Resenhas – Página: 11 – Vortex Cultural

Resenha | Lordes dos Sith – Paul S. Kemp

25 de outubro de 2016 by Vortex Cultural

Darth Vader, Editora Aleph, guerra nas estrelas, Star Wars

O livro Lordes dos Sith escrito por Paul S. Kemp, pertencente ao universo canônico de Star Wars, conta uma história que fazem os fãs de Star Wars babar, a trama envolvendo o Imperador Palpatine e Darth Vader, coloca os dois personagens em uma situação bem complicada. Nós vimos a dupla frequentemente juntos na trilogia nova (episódios A Ameaça Fantasma, O Ataque dos Clones e A Vingança dos Sith) como Chanceler Palpatine e Anakin Skywalker, vemos o Chanceler tentando trazer Skywalker para o lado negro e eles retomam a parceria na trilogia antiga também, o livro de Paul S. Kemp mostra um olhar mais próximo da dupla de mestre e aprendiz.

Lordes dos Sith acontece no planeta Ryloth, entre o filme Vingança dos Sith e livro Tarkin. Na trama do livro, o Império está explorando o planeta natal dos Twi’leks (espécie de humanoide) à procura do minério Ryll e ao mesmo enfrentando a rebelião considerável liderada por Cham Syndulla, que vimos pela primeira vez na animação Star Wars: The Clone Wars, Syndulla é pai de Hera que aparece na animação Star Wars Rebels. A intenção do grupo de Cham é causar bastantes problemas para chamar a atenção do Imperador Palpatine e Darth Vader. A viagem dos Siths a Ryloth não sai como planejada e eles encontram-se tendo que lutar por suas vidas.

Vendo Palpatine e Vader neste particular período nos fornece um bom contexto da dupla. Vader continua tentando achar seu caminho, aprendendo a como deixar seu passado para trás e entendendo o poder aparentemente sem limites de Palpatine. É fascinante ver Vader descobrir como lidar com o medo e o ódio, tornando o personagem mais atrativo e entender o por que ele é do jeito que é, compreendendo qual é o papel de Palpatine na vida de Vader. Combinar o que é mostrado no livro com o que sabemos através dos filmes mostra um perfil mais completo do incrível vilão.

Eu gostei muito de acompanhar a jornada de Vader, mas também fiquei bastante interessado em ver como Palpatine manipula as pessoas que estão a sua volta, sua inteligência e paciência também ficam bem evidente no livro, os momentos nos quais ele manipula Vader são bem impressionantes, “Lordes dos Sith” mostra toda a potência de Palpatine em ação. Palpatine não fica sentado em seu trono em Coruscant, ele vai cuidar dos assuntos do Império pessoalmente no meio da selva de Ryloth. As cenas de Kemp são vívidas, deixando muito fácil de imaginar o livro como um complemento dos filmes.

No entanto as cenas de ação ficam um pouco a desejar no livro, elas são grandiosas, mas demoram muito a acontecer. Em alguns pontos do livro, eu me peguei calculando quantas páginas faltavam para finalmente chegar à cena da luta e em certos momentos eu tentei pular algumas partes, mas me contive e segui lendo o livro na íntegra.

Durante a jornada de Vader e Palpatine tentando conter a rebelião podemos testemunhar a política interna do Império, onde podemos comparar o Império com uma grande corporação, com pessoas preguiçosas tentando tirar vantagem de todas as situações possíveis. No livro nós conhecemos a Moff Delian Mors, personagem cânone e a primeira personagem homossexual do universo Star Wars, e ela desenvolve um papel importante no curso do livro.

No lado da rebelião, encontramos a continuação de uma história iniciada em Clone Wars. Os cidadãos querendo serem independentes do Império. Cham Syndulla líder da causa rebelde e é devoto a ela, enfrenta conflitos, toma decisões difíceis e carrega todo peso da causa. Você consegue sentir o peso das vidas perdidas nos ombros de Syndulla, toda decisão dele tem um impacto profundo e isso adiciona uma carga dramática ao livro.

O livro conta outros personagens como Isval e Belkor tão importantes para a história assim como os personagens já citados. O ponto de vista muda entre os personagens durante a trama e isso funciona muito bem para a história. Kemp fez um trabalho excelente ao entrelaçar as histórias dos personagens, dando espaço a todos eles.

Sem dar muito spoilers do final de cada personagem, o livro termina de uma forma bastante abrupta. Ainda assim, Lordes dos Sith é uma leitura obrigatória, se você é um fã do Imperador Palpatine e/ou Darth Vader e estiver interessado em entender melhor sobre a dinâmica da dupla. O livro é um retrato da galáxia em um momento em que o Império está no seu auge, demonstrando força extrema e crueldade ao enfrentar a Aliança Rebelde.

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Texto de autoria de Tiago Cesar.

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Resenha | Rocks – Joe Perry

21 de outubro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Aerosmith, Benvirá, biografia, biografia de rock, Joe Perry, resenha de livros

Dois anos após o lançamento de O Barulho na Minha Cabeça Te Incomoda? – Uma memória feita de Rock´n Roll, autobiografia de Steven Tyler, frontman do Aerosmith, chega a vez do guitarrista Joe Perry lançar suas memórias, adicionando novo combustível a carreira sempre implosiva da banda conhecida, não a toa, como os bad boys de Boston.

Lançado em janeiro pela Benvirá, Rocks – Minha Vida Dentro e Fora do Aerosmith apresenta uma nova versão de fatos conhecidos pelos ouvintes da banda, trazendo a tona a outra figura que, ao lado do cantor, configura os Toxic Twins – alcunha dada pela mídia à amizade explosiva e ao contínuo uso de drogas dos parceiros musicais. Seguindo a fórmula tradicional de uma biografia, o músico apresenta a trajetória de sua vida, tanto antes da consagração como no estrondoso sucesso da banda, mantendo a mesma franqueza agressiva de Joey Kramer e Tyler em suas memórias. Afinal, após quase 40 anos juntos, os atritos da banda são tão fundamentais quanto seu rock´n roll.

Embora tenha convivido na mesma região de Tyler – um garoto da cidade que passava o verão na pensão de seus pais no campo – a trajetória de Perry é mais humilde. Os valores que fundamentariam sua carreira como a dedicação passional à guitarra e um louvável senso familiar diante da vida de um rockstar foram ensinamentos aprendido com os pais, responsáveis por presenteá-lo com seu primeiro instrumento musical. Desde este inicio precoce, o contraste entre os gêmeos tóxicos está presente. Steven já era conhecido na região devido a outras pequenas bandas, enquanto o guitarrista buscava trilhar seu caminho profissional. O encontro definitivo da dupla aconteceria somente em Boston quando, primeiro Perry, depois Tyler, rumariam para a capital e, todos sob o mesmo teto, fundariam o Aerosmith.

A personalidade de Joe ecoa pela biografia realizada em parceria com o crítico David Ritz. Uma narrativa mais calma e notadamente mais afiada na linearidade dos fatos do que a do companheiro. Perry se contrapõe ao cantor na timidez mas explode sintonia musical em uma potente guitarra mergulhada no blues. Mesmo mais calmo que o parceiro, compartilhou a jornada rumo à destruição através das drogas. A música, porém, falou mais alto e, em momentos quando o Aerosmith dava sinais de cansaço devido a uso excessivo de qualquer tipo de droga, Perry soube se lançar em uma bem sucedida carreira solo que ainda mantém entre um álbum e outro dos bad boys.

Se na carreira de um roqueiro há sempre um ponto de redenção que o faz repensar sua jornada, a família foi a sustentação de Perry. Ao vê-la quase colapsar devido ao uso das drogas, tentou ao máximo se abster, ainda que em inevitáveis recaídas. Em um universo mítico em que o sexo, a drogas e o rock´n se mantém como dogmas, o guitarrista soube compartilhar o melhor de dois mundos: a frente da guitarra é um dos deuses eternos do rock. Quando o espetaculo se encerra, é apenas um homem comum que mantém um legado de amor com esposa e filhos.

Rocks: Minha Vida Dentro e Fora do Aerosmith – Joe Perry

Resenha | O Barulho na Minha Cabeça Te Incomoda? – Steven Tyler

14 de outubro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Aerosmith, Benvirá, biografia, biografia de rock, Joe Perry, resenha de livros

Steven Tyler está confortavelmente sentado ao seu lado. Você não se recorda há quanto tempo o conhece, embora se lembre das histórias que lhe contou, sem filtro, dando vazão a uma verborragia tão intensa quanto sua voz. Tyler relata sobre mulheres, o impulso pela experimentação – tanto na vida, quanto nas drogas – sem perder a pose. É como se ele sempre fosse um protagonista e, mesmo fora dos palcos, usa as calças com pintas de onça, diversos colares e mantém as unhas pintadas – mal pintadas, diga-se. Você pensa o quanto este figurino seria cafona se ele não fosse Steven Tyler. “estilo, cara, estilo é tudo”, ele diz.

Lançado pela Benvirá em 2013, O Barulho na Minha Cabeça Te Incomoda? – Uma memória feita de Rock´n Roll é a segunda biografia de um Aerosmith lançada no mercado editorial, porém, a primeira a chegar em terras brasileiras (o livro de Joey Kramer ainda não chegou no país). Com título extraído da canção Something´s Gotta Give, do álbum Nine Lives (1997), a biografia entrou na lista de mais vendidos do New York Times, representando o sucesso da banda e refletindo com exatidão a aura desenvolvida pelo frontman desde o início da banda como um talento excêntrico.

Com uma linguagem simples e um estilo franco, a biografia vai direto ao ponto sem nenhum receio ou filtro. Em narrativa bem humorada, não há nenhum refreio para contar os altos e baixos de sua vida e dos problemas envolvendo o Aerosmith, a banda formada pelos bad boys de Boston. Sem abrir espaço para modéstia, Tyler se debruça na própria memória, abrindo o coração ao leitor, destacando seus feitos como heroicos e responsáveis pelos ápices da banda que co-fundou ao lado de Joe Perry. A família de classe média alta que fundamentou seu amor pela música, o apetite por explorar qualquer tipo de droga sempre reconhecendo suas modificações mentais, as mulheres que a música lhe proporcionou, tudo é transmitido ao leitor como se ele fosse um velho amigo confidente e estivesse visitando sua casa para uma noite regada de bebida e blues.

Ciente de sua própria potência, Tyler rouba a cena em todas as histórias, provavelmente distorcendo algumas aventuras para demonstrar sua força. Uma verdade que parece tão forte que se torna coerente, sem se importar ao leitor se as história foram, de fato, como relata. Sem papas na língua, desagua as mágoas da vida, sem perdoar nem mesmo os parceiros de banda. Todo o misto de violência e amor que sustenta a visceralidade insana do Aerosmith está presente, muitos relatos são dolorosos mas vistos com um carinho impar pela trajetória conquistada de uma banda que ainda permanece na ativa.

O Barulho na Minha Cabeça Te Incomoda? É um passeio pela trajetória da banda e uma história vivida no limite por um homem sempre criativo e tempestivo. Se o Steven Tyler é um personagem, não interessa ao leitor, trata-se de um cantor autêntico que permanece em uma trajetória a procura do sucesso, como se ainda não estive ciente de que é um ícone do rock´n roll americano desde a década de 70.

