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Variando entre o estilo ficcional e o documental, Xale é o primeiro longa-metragem de Douglas Soares, e elucubra sobre o passado de sua amada vó Araci Vanassian e uma viagem que ela fez pela Armênia. O diretor então viaja para o país europeu a fim de remontar os passos de sua antepassada, para entregar a ela uma homenagem antes que a mesma morra.

Nessa ida ao exterior, o cineasta leva o xale de sua parente, que teria sido adquirido em solo armênio. Enquanto está em viagem, a câmera serve como os olhos de Soares, e é em uma dessas cenas, quando ele descansa, que o neto descobre a doença de Alzheimer  da sua figura de reverência, ainda que isso seja mais um elemento inventado para a trama.

O enfoque na ternura funcionária à perfeição em um curta metragem menos ambicioso, uma vez que não há grandes discussões dentro do produto final, sobrando apenas uma bela forma com um texto que pouco diz, inclusive banalizando a única parte grave do mesmo, já que a doença sem cura de uma das personagens foi inventada para o argumento final.

Xale tem uma fotografia bonita e mostra uma relação carinhosa entre os dois parentes, ainda que não haja qualquer conteúdo a discutir a partir daí. Ao menos o filme não é tão pretensioso, execução feito ao seu formato como dito antes. Vale pelos sentimentos universais mostrados nele e claro pela exposição de um conjunto de emoções que é organizado por uma equipe de poucos membros, além ter uma mensagem de inclusão sexual naturalizadora.

Waiting For B. marca a estreia em longas metragens dos diretores Paulo Cesar Toledo e Abigail Spindel. O enfoque de ambos é nos aficionados por Beyoncé Knowles, que aguardam ansiosos pela apresentação da cantora. A condição financeiramente prejudicada deles os faz acampar por duas semanas próximo do local, a fim de conseguir um lugar à frente do palco.

O registro e observação se diferenciam do comum por mostrar pessoas fanáticas pelo trabalho da artista, sobrando muita descontração por parte dos fãs e claro ensaios mil para se adequar as coreografias da integrante de Destiny Childs. Há uma micro comunidade improvisada ali, que faz ter uma convivência forçada entre pessoas que não se conhecem mas que tem muito em comum, além da mesma paixão pela artista e a classe social, há também um forte caráter de discussão, tanto em relação aos preconceitos vigentes ainda no movimento LGBT, quanto da questão do embranquecimento da dita diva, que aos poucos, se distancia da tonalidade escura original de sua pela – aspecto esse destacado pelos próprios fãs.

É curioso notar que apesar de haver uma idolatria enorme a Beyoncé, não há uma adulação livre de senso crítico, ao contrario, os entrevistados tem noção do caráter inalcançável e até elitista da performancer, uma vez que ela não se permite relacionar de maneira íntima com seus fãs, sendo até chamada de recatada quando é comparada com sua contemporânea Rihanna, por exemplo. A escolha por não ignorar essa faceta engessada e careta da musa além de dar credibilidade ao filme gera dúvidas interessantes sobre os motivos que fazem o público LGBT normalmente abraçar uma personalidade tão afeita as classes mais favorecidas, que se vale do discurso popular para fazer sucesso e claro, capitalizar.

O documentário de debruça sobre assunto tabus, usando para isso as falas dos próprios personagens, sem necessidade de panfletar ou fazer um estudo aprofundado sobre os diversos temas sociais. Como o acampamento é próximo do estádio do Morumbi, é natural que durante a espera de dois meses hajam alguns jogos do São Paulo Futebol Clube, e para os que esperam há um receio em demonstrar sua sexualidade homo afetiva, receando qualquer violência via intolerância.

As partes que evidenciam o desespero por estar perto do ídolo são secundários e desinteressantes, quase um despiste para apresentar as histórias de pessoas que conseguiram encontrar sua identidade sexual por meio do exploitation ligado a dança e a cantoria da personagem em si. O intuito é exemplificar essa cultura, tanto que a figura central do show não é apresentada pela câmera e suas músicas só tocam por meio de versões curiosas, nunca os arranjos originais. Nesse ponto, Waiting For B é pleno em qualidade e apresenta uma quadro comum mas ainda assim necessário de se retratar.

