reese witherspoon – Vortex Cultural

Crítica | Uma Dobra no Tempo

10 de julho de 2018 by Douglas Olive

ava duvernay, Chris Pine, Oprah Winfrey, reese witherspoon

O filme perfeito para mostrar aquele(a) amigo(a) que não valoriza o trabalho de James Cameron em Avatar. O irônico disso mora justamente no quanto a proposta criativa de Uma Dobra no Tempo casa com o cinema family friendly da Disney: Após ir para o espaço em busca de novas comprovações de uma teoria científica, um piloto interespacial fica perdido em algum recanto celestial (E felizmente não é interpretado por Matt Damon, mas por Chris Pine, cada vez mais um ótimo ator) e nunca mais é resgatado, literalmente ficando perdido no espaço. Nisso, seus dois filhos acabam entrando em contato com entidades de universos paralelos, e embarcam numa aventura alucinógena em busca do elo emocional perdido que tanta falta faz, em casa.

Só que às vezes uma fórmula dá errado – e a quebra da mesma, também. A Disney e todos os conglomerados de mídia parecem estar aprendendo isso hoje em dia, sendo que tudo muda mais rápido do que nunca nos tempos atuais. Talvez o público não esteja mais interessado em histórias assumidamente sentimentais sobre deterioração familiar e como isso pode ser revertido pela ótica da ficção. Talvez o apelo também para esse padrão universal de história precise ser reavaliado, mas nada exclama mais auto que o péssimo roteiro de Uma Dobra no Tempo ter sido o fator decisivo para seu absoluto fracasso crítico, e comercial. Ao juntar alternativas para uma aventura genuinamente memorável, como essa parece querer ser, é preciso saber o que se quer contar, não? A história totalmente indecisa se atropela, se sabota, com suas decisões narrativas retirando o próprio brilho que poderia surgir de determinadas cenas, e a direção evocativa de Ava DuVernay tampouco ajuda o filme na memória.

Isso porque DuVernay mostra-se extremamente hábil com os momentos familiares dos Murry, entre os filhos do piloto e a sua esposa, deixados para trás para lidar com brigas familiares, e outros conflitos mundanos. Mas quando o filme carece de criar uma mitologia sólida e ser marcante com e por isso, a diretora falha em quase todos os aspectos, não conseguindo nem ao menos trabalhar elementos fantasiosos na tela para alcançarem o mínimo do impacto emocional que momentos reais (como a briga na escola, logo no começo do filme) produzem com a sensibilidade dos espectadores. Em determinado ponto, não se sabe mais aonde começa a tentativa de entretenimento e onde termina o esforço para não nos deixar dormir, tamanho o tédio e a previsibilidade que abocanha a história, minuto após minuto – e nós sabemos o quanto sessenta segundos são importantes numa tela, certo?

Um projeto de alegoria fílmica épica sem personalidade alguma, e que custou mais de 100 milhões de dólares, e apenas serviu tanto para se pagar, quanto para manchar a carreira de DuVernay, um grande talento em ascensão bom demais para as fórmulas recicladas das máquinas de marketing imperialistas. Diante de outros triunfos recentes e fracassos da mídia mainstream, Uma Dobra no Tempo, mesmo com um ótimo elenco e direção, amargura com gosto o uso do rótulo de decepção. E faraônica, se contar a dimensão do espetáculo – o grande pesadelo de Cameron. É também o pior fiapo de ideia dependente de um projeto de worlbuilding surreal em 3D que eu já vi em muitos anos, na Disney ou em qualquer outro estúdio americano de cinema com coragem o bastante para bancar uma brincadeira dessas (Sucker Punch, de 2011, faz tudo isso parecer elogio). Cruzes.

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Crítica | Sing : Quem Canta Seus Males Espanta

3 de junho de 2017 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Animações, Fiuk, John C. Reilly, Marcelo Serrado, mariana ximenes, Matthew McConaughey, Musicais, reese witherspoon, Scarlett Johansson, seth macfarlane, Taron Egerton

Sing : Quem Canta Seus Males Espanta mais nova animação dos criadores de Meu Malvado Favorito, chega cheio de energia e recheado de canções capazes de encantar o público.

