Lucas Fazola Miguel – Página: 2

Resenha | Rosalie Lightning: Memórias Gráficas

27 de novembro de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Costuma-se dizer que a maior das dores na vida de uma pessoa é perder um filho ou uma filha. Essa inversão da ordem natural das coisas costuma representar uma quebra do ciclo da vida, que acomete a milhares de pessoas mundo afora.

Com a história em quadrinhos Rosalie Lightning: Memórias Gráficas, o quadrinista estadunidense Tom Hart conta sua história de vida, relatando sua experiência com a morte de sua pequena filha Rosalie, e como ele e sua esposa fizeram para lidar com essa incomensurável perda. Escrevendo e desenhando, o autor se abre para o leitor em suas reminiscências, descrevendo sensações, retratando percepções, de um ponto de vista absolutamente sensível: o daquele que perde.

Com menos de dois anos de idade a garotinha faleceu, vítima de um mal súbito, cruel e implacável. Partindo tão cedo deste mundo, Rozi deixou marcas indeléveis em seus pais, que do dia pra noite se viram perdidos, distanciados pelo destino do papel com o qual já haviam se familiarizado, o de pais.

Já estabelecidos como “pais de Rosalie”, Tom e Leela se encontram em uma espécie de limbo identitário após a perda da filha, uma vez que não conseguem mais se definir por outra coisa que não a função que ganharam quando Rozi veio ao mundo. Hart abre o coração na obra e se expõe de forma contundente, esmiuçando as memórias do trauma, abordando a desorientação inerente à perda e os primeiros passos dele e de sua mulher em busca de uma retomada na vida. A narrativa se torna cada vez mais dolorosa na medida em que o autor retrata de forma extremamente verossímil a convivência com a filha, conferindo-lhe identidade e uma vivacidade ímpares.

A Rosalie transposta para o papel cativa a cada quadro em que aparece, o que torna ainda mais triste toda a história, uma vez que sabemos qual o seu trágico destino. É interessante a forma como Hart coloca em perspectiva seu papel nessa tragédia, por vezes se enxergando de forma alienada em meio ao caos que consumiu sua vida durante o turbilhão de acontecimentos pelos quais passou. Mesclando realidade e imaginação, Hart concebe a narrativa como uma colcha de retalhos, para exemplificar o estado emocional dele e de sua esposa.

Se cercando de referências que variam entre a cultura pop e a vida real em sua faceta mais cruel, o quadrinista ilustra tanto seu sentimento de perda como contrapõe o cotidiano de Rosalie. Hart se utiliza dessa concepção metarreferencial para poder lidar com a perda à sua maneira, dando profundidade para a narrativa, sem colocar referências a esmo na história.

Podemos dizer que “Rosalie Lightning” consiste em uma experiência catártica de Tom Hart, em busca da superação de um trauma com o qual ninguém espera lidar. Uma obra sensível e que toca profundamente, a história em quadrinhos versa sobre a imprevisibilidade da vida e o inexorável peso da morte na vivência humana. A arte simples – mas nunca simplória – de Hart confere leveza para uma história naturalmente tensa e pungente. O uso de páginas pretas em determinados momentos para representar a profunda depressão na qual Leela e Tom se encontram é de uma inventividade contumaz.

A mensagem de superação de Tom Hart é poderosa, na medida em que o autor se coloca em uma trajetória de retomada de vida, se impulsionando na memória de Rosalie para superar essa terrível e irrecuperável perda. Rosalie Lightning é mais um grande título publicado no Brasil em 2017 com altíssima qualidade pela editora Nemo, conta com 272 páginas e capa cartão.

Compre: Rosalie Lightning.

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Resenha | Paraíba

14 de novembro de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Gabriel Mourão, Olavo Costa, Quadrinhos Nacionais, SESI-SP Editora

São Paulo é a grande metrópole do Brasil, a maior cidade do país e o grande centro econômico da América Latina. Tida como apaixonante por muitos e apavorante por outros, é ela o palco da história em quadrinhos Paraíba, de autoria de Gabriel Mourão e Olavo Costa.

A narrativa gráfica conta a história de Fernando e Laura, pessoas completamente diferentes, mas que acabam se relacionando a partir dessas grandes divergências. O jovem introspectivo, se sente em constante inadequação e sufocamento em São Paulo, e acalenta o sonho de se mudar para a cidade de João Pessoa, na qual acredita poder recomeçar a vida, fugindo de todos os aspectos que o desagradam na capital paulista.

A Paraíba, para Fernando, é como uma Shangri-La, um paraíso no qual seus anseios serão satisfeitos e ele poderá enfim ser feliz e realizado consigo mesmo. Inseguro, o jovem encontra em Laura uma vivacidade a qual ele gostaria de comungar. A jovem atriz é livre, bem resolvida e desprendida de quaisquer impedimentos sociais e mentais, e encontra em Fernando alguém para “salvar”, alguém a quem ela pode tocar e transformar, de alguma forma.

O anseio pela fuga de um cotidiano entediante os aproxima, e a sensualidade presente nas sequências em que os dois dividem a cena é resultante de um competente trabalho de montagem entre roteiro e arte.

A narrativa quebra com a linearidade temporal, alternando tempo e espaço sem aviso prévio, deixando o encadeamento das cenas por parte do entendimento do leitor, fazendo uso das cores para fins de referenciação e orientação diegética. Gabriel Mourão logra êxito ao encaixar sua fragmentária e dispersiva história com maestria, alternando também o papel de narrador entre Fernando e Laura, tática que torna a compreensão da história como uma via de duas mãos bem mais palatável para o leitor.

O traço de Olavo Costa apresenta uma limpeza marcante, que contrasta com a firmeza demonstrada em cada quadro. A expressividade da arte remete ao cartum em certos momentos, ao mesmo tempo em que dialoga com o traço de grandes mestres da nona arte como Darwyn Cooke e Will Eisner, bem como talentos contemporâneos como Chris Samnee e Greg Smallwood. A diagramação, ainda que pouco inventiva, apresenta perfeição técnica dentro dos padrões narrativos consagrados para o meio.