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performs onstage during Pilgrimage Music & Cultural Festival on September 27, 2015 in Franklin, Tennessee.

Resenha | Último Turno – Stephen King

10 de outubro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

literatura americana, Stephen King, suma de letras

Lançado em julho nos Estados Unidos, e transformado em um dos mais vendidos desde então, Último Turno, terceiro volume da trilogia Bill Hodges de Stephen King, chega em tempo recorde às lojas pela Suma de Letras em estratégia que concentrou o lançamento dos três volumes para este ano no país (originalmente, os dois primeiros romances saíram em 2014 e 2015).

A trama apresenta a possível última aventura do detetive aposentado William K. Hodges, mostrando novamente em cena o grande vilão de Mr. Mercedes, Brady Hartsfield, em um duelo aguardado pelos leitores desde Achados e Perdidos. Se o primeiro livro prestava uma homenagem ao detetive clássico, com o próprio autor afirmando que faltava um investigador deste estilo em seu hall de personagens, o novo romance deixa de lado eventuais convenções de gênero para também mergulhar em uma das características que fundamentaram King: o sobrenatural.

Diferente de Achados e Perdidos cuja trama explora, em grande parte, uma história sem o detetive, logo no início desta nova obra é possível sentir a mesma essência presente em Mercedes, transbordada pela presença característica do personagem, agora mais velho: em forma, porém debilitado pelos naturais problemas da velhice. Embora seja coincidente, King e seu detetive compartilham quase a mesma idade, um efeito que imprime maior realismo no cotidiano de Hodges como se o próprio autor dissesse, ei, sei bem o que estou falando porque minhas juntas também doem.

Como o leitor conhece as personagens e seu desenvolvimento pessoal devido aos romances anteriores, a ação se desenvolve desde o início, pontuando mais um crime bizarro que pode ter ligação com o famoso assassino do Mercedes. King dá sobrevida ao seu vilão adolescente, mantendo o aspecto diabólico mas deslocando-o do convencional, devido aos acontecimentos dos livros anteriores. Novamente em cena, Brady se mantém com grande apelo, e a maneira como é desenvolvido nesta última história transforma-o em um vilão ainda mais imprevisível (Qualquer outra informação poderia minar o prazer da leitura).

Assim como o vilão cresce na história, o desenvolvimento de Hodges e de seus dois parceiros de investigação, Holly Gibney e Jerome Robison, se mantém em destaque, em uma construção carismática de um improvável trio unido pela amizade e pelo prazer de esclarecer mistérios. Mesmo explicitamente conduzindo alguns elementos da trama com o crivo da ficção, apenas para explorar ganchos e prender o leitor, a construção do ambiente e dos personagens é realista e potencializa a força do vilão e a necessidade urgente de evitar um problema maior. Ciente de que o novo livro pode também atrair novos leitores, o autor pontua, em diversos momentos, os acontecimentos dos romances anteriores para situar quem tenha escolhido este livro como início. Dessa forma, àqueles que se incomodam em saber a história prévia, é recomendado a ler desde o início.

Último Turno encerra a trilogia do detetive Bill Hodges mantendo elementos policiais consagrados na primeira história mas explorando a veia sobrenatural, sempre presente nas obras de Stephen King. Ao realizar um novo embate de detetive e vilão, a obra prova, como se ainda fosse necessário, a prosa fluída e bem construída do autor, sempre dedicada a compor uma boa história e deixá-la irresistível até o último capítulo.

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Resenha | A Dama Oculta – Ethel Lina White

5 de outubro de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

alfred hitchcock, resenha literária

Há uma verdade na sinopse do livro de A Dama Oculta: não é nada difícil compreender os motivos que levaram Alfred Hitchcock a transformar a obra de Ethel Lina White em uma de suas obras cinematográficas. E muito disso se deve ao fato de que os méritos da escrita de White também poderiam ser (e foram!) os méritos na direção do Mestre do Suspense.

Publicado pela Editora Vestígio como parte de uma coleção sobre as obras literárias que inspiraram alguns dos filmes mais notórios do diretor, A Dama Oculta é um prato cheio um intrigante jogo de percepções e desconfianças: no livro, acompanhamos Iris Carr, uma jovem socialite que, após uma viagem com amigos ao continente europeu, resolve retornar sozinha para casa, intimidada por algumas personalidades estranhas que a cercam desde sua estadia no hotel. No retorno, Iris conhece no trem uma senhora animada e faladeira chamada apenas de Srta. Froy e que, após um súbito sono de Iris, some sem deixar vestígios, e com o agravante de que nenhum dos passageiros a bordo parece se lembrar da presença da idosa. E assim, questionando ora sua própria sanidade, ora o envolvimento de alguns rostos nesse mistério, Iris parte em busca do paradeiro da Srta. Froy.

Para uma temática como a de A Dama Oculta, onde as ações ocorrem num espaço limitado e assim em constante velocidade, seria indispensável que a autora soubesse aguçar a curiosidade de quem lê com os desdobramentos da situação. É um risco o autor jogar sua história dentro de um cenário fechado e não trabalhar com inteligência aquele espaço. Mas Ethel Lina White carrega um trunfo, o de conseguir estabelecer o interesse e a desconfiança do leitor antes mesmo dos principais acontecimentos chegarem ao trem. A escritora não se limita a utilizar Iris como um mero captador de informações para o leitor, e carrega seu olhar até as diversas outras personalidades que irão permear a leitura, por vezes até permitindo que o leitor retenha informações que nossa própria protagonista desconhece. E Ethel Lina White é habilidosa em trazer as informações à tona. Cada nova página nos traz alguma informação que, mais cedo ou mais tarde, virá ser essencial para o encerramento do quebra-cabeça.

Curioso é também notar como a autora desenha nossa protagonista, e para alguns (e algumas), isto assuma até mesmo um viés feminista, o que não seria nada errado: Iris é uma moça de extrema pertinência, mas que vez ou outra se deixa balancear por sua própria sanidade, algo absolutamente humano. Mas decidida a descobrir o que houve com a Srta. Froy, Iris enfrenta um mar de rostos (a maioria homens, diga-se) que tentam lhe impedir de chegar a uma resposta, que tentam manipular sua própria busca, o que resulta também num jogo de inteligência fumegante entre esses personagens. Nisso, Ethel ainda é esperta em enxertar, com um misto de clareza e sutileza, uma guerra silenciosa entre as mais diversas classes sociais e até mesmo xenofobismo.

Com um irônico desfecho melodramático (evitado por Hitchcock em sua adaptação), A Dama Oculta é uma leitura facilmente envolvente, divertida, sarcástica (não também à toa, a adaptação de Hitch é considerada o auge de sua fase britânica, algo com o qual o humor da obra flerta) e que, vale ressaltar, chega nesta sua nova edição com uma belíssima capa dura. Que venham os próximos lançamentos!

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Texto de autoria de Rafael W. Oliveira.

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Resenha | Meia-Noite e Vinte – Daniel Galera

28 de setembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras, daniel galera, Literatura Brasileira

Em Barba Ensopada de Sangue, lançado em 2012, elogiado e denso romance vencedor do Prêmio São Paulo em 2013, Daniel Galera fundamentava mais uma boa obra em sua carreira, demonstrando um talento impar dentro da literatura contemporânea brasileira. Novamente em parceria com a editora Companhia das Letras, o autor lança novo romance, dessa vez concentrado na análise sobre tensões presentes no cenário atual.

Meia-Noite e Vinte se alinha com o espaço contemporâneo, situado em uma Porto Alegre quente e movimentada, devido aos protestos públicos contra aumento de tarifas. Neste cenário, um grupo de amigos se reúne relembrando os feitos da universidade para velar um dos amigos, morto em um assassinato fatídico. Se o contemporâneo sempre é um objeto difícil para a análise de qualquer meio, desenvolver uma história neste espaço também requer delicadeza e alto grau de observação, fator que a prosa do autor garante em qualidade e estilo.

A trama é focada neste grupo de amigos que estão na fase dos trinta anos de idade, vindos de feitos bem-sucedidos de um passado mistificado pela própria memória. A intenção de radiografar a geração atual apresenta personagens que cresceram na passagem do mundo analógico para o digital, extremamente conectado. Neste processo de transição, encontram-se três personagens, Aurora, Emiliano e Antero sobrevivendo numa realidade diferente daquela imaginada nos tempos áureos da juventude.

Personagens que mesmo inseridos nessa era de revolução, compartilhando sentimentos via redes sociais, conectados com conhecidos e estranhos de todo mundo, ainda se sentem incompletos, incapazes de aceitar que a vida foi diferente dos planos imaginados, tornam-se adultos que ainda vivem uma insatisfação como se não amadurecessem por completo.

A obra é narrada por estes três personagens, dando sequência temporal a fatos após a morte de Andrei, considerado um autor prodígio. Cada um deles é construído de maneira distinta mas com problemas que desembocam em um mesmo significado: a sensação insegura do presente, a urgência do contemporâneo e a falta de pilares para que se compreendam as motivações atuais de cada um, em um mundo cada vez aparentemente dividido. Diante deste cenário de modificações rápidas, os homens estão de joelhos, sem saber o que ou quem seguir em época em que tudo é reconfigurado e destruído constantemente. Apoiando-se na tecnologia e em pequenas transgressões daquilo que resta como matéria para se sentir vivo.

Se em outras obras anteriores, o autor já foi reverenciado como um autor de geração por situar seus dramas em um espaço contemporâneo focado em sentimentos internos e universais, esta nova obra dá sequência a esta afirmativa observando o comportamento da geração atual à procura de refletir no leitor a mesma insatisfação. Semelhante à radiografia composta por Fernando Sabino em Encontro Marcado – não à toa, outro autor e romance considerado como representante de uma geração com o desencantamento do universo adulto – Meia-Noite e Vinte relata a velocidade do mundo em que vivemos, em excesso de signos ao nosso redor, sem parâmetros coesos para estabelecer limites e espaços. Uma sociedade à margem de um abismo em uma história escrita sob esta pressão e velocidade de cliques e likes.

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Resenha | Foe – J. M. Coetzee

21 de setembro de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras

Neste clássico da literatura contemporânea, publicado originalmente em 1986, o prêmio Nobel J.M. Coetzee reinventa a história de Robinson Crusoé.

O autor desconstrói a história de Robinson Crusoé, que deixa de ser o narrador-protagonista, colocando a voz narrativa na figura de Susan Barton, náufraga que sobrevive a um motim no navio em que viajava e que acaba “aportando” na ilha de Cruso. Assim como F. Scott Fistzgerald já fizera com Nick Carraway em O grande Gatsby, deixando que o vizinho do herói conte a história de Jay Gatsby, Coetzee deixa a cargo de uma “coadjuvante” a narração das aventuras/desventuras de Crusoé.

O livro é narrado em primeira pessoa por Susan. E o interessante é que a voz narrativa tem um tom de contador de histórias, com digressões que (felizmente) não atrapalham e se encaixam perfeitamente no contexto. É quase como uma quebra da quarta parede (se o livro fosse um filme). Há vários apartes, como se o narrador estivesse mesmo conversando com o leitor, pedindo permissão para algo ou avisando que falará disso ou daquilo mais tarde.

