rock – Vortex Cultural

Crítica | Rocky Horror Picture Show: Let’s Do the Time Warp Again

16 de julho de 2017 by Filipe Pereira

Após muita expectativa, o filme de Kenny Ortega finalmente é exibido na televisão, com uma música introdutória executada pela bela Ivy Levan (que interpreta The Usherette), a bilheteira de um cinema sci-fi, que canta Science Fiction de maneira sensual e extremamente provocante. Rocky Horror Picture Show: Let’s Do the Time Warp Again tem a trama praticamente idêntica ao filme original de Jim Sherman, tendo inclusive uma participação especial de Tim Curry, que faz o criminologista nessa versão, já bem envelhecido e sem trabalhar com atuação live action há um bom tempo. A reverência é justa e cabível.

Ortega tem uma larga experiência com a temática musical, foi dele a condução do especial de Michael Jackson: This is It e de alguns filmes da franquia High School Musical. Essa parte da sua carreira explica um pouco do visual mais clean e mainstream do remake, principalmente se comparado com Rocky Horror Picture Show, de 1975. A estética é menos naturalista, os personagens residentes do castelo parecem já esperar chegar alguém para exibir o show que preparavam, ao contrário do clima de festa do capitulo original.

O cineasta opta por revelar todas as engrenagens de cenário, de modo que quem já está habituado a história percebe exatamente quando acontecerão as aparições dos personagens. Não há uma construção de suspense sequer para a cena de apresentação do Dr. Frank Furter, interpretado pela estrela trans Laverne Cox, a mesma que estrela Orange is The New Black.

Cox é bastante tímida em sua performance, característica essa que se estende para o resto do elenco, que parece se segurar para que ela possa brilhar sozinha. O caráter sexualmente transgressor é bastante aliviado e o filme parece querer sempre louvar cada um dos personagens clássicos que aparecem, mas sem dar a eles a mesma importância esotérica que teriam em sua gênese. As cenas de violência são explicitas e não sugeridas como antes, e ainda assim tem menos impacto.

Em alguns momentos o programa parece suavizado, pasteurizado, a fim de atingir plateias mais conservadoras, até os números com os homens vestidos de drag queens são mais comedidos. A preocupação maior é em fazer um grande show, e não mais soar como um espetáculo de choque da plateia como era a proposta anterior. Como reverencia, Rocky Horror Picture Show: Let’s Do the Time Warp Again funciona bem, mas tem sérias dificuldades em não parecer uma versão light do original.

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Crítica | Rocky Horror Picture Show

28 de maio de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Musicais, rock, Susan Sarandon, Tim Curry

Após a abertura com uma boca enorme, pintada com um batom vermelho de tonalidade intensa cantando Science Fiction, Rocky Horror Picture Show começa mostrando um matrimônio, e já jogando os atores que seriam os transgressores dentro da história como os religiosos sacerdotes que ministraram o casamento. Tim Curry era o padre, enquanto Richard O’Brien – que também era escritor do longa e compositor – é parte de um casal de fazendeiros como na pintura American Gothic, de Grant Wood. Antes mesmo da primeira música cantada pelos personagens já se estabelece uma inversão de valores, e claro, da jornada normativa do herói clássico.

O roteiro do diretor Jim Sharman e O’Brien estabelece como lugar comum uma cidade interiorana, onde o pacato e tedioso Brad Majors (Barry Bostwick) pede sua amada Janet Weiss (Susan Sarandon) em casamento, logo após a cerimônia. O argumento brinca com a noção conservadora de felicidade, mostrando que a ligação básica entre romance e bom mocismo normalmente esconde um argumento falacioso. As pouco mais de uma hora e meia de duração do show são dedicadas a desconstruir isso, e o chamado à aventura acontece quando o casal resolve visitar um antigo professor que era muito próximo de ambos.

No trajeto que fazem em uma noite chuvosa, o pneu do carro fura e eles não tem estepe. Eles vão então em direção de um castelo, que por sua vez é outra expectativa invertida se comparado ao universo normativo e conservador de Janet/Brad, já que o visual do lugar onde eles buscam refúgio é um lugar fantasmagórico e gótico, parecida com a morada do Dr Viktor Frankenstein. O interior do local é mais subversivo ainda, já que lá vive um grupo de pessoas alegres, com vestes coloridas e chamativas, ainda que guardem semelhanças com o figurino de filmes de terror clássicos, como os movie monsters da Universal. A fala desses personagens normalmente mostra uma avidez por sexo e a libido como base da maioria das interações, diálogos esses acompanhados de músicas excelentes em melodia, letra e coreografias.. Outro fato curioso é o do criminologista (e narrador) Charles Gray, que apresenta um tutorial da dança, enquanto Brad e Janet tentam fugir, assustados.