Como supracitado, o trabalho de colorização em Paraíba é marcante, visto que as cores exercem um papel fundamental na decodificação da história. Partindo de um começo recheado de cores vivas, na conversa entre Fernando, Bruno e Laura, passando pelas pinceladas em tons de azul nas memórias da jovem, até a gradação dos tons pastéis para cores avermelhadas no aprofundamento da relação e da crescente tensão sexual do casal, as cores configuram-se como verdadeiros eixos sintagmáticos na construção da narrativa de Mourão e Costa.

Com um final excessivamente aberto, o quadrinho conta com excelentes momentos e diálogos inspirados, ainda que o desenvolvimento dos personagens soe demasiadamente clichês em determinados pontos da história. A história em quadrinhos, de 64 páginas, saiu no país publicada pela SESI-SP Editora, em 2016, e conta com excelente acabamento, semelhante a títulos de destaque como Blacksad e Verões Felizes.

Compre: Paraíba.

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Resenha | Fugir: O Relato de um Refém

18 de outubro de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Fugir, Guy Delisle, quadrinhos independentes, Relato, zarabatana

Ao longo das décadas, histórias reais sempre proporcionaram excelentes narrativas em quadrinhos. Maus, Persepolis e Pílulas Azuis estão aí que não me deixam mentir. Entrar na mente de outras pessoas e desbravarmos suas memórias para emularmos suas vivencias se configura, indubitavelmente, como uma experiencia catártica com a qual muitos de nós se identificam.

Do alto de nossas vidas muitas vezes ordinárias e banais, torna-se uma poderosa válvula de escape o contato com experiencias de vida muito distintas do que as nossas jamais serão. Quem conseguiu ler Maus e não pensar nas agruras pelas quais passou Vladek Spiegelman? Quantos conseguiram ler Persepolis e não se colocaram no lugar de Marjani Satrapi, em sua jornada de amadurecimento em meio ao mar de transformações pelos quais poderia passar uma jovem iraniana em sua vivencia (inter)nacional? Pois é, a realidade continua sendo um celeiro de boas e ricas histórias.

Em Fugir: O Relato de um Refém, o canadense Guy Delisle se coloca como um microfone para o relato de Christophe André, fazendo de seu traço um palco para o depoimento do francês, que trabalhava com os Médicos Sem Fronteiras na Cidade de Nazran, na Inguchétia, quando foi sequestrado por homens de uma milícia chechena, em 1997. Pego de surpresa e sem quaisquer explicações para o rapto, André passou cerca de 111 dias em cárcere privado, sob o controle e observação de insurgentes armados e perigosos, sempre algemado e parcamente alimentado.

Seu relato, trazido ao público por Delisle, obtém êxito em sua empreitada narrativa ao envolver o leitor naquela esfera de perigo e risco de vida iminente, colocando André no foco, cercado por paredes claustrofóbicas e rotineiramente visitado por silenciosos sequestradores, homens que, ao falarem uma língua à qual ele não compreende, o colocaram em completo isolamento, sem qualquer tipo de contato comunicacional que não o por meio de pequenos e contidos gestos. Esse processo de animalização de André por parte dos sequestradores é colocado em perspectiva pelo protagonista a todo momento, uma vez que este acaba por passar toda sua jornada tentando fazer a leitura da situação na qual se encontra, mesmo com poucas pistas.

Um grande mérito dessa história em quadrinhos reside na potência dos fluxos de pensamento de André, pincelados por Delisle à partir dos depoimentos colhidos pelo autor com o protagonista da narrativa. Silenciado, retirado do convívio em sociedade, André só possui a própria mente para contar e interagir, o que o faz se preocupar incessantemente com a contabilidade dos dias de cárcere e do calendário como um todo, bem como levam o homem, um aficionado por histórias de guerra, a listar personagens e batalhas históricas em suas divagações. André utilizou de todo e qualquer meio para evitar o descontrole mental que o aguardava, diante de tantas barreiras.

A arte de Guy Delisle tem clara influência da linha clara franco-belga, o que confere limpidez para as ambientações do artista, bem como contrastam com a seriedade do fato ali relatado. A estruturação narrativa do autor é eficaz em envolver o leitor no drama pelo qual André passa, construindo um retrato psicológico do protagonista, ao passo em que faz um uso até mesmo rítmico da rotina do cárcere ao qual o homem se encontra imposto. Suas incontáveis idas ao banheiro, os raros banhos, as refeições… todos os eventos que compunham o dia a dia de André em seu período sequestrado acabam por construir o envolvimento emocional do leitor com o protagonista, de modo que o encerramento da história se constrói em um ritmo alucinante, tenso e repleto de adrenalina, fazendo com que nos coloquemos na situação do protagonista, torcendo por sua fuga e subsequente busca pela liberdade.

A história de Fugir faz lembrar a HQ autobiográfica Uma Metamorfose Iraniana, de Maya Neyestani, cartunista iraniano que foi preso em seu país após uma charge sua tomar conotações políticas perigosas para o regime que vigora(va) no país. A diferença, contudo, se encontra nas palavras do próprio André e, “Fugir”, quando este afirma que ser refém é pior do que estar na prisão, pois na cadeia você tem data e hora para sair, enquanto no sequestro não se possui essa garantia. Isso, é claro, em um Estado Democrático de Direito, algo que passa longe do regime iraniano. A incerteza quanto ao próprio futuro é um traço marcante dos pensamentos de André expostos por Delisle, um artista vibrante e que extrai de seus econômicos traços uma infinidade de significações.

