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Crítica | Dora e a Cidade Perdida

15 de novembro de 2019 by Filipe Pereira

Dora a Aventureira, Isabela Merced, James Bobin, Jeff Wahlberg, Madelyn Miranda, Malachi Barton, Michael Peña

A adaptação do desenho da Nickelodeon Dora a Aventureira, o longa de James Bobin, chamado Dora e a Cidade Dourada começa como um musical, emulando os episódios do desenho animado com Dora e seu primo Diego ainda crianças, vividos por Madelyn Miranda e Malachi Barton, lidando com o macaquinho Boots e no final de separando. Todo o drama do filme gira em torno do reencontro dos parentes e o retorno as origens, ao menos da parte de Diego, já que a Dora adolescente de Isabela Merced continua tão animada, divertida e afeita a aventuras quanto antes.

Já no início se percebe uma certa inteligência do roteiro, ao quebrar a quarta parede, mostrando Dora falando direto com o espectador, e isso incomoda Cole (Michael Peña ) e Elena (Eva Longoria), os pais da menina. Também se percebe uma mistura entre o uso de CGI e animais de verdade. Os que precisam interagir mais com os homens, são feitos digitalmente, mas há também os reais, que conferem ao filme um aspecto de maior realidade.

Por mais infantil que seja, o resultado final da adaptação é um objeto divertido e bem carismático, se valendo do choque de gerações para ter conflitos, além de brincar com a condição de menina super otimista e cria de um ambiente não urbano para arranhar temas pesados como o bullying no ensino médio / high school, não só através da dicotomia entre Dora e os demais alunos (populares ou não) mas também com o Diego adolescente de Jeff Wahlberg, que não aceita bem suas origens e desconectou com a criança curiosa interior.

Outra boa reflexão é a forma como os pais tentam tolir Dora, que continua curiosa e “aventureira” mesmo dez anos após sua infância. A década posterior ao que é apresentado no desenho mostra uma garota que amadureceu, mas que amadureceu do seu próprio jeito, não preocupada em agradar terceiros, e sim talhada para assumir seus próprios desejos. A evolução não fez a personagem perder sua essência, nem sua alegria de viver, mesmo quando percebe que seus pais querem podar suas atitudes, mandando-a para longe.

O filme não é livre de momentos estranhos, como o fato da protagonista ficar o tempo todo com a mesma roupa, fato comum em desenhos, para economizar em animações, mas completamente bobo em um objeto live action. A desculpa para isso ocorrer até faz sentido, e é uma boa piscada para o público, mas ainda assim é estranho. Outro fator que causa espécie é o fato de tudo virar música, aproximando o filme de um musical, que em ultima analise, é bem executado neste aspecto. Merced é muito carismática, leva o filme nas costas, torna tudo muito divertido, mesmo que não tenha opositores a altura. Dora e a Cidade Perdida é um autêntico filme de aventura, que traduz para públicos mais jovens os clichês de Indiana Jones, Tomb Raider e Jumanji, mas com cara e identidade próprias, acertando demais quando lança mão de metalinguagem.

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Crítica | Homem Formiga e a Vespa

29 de junho de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Evangeline Lily, filmes super-heróis, Homem-Formiga, Laurence Fishburne, michael douglas, Michael Peña, Paul Rudd, Peyton Reed

Acusado por muitos de ser capacho de Kevin Feige ao aceitar o projeto do Homem Formiga — anteriormente capitaneado por Edgar Wright — Peyton Reed retorna para em Homem Formiga e a Vespa, tentando trazer uma sequência que fuja do usual, e em meio a rumores de que seria o filme da Marvel com elementos de comédia romântica – fato afirmado e negado por Reed. No entanto, a continuação de Homem Formiga é tão baseada numa comédia romântica quanto Thor: Ragnarok, Guardiões da Galáxia e Guardiões da Galáxia: Vol. 2 possui de comédia, está presente, mas não é seu norte.