O medo que a mocinha tem dos caseiros Riff Raff, sua irmã Magenta (Patrícia Quinn) e a groupie Columbia (Nell Campbell) é só um preambulo para a aparição da real estrela, não só da morada, mas também da história. É de Dr. Frank-N-Furter (Curry) o motivo de existir o filme. Após demonstrar suas origens, como visitante de outro planeta, e como ser capaz de criar vida, Frank assedia os seus visitantes, praticando uma sedução bissexual que em um primeiro momento soa abusiva, mas que aos poucos se torna recíproca, estabelecendo ali uma quebra de recalque sexual.

A partir desse choque há uma mudança radical de postura, em especial de Janet. O desempenho de Sarandon chega a ser quase tão brilhante quanto o de Curry, tanto musicalmente, já que ela alcança os melhores agudos entre o elenco, quanto em dramaturgia, já que ela consegue transitar entre a boa moça e uma mulher fatal e repleta de libido, que finalmente alcança seu ápice sexual e se permite viver sem amarras.

Por ter uma libido ativa e quase impossível de controlar, os naturais da Transilvânia passam a discutir seus papéis sexuais o tempo inteiro, não só dando vazão a temática homo afetiva, mas também desmistificando o paradigma do amor livre e poligâmico, mostrando como algo que pode esconder sentimentos egoístas e mesquinhos, como os que movem Frank. Sua postura de descartar seus parceiros passa a ser duramente criticada, e sua resposta é a de transformar em pedra todos que se opõem a sua vontade.

Mesmo após as mostras de ingratidão e egocentrismo, Furter é capaz de causar em seus prisioneiros um transe sexual, somente interrompido por seus conterrâneos, que o buscam, deixando claro que apesar do texto transgressor, a lei da semeadura vale também nesse universo. A despedida do protagonista é emotiva e piegas, como é comum entre os terráqueos, e as referências a Crepúsculo dos Deuses denuncia a referência de uma história que busca mostrar uma estrela que brilhou intensamente, mas que estava em franca decadência. A ousadia de Rocky Horror Picture Show está o todo, de dar vazão a um espectro sexual visto como marginal e de não fazer concessões a qualquer parcela do público mais conservadora, sem também redimir os personagens falhos que, apesar de não serem necessariamente terráqueos, eram bastante humanos em suas manifestações de alma.

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10 Filmes com a temática Rock’n Roll

12 de julho de 2015 by Vortex Cultural

Artigos

rock

Dia 13 de Julho comemora-se o dia mundial do Rock, e pensando nesta data comemorativa, os redatores do Vortex Cultural preparam uma lista com seus filmes preferidos com a temática do estilo musical mais agressivo de todos. Aperte o play e bata cabeça com muita força.

Rock Star (Stephen Herek, 2001) – David Matheus Nunes

Produzido por George Clooney, Rock Star, inicialmente, contaria a história do vocalista Tim “Ripper” Owens ao entrar para o Judas Priest, sua banda preferida, substituindo o “Metal God”, Rob Halford. Porém, a própria banda resolveu vetar o uso da história e o uso do nome, após ter acesso ao roteiro, muito divergente dos reais acontecimentos. A premissa é bem parecida com a história de Ripper e mostra Chris Cole (Mark Wahlberg) liderando a Blood Polution, uma banda tributo (muito diferente de banda cover) ao Steel Dragon, sua banda preferida. Acontece que os músicos da Blood Polution estão cansados de tributar o Dragon e querem escrever suas próprias músicas e Chris acaba por ser demitido e enquanto começa a procurar integrantes para uma nova banda, junto com sua namorada e empresária Emily (Jennifer Aniston), recebe uma ligação de Kirk Cuddy (Dominic West), guitarrista do Dragon, o convidando para uma audição. A cena do teste em questão é muito bonita e mostra Chris cantando uma das melhores músicas do Dragon, a balada We All Die Young. Até aqui, o filme corre muito bem, mas começa a perder a qualidade, sendo reduzido praticamente ao nível do filme paródia This Is Spinal Tap (muito bom por sinal). As situações e clichês, como o jovem-fã-que-entra-pra-banda-dos-sonhos-e-que-vira-astro-do-rock-e-que-se-perde-na-vida não se sustenta e o que segura, de fato, o filme foi a super produção empregada ao longa. As cenas em que o Steel Dragon está no palco são do mesmo nível de produção dos shows do Kiss, por exemplo. Além do mais, as composições da banda são ótimas e tocadas por grandes astros da música na vida real, como Zakk Wylde, Jason Bonham, Jeff Pilson (respectivamente guitarrista, baterista e baixista do Dragon), Jeff Scott Soto, Miles Kennedy e Michael Matijevic, que emprestaram suas vozes para as músicas do Dragon.