Grandes histórias são aquelas que nos fazem embarcar em suas tramas, e a HQ atende a qualquer requisito necessário para se instalar no hall das grandes histórias em quadrinhos baseadas em fatos reais. A busca de Christophe André por sua liberdade é daqueles relatos que revigoram os ânimos e aquecem os corações daqueles que se dispõem a lutar pela manutenção da paz e da garantia das liberdades individuais a todos os povos, indistintamente. Mais do que uma história pessoal, a obra é marcante também como um retrato histórico do mundo pós queda do muro de Berlim e fim da URSS, uma representação do caos étnico e social que restou em meio aos diferentes povos daquela região.

É uma tarefa árdua encerrar a leitura dessa história sem algumas lágrimas nos olhos, sem um reconhecimento à resiliência de um homem colocado em uma situação absurda, indefeso, mas que não se dobrou à barbárie, mas permaneceu digno em seu anseio por liberdade.

A história em quadrinhos Fugir: O Relato de um Refém foi publicada no Brasil pela Zarabatana Books em 2018, e conta com 432 páginas e capa cartão, em uma belíssima e impecável edição.

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Resenha | Garras de Anjo

3 de outubro de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Alejandro Jodorowsky, Editora Nemo, erotismo, Moebius, quadrinhos europeus

A dupla formada pelo finado Jean “Moebius” Giraud e pelo chileno Alejandro Jodorowsky marcou época na Bande Dessinée franco-belga com O Incal, trabalho que potencializou de diversas outras obras de curta duração. Em 1994, contudo, os dois talentosos autores desenvolveram o álbum erótico Garras de Anjo, que trafega entre os limites da história em quadrinhos e do livro ilustrado.

O traço do artista francês continua esplendoroso como de costume, mas a narrativa de Jodorowsky causa incômodo em grande medida, uma vez que o autor chileno se coloca no papel de um eu lírico feminino e se propõe a discorrer sobre as reminiscências da jovem Garra de Anjo, em um olhar pretensamente poético e erotizado sobre seu passado.

Cabe aqui uma pequena consideração: ao longo da literatura e da história dos quadrinhos como um todo, diversos homens obtiveram êxito ao emularem a voz feminina, captando detalhes do imaginário feminino com grande precisão. Tal tarefa, ainda que possível, torna-se cada vez menos estimulável, haja vista toda a justa luta por empoderamento feminino e pela ascensão da causa feminista na contemporaneidade. Mal posso imaginar como podem se sentir algumas mulheres ao se depararem com a representação de feminilidade escolhida para esse álbum.

Em que pese o olhar histórico (uma vez que estamos aqui falando de uma história concebida há cerca de 25 anos atrás), Jodorowsky pesa demais a mão nesse trabalho, e erra demais ao propor uma representação feminina sob uma ótica completamente distorcida e por vezes doentia. Completamente edipiana, Garras de Anjo enxerga em todas as figuras masculinas, reflexos de seu pai.

Passando por recordações perturbadoras, que evocam um aparente caso de abuso infantil, com reverberações na adolescência da jovem, o autor chileno concebe o monólogo interior da jovem protagonista, em uma espiral surrealista que demole as barreiras entre as camadas de realidade e imaginação, contando com o traço de Moebius para conceber metáforas visuais perturbadoras, misturando a sensualidade das personagens femininas com a bestialidade das figuras masculinas.

O artista francês desenha mulheres sensualíssimas, dando expressividade e lascívia para olhares, sorrisos e gestos, em cada painel que produziu para acompanhar os textos de seu parceiro chileno. A obsessão fálica que permeia a história é flagrante, com o traço de Moebius contrapondo representações ultrarrealistas para as figuras femininas, enquanto toda e qualquer representação de um pênis acabe descambando para o grotesco, para o exagero em tamanhos e formas. Não podemos atribuir tal característica obsessiva somente a Jodorowsky ou Moebius, o que nos leva a creditar tal necessidade perturbadora à dupla em igual medida.

Ao longo da trajetória da personagem, que busca tortuosamente alcançar a maturidade, nos deparamos com a glorificação do abuso, da violência sexual como medida de transcendência identitária, em um delírio freudiano que coloca toda e qualquer vontade feminina girando em torno do falo. Para alcançar sua elevação, Garras de Anjo precisa adquirir um falo para si, para conservar sua feminilidade com a autoridade inerente ao aspecto fálico. Por fim, a permissividade às bizarras maneiras de penetração acabam resultando em um incompreensível.. coração. Repugnante, definitivamente.

A obra, celebrada por muitos e demonizada por outros, foi publicada aqui no Brasil pela Editora Nemo em um luxuoso e belíssimo álbum de 76 páginas, em capa dura e envernizada, no mesmo formato da Coleção Moebius, da própria editora.

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Resenha | Deslocamento: Um Diário de Viagem

19 de setembro de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Autobiografia, Editora Nemo, Lucy Knisley

A potência dos relatos em quadrinhos se encontra muitas vezes no impacto que estes causam em seus leitores, mas muitas vezes esse choque se dá não por tocar em eventos de proporções épicas e incríveis, mas justamente por dar a perspectiva do banal, dos pequenos momentos que transformam as vidas das pessoas diariamente.

Em Deslocamento: Um Diário de Viagem, a norte-americana Lucy Knisley narra os acontecimentos de uma viagem que ela realizou como acompanhante de seus avós, já envelhecidos e absolutamente dependentes de sua constante vigilância. Não fosse pela sensibilidade da autora, tal evento poderia passar despercebido, visto que dentro das relações familiares o cuidado para com os mais velhos é algo comum.

Lucy relata com maestria o contexto que envolveu sua decisão de acompanhar os avós em um cruzeiro pelo Caribe, um passeio atípico para pessoas como eles, que já se encontravam bastante limitados pela ação do mais implacável dos inimigos: o tempo.

A relação do ser humano com o passar do tempo é a tônica de Knisley nessa história em quadrinhos, uma vez que a narradora-personagem expõe de maneira bem clara ao longo da trama sua estupefação e inadequação com os efeitos que o tempo gerou em duas pessoas as quais ela amou e conviveu desde a mais tenra idade.