“Os olhos do estranho eram verdes, o cabelo queimado tinha adquirido uma cor de palha. Julguei que teria sessenta anos. Usava (permita que eu dê minha descrição completa dele) um colete, calção até debaixo dos joelhos, como se veem marinheiros, usando no Tâmisa, e um boné alto que subia em cone, tudo feito de peles de animais trançadas, com os pelos do lado de fora, e um par de sandálias resistentes.”
(pag.10)

Além disso, reforçando a ideia de “contação de história”, o autor usa uma notação toda própria – todos os parágrafos são abertos com aspas, que não são fechadas ao final dele. Na segunda parte do livro, que está em formato de diário, as aspas se fecham ao final de cada dia.

Aproveitando a deixa, na primeira parte Susan narra sua chegada à ilha de Cruso, a estadia e o resgate. Na segunda parte, narra sua busca por alguém que escreva sua história, na verdade, a história de Cruso e de Sexta-feira. Na terceira e quarta parte acompanhamos o encontro de Susan com seu autor.

E desde o início, através de Susan, o autor brinca com as palavras, com seu uso, com seus significados, com sua utilidade:

“Minha primeira ideia foi que Sexta-feira era como um cachorro que obedece a um único dono, mas não era assim. ‘Firewood, madeira para fogo, lenha, é a palavra que ensinei a ele’, disse Cruso. ‘Wood, madeira, ele não sabe.’ Achei estranho que Sexta-feira não entendesse que firewood era uma espécia de madeira, assim como pinewood, pinho, era uma espécie de madeira, ou poplarwood, madeira de choupo, mas deixei passar. Só depois que comemos, quando estávemos sentados olhando as estrelas, como passara a ser nosso costume, foi que falei de novo.
‘Quantas palavras em inglês Sexta-feira conhece?’, perguntei.
‘As necessárias’, Cruso respondeu. ‘Aqui não é a Inglaterra, não precisamos de muitas palavras.'”
(pag.22)

Esse quase desleixo de Cruso com as palavras já se manifestara quando Susan o questiona sobre a manutenção de um diário, um registro do que ocorrera a ele a e Sexta-feira. Enquanto ela julga de suma importância registrar os fatos para a posteridade – fossem ou não resgatados – a Cruso interessa apenas manter-se ocupado com seus terraços e paredes, que, segundo ele, são as únicas coisas que quer deixar para a posteridade.

Vale destacar que a “brincadeira” com as palavras começa já no título do livro. Até se ler a sinopse, o título não faz muito sentido. Em inglês, “foe” quer dizer “adversário”. Porém – pensei comigo – se o significado do título fosse unicamente esse, teria sido traduzido, certo? Por outro lado, se a história é uma versão da aventura de Robinson Crusoé, nada mais natural que Coetzee brincar com as palavras e usar como título uma versão reduzida do nome do autor do original, Daniel Defoe. Por si só, isso já bastaria – ao menos para mim seria um significado totalmente satisfatório. Porém, Coetzee vai além. Quando Susan procura um escritor para escrever sua história, o “escolhido” é um certo sr. Foe:

“O senhor me considera, sr. Foe, como sra. Cruso ou como uma aventureira ousada? Pense como pensar, fui eu que deitei na cama de Cruso e fechei os olhos dele, como sou eu que disponho de tudo o que Cruso deixa nesta vida, que é a história de sua ilha.”
(pag.43) – grifo meu

E é nessa parte do livro, em que Susan escreve cartas ao sr. Foe e descreve sua busca pelo autor, que Coetzee coloca na voz da narradora uma série de questionamentos sobre a escrita, sobre criatividade, sobre como contar histórias, sobre a arte de entreter o leitor:

“Escrevo minhas cartas, selo, deposito-as na caixa. Um dia, quando formos embora, o senhor vai abri-las e passar os olhos por elas. ‘Melhor seria se fossem só Cruso e Sexta-feira’, vai murmurar consigo mesmo: ‘Melhor sem a mulher’. No entanto, onde o senhor estaria sem a mulher? Cruso o teria procurado por vontade própria? O senhor poderia inventar Cruso, Sexta-feira e a ilha com suas pulgas, macacos e lagartos? Acho que não. Muitos poderes o senhor tem, mas invenção não é um deles.”
(pag.66)

“Escrever se revela um trabalho lento. Depois da agitação do motim e da morte do capitão português, depois que conheci Cruso e vim saber um pouco da vida que ele leva, o que resta a dizer? Havia muito pouco desejo em Cruso e Sexta-feira; muito pouco desejo de escapar, muito pouco desejo por uma nova vida. Sem desejo como é possível fazer uma história?”
(pag. 80)

Seria leviano afirmar que Foe é meramente uma releitura da história de Robinson Crusoé feita por Coetzee. A obra é muito mais que isso. Coetzee faz dessa releitura um estopim para analisar o uso da linguagem – principalmente o uso da linguagem para se contar uma história.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Achados e Perdidos – Stephen King

7 de setembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

literatura americana, literatura policial, Stephen King, suma de letras

Na longa carreira de Stephen King, iniciada em 1974 com o lançamento de Carrie – a Estranha, com inúmeras histórias de horror e personagens ilustres, faltava a presença de um detetive clássico, evidenciando uma investigação tradicional, aos moldes de outros americanos do gênero. Em Mr. Mercedes, publicado em Junho de 2014, nascia o detetive aposentado Bill Hodges para preencher esta lacuna. Diante do sucesso do livro, o autor desenvolveu uma trilogia com a personagem, ainda em publicação nos Estados Unidos e no Brasil.

Lançado pela Suma de Letras no final de junho, Achados e Perdidos teve a publicação estrategicamente atrasada para que o terceiro livro, O Último Turno, saísse meses depois, em sintonia com a edição americana (a edição brasileira chega um mês depois do lançamento oficial). Nesta segunda narrativa, a literatura é o ponto de partida que impacta duas personagens em tempos distintos.

Como em obras anteriores as quais referenciava a literatura como estrutura modificadora – e matéria para obsessão como em Misery – o autor promove nas entrelinhas de seu novo romance um tratado sobre a importância da arte, sem nunca inseri-la como superior aos próprios homens que a leem. Tanto na obra, quanto em entrevistas, faz questão de ressaltar a importância da leitura mas nunca a sobrepõe a importância de sua família, fator que demonstra como King amadureceu durante os anos e, mesmo mais manso, continua afiado na narrativa.

O mestre do horror tem capacidade extrema ao dilatar os tempos das ações, situando-a em dois espaços temporais distintos, entrelaçando duas tramas que, em algum momento, o público reconhece que entrarão em conflito. O estilo é fluído e as personagens cativam por se assemelharem com os próprios leitores: dividem bons e maus pensamentos, ações boas e ruins, na mesma medida. São humanos vivendo dilemas comuns, exceto pelo fato de que King é naturalmente um autor endiabrado e suas personagens tendem a seguirem um caminho brutal.

O futuro conflito que eclodirá no desfecho é bem construído e tão esperado que a participação do detetive Bill Hodges é menor neste segundo volume da trilogia. De fato, a personagem e seu grupo entram em cena somente após um terço da leitura. Tem-se a impressão que, após o sucesso do ótimo Mr. Mercedes, a intenção de promover outra aventura com o detetive foi composta a partir de uma história anterior. Sendo Hodges inserido em um contexto prévio. A personagem funciona como um bom apoio para o conflito, entregando aos leitores a mesma química da história anterior, porém, em uma participação diminuta que, diante da força da história sobre a potência da literatura, permanece em segundo plano.

Sem apresentar detalhes do enredo, que poderiam estragar a leitura, afinal, trata-se de uma obra de suspense, King desenvolve um interessante autor fictício considerado canônico pela crítica. Sua história de distanciamento da sociedade, aproxima-o da vertente de escritores reclusos como o grande J. D. Salinger (tema de um Vortcast sobre O Apanhador no Campo de Centeio) e, no Brasil, Rubem Fonseca e Raduan Nassar. Ao pontuar dois personagens leitores de uma mesma obra, em épocas diferentes, a metanarrativa demonstra como a literatura é capaz de tocar diversos estilos de leitores e produzir um significado diferente dentro de cada um. Mesmo um único objeto literário se transforma ao adquirir leituras múltiplas que, nesta narrativa, carregam-se pela obsessão e o desejo de possuir o autor como se ele fosse um amigo íntimo do leitor.

O espaço para desenvolver o conflito entre os personagens leitores é amplo, desequilibrando a inserção do detetive conhecido do autor. Por um lado, King entrega uma obra que foge de uma continuação tradicional, como se negasse o protagonismo ao seu carismático detetive de terceira idade, porém, tratando-se de uma trilogia, sua presença poderia ser mais significativa. Conforme a trama chega ao seu desfecho, o autor pontua o gancho para o último romance da série, retomando o grande conflito do primeiro romance que, esperemos, retorne o velho Kermit Hodges na posição de personagem principal.

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Resenha | Star Trek: Portal do Tempo – A. C. Crispin

31 de agosto de 2016 by Filipe Pereira

Literatura, Resenhas

resenha literária

Apesar de ter um conteúdo de Universo Expandido muito mais antigo que o de sua franquia rival Star Wars, a utopia de Gene Ronddenberry é bem menos popular em materiais adicionais excetuando o áudio visual. Star Trek – Portal do Tempo talvez seja a principal exceção a esta regra, tendo sido lançada no Brasil nos anos noventa, pela mesma Editora Aleph, que costumava lançar adaptações de episódios clássicos de Jornada nas Estrelas Série Clássica e A Nova Geração. O romance de A. C. Crispin é focada em uma questão delicada envolvendo a federação e os romulanos, próximos de Gateway, o referido no título, portal do tempo.

Crispin já teve experiências extras em Jornada, tendo executado o livro Sarek, Cemitério Espacial além de material adicional no selo Legends de Guerra nas Estrelas, episódios literários de V: A Batalha Final e a versão romantizada de Alien: A Ressurreição. Tal currículo o credenciava para inaugurar as histórias literárias que englobavam Kirk, McCoy e Spock, além de outras gerações da franquia.

O livro foi publicado ainda em 1983 nos Estados Unidos, com apenas dois filmes lançados no cinema, e foi concebido pela autora após rever o episódio da serie clássica Todos os Nossos Ontens (All Your Yesterdays), onde o Spock de Leonard Nimoy vai até o planeta alienígena Sarpeidon, através de uma viagem no tempo, que o faz regredir a um estado emocional extremo, diferente do que era comum aos vulcanos, chegando ao ponto de se apaixonar pela bela Zarabeth, interpretada por Mariette Hartley, retornando assim a um regresso milenar equivalente ao estado de sua raça naquele tempo passado, dando assim vazão a sua faceta mais selvagem, igual a um Vulcano decrescidos 5 mil anos de evolução. Este é o ponto de partida para a premissa do livro. A história se passa dois anos depois da visita a Sarpeidon, e compreende um jogo entre o dr. McCoy o Vulcano de xadrez bidimensional, no modelo antigo, equivalente ao jogado no universo comum.