A história não ignora os fatos que ocorreram em Capitão América: Guerra Civil, e Scott Lang (Paul Rudd) está em prisão domiciliar, em decorrência dos acontecimentos no terceiro longa do Capitão América. O filme sequer ignora Guerra Infinita, embora esse filme não cause tanto impacto na maior parte da trama. Lang sente culpa, e toda sua jornada na direção da redenção, seja com sua filha ou seus amigos que construíram com ele uma empresa — o núcleo com Michael Pena, que inclusive funciona melhor nesta sequência —, e claro, com Hope ( Evangeline Lily) e Hank Pym (Michael Douglas), que o enxergavam como um traidor por ter se aliado ao Capitão América.

Contudo, um dos erros do primeiro filme permanece em sua continuação. A falta de um antagonista físico interessante. A personagem trágica Ghost (Hannah John-Kamen) tem um pano de fundo interessante, mas não causa tanta empatia no público, o mesmo se pode dizer de Bill Foster , que nos quadrinhos é o personagem Golias, e só se salva por conta do carisma que Laurence Fishburne empresta ao papel. Ao menos, é de Foster que vem um dos maiores questionamentos do filme, e que obviamente poderia ser melhor explorado: o maior vilão de Pym, seja em qual mídia for, sempre foi seu ego. No entanto, quando o roteiro dá algum sinal de que discutirá isso, simplesmente o deixa de lado, para dar mais vazão a piadas físicas, que ao menos aqui estão bem afiadas.

As questões envolvendo o Reino Quântico prosseguem misteriosas apesar de boa parte da historia girar em torno da exploração desse cenário, ainda se guardaram muitas dúvidas para serem resolvidas nos proximos filmes. O roteiro é refém demais dos momentos em que essa dimensão é explorada, seja na busca incessante por tentar resgatar Janet Van Dyne do lugar onde ela supostamente está vivendo, seja pela exploração que finalmente ocorre. Da parte da ação, o modo com que Reed conduz algumas cenas traz um ligeiro incômodo, decorrente da escolha de ângulos muito fechados, claramente há um desejo de emular o que David Leitch e Chad Stahelski fizeram em Atômica, De Volta ao Jogo e John Wick: Um Novo Dia Para Matar, mas sem o mesmo brilho.

Da parte do humor, esse talvez seja o produto recente mais voltado para isso, de certa forma tentando compensar o espectador pelo que se viu em Vingadores: Guerra Infinita. Esse exercício é um pouco desnecessário, pois o público da Marvel nos cinemas certamente está fidelizado o suficiente para entender a hora de lamentar por seus heróis perdidos e a hora de rir com eles. De qualquer forma, o núcleo de Peña segue engraçadíssimo, e quase todas as cenas envolvendo escaladas de tamanho menores são absolutamente hilárias, além é claro de Rudd estar afiadíssimo quando lhe é exigido ser o condutor da veia cômica.

Reed parece mais seguro no filme, conseguiu enfim impor ao longa o que ele queria, dando um pouco de vazão para o humor familiar que a Marvel exige, mas também tratando de forma madura e inteligente questões anti-éticas envolvendo a S.H.I.E.L.D., Hidra e demais órgãos governamentais, inclusive, debochando bastante do FBI. Seu pecado maior é o mesmo da maioria dos filmes de heróis da Marvel, sua vilã é fraca, tem motivações urgentes e que assim que são atendidas, passa a agir de maneira maniqueísta e oposta a todas as ações demonstradas anteriormente. Ao menos em relação a obsessão dos Pym, Homem Formiga e a Vespa consegue acertar em cheio, acrescentando uma bela dose de sentimentalismo que jamais soa piegas.