Tal sentimento ressoa no leitor de forma contumaz, uma vez que todos nós estamos à mercê da passagem implacável do tempo, que se descortina diante de nossos olhos, levando de nós nossos feitos, nossas memórias, tudo aquilo que batalhamos literalmente durante uma vida para conquistarmos.

A perda da autonomia, os lapsos de memória, as extravagâncias e cismas típicas da velhice são bem abordadas por Lucy Knisley, que expõe com muita naturalidade situações constrangedoras, como a incontinência urinária do avô, as confusões mentais da avó, tudo de forma lúdica e bem realista.

É tocante a forma como Lucy passa por essa experiência se questionando a todo momento sobre o objetivo daquilo tudo, bem como demonstra a todo instante o amor e o respeito com o qual encara aquelas pessoas que, ainda que atualmente fragilizadas, já lhe foram muitas vezes um sólido ponto de referência na vida.

Os questionamentos pelos quais a autora se coloca são deveras pertinentes, visto que ela coloca em xeque temas como formação acadêmica, generosidade, egocentrismo, expectativas familiares, dentre outras divagações às quais ela se permitia embarcar, durante os cerca de dez dias de viagem. As reflexões de Lucy alcançam tamanho nível de complexidade e variedade que permeiam temas como a guerra, uma vez que ela passa a viagem toda lendo, quando possível, o livro de memórias do avô, um combatente da segunda guerra mundial.

Na novela gráfica podemos, indubitavelmente, observar uma verdadeira trajetória de crescimento pessoal da narradora-personagem, o que gera diferentes interpretações para o próprio título da obra, uma vez que o deslocamento físico de Lucy e seus avós nessa experiência conjunta só não é maior do que o deslocamento emocional da autora, que atravessa suas questões com o passar do tempo, se interpondo nessa relação cruel e inevitável, buscando apreender o máximo possível das experiências que a vida lhe proporciona.

A arte de Lucy Knisley é extremamente dinâmica, usando e abusando das possibilidades geradas pela mídia quadrinhos. Os requadros das páginas em muitos momentos inexistem, deixando os espaços em branco ditarem a transição entre as sequências aparentemente soltas de imagens aquareladas que compõem a narrativa.

Utilizando-se de letreiramentos inventivos, Knisley não permite que sua história mantenha uma estruturação de cenas linear, optando por modificar-se a todo instante pela página, o que causa estranhamento no início, mas garante fluidez com o passar do tempo. Tal estratégia é arriscada, pois a ousadia em sua diagramação pode muito bem ser confundida com falta de esmero no trabalho de decupagem, bem como gerar uma sensação de confusão no processo de leitura.

A disposição textual da história, contudo, também confere uma proximidade maior do leitor com sua honesta narradora-personagem, uma vez que nos leva a entender de forma sincera, direta e límpida a maneira como ela se vê dentro de toda essa experiência de compaixão, altruísmo e amor genuíno.

Deslocamento: Um Diário de Viagem, história em quadrinhos publicada pela Editora Nemo em 2017 e que conta com cerca de 144 páginas e capa cartão, acerta em cheio ao trazer o leitor para perto da trama, para lidar com um tema tão tocante quanto a relação do ser humano com o envelhecimento e a compaixão que devemos ter para com todos e, sobretudo, para com aqueles que nos cercam.

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Resenha | A História Mais Triste do Mundo

14 de agosto de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Eduardo Medeiros, Punk, Quadrinhos Nacionais, Stout Club

O gaúcho Eduardo Medeiros, autor da aclamada Open Bar, lançou no ano de 2014 uma história curta, na qual seus dotes de ágil contador de histórias foram primariamente exigidos. Publicando de forma independente, através do selo Stout Club, A História Mais Triste do Mundo narra a história de Matias, um jovem protótipo de punk, anarquista e revoltado com o sistema, tentando conquistar o amor de Maria.

Criado à base de chocolate quente e muito carinho dos pais, o protagonista de punk não tem nada senão a aparência invocada, e se vê em uma enrascada quando seu amigo Luís fura de última hora e deixa de ir ao show de punk rock com Matias e Maria. A garota, por sua vez, chama um colega da faculdade, Daniel, que é tudo aquilo que o jovem Matias odeia.

Rico, bem apessoado, simpático e descolado, o inesperado rival supera Matias em todos os quesitos possíveis, menos no da bizarrice. Como todo jovem que se arrisca a tentar ser o que não é, em busca de autoafirmação, Matias entra em uma espécie de surto que beira à inveja e paranoia, e esbarra nas limitadas capacidades do jovem em se impor diante de quem quer que seja.

Com pensamentos pré-fabricados e cujas significações ele mesmo pouco entende, Matias deseja a derrubada de algo que ele mesmo não faz ideia do que seja, tudo em nome do apelo visual, da “atitude punk” e descolada que ele acredita ter. Fracassado em todas as áreas da vida, o jovem acumula decisões ruins em sequência, quando tudo o que queria era se declarar para Maria.

Ao desperdiçar as oportunidades que surgem diante de si, Matias vai pouco a pouco perdendo espaço para Daniel, ficando à margem da situação (o que não deixa de ser irônico, uma vez que viver à margem da sociedade era o grande intuito dele), o que o faz sair desconfortavelmente de perto em busca de calma – e cervejas.

Quando retorna, Matias vê Daniel e Maria se beijando, algo que o desnorteia completamente. O punk apaixonado se vê completamente destruído e, desorientado, se vê em meio a uma roda punk, um espetáculo dantesco de briga de rua na plateia do show. Sem qualquer tipo de experiência em combate, o jovem ao menos tem seu corpo tão machucado quanto o coração, retornando para perto de Maria todo alquebrado e… sem as calças. A este fato, Matias dá o título de “parte mais triste da história”.