Spock está resignado, e retorna a Vulcano pedindo autorização a T’Pau – a mesma que encabeçou sua luta com Kirk pela execução do Pon’Farr – para pedir que ela intercedesse a um desejo seu, de tomar parte em uma viagem no tempo, para se encontrar com Zarabeth no passado, uma vez que ela tinha em posse seu filho. O apelo foi feito a ela por motivos óbvios, já que sociedade vulcana dava muito valor as tradições familiares, que seriam certamente uma boa desculpa para Frota, caso fossem pedida por alguém superior. Kirk insiste em acompanhar seu amigo, mesmo que o alienígena declare que será perigoso e sem garantias de retorno.

O artifício escolhido para tentar retornar ao tempo é o Guardião da Eternidade, o mesmo que fez o triunvirato da Enterprise ao passado em A Cidade a Beira da Eternidade, que estava agora protegida por um pequeno grupo, liderados pela Doutora Vargas. O livro ignora a passagem ocorrida em Jornada nas Estrelas: A Série Animada, no episódio Yesteryear, onde Spock viaja para assistir sua contra parte infantil. Curiosamente muitos dos elementos no episódio estão presentes no espírito aventuresco proposto por Crispin, ainda que o cunho neste volume seja mais sério, referenciando uma boa e filosófica discussão ética a respeito da viagem para resgatar pessoas do passado, mesmo que o tal planeta já esteja extinto e que ambos estivessem isolados da civilização de Sarpeidon.

Não demora até o trio convencer Vargas e embarcar enfim para a tal desventura. Ao chegar ao seu destino, Spock automaticamente passa a ser um sujeito calado, receoso pelo encontro que está prestes a acontecer. Não demora para os viajantes encontrarem Zar, o mesmo vulcano que aparecia nas paredes das paredes pré-históricas, presente nos volumes da biblioteca do planeta extinto. Zar era emotivo, comia carne e estava sem a companhia de sua mãe pelos últimos cinco verões. Seus hábitos envolviam o uso de roupas de couro, fato que o diferenciava demais dos terráqueos, e que junto aos seus hábitos rotineiros, faziam difefenciar demais de seu pai. Aos poucos, McCoy investiga se Zar possui poderes telepáticos como seus antepassados, e o jovem não demora a se adaptar a rotina da nave.

A escritora consegue captar muito bem o clima aventuresco, escapista e o caráter do seriado. A história, que se passa no quinto ano de missão – aludido na apresentação narrada por William Shatner em Star Trek The Original Series – não só se preocupa em apresentar a química entre os personagens, mas também a introdução a curiosidade das novas civilizações encontradas, e Zar é a síntese disto, com seu conhecimento tardio a respeito da cultura vulcana, tentando equilibrá-la com seu instinto selvagem, que era exigido no seu planeta natal.

A edição possui um capricho enorme com os extras, desde o prefácio de Salvador Nogueira, editor do site Trek Brasilis (e autor do Almanaque de Jornada nas Estrelas), que elucida muito sobre os livros complementares, além de uma introdução tanto de personagens quanto do maquinário da USS Enterprise, situando naquele universo mesmo o leitor não conhecedor do canône, além de notas de rodapé e um mini glossário sobre os assuntos recorrentes da tele série.

Há dois dramas interessantes e paralelos dentro do romance, primeiro com a difícil situação de adaptação de Zar aos noves moldes de cotidiano em exploração estelar, mostrando em conflito inclusive com Christine Chapel, que tinha sido muito simpático com o rapaz no início, e que depois passou a discutir seus modos, além da estranha descoberta dos romulanos a respeito do Guardião da Eternidade, informação que antes era sigilosa e parece ter sido vazada por meio de traição.

A invasão dos romulanos faz abrir velhas feridas, introduzindo o comandante Tal, o mesmo personagem que teve uma aparição no episódio Incidente Enterprise, sendo ludibriado nessa oportunidade por Kirk Spock. Tanto este fator, quando a relação conflituosa do vulcano e filho fazem valorizar ainda mais a história, assim como esse período semelhante a um limbo, compreendido nos últimos dois anos da expedição inicial da Enterprise, que permanecem inacabados via produção televisiva.

A. C. Crispin tem um cuidado especial com seu Star Trek Portal do Tempo, de fechar seu drama de maneira emocional, com possibilidade de gancho – e explorado em um livro futuro – e que fizesse sentido até dentro do Universo Prime, ainda sabendo que os momentos ali compartilhados não eram canônicos. As situações pensadas pela autora são tão boas e razoáveis que fazem até lamentar a não utilização de muitos de seus fatores nos filmes e séries vindouras, explorando o drama de Spock enquanto homem solitário, incapaz até de sustentar um núcleo familiar, fadado a um destino inexoravelmente trágico, como em inúmeras peças shakespearianas, fazendo valer mais uma vez uma das bases de toda a mitologia trekker, tendo em si uma conclusão tocante, fugindo de qualquer pieguice típica dos produtos de Jornada nas Estrelas nos anos oitenta.

Compre: Star Trek: Portal do Tempo – A. C. Crispin

Resenha | Sim, Eu Digo Sim: Uma visita guiada ao Ulysses de James Joyce – Caetano W. Galindo

17 de agosto de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Caetano W. Galindo., Companhia das Letras, James Joyce, Ulysses

Caetano W. Galindo é doutor em Linguística pela USP e leciona Linguística Histórica na UFPR (Universidade Federal do Paraná). Tradutor de livros de James Joyce, David Foster Wallace, Thomas Pynchon, entre outros.

A resenha começa com uma mini biografia do autor e não com a sinopse do livro por um motivo muito simples: o autor É o guia. Galindo é o tradutor responsável pela “versão” em português mais recentemente publicada de Ulysses – obra que eu, como tantos outros leitores, comecei inúmeras vezes sem conseguir passar do sétimo episódio. Quando da publicação da edição traduzida por Galindo, fui a um encontro na Livraria Cultura, em um Bloomsday. E, nesse dia, o tradutor, além de contar os motivos que o levaram a fazer a tradução e parte da saga em efetivamente traduzi-lo, conduziu os presentes em uma visita rápida a Ulysses, esclarecendo para a maioria de nós os motivos pelos quais esses primeiros capítulos são mais difíceis de transpor.

Vale dizer que, depois desse dia, a vontade em fazer uma nova tentativa renasceu fortalecida. Mas ainda havia um pequeno entrave. Leitores de língua inglesa contam com o auxílio de inúmeros guias de leitura – entre eles o super detalhado Ulysses Annotated, de Don Gifford, quase tão extenso quanto o próprio Ulysses. E, uma vez que a edição da Companhia das Letras, por opção do editor e do tradutor, não possui notas de rodapé, é natural que o leitor se veja perdido em meio a inúmeras referências desconhecidas, além daquelas que ele sequer consegue identificar. Muitos dos pequenos detalhes e, por que não dizer, easter-eggs embutidos no texto por Joyce tem a ver com a época em que o livro foi escrito, com a Dublin em que vagueiam Dedalus e Bloom naquele 16 de junho de 1904. É lógico que sendo uma obra-prima, a excelência de Ulysses não depende de o leitor (re)conhecer essas referências. Mas também é óbvio que a leitura se enriquece e se torna ainda mais prazerosa caso o leitor tenha ciência delas.

E é esse o papel do guia. Diferente de Ulysses Annotated, não é uma lista das referências, mas sim um lembrete para o leitor, do tipo “repare nisso”, “atenção aqui”, “guarde esta informação”. E Galindo vai além. Ulysses é um livro em que a forma deve servir – e serve – ao conteúdo. Ou seja, cada episódio é escrito de modo a refletir e representar estilisticamente a história e o ânimo ou desânimo dos personagens. Tomemos como exemplo o episódio 7, Éolo, que foi o mais longe que cheguei em minhas tentativas infrutíferas. Conforme explica Galindo:

“O paralelo homérico aqui é muito menos fértil que no episódio anterior, embora sejam curiosas as escolhas de Joyce para tematizar o vento, personificado por Éolo: primeiro nas correntes de ar que sopram o tempo todo em cena, segundo nas diversas expressões idiomáticas com referência a vento e ar, terceiro, na escolha da retórica (da fala vazia, mero sopro) como arte, personificada ali pelo jornalismo, e quarto pela decisão de exemplificar em um ou outro momento praticamente todas as figuras retóricas registradas pelos manuais da época.
O assunto é a fala vã, os entimemas, o discurso cheio de ar.
Não é de estranhar, então, que este episódio seja o primeiro em que o estilo, a forma do romance ganhe total destaque.”
(p.131)

Há algo de reconfortante em saber que esse episódio não é um texto beirando o non-sense simplesmente porque o autor não escreve bem ou não sabe encadear as ideias. Foi escrito da forma que foi com um propósito e não “apenasmente” por mero capricho ou acaso. E ter ciência disso é libertador para o leitor. Não há por que se sentir culpado ao achar o texto vazio e sem nexo, já que essa é a intenção do autor.

Cada um dos dezoito episódios é apresentado ao leitor dessa forma. Além de ser perceptível no texto a paixão de Galindo pela obra, para incrementar, há aqui e ali descrições das agruras de um tradutor que tenta – algumas vezes sem sucesso – manter ao mesmo tempo o sentido, a forma, o conteúdo, a sonoridade de jogos de palavras praticamente intraduzíveis:

“(Nota do tradutor frustrado: enquanto Bloom escolhe o que comer, aparece a frase ‘um caixão de sanduíches de presunto fresco para o velório’. Que é, ou foi, a melhor tentativa de reproduzir um trocadilho clássico, e brilhante: ‘Ham and his descendants mustered and cred here’, que joga à perfeição com os sentidos ‘Presunto e seus descendentes, mostarda e pão’ e ‘Cam e seus descendentes dominaram este lugar e aqui procriaram’.)”
(p.152)

Causos assim me fizeram tomar gosto por acompanhar a coluna de Galindo enquanto ele traduzia Ulysses, e depois ao traduzir Infinite Jest, de David Foster Wallace – quase tão cheia de meandros linguísticos quanto a obra de Joyce.

Vamos acompanhando o autor/tradutor destrinchando Ulysses para nós, reles mortais, e é difícil não pensar no tempo que Joyce empreendeu para montar a trama do livro e encaixar os easter-eggs. Tem-se a impressão de que ele escreveu e depois, durante as inúmeras reescritas e revisões, foi rearranjando a trama, plantando pistas, enfim deixando a narrativa estruturada como um quebra-cabeças ou uma caça ao tesouro. E não basta apenas ter o tempo necessário para fazer algo assim, é necessário antes de tudo pensar nesses pequenos detalhes, como o comentado no trecho abaixo. Haja criatividade!

“Mas antes de tudo isso vem num relâmpago o nome. Penrose! A maioria dos leitores nem lembrava que ele estava tentando lembrar esse nome. E é bem assim, afinal, que essas coisas acontecem. Quando você desiste de lembrar, o nome aparece. É um episódio, como vimos, cheio de divagações sobre a memória e de ilustrações de seu funcionamento.”
(p.156)

E antes de iniciar este passeio guiado por Ulysses, há uma introdução bem extensa, mas não menos interessante. Nela, Galindo dedica-se a explanar o que é o livro e como está estruturado – tanto o seu quanto o de Joyce. Discorre sobre vozes narrativas, sobre estilo, sobre os temas, os personagens, as correlações com a Odisseia e outras obras, as referências, os paralelos. O autor aborda esses assuntos no mesmo tom casual de sua coluna, mas com a dose certa de academicismo. Didático e, ao mesmo tempo, divertido. É perfeitamente factível lê-la como um preâmbulo a Ulysses, antes mesmo de ler a ainda mais extensa introdução do livro, escrita por Declan Kiberd, e só então aventurar-se a seguir os passos de Bloom e Dedalus.