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Crítica | 12 Heróis

24 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Chris Hemsworth, Michael Peña, Michael Shannon, William Fichtner

Fruto do exploitation antiterrorista que se agravou bastante no pós 11 de Setembro nos Estados Unidos, 12 Heróis mostra uma força tarefa que vai até o Afeganistão, para tentar desmontar as forças do Talibã, reunindo membros das Forças Especiais e da Cia. O filme é protagonizado por Chris Hemsworth, em mais uma tentativa sua de emplacar algo que não seja o Thor da Marvel, vivendo o Capitão Mitch Nelson, enviado ao estrangeiro para tentar convencer um outro general a unir forças com eles contra o terror.

O filme tenta surfar no onda de outros produtos mais sérios e melhor pensados, como A Hora Mais Escura e Sniper Americano, mas esbarra em um roteiro cheio de clichês. Nem o elenco portentoso, formado por Michael Peña, Michael Shannon, William Fichtner e Taylor Sheridan (escritor de Sicário, A Qualquer Custo e Terra Selvagem) consegue salvar o longa da péssima construção textual, que prima por ser anti-climática, com pouca ação e muita morosidade.

Não há sequer cenas de ação que causem impacto no espectador. Um filme de guerra normalmente precisa de algumas, como foi em Platoon ou Resgate do Soldado Ryan, mas 12 Heróis não se posiciona dessa forma, tampouco consegue ser meticuloso ou ardiloso como filmes espionagem, fazendo perguntar qual seria a real intenção de seu realizador, Nicolai Fuglsig. Para ser justo, há uma tomada aérea com bombardeio em tanques que é bem legal, mas ela não tem qualquer elemento humano envolvido, quando aparece alguém, a pessoa está mascarada, evitando uma possível empatia.

Os tiroteios são filmados de maneira muito fria, é difícil se importar com os destino dos personagens. Mesmo em 13 Horas, de Michael Bay, há uma aproximação maior entre público e personagens. Isso pesa muito contra o longa, uma vez que ele é baseado numa história real, ainda que seus dramas e subtramas não se pareçam em nada com a realidade de uma rotina de soldados e pseudo-defensores da liberdade, sobrando apenas maniqueísmo e um senso de justiça bastante infantil.

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Crítica | Chips

26 de agosto de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Michael Peña

Filme lançado apenas no mercado de homevideo no Brasil, após o fracasso retumbante em seu país de origem, Chips, de Dax Sheppard, é uma adaptação do seriado homônimo oriundo dos anos setenta. O filme aposta na dinâmica de duplas policiais e discorre sobre a interação de Jon Baker (Shepard), um fracassado policial que não é respeitado sequer pelos seus familiares, e o agente Frank Poncherello (Michael Peña), que trabalha também como policial rodoviário, mas que esconde um grande segredo.

A dupla de protagonistas não tem a química necessária para compor a clássica formação do policial caucasiano e do miscigenado que normalmente servem de base para esse tipo de produto. Não há sequer uma tensão racial que seja divertida mesmo em graus baixos, e a desculpa de que Poncherello está agindo disfarçado não ajuda, ao contrário, só colabora para a tentativa de mascarar a falta de qualidade do roteiro de Sheppard.

As piadas soam infantis na maior parte do tempo, não há uma reconstrução mínima do programa que acompanhava a rotina da polícia sobre duas rodas que Larry Wilcox e Erick Strada faziam, ao contrário, esta versão soa como mais um episódio genérico, semelhante demais a outras refilmagens famosas, como Miami Vice, além de resgatar os principais problemas dramáticos de outras comédias de cinema que adaptaram seriados antigos, como Elo Perdido, Feiticeira, Baywatch e Starsky e Hutch.

O bromance não evolui e a falta de simpatia destas versões de Baker e Ponchy torna quase proibitivo para o espectador se importar com o destino dos tiras, bem como dos que os cercam, o que é uma pena, já que o material original era repleto de boas sacadas e de um humor bem condizente com sua época. De toda forma, Chips não consegue acertar nem no clima nostálgico e nem no tipo de humor que agrada o público contemporâneo.