A trama, narrada em primeira pessoa pelo próprio Matias, acerta muito no tom cômico, bem como no traço cartunesco de Medeiros, que explora a absurdidade do jovem punk tanto no seu falar quanto em sua concepção visual exagerada e hilária. A forma como Medeiros expõe as incongruências que levam as pessoas a fingirem ser algo que não são, em busca de encaixe no mundo, é bem interessante e expõe uma grande capacidade sintética do autor, que rapidamente dimensiona Matias dentro da história, sem precisar de muitas palavras.

Narrado em 40 páginas, o conto obtém êxito ao arrancar do leitor risadas genuínas, principalmente de quem já era vivo nos anos 90 e consegue identificar muitas das referências temporais contidas na obra.

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Resenha | Zagor Especial 40 Anos

5 de agosto de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Guido Nolitta, Mythos Editora, Quadrinhos Italianos, Sergio Bonelli, Sergio Bonelli Editore, Zagor

A Odisseia se estabeleceu na cultura ocidental como uma das narrativas fundamentais da literatura mundial. Sendo um dos principais poemas épicos da Grécia Antiga, de autoria atribuída a Homero, a trama narra o retorno de Odisseu ao seu lar, Ítaca, após a Guerra de Troia, e inspirou incontáveis produções artísticas ao longo dos séculos, desde peças de teatro a livros, filmes e histórias em quadrinhos.

Zagor, herói do gênero western criado pelos italianos Sergio Bonelli (sob o pseudônimo de Guido Nolitta) e Gallieno Ferri, despontou nas bancas da Velha Bota no começo dos anos 60, consolidando o personagem como um dos ícones do fumetti, temo pelo qual os quadrinhos são conhecidos na Itália. O “Espírito da Machadinha” angariou fãs ao redor do mundo, de maneira que em 2018 completou-se 40 anos desde sua primeira aparição nas bancas brasileiras. Para celebrar a marca, a Mythos Editora publicou uma edição especial de Zagor, na qual apresenta a história favorita de seu lendário criador, Sergio Bonelli, intitulada “Odisseia americana”.

A história, inspirada claramente no texto épico de Homero, coloca Zagor e seu fiel parceiro Chico às voltas com uma perigosa empreitada: acompanhar um rico empresário, Homerus Bannington Júnior, em sua tresloucada expedição ao longo do rio Tallapoosa até o lago Cherokee, com o objetivo de vivenciar uma aventura de tamanho impacto que o inspire para conceber sua própria poesia épica, mantendo a tradição de poetas da família.

A premissa, que soa absurda, é levada a cabo ao longo das 228 páginas, estabelecendo Zagor e a tripulação do barco Athena como partícipes de um jogo de vida ou morte, através de uma jornada recheada de perigos inesperados. O percurso ganha ares épicos ao se desvelar em um ambiente que foge em muito daquilo que conhecemos como “mundo real”. Bonelli e Ferri inserem elementos fantásticos ao longo da jornada, como tribos de gorilas antropomorfos, vulcões ativos que surgem sem mais nem menos, solos áridos que se modificam, criando deslizamentos e nevoeiros que roubam a lucidez até mesmo do mais sábio dos homens. Afinal de contas, não há como se reclamar de emoção nessa jornada!

A tribo de macacos antropomorfos remonta às clássicas aventuras de Tarzan e dos filmes de faroeste, em uma perspectiva claramente colonialista e que animaliza o desconhecido, o “incivilizado”, e dignifica o herói branco, civilizado e libertador. Essa sequência, analisada com as lentes do presente, pode ser interpretada de modo problemático, mas acaba passando batido durante uma leitura descompromissada.

Logo em seguida, temos uma série de absurdos típicos das histórias de fantasia de décadas atrás, quando um vulcão entra em erupção e leva o solo a absurdas transformações que desafiam as leis da física, apenas com o intuito de gerar um deslizamento de pedras extremamente perigoso, que leva os personagens a retornarem às águas do rio Tallapoosa para escaparem daquele terreno inóspito.

O rio, sempre representado à luz do dia, ganha contornos apavorantes ao cair da noite, remetendo a uma espécie de Apocalypse Now, imergindo em uma névoa sinistra, que pouco a pouco leva embora a sanidade da tripulação dos restos do Athena. Contudo, Zagor não é Ben Willard e não sucumbe à loucura, permanecendo incólume diante do perigo, quando ninguém mais poderia salvá-los diante da maldita expedição.

A narrativa de Bonelli é extremamente fluida, o que causa espanto ao constatarmos que “Odisseia Americana” se trata de uma história publicada em 1972. O escritor trabalha muito bem o humor ao longo da trama, dosando bem seu texto, caminhando entre a leveza da aventura pueril e o peso das trágicas consequências dos atos dos personagens. A arte de Ferri obedece aos padrões estéticos da época, fazendo uso de diagramações de páginas rígidas e traços extremamente refinados e detalhados, tornando impossível passar as páginas sem se prender aos quadros para observar a precisão que a arte possui. A dramaticidade contida no traço de Ferri salta aos olhos nas sequências de mortes da narrativa, conferindo peso para os momentos tensos da história, bem como apresentando expressividade e leveza nos momentos de descontração da história.

Ao observarmos a concepção de personagem, percebe-se que Bonelli e Ferri pensaram Zagor como um típico herói clássico, tal qual Flash Gordon, Tex (criado pelo pai de Sergio, Gian Luigi Bonelli), Príncipe Valente, Tarzan etc. Com bondade, inteligência e absurdas habilidades atléticas, o herói virtuoso acaba se tornando um arquétipo comum do meio, o que torna ainda mais criteriosa a análise em cima desse tipo de personagem. Bonelli logra êxito nessa empreitada, apresentando uma excelente história de aventura com ares épicos, inserindo Zagor e sua inseparável machadinha por uma jornada de intensos percalços, nessa odisseia em solo americano.

Publicado pela Mythos, Zagor Especial 40 Anos saiu em capa cartão, contendo as já supracitadas 228 páginas em cores.

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Resenha | Sshhhh!