Na história um Coala que preside um decadente teatro, resolve inovar e promover um gigantesco concurso de talentos musicais, visando assim trazer o anfiteatro de volta para seus tempos áureos. Desde o início somos apresentados aos futuros concorrentes que buscam seu lugar ao sol no mundo do show business através de seu talento musical, personagens que vão desde um Gorila que contraria as expectativas de seu pai para buscar seu sonho de ser cantor até uma Elefoa dona de uma bela voz que espera ansiosamente ser descoberta e provar seu valor.

A animação segue uma cartilha bastante habitual e nada ousada e é aí que reside seu grande ponto falho. Por mais que o filme seja bem feito e conte com grandes dublagens, ele não ousa ir além e se acomoda em sua fórmula. A obra tem boas sacadas como à escolha da trilha que se alterna o tempo todo e acentua bons momentos com canções que vão do clássico ao pop, de Stevie Wonder até Carly Rae Jepsen. Infelizmente a pluralidade de sua ótima playlist acaba não conseguindo se sustentar por si só.

Há medida que história avança, ela vai deixando pelo caminho a oportunidade de explorar melhor tudo àquilo do qual ela (a história) dispõe, não se aprofundando em seus personagens e acabando com isso por não gerar ou estabelecer uma grande conexão entre suas estrelas centrais e o telespectador. O final que vai sendo construído o para ser catártico o tempo todo, acaba se transformando em uma simples resolução dos fatos apresentados. O tão almejado grand finale inerente há musicais e há histórias que buscam consagrar seus indivíduos acaba por soar sem peso suficiente.

Curiosamente, o filme não é de todo descartável, a narrativa tem seus ápices ao conseguir muitas vezes encantar através da suas respectivas interpretações musicais, é competente em sua comicidade e de certa maneira inspiradora na retratação da obstinação de suas personagens e seus sonhos. Sing : Quem Canta Seus Males Espanta pode não acertar o tempo todo, porém, está longe de ser um desastre. No frigir dos ovos vale a pipoca, vale a diversão.

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Texto de Tiago Lopes.

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Crítica | Belas e Perseguidas

4 de agosto de 2015 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

reese witherspoon, sofia vergara

A trajetória de Anne Fletcher na direção é dedicada a comédias românticas. Tais filmes não são grande sucesso de crítica, mas conquistaram relativo sucesso de bilheteria. Vestida para Casar demonstrou que Katherine Heigl tinha popularidade e talento para ser uma nova estrela neste estilo; A Proposta trazia Sandra Bullock novamente a um blockbuster, após alguns anos distanciada do sucesso. Sem nenhum romance em cena, a nova produção Belas e Perseguidas, com Reese Witherspoon e Sofia Vergara, busca resgatar as duplas femininas como personagens centrais de uma história.

Após ser indicada ao Oscar de Melhor Atriz pelo papel em Livre, Witherspoon se despe de qualquer densidade dramática para se dedicar a esta história em que compõe a policial Cooper, uma atrapalhada agente cujo pai foi um brilhante policial. Em uma nova tentativa de manter sua carreira fora dos escritórios, a moça é escalada para escoltar, ao lado de um parceiro, um casal que irá depor em Dallas contra um famoso mafioso. Após uma emboscada que termina com baixas, Cooper e a testemunha Daniella Riva (Vergara) fogem do local, e a policial tenta protegê-la a todo custo.

O roteiro se apoia em uma trama comum focando no lado cômico e na discrepância entre policial e testemunha. Cooper é uma personagem esforçada, criada desde a infância sob as regras da corporação, porém sem ter tato suficiente para adequar tais regras a realidade. Deslocada, se transforma em piada dentro do distrito. Enquanto Riva é a latina de sangue quente, desbocada e impulsiva com tendência exagerada a se importar com a beleza e riqueza. Ou seja: estereótipos do humor gerados por diferentes personalidades.

A dupla transita por diversos ambientes rumo a Dallas e, na frase mais comum de produções exibidas na Sessão da Tarde, se veem em altas confusões. Os conflitos surgem em cena sempre apoiados na discrepância das personagens enquanto, quase sem dinheiro, tentam se locomover. Vergara mantém sua interpretação costumeira, próxima da representação estereotipada de suas origens. Witherspoon mantém sua personagem um tanto caipira com certa qualidade, ainda que seja difícil imaginar por que aceitar um papel tão rasteiro em uma história rasteira após o destaque na produção oscarizada, uma interpretação que deveria lhe possibilitar melhores papéis.