Baseado na obra homônima da Daniella Arbex, que co-dirige o filme junto a Armando Mendz, Holocausto Brasileiro é um documentário denunciativo, encomendado pela HBO Films que tratou de ir de encontro a escritora com o projeto de tornar em áudio visual o livro que já detalhava os causos do começo do século XX no Hospital Colônia, um reduto psiquiátrico que tratava doentes psíquicos em Barbacena-MG.

Analisar o filme sem levar em conta a história contada no livro é exercício fútil. O Colônia era um lugar que mantinha seus pacientes em condições degradantes, igualando-os a detentos sem qualquer dignidade, tendo inclusive setores do hospital que não tinham qualquer trabalho de limpeza, onde os mentalmente prejudicados transitavam entre seus próprios dejetos, que não eram limpos por dias ou semanas tendo alguns que sequer se vestiam.

A falta de cuidado causou números alarmantes de doenças e de descuidos múltiplos. Segundo os estudos de Arbex, 60 mil pessoas foram mortas. As entrevistas de ex-funcionários, parentes dos que lá ficaram e pessoas que orbitavam o local, causando empatia no público por sua questão flagrante e pelas denúncias comuns a tantos outros manicômios pelo Brasil, em especial pela polêmica questão do eletrochoque, fazendo a partir daí um diálogo interessante com o recente ficcional Nise – No Coração da Loucura, que também trata da questão.

Aos poucos o documentário martela no imaginário do espectador a realidade de que as pessoas não iam para lá com a expectativa de serem curadas, e sim de serem levadas para longe do mundo são e normal. O ambiente naturaliza as mortes e enfermeiros e médicos se acostumam tanto com o óbito que passa a serem estes eventos dignos de anestesia. Era comum que ao internar um parente as famílias se mudassem, para não serem notificadas de absolutamente nada a respeito dos doentes.

O cunho mais sério do filme mora na mercantilização dos internos, desde a vendas de ossadas e cadáveres para as faculdades – passando de milhares os números com registro em caixa – como também o trabalho forçado dos pacientes, que eram pagos apenas com cigarros, mesmo que algumas obras grandes tenham ocorrido com o esforço dos doentes.

Holocausto Brasileiro é reverencial em relação a obra de Helvécio Ratton, Em Nome Da Razão, um curta que também se passava em Barbacena no hospital e que já demonstrava grande parte dos maus tratos que os debilitados sofriam. Há até um trabalho de reconstituição com os envolvidos na produção do curta de 1979 e com outros jornalistas que frequentaram o hospital quando estava ativo e a conclusão final do filme foge de qualquer hipocrisia ou consolo de alma, uma vez que compartilha a culpa das ocorrências na sociedade civil que não abria os olhos para os oitenta anos de exploração de seres humanos. Apesar de em alguns pontos apelar para um sensacionalismo leve e de ter uma métrica bem normativa, não há muito o que reclamar do conteúdo do filme, que faz refletir demais sobre toda a questão envolvendo o descaso com os menos favorecidos, além de servir de paralelo com os demais flagelos sociais que habitam o Brasil como um todo.

Lav Diaz é um diretor filipino conhecido por dois fatos distintos, sendo o primeiro a investigação dos costumes e rotinas de seu povo, observando o todo com um olhar profundo e visceral e o segundo em registrar seus filmes através de durações enormes. A Mulher Que Se Foi reúne essas duas características, ainda que tenha uma duração de apenas três horas e quarenta e seis minutos. A história é baseada no conto God Sees The Thruth, But Waits, de Leon Tolstói, e é focada na personagem Horacia Somorostro (Charo Santo-Concio), uma mulher que é libertada após décadas de uma reclusão injusta, só tendo essa libertação após o assumir da pena da verdadeira culpada.