A Todo Volume (Davis Guggenheim, 2008) – Almighty

A guitarra é o símbolo do rock, mas a paixão pela música vai muito além das seis cordas. Neste interessante documentário, temos o ponto de vista de três grandes guitarristas do rock, pertencentes a épocas diferentes: Jimmy Page (Led Zeppelin), The Edge (U2) e Jack White (White Stripes). De início, cada um é mostrado separadamente, expondo suas idéias e preferências. Mais adiante, os três se encontram para conversar sobre música em geral, e aí vemos o quão eles são apaixonados pelo que fazem.

The Doors (Oliver Stone, 1991) – Bruno Gaspar

Numa jornada com alguns pontos de licença poética, o filme de 1991 dirigido por Oliver Stone conta a história do jovem Jim Morrison, vocalista do grupo que forma a banda The Doors, durante sua jornada de ascensão e declínio, levando a alguns pontos de sua infância, os problemas como que viriam a transformar Morrison, interpretado por Val Kilmer, levando-o ao alcoolismo, drogas e feitiçaria. O filme, passado nos meados de 1965, tem início com a chegada do cantor na California e conta com sua passagem pela universidade (UCLA), até a origem da formação da banda, junto com Ray Manzarek, Robbie Krieger, e John Densmore, no que seriam os primeiros shows da banda no clube “Whisky a Go Go“, onde conseguem uma boa popularidade e montam sua base inicial de fãs. Atingindo o sucesso, este sobe a cabeça de Morrison, deixando-o num especie de estase emocional cheio de confiança e poder que chama de “The Lizard King“, fase que inicia o onda de consumo extensivos de drogas psicodélicas, bebidas alcoólicas e até seções de magia negra, tornando-se relapso e um problema para a banda, perdendo gravações e ensaios, até o incidente onde tem seus shows cancelados devido a problemas judiciais. No fim, Jim Morrison é encontrado pela companheira Pamela Courson morto aos 27 anos de idade na banheira do quarto em Paris. O filme tem como base Morrison, focando em fases da vida que dera o nome a ele e a banda com suas influências no Blues, Jazz e Hard Rock, e não tem vergonha de falar sobre sua vida, mostrando sua carreira em um tom mágico e ao mesmo tempo trágico, bem como nas viagens de ácido, encarando seus tropeços como algo bem pé no chão, que realmente aconteceu na vida do artista, sem amenizar sua presença ou exagerar a ponto de tornar as drogas algo bom ou interessante para o público.

Sid e Nancy (Alex Cox,1986) – Bernardo Mazzei

Dirigido por Alex Cox, o filme retrata o destrutivo romance de Sid Vicious, icônico baixista da banda Sex Pistols, com a groupie Nancy Spungen. Com atuações marcantes de Gary Oldman como Sid e de Chloe Webb como Nancy, a fita narra em paralelo o início do romance do casal e a onda punk que tomou conta da Inglaterra no final dos anos 70 e posteriormente toda a espiral de sexo, drogas e punk rock em que a dupla entrou, com a consequente morte de Vicious por uma overdose de heroína e a até hoje nebulosa morte de Nancy. Com uma excelente trilha composta por Joe Strummer do The Clash – que devido a limitações contratuais só deveria contribuir em duas canções, mas acabou participando de muito mais usando nomes falsos de bandas – e pela banda The Pogues, Sid e Nancy é um filme visceral, poderoso e muito triste, mas que merece todo os elogios e o status que hoje possui.