A única maneira de assistir a esta produção sem rir de sua precariedade é aceitando um roteiro extremamente bobo de uma comédia que pouco faz rir, principalmente devido ao fato de que nada é verdadeiramente inédito. A obra apenas repete piadas de outras produções, sem nenhuma aparente intenção de ser divertida, nem mesmo que no breve tempo de projeção do longa.

Crítica | Vício Inerente

31 de março de 2015 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

benicio del toro, Jena Malone, joaquin Phoenix, Jonny Greenwood, Josh Brolin, Maya Rudolph, Oscar, Owen Wilson, paul thomas anderson, reese witherspoon, Robert Elswit, Thomas Pynchon

Assistir a este filme e decifrar seus signos narrativos é assistir a uma esponja absorvendo um balde d’água de dois litros: uma especulação angustiante e estranha. Paul Thomas Anderson, o cineasta pós-Sangue Negro e o ultra-autoral O Mestre, não parece mais, finalmente, ter a necessidade de impressionar ninguém, o que é tão bom quanto ruim, e faz seu filme mais erótico até agora – esqueça Boogie Nights: Prazer Sem Limites.

Vício Inerente é anos 70, é trilha sonora de domingo, é Brian de Palma e Jim Jarmusch em algum lugar do cinema ítalo-americano daquela época, perdido ou integrado informalmente em pleno 2015. Não é de se surpreender o estranhamento, não só pela forma e essência, atemporal e universal, mas principalmente estrutural, numa abordagem tão literária quanto fluida e linear, evitando ser episódica, o que poderia tornar confusa a trama já confusa – de propósito e no bom sentido, no melhor sentido, na verdade. Temos na história todos os elementos e recursos de uma investigação filmada: conversas misteriosas em ruas sombrias, figuras cômicas de tão inusitadas, diálogos que sugerem mais do que revelam, policiais, suspeitos, etc. O quanto esses recursos são usados pelo artista, e como são interpretados a favor de um contexto policial, é a aliança que consagra o filme e garante uma boa impressão no final, ainda que não tão boa e poderosa quanto outros filmes do seu diretor, isso é indiscutível.

A energia de Magnólia vai pra debaixo dos panos e surge a paranoia, por exemplo, extra e intertextual no filme, feito em Embriagado de Amor, comédia romântica cheia de segundas e terceiras intenções e que muito tem a ver com a história de Doc, personagem fantasmagórico de Joaquim Phoenix, perfeito debaixo da peruca afro e óculos escuros. Um agente policial mais interessado em ser primeiro o símbolo de sua época libertária e depois resolver o desaparecimento de um milionário, em meio a um painel de contatos e informantes que contribuem mais com a trama imprevisível e tortuosa do que com a responsabilidade de ser coadjuvantes em torno de Doc, talvez a figura mais icônica do Cinema de Anderson depois do petroleiro Daniel Plainview.

Martin Scorsese e Michael Mann, dois dos maiores diretores americanos em atividade, filmam a América escancarada, nua e crua tanto em forma, tanto em alma emergencial, como se o mundo (ou o país) fosse explodir amanhã, e um último registro precisasse e devesse ser filmado já, como um atestado rupestre em vídeo a ser imortalizado. Anderson, não; filma o que já passou para entender o presente filmado pelos outros. Mas isso não quer dizer nada, não a longo prazo. O que importa e engrossa o caldo é a relevância que ele, Tarantino e outros filhos dos anos 90 dão ao processo de revitalização do cinema americano, quase perdendo o posto de ser um dos melhores do mundo. Mas se ainda é, é por causa de gente assim, que aposta no próprio poder de persuasão artística e cultural para convencer o público que ainda vale a pena assistir a filmes como O Lobo de Wall Street, Colateral, Django Livre e Vício Inerente, somados no retrato nacional de um estilo de vida. Doc é a personificação desse estilo: vivo, porém na beira da overdose.

