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O livro do correspondente de guerra Curzio Malaparte entrou para história como um visceral conto feito de modo secreto enquanto ele registrava suas vivências em solo nazista. A arte de Eloar Guazzelli reabre as feridas da Malaparte em Kaputt, a versão em quadrinhos que invoca todo o sectarismo e crueldade nos atos dos alemães inspirados pelo antigo chanceler austríaco.

A missão de transpor os relatos do jornalista a outra mídia deve-se ao fato de que foi o pai do artista da nona arte que lhe presenteou com o denso trabalho de Malaparte, repleto de camadas e cuja compreensão varia de acordo com o repertório do receptor. O começo do relato é feito sob a égide de que é o medo que fomenta o ódio dos que causam o mal, uma alusão ao desconhecimento como fonte da antipatia do ser humano. Sem aplacar os horrores e preconceitos, a obra desmistifica o conceito de que havia na Alemanha, dos anos 30 e 40, uma desinformação geral, ao menos da parte dos poderosos.

O traço característico de Guazzelli dá uma nova dimensão de significados ao letrado original, algumas vezes dispensando os dizeres canônicos. Dentre todos os pecados dos opressores, o mais latente é certamente o da xenofobia, já que Malaparte encontrava-se na Ucrânia, assim como muitos soviéticos. Ainda assim, a denúncia também recai sobre o tratamento dado aos poloneses, vistos como seres inferiores, flagrando os guetos onde os judeus viviam e de onde era tirado o sacrifício que servia ao (pouco) simbólico banquete genocida.

As figuras criminosas são mostradas, de início, nas sombras, com pouca luz sobre suas faces, distintas suficientemente para não descaracterizar a humanidade dos prisioneiros. Uma tentativa de não banalizar os pecados cometidos sob o pretexto da guerra.

A predominância de cores escuras remete à ausência de bondade nos atos dos homens da Gestapo, que não têm qualquer piedade de suas vítimas, mesmo quando estas são munidas da ingenuidade típica da infância. Os poucos mostrados em cores vivas são os que não praticam atos bélicos, ao menos naquele momento. No entanto, quando as falas remetem ao conflito, a colorização negra retorna para deixar explícito onde reside o mal.

O espírito sentimental atrelado ao texto de Kaputt faz emocionar e introduz-se como documento histórico. Gerada pelo brasileiro, que assumiu a árdua tarefa de dar vida aos contos de chacina redigidos pelo italiano, a obra produz uma pessoalidade poucas vezes vista em histórias do Holocausto, traduzindo em fortes imagens a dor de um povo e o remorso de quem fez parte daquilo, ou dos que ainda guardam em si qualquer rastro de civilização. Mesmo após o anúncio do fim da narrativa, os aspectos de Kaputt são ligados à desfaçatez e à inumanidade dos que produziram morte, violência e desprezo por outrem. Um alerta, em última análise, para que a própria História não volte a se repetir.

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A ausência de regras, espaço-limítrofes ou sistemas fornece a liberdade para que artistas utilizem sua biografia a favor da arte. Não faltam exemplos em pinturas, esculturas, cinema, música, quadrinhos que não corroborem com esta afirmação. Autores que transformam a realidade em matéria artística, uma reflexão permitida pela arte, ao produzir um distanciamento necessário a uma nova observação da própria experiência. Uma reinvenção da vida, uma reconstrução da história a partir da memória ou do processo criativo.

Professora de cursos de criação de quadrinhos no Cornish College of Arts em Seattle e desenhista indicada a mais de um prêmio Eisner, Ellen Farley foi diagnosticada aos 30 anos de idade com transtorno bipolar. Como qualquer doença envolvendo transtornos mentais, a recepção inicial por parte da autora é formada pela descrença, seguida da sensação de que um fardo definitivo mudará sua vida e, no seu caso, destruirá sua criatividade, principal fonte de sua composição artística. É esta trajetória que o leitor acompanha em Parafusos – Mania, Depressão, Michelangelo e Eu – Memórias em Quadrinhos de Ellen Forney, lançado pela WMF Martins Fontes em outubro deste ano.

Normalmente, a composição da arte é vista como um conjunto de particularidades de um indivíduo, e um consenso sem razão transformou a profissão artística quase em um processo divino. Por este princípio, a loucura também ganhou contornos poéticos, como um aspecto que produz uma diferenciação ou maior acesso criativo ao artista. A compreensão e aceitação de uma doença sem sintomas aparentes ou visíveis aos olhos ainda são vistas com dúvida pela sociedade. Para qualquer um que sofra qualquer tipo de distúrbio semelhante, é fácil saber que o diagnóstico e as doenças mentais não são tão exagerados como a mídia costuma explorar, mas cuidados são necessários e importantes.

A procura em compreender sua própria condição transforma Ellen em uma pesquisadora dentro do universo das artes, identificando quais personalidades foram diagnosticadas ou – diante de cartas e diários antigos – possivelmente eram possuidoras de um transtorno bipolar: um grupo de diversos artistas, como Van Gogh, Sylvia Plath, Edgar Alan Poe, entre outros, ao qual a autora se refere carinhosamente de Clube Van Gogh. Personagens reais que, à sua maneira, lidaram com problemas iguais em outras épocas. Sem dúvida, há a possibilidade de que alguns destes artistas conseguissem trabalhar ativamente com seus distúrbios, enquanto outros sentiam-se incomodados com as variações de humor. Cada um deles lidando da melhor maneira possível com a enfermidade em questão, transformando-a em matéria artística.