Crítica | Beleza Oculta

28 de junho de 2017 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

David Frankel, helen mirren, kate winslet, keira knightley, Michael Peña, Naomie Harris

Quando foi divulgado o primeiro trailer de Beleza Oculta (Collateral Beauty), de David Frankel, eu me interessei mais pela ideia de toda a história do que pelo grande elenco que o filme tem, já esperava um melodrama no formato usual de sempre, porém o que temos aqui é uma ideia mal aproveitada, um drama que quer ser comédia (e fracassa) e um elenco que parece ter aceito participar do filme porque tinha umas semanas livres.

Howard (Will Smith) é um empresário de muito sucesso que acredita no amor, no tempo e na morte como “segredos” do sucesso, até que uma tragédia abala a vida dele, fazendo-o mandar uma carta para o Amor, uma para o Tempo e outra para a Morte. Então, passa a receber visitas de pessoas que dizem ser essas coisas.

Primeiramente, saiba que os materiais de divulgação vendem algo bem diferente do que o filme é, não por distorção, mas por omitir muitas coisas que fazem parecer que Beleza Oculta irá para certa direção quando o filme tem uma completamente diferente, e isso de certa forma foi uma surpresa agradável de início, o problema é que o primeiro ato é tão bagunçado e desconexo que o sentimento que fica é o de descontentamento. Kate Winslet, Edward Norton e Michael Peña interpretam os amigos e colegas de trabalho da personagem de Smith e de certa forma protagonizam este primeiro ato. A química é inexistente, os diálogos entre os três carregam uma atmosfera humorística que não funciona em nenhum momento e que só consegue soar propícia a vergonha alheia, pra não dizer ridículo. As atuações são motoras e parecem desconfortáveis, menos a de Peña que parece desconfortável por estar fazendo algo do que não é habituado, não por ser motora. Neste ato também é quando descobrimos qual é o principal plot do filme e por conta de todos esses problemas já citados, só soa, mais uma vez, ridículo, acrescentando aqui um “forçado”.

O segundo ato consegue ser mais estável e possui dois dos três méritos do filme, o primeiro fica por conta de Naomie Harris, atriz indicada ao Oscar deste ano pelo seu papel brilhante em Moonlight: Sob a Luz do Luar, ela mesmo com um roteiro claramente limitado e que parece prezar apenas por falas de efeito, entrega uma atuação muito bonita e equilibrada. Inclusive, a atuação de Smith só funciona nas cenas em que ele precisa estar cara a cara com a personagem de Naomie, pois o papel dele parece uma reciclagem do que ele já fez em À Procura da Felicidade, Sete Vidas e Esquadrão Suicida (sim!). Já o segundo mérito do filme é de bem peculiar, que é como o filme mesmo sendo falho ele consegue prender a atenção, principalmente pela perspectiva de querer saber como toda a trama vai se resolver, mas isso acaba sendo bem dualístico por acabar ressaltando mais os defeitos do longa do que as qualidades.

Chegando perto de seu final, Beleza Oculta reafirma de vez que seu elenco não quis fazer parte do filme, Helen Mirren que faz a Morte parece pelo menos se divertir, enquanto Keira Knightley (Amor) e Jacob Latimore (Tempo) se salvam pelo mínimo de carisma que conseguem transpassar no pouco que tinham em mãos. Este terceiro ato também liga algumas pontas nos relacionamentos de seis personagens, mas desde o seu começo já parecia bem previsível.

Claramente um filme comercial para o Natal (lançou nas vésperas do Natal de 2016 nos EUA), Beleza Oculta é mais do mesmo, ideia mal aproveitada e elenco subaproveitado, algo que vemos em Hollywood todos os dias, já dizia toda a internet: nada novo sob o sol. Ah, não quero falar muito sobre o final, mas sabe quando o filme entrega a melhor cena de todas, ligando coisas que você realmente não percebeu, mas decide fazer mais e mais só para te fazer cair da cadeira? Então…

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Texto de autoria de Felipe Freitas.