O filme parece ser improvisado naquela abordagem de época já comentada, apesar de que fica claro ser o bom roteiro adaptado que sustenta suas cafonices deliciosas e bem-vindas, até o final, numa bela conversa conclusiva sobre o amor e suas contradições. Mas Vício Inerente não é suas contradições: é adaptação, inclusive a nossa, de uma plateia pós-moderna assistindo a glórias e pesares de uma época precoce, diante de uma ex-realidade que a atual deve muito de seus vícios e fraturas, vitórias e valores por mais ambíguos que tudo isso possa ser. Não é tampouco um livro filmado ou folhetim de um crime: é, isso sim, o romance homônimo publicado por Thomas Pynchon em 2009, tratado na tela de forma moderna, sem limitações de mídia que não poderíamos esperar de quem adaptou de forma épica o romance de Upton Sinclar, em 2008. Alguém achou que juntar Os Infiltrados com Embriagado de Amor era uma boa ideia. Talvez a obra de Pynchon não precise ter o mesmo poder e escala dados ao livro de Sinclair, por mais viciante que foi aquela força profunda molhada de petróleo, aqui cheirando a maconha e com 1/3 da profundidade. O problema é que o filme não se leva a sério, quando Anderson tem talento o bastante para ser pretensioso numa boa.

Crítica | Livre

29 de janeiro de 2015 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Gaby Hoffmann, Jean Marc Vallée, Laura Dern, Nick Hornby, reese witherspoon, Yves Bélanger

Com roteiro do badalado escritor britânico Nick Hornby e direção do canadense Jean-Marc Vallée, Livre conta a história real de superação de Cheryl Strayed, escritora que percorreu os mais de 1600 quilômetros da Pacific Crest Trail, que vai do sul da Califórnia até a fronteira do Canadá.

Após passar por traumas recentes, como a morte da mãe, divórcio decorrido de traições e do uso abusivo de heroína, e sem preparo físico algum, Cheryl decide partir para o enorme desafio físico de percorrer uma difícil e perigosa trilha, entrando em uma jornada de autodescobrimento.

Baseada no livro autobiográfico lançado em 2012, a adaptação de Nick Hornby deixou um roteiro fluido que permitiu o rápido avanço na história. Narrado como um road movie, a proposta do filme é discutir o doloroso processo físico e psicológico que representa o recomeço. A cena inicial, antes do crédito do filme, é bem emblemática neste sentido: depois de arrancar a própria unha do dedão direito em cima de um penhasco, consequência do uso de botas mal escolhidas, Cheryl perde um dos pés do calçado e então decide jogar pelo penhasco o outro pé, gritando “Fuck you!”.

Uma das dificuldades de analisar a obra é evitar cair no senso comum e chamar Livre de Na Natureza Selvagem feminino (leia a nossa crítica do filme, e a resenha feita para o livro de Jon Krakauer). Apesar de usar a mesma estrutura narrativa de flashbacks no meio de uma narrativa principal, e de ter uma protagonista sozinha em meio a natureza, são duas propostas completamente diferentes: Cheryl Strayed não nega o seu papel na sociedade como Christopher McCandeless o faz, e muito menos prega o desapego aos bens materiais ou nega os valores da sociedade em si; ela está ali, longe da civilização, para repensar a sua vida e os seus valores. Inclusive, na parte em que é entrevistada contra a sua própria vontade, Cheryl repete várias vezes ao repórter que não é uma andarilha sem destino, e que tem um objetivo muito claro: completar a difícil trilha; em outra parte, ela cria expectativa para as botas novas que irá receber, já que os seus pés estão quase em carne viva em razão da cena inicial. O roteiro de Nick Hornby tenta se distanciar ao máximo da inevitável comparação com o filme de Sean Penn, e consegue com sucesso.

A tradução do título do filme para o português é curiosa. Livre é selvagem e também serviria como título, pois não há ordem ou papel social a ser representado quando se é “selvagem”. Porém, “Livre” aparenta ser uma escolha mais acertada, já que a protagonista precisava se livrar das amarras que a prendiam para começar uma nova vida, inclusive em outra cidade.

A atuação de Reese Whitespoon é incrível. Ela consegue encarnar a Cheryl Strayed, a amorosa filha abalada após a morte da mãe, nas difíceis cenas em que se droga e faz sexo violento, até ter a sua redenção através do trabalho físico de percorrer a extensa trilha e ter que lidar com os perigos e contratempos do caminho. Os outros atores têm boas aparições, mas nenhuma que importe tanto quanto a da mãe de Strayed, vivida pela sempre ótima Laura Dern, ou a do ex-marido da protagonista, interpretado pelo bom Thomas Sadoski (o Don Keefer de The Newsroom).