Para quem já leu Ulysses e quer descobrir mais detalhes e usufruir ainda mais de uma releitura ou para quem, assim como eu, ainda pretendo lê-lo em sua completude pela primeira vez, este guia é um item quase obrigatório. E para quem quiser ir além do guia, a página do autor tem algumas listas valiosas que, como ele mesmo afirma, são apenas “algumas primeiras referências”.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Grito – Godofredo de Oliveira Neto

10 de agosto de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Editora Record, Literatura Brasileira, literatura brasileira contemporânea, literatura contemporânea

A tradição teatral fundamentada em grandes obras, lançadas através dos séculos e em definições teóricas postuladas, são a base primordial para o desenvolvimento de Grito, nova obra de Godofredo de Oliveira Neto – doutor em Letras pela UFRJ e vencedor do 48º Prêmio Jabuti, em segundo lugar pela obra Menino Oculto em 2005. Situado em um Rio de Janeiro contemporâneo, a obra contrasta a relação de dois personagens de idades distintas cuja ligação explícita é amarrada pelo teatro.

Narrada pela octogenária Eugênia, uma fictícia dama do teatro brasileiro, a obra acompanha o cotidiano ao lado de Fausto, um jovem talento artístico, morador do mesmo prédio que ela, que se torna uma espécie de personagem platônico para a senhora, dando limites ao real e seu imaginário. A estrutura teatral invade a obra dividida em pequenos atos, motivação que centraliza a ação – fator fundamental no drama – e a paixão que compartilham pelo teatro, bem como certa projeção da velha dama pela juventude desejada do garoto.

A narrativa se aprofunda no fluxo de consciência da octogenária, deixando o leitor na margem da dúvida sobre quem é, de fato, o ouvinte da história. Se são memórias relatadas para um amigo íntimo ou uma consciência própria, uma solidão que a desloca da realidade. Ou ainda um costume devido aos anos de profissão, acostumada a viver em voz alta devido às interpretações teatrais. A solidão e a nostalgia do sucesso se ressaltam nas lembranças da personagem e, ao lado do jovem Fausto, transformam o cotidiano em pequenos atos teatrais. Reinterpretando fatos cotidianos como se estivessem em cena e observando a própria vida como projeção ou possível material bruto para uma obra dramática.

São estes princípios que fundamentam a composição híbrida do texto, explorando tanto uma narrativa quanto dando espaço para a cena teatral, movimento que leva o leitor a observar a narradora por dentro, como alguém que vive do conceito teatral e observa a vida como uma espécie de palco contínuo. O estilo misto também garante boa fluidez narrativa, pontuada entre estas cenas e pequenos atos que retomam fatos corriqueiros sob uma vertente metaficional, em que o teatro se destaca como grande arte. Valendo-se do conhecimento adquirido pela formação acadêmica, Oliveira Neto conduz a obra tanto apresentando referências sobre grandes clássicos teatrais como costurando sua narrativa como uma tragédia teatral, inserindo no texto elementos e personagens característicos que eclodem em um final digno das clássicas tragédias de William Shakespere e Sófocles, retomando uma tradição teatral fundamentada em tempos antigos.

Grito promove uma reflexão sobre a potência da arte e de como seus artistas vivem-na de maneira intensa, permanecendo à margem conforme a solidão se adentra ou a carreira entra em crepúsculo, quando a memória se transforma em um símbolo sensível e brilhante diante da realidade obscura.

Compre: Grito – Godofreto de Oliveira Neto

Resenha | A Resistência – Julián Fuks

1 de agosto de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras, Ditadura Militar

“Meu irmão é adotado, mas não posso e não quero dizer que meu irmão é adotado.”
(pag.9)

A frase que abre o livro já dá ao leitor uma boa ideia do que está por ler e instiga nele a curiosidade de entender qual a motivação do narrador para se expressar dessa forma. O autor, filho caçula de um casal de psicanalistas, durante todo o livro “pratica” a dicotomia entre contar a história do irmão adotado e não querer explorar o fato de que ele seja adotado. Mas é o próprio irmão que dá ao narrador a missão de escrever sua história:

“(…) enquanto me empenhava em decifrar tudo aquilo que eu não entendi e jamais seria capaz de entender, meu irmão soltou a frase que não pude esquecer, a frase que me trouxe até aqui: Sobre isso você devia escrever um dia, sobre ser adotado, alguém precisa escrever.”
(pag.124)

O livro explicita principalmente a obsessão do autor com origens, talvez justificável por ser parte de uma família exilada no Brasil, fugida da ditadura na Argentina. Os capítulos alternam-se entre questionamentos sobre a origem do irmão – na tentativa de entender os motivos de ele ser como é – e a busca pelas origens de sua família – na tentativa de conhecer onde e como viviam antes de fugirem de seu país. O autor vai do macro, o drama de uma país e de um povo sob jugo de um regime militar, ao micro, o drama particular de uma família exilada cujo filho mais velho se ressente por ser adotado.

Percebe-se no texto o cuidado do autor na escolha das palavras, o trabalho não apenas no conteúdo mas também com a estética, com a sonoridade, com o ritmo. Longe de ser pedante, Fuks consegue, mesmo sem ser coloquial demais, dar uma fluidez ao texto que torna a leitura extremamente aprazível. Adicione-se a isso os capítulos bem curtos e tem-se em mãos um page-turner, mesmo que o gênero do livro não seja um daqueles que comumente se encaixa nessa denominação.

Em um dos capítulos, o narrador comenta sobre um nome que nunca tinha ouvido em casa, Marta Brea. Descobre, então, que era uma colega de trabalho de sua mãe. Mais que colega, era amiga e confidente. Um dia “removida” do hospital em que trabalhava e jogada num camburão sem placa. E, como era de se esperar, ninguém nunca mais soube nada sobre seu paradeiro. A chegada de uma carta muda isso, e Fuks descreve bem aquela sensação de não saber de algo sobre um acontecimento, cujas lembranças depois de um tempo aparentemente se perdem, e de repente descobrir o que realmente houve. Uma reorganização de nossas memórias face a novas informações.

“Só quando recebeu aquela carta, trinta e quatro anos mais tarde, a carta que convertia Marta Brea em Martha María Brea, vítima do terrorismo de Estado da ditadura civil-militar, jovem psicóloga cujos restos agora identificados ratificavam seu assassinato em 1o. de junho de 1977, sessenta dias depois de seu sequestro no hospital, só quando recebeu aquela carta pôde vasculhar em seu íntimo as ruínas calcificadas do episódio, pôde enfim tocá-las, movê-las, construir com o silêncio das ruínas, e com seus traços deformados, o discurso que proferiu em sua homenagem.”
(pag.78)

A precisão com que descreve sentimentos familiares ao leitor, sensações que por vezes nem sabemos que há como expressar em palavras, é cirúrgica. Por assim dizer, quase invasiva. Dá ao leitor aquela sensação indescritível de o texto ter sido escrito especialmente para ele. Indescritível, aprazível e incômoda ao um mesmo tempo.

Assim como Sebastián, o narrador, é e não é Julián, o texto todo é repleto de dualidades. Há ao longo do livro inúmeras oposições entre aquilo que é e o que poderia ter sido, ou que o narrador sonha que tenha sido. O uso da metalinguagem é recorrente quando o narrador fala do livro sendo escrito e sendo lido, sendo construído e desconstruído de acordo com o fluxo narrativo, de acordo com o que o autor quer mostrar (ou não) ao leitor.

“Só quando já partiram meus irmãos, só quando já passamos à segunda xícara de chá, é que o tom do encontro se faz mais grave. Na noite passada meus pais leram o livro que lhes enviei, enganaram a insônia com estas páginas, por algum tempo estiveram depurando o que poderia comentar, como lidariam com esta situação um tanto exótica. É claro que não podemos fazer observações meramente literárias, ambos ressalvam como se quisessem se desculpar, durante toda a leitura sentiram uma insólita duplicidade, sentiram-se partidos entre leitores e personagens, oscilaram ao infinito entre história e história. É estranho, minha mãe diz, você diz mãe e eu vejo meu rosto, você diz que eu digo e eu ouço minha voz, mas logo o rosto se transforma e a voz se distorce, logo não me identifico mais. Não sei se essa mulher sou eu, me sinto e não me sinto representada, não sei se esses pais somos nós.”
(pag.134)

É principalmente nesses trechos que a dualidade da narrativa é reforçada, literalmente – ou quase. E é principalmente nesses momentos que a linha entre biografia e ficção se torna ainda mais tênue.

“Eu sei, nós sabemos que é um livro saturado de cuidado, carregado de carinho, eu sei que a duplicidade não se restringe a nós, que o livro é duplo em cada linha.”
(pag.137)

Pouco importa o que é autobiográfico e o que é ficcional. Importa é que Fuks consegue mesclar ambos sem que o leitor seja capaz de distingui-los e é essa ambiguidade de conduz a narrativa e cativa o leitor.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Submissão – Michel Houellebecq (1)

13 de julho de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

islamismo, Michel Houellebecq

“França, 2022. Depois de um segundo turno acirrado, as eleições presidenciais são vencidas por Mohammed Ben Abbes, o candidato da chamada Fraternidade Muçulmana. Carismático e conciliador, Ben Abbes agrupa uma frente democrática ampla. Mas as mudanças sociais, no início imperceptíveis, aos poucos se tornam dramáticas.
François é um acadêmico solitário e desencantado, que espera da vida apenas um pouco de uniformidade. Tomado de surpresa pelo regime islâmico, ele se vê obrigado a lidar com essa nova realidade, cujas consequências — ao contrário do que ele poderia esperar — não serão necessariamente desastrosas.”
(fonte: quarta capa do livro)

Ter sido propagandeando como “o livro mais polêmico do ano” certamente é responsável pela expectativa excessiva com que a maioria dos leitores começa a ler o livro – e, consequentemente, pela decepção em maior ou menor grau ao finalizar a leitura. Embalado pelo “barulho” ao redor do livro – tanto pelas declarações polêmicas do autor quanto pelo fato de a data prevista para o lançamento ter coincidido com o ataque aos jornalistas do Charlie Hebdo – o leitor acaba indo com muita sede ao pote, na maioria dos casos achando que a obra se trata de uma crítica dura ao regime e à cultura islâmica.

Ledo engano. A subida dos muçulmanos ao poder não é o fulcro da história, mas apenas o pano de fundo. Apesar das longas conversas do protagonista com outros personagens a respeito dessa ascenção, há poucos eventos que realmente afetam a trama de forma inequívoca. Apesar da mudança na vida do personagem, que poderia ter ocorrido por inúmeros outros motivos, o ambiente em que ele vive pouco ou nada se transforma com o novo regime. Aliás, eu particularmente tive a impressão de que a transformação do personagem, sua submissão à nova situação, poderia ter se dado se qualquer outra “facção” político/religiosa tivesse assumido a presidência.

