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Editora New Pop, makoto shinkai, Mangás, Midori Motobashi

O Jardim das Palavras (Kotonoha No Niwa) é um média-metragem de animação dirigido pelo aclamado diretor japonês Makoto Shinkai (leia nossa crítica aqui). Posteriormente, a obra foi adaptada em mangá. É sobre esta adaptação que iremos falar hoje.

O colegial Takao Akizuki tem o sonho de se tornar um sapateiro. Obstinado por seu objetivo, chega a trabalhar em vários bicos para conseguir dinheiro para comprar materiais e seguir com seus projetos. Em um dia chuvoso, Takao resolve cabular aula e vai a um calmo parque sentar-se em um banco, cercado de natureza. Naquele mesmo local está sentada uma mulher cerca de 12 anos mais velha bebendo cerveja.

Aparentemente ela está faltando trabalho. Os dois iniciam uma conversa tímida e, por diversos outros dias, irão se reencontrar naquele mesmo local em dias chuvosos. Aos poucos, Takao começa a nutrir um sentimento por aquela mulher. Não sabemos se a recíproca é verdadeira. Mas os dois ficam cada vez mais próximos. E a chuva sempre presente.

É preciso salientar a enorme beleza da arte do mangá. Para quem assistiu ao filme, sabe que o aspecto visual é de cair o queixo, algo comum nos filmes de Shinkai. O traço de Midori Motobashi honra essa qualidade com folga. Além dos personagens muito bem retratados, os cenários recebem um cuidado excepcional. E mais, não se poupou esforços para que grande parte dos quadros tivesse cenário, ponto muito positivo. O cuidado e delicadeza da arte fazem jus à história em si, que retrata de forma bonita e sóbria o relacionamento de duas pessoas comuns. E ao longo da obra, podemos conhecer um pouco mais a história daquela mulher desconhecida.

O mangá optou por ter poucos balões de fala em cada quadro, mantendo um ritmo fluido de leitura para se aproximar do filme. Mesmo que sua leitura seja rápida, ela provavelmente será interrompida inúmeras vezes para admirar os belíssimos quadros que Motobashi desenhou com tanto esmero.

O cerne da história é simples, consistindo em um relacionamento. Porém, a habilidade de Shinkai em trazer histórias simples com diversos elementos interessantes e alto nível de sensibilidade dão um charme todo especial à obra. Os dois personagens centrais são muito bem retratados, cada um em seu nível de maturidade, problemas pessoais e aspirações futuras. Takao será uma espécie de luz na vida dela, que há tempos perdeu a motivação profissional.

Esta adaptação em mangá mostrou-se um excelente produto que vale a pena ser conhecido, mesmo por quem já assistiu ao filme. Publicado no Brasil pela NewPOP em volume único, papel branco de ótima qualidade e páginas iniciais coloridas.

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Review | Etrian Odyssey V: Beyond The Myth

9 de abril de 2019 by Almighty

etrian odyssey, jrpg, nintendo 3ds

Se você nunca ouviu falar desta franquia e ficou intimidado com o número cinco, não se preocupe. Cada jogo é independente, tal como Final Fantasy e Dragon Quest. Porém, diferente das duas franquias citadas, Etrian Odyssey não tem foco em história. Na verdade, não da forma convencional. Geralmente temos uma linha narrativa com diversos personagens, uma trama que é desenvolvida em início, meio e fim, um objetivo a ser alcançado, um grande vilão, essas coisas. Aqui temos uma outra proposta, que será discutida adiante.

Etrian Odyssey V é um dungeon crawler em primeira pessoa, e o objetivo é explorar um misterioso labirinto. Este gênero existe há décadas, com diversos exemplos bem conhecidos: Ultima Underworld, Eye of the Beholder, Wizardry, dentre outros. A Atlus, produtora conhecida por Shin Megami Tensei e Persona, orientalizou o gênero e criou esta franquia que nasceu há mais de dez anos no Nintendo DS. A tela de toque foi muito bem aproveitada e criou uma das mecânicas icônicas da série, que é desenhar o mapa. Sim, enquanto você explora cada andar do labirinto, é importante desenhar o mapa, que além de auxiliá-lo na aventura, é uma de suas missões no jogo. Parece algo chato e travado de fazer, mas basta colocar as mãos no jogo para ver que é divertido e funcional.

De uma forma resumida, você precisa formar um grupo de até cinco heróis, comprar bons equipamentos e itens e explorar o labirinto ao mesmo tempo que desenha o mapa e enfrenta monstros perigosos em batalhas por turno. De tempos em tempos, é necessário voltar à cidade para recuperar as energias, comprar e vender itens e receber novas missões. A ideia é bem simples, mas vamos destrinchar cada uma delas.

A cidade é explorada de forma simplificada, por meio de menus. Cada local é acessado escolhendo-o no menu (muito parecido com Shin Megami Tensei IV, só para citar um exemplo). Na estalagem existem as opções de dormir para recuperar suas energias, além da possibilidade de guardar itens. Seu inventário é limitado, então será útil guardar algumas coisas. Tudo é feito com menus e uma interface gráfica simpática.

No bar, é possível aceitar missões paralelas a serem realizadas no labirinto, geralmente matar algum monstro ou adquirir itens específicos. É importante conversar com o seu contratante e adquirir mais detalhes da missão, inclusive a motivação delas em extensas conversas.

A guilda é um ponto muito importante. É lá que você irá formar seu grupo de heróis. Como já é de praxe na série, você tem um bom leque de customizações, inclusive da aparência e voz. Existem quatro raças e dez classes, sendo que as habilidades (skills) podem decorrer de uma ou de outra. Em geral, as skills de raça são mais voltadas à exploração do labirinto, que auxiliam inclusive na aquisição de itens durante a aventura. Já as classes são mais segmentadas para o combate no aspecto ofensivo, defensivo e suporte. Aqui é necessário haver uma boa análise de cada uma para montar um grupo equilibrado e variado. Vale a pena investir um bom tempo nesta etapa. É possível criar dezenas de heróis, mas recomendo manter o mesmo grupo até o fim, a não ser que você tenha paciência para subir o nível dos novatos em momentos avançados do jogo.

Durante minha jornada, troquei dois heróis por volta do nível 10. Foi uma adaptação necessária que possibilitou avançar na aventura com um pouco menos de dificuldade. Portanto, arrisco dizer que os primeiros cinco andares do labirinto é o momento ideal para definir seu grupo. Vá experimentando as variações e encontre o melhor equilíbrio, que geralmente está em dois personagens de ataque físico, um de suporte, um curandeiro e um mago.

É possível mudar a classe de seu personagem ou mesmo redistribuir os pontos de skill, e cada caso tem uma penalidade. É uma opção muito útil e que também utilizei. Ao chegar no nível 20, você poderá escolher uma nova classe, que é somada à atual. Ou seja, você mantém as skills da classe original e ganha várias outras da nova classe. Isso amplia bastante o leque de opções, mas exige cuidado na escolha para manter o equilíbrio do grupo.

A exploração do labirinto é feita com visão em primeira pessoa como se estivesse em um grande tabuleiro, visto que os passos são feitos em “quadrados”. As batalhas se iniciam em encontros aleatórios e decorrem em turnos, no modelo clássico de JRPG. Felizmente, é possível dar muitos passos antes de aparecer um monstro, permitindo uma exploração mais fluida. Alguns monstros aparecem no mapa e estes são muito fortes. Geralmente você não terá um nível adequado para enfrentá-los no momento, então corra.

As batalhas tem uma estrutura simples que exigem estratégia elaborada. Em cada turno, os heróis e monstros tem uma única ação. Os heróis poderão utilizar ataques físicos, skills, itens e uma habilidade combinada. Vamos por partes.

Ataque físico é o básico de todos os JRPG: o herói utiliza sua arma para atacar diretamente o inimigo. Estes ataques podem ser de corte (espadas e foices), perfuração (arco e flecha ou lança) ou contusão (cajados e armas de fogo).

Já as skills são bem mais variadas. Além dos ataques físicos já mencionados, também podem ser elementais (fogo, gelo e raio), além de aplicarem diversos status prejudiciais (veneno, paralisia etc). Cada inimigo pode possuir vulnerabilidades ou resistências a tipos de ataques e status, gerando uma variedade enorme de estratégias. Também existem skills de cura para recuperar energia ou curar status, e outras que dão suporte aumentando ou diminuindo ataque e defesa. Outras skills mais específicas protegem o grupo de ataques e até conjuram aliados de batalha. A variedade é muito grande, então explore bem cada raça e classe para adquirir as skills mais úteis. Muitas vezes é melhor ter poucas skills em níveis altos ao invés de várias em nível baixo.

Batalhas vitoriosas rendem experiência que aumentará seus atributos e dará um ponto de skill para ser distribuído livremente. A realização de missões secundárias e de alguns eventos encontrados no labirinto também rendem uma boa quantidade de experiência, amenizando o grinding de batalhas. Vale salientar que os eventos do labirinto são descritos por longos textos descritivos, o que se torna cansativo. A falta de elementos visuais nesses eventos e missões paralelas é um dos pontos negativos do jogo.

