmente os nomes de todos os envolvidos, todos os rituais japoneses presentes na película são demais, assim como parte do clímax no terceiro ato onde todos os 47 ronins estão envolvidos. De qualquer forma, 47 Ronins é um filme para assistir num feriado frio e chuvoso, quando não se tem mais nada a fazer. Aliás, pesquisar sobre a história verdadeira e visitar virtualmente os túmulos dos 47 ronins que se encontram no Templo Sengaku-Ji, em Tóquio, é uma atividade bastante recomendada.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Crítica | Sunshine: Alerta Solar

4 de maio de 2013 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Alex Garland, Benedict Wong, chris evans, cillian murphy, Cliff Curtis, Danny Boyle, Hiroyuki Sanada, mark strong, michelle yeoh, Rose Byrne, Troy Garity

Sunshine – Alerta Solar é uma ficção científica de 2007, dirigido por Danny Boyle (dos excelentes Extermínio e Cova Rasa). Já tinha ouvido falar bem do filme, e por ser fã do gênero sci-fi, resolvi conferir.

Na trama, a Terra do futuro corre o risco de ter toda a vida extinta, pois o sol está para desaparecer. A última esperança é a nave espacial Icarus II e sua tripulação de 8 pessoas (Michelle Yeoh, Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada e Benedict Wong), que transporta uma bomba atômica do tamanho da ilha de Manhattan, que teoricamente alimentará uma nova vida dentro do Sol. Porém, durante a viagem e sem contato com a Terra, eles descobrem o sinal de S.O.S. da Icarus I, a nave enviada 7 anos antes com o mesmo objetivo e cuja causa do fracasso é desconhecida. A tripulação fica dividida entre alterar a trajetória da missão, de forma a obter a bomba existente na Icarus I, o que traria à missão mais uma chance de sucesso, ou seguir o plano original. A decisão recai sobre Capa (Murphy), o físico da tripulação, que decide ir à outra nave. Porém a mudança de trajetória causa avarias à Icarus II, iniciando uma série de problemas enfrentados na reta final da missão.

A princípio, o filme começa bem, falando sem explicar muito que, num futuro mais ou menos distante, o sol brilha menos, a terra é um lugar congelado, e uma segunda missão (já que a primeira sumiu sem deixar rastro) foi enviada para tentar detonar uma mega-bomba atômica no sol na tentativa de fazê-lo voltar a brilhar.

As explicações sutis de como a nave funciona, as razões pelas quais estão ali, algumas neuras de personagens a tanto tempo isolados no espaço são bem encaixadas, e a falta de explicações tão comuns no gênero não incomoda, por realmente não importar, naquele momento, as razões pelas quais o sol está acabando. O problema é que, a partir do 2º ato, a história passa de uma ficção científica bem construída para um terror-espacial ao estilo Alien um pouco pobre, com alguns toques de 2001 – Uma Odisséia no Espaço.

Está tudo lá. A nave antiga abandonada sem razão aparente, a tensão gerada pelo silêncio, a Inteligência Artificial que é desligada, o ocupante misterioso que caça cada um dos tripulantes e tudo mais. Porém, no meio de todos os fatores conhecidos, o espectador ainda consegue se perder em meio a tantos acontecimentos. A escolha do uso expressivo da cor amarela em tantas cenas (para demonstrar a força e potência do sol) é boa e causa um impacto interessante, mas prejudica a narrativa pois nos impede, também pelo trabalho precário de câmera, de entendermos realmente o que está acontecendo. O filme também peca ao abordar diálogos grandiosos sobre Deus e o Homem, e a tentativa de negarmos o nosso destino, de uma forma um pouco infantil e clichê, em um “deus ex machina” que não traz muita coisa de novo a quem conhece bem o gênero.

Apesar de toda a virtuosidade técnica e do excelente início, o que marca o filme é o seu final, deixando no espectador essa marca, fazendo-o esquecer um pouco dos conflitos e motivações de cada personagem, deixando o drama de lado e favorecendo mais as cenas de ação e tensão, que também poderiam ter sido melhor construídas se respeitassem a premissa inicial.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

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