É possível que essa impressão se deva ao fato de o livro ser narrado em primeira pessoa, ou seja, o leitor está restrito ao ponto de vista do protagonista. E esse talvez seja o maior “problema” do livro: o protagonista. François é um homem morno, sem sal, conformista. Em suma, enfadonho. Não há quase nada nele que cative o leitor, exceto por algumas citações e referências perspicazes. Ao contrário, ele se mostra extremamente machista, o que para as leitoras o torna ainda mais desagradável.

O tema do livro não é necessariamente o Islã no poder, mas o Islã no poder em um país que é historicamente defensor da democracia, da república. Fica evidente a crítica do autor à decadência dos valores da sociedade ocidental. Valores que, nesse futuro próximo, são deliberadamente deixados de lado. Tome-se como exemplo as refeições de François. Na França, a gastronomia é considerada praticamente um monumento nacional. Os doces, os vinhos, os queijos, além de um sem-fim de pratos conhecidos mundo afora. É bastante significativo que, além de aquecer toda sua comida no microondas ao invés de prepará-la, não há sequer um prato local em qualquer refeição feita pelo personagem. Pratos indianos, gregos, tailandeses, chineses se revezam em seu forninho. Não há nem mesmo um croissant ou uma fatia de camembert.

Para os leitores que pouco ou nada conhecem sobre a atualidade sócio-político-econômica da França, a leitura certamente se torna ainda mais cansativa. Para os que conhecem, é interessante acompanhar a análise do autor e o exercício da essência do ofício do escritor: o clássico “e se … ?”. Do modo como Houellebecq constrói esse futuro, é tudo bastante verossímil, mas em certos trechos beira o enciclopédico. Tem-se a impressão de ler um editorial do Figaro ou do Le monde. E nesses momentos, a imersão na história perde-se totalmente.

É uma obra que se permite ler. Mas devido às polêmicas a seu redor, deixa o leitor com a impressão de ter comprado gato por lebre.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Perdido em Marte – Andy Weir

23 de junho de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Andy Weir, Douglas Adams, editora arqueiro, Ficção Científica, O Guia do Mochileiro das Galáxias, Perdido Em Marte, resenha literária, resenhas, Ridley Scott

“Estou ferrado.
Essa é a minha opinião abalizada.
Ferrado.
Seis dias após o início daqueles que deveriam ser os dois meses mais importantes da minha vida, tudo se tornou um pesadelo.
Nem sei quem vai ler isto. Acho que alguém vai acabar encontrando. Talvez daqui a cem anos.”

E é assim que conhecemos o protagonista, Mark Watney, um astronauta que, assim como seus companheiros na missão, tinha duas especialidades. No seu caso, ele era botânico e engenheiro mecânico. Como ele próprio se define, “um faz-tudo que brinca com plantas”. O leitor é apresentado a ele em meio a uma crise. Há seis dias, Watney foi abandonado em Marte durante uma tempestade de areia. Após ser arrastado – e perfurado – por uma antena, foi dado como morto por seus colegas, já que o traje espacial avariado parara de enviar seus sinais vitais.

A partir daí o leitor acompanha a clássica jornada de um homem sozinho em ambiente hostil, lutando por sua sobrevivência. Só que não. De clássica, a jornada tem apenas sua estrutura, pois, de resto, o autor faz uso de uma originalidade, de recursos estilísticos e de linguagem que tornam a história bastante incomum. Para os fãs de sci-fi, lembra demais O Guia do Mochileiro das Galáxias, de Douglas Adams, pela capacidade de “entupir” o texto de cientificismos sem, entretanto, deixá-lo maçante ou ininteligível. Ambos usam o humor e o sarcasmo como ótimo contraponto ao teor científico da narrativa. Só que enquanto Adams pende mais para o humor, Weir carrega a tinta no sarcasmo. E é divertido demais de ler.

“Mudando de assunto, hoje é o Dia de Ação de Graças. Minha família deve estar reunida em Chicago para o jantar de sempre na casa dos meus pais. Imagino que não esteja sendo muito divertido, já que morri há dez dias. Caramba, não faz muito tempo que eles saíram do meu funeral.
Fico pensando se algum dia vão descobrir o que realmente aconteceu. Tenho estado tão ocupado tentando me manter vivo que nunca pensei no que meus pais devem estar passando. Neste momento, estão sentindo a pior dor que alguém pode suportar. Eu daria tudo para avisá-los que ainda estou vivo.
Vou precisar sobreviver para me redimir.”

A história basicamente é contada em primeira pessoa, pelo próprio Watney, ao atualizar o diário de bordo da missão com vídeos quase diários. Já seria interessante o bastante se fosse apenas isso, já que a formação científica do personagem torna-o bastante detalhado e didático em suas explicações.

E seu humor bastante ácido é o complemento perfeito. Mas é lógico que qualquer leitor, assim como o personagem, se pergunta: “Mas e a Nasa? E seus companheiros de missão? será que alguém sabe que Watney não morreu?”. Nesses trechos – que são poucos e breves, felizmente – o narrador em terceira pessoa dá aquele gostinho ao leitor, de saber algo que o protagonista (ainda) não sabe.

Como em toda boa jornada, a história de Watney é uma sucessão de conflitos/problemas a serem resolvidos com alguns momentos esparsos de calmaria. A probabilidade de as coisas darem errado é aumentada exponencialmente, tanto pelo ambiente inóspito em que ele se encontra quanto pela escassez de recursos, sejam eles para sobrevivência sejam para colocar em prática as ideias criativamente malucas que o personagem tem – por exemplo, acender um fogo dentro do veículo espacial. Por outro lado, acompanhamos a equipe em terra queimando neurônios para encontrar soluções viáveis para resgatá-lo antes que ele morra por inanição.

Há comentários de leitores reclamando de que diário de bordo do protagonista é nerd de mais e dramático de menos. Ora bolas! O personagem “é” um nerd – significando alguém aficionado por um assunto a ponto de estudá-lo extensiva e ostensivamente. Um astronauta não é uma pessoa comum, no sentido de ser mediano, com conhecimentos, motivações e reações medianos. Obrigatoriamente, o astronauta tem de ser alguém “fora da curva”. E esse fora da curva implica em ser mais pragmático que dramático em situações limítrofes. Watney até tem seus cinco minutos de drama, que estão bem descritos logo no início do livro. Mas a sua natureza nerd logo prevalece e o faz tomar as rédeas da situação.

“Supondo que eu não faça nenhuma merda com a hidrazina, ainda resta a questão da queima do hidrogênio. Vou acender uma fogueira. Dentro do Hab. De propósito.
Se você perguntasse a qualquer engenheiro da Nasa qual seria a pior hipótese para o Hab, eles responderiam: ‘Incêndio”. Se você perguntasse qual seria o resultado, eles responderiam: ‘Morte por carbonização’.
Mas se der tudo certo, vou estar produzindo água de modo contínuo, sem a necessidade de armazenar hidrogênio nem oxigênio. Ela será liberada na atmosfera como unidade, mas o reaproveitador de água irá coletá-la.”

Para quem apenas assistiu ao filme, dirigido por Ridley Scott, tem-se a impressão de que é só uma versão de O Náufrago no espaço. Mas o livro é muito, muito mais que isso. Como adaptação, o filme consegue até ser fiel ao livro, na medida do possível. Afinal, é impraticável espremer em duas horas toda a saga do personagem. A essência dele não se perde, mas sua verve sarcástica e desbocada fica amenizada (e muito!). Perde-se toda a parte “científica” das atividades de Watney, suas reflexões, suas constantes críticas ao gosto musical e televisivo duvidoso de seus colegas de missão, seus debates solitários sobre o que fazer e como resolver cada um dos problemas que vão surgindo. E é justamente isso que deixa a narrativa envolvente. O autor consegue juntar humor, drama e suspense na medida certa de forma que é quase impossível largar a leitura antes do final.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | O Grifo de Abdera – Lourenço Mutarelli

15 de junho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras, Literatura Brasileira, Lourenço Mutarelli

Transitando entre quadrinhos e literatura, a obra de Lourenço Mutarelli sempre permanece inventiva, partindo de conceitos tradicionais da narrativa para promover rupturas formais. Inserindo-se em suas histórias, desenvolvendo uma metanarrativa, seja como personagem explícito ou participando das adaptações cinematográficas, o autor se metamorfoseia em sua própria obra.

Após hiato de cinco anos, o escritor retoma sua vertente narrativa e lança O Grifo de Abdera pela Companhia das Letras. A obra é uma consagração de sua biografia até então, para aqueles que desconhecem sua trajetória. Mutarelli é, na verdade, um homem múltiplo, além do mero sentido metafórico: uma persona escolhida por dois autores, Marco Tule Cornelli e Paulo Schiavinni, roteirista e desenhista, respectivamente que escolheram se unir em um pseudônimo. Tímidos para a publicidade, escolheram um terceiro amigo, Raimundo Maria da Silva, como um avatar. Este sim representante simbólico do autor Lourenço Mutarelli, aquele que o personifica em palestras, eventos e fotografias.

É sob esta profusão de heterônimos que o autor desenvolve esta narrativa, quando um novo elemento deste jogo de espelhos surge em cena. Um personagem que, supostamente, começa a dividir os pensamentos com Marco Tulle. Embora o argumento pareça de difícil compreensão e seja relativamente exagerado, a narrativa mantém um realismo coerente que gera dúvida no leitor sobre a realidade dos fatos.

Mas não se engane: é Mutarelli o criador deste jogo de falsos personagens. Vaidoso como qualquer autor que se preze, criou o nome dos autores fictícios a partir de anagramas do seu. A obra é dividida em três livros analisados sob pontos de vista distintos de cada personagem.

A primeira parte, O livro do Fantasma, sustenta grande parte da ação. O escritor Tulle toma consciência de grande parte das ações cotidianas de Oliver Mulato e descobre ser capaz de interferir em suas falas. Há uma análise implícita sobre autor e suas personagens, demonstrando que, apesar de demolições pós-modernas, o criador ainda reside como ser máximo da literatura.

A segunda parte, O livro do Duplo, seria um fac-símile de um fanzine desenvolvido por uma das personagens, demonstrando o jogo de espelhos da obra, bem como a faceta de quadrinista do autor, em traços rebuscados e bem delineados.

Por fim, O livro do livro, como identifica o título, seria uma análise posterior e anticlimática da ação central, como se o autor analisasse os próprios fatos e, diante daquilo que considera absurdo, tentasse convencer os leitores de que tudo é baseado em fatos reais. Mutarelli usa com qualidade uma história cotidiana, aparentemente vazia, como argumento. A intriga do Grifo de Abdera, uma moeda mística que funciona como ponto de partida, parece improvável, mas resulta em uma obra que se desenvolve tanto narrativamente quanto dialogando com a reflexão sobre composição literária.

A prosa breve de frases curtas, compostas sempre como verbos no presente, configura a velocidade da ação, resultando em uma dinâmica na qual personagens vivem situações rápidas em uma metrópole acelerada. Uma obra que destaca um atrativo domínio narrativo.

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Resenha | Filho Dourado (Trilogia Red Rising) – Pierce Brown

8 de junho de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Distopia, Globo Livros, Pierce Brown

Lançado pela Globo Livros em agosto do ano passado, no selo Globo Alt, O Filho Dourado, de Pierce Brown, é a segunda parte da trilogia Red Rising, lançado pela editora após o primeiro volume, Fúria Vermelha, em 2014.