Mas é claro, nem só de níveis vive um herói. Utilizar bons equipamentos é essencial para ter uma jornada mais segura. Aqui teremos o fator mais viciante do jogo. A principal forma de ganhar dinheiro é adquirindo itens no labirinto e vendendo-os na cidade. Os itens são encontrados matando monstros, explorando o labirinto e adquirindo como recompensa nas missões. Ao vender os itens na cidade, o vendedor habilita novos itens para a compra. É como se você vendesse a matéria-prima e ele te oferece itens e equipamentos feitos destes materiais. O dinheiro das vendas, obviamente, é muito menor que o preço dos equipamentos, então será necessário vender boas quantidades de itens variados. No início, o dinheiro é extremamente escasso, exigindo paciência do jogador.

E a história do jogo? Este é um ponto a ser discutido. Em suma, não existe uma linha narrativa robusta, nem desenvolvimento dos heróis. Seu objetivo é basicamente explorar e mapear o labirinto. Não há uma trama elaborada com reviravoltas emocionantes. O que existe são informações e pequenas histórias que enriquecem o mundo e sua mitologia. Os diálogos com os personagens que te dão as missões também ajudam nisso. São toneladas de textos descritivos no labirinto e diálogos com os personagens, mas que não seguem uma estrutura narrativa que desenvolve a trama central. O foco do jogo é nas mecânicas e exploração, tanto que o jogo prefere longos textos ao invés de elementos visuais.

É preciso salientar a extensão do jogo. Foram quase 70 horas para finalizar, e existe conteúdo pós-final. Por mais que o jogo seja repetitivo, por incrível que pareça não cansa. O tempo passa voando, sempre há alguma missão paralela a ser feita, algum ponto do labirinto para explorar, e o ciclo não pára. Vale a pena interromper sua jornada para fazer missões secundárias, que rendem itens e uma boa quantidade de experiência, diminuindo a necessidade de grinding.

Por último, mas não menos importante, as músicas. São poucas trilhas ao longo de todo o jogo, porém feitas pelo mestre Yuzo Koshiro, que dentre os trabalhos mais conhecidos está da clássica série Streets of Rage, o já mencionado Eye of the Beholder e os títulos anteriores de Etrian Odyssey. Na cidade, existem músicas variados e muito legais, que vão de temas medievais à levadas de saxofone. No labirinto, cada parte de cinco andares tem uma música que ambienta muito bem o cenário. As músicas de batalha também são ótimas, com levadas de rock e, nos chefes, algo mais orquestrado.

Este foi meu primeiro contato com a série. Não posso afirmar que seja o melhor título para começar. Muitos recomendam o IV, outros os remakes Untold, que aparentemente têm a dificuldade um pouco reduzida e mais foco em história. O novo título foi lançado agora, Nexus. Independentemente de onde você começar, comece. Os títulos do DS são mais arcaicos, com animações de batalha bem restritas e menos opções de classes. Em relação ao V, o jogo entrega uma boa curva de aprendizagem, um pouco exigente em alguns pontos, mas não chega a ser frustrante.

Resenha | Só Você Pode Ouvir

1 de abril de 2019 by Almighty

Hiro Kiyohara, JBC, Mangás, Otsuichi

Ryo tem dificuldades em se comunicar com as pessoas, inclusive colegas de escola. Todos possuem um celular, menos ela. Seu desejo em possuir um vai aumentando a cada dia. Aumenta até o ponto de ela criar um celular imaginário. Até aí, nada de mais. As coisas mudam quando ela decide tentar ligar para números aleatórios… e alguém atende.

O título da obra já é sugestivo, apenas Ryo ouve o celular imaginário (por motivos óbvios). Porém, cria fortes vínculos com duas pessoas via telefonia imaginária: uma mulher de quase 30 anos de idade e um rapaz um ano mais velho que ela. Interessante que a mulher será uma espécie de conselheira de Ryo, inclusive para ajudar no relacionamento com seu novo amigo.

O elemento fantasioso serve para destacar a parte humana da história, especialmente a solidão. Ryo sentia uma solidão constante por sua dificuldade em se comunicar. A garota sequer gosta da própria voz. Quando inicia a comunicação com os novos amigos, ela visivelmente se torna mais feliz. Cria laços com seus novos amigos imaginários (?) e vai se abrindo aos poucos. Em determinado momento, ela faz um teste para confirmar se estas pessoas são reais.

Este é um dos vários exemplos de história simples e bem contada. O roteiro de Otsuichi, foi baseado no conto Carta de Amor, de Jack Finney. Ele é bem modesto ao afirmar que sente vergonha de ter escrito este roteiro, mas descarrega todos os elogios ao artista Hiro Kiyohara que deu vida à trama nas páginas de mangá. E merecidamente, pois Kiyohara possui um traço belíssimo e muita qualidade narrativa.

Ao longo da narrativa, Ryo passa a refletir sobre diversos assuntos, e o leitor, inevitavelmente, a acompanhará. A solidão é tratada com muita sensibilidade, sem melodramas ou forçações de barra, muito pelo contrário. Neste ponto, a obra é muito pé no chão e muitos leitores poderão se identificar com as situações e sentimentos vivenciadas por Ryo. A leitura é bem leve, com poucos textos por quadro.

De uma premissa simples depreende-se um desfecho emocionante e profundo. Uma bela obra em volume único publicado pela Editora JBC.

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Review | The Legend of Zelda: Ocarina of Time

29 de março de 2019 by Almighty

nintendo, nintendo 3ds, nintendo 64, The Legend of Zelda, Zelda

Sinto lhe dizer que certos clássicos não resistem ao tempo. Podem ter sido ótimos em suas épocas de lançamento, mas analisando nas perspectivas atuais, inevitavelmente notaremos falhas e elementos ultrapassados. Seria este o caso de Ocarina of Time, considerado por muitos o melhor título da série? Vejamos.

Quando lançado, Ocarina of Time parou o mundo dos videogames. Nunca tive um Nintendo 64, mas na época comprei uma edição especial da falecida revista Gamers falando do novo Zelda. Só elogios. Nota máxima. Nenhum aspecto negativo apontado. Consegui jogar um pouco no videogame do meu amigo, nada muito além disso. Anos mais tarde, por meios “alternativos”, finalmente joguei este clássico do início ao fim e adorei. Jogão. Excelente. Mesmo com alguns defeitos que eu mesmo não sabia bem quais eram, gostei bastante.

E o tempo passou.

Resolvi jogar a versão remasterizada do Nintendo 3DS e relembrar este grande jogo. Já devemos salientar que esta versão está bem mais bonita que a original, com personagens mais bem modelados e texturas muito melhores. O choque fica ainda maior quando colocamos lado a lado as versões. Ponto pra você, Nintendo!

Quanto à jogabilidade, eis o grande problema. Por mais que algumas ideias tenham sido bem inovadoras na época, hoje não funcionam tão bem, principalmente pelo fato de inúmeros jogos já terem aprimorado essas ideias. A começar pelo famoso “Z Target”, quando o inimigo fica marcado com uma mira, a câmera mantém o foco nele e seu personagem se move tomando esse alvo como referência. Ou seja, ao invés de andar normalmente para a esquerda, ele andará de lado para essa direção, contornando o alvo e mantendo o foco nele. Apenas para citar um exemplo, a base da franquia Dark Souls é isso: fixar a câmera no inimigo, ficar circulando o alvo para esquivar, defender e atacar. Esta mecânica funciona bem em Zelda, o maior problema é fixar no inimigo.

Digo isso porque a câmera do jogo é péssima. Muitas vezes, o ângulo não favorece o jogador, e para fixar em um inimigo, às vezes demora alguns poucos segundos. Este mínimo lapso temporal, muitas vezes, pode ser fatal e trazer um desgosto tremendo. Porém, se você conseguir fixar a câmera no inimigo, o restante funciona razoavelmente bem, basta relevar a jogabilidade truncada da época.

O tamanho do mundo é algo que impressiona. Para a época, temos um baita mundo a percorrer e explorar. Infelizmente, os percursos entre locais importantes são têm muita coisa a apresentar, ficando algo um tanto vazio e tedioso. Este problema é amenizado quando nossa amiga Epona se junta a você, assim o herói Link poderá cavalgar pelos campos de Hyrule com muito mais rapidez.

Todo esse mundo foi construído para contar a história de Link, um kokiri que mora na floresta. Diferente dos outros kokiri, Link não possui uma fada que o acompanha. Porém, a Grande Árvore Deku envia a pequena fada Navi para convocar Link à sua presença e lhe dar uma importante missão. A partir daí, descobrimos uma tramoia nefasta de Ganondorf para dominar Hyrule, sendo que Link teve sonhos com alguns indícios desses ocorridos.

São vários locais interessantes a explorar, desde sua terra natal Kokiri Forest até a montanha dos Goron (um povo toupeira gigante), lagos, desertos, enfim, o mundo é bem rico e variado na medida do possível, levando em conta as limitações da época em que o jogo foi lançado. Hoje em dia é bem normal, mas em 1998 foi algo fora do comum. Ainda se mostra bacana e tem seus méritos.

Os elementos clássicos da série estão presentes, desde os sons já conhecidos quanto alguns equipamentos (arco e flecha, hookshot, bumerangue etc). O level design segue o padrão dos jogos anteriores, sendo um mundo aberto com locais fechados vulgo dungeons – repletos de quebra-cabeças com um chefão e diversos itens importantes . Os menus foram readaptados para a tela de toque do 3DS e funcionou muito bem. O design dos botões do portátil, aliado aos novos menus, entregam uma jogabilidade confortável, apesar dos problemas da câmera já citados.