Crítica | Exorcistas do Vaticano

20 de agosto de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Chris Morgan, Dougray Scott, Michael Peña

Baseada em supostos relatos reais, Exorcistas do Vaticano é a nova aventura de Mark Neveldine no cinema, agora trabalhando com o gênero de terror, após flertar com o estilo tanto em Motoqueiro Fantasma: Espírito da Vingança como também em Gamer. A premissa do filme faz o público acreditar que verá mais um longa executado em found footage, como dita a moda nos filmes mais baratos, a exemplo da franquia Atividade Paranormal, Fenômenos Paranormais e o péssimo Herdeiro do Diabo. No entanto, já no início prova usar o estilo parcialmente, e não como uma muleta narrativa.

O plot do filme é obviamente focado nos rituais de expulsão demoníaca, e alia-se a um argumento que envolve a perseguição à figura do anti-cristo, abordando o tema de uma maneira nada sutil. O começo mostra Angela (Olivia Dudley), uma jovem que é atormentada por uma figura espiritual, variando entre cenas do ritual para sua expulsão e gravações esquisitas, que anunciam a vinda da chamada Besta, profetizada no livro Apocalipse, de São João.

O roteiro de Christopher Borelli e Michael C. Martin, baseado no argumento de Borelli e Chris Morgan, utiliza-se de um flashback e se bifurca em alguns núcleos, um formado pela família de Angela, chefiada por seu pai, o militar católico Roger Holmes (Dougray Scott), além de mostrar um nicho católico tomado por padres que fazem às vezes de super-heróis. Não à toa, é formado pelo trio de atores mais famosos, a começar pelo latino de passado nebuloso Padre Lozano (Michael Peña), Vicario Imani (Djimon Hounson) e o supersticioso Cardeal Brunn (Peter Andersson). Apesar de não estar reunido desde o começo, o triunvirato teria uma missão importante, a supervisão do caso da moça, que tinha em seu sangue uma suposta maldição.

Os equívocos do filme são tão prolíficos que se tornam quase incontáveis. O proceder dos padres é tão repleto de estilo e over action que o espectador se pergunta se não estariam eles em um filme de comédia ao invés de horror. As mudanças em formato de filmagem também incomodam, mas não tanto quanto os diálogos vazios e a quantidade absurda de subversões, tanto no processo religioso do exorcismo, em nada semelhante nem com a Bíblia Sagrada, quanto na quantidade de pseudo-sustos e demais clichês dos filmes semelhantes. Isso, claro, sem reprisar qualquer brilhantismo de O Exorcista, lançando-se sobre os demais filmes proféticos a respeito do fim do mundo sob a ótica cristã.

A utilização da figura do corvo para representar a ação do Diabo não é novidade, mas a tentativa de Neveldine em referenciar os clássicos Os Pássaros e A Profecia soam ofensivos para os aficionados de ambas as obras. Com cenas risíveis e repletas dos bordões mais vergonhosos, Exorcistas do Vaticano parte de um terror mainstream que causa risos nos simpatizantes do gênero, com ocorrências repetitivas ou nonsenses, repletas de signos visuais e métodos imbecis de exorcismo. Não há nada que se assemelhe a um argumento sacrossanto, e isso inclui a caracterização de um cardeal que deveria ser um mentor, mas que transborda insegurança.

O resultado final decepciona em praticamente todos os aspectos, mesmo as expectativas de um filme trash. O texto subverte os bons filmes de exorcismo e de apocalipse, tratando, do modo mais ignorante possível, a lenda evangélica sobre o fim dos tempos. O filme possui uma abordagem nada inspirada que consegue ofender os cânones de Bebê de Rosemary, elevando às alturas outros produtos recentes, como O Último Exorcismo, que, com muito menos orçamento, consegue assustar e entreter muito mais que este, que só causa risos de constrangimento em quem o acompanha até o final.