Se no primeiro romance, Darrow estava se preparando para uma batalha futura, aprendendo sobre estratégia na Academia em Agea e enfrentando o medo de ser descoberto, em O Filho Dourado a personagem já está totalmente aculturada entre os Ouros, com um alto cargo de Pretor na família Augustus e colecionando sucessos na Escola de Guerra, enquanto ostenta a cicatriz de um Inigualável Maculado.

Tudo é muito grandioso, as simulações de batalha espacial, os ambientes em que ele habita e sua rixa com a família de Cassius au Belona. Darrow não está mais se preparando para ser um guerreiro; ele é um guerreiro. Porém, há mais que sangue e vísceras em seu caminho. Ares e Dancer, os líderes da revolta que almeja destruir todo o modo de vida dessa sociedade dividida em cores, se calaram desde que Darrow saiu da academia, sem saber mais que diretrizes seguir após ter sobrevivido até então. Como se não bastasse a solidão de sua vida cheia de segredos, uma nova facção dos Filhos de Ares está realizando atentados terroristas e o faz questionar sua missão.

Seus mais caros amigos estão em cantos longínquos do sistema, e seus inimigos perto demais. Virgínia (Mustang) não entende por que alguém que questionou a ordem social dentro da academia se aliou justamente a seu pai, o Governador de Marte, Nero au Augustus. O governador Nero é um símbolo de tudo o que Darrow questionou em seus tempos de academia. Agora que ganhou a sua marca de Inigualável Maculado, tornar-se Pretor de Augustus não parece o correto a fazer, mas para minar a sociedade por dentro Darrow necessita conquistar um lugar de destaque.

Assim como no livro anterior, a narrativa tem grandes cenas de ação e momentos mais reflexivos, e é nestes momentos que o autor alcança sua excelência. Cada um dos personagens com mais destaque tem um discurso de impacto sobre a sociedade, todos coerentes com suas trajetórias e capazes de gerar reflexão no leitor sobre a realidade. Após participar de um desfile da vitória, Darrow nos presenteia com a seguinte reflexão: Tradição é a coroa do tirano. Olho todos os Ouros com seus distintivos e sinetes e estandartes, tudo isso sendo usado para legitimar um reinado corrupto e para alienar o povo. Para fazê-los sentir que assistem a um cortejo além da compreensão deles.

O autor nos apresenta mais divisões e sub-divisões das castas representadas por cores, fazendo com que a sociedade retratada naquele universo se torne cada vez mais complexa. No livro anterior ficamos familiarizados com a estratégia de dominação utilizada para subjugar os vermelhos: competição interna e a promessa de que o seu sacrifício os fazia pioneiros na transformação de um planeta. Em O Filho Dourado conhecemos mais a fundo algumas castas e a estratégica de dominação utilizada com elas, entre as mais expressivas os azuis e os Obsidianos.

Os Azuis são criados no que o protagonista chama de uma “seita que louva a racionalidade”. São cientistas com áreas de estudo tão específicas que se perdem em cálculos de probabilidades e estatísticas, e não parecem capazes de enxergar a sociedade e a maneira como são subjugados aos Ouros. Sem dúvida, uma crítica à formação que prioriza as Ciências Exatas em detrimento de qualquer reflexão social.

Os Obsidianos são os soldados altamente especializados. Para controlar sua enorme força subjugada, os Ouros os isolaram nos pólos oferecendo-lhes uma vida de privações e uma religião que os proibia de pegar em armas contra eles, considerados deidades. Em contraste com os cientistas Azuis, que foram alienados com a estrita crença nas ciências e com uma vida confortável, os Obsidianos foram alienados em misticismo e miséria.

Pierce Brown nos confunde um pouco ao descrever suas cenas de ação, porém as reflexões que o livro propõe são acertadas, e seus personagens são tão carismáticos que qualquer demérito do autor fica eclipsado pelo sucesso de nos envolver irremediavelmente na história que entrega.

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Mariana Guarilha é devota de George R. R. Martin, assiste a séries e filmes de maneira ininterrupta e vive entre o subconsciente e o real.

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Resenha | Um Teto Todo Seu – Virginia Woolf

1 de junho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Feminismo, Noemi Jaffe

A prosa de Virginia Woolf, dividida entre romances e contos, tornou-se a faceta mais conhecida da autora. Romances como Miss Dalloway e Rumo ao Farol se destacaram e pontuaram-na como modernista, fundadora de um estilo narrativo conhecido por fluxo de consciência, alinhando-se a James Joyce e Clarice Lispector como representantes deste cânone que parte da complexa linha de pensamento como base narrativa.

Exímia leitora, a britânica também foi grande pensadora de seu tempo. Íntima da palavra, escrevia de maneira compulsiva: diários, ensaios, além de sua referida obra narrativa, mantendo sempre um domínio técnico e temático sobre os assuntos abordados. A obra ensaística vem ganhando, nos últimos anos, destaque no país. Em 2006, a José Olympio lançou o breve Cenas Londrinas, crônicas sobre a cidade onde vivia. No ano seguinte, O Leitor Comum chegava às livrarias pela Graphia demonstrando a análise crítica diante da literatura. A L&PM Pocket publicou pequenos textos feministas em Profissões Para Mulheres e Outros Artigos. E nos últimos anos, três editoras voltaram-se para esta vertente, a qual Um Teto Todo Seu, publicado pela Tordesilhas, se destaca por sua contemporaneidade.

Publicado originalmente em 1929, Um Teto Todo Seu advém de duas palestras proferidas em escolas para mulheres na Cambridge University, unificadas em um ensaio coeso, dividido em seis partes. Convidada para falar a um público feminino sobre a mulher e a ficção, Woolf parte desta análise para um raciocínio longo e bem desenvolvido sobre as mulheres e a literatura.

A composição narrativa é um processo tão natural e significativo para a autora que o ensaio promove um personagem analítico fictício, capaz de ponderar a dimensão do tema com um olhar atento. Reconhecendo que parte de uma argumentação se deve à pesquisa histórica sobre o tema, o texto se inicia formulando indagações sobre o significado da mulher e a ficção para expandir o conceito em uma pesquisa, que foi realizada em obras de diversas frontes que tiveram a mulher tanto como tema como objeto de citação indireta. Em épocas predominantemente dominadas por autores, a britânica encontra uma gama diversas de opiniões sobre as mulheres, mas poucas formuladas pela voz feminina.

No estilo dentro do ensaio, a autora mantém a mesma verve de sua prosa, inserindo ponderações sobre o cotidiano entre as reflexões, dando vazão a um fluxo de consciência atento tanto ao comportamento presente, que demonstra também um subjugo à mulher , quanto à análise histórica postulada anteriormente. Apontando que a educação feminina é tradicionalmente precária em relação àquela dada ao homem e que grande autores da literatura, como William Shakespeare, talvez não tivessem o mesmo alcance se houvessem nascido com outro gênero.

A afirmativa que pauta o título da obra argumenta que a mulher, para adquirir bem estar em um trabalho sustentável, deve residir em um teto todo seu, fator que se traduz como um espaço adequado para desenvolver sua arte sem nenhum interferência, bem como garantir a si uma remuneração econômica. Woolf analisa a literatura feminina do século XIX ponderando evoluções e recuos em obras precursoras. O rigor técnico e criativo de sua filosofia de composição literária se apresenta nestas linhas ao observar que, diante de um cenário naturalmente opressor e desigual, as autoras projetariam na ficção uma camada extra de sentimento. Elemento que poderia adensar a emoção da trama, mas resultava em oscilações no apuro técnico. A luta a qual defende a autora é a procura de meios igualitários entre os sexos para que a literatura – e, em consequência, qualquer outro trabalho – possa fluir em espaço neutro, sem estímulos agressivos externos, edificando o conceito de um trabalho mental complexo que derruba, no conceito literário, o ainda persistente mito da literatura movida por inspiração ou musas divinas.

Partindo do preceito literário, campo que conhece bem, demonstra como a mulher vivia em séculos passados e como havia, em sua época, diminutos ganhos sobre o tema, sentindo na pele tais dificuldades. A lucidez desta teoria, além do esmero narrativo, destaca-se também pela data de sua composição. Woolf é mais profunda, analítica e coerente do que correntes contemporâneas sobre o mesmo assunto que, muitas vezes, falham na argumentação por não observarem a fortuna crítica do passado.

Ainda contemporâneo e desenvolvido com maestria, Um Teto Sobre Seu possui qualidade inegável ao reunir técnica narrativa primorosa com uma temática de difícil análise mas desenvolvida com coesão, conhecimento e argumentos bem delimitados.

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Resenha | Arco de Virar Réu – Antonio Cestaro

6 de abril de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Antonio Cestaro, editora Tordesilhas, Literatura Brasileira

“Você vive dentro da sua cabeça. Você não vive no mundo.”

Primeiro romance de Antonio Cestaro – que já tem publicados dois livros de crônicas: Uma Porta para um Quarto Escuro e As Artimanhas de Napoleão e Outras Batalhas Cotidianas – o livro conta a história de um historiador social, cujo principal interesse é o estudo antropológico de sociedades indígenas, seus rituais e costumes. Narrado em primeira pessoa, o livro conta a história de um homem de meia-idade, primogênito de uma família de pais separados. Família que, como tantas outras, tem seus problemas: a ausência do pai, a fragilização da mãe, a esquizofrenia do irmão mais novo, Pedro.

A doença mental de Pedro se manifesta na adolescência, quando se inicia um descolamento da realidade e ele passa a vivenciar uma guerra imaginária particular. O narrador tenta de alguma forma encontrar sentido nesses delírios, enquanto seu primo, Juca Bala, quer se valer dessas histórias para fazer um filme. Esse mergulho na loucura do irmão desencadeia no narrador pesadelos recorrentes envolvendo rituais indígenas que se mesclam às narrativas de cunho militar de Pedro. A sanidade do narrador vai se esvaindo aos poucos, até ele próprio descobrir-se doente.

“Voltando alguns anos no tempo, concluo que foi um engano pensar que a Carolina me acompanharia destemida por qualquer caminho. Há uma ponte entre a fé e a razão que a Carolina, mesmo com a sua formação em ciências humanas, não estava disposta a transpor. Todo o meu esforço para entender além da matéria e do instinto primário da vida ia ruindo com o conhecimento da complexidade das sinapses e seus caminhos sulcados, que tornam a transgressão uma recorrência obsessiva. Por vezes seguia sem o juízo da censura pelos pensamento que seriam do Pedro, e o impacto de antes já não me abalava. Sentia-me só novamente.”
(p.48)

A imprecisão (proposital) da narrativa faz o leitor embarcar nas alucinações do narrador, sem saber – assim como ele – onde termina a realidade e começa o delírio. O narrador, pouco confiável devido ao avanço da doença, carrega o leitor consigo em sua tentativa de descrever e entender o que ocorre a seu redor. Faltam coerência e sentido a alguns fatos da trama. A economia de detalhes faz o leitor se perguntar se o narrador está omitindo os fatos deliberadamente ou se é apenas mais um sintoma de seu estado mental, que o faz focar cada vez mais nos seus sonhos em detrimento da realidade.