O menu de toque, inclusive, melhorou em demasia a experiência em uma dungeon específica, o famigerado Templo da Água. O local possui um level design bem ousado, com diversos andares e dispositivos que elevam ou diminuem o nível da água, mudando elementos do cenário e dando acesso a novas áreas. Para andar sob a água, Link precisa utilizar as Botas de Ferro, fazendo o herói afundar e andar submerso. Porém, na versão do Nintendo 64, para equipar essas botas era necessário acessar o menu e modificá-las nos seus equipamentos, o que causava uma certa quebra no ritmo do jogo. Agora, as botas podem ser colocadas no menu de itens da tela de toque, sendo equipadas com um simples toque. Isso trouxe uma ótima dinâmica nesta parte do jogo, e até deixou o Templo da Água mais interessante de ser explorado.

É claro que não poderíamos deixar de falar dela, a relíquia que dá nome ao jogo. Em diversos momentos, você precisará tocar uma música específica para ativar determinados eventos, abrir portas, dentre outras coisas. Cada botão toca uma nota, e as músicas serão executadas com a sequência correta das seis primeiras notas da música. Este elemento musical dá um charme bem especial à aventura. Lógico que algumas revistas da época fizeram uma lista enorme de músicas populares que poderiam ser tocadas na ocarina. Provavelmente você foi uma das milhares de pessoas que tocou a maldita música do Titanic no instrumento de sopro mágico.

Talvez a mecânica mais memorável do jogo seja a alternância do tempo. Ao ter acesso à lendária Master Sword no Templo do Tempo, Link avançará 7 anos no futuro, tornando-se um adulto. O mundo estará diferente, mais sombrio, uma vez que Ganondorf dominou Hyrule. Existem equipamentos que só podem ser usados na forma adulta, e outros apenas quando criança. Locais também são acessíveis exclusivamente em forma de adulto ou criança. Esta alternância entre o “mundo normal” e o “mundo sombrio” já acontecia em A Link to the Past, um dos títulos mais famosos e queridos da franquia, lançado anos antes no Super Nintendo. A necessidade de alternar as épocas pode trazer algumas dificuldades e, possivelmente, travar o jogador em quebra-cabeças pouco intuitivos.

Existe uma aura especial neste jogo. A maioria das pessoas que jogaram em 1998 guardam um enorme carinho por ele. E não é difícil entender o porquê. Ocarina of Time trouxe um mundo vasto, diversificado, interessante, com uma história bacana, personagens carismáticos e aspectos técnicos impressionantes. Comparando aos jogos atuais, Ocarina of Time perde brilho. Algumas decisões de level design prejudicam certos momentos do jogo, deixando a diversão prejudicada. Mesmo assim, continua sendo plenamente jogável nos dias atuais, especialmente na versão de 3DS. Mereceria, inclusive, um belo remake nos motores gráficos atuais, um mundo maior e mais vivo, novos elementos a explorar, dungeons reformuladas… e claro, deixar a Navi muda!

Resenha | Hell NO!: Meu Pai é o Diabo – Os Diabos Tão Soltos

27 de março de 2019 by Almighty

balão editorial, hell no, Leo Finocchi, Quadrinhos Nacionais

Sua família, seu colégio, sua vida, tudo é um inferno quando seu pai é o Diabo. Esta é a breve (e certeira) sinopse de Hell NO!, do autor brasileiro Leo Finocchi. Daqui já sabemos o que esperar: humor e zoeira.

Finocchi está produzindo a HQ desde 2017, lançando página por página no site oficial e publicando as edições físicas pela Balão Editorial. O artista pôde realizar este trabalho por meio de financiamento coletivo que obteve uma boa aderência dos fãs. Até o momento, o terceiro volume está sendo produzido, e a história será finalizada com mais uma edição.

O traço é bastante cartunesco e colorido, remetendo inclusive algumas animações recentes. Neste ponto, Finocchi merece muitos elogios. A habilidade narrativa e de construir as cenas também é digna de nota, ainda que a história e os diálogos sejam bastante simples. O autor é muito preciso ao montar as cenas, construindo bem os cenários para localizar os seus leitores dentro da trama. Além disso, os personagens são carismáticos e o humor ocorre na medida certa.

A trama gira em torno de três filhos do Diabo e de suas desventuras quando o demônio braço direito de seu pai resolve tomar o poder no inferno. Os personagens são alusões a demônios conhecidos e a todo tipo de referência satânica, que apesar do humor negro ainda soa divertido e, na medida do possível, leve. Os capetas em forma de guri tramitarão entre o inferno e a Terra tentando encontrar soluções para o Golpe de Estado… ou de Inferno, que seja. Aulas de possessão, situações esdrúxulas e diálogos rápidos dão um bom ritmo ao quadrinho.

Importante dizer que cada um dos três irmãos possuem personalidades bem distintas. O protagonista Lúcio se aproxima mais de um humano, até porque sua mãe é humana. Ele é o mais certinho dos três. Satã (Satanás) é um brutamonte desbocado e imbecil, e por isso Lucio o odeia. Bel (Belzebu) é a irmã mais equilibrada que transita entre a seriedade e a zoeira, dando um bom equilíbrio entre Lucio e Satã. Vale destacar um amigo da trupe, Bafomé Junior, chamado carinhosamente de Bafinho. Ele é um demônio que gosta da palavra de Deus, e é claramente uma sátira àqueles religiosos chatos, mas ao mesmo tempo tem grande conhecimento e ajudará os irmãos em sua jornada.

No primeiro volume (Meu Pai é o Diabo) teremos basicamente a apresentação dos personagens, do mundo e o início do problema com o braço direito do Diabo. Finocchi faz um bom trabalho e dá o tom bem humorado da obra. Já no segundo volume (Os Diabos Tão Soltos), os irmãos são transportados para a Terra graças ao poderoso Tridente do Diabo, usado pelo golpista infernal. Os irmãos, com a ajuda de Bafinho, descobrem a existência de uma relíquia sagrada capaz de resolver o caso, e a partir daí a real jornada se inicia.

Aparentemente, não é uma história que terá desdobramentos e reviravoltas homéricas, mas a leitura cumpre bem ao seu papel: divertir. Vencedora de prêmios HQ Mix, Hell NO! cumpre bem a sua proposta e vale a pena uma conferida. Que venham os próximos capítulos!

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Resenha | Socrates in Love: O Amor Sobrevive ao Tempo

15 de março de 2019 by Almighty

JBC, Kazumi Kazui, Kyoichi Kakayama, Mangás

Quem julga este mangá pela capa está cometendo um erro grave. Traço leve, cores claras, casal apaixonado, tudo leva a crer que será mais uma historinha de amor. Não desta vez.

Socrates in Love é uma adaptação em mangá do best-seller homônimo do autor japonês Kyoichi Kakayama. A proposta é mostrar o lado “ruim” do amor, ou seja, o sofrimento e a parda. Não é uma ideia nova, mas é feita de maneira competente. Nas palavras do próprio autor, a ideia surgiu quando se deparou com a seguinte frase em um livro de filosofia: “o amor é uma forma de violência que obriga as pessoas a pensarem”.

Nas primeiras páginas, o protagonista Saku está arrasado porque uma pessoa importante morreu. Isso mesmo, o autor joga na sua cara logo de início e dá o tom da narrativa. Isso poderia tirar o impacto da obra, mas basta lembrar de outros exemplo, como o maravilhoso longa de animação japonesa O Túmulo dos Vagalumes, para saber que, quando a história é bem construída, o impacto virá de qualquer jeito.

A pessoa em questão é Aki, o primeiro amor da vida de Saku. Os dois se conhecem na escola e passam a cultivar uma relação. Ambos descobrem o amor juntos e se apaixonam cada vez mais. Porém, já sabemos o que acontecerá no final. Mas como acontecerá? Qual será a causa da morte? De que forma ambos lidarão com isso? É nesse ponto que o impacto acontece.

Todos os momentos de alegrias e tristezas são retratados de forma belíssima pela artista Kazumi Kazui. Interessante notar que o traço de Kazui é um meio-termo entre delicado e firme. Os personagens possuem olhos grandes, mas o contorno é um pouco mais grosso, e juntando com a boca, resulta em rostos menos delicados que o padrão. Em contrapartida, isso não mitiga a retratação das emoções, muito pelo contrário. Ao longo da narrativa, há uma montanha-russa de emoções do casal, sejam felicidades grandes, sejam momentos de partir o coração.

A história poderia ser um melodrama apelativo que termina em morte, resultando no impacto pelo impacto. Felizmente, não é o caso. Toda a história é desenvolvida de forma que o leitor criará empatia pelos personagens. As situações banais ajudam nesse desenvolvimento e não se tornam cansativas. Aquele lenga-lenga de casal novo é deixado de lado, muito diferente do que acontece em Ore Monogarati, por exemplo. Por mais que Saku e Aki sejam jovens e estejam descobrindo o amor, existe um toque de maturidade narrativa. A partir da segunda metade do mangá, o clima se torna cada vez mais pesado.