Loki (Paulo Henrique Fontenelle, 2008) – Almighty

O limite entre a loucura e a genialidade se define por Arnaldo Baptista. O músico que fez história n’Os Mutantes tem aqui um belo apanhado de sua vida e carreira, cujo título faz referência ao seu álbum solo mais emblemático. Vários famosos dão seus depoimentos sobre Arnaldo, inclusive o irmão Sérgio Dias, Gilberto Gil, Tom Zé, Nelson Motta, Sean Lennon e muitos outros. Rita Lee se absteve nesta parte, mas permitiu o uso de sua imagem no documentário. É muito interessante que Arnaldo vive em um mundo próprio dele, mas ao mesmo tempo é lúcido, esbanja talento e carisma. Sua história é cativante e sua obra fascinante.

Quase Famosos (Cameron Crowe, 2000) – David Matheus

Mais um road trip e dos bons. Quase Famosos é um filme parcialmente biográfico, escrito e dirigido por Cameron Crowe, onde ele conta a sua história, que, na película, é vivida pelo jovem William Miller (Patrick Fugit), um adolescente que consegue um estágio na revista Rolling Stone e precisa acompanhar a turnê de uma banda de rock em ascensão, a Stillwater (que na vida real, foi o Led Zeppelin), com o objetivo de conseguir uma entrevista exclusiva. O filme ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original, em 2001 e teve mais outras 3 indicações, sendo elas, duas de Melhor Atriz Coadjuvante para a excelente atuação de Frances McDormand (Elaine, mãe de William) e Kate Hudson e outra de melhor edição. A produção cativa do começo ao fim, mostrando a “emancipação” do jovem William que se torna um homem em poucos meses durante transcorrer da fita e a transformação dos personagens que o rodeiam. É possível perceber o crescimento intelectual do garoto por causa do mundo do rock, cheio de drogas, bebidas e sexo, aqui estabelecido muito sutilmente e sem nenhum tipo de apelo (mérito do roteiro e da direção de Crowe) pelas várias groupies que acompanham a banda, entre elas, seu primeiro e platônico amor (e também o primeiro amor de Crowe), Penny Lane, vivida por Kate Hudson e dos diversos momentos em que passou junto de seus editores e, principalmente das diversas (e ótimas) situações ao lado da banda, que aqui, não se resume somente ao Led Zeppelin, já que a Stillwater concentra outras bandas e suas diversas situações em que Crowe passou ao lado delas. Obrigatório se você é roqueiro ou não.

Detroit Rock City (Adam Rifkin, 1999) – Bernardo Mazzei

Dirigido por Adam Rifkin e estrelado pelo eterno John Connor Edward Furlong, Detroit Rock City é situado no ano de 1978 e narra a alucinada saga de 4 amigos fãs da banda Kiss para chegar em Detroit, cidade onde a banda fará um grande concerto. O ponto de partida para a empreitada ocorre quando Jam consegue 4 ingressos para o show que acontecerá no Cobo Hall, mas sua mãe, uma fanática religiosa os destrói e o grupo de amigos resolve que assistirá o show mesmo que isso coloque suas vidas em risco. Com diálogos divertidos, situações engraçadas (incluindo uma perda de virgindade com uma personagem interpretada por Shannon Tweed, musa de filmes eróticos e esposa de Gene Simmons, um dos líderes do Kiss), várias participações especiais e uma trilha sonora composta por covers inspirados da banda, Detroit Rock City é bastante divertido e merece uma conferida.