Este primeiro fator segue um mistério ao longo do filme, assim como as motivações de Horacia uma vez que se vê novamente transitando pelas ruas e vias comuns. O costume do cárcere a faz ter um receio tremendo, influindo até no resgate familiar que ocorre a partir de suas ações. O re-encontros são acompanhado do pedido de que não espalhem sobre a sua saída da prisão, fato que esconde um segredo somente revelado ao final.

Diaz mostra a periferia de uma cidade, tentando emular uma universalidade suburbana, mostrando que o drama ali mostrado poderia ocorrer em qualquer país sub desenvolvido e que é refém de um poder paralelo tão presente no cotidiano do homem comum. A jornada de Horacia é de completo reconhecimento e tentativa de resgate de seu antigo ethos, mostrando os re-concertos de seu núcleo familiar convivendo com mudanças drásticas tanto de seus herdeiros quanto de seu ideário já modificado pós estadia na cadeia.

O roteiro se desenrola de maneira lenta, apresentando nuances em absolutamente cada sub trama. Mesmo personagens periféricos e normalmente relegados a um papel coadjuvante em filmes como esse são trabalhados de modo a se conhecer toda a sua intimidade em poucas falas e cenas em que estes estão em tela. O filme se debruça sobre homens e mulheres marginais, fugindo de qualquer maniqueísmo barato, ao mostrar mesmo os personagens que lançam mão do banditismo como pessoas passíveis de erros e de carências, humanizados ao extremos mas que não justificam seus atos.

O fim dos arcos dos personagens são muitíssimo bem trabalhados, em especial a da prostituta transexual Hollanda (John Lloyd Cruz), que tenta agradecer os cuidados de Horacia fazendo algo que ela mesma não teria coragem para fazer. A Mulher Que Se Foi é um filme caro, profundo e que fala de maneira muito bela sobre o destino de uma mulher que se cansa de esperar seu destino melhorar, mirando uma abordagem que poetiza as tragédias inerentes a vida comum.

Sieranevada mistura o modo clássico de contar histórias do cinema romeno, através da direção intervencionista de seu realizador Cristi Puiu com uma câmera intrusiva que se assemelha demais com o estilo de documentário fake conhecido por mockumentary. A história segue o dia de Larry (Mimi Branescu) um homem comum, de baixo auto estima e riso fácil que se submete a praticamente todas as ordens externas dadas a si. A trama toda se passa no dia do sepultamento de seu pai em uma tarde em que passará com a sua família.

A questão é que ao chegar na casa de seus parentes, a família é mostrada em uma formação de loucos, com homens e mulheres tendo discussões ferrenhas a respeito de política, religião, militarismo e teorias da conspiração. O conjunto de personagens é diverso, tendo desde uma senhora idosa e marxista, que é esposa de um sujeito falador e inconveniente, que gosta de alfinetar os parentes por causa do conservadorismo que supostamente todos vivem, até um parente mais jovem que acredita em toda sorte de manipulação por parte dos Estados Unidos nos atentados ocorridos pelo mundo.

O fato do drama ocorrer três dias após o ataque terrorista ao semanário de Charlie Hebdo faz acirrar ainda mais os ânimos, causando discussões homéricas, normalmente acompanhadas pelo riso franco de Larry, fator que faz o próprio público rir junto. O atraso do padre dá espaço a trama de quase três horas propicia uma série de entreveros moderados entre os parentes, onde tudo ocorre num espaço curto de tempo e em um espaço físico ainda menor.

Próximo ao final, o ritmo cai e a comicidade idem, com um enfoque desnecessário em um personagem mal urdido e mal interpretado. Ainda assim, esta face da discussão matrimonial serve de exemplo para Larry, do que não seguir sendo um alerta para seu próprio cotidiano. Sieranevada tem altos e baixos durante sua longa exibição, mas acaba sendo um bom registro sobre a intimidade e identidade do homem comum de seu país e sobre a diversidade de pensamento de uma sociedade com a civilização já solidificada.