Quando Saku está narrando a história, optou-se pelo fundo preto e letras brancas. Além da óbvia ideia de luto, também podemos interpretar como a ideia de tristeza ou mesmo de um maior teor reflexivo da narração. Por vezes, a narrativa ocupa quadros inteiros ao invés de pequenas caixas dentro da cena. São os momentos que enfatizam mais as emoções do personagem.

Talvez este mangá passe batida por muita gente, ainda mais com a capa “fofa” e o nome “love” no título. O livro original, aparentemente, é desconhecido aqui no Brasil, mas só temos a agradecer à Editora JBC por trazer este mangá para nós.

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Review | Neo Yokio

9 de fevereiro de 2019 by Almighty

Animes, jaden smith, Jude Law, Netflix

Em tempos passados, houve uma invasão de demônios em Neo Yokio. Felizmente, existiam exorcistas capazes de enfrentar essas possessões. Após salvar Neo Yokio, a cidade abre suas portas para os exorcistas conviver ali e, de tabela, continuar aplicando seus poderes no combate às futuras ameaças. Os exorcistas criaram uma espécie de alta classe em Neo Yokio.

Kaz Kaan é um jovem exorcista e um dos solteirões mais cobiçados da cidade. Sim, existe essa lista em Neo Yokio, que é divulgada constantemente nos telões gigantescos dos prédios da cidade. Mas calma, não vá embora ainda, vou tentar mostrar algumas qualidades deste anime.

Houve uma tentativa de mesclar as tramas sobrenaturais com eventos típicos da high society, afinal, Kaz é abastado e vive nesse meio, acompanha influenciadoras digitais, esse tipo de coisa jovem moderna. Aí vem um problema da série: ela tentou ser tudo, e sabemos que isso não costuma dar certo. Nos minutos iniciais, ao mostrar a história de Neo Yokio, o anime parecia caminhar para um tom sobrenatural e combate de possessões demoníacas, ou mesmo situações políticas envolvendo o povo de Neo Yokio e os exorcistas. De repente, vemos um protagonista playboy que tem um certo carisma apesar das futilidades.

Daí aparecem elementos de sci-fi, como o robô mordomo Charles e a própria estrutura futurista da cidade. E então Kaz recebe a notícia que sua namorada terminou com ele. E que uma blogueira de moda foi possuída por um demônio. E essa mistureba toda, por algum motivo, é minimamente interessante.

É difícil avaliar este anime. Se por um lado havia um bom pano de fundo para desenvolver tramas interessantes, por outro lado a coisa ficou em abordagens mais superficiais, claramente porque o público-alvo é mais jovem. Então, a história é mais leves, tendo breves momentos de questões mais delicadas. Aparentemente, há uma certa crítica/sátira com as futilidades da alta sociedade e da necessidade de tentar se mostrar no topo (a lista de solteirões da cidade talvez seja o exemplo mais explícito). Vendo por esta ótica, a série fica um pouco mais interessante.

Vale destacar que Neo Yokio é uma espécie de New York alternativa, e o próprio comportamento dos personagens é ocidentalizado. Não por coincidência, afinal o criador do anime é o músico nova-iorquino Ezra Koenig, vocalista do Vampire Weekend, em parceria com Ben Jones. A trilha sonora é muito boa, recheada de músicas clássicas, ajudando na atmosfera aristocrática da série.

Alguns nomes famosos emprestaram suas vozes aos personagens, como por exemplo Jaden Smith (o protagonista Kaz Kaan), Jude Law (o robô mordomo Charles, talvez o personagem mais agradável da série), além de participações de Stephen Fry, Steve Buscemi, dentre outros. Sinceramente, a dublagem brasileira foi mais caprichosa e fez uma ótima versão com inúmeras vozes veteranas. Neo Yokio é aquele anime para se ver de forma bem casual, um simples passatempo de seis episódios mais um especial de Natal. Se houver uma nova temporada, que tenham mais foco ao invés de tentarem abraçar o mundo.

https://www.youtube.com/watch?v=ilyxRdZffO8

Review | Back Street Girls: Gokudolls

8 de fevereiro de 2019 by Almighty

Animes, Netflix

Você é membro da Yakuza e, junto com outros dois companheiros, falham novamente em uma missão. Vocês imploram misericórdia ao chefe, que lhes dá duas opções: morrer ou ir à Tailândia para fazer uma cirurgia de mudança de sexo e se tornarem um grupo de J-POP que gerará lucros para ele.

Cinco segundos para decidir. VAI!

Se você ainda está vivo, então optou pela segunda opção. Assim começa Back Street Girls: Gokudolls.

A história parece esdrúxula – e é, MUITO -, mas justamente isso que dá a graça do anime. O tom da série é bem caricato e exagerado, inclusive a dublagem brasileira manteve esse espírito de forma sensacional, tanto nas atuações de voz quanto nas adaptações de tradução. Os três protagonistas possuem duas vozes: a feminina na realidade e a masculina nos pensamentos, o que dá uma dinâmica interessante à obra, afinal, o maior desafio é mudar sua natureza de membros da Yakuza para garotas fofinhas cantoras de J-POP. O engraçado é ver a mudança gradual dos personagens, aos poucos se acostumando com os novos corpos e vidas, apesar de a natureza Yakuza nunca lhes abandonar.

A narrativa vai se desenvolvendo em pequenos capítulos dentro de cada episódio, não havendo uma trama principal robusta, e sim um andamento de “sitcom semanal”. O grande ponto central é o desenvolvimento dos protagonistas e suas desventuras no show business. Vale a pena assistir pelo humor bizarro e situações absurdas com toda aquela carga de exagero já conhecida das animações japonesas.

https://www.youtube.com/watch?v=hNQLujzbquA

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Resenha | The Legend of Zelda: Oracle of Seasons | Oracle of Ages – Perfect Edition

7 de fevereiro de 2019 by Almighty

Akira Himekawa, Mangás, Panini, The Legend of Zelda

No final da vida útil do Gameboy Color, tivemos dois novos títulos da franquia Zelda. Estamos falando de Oracle of Ages e Oracle of Seasons. Cada jogo possui uma história independente mas que se conectam. Aqui falaremos da adaptação em mangá que, assim como os outros já publicados, também ficou a cargo de Akira Himekawa.

Logo de início precisamos destacar o talento de Himekawa (que na verdade é uma dupla de talentosas artistas). A habilidade de mudar o estilo do traço em cada obra é fantástica. Aqui teremos uma boa fidelidade ao traço mostrado nos jogos, trazendo imediatamente uma identidade familiar para quem se aventurou nos títulos do Gameboy. Além disso, as construções de cenas e fluidez narrativas são bem satisfatórias.

A obra conta as duas histórias em sequência, iniciando-se por Oracle of Seasons. A estrutura de ambas são parecidas, vez que o elemento central é um Oráculo com poder altamente influenciador no mundo. Ao longo da jornada, Link encontra companheiros para ajudá-lo e, ao final, se deparam com o grande vilão. Apesar da estrutura semelhante, cada uma das histórias possui elementos suficientes para torná-las distintas.

Oracle of Seasons tem uma atmosfera um pouco mais leve, onde Link encontra a bela dançarina Din junto de sua trupe de artistas itinerantes. Após ser capturada pelo maléfico Onox, nosso herói vai em busca da salvação da nova amiga, que na verdade é a Oráculo das Estações, e seu poder ajuda no equilíbrio do clima e da natureza. Durante a jornada, encontra o canguru boxeador Ricky e a falastrona Maple, uma feiticeira com intenções duvidosas. O próprio design destes personagens já nos traz um tom mais infantilizado e leve à trama, o que não é necessariamente um problema. Vale lembrar que Link, no início da história, tinha intenção de se tornar um cavaleiro d Hyrule, e este é o ponto que conecta esta história a Oracle of Ages. Interessante notar que Hyrule é pouco citada e, consequentemente, a princesa Zelda também.

Oracle of Ages possui elementos um pouco mais interessantes. Por exemplo, o poder da Oráculo das Eras incorpora viagens no tempo como um elemento narrativo, que em momento algum tenta ser complexo, muito pelo contrário. Ao mesmo tempo que traz simplicidade, consegue adicionar momentos interessantes e trazer à história Levan, um ancestral de Link que, de longe, é o personagem mais legal. A vilã da história, Veran, tem o poder de fazer possessões, possibilitando controlar pessoas e adquirir informações sem que os outros percebam. Este poder permite que ela tome o controle da Oráculo e manipule a rainha Ambi.

Nesta edição da Panini Comics, temos uma versão curta de Oracle of Seasons ao final do volume. Vale como material extra e de curiosidade, pois a história, que já é bem simples, foi acelerada em poucas páginas e acaba tendo sua qualidade narrativa prejudicada. No geral, este volume é um bom material que seria mais indicado aos fãs de Zelda, pois as histórias são mais simples e menos densas. São mais de 400 páginas, capa belíssima com detalhes brilhantes, papel branco de ótima qualidade, páginas iniciais coloridas e acompanha um marcador de páginas.

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Review | Cyborg 009: Call of Justice

3 de fevereiro de 2019 by Almighty

Animes, Netflix

Cyborg 009 foi um mangá iniciado nos anos 1960 que, de lá pra cá, deu origem a incontáveis produtos (séries animadas, longas metragens de animação, jogos etc). Um dos animes foi transmitido no Brasil há muito tempo, porém o ignorei totalmente por ser “coisa velha” (falou o moleque fissurado em Dragon Ball, Cavaleiros do Zodíaco e Yu Yu Hakusho). Recentemente, a Netflix disponibilizou uma nova série: Cyborg 009: Call of Justice. “Olha só, aqueles cyborgs malucos que ignorei há muito tempo. Vamos ver do que se trata”, e lá fui eu assistir essa série sem conhecimento prévio algum da obra original. E tive uma agradável surpresa.