31 de julho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Jason, Mino, quadrinhos mudos

Sem palavras. É como Jason trabalha e é como sua obra deixa o leitor. Operando através do silêncio, o autor norueguês consegue tocar e emocionar através dos requadros de Sshhhh!, narrativa gráfica trazida ao Brasil pela Mino, em 2017.

Com um traço simples, mas não simplório, o quadrinista consegue extrair significações profundas para seus personagens e sua narrativa, navegando através das sutilezas provenientes dos gestos e das hesitações. Adepto de um estilo mais claro e preciso, influenciado pela linha clara franco-belga, Jason concebe suas ambientações de forma extremamente limpa e despojada, sem a necessidade de muito arrojo para situar sua história.

Jason monta suas páginas através de quadrados e retângulos esteticamente padronizados, mantendo uma aparente estabilidade para sua trama, cuja perturbação se estabelece a nível semântico, e não sintático.

A opção do autor por uma concepção antropomórfica dos personagens se justifica uma vez que o aspecto lúdico adquirido lhe possibilita conduzir a narrativa através de metáforas visuais poderosas, versando sobre a vida e suas inevitabilidades, exaltando a força dos momentos de silêncio na vida em si.

Os momentos de maior importância em nossas vidas acontecem no silêncio, nós passamos muito mais tempo sem falar nada do que falando qualquer coisa, e ao trabalhar com a ausência de diálogos Jason ressalta o peso daquilo que ocorre quando as palavras não estão sendo ditas.

Os animais de Jason logram êxito ao transmitir uma série de expressões da aparente inexpressividade, em uma demonstração clara da absurda competência do autor enquanto um legítimo narrador visual. Tristeza, solidão, amor e esperança são extraídas dos mesmos olhares, brancos e vazios, de cada personagem que o autor concebe.

Em Sshhhh! nos vemos diante de uma representação alegórica da vida, que através de absurdos e recursos próprios do cartum, se apresenta exatamente como ela é: uma sequência de acontecimentos imperfeitos temperados com pitadas de alegrias aqui e acolá. Ao longo de dez contos curtos, Jason pede silêncio – sshhhh! – e encaminha o leitor para essa jornada de absoluta contemplação.

O pássaro antropomorfo que protagoniza a história se vê às voltas com dilemas da vida que são comuns a qualquer um de nós, como o encontro do amor, a relação com a inexorável presença da morte, a decepção e o luto, o consolo da vinda dos filhos, de uma nova vida surgindo de si e ganhando asas para alçar os próprios voos, bem como a relação que cada um de nós trava com sua própria existência, com a passagem do tempo e da eterna busca por significação diante da árdua tarefa do viver.

É muito interessante a forma como o protagonista lida em determinado momento com a própria sensação de apagamento e inexistência diante da sociedade, em uma busca flagrante por atenção daqueles que o cercam. Jason coloca seu personagem envolto por uma série de experiências de vida das mais diversas, para então, em uma espécie de eterno retorno nietzschiano, voltar para o ninho, seu ponto de partida na trama.

A forma como o quadrinista concebe sua narrativa, tanto a níveis estruturais quanto diegéticos, é de um nível de complexidade poucas vezes visto no meio, o que potencializa os quadrinhos enquanto linguagem vasta e cujas possibilidades enquanto veículo narrativo muitas vezes são menosprezadas.

Ao abrir mão do texto, o autor norueguês manipula a atenção do leitor, deixando-o em alerta para as sutilezas que seu nanquim dispõe nos requadros, compondo uma história muda, com muito a dizer.

Com Sshhhh!, o que Jason economiza em palavras, gasta em significação.

A história em quadrinhos, publicada pela editora Mino, apresenta 128 páginas, em uma belíssima capa cartão, e é a primeira publicação do quadrinista norueguês a ser publicada no Brasil.

Compre: Sshhhh!.

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Resenha | The Fade Out

29 de julho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

crime, Ed Brubaker, Image Comics, Image., noir, Sean Phillips, The Fade Out

Ed Brubaker e Sean Phillips quando separados são brilhantes, e quando juntos são simplesmente espetaculares. De tempos em tempos os quadrinhos nos presenteiam com duplas criativas de alto calibre, como Brubaker & Phillips, Lee & Kirby, Claremont & Byrne, Miller & Janson, Vaughan & Staples, Bendis & Maleev, entre muitas outras equipes em que o talento de um não só se encaixa com o do outro como o eleva a patamares outrora inimagináveis.

Brubaker e Phillips, apesar de terem trilhado suas carreiras trabalhando para o mainstream, ficaram famosos ao embarcarem na Image Comics, pela qual publicaram obras como Criminal*, Incognito, Fatale e Kill or be killed, nas quais seus dotes de narradores criminais puderam aflorar com maestria e sem amarras editoriais. Em The Fade Out, série limitada em 12 edições e compilada em um encadernado pela Image Comics, a dupla concebe uma elaborada e inventiva narrativa de crime, discorrendo sobre intriga, inveja, fama e abuso na Hollywood dos anos quarenta, mergulhando de cabeça em um período romantizado por muitos e consagrado como a era de ouro do cinema norte-americano.

Charlie Parish é um roteirista frustrado e depressivo, que se vê preso em uma vida medíocre e fracassada, sem grande destaque, até que a protagonista do filme no qual estava trabalhando aparece morta, no cômodo ao lado do qual ele se encontrava, após uma noite de bebedeira. A pergunta que perturba Parish e o conduz ao longo da narrativa gira em torno de quem matou Val Sommers, e as respostas não são tão fáceis quanto ele esperava que fossem. Disposto a descobrir o que houve naquela noite, o roteirista parte junto de seu melhor amigo, o beberrão Gil, em busca da verdade, e daí em diante ambos mergulham nas particularidades da vida de aparências que permeia o ambiente hollywoodiano, percebendo que há muito mais em jogo do que apenas o assassinato de Sommers.