Pink Floyd – The Wall (Alan Parker, 1982) – Bruno Gaspar

Escrito por Roger Waters e Dirigido por Alan Parker, o filme baseado no álbum homônimo de 1979, conta com uma visão de Waters em cima de sua própria experiência sobre o que seria o sucesso de uma pessoas e como ele pode ser visto por seus seguidores. Utilizando de tons metafóricos ricos em simbologias visuais, a trajetória de Floyd Pinkerton, ou simplesmente Pink, um astro do rock recluso e depressivo é levado ao ponto máximo de sua insanidade e acaba por se isolar do mundo para se proteger, construindo um muro ao seu redor. O filme é um musical, utilizando das canções contidas no álbum com montagens alegóricas filmadas em live-action sendo alternadas por recursos de animações 2D elaboradas pelo cartunista Gerald Scarfe para contar a trajetória do personagem principal. Tendo seu pai morto em combate na Segunda Guerra Mundial, Pink é um garoto de passado conturbado criado por uma mãe super protetora, fontes que dão inicio as desilusões de sua vida, que iriam se manifestar definitivamente quando adulto ao descobrir que sua esposa estaria tendo um caso e acaba perdendo a sanidade. Raspando todos os pelos do corpo, Pink adota uma postura Neo-Nazista por conta de seu estado mental, mas tem suas ações reprimidas com a ajuda de drogas pesadas, aplicadas por seu agente, para que possa se apresentar em seu show. Porém, estas permitem que Pink fantasie em meio a sua apresentação uma realidade a qual se torna um ditador e seus seguidores o público presente, atendendo a ataques e rebeliões de cunho racistas e intolerantes. Pink não consegue conter tanta informação, sufocado pelas drogas e desilusões, acaba se vendo em meio ao julgamento de suas ações em meio àquela realidade ilusória, onde é condenado a ter os muros que o protegem da humanidade destruídos, destruindo assim também a Pink. Apesar de parecer confuso, o filme é uma desconstrução do artista, mostrando suas facetas e idéias deturbadas com a mistura de sucesso profissional e derrota na vida pessoal, uma ideologia apresentada de forma surreal com um toque de didática e comédia, sem ser gratuito, que pode ser encontrada presente na história de tantos grandes artistas reais.

Anvil! A História de Anvil (Sacha Gervasi, 2008) – Almighty

A banda canadense Anvil surgiu no final dos anos 1970, gravou muitos discos, mas nunca atingiu grande sucesso comercial. Pelo contrário, os membros passaram grandes dificuldades para manter o sonho de continuarem na estrada, e quase desistiram inúmeras vezes. O mais bizarro é que incontáveis bandas foram influenciadas por eles e muitos não entendem o porquê do fracasso comercial dos canadenses. É isso que será explicado neste documentário. Iremos acompanhar o cotidiano dos membros do Anvil intercalados com depoimentos de Lemmy (Motorhead), Scott Ian (Anthrax), Slash (Guns’n Roses), Tom Araya (Slayer), dentre outros monstros do rock e heavy metal. O desfecho é, no mínimo, emocionante. Os fãs de música pesada têm a obrigação de assistir a este documentário e, óbvio, correr atrás da discografia do Anvil.

Ainda Muito Loucos (Brian Gibson, 1998) – David Matheus Nunes

O canto dos cisnes do diretor Brian Gibson, falecido em 2004, conta a história da banda fictícia, Strange Fruit, muito famosa nos anos 70, cujo último show nem chegou a passar da primeira música por conta dos desentendimentos de seus integrantes. Muitos anos se passaram até que o tecladista, Tony Costello (Stephen Rea) decide trazer o grupo de volta à vida, chamando os integrantes um a um. No decorrer de sua viagem pelas ilhas britânicas, percebe-se que todos os integrantes estão praticamente falidos e vivem uma vida muito diferente da que levavam como astros do rock, exceto o vocalista, Ray (o ótimo Bill Nighy), o único ainda milionário e um dos causadores dos problemas da banda, uma vez que é orgulhoso e não divide em hipótese nenhuma os vocais com o baixista Les Wickes (o cantor e baixista Jimmy Nail), além de não ter sido muito aceito pelos outros membros do grupo por ter substituído o vocalista original, falecido ainda no auge da banda. O filme não é uma obra prima, mas é uma divertida “história de estrada” mostrando a banda cruzando a Europa dentro de um ônibus velho, todos com a chamada “crise dos 50”, fazendo shows em casas muito pequenas, passando todos os perrengues que as bandas iniciantes passam e o destaque fica pras músicas tocadas pela banda que, infelizmente, sofrem uma dublagem mal feita quando estão no palco. Porém, é possível ter acesso à trilha sonora que é muito boa, com as músicas do Strange Fruit, muitas delas compostas e cantadas por Bill Nighy (um lado desconhecido do ator) e Jimmy Nail, o que vale muito a pena.

Crítica | Democracia em Preto e Branco

24 de outubro de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cinema Brasileiro, corinthians, Ditadura Militar, Documentário, documentário esportivo, documentários políticos, futebol, Juca Kfouri, Lula, Paulo Miklos, Pedro Asbeg, Plebe-Rude, Política, rock, Titãs

Cuidadosamente focado em sua introdução sem cores – em preto e branco -, o filme de Pedro Asbeg emula a barra pesada da época, com a repressão do Regime Militar ainda sem as “novidades europeias” do futebol, e da democracia. O medo tomava conta da vida dos cidadãos, os mandantes não tinham qualquer pudor em demonstrar o seu poderio, humilhando as pessoas comuns, que não tinham acesso aos mesmos direitos dos que impunham fardas. O contra-ataque precisava acontecer em alguma instância, e sob o som de Núcleo Base do IRA!. uma destas facetas é mostrada, sob os campos de São Paulo; uma outra luta, ligada a igualdade, ao esporte e a música.