Se você também não sabe absolutamente nada da obra original, eis um breve resumo: nove pessoas foram capturadas ao redor do mundo pela organização Black Ghost, que as transformou em ciborgues com habilidades sobre-humanas. Obviamente a Black Ghost tinha objetivos malignos. Porém, o professor Isaac Gilmore, diretamente envolvido no projeto, decide ajudar os nove a fugirem. A partir daí, os ciborgues, juntamente com o professor, se unem para acabar com a Black Ghost.

Sim, a ideia é simples, mas pode trazer desenvolvimentos interessantes. Após buscar a série que passou no Brasil e assistir alguns episódios, é possível notar um belo subtexto com temáticas bem delicadas e reflexões sobre diversos aspectos da vida. Inclusive momentos bastante melancólicos sobre a vida “pré-ciborgue” dos personagens, dando um bom adulto àquela estética um tanto infantil.

Call of Justice acontece em momento bem posterior da história, quando os Cyborgs 00 tentam viver em paz como humanos normais. Porém, um grupo de sobre-humanos chamado Blessed aparece para acabar trazer destruição à humanidade. Esses Blessed, aparentemente, são entidades milenares que tiveram influência nos rumos da humanidade. Daí temos outro elemento interessante: por mais que os protagonistas sejam ciborgues, flertando com a ficção científica, existem elementos sobrenaturais e mitológicos na trama. Este é um aspecto das séries anteriores, que resultaram até em um crossover inusitado com Devilman.

Desde já notamos algo diferente no estilo visual. Ao invés da tradicional animação, foi utilizada modelagens em 3D com cel shading, simulando desenhos em 2D, muito utilizado em jogos (Street Fighter IV, Dragon Quest VIII, dentre outros). O visual é bonito, os personagens e cenários são bem feitos e todos. Todos os ciborgues tiveram seus designs modernizados, por exemplo o 002 não possui mais aquele nariz de tucano. O ponto fraco está na animação em si. Os movimentos não são naturais, sendo o ponto mais negativo da série. Muita gente se incomodou bastante com a qualidade da animação, mas não é algo que comprometa tanto. Algumas cenas funcionam bem, há diversas batalhas muito legais, e a liberdade da câmera para girar e focar ângulos variados é um ponto positivo.

Ao longo da trama, os ciborgues vão descobrindo a verdadeira natureza dos Blessed e fazem o possível para evitar uma catástrofe. No geral, a narrativa é boa, com alguns momentos de quebra de ritmo que prejudicam um pouco. Não é necessário conhecer as séries antigas para aproveitar Call of Justice, este é um produto com autonomia suficiente, e que talvez lhe desperte o interesse em buscar a série antiga. Pelo menos veja a abertura logo abaixo, que tem uma música legal pra caramba!

Review | Hi Score Girl

2 de fevereiro de 2019 by Almighty

Animes

No início dos anos 1990, os fliperamas estavam em tempos gloriosos, especialmente no Japão. Em meio a grandes jogos, tínhamos o aclamado Street Fighter II, que também fez muito sucesso por aqui. Haruo é um jovem estudante japonês, e seus esforços nos estudos são inversamente proporcionais ao seu vício em Street Fighter II. E o moleque é muito bom no jogo. Seu recorde de vitórias seguidas é imbatível, suas pontuações idem. Ninguém consegue vencê-lo… até que a misteriosa e calada Akira Ono cruza seu caminho e destrói o imbatível Guile com o subestimado Zangief.

O garoto fica com sua autoestima em frangalhos e, no auge de sua maturidade infanto-juvenil, decide treinar feito um louco para melhorar suas habilidades no jogo e retomar o posto de número 1. Aos poucos, o jovem Haruo cria laços com Akira e daí surge uma amizade um tanto diferente. O uso deste adjetivo é imperioso, visto que Akira não fala nada, absolutamente nada. Ela se comunica com poucos gestos ou leves grunhidos tímidos (e de vez em quando com porradas homéricas).

O anime faz um trabalho belíssimo de retratar a história dos jogos em paralelo à trama leve de relacionamento entre jovens. Os jogos são mostrados a todo instante, e aqui o anime brilha. Todos os momentos empolgantes das lutas são trazidos à tela, e não com cenas aleatórias do jogo. O que é narrado acontece ali, visualmente, e isso é sensacional. Quem gosta dos videogames da década de 1990 vai se deleitar com os grandes clássicos sendo tratados com tanto carinho pelo protagonista, que fala deles de uma forma apaixonada e até fanática.

Ao longo dos episódios, o tempo passa em alguns anos, e junto com ele os novos jogos vão aparecendo. Haruo acompanha todos eles e continua indo mal na escola. Por mais que ele seja um jovem chato e irritante, haverá uma garota muito bonita interessada nele, Koharu Hidaka, e que demonstra uma habilidade natural em jogos de luta, mesmo que, antes de conhecer o protagonista, nunca tenha demonstrado interesse por esse tipo de entretenimento.

É preciso deixar claro que o elemento que mais chama a atenção em Hi Score Girl são os jogos. E provavelmente será o ponto de interesse no espectador mais velho. Mesmo assim, a trama simples é bem desenvolvida, e por diversos momentos há doses de sensibilidade, demonstrando uma boa maturidade narrativa. Não consigo imaginar esta obra no mangá original, pois ela é extremamente audiovisual por conta dos jogos retratados. No geral, o anime é satisfatório e muito bem executado dentro de sua proposta. Vale destacar a dublagem brasileira com ótimas atuações de voz e boas adaptações na tradução.

https://www.youtube.com/watch?v=wew9zHCJYyI

Resenha | Digital Devil Story: Megami Tensei – Aya Nishitani

29 de dezembro de 2018 by Almighty

Literatura, Resenhas

Shin Megami Tensei

Por mais que as franquias Shin Megami Tensei e Persona sejam amadas no mundo inteiro, algumas pessoas não fazem ideia de onde surgiu tudo isso. Muitos desconhecem, inclusive, os primeiros jogos da série, Megami Tensei. E mais ainda, que os jogos foram baseados em uma série de livros do autor japonês Aya Nishitani. Aqui falarei do primeiro livro, Digital Devil Story: Megami Tensei (em tradução livre, História do Demônio Digital: Reencarnação da Deusa).

Akemi Nakajima, nosso protagonista, estuda na Escola Jusho, onde existe uma divisão entre alunos dotados e normais. Nakajima faz parte do primeiro grupo e apresenta grandes conhecimentos em programação. Está desenvolvendo um programa de computador capaz de invocar demônios (!), mas sua máquina não tem potência suficiente para finalizá-lo.

Uma de suas colegas de escola, Kyoko, demonstra interesse amoroso por Nakajima, que a rejeita. Inconformada, ela pede para um aluno “normal”, Kondo, agredir Nakajima. O protagonista, tomado pela raiva, sente-se ainda mais compelido em finalizar seu programa e iniciar uma vingança. Utiliza os computadores da escola, mais potentes, e finalmente (?) cumpre seu objetivo e ordena que o demônio mate Kondo e Kyoko. Mas nada acontece.

Dias após, durante uma aula neste laboratório de informática, o demônio Loki dá o ar da (des)graça e, finalmente, cumpre o desejo de Nakajima, enquanto o resto da turma entra em estado de hipnose. Kondo e Kyoko são brutalmente assassinados por Loki, além de um professor.

Sucesso! Ele finalmente consegue idealizar seu plano, e agora possui enorme poder em suas mãos. Porém, a entidade exige sacrifícios de mulheres. A partir daí, Nakajima iniciará verdadeiras atrocidades até a chegada da nova aluna Yumiko, que terá papel fundamental na trama.

Por mais que a trama seja interessante, a escrita de Nishitani é um pouco confusa. Pode ser culpa da tradução em inglês não oficial que li, uma vez que a obra não foi publicada no ocidente. Vencido este obstáculo, temos em mãos uma história bizarra e violenta.

Existem vários núcleos de personagens, sendo a maioria pessoas da escola. A liberação do demônio Loki foi um grande erro, que tentará ser corrigido por Nakajima e Yumiko. O ponto forte do livro são as descrições de body horror absolutamente perturbadoras e nojentas, daquele jeito que só os japoneses conseguem fazer. Neste ponto, o autor consegue traduzir em palavras as cenas grotescas de deformidades e atos sanguinários.

A ambientação da narrativa se passa na época em que o livro foi escrito, os anos 1980. Não é raro que, ao revisitarmos obras antigas nos dias atuais, muitas coisas soem ridículas e datadas, especialmente no quesito tecnologia. Aqui temos uma ideia interessante: a magia utilizada para invocar os demônios seguem uma lógica parecida com a linguagem de programação. Ou seja, houve uma mistura de ciências exatas com ciências ocultas. E mesmo que a potência dos computadores da época sejam muito aquém dos atuais, faz sentido dentro das regras criadas para aquele universo.