Ed Brubaker e Sean Phillips trabalham com a histeria anticomunista que dominou os EUA pós-segunda guerra mundial, espiralando os acontecimentos em um grande efeito cascata, dentro do ambiente nefasto e degradante de uma Hollywood permeada pela corrupção e pela ambição de todos que ali se encontram. Jogos de azar, apostas, disputas de ego e a busca pela fama a qualquer preço tornam o entorno do mistério pela morte de Val Sommers muito mais complexo do que Parish poderia imaginar. Atores, Diretores, profissionais de Relações Públicas, todos estão de alguma maneira comprometidos e corrompidos por um sistema que devora boas intenções, em nome do sucesso e dos holofotes. Em The Fade Out Brubaker e Phillips apresentam Hollywood em seu estado mais puro.

O traço de Phillips e o texto ágil de Brubaker se intercambiam de forma soberba, conferindo sensualidade, mistério e crueldade para seus personagens, ao passo que as cores de Elizabeth Breitweiser em muito ajudam na ambientação noir que a narrativa visual de Phillips pede. Ed Brubaker consegue, em The Fade Out, dosar muito bem os dilemas psicológicos de seus personagens com o enigma que movimenta a narrativa, tornando a Los Angeles de 1948 um organismo vivo e atuante dentro da trama, quase como um personagem propriamente dito. Nada na história é jogado de graça para o leitor, nenhuma palavra, nenhum gesto, nenhum quadro.

É interessante notarmos que “fade out” é o nome dado ao recurso cinematográfico que consiste no escurecimento gradativo da imagem até chegar ao preto total, dando encerramento a uma cena ou filme. O título da história já é um prenúncio dos autores de que nessa narrativa não há espaço para amenidades, somente para a transição crua entre atos e consequências, como num bom filme noir. Em The Fade Out, parafraseando Arquivo X, a verdade está lá fora, mas nem todos terão estômago para ir busca-la.

Um dos grandes mistérios do mercado editorial brasileiro reside no fato de que um autor do calibre de Ed Brubaker não tem seu material autoral publicado aqui no país. O espanto fica cada vez maior na medida em que a dupla empilha seis prêmios Eisners até o momento, tendo conquistado a estatueta por obras como Criminal, Incognito e pela própria The Fade Out (Melhor Nova Série em 2015 e Melhor Série Limitada 2016). Dessa maneira, só resta aos leitores da dupla acompanhar suas obras através dos encadernados importados, vendidos pela Amazon aqui no Brasil.

*Criminal é um caso à parte, uma vez que a série começou a ser publicada pelo selo Icon, da Marvel Comics, e migrou com Brubaker quando este passou a escrever para a Image Comics. Os direitos de publicação do selo Icon no Brasil eram da editora Panini, que chegou a publicar os dois primeiros arcos da série, “Covarde” e “Lawless”, mas que ficaram sem continuidade no país. Atualmente Criminal já conta com 7 volumes, 1 graphic novel original e 1 série mensal, todos publicados pela Image.

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Resenha | Homem-Aranha: Peter Parker Especial – Vol. 2

24 de julho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Chip Zdarsky, Chris Bachalo, Eisner Awards, Homem-Aranha, Marvel Comics, Michael Allred, Panini

Algumas leituras podem se iniciar de forma claudicante, crescendo pouco a pouco, até se encerrarem de forma arrebatadora. A fase de Chip Zdarsky à frente de Peter Parker: The Spectacular Spider-Man. Se no encadernado anterior o autor apresentou uma enfadonha e inorgânica aventura de viagem no tempo que culminou em uma previsível aventura distópica, neste novo volume temos uma gradativa evolução. O autor encerra seu trabalho com o Homem-Aranha em um encadernado essencialmente focado no emocional de seus personagens, na grandeza e na bondade humana.

Encerrando a modorrenta aventura futurista do volume anterior com um grande ato altruísta do herói aracnídeo, Zdarsky se desprende das amarras editoriais e investe em histórias mais dramáticas e com maior peso autoral. O escritor conta com Chris Bachalo para contar uma história sobre o Homem Areia, na qual Flint Marko se encontra à beira da morte e com perturbadoras visões de um futuro distante. A grande capacidade empática do Aranha é colocada em cena quando o herói se dispõe a cuidar do outrora inimigo, inclusive lutando por ele contra uma corrompida versão futurista do próprio Areia. A arte de Bachalo nessa história em duas partes é um deleite absoluto, contando com diagramações extremamente inventivas e soluções visuais de uma criatividade ímpar.

John Jonah Jameson, o irascível ex-dono do Clarim Diário e ex-prefeito de Nova York, passou por profundas transformações nas mãos de Zdarsky, ao enfim descobrir a identidade do Homem-Aranha. Compreendendo Peter e seus dilemas enquanto vigilante mascarado, JJ tem se esforçado para ser um homem melhor e compensar os danos que causou à imagem do Aranha ao longo dos anos. Tal mudança, contudo, não apaga muitos dos erros do passado do jornalista, o que o leva a sofrer com os ataques de um editor concorrente dos tempos de Globo Diário. A trama, desenhada brilhantemente por Michael Allred, logra êxito ao mostrar o grande coração de Jonah, tanto no presente quanto no passado, quando se mostrou disposto a ajudar um garoto do Queens cuja vida fora transformada pela tragédia com a morte do tio. Zdarsky confere camadas à personalidade de Jameson, dando ao personagem um tratamento poucas vezes dado desde seu surgimento nos anos 60.