O canadense Jean-Marc Vallée repete a boa direção depois do ótimo Clube de Compras Dallas, e neste ela se revela novamente na direção de atores, com a atuação solitária de Reese na trilha tendo que lidar com a solidão e os seus demônios internos. No entanto, uma crítica que pode ser feita refere-se ao final um pouco abrupto do filme. Apesar de indicar no roteiro o ponto onde a trilha terminaria, faltou ao diretor trabalhar melhor a informação para dar mais sentido à conclusão da história.

A fotografia naturalista desempenha o que se espera de um bom fotógrafo como o canadense Yves Bélanger, que também fotografou Clube de Compras Dallas, embora as bonitas imagens da natureza pudessem ter sido um pouco mais impactantes.

A edição foi um dos pontos altos do filme. O diretor, que também editou o filme junto ao canadense Martin Pensa, outro colaborador de Clube de Compras Dallas, criou cortes rápidos e interessantes quando liga os flashbacks de lembranças de Cheryl com a realidade do presente. Neste sentido, pode ser tecida uma comparação com os cortes ágeis às cenas dos personagens usando drogas em Réquiem Para um Sonho, de Darren Aronofsky.

Livre vale a pena ser visto não só por estar concorrendo ao Oscar, mas sim por ser uma linda história da mais simples humanidade, que vai do amor à perda, da entrega ao caminho fácil à superação; e, finalmente, de mudança e renascimento.

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Crítica | Sem Evidências

6 de outubro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Atom Egoyan, black metal, colin firth, Mireille Enos, reese witherspoon

O crime como ação, subtração de uma vida e causador de desordem na sociedade é sempre um ato chocante. Um vandalismo que ultrapassa a lei invisível – ou divina, dependendo de sua crença – de que não se deve matar um semelhante. Ação suficiente brutal para modificar estruturas à sua volta.

Sem Evidências analisa um famoso caso de assassinato, reconhecido, principalmente, pela investigação e condução confusas e errôneas. Trata-se da investigação e do julgamento que culparam três adolescentes – conhecidos como os Três de West Memphis – pela morte de três crianças em 1993. Um crime brutal ocorrido no interior de uma floresta e apontado, na época, como um ritual satânico.

A morte de infantes atribuída a um ritual satânico são contornos que aprofundam o choque destes assassinatos violentos. Comum em séculos passados, o infanticídio é visto com maior atenção e espanto pela sociedade, em parte, devido à percepção psicológica de que a criança é um ser em formação, ainda puro e inocente, que nunca deveria ser submetido a qualquer ato grotesco. Em um país com parte da população cristã, referir-se a estas mortes como um ato satânico foi o suficiente para que surgissem hordas revoltosas desejando vingança, além de colocar nos holofotes a investigação da polícia, que deveria ser minuciosa, à procura dos culpados.

A intenção da obra é trazer à tona a parcialidade da verdade em um caso que foi construído sem a clareza necessária e, em julgamento, descartou evidências importantes para o desfecho e a sentença dos adolescentes envolvidos. O enredo acompanha tanto as famílias em luto, centralizadas no drama de Pam Hobbes (Reese Witherspoon), mãe de uma das crianças, quanto a investigação paralela de um detetive (Colin Firth) contrário à condenação e que, em meio aos erros da polícia, tenta descobrir a verdade para salvar os adolescentes.

Baseado no livro investigativo de Mara Leveritt, a história aproxima-se mais de uma exibição assistida e reconstituída do que um suspense dramático sobre assassinatos brutais. Como um estudo de caso, é fiel em apresentar datas e acontecimentos factuais, mas não se trata de uma filmagem-documentário, e não há nenhum ponto de tensão desenvolvido para uma narrativa ficcional.

Se parte de um crime consiste na recepção da sociedade e da mídia e na punição dos culpados, é necessário um viés dramático que conduza a experiência. Ao apresentar cenas distantes e imparciais, a história dá a dimensão completa de como o assassinato foi repercutido e os erros perpetuados durante sua execução judicial. No entanto, faz do público uma mera testemunha de uma história criminal que, anos depois, apresentou novas provas, demonstrando o mal andamento da investigação local.

Crítica | Amor Bandido

13 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Jeff Nichols, Matthew McConaughey, Michael Shannon, reese witherspoon, sam shepard, Tye Sheridan

O terceiro longa-metragem de Jeff Nichols começa utilizando a infância como alegoria para o início da existência, mas sem poupar o público, pois a mocidade é retratada sem muitas fantasias ou idealizações. A crise, os amores e relacionamentos mal resolvidos resvalam nos pequenos protagonistas, Ellis (Tye Sheridan) e Neck (Jacob Loflan) – e os influenciam negativamente na puberdade de ambos. O inferno astral a que Ellis é submetido o deixa anestesiado e carente, e por isso ele não estranha a presença de um elemento desconhecido nas redondezas de sua pequena cidade.