Crítica | Caça aos Gângsteres

7 de junho de 2015 by Bernardo Mazzei

Cinema, Críticas

Anthony Mackie, Dion Beebe, emma stone, filmes de gangsteres, filmes de máfia, Giovanni Ribisi, Josh Brolin, máfia, Michael Peña, nick nolte, Robert Patrick, Ruben Fleischer, Ryan Gosling, Sean Penn, Steve Jablonsky

Imagine-se em um bar. Daí aparece aquela mulher linda e maravilhosa. Você fica olhando de longe, admirando seu charme, seu sorriso, sua beleza estonteante e começa a achar que ela é especial. Única. Então você se aproxima e começa a conversar com ela. Em poucos minutos percebe que ela é superficial e comum. Essa é a sensação provocada por Caça aos Gângsteres. O filme tem muito estilo e apresentação pra pouco conteúdo.

Passado em 1949, o impiedoso mafioso nova iorquino Mickey Cohen, vivido por Sean Penn, comanda com braço de ferro o crime organizado na cidade de Los Angeles. Sua influência vai além dos criminosos comuns, chegando ao escalão da polícia e aos políticos da região. Porém, um pequeno grupo de policiais liderados pelos sargentos John O’Mara e Jerry Wooters, vividos respectivamente por Josh Brolin e Ryan Gosling, resolve desmantelar a organização de Cohen.

A trama é um completo decalque de Os Intocáveis, o já clássico filme dirigido por Brian De Palma. Porém, as semelhanças param por aí. Não vou comparar os dois filmes, vou apenas estabelecer alguns paralelos. Enquanto Eliot Ness e seus companheiros eram personagens bem delineados, com motivações profundas e críveis, nesse aqui as motivações são as mais mundanas possíveis. Um não quer que o filho ache que ele não fez nada enquanto a máfia dominava, o outro é o detetive que reluta em entrar no grupo e por aí a banda segue.

O elenco estelar encabeçado por Gosling e Brolin tem atuações rasas, ainda que existam alguns breves momentos inspirados, mas nada além disso. Em nenhum momento o espectador consegue sentir empatia pelos heróis, chegando até mesmo a uma certa indiferença ser despertada. É possível que os personagens profundos como um pires tenham influenciado nesse aspecto. Nem Sean Penn se destaca em meio às interpretações desfiladas na tela. Aliás, chega a dar pena a sequência em que o oscarizado ex-marido da Madonna tenta emular o icônico Tony Montana (Al Pacino em Scarface, outro filme do Brian De Palma). O diretor Ruben Fleischer não soube aproveitar o material humano que tinha em mãos. As cenas de ação são genéricas e não empolgam. Fora que a trilha sonora é completamente equivocada. Em vez de elevar a tensão da cena, dá nos nervos do espectador.

O ritmo do filme é até interessante, sem muita enrolação, indo direto ao ponto. O diretor faz um uso interessante da câmera lenta em algumas cenas. Porém, os clichês vão se amontoando pelo caminho. Um fato é intrigante: os personagens são policiais, estão trabalhando à margem da lei, são conhecidos pelos bandidos da cidade, não usam máscaras pra fazer as batidas nos locais “secretos” onde a bandidagem opera, e custam a ser identificados mesmo frequentando bares e restaurantes apinhados de meliantes. É algo que não faz muito sentido e acaba passando batido no roteiro. Como ponto positivo, temos a impecável ambientação de época. A Los Angeles recriada é maravilhosa e os figurinos são de encher os olhos. A direção de arte, de efeitos especiais e a cenografia merecem parabéns.

Caça aos Gângsteres poderia ter sido um filmaço. Só conseguiu ser esteticamente lindo. Faltou cérebro nele. Cultuaram demais o corpo e esqueceram da mente.