A doença do narrador põe em xeque inclusive a existência de alguns personagens – Juca Bala, a Carolina (sua esposa) e dr. Da Veiga existem mesmo ou serão invenções de sua cabeça?

“Apesar de não saber ao certo em que tempo e circunstância mudei para dentro da cabeça, depois de resistir e tentar outros entendimento, tive que aceitar que tenho passado a maior parte da vida na cabeça, onde prazeres, afeição e coragem se misturam com ódio, vergonha e medo. E, de acordo com o dr. Da Veiga, um medo que se instala na cabeça com propósito de moradia não é medo normal, é medo complexo, que passa a existir independentemente da influência de qualquer elemento causador.”
(p.112)

O trabalho com a linguagem é primoroso, resultando numa narrativa ágil e envolvente que leva o leitor a questionar, junto com o personagem, quais os limites entre sanidade e loucura.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | O Vilarejo – Raphael Montes

30 de março de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Contos, Literatura Brasileira, literatura brasileira contemporânea, Raphael Montes, Stephen King, suma de letras, Terror

Depois de seus dois thrillers, Suicidas – bom, mesmo com as falhas naturais de um autor iniciante – e de Dias perfeitos – cujo final boa parte dos leitores achou detestável – Raphael Montes apresenta ao leitor uma coletânea de contos de terror numa estrutura fix-up. A denominação é gringa mas quer dizer simplesmente que os contos são independentes entre si, mas interligados por um ou mais elementos, podendo ser lidos na ordem que o leitor preferir. Realmente, podem ser lidos em qualquer ordem, mas em O Vilarejo o mais indicado é deixar o último por último mesmo.

São sete histórias curtas, cada uma delas enfocando um dos moradores do vilarejo e tratando de um dos sete pecados capitais. Montes faz uso de um recurso narrativo já conhecido, mas sempre interessante, afirmando que traduziu manuscritos em que constava referência a um teólogo alemão – Peter Binsfeld – que realmente existiu e escreveu sobre a classificação dos pecados, relacionando-os a demônios.

“De acordo com seu trabalho, cada um dos demônios, os Sete Reis do Inferno, era responsável por invocar um pecado capital nos seres humanos: Asmodeus (luxúria), Belzebu (gula), Mammon (ganância), Belphegor (preguiça), Satan (ira), Leviathan (inveja) e Lúcifer (soberba).”
(pag.8)

Obviamente é uma honra ter seu nome citado junto ao de Stephen King na mesma frase (na capa), porém, sem querer desmerecer o autor, exceto pelo fato de partilharem do mesmo gênero, o terror, a comparação com King é um tanto quanto exagerada. Seja pela produção de Montes, parca em relação a de King, seja pelo estilo. Enquanto King é bastante descritivo, quase prolixo, Fontes é bem mais econômico nas palavras, tem um texto mais seco e, portanto, mais dinâmico, sem delongas.

Os demônios nomeiam os capítulos, que tratam do pecado a eles relacionado. É interessante perceber como as histórias se entrelaçam, como o caminho dos personagens se entrecorta. Sob esse ponto de vista, as narrativas estão bem estruturadas. Contudo, em relação à construção de cada conto há algumas lacunas que poderiam ter sido melhor “preenchidas”, isto é, trabalhadas. Em três deles, o desfecho pode ser apreendido bem antes de revelado pelo autor – algo que, num texto tão curto, chega a ser brochante. Mas no geral, os textos se completam bem e algumas passagens são bastante chocantes, para não dizer indigestas.

Vale destacar o projeto gráfico. As gravuras de Marcelo Damm que ilustram cada conto são impressionantes e complementam o clima sombrio das histórias. É um livro que possivelmente agrada mesmo aos leitores não habituados ao gênero.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Fúria Vermelha (Trilogia Red Rising) – Pierce Brown

23 de março de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Distopia, Globo Livros, Pierce Brown

Tenho um caso sério de amor com as distopias clássicas e, na esperança de encontrar um material que faça jus a elas, tenho me aventurado em muitas das distopias adolescentes que tem feito sucesso. Fúria Vermelha tem muito em comum com elas, porém é muito mais complexa ao se aprofundar sem medo nas reflexões sociais que propõe.

Pierce Brown, em seu livro de estréia, constrói um cenário crível, detalhando uma sociedade organizada em castas e que coloca a conquista espacial como objetivo maior. O livro que inaugura a trilogia Red Rising, começa nos apresentando os Vermelhos, casta responsável pelo duro trabalho de tornar Marte habitável. Eles são a base da pirâmide social vivendo provações em que as crianças amadurecem cedo.

Darrow, o protagonista, tem apenas 16 anos, mas já é um homem casado e ocupa posição de destaque na sociedade por ser um “mergulhador do inferno”, elite entre os mineradores, já que sua posição exige destreza e coragem. Seu recorte da sociedade é dividido em tribos, sendo a sua chamada Lykos. A ambição maior da tribo de Lykos é conquistar a láurea, prêmio delegado à tribo que mais extrair minério, e que concede comida extra e alguns parcos luxos a seus ganhadores. Há muito Lykos não a conquista, perdendo sempre para os Gama.

Ao contrário de Darrow, que só vê se foca no objetivo imediato de ganhar a láurea para melhorar a vida de sua família, Eo, sua esposa, questiona toda a organização social em que estão inseridos. Ela quer que seus filhos ainda não nascidos sejam capazes de escolher o tipo de vida que almejam, e tenham ambições maiores do que se tornar um “mergulhador do inferno” ou conquistar a láurea.

Além dos vermelhos, que são responsáveis pela mineração, limpeza das cidades e outras atividades consideradas indignas, o livro nos apresenta algumas outras castas:

Os ouros: elite da raça humana, e soberana que governa e comanda a expansão do império espacial.
Os pratas: responsável pela polícia e cargos menores no exército (chamados carinhosamente pelo protagonista de latões).
Os bronzes: burocratas.
Obsidianos: raça criada especialmente para a guerra, soldados com físico impressionante, porém meros peões.
Azuis: responsáveis pela tecnologia, descritos como criados em uma seita que ensina a lógica que torna-os mais computadores que homens.
Verdes: médicos.
Violetas: artistas e entalhadores (manipuladores genéticos e cirurgiões plásticos), o que também é considerado uma forma de arte.
Rosas: humanos treinados e perfeitamente adaptados para a prostituição.
Marrons: responsáveis pelos serviços domésticos em geral.

Dentro de cada casta há diversas graduações, e suas próprias tensões sociais. Você pode ascender dentro de sua própria casta, porém não há mobilidade social fora delas. Essa característica acaba fazendo com que as pessoas estejam mais interessadas em lutar contra seu vizinho do que questionar seus governadores.

Em seu livro de estreia, Pierce Brown, formado em Economia e Ciências Políticas, não poupa esforços pra incluir em sua narrativa reflexões sociais profundas. Sua obra é um tanto descritiva, nos entregando de graça informações que poderiam ser mais bem apresentadas se ele apenas nos mostrasse através do desenvolvimento da trama. Apesar de isso causar incômodo, sua escrita é leve e de fácil absorção. Incomoda o modo como o autor faz uso da narração em primeira pessoa, visto que o narrador é o protagonista, mas conta sua história de forma tão distanciada e com tantas informações sobre o que não está em seu entorno imediato que me questiono: por que não fazer uso da terceira pessoa?

Normalmente não me atenho muito a esses detalhes, mas outro demérito foi a diagramação escolhida para o livro. A fonte pequena e de contornos tênues foi um desafio para meu astigmatismo e várias vezes me fez deixar o livro muito antes do que gostaria.

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Mariana Guarilha é devota de George R. R. Martin, assiste a séries e filmes de maneira ininterrupta e vive entre o subconsciente e o real.

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Resenha | O Que Não Existe Mais – Krishna Monteiro

16 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Contos, editora alaúde, editora Tordesilhas, Krishna Monteiro, Literatura Brasileira, Noemi Jaffe

Como narrativa de menor fôlego em comparação a um romance, a análise de um conto pode se tornar delicada quando há a necessidade de inseri-lo em um contexto maior através de uma obra literária. O conto atrai o leitor de maneira diversa a de uma narrativa longa e, devido a necessidade de um mesmo livro conter contos diversos, a análise de uma obra de contos pode ser mais difícil devido a unidade temática. Como diversas leituras distintas se apresentam em um mesmo livro, cabe ao leitor se preparar para diferentes narrativas para absorvê-las em totalidade. De qualquer maneira, há grandes livros de contos que não atingem seu ápice completo devido a oscilação de qualidade interna.

A unicidade narrativa é um dos destaques de O Que Não Existe Mais, primeiro livro de contos do jornalista e diplomata Krishna Monteiro, lançado pela Tordesilhas no início do ano passado. Formado por sete narrativas breves, o livro tem prefácio assinado pela crítica Noemi Joffe, a qual desenvolve uma linha temática semelhante ao tema que abarca a obra.

É um tempo anterior e passado a referência primordial que atravessa a composição poética das narrativas. Exceto por um dos contos, todos se iniciam com uma citação, desenvolvendo um preâmbulo da história a ser lida. A narrativa de Monteiro é fluída e bem composta, movimentada por gatilhos emocionais que atingem o leitor pela sensibilidade. No conto de abertura, cujo nome é homônimo ao livro, é a memória a base para o diálogo entre um filho e um pai morto. Lembranças suficientemente fortes para recompor a trajetória do pai pelo tecido memorialístico. Em linguagem formal que mantém a segunda pessoa de tratamento, a qual demonstra o respeito do filho pelo pai, a ausência invade a narrativa.

A literatura é homenagem em As encruzilhadas do Doutor Rosa, celebrando a prosa do grande Guimarães Rosa em uma jornada labiríntica que demonstra a própria jornada da leitura do autor se envolvendo com a obra do mineiro. Tanto em Quando dormires, cantarei e Um âmbito cerrado como um sonho, as vozes narrativas são o principal elemento de impacto no leitor. O texto esconde suas intenções primordiais, eclodindo ao final quando são reveladas, bem como as personagens que as narram. Papéis que situam um momento anterior de existência que, a qual confirma o título, não existe mais.

A matéria do passado e memória nem sempre traduz boas lembranças, caso de Monte Castelo, o conto mais extenso e denso da seleção. Dividido em partes, a história transita entre a narrativa de um neto sobre o avô – e sua participação na guerra – e o conflito interno familiar entre mãe e filha. A trama sobrepõe duas memórias sensíveis, avô e neto, novamente edificando laços sanguíneos. Assim como momento anterior nem sempre é erigido sobre uma ausência trágica, em O Sudário é a eminencia da violência que configura o fim.

O conto que encerra a obra, Alma em corpo atravessada, versa sobre o próprio ofício literário em uma metalinguagem que apresenta uma contadora de histórias orais e as ondulações invisíveis de realidade e ficção dentro de uma narrativa, situada como uma arte e um fardo simultaneamente. Todas os sete contos em suas frontes distintas de trama e personagens dialogam com uma temática maior, conduzindo a obra a um significado distinto.

Com intimidade diante das palavras em boa prosa desenvolvida com precisão, O Que Não Existe Mais de Krishna Monteiro é um bonito e melancólico mosaico narrativo de momentos anteriores, inseridos entre um passado nostálgico e lembranças amargas.

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