A narração de Rita Lee grafa o quanto havia um não-desejo pela alternância no poder, tanto dos presidentes nacionais militares, quanto no certame do Corinthians, com Vicente Matheus no posto mais alto. A realidade aviltante que ocorria no quadro político brasileiro gritava mais do que qualquer receio “clubístico”, uma vez que a insegurança que tomava os não-poderosos, por sua vez era motivada pela “segurança” dos governantes.

A derrocada do Brasil fez com que os integrantes da nova chapa do poder no Sport Club Corinthians Paulista se interessassem por um maior progressismo não condizente com os outros tempos, os de Matheus especialmente. Com o tempo, o laranja do antigo presidente, Waldemar Pires. O catalisador desta mudança viria primeiro pela figura de Sócrates, um jogador elegante, inteligente, letrado e inconformado, mas ainda sem um norte, sem uma direção para lutar. Este paradigma mudaria com o acréscimo do lateral Wladimir. O rapaz de pele negra acompanhava as greves no ABC Paulista, se via então como um operário da bola. Dali começava uma discussão mais profunda a respeito dos direitos civis, ainda no elenco de um time de futebol. O último fator para que o grito fosse completo viria com a juventude, com Walter Casagrande Júnior, o centro-avante de apenas 19 anos, que trazia a polêmica do Rock’n Roll na postura, cabelos e na pele para dentro de campo, paro algo além do simples “tatibitate” do futebol.

Os jogadores passaram a ganhar voz, se valendo até da queda de divisão do time, uma vez que eles disputavam a Taça de Prata. A inflação piorava, o medo de faltar alimento na mesa do pobre aumentava, enquanto o modo de reger via repressão parecia cada vez mais tacanho, com uma trilha sonora que começava a falar mais abertamente sobre a hipocrisia da lei. Viriam Edgard Scandurra com o seu IRA!, a letra de Selvagem dos Paralamas, que louvava o monstro que somente crescia, e claro, o disco de Paulo Miklos e seus Titãs Cabeça Dinossauro, que não mais via o amor como a via para caminhar o povo, e sim mostrava através dos riffs de guitarra como era truculenta a realidade do país. O rock de Frejat, Cazuza, Renato Russo, Ultraje e outras turmas mostravam o que era o pensamento do jovem, como ele via as direções sociais que a nação tomava.

Sob a tutela do administrador técnico – e também sociólogo – Adilson Monteiro Alves e de Sócrates, começava o que Juca Kfouri e o publicitário Washington Olivetto nomeariam como Democracia Corintiana, onde todos tinham o mesmo poder de voto e peso. Jogadores como Zenon, Wladimir e Casão eram politizados, e ajudariam a quebrar os paradigmas de concentração pré-jogo e do bom-mocismo como método de tratar o esporte. A civilização do time de Parque São Jorge não era obrigatoriamente moralista, ao contrário: Era evoluída, madura, sabendo bem o que se queria.

Para Sócrates, foi o movimento político dos jogadores que manteve o time bem dentro das quatro linhas. Esta era a base do bom futebol deles, além claro do acesso aos shows de músicos amigos, Blitz, Rita Lee, Maria Bethânia entre outros. A relação dos esportistas com os músicos era bastante intrínseca e íntima, de modo que era quase indistinguível a identidade de um e de outro. A busca pela liberdade de expressão era comum aos dois segmentos, a música era o canal para a liberação, o que não ocorria desde 1968, com o jovem falando para o jovem.

O pensamento evolui, como dito na narração por Lula, e o advento da Democracia Corintiana passaria a falar também do voto do povo, do voto direto que finalmente ocorreria. A campanha mudaria para DIA 15 VOTE, grafada acima dos números dos jogadores de futebol, o que visava quebrar a deseducação política do torcedor comum, desde os geraldinos e arquibaldos até aos já conscientes de que era preciso modificar o quadro político, e mobilizar a opinião pública.