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Crítica | Corações de Ferro

4 de fevereiro de 2015 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Brad Pitt, david ayer, filmes de guerra, logan lerman, Michael Peña, segunda guerra mundial, Shia LaBeouf

Produzir épicos de guerra sempre foi uma especialidade de Hollywood. O gênero possui uma grande quantidade de filmes, tanto os mais clássicos que tentam retratar o lado heroico daqueles soldados que enfrentaram os campos de batalha, quanto os mais recentes, que enfocam os horrores aos quais esses seres humanos foram expostos e também os que estes cometeram.

A cada nova tentativa de produzir um épico sobre a Segunda Guerra Mundial, tema tão batido, a indústria tenta trazer ao menos uma nova visão sobre algum detalhe, seja de uma história particular ou de um evento específico do conflito, afinal, poucos temas da história são tão conhecidos quanto este, e o risco de cair na vala comum é enorme.

A produção dirigida por David Ayer, Corações de Ferro opta por seguir este caminho e traz para as telonas como era a vida da divisão de tanques nos campos de batalha. O filme conta a história de Don ‘Wardaddy’ Collier (Brad Pitt), um sargento que comanda um tanque americano M4 Sherman com o restante de sua tropa, Boyd ‘Bible’ Swan (Shia LaBeouf), Trini ‘Gordo’ Garcia (Michael Peña), Grady ‘Coon-Ass’ Travis (Jon Bernthal) e o novato Norman Ellison (Logan Lerman).

O filme consegue produzir uma imersão dentro da batalha de forma eficiente, e em diversos momentos conseguimos captar como era a vida dentro de um tanque de guerra, em uma época em que tudo era rústico e feito manualmente, a habilidade humana era essencial para a vitória e, portanto, cada erro, fatal. A agressividade e intensidade da batalha são reais. A edição de som, com o metal a toda hora rangendo e gritando em razão dos movimentos e dos projéteis que os atingiam, garante uma excelente experiência de batalha sob um ângulo totalmente novo.

Porém, quando se afasta disso, a obra enfraquece de forma considerável, pois cai nos diversos clichês de filme de guerra. O novato, por exemplo, mal tratado pelos veteranos por não ser capaz de realizar as duras tarefas que a guerra exige, ao mesmo tempo aprende em alguns minutos a lidar com as perdas que o conflito impõe. Também são mal desenvolvidos e mal explorados os aspectos psicológicos dos outros integrantes do tanque, e aqui o filme assemelha-se cada vez mais ao cultuado O Resgate do Soldado Ryan.

O personagem religioso que justifica suas ações para Deus; o personagem fisicamente imponente que usa esse fato para se aproveitar do novato que tinha a função de escritório mas que foi destacado para o campo de batalha; além do comandante que, ao mesmo tempo que é rígido com seus subordinados, dá a eles a autonomia necessária às vezes para liberar a pressão que o conflito acumula a fim de não perder seu comando. Tudo isso se torna ainda mais claro na batalha final, quando os integrantes do tanque, isolados do restante do exército, se veem na obrigação de enfrentar um contingente inimigo muito maior, e quando as chances de sobrevivência são escassas. Além, claro, da tonalidade cinza-escura e suja que o filme de Steven Spielberg também trouxe para o cinema de guerra.

Dessa forma, David Ayer não consegue dar ao seu longa a profundidade necessária a um épico de guerra ao qual nos faça conectar, com personagens que façam envolver-nos a ponto de entender quem são e por que agem daquele jeito, ou mesmo nos importar com as perdas infligidas à equipe. As resoluções e discursos são rasteiros e ao final o que sobram são as excelentes cenas de batalha. E a vontade de rever O Resgate do Soldado Ryan.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

Crítica | Marcados para Morrer

25 de novembro de 2012 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Anna Kendrick, david ayer, Jake Gylenhaal, Michael Peña