Não podemos tecer críticas muito pesadas à escrita do autor, pois já mencionei que não há uma tradução oficial e profissional da obra para o ocidente. O que podemos avaliar é a qualidade da história e as ideias apresentadas. Nestes pontos, Aya Nishitani está de parabéns. Ele criou uma história de ficção científica/horror/sobrenatural que, não à toa, resultou em inúmeros jogos. Mesmo que a leitura seja um pouco confusa e cansativa em alguns momentos, vale a pena investir seu tempo, especialmente quem gosta da série nos videogames.

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Review | Shin Megami Tensei IV

28 de dezembro de 2018 by Almighty

jrpg, nintendo 3ds, RPG, Shin Megami Tensei

Shin Megami Tensei é uma das séries de JRPG mais conhecidas e duradouras dos videogames. Possui muitos títulos, principalmente spin-offs, dentre eles o tão amado Persona. Tudo nasceu a partir da série de livros Digital Devil Story, do autor japonês Aya Nishitani. Lançado em 2013 para o Nintendo 3DS, Shin Megami Tensei IV, desenvolvida pela Atlus, mostra grande qualidade e dificuldade.

Este foi meu primeiro contato direto com a série, onde pude efetivamente jogar. E desde já posso dizer que é um bom jogo para conhecer e se interessar pela série, apesar de algumas ressalvas. Vamos lá.

Você controla Flynn, um Samurai que protege o reino de Mikado dos demônios. Com a aparição do misterioso Black Samurai, pessoas começam a se tornar demônios e o caos se espalha. Flynn e os outros Samurai vão à caça de Black Samurai para impedir que mais destruição aconteça. Mal sabiam eles que esta jornada traria revelações impactantes sobre demônios… e anjos.

A história tem uma ideia relativamente simples e aparentemente batida. O trunfo está no desenvolvimento e revelações, além de temáticas mais adultas. Porém, a forma narrativa poderá afastar muita gente: tudo ocorre em texto com imagens paradas, lembrando os clássicos text-adventures antigos. Pelo menos os diálogos principais – que são muitos – estão com boas atuações de voz, ajudando bastante a prender sua atenção e interesse. E mais, suas escolhas impactarão no final, e o jogo não te fala isso!

Devo avisar que as primeiras horas são muito cruéis, e castiga o jogador sem dó. É necessário paciência, perseverança e muito auto-controle para não arremessar seu 3DS na parede. Pode ser frustrante para os padrões ocidentais, mas se você entender as mecânicas do jogo e vencer o calvário do início, parabéns, você terá algumas dezenas de horas de diversão (e sofrimento) pela frente.

A interface do jogo alterna entre menus com imagens estáticas e controle do personagem em terceira pessoa. Na cidade inicial do jogo, todas as interações são feitas por um menu aliado a imagens estáticas. Posteriormente, haverá um mapa com estética bem peculiar onde o jogador terá maior liberdade em explorar cidades.

É justamente nas mecânicas que o jogo se destaca. Além do visual belo, rico e carismático, o jogo te incentiva não só a seguir em frente na história, mas também fazer o famigerado grinding típico dos JRPG. Aqui a mágica acontece. No início pode ser um pouco estranho, mas o design é bem funcional.

O jogo tem como premissa central o combate e o recrutamento de demônios. Sim, uma das mecânicas mais famosas da franquia é a possibilidade de conversar com o inimigo. O resultado da conversa pode ser um item, a debandada pacífica, um contra-ataque raivoso ou, na melhor das hipóteses, o inimigo se juntar a você. Isso cria um “fator Pokémon” ao jogo, incentivando o jogador a recrutar os mais variados demônios. Mais do que simplesmente colecionar, os novos aliados poderão ser fundidos, criando novas criaturas com atributos e poderes diferentes! Lembrando que a franquia trouxe essa ideia antes mesmo de Pokémon surgir.

A fusão é crucial para o sucesso. Porém, isso aumenta ainda mais a dificuldade, uma vez que, se você não tiver determinadas habilidades ou magias, sua vida se tornará um inferno.

Ter variados demônios e magias são definitivos para vencer alguns chefes. Isso porque algumas criaturas são vulneráveis ou resistentes a determinadas magias. Nas batalhas em turno, você poderá usar seu protagonista, três demônios e um aliado Samurai que não é controlado pelo jogador. No seu turno, você poderá exercer uma quantidade de ações igual ao número de personagens do grupo (neste caso, 4 no máximo). Esta ação pode ser um ataque, magia, item, trocar de demônio ou pular a vez. Daqui teremos o principal elemento de batalha.

Se o inimigo é vulnerável a fogo, por exemplo, suas magias de fogo aplicarão muito mais dano e ainda lhe dará uma ação extra! Ou seja, se vários personagens do seu grupo tiverem magia de fogo, sua quantidade de ações naquele turno será enorme. É claro que existe um limite de ações extras, e por mais apelão que pareça, alguns chefes são muito difíceis mesmo com essa “facilidade”.

Além da vulnerabilidade, também há Resistência (recebe menos dano), Absorção (recupera vida ao invés de receber dano) e Repelir (reflete todo o dano). Caso você ataque o inimigo e ocorra Absorção ou Repelir, haverá perda de várias ações de seu turno, às vezes todas elas, criando uma situação de muita desvantagem que, por vezes, causará sua derrota. O contrário também pode ocorrer, ou seja, você e seus aliados também podem ter estas vantagens que prejudicarão o adversário. Essa dinâmica é muito divertida, mas não deixa de exigir certa tentativa e erro para descobrir as fraquezas e vantagens do inimigo.

Algumas habilidades lhe ajudarão a ganhar mais experiência nas batalhas, ter novas opções de diálogo com os inimigos e outras formas de fusão. E claro, como todo bom JRPG, uma infinidade de itens e equipamentos para melhorar atributos e habilidades.

Você poderá manter diversos demônios na reserva, o que permite inúmeras combinações de grupos nas batalhas. Vale destacar o design das criaturas, interessantes e bizarras, utilizando diversos elementos das mais variadas culturas e mitologias. Muitos demônios são recorrentes em jogos anteriores, e o simpático Jack Frost é o mascote da produtora Atlus.

Não posso afirmar que este seja o melhor jogo para conhecer a franquia Shin Megami Tensei, mas certamente é um excelente título. Riquíssimo em conteúdo, garante facilmente mais de 40 horas de jogatina, muitos segredos para descobrir, lugares para explorar, demônios para enfrentar, músicas excelentes e uma história interessante. A grande ressalva que novamente deixo aqui é a imensa curva de dificuldade nas primeiras horas e em alguns momentos no decorrer do jogo. Houveram situações em que entrei na batalha, os inimigos iniciaram os ataques e morri antes mesmo de chegar no meu turno! Alguns chefes são cruéis e precisam de algumas magias ou habilidades específicas para serem derrotados com menos dificuldade. Recomendo apenas aos jogadores mais hardcore e que tenham paz de espírito, pois você será violentado em sua paciência e esperança.

Resenha | The Legend of Zelda: Ocarina of Time – Perfect Edition

21 de dezembro de 2018 by Almighty

Akira Himekawa, Mangás, Panini, The Legend of Zelda

Quando falamos de Zelda, um dos primeiros jogos que vem na mente é o clássico Ocarina of Time, talvez o título mais querido pelos fãs. Lançado em 1998 para o Nintendo 64, o jogo trouxe muitas inovações e aspectos técnicos impressionantes para a época que influenciam até hoje. Na mesma época, o autor Akira Nimekawa foi convidado para tomar à frente da produção de uma adaptação em mangá. E assim nasce uma belíssima obra.

O traço do artista é muito bonito e traduziu bem o espírito do jogo, com diversos quadros retratando fielmente trechos do cenário criado no videogame. O trabalho de Himekawa era desconhecido até tomar contato com a obra, em razão disso, pude constatar que, na verdade, trata-se de um pseudônimo adotado por uma dupla de mulheres: A. Honda e S. Nagano. As talentosas artistas fariam ainda outras adaptações da série Zelda para os mangás.

Na trama, o povo kokiri vive tranquilamente na floresta. Eles são eternas crianças acompanhados de uma pequena fada, exceto o garoto Link… até o dia em que a Grande Árvore Deku, uma espécie de sábia guardiã da floresta, envia a tagarela fada Navi para convocar o herói à sua presença. Ali, diz ao garoto que um grande mal se avizinha de Hyrule, e ele está destinado a combater este mal.

Até aqui, nenhuma surpresa, parece uma história bastante comum de aventura. E de certa forma, é. O grande mérito vem nos outros elementos que compõem a trama. Existem boas reviravoltas, mistérios sobre a origem de Link e seu desenvolvimento na trama, além de uma bela construção de mundo.

Devemos lembrar que, no jogo, Link não fala. Com isso, precisou-se criar uma personalidade para o herói. No mangá, Link é bem falante, com personalidade formada e muito destemido. Foi uma boa tradução do herói mudo do jogo para uma obra com muitos diálogos. E diferente do que você possa esperar, este mangá contém muito texto. Vale destacar que alguns termos foram mantidos em inglês, como triforce, Master Sword e o próprio título da obra. Outros foram traduzidos normalmente, e o resultado final é bastante satisfatório.