Os comícios para as Diretas Já começaram bastante tímidos, com poucas pessoas. E aos poucos o movimento aumentaria, até desembocar no comício da Praça da Sé, de um caráter suprapartidário, com discursos de Ulysses Guimarães, Brizola, Lula, Fernando Henrique, em uma união completamente impensável atualmente, unidos pela quebra da tutelagem do povo brasileiro, para que a população pudesse enfim andar sozinha, reconquistando sua democracia. A rejeição da emenda em 1984 foi um duro golpe na população brasileira; o sentimento de comoção logo deu lugar a sensação de que foram iludidos, inclusive Sócrates, que aceitaria a proposta de venda para a Fiorentina, da Itália.

Os integrantes daquele time preferem encarar todo aquele tempo com um saudosismo tocante, de que o país voltaria a sorrir, e que havia começado ali a redemocratização do Brasil. No entanto, a sensação de que o pior da ditadura ainda permanecia não poderia ser ignorado, uma vez que o modus operandi policial prossegue semelhante ao do Regime. Até pela última música executada – Até Quando Esperar, da Plebe Rude -, a sensação de Democracia em Preto e Branco não é de otimismo, e sim de uma amálgama entre a melancolia e a objeção, de um país que apesar de um pequeno progresso, ainda tem muito a evoluir; muito esforço a ser executado para que se torne uma república minimamente digna, sendo esse viés o que faz da fita ser algo muito a frente dos documentários contemporâneos.

Crítica | A Um Passo do Estrelato

20 de agosto de 2014 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

blues, cinebiografia, David Bowie, Documentário, jazz, Morgan Neville, Musicais, Oscar, rock, Rolling Stones, soul

A Um Passo do Estrelato é um documentário musical que reconstrói o manifesto de uma época em que a publicidade ainda era fiel ao artista. Em um fluxo histórico linear, a auto avaliação do período que registra é feita com alma e aura investigativa, com cada relato na linha de frente, um por um à mercê de distintas intensidades.

O filme é uma refinada unidade do seu gênero no cinema, realçado por elementos como a emoção ao expressar a luz de um espírito musical -“Ele suava feito porco e cantava feito anjo!” -, os fatos de bastidores ainda inéditos, como a clássica interpretação feminina em Gimme Shelter dos Rolling Stones, as lições de “como impressionar de David Bowie a Stevie Wonder, passando por Ray Charles e Michael Jackson“, com o relato de quem conseguiu tal pretensão de principiante, as gravações audiovisuais e fotográficas independentes, e ainda o desafio de realizar uma retrospectiva à altura de todo o montante a se registrar do cenário eufônico americano, nos orgásticos anos das décadas de 50 à 80.

O contexto da indústria musical pouco mudou desde então, e continua ainda influenciada por quem proporciona o céu para as estrelas brilharem com suas vozes, tentando sobreviver junto, ou contra, o brilho das outras. O documentário, em uma viagem muito bem editada de duas épocas seculares, prova que as armas para se lutar por um lugar na constelação de talentos invencíveis continuam as mesmas. Os tempos trocaram de roupa, mas não de essência, como é possível notar nos closes das divas de outrora e de hoje, em cenas valiosíssimas.

Após a sessão do documentário, Dream Girls (2006) torna-se um mero ensaio à realidade do pulsante show business, senão uma espécie de subversão à verdade das coisas, deturpando o bom combate de mulheres que, muitas vezes, não tiveram a chance de ter uma vida digna de uma estrela de cinema, muito menos um final feliz como ponto de virada, pois quem não sabe que estrelas não morrem? Pelo menos não antes de explodirem em fragmentos audíveis chamados de discos, sacrifícios, suor e, com um pouco de sorte e dedicação, serem lembradas no mural atemporal do sucesso.

Há uma sequência que merece ser avaliada em solo aqui: uma revoada de pássaros num céu de começo de manhã. No ar, alguma melodia leve e pouco importante, diante do simbolismo da imagem em movimento, durante instantes que poderiam ser mais largos, inclusive. Metáfora redundante em todo o documentário. Aves, uma revoada delas, disputando, num uníssono de liberdade, o mesmo espaço. Espaço em que nasceram para estar e fazer o que nasceram para performar. Algumas conseguem o voo, e para tanto, continuam a batalhar para honrar seu dom. Outras, do ninho, veem o confronto com o chão, a escuridão. Essa é a vida, essa é a ideia, seja no palco ou na plateia.