A onda de filmes com o estilo handcam parece longe de acabar. Depois de virar praticamente o padrão em produções de terror, e algumas tentativas em outros gêneros, como Poder Sem Limites e Projeto X, a bola da vez é o policial Marcados Para Morrer. David Ayer, roteirista de filmes como Dia de Treinamento e o primeiro Velozes e Furiosos, escreve e dirige o longa sobre uma dupla de jovens policiais de Los Angeles (vividos por Jake Gylenhaal e Michael Peña). Apesar desta já ser a terceira vez de Ayer na direção, a impressão é que o negócio dele é só escrever mesmo.

Ao optar pela estética de câmera na mão, o diretor parece ter apenas seguido uma modinha, e não tentado oferecer uma experiência até então inédita no gênero ação. Os problemas começam quando não apenas os policias gravam seu dia-a-dia (a desculpa que é o projeto acadêmico de um deles), mas os bandidos também se filmam só pra tirar onda. Então não há uma única filmagem, e sim uma colagem de várias só pra possibilitar que outros ambientes sejam mostrados sem quebrar a proposta. Até aí, nada demais, vários filmes fazem o mesmo. Só que em vários momentos temos ângulos de handcam que não fazem o menor sentido considerando as câmeras presentes no local. E em outros, uma câmera assumidamente convencional toma conta, ou seja, fugindo da ideia inicial. Essa esquizofrenia da direção, também aplicável à edição, aliás, acaba privando o filme daquilo que o estilo câmera na mão oferece de melhor, a imersão total na narrativa. Ficam somente os aspectos negativos, como qualidade de imagem inferior e lacunas na história.

Caso tivesse sido filmado inteiro de maneira convencional, Marcados Para Morrer poderia ter sido um ótimo filme. Isso porque o roteiro é muito bem trabalhado, em especial em relação aos protagonistas. Amigos de infância, praticamente irmãos, os dois policiais revelam toda sua humanidade de modo bastante crível. Durante as patrulhas, eles conversam sobre tudo de suas vidas pessoais com um tom de intimidade e camaradagem que só parceiros de longa data poderiam ter. Alternando-se a isso, as situações tensas e até macabras que o trabalho joga diariamente pra cima deles, e como ambos reagem, lutando pra não serem afetados mais do que o suportável.

A dura realidade impacta diretamente na visão romântica, principalmente de Brian (Gylenhaal), de que eles são super-heróis que vão salvar o mundo. Patrulhando as regiões mais barra-pesada da cidade, os personagens acabam se destacando e entrando na mira de um perigoso cartel mexicano. A presença violenta de gangues latinas, em conflito com os já estabelecidos negros, criou um cenário bem interessante e inclusive realista. Pena que isso, até pelo tempo e proposta, não foi tão desenvolvido.

Em relação aos atores, os dois se saíram muito bem, há uma inegável “química” (totalmente heterossexual) entre eles. Gylenhaal se esforça e consegue convencer como durão, mas seria exigir demais dele a ausência de sua marca registrada: o olhar de cachorrinho triste está lá, nas cenas mais emotivas. Peña, não tão famoso de nome mas com um rosto reconhecível (de filmes como Invasão do Mundo, Crash, Torres Gêmeas, etc.) teve um trabalho consideravelmente mais fácil, viver um latino expressivo e tagarela. O resto do elenco está dentro do esperado no pouco espaço que tem, apelando pra estereótipos do gênero. Vale destacar a presença de Anna Kendrick, que já provou ser uma atriz competente, apesar de estar na Saga Crepúsculo.

Naquilo que pretendia inovar, Marcados Para Morrer sinaliza que handcam talvez não combine com filmes de ação. Contudo, se enquanto experiência do ponto de vista técnico, o resultado não foi dos melhores, não deixa de ser uma boa pedida por cumprir a função básica do cinema: contar boas histórias.

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Texto de autoria de Jackson Good.

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