Daí alguns se perguntam: o mangá substitui a experiência do jogo? De forma alguma. Os jogos de Zelda tem como principal atrativo a aventura e os quebra-cabeças a serem resolvidos. Por mais que a história seja bacana, o maior valor do jogo está na experiência de jogabilidade. E mesmo que o foco do jogo fosse na história, uma adaptação em quadrinhos acabaria deixando vários pontos de lado em prol da adaptação (vide as HQ de Metal Gear, por exemplo).

A edição publicada pela Panini é belíssima, quase 400 páginas, algumas coloridas, papel de qualidade e acompanhado de um marcador de páginas muito legal. Um item que vale cada centavo, especialmente para os fãs de Zelda. Quem não jogou, tudo bem, pode ler sem medo e aproveitar uma aventura divertida e bem contada.

Resenha | Ore Monogatari!!

20 de dezembro de 2018 by Almighty

Mangás, Ore Monogatari!!, Panini

Shoujo é uma vertente de mangá/anime voltado ao público jovem feminino, muitas vezes com histórias românticas e elementos mais fofinhos. Não significa que apenas garotas leem/assistem aos shoujos, muito pelo contrário. Existem diversos títulos de sucesso, por exemplo as obras do estúdio CLAMP (Sakura Card Captors, X e outros), com as mais variadas temáticas.

Ao trazer histórias focadas no romance e relacionamentos, o padrão é que o protagonista, quando masculino, seja bonito ao estilo mangá, com traços mais delicados, cabelos sedosos, um típico galã. Estas são características de Suna, o rapaz de cabelos loiros na imagem acima. Suna é muito popular entre as garotas, mas não dá muita bola pra isso, prefere ficar na dele, mantendo um comportamento mais frio.

E se eu te disser que o protagonista não é Suna, mas sim o grandalhão ao centro? Esse é Takeo, com seus 2 metros de altura, robusto, lábios grossos, cabelo crespo e muito bondoso. Um verdadeiro gigante gentil que esbanja carisma.

Takeo e Suna mantém amizade desde a infância. Estudam juntos e já se ajudaram bastante ao longo da vida. Estão próximos do vestibular, ou seja, são quase jovens adultos. Quando os amigos veem Yamato ser molestada por um tarado, Takeo imediatamente dá um jeito no algoz, salvando a menina de maiores agressões. Ele nota que Yamato olha de um jeito diferente para Suna. A partir daí, Takeo não medirá esforços para que Suna fique com ela. Daí começa a primeira “aventura” de Takeo.

Mal sabe o grandalhão que, na verdade, Yamato está apaixonada por ele, e não por Suna! Este é o foco inicial do mangá, e devo dizer que é bem divertido. Takeo mistura altruísmo, amizade e (talvez) baixa autoestima, pois acredita piamente que Yamato está afim de seu amigo bonitão, afinal todas as garotas são loucas por ele, o que nunca aconteceu com Takeo.

O tom leve do humor, aliado ao forte carisma de Takeo, deram uma tônica muito bacana à obra, que logo no início já tem um desfecho feliz para Takeo. Aqui começa o problema.

Ao passo que nos primeiros capítulos havia toda essa dinâmica de “ajudar Yamato a conquistar a pessoa errada, sendo que ela estava afim de mim”, depois a narrativa cai num marasmo enfadonho. Por mais empatia que Takeo gere ao leitor, o problema são os acontecimentos que são bem desinteressantes. O recorrente tom meloso e inocente entre os recém-namorados Takeo e Yamato se torna cansativo.

Outro fator que potencializa isso é a própria cultura japonesa, onde o casal demora meses para simplesmente darem as mãos (sim, as MÃOS). Este nem é o grande problema. A trama prioriza basicamente o que o casal irá fazer no dia seguinte, se vão passear, se vão viajar com amigos, e tudo é muito banal. Talvez um público mais jovem, na faixa dos 17 anos, consiga se identificar mais com as situações, mas quem tiver um pouco mais de idade, já não posso garantir. Praticamente nada do que acontece gera um impacto ou mesmo curiosidade para saber o desfecho. São apenas coisas normais.

Também existem vários momentos de interação entre Takeo e Suna, que ajudam a quebrar um pouco do problema acima mencionado, e são as partes mais interessantes. Destaque para um gesto muito bonito de Takeo para consolar Suna em um grave problema de família. Uma pena que não há tantos momentos assim na obra, ajudaria a criar maiores cargas emocionais. Não estou dizendo que um mangá infanto-juvenil deva ser pesado, claro que não. Mas pelo menos deveria acontecer situações mais elaboradas, como foi o início da história.

Fiquei realmente triste em não ter gostado de Ore Monogatari!, pois outras obras de temáticas cotidianas e banais conseguiram ser mais interessantes. Aqui temos um ótimo começo, mas que logo acabaram com meu interesse na obra. Recomendo apenas para quem gosta muito desse estilo de mangá, ou para leitores mais jovens. Publicado no Brasil pela Panini Comics em 13 volumes.

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Review | Devilman Crybaby

18 de dezembro de 2018 by Almighty

Animes, Devilman, nagai go, Netflix

Quando este anime apareceu na Netflix, muita gente não ligou o nome à pessoa. Devilman é um personagem clássico, criado por Nagai Go no mangá homônimo publicado nos anos 1970. Devilman Crybaby é uma espécie de releitura/remake da obra original, trazendo para os dias atuais e, claro, modernizando um pouco a estética e a narrativa. Ao mesmo tempo que respeita o original, traz coisas novas.

A trama gira em torno de dois amigos, Akira e Ryo. Akira é chorão e extremamente bondoso, mora com a família Nakamura enquanto seus pais, médicos renomados, viajam o mundo ajudando pessoas. Ryo tem um ar mais frio e fez muita fama e fortuna na área acadêmica nos Estados Unidos. Quando os amigos finalmente se reencontram no Japão, Ryo leva Akira a uma festa estranha com gente esquisita e lá ocorre uma carnificina por conta de possessões demoníacas. No meio do caos, o poderoso demônio Amon possui Akira, entretanto o garoto chorão mantém sua consciência humana – mas herdou o apreço pelas lutas de seu possuidor. Akira oblitera os seres demoníacos do local e se descobre uma nova raça, um híbrido de humano e demônio com enormes poderes: Devilman.

Ryo e Akira aproveitam o grande poder de Devilman para iniciarem uma cruzada para erradicar os demônios que, sorrateiramente (às vezes nem tanto), estão chegando no mundo dos homens. O desenrolar da história alterna entre vários núcleos de personagens, inclusive vilões, e existe um bom desenvolvimento dos personagens. Akira muda drasticamente de aparência após a possessão, adquirindo um corpo atlético e personalidade forte, semelhante ao mangá.

Por outro lado, notamos algumas diferenças. No mangá, Ryo sempre morou no Japão e quem descobriu informações sobre os demônios foi seu pai arqueólogo. Alguns demônios emblemáticos aparecem no anime em situações diferentes, porém mantém aparência e poderes bem semelhantes à obra original. Sua “irmã adotiva” Miki é uma atleta popular na escola, bem diferente do mangá. E claro, o uso de tenologias atuais (computadores, celulares etc), que inexistiam nos anos 1970.

Além da violência gráfica, o anime traz muitas cenas sexuais quase explícitas, algumas beirando aos hentais bizarros. Em uma primeira análise, parece tudo muito gratuito, mas no contexto geral, faz muito sentido (ainda que não sejam determinantes para a narrativa). A obra original é extremamente violenta, mas não possui conteúdo sexual.

Crybaby usou a trilha sonora de forma interessante, principalmente o hip hop com letras que complementam a narrativa. As músicas incidentais são muito boas, uma espécie de eletrônico, e o tema principal é excelente para os momentos de impacto e tensão. Akira e Ryo são bem desenvolvidos ao longo da série. As revelações vão moldando cada um deles, além dos coadjuvantes, também bem explorados.

Um dos vários fanservices referenciando a série original

O ponto mais memorável de Devilman é a reta final da história. Acontecimentos brutais seguidos de revelações bombásticas e um final arrebatador. O anime foi bastante fiel nesse ponto, mas o cerne da discussão mudou um pouco. Enquanto que na obra original existe uma dúvida se o grande vilão estava certo, aqui a questão principal gira em torno da própria crueldade dos humanos. Analisando com mais profundidade, podemos dizer que o anime aliviou um pouco em relação ao mangá, mesmo mantendo a brutalidade. Isso não tira o mérito do anime, pelo contrário, mantiveram a essência, criaram algo novo mas respeitaram (e muito) o que Nagai Go criou nos anos 1970.

Devilman Crybaby não tem apelo ao grande público. Sua estética e temáticas podem ofender muitas pessoas. A própria qualidade da animação presume um orçamento menor (mesmo não sendo tão fluida, o desenho é bem animado). Várias cenas também são estranhas até para quem está acostumado com as bizarrices dos animes. Após assistir pela primeira vez, li o mangá e depois reassisti. Posso dizer que passei a apreciar ainda mais Crybaby. Os dez episódios fluíram muito melhor, pude notar os diversos easter eggs e referências à obra original que, mesmo sendo fan service, mostram o respeito que tiveram por Nagai Go. Por isso, sugiro fazer o mesmo: assista Crybaby e leia o mangá, não necessariamente nesta ordem. São obras viscerais que merecem ser conhecidas por todos os apreciadores de anime e mangá. Sugiro não assistirem com a dublagem brasileira, a qualidade deixou a desejar e pode prejudicar sua experiência.

https://www.youtube.com/watch?v=Cah-BDyTtSg

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Review | Castlevania – 2ª Temporada

10 de dezembro de 2018 by Almighty

Animes, Castlevania, Netflix

A Netflix praticou um ato cruel no ano passado: lançou míseros 4 episódios da série animada Castlevania, baseado na clássica e querida franquia de games. Podemos considerar a primeira temporada como um rápido aperitivo que não trouxe grandes detalhes da história ou mesmo demonstrou o verdadeiro potencial da série. Tivemos que esperar mais de um ano para saber o que realmente seria esta animação. Felizmente, a espera valeu a pena.