Produzindo um objeto de arte com a própria doença, a autora modifica-a em uma terapia universal, compartilhando o drama interno com leitores ao mesmo tempo que realiza uma obra de referência para o tema, desmitificando o fardo de um transtorno psíquico e o conceito midiático de loucura como forma artística. Seu ofício de ilustradora foi a maneira natural pela qual a autora pode explorar o tema, e uma das maneiras de reencontrar a si mesma.

Os desenhos permitem imersão nos sentimentos mutáveis da personagem e nas diversas oscilações que sofre um paciente com transtorno bipolar. A ausência de linearidade como um conceito estético permite a inclusão de diversos estilos, desde a história em quadrinhos feita em quadros e balões a imagens que ocupam a página toda, recriações de fotos e apropriações de páginas do diário da autora, indo além de um livro referência para a bipolaridade, demonstrando, pelas interpretações dos desenhos, como vive um paciente em seus estados maníacos até adequar-se com a medicação correta e com um equilibro interno próprio. Assim, apresenta-se uma visão além do depoimento escrito, como costumeiramente se lê em livros que tratam o assunto.

Sem medo de falar de sua própria condição, Forney produz uma interessante obra sobre as imperfeições e transtornos que uma parcela da população possui, conduzindo a trama de maneira natural, sem exagero ou uma análise erudita. Além disso, a autora tem o mérito de transformar a própria doença em um objeto de arte que também destaca seu ofício de desenhista. Atualmente, Forney encontrou equilíbrio adequado e apresenta palestras tanto sobre desenhos quanto sobre o transtorno bipolar, com depoimentos. E afirma, ao fim desta edição, estar vivendo bem consigo mesma.

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O público abrangente e a base sólida do mercado brasileiro de quadrinhos possibilitam, hoje, a publicação de pequenas obras autorais que, em outros tempos, não chegariam em nossas mãos. Ainda que a maioria dos leitores de quadrinhos no país se formou com leituras de super heróis, há poucos que evitam ou se incomodam com uma narrativa que não utiliza ganchos e ação em excesso, mantendo o interesse por outras vertentes de estilo dentro das diversas possibilidades que esta arte proporciona.

Os Ignorantes – Relato de Duas Iniciações, lançado neste ano pela WMF Martins Fontes, é uma obra inserida dentro de uma experiência real. Uma metanarrativa que apresenta o autor Étienne Davodeau como personagem, em companhia do amigo vinicultor Richard Leroy, para uma interessante proposta: uma troca de experiências de vida entre ambos. Durante um ano, o quadrinista acompanha a colheita e o processo de composição dos vinhos de Leroy, enquanto o vinicultor conhece o universo das HQs, desde rabiscos feitos para produzir esta história até leituras de obras renomadas e encontros com outros artistas franceses.

Movidos por uma paixão intensa, cada um em seu respectivo ofício, os personagens se veem debruçados sobre um novo universo não explorado. Como guias em uma jornada dupla, diferente de seus cotidianos, contemplam os caminhos que levam a um bom vinho e a uma boa HQ. Uma experiência que funciona pelo mergulho curioso em outro cotidiano.

Recontando a experiência documentada pelos quadrinhos, o leitor se torna testemunha passiva da jornada, mas infelizmente incapaz de participar das leituras e bebidas sorvidas pelos amigos (há no final da edição uma lista apresentando vinhos e leituras degustadas). O vinho e os quadrinhos são artes escolhidas como objeto, mas não centro da obra; é a experiência e a discussão que importam à experiência.

A arte é vista sob um plano geral que aproxima a produção de vinhos e os quadrinhos diante da percepção de que são necessários conhecimento, dedicação, paixão e amor para que o trabalho seja bem realizado. Mesmo que no final do processo o público observe uma garrafa de vinho, ou uma HQ exposta em livraria como um mero objeto, o processo da arte esconde diversas etapas, tanto burocráticas quanto sensíveis, em sua feitura. Dentro da vinícola de Leroy, observamos a importância do solo, as podas diárias e a utilização de produtos naturais para o solo e preservação das uvas, acreditando que o contato direto com a vinha e produtos não industrializados ou químicos produzem uma safra melhor. Não há como desassociar a composição de um vinho de um verdadeiro trabalho artístico, que denota conhecimento externo sobre elementos diversos e um toque de intuição e estilo próprio.

Entre leituras e bebidas, personagens dialogam sobre estas paixões, evidenciando a importância da experiência e opinião sobre a própria arte. Ela é um elemento de aproximação capaz de conectar desconhecidos devido a sua força e à pluralidade de opiniões, uma das motivações que produziria este coletivo. Os artistas não buscam uma supremacia com suas obras, mas um espaço em que se discuta a arte dos quadrinhos e dos vinhos.

Além da paixão pela profissão, há também o prazer em realizá-la. Essa jornada é transformada em uma apetitosa degustação sensorial, um caminho de conhecimento que, em suas linhas gerais, demonstra o quanto uma obra deve ser composta – não importando se arte ou não – com prazer e paixão para um resultado efetivo, como se o trabalho do artista estivesse representando adequadamente a experiência íntima de cada leitor ou degustador. O vinho e os quadrinhos são a referência para reverenciar a arte, e torna-se quase impossível para o leitor, após esta obra, não se sentir tentado a realizar uma experiência pessoal de observação cotidiana e, entre amigos, saborear vinhos, livros e quadrinhos.

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