A casa de Galen (Michael Shannon, mais uma vez em um filme de Nichols), tio de Neck, é a representação visual da decadência típica da cidadezinha: um lugar sujo, imoral, hostil, e pervertido. Até o sexo, que poderia ser algo belo, é tratado de forma degradante, sem o mínimo de romantismo ou tato. Os habitantes do lugarejo parecem parados no tempo, estacionados no pior momento de suas vidas.

O anti-herói, personificado por Matthew McConaugh, está foragido e utiliza a floresta como esconderijo, onde se encontra com a atenção máxima em tempo integral. O único auxilio e as únicas mãos amigas que encontra, até então, partem dos dois meninos. Mesmo sem conhecê-lo, Ellis se doa inteiramente para que o enlameado Mud fique o mais confortável possível – a procura do infante é por alguém do mundo adulto que não o fira sempre que houver uma tentativa de aproximação de sua parte. As tonalidades escolhidas por Nichols para retratar os locais comuns ao menino sintetizam suas sensações: enquanto que em sua casa, o local incômodo, predominam as cores marrom e cinza, as cenas na floresta onde ele está com o seu igual são vivas, prevalecendo o verde e o amarelado da blusa do novo amigo.

O modo como Mud pensa e desenvolve sua vida demonstra que ele não tem todas as propriedades de raciocínio típicas de um adulto. Apesar de não possuir a inocência dos meninos, seu discernimento é igualmente imaturo e inconsequente, e este é o motivo que o faz se identificar tanto com eles, pois ambos carecem de uma segura figura paterna – o presente do fugitivo poderá vir a ser o futuro do jovem rapaz.

O ancião Tom, interpretado por Sam Shepard, é uma das poucas vozes lúcidas perto do personagem-título. Suas palavras evidenciam o quão imprudentes e levianas são as motivações de seu antigo protegido, e ao receber a verdade, Ellis nega tudo, como sua contraparte mais velha faz. Mud não consegue mudar, somente se enreda no círculo vicioso em que está. Sua decepção com a rejeição coincidentemente ocorre em paralelo com a bronca do pai em Ellis, e ambos se mostram como excluídos dos sentimentos e relações que tanto apreciavam. A aproximação dos dois serve como uma simbiose.

Juniper (Reese Witherspoon), a antiga namorada do protagonista, é a representação da covardia humana e da falta de coragem para arcar com os desejos do coração, não só para o homem, mas também para Ellis. O menino se decepciona com tantas rejeições e culpa a si mesmo – no caso, a contraparte do que poderia vir a ser: Mud. Na fuga que tenta fazer de si mesmo, o anti-herói cai num covil de serpentes, onde é envenenado, numa simbologia clara à inexorabilidade do enfrentamento de seus próprios problemas. Fugir, no caso, é a pior das soluções. Ao ver o menino em apuros, o personagem principal larga o arquétipo anti-heroico e veste a capa do clássico salvador. Mal pensando em si, corre para acudir o amigo e se torna visível para aqueles que o procuram, mas, dessa vez, não se preocupa em ser finalmente pego.

Após todas as reviravoltas, Ellis vê a chance de mudar sua vida. O rapaz, que antes temia o divórcio dos pais, se vê nesta situação e parece não ter mais receio da nova condição. Assim como Mud, ele resolve deixar os medos e o passado de lado para finalmente evoluir e viver a própria vida, ainda que as agruras e os erros futuros estejam garantidos.

Amor Bandido é um filme sobre deslocamento, sobre a tentativa de encontrar um lugar no mundo. Mensagens presentes também em Shotgun Stories e O Abrigo do mesmo Jeff Nichols, mas que em momento algum são repetitivas, em razão da ótima forma de abordar as necessidades humanas com a qual o realizador exerce em seus roteiros autorais.

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Crítica | Uma Dobra no Tempo

Crítica | Sing : Quem Canta Seus Males Espanta

Crítica | Belas e Perseguidas

Crítica | Vício Inerente

Crítica | Livre

Crítica | Sem Evidências

Crítica | Amor Bandido