Desta vez, temos 8 episódios, quantidade satisfatória para desenvolver uma boa fatia da trama. Drácula está com um rancor absoluto contra a raça humana, que queimou sua amada esposa Lisa sob a acusação de ser uma bruxa. O fato de Lisa ser uma estudiosa da medicina e outras ciências lhe deu o status de bruxa pela Igreja, que mais uma vez é mostrada como tirana e cruel. A Igreja foi a grande responsável por despertar a fúria de Drácula, devidamente mostrado na primeira temporada.

Para destruir a humanidade, Drácula convoca notáveis sujeitos especializados nas mais variadas artes de magia e combate. O desenvolvimento destes personagens é digno de nota, todos possuem ideais e personalidades bem definidas, tornando-os bem interessantes. O maior destaque vai para Isaac, que domina a arte de reviver e modificar corpos. Suas habilidades são comparadas aos de um ferreiro, criando um aspecto interessante e grotesco em sua magia. Dentre os aliados de Drácula, ele é o melhor desenvolvido e terá papel de destaque nesta temporada.

Enquanto isso, Trevor, Sypha e Alucard rumam ao castelo de Drácula para matá-lo. Porém, o castelo muda de local graças às tecnologias/magias de Drácula, dificultando o trabalho dos heróis.

É notório o salto de qualidade narrativa desta temporada. Agora temos uma história tomando rumos mais definidos, mérito dos bons roteiristas. Enquanto que na primeira temporada tivemos apenas a apresentação de alguns elementos, aqui podemos sentir um real objetivo da série. Aliás, violência e palavrões não foram poupados, a crueza da história é um ponto muito positivo, que já estava sinalizada na temporada anterior, e felizmente se manteve na segunda.

Por mais que o ritmo não se mantenha frenético sempre, os momentos de diálogo são muito bons. Por exemplo, quando Carmilla, uma das notáveis, faz questionamentos provocativos sobre Lisa a Drácula, criando uma expectativa de tensão sobre a reação do vampiro. Destaque retumbante para o sétimo episódio, que além de ótimas cenas de combate, temos uma excelente música dos games, e um embate dramático entre Alucard e Drácula. O clima pesado e melancólico desse encontro de pai e filho é o ápice de toda a série até o momento, demonstrando inclusive maturidade do roteiro.

Parabéns à Netflix por acreditar neste projeto e conseguir adaptar uma série de jogos riquíssima em conteúdo, fazendo algo pesado, violento e maduro. Apostar em algo mais adulto foi um acerto, e esperamos que a terceira temporada mantenha a qualidade.

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Review | The Legend of Zelda: Phantom Hourglass

6 de dezembro de 2018 by Almighty

nintendo 3ds, The Legend of Zelda, Zelda

Nosso herói Link navegava com Tetra (Zelda?) e seus amigos em busca de um suposto Navio Fantasma. Para a surpresa da tripulação, o famigerado Navio aparece. Eles chegam perto da embarcação e Tetra decide entrar em busca de tesouros. Porém, ao pisar no sinistro navio, este começa a se mover. Link tenta se agarrar, mas cai na água. Ele acorda em uma ilha desconhecida após ter um sonho com Tetra pedindo socorro. Ao abrir os olhos, Link se depara com a fada Ciela, que o ajudará em sua busca. A partir daí, Link correrá atrás de pistas para encontrar a embarcação e salvar seus amigos. Tanto o visual cartunesco quanto a ambientação de ilhas remete ao título lançado anteriormente, Wind Waker, até porque é uma continuação direta daquela história.

The Legend of Zelda: Phantom Hourglass, lançado exclusivamente no Nintendo DS em 2007, aproveitou a tecnologia do console portátil para apostar em uma jogabilidade 100% touchscreen. Para movimentar o herói Link, basta tocar a tela que ele seguirá naquela direção. Quando mais afastado do centro da tela você tocar, mais rápido Link andará. Os ataques podem ser executados com simples toques nos inimigos ou fazendo linhas na tela para ataques imediatos. Tudo muito intuitivo e eficiente, mas há problemas.

Por vezes, acabamos executando comandos não desejados. O fato de utilizarmos o mesmo objeto para efetuar os toques na tela poderá tirar a agilidade dos comandos. Na jogabilidade tradicional, utilizando botões, é muito mais simples atacar e usar itens enquanto movimenta o personagem. Nos comandos de toque, você deverá fazer apenas um por vez, terá que parar de se movimentar para efetuar o movimento de ataque, e algumas vezes não é tão eficaz. Ao utilizar armas secundárias, o problema aumenta, tudo fica ainda mais travado.

Essa limitação em executar comandos simultâneos prejudica a dinâmica dos combates. É claro que o jogo foi desenvolvido pensando nessa limitação, e o fez muito bem, mas não elimina alguns momentos frustrantes. Já a parte de exploração de cenários e resolução dos quebra-cabeças não há muito o que criticar, os comandos de toque são muito agradáveis. Mesmo não havendo grandes dificuldades, os enigmas são divertidos e criativos.

Não bastasse os comandos na tela de toque, tal recurso será utilizado à exaustão. Isso porque você terá os mapas dos locais visitados, e neles poderá fazer rabiscos para marcar coisas importantes. Diversas resoluções de enigmas utilizarão esse recurso de fazer traços no mapa ou mesmo desenhar o contorno da ilha visitada. Apesar do excesso, é divertido de fazer.

E claro, as famosas dungeons estão mais presentes do que nunca. São diversos locais cheios de enigmas para decifrar, muitos deles utilizando desenhos. Por vezes o jogo reaproveita determinados desafios, obrigando o jogador a repetir parte deles para acessar novas áreas, e isso se torna cansativo na reta final. Os momentos de navegação também são chatos, onde devemos traçar a rota do navio no mapa e deixar ele seguir sozinho. Enquanto o barco segue, estamos limitados apenas a disparar o canhão ou saltar sobre obstáculos. É possível redefinir a rota, mas esta não é a forma mais eficaz de conduzir um barco nos videogames.

Definitivamente, este não é o melhor título para conhecer a franquia. O estilo de jogabilidade é bem diferente, e por mais que funcione bem na exploração e nos quebra-cabeças, deixa a desejar no combate. Por fugir da jogabilidade tradicional, poderá desagradar ou cansar algumas pessoas. O jogo tem suas qualidades, tentou inovar e pode garantir boas horas de diversão, uma pena que fique cansativo na reta final.

Review | Bojack Horseman – 5ª Temporada

5 de dezembro de 2018 by Almighty

Aaron Paul, Alison Brie, Amy Sedaris, Bojack Horseman, Netflix, Will Arnett

Quem diria que a série do homem-cavalo iria tão longe? Em seu quinto ano de exibição, Bojack Horseman vem se mostrando um excelente produto voltado ao público adulto. Todas as temporadas até aqui tiveram seus altos e baixos, alguns problemas de ritmo, mas o saldo final sempre é positivo. Aqui não foi diferente.

Bojack é um personagem que, a todo momento, é destruído e reconstruído. Ele alterna entre o céu e inferno de maneira corriqueira, mas todos os revezes não calejaram nosso protagonista. Pelo contrário, o torna ainda mais vulnerável.

Após reviver seu infeliz passado com os pais, Bojack será o protagonista de uma nova série que se mostra um grande sucesso. Apesar de ter alavancado novamente sua carreira e estar cercado de admiradores, o cavalo não se mostra feliz. Seu relacionamento com Gina é morno e um tanto indiferente, apesar de alguns lampejos de amor. Em outro plano, Diane e Sr. Peanutbutter se divorciam. Enquanto Diane tenta se mostrar mais forte, corta o cabelo em sinal de mudança e adota uma postura mais forte e feminista, o cachorro começa a namorar mas não rejeita seus sentimentos pela ex-esposa.

Um ponto interessante é a amizade entre Bojack e Diane. Mesmo que em alguns momentos apareçam brechas para que os dois se envolvam, mesmo que casualmente, isso não acontece. Pelo contrário, Diane dá alguns tapas de realidade do focinho do cavalo e o ajuda nos piores momentos. Hollyhock reaparece e será crucial para que Bojack entenda o quão fundo ele chegou no vício por calmantes. Sim, esta é a droga da vez. Pobre Bojack…

Tive a impressão de que esta foi a temporada que menos deu vontade de assistir. Não pela ausência de qualidade, mas pelo fator entretenimento. E não entendam errado, a questão aqui não é se divertir com a desgraça alheia, mas apenas ficar preso em acompanhar cada episódio. Apesar de manter a qualidade, dá a impressão de que a série começou a se desgastar, e talvez uma extensão demasiada não seja uma boa ideia.

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Resenha | Devilman

22 de novembro de 2018 by Almighty