Após boas histórias, Zdarsky encerra sua fase no título do Aranha com uma pérola que, de tão preciosa, foi indicada ao prêmio Eisner, o Oscar dos Quadrinhos. Elaborando a trama em uma espécie de documentário inserido metalinguisticamente dentro da narrativa, o autor coloca diversos anônimos sendo entrevistados e falando o que pensam do Homem-Aranha, mostrando como o herói impacta a sociedade com suas atitudes. Relatos dos mais distintos surgem, desde policiais até advogados e vendedores de rua, evidenciando as múltiplas formas pelas quais o Aranha é enxergado pela população de sua cidade. Destaca-se na narrativa a história de uma mãe cujo filho se envolve com a criminalidade e é salvo desse caminho pela influência do Escalador de Paredes em sua vida, ainda que algum tempo depois o garoto viesse a morrer, vítima dos criminosos de quem o Aranha o salvou algum tempo antes. A história, que conta com texto e arte emocionantes de Zdarsky, se encerra com um dos depoimentos colhidos nas ruas, de um anônimo Peter Parker, que sintetiza com maestria e refinamento a essência do Homem-Aranha, aquilo que faz dele um dos personagens mais amados da ficção contemporânea:

“Eu acho que o Aranha é um cara lega. Ele tenta fazer a coisa certa, e, com sorte, as pessoas acabam vendo isso. Mas… ele também é humano. Comete erros. Ele… não pode salvar todo mundo. Por isso, quando penso no Homem-Aranha… me lembro desse fardo que ele carrega. O cara segue em frente, apesar dos fracassos, sabendo que, no fim das contas, ele ajuda os outros. Faz tempo que o Aranha tá nessa, mas, quando penso nele, acho que, haja o que houver… ele nunca vai desistir”.

O conto capta com perfeição a essência do personagem, seu heroísmo e seu grande coração, e se coloca facilmente no patamar das grandes histórias do Amigão da Vizinhança, como “O Garoto Que Colecionava Homem-Aranha” e “Leah” entre muitas outras. Iniciado de forma inconstante, o volume se encerra com chave de ouro. Méritos de Chip Zdarsky.

O ponto negativo do encadernado de 148 páginas e capa cartão vai para o tratamento editorial da Panini, que escolheu a pior capa possível para o encadernado e que poderia ter dedicado um pouco mais de atenção à creditação que consta na capa, ao listar Joe Quinones (que não desenhou nenhuma edição compilada nesse volume) como parte da equipe criativa, solenemente se esquecendo de Bachalo e Allred, que de fato trabalharam no volume.

Resenha | The Wicked + The Divine – Volume 2

22 de julho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

geektopia, Image Comics, Jamie McKelvie, Kieron Gillen, Matthew Wilson, Novo Século, The Wicked + The Divine

Kieron Gillen e Jamie McKelvie conseguiram a proeza de estabelecer um universo ficcional bem coeso logo nas primeiras edições de The Wicked + The Divine. Tal mérito não pode ser esquecido, mas sim enaltecido. É de se admirar que no segundo arco a equipe criativa consiga expandir os horizontes da narrativa e inserir mais e mais viradas na trama.

O segundo volume, Fandemônio, dá sequência aos eventos de “O Ato Faustiano” e, dentro do clima de conspiração e histeria provocado pelo grande acontecimento que encerra a edição anterior, coloca a figura do fã cada vez mais no centro da narrativa. Histórias de celebridades mortas pelas mãos de admiradores fanáticos são recorrentes ao longo dos anos, tendo como exemplo maior o ex-Beatle John Lennon, assassinado por Mark Chapman em 1980.

Nesse segundo arco de WicDiv vemos Laura em busca de solução para a morte de Eleanor Rigby (AK.A. Lucifer), o que a coloca a cada vez mais em contato com as demais deidades do panteão. Divindades como Inanna, Odin e Baphomet ganham cada vez mais espaço, assim como a misteriosa Ananke. É brilhante a referência que a equipe criativa faz a Prince através de Inanna, deidade que se traja sempre de roxo e cujos poderes se manifestam sempre através de uma espécie de “purple rain”.

Investigando o atentado fatal que vitimou a jovem Lúcifer, Laura Wilson se alia a Inanna e Cassandra, para buscarem respostas, o que os leva a um maior contato com deuses como Odin, Baphomet e Dionísio. A peregrinação pelos núcleos particulares nos quais cada jovem deus habita acaba levando Laura e Cassandra por um mar de revelações e incríveis transformações, esbarrando em uma curiosa pista acerca do mistério da morte de Lúcifer.

Por trás de todo o hedonismo que circunda a vida dos jovens deuses, uma ameaça começa a ser delineada no horizonte: A artimanha Prometeu. Tratada inicialmente como uma teoria que circula nos obscuros fóruns de fãs e que paulatinamente passa a ser levada com seriedade, a ideia consiste na aquisição de poderes divinos por parte do mortal que assassinar algum dos deuses. A questão é: e se por trás de toda essa cortina de fumaça não estiver um jovem deus, desesperado com a iminente derrocada, buscando uma escapatória através da supracitada artimanha, se dispondo a matar um de seus irmãos por alguns anos a mais?

O clima de conspiração contagia a todos, levando Ananke a sair das sombras e influenciar as jovens deidades de acordo com seus próprios e secretos interesses. Baphomet, e Inanna se veem envolvidos de maneira contundente nesse jogo perigoso, sem muitas possibilidades de fuga, enquanto novas e surpreendentes divindades surgem, tornando todo o cenário cada vez mais incerto e permeado por muitas mentiras, intrigas e um grande conflito de egos.

A impressão que o encerramento do segundo arco de The Wicked + The Divine dá é de que as apostas subiram, a guerra está só começando e Ananke entrou em campo pouco disposta a perder.

Esse segundo volume da série acerta em cheio ao apresentar explicações sobre o passado do panteão, assim como progride a narrativa com agilidade e inventividade. Não dá para prever os passos que Gillen e McKelvie darão ao final de cada edição.

Publicado pelo selo Geektopia, da editora Novo Século, o encadernado de 192 páginas e capa dura apresenta qualidade ímpar, proporcionando a melhor qualidade possível para que a exuberante arte de McKelvie e as sensacionais cores de Matthew Wilson sejam apreciadas. De igual modo, o texto ágil e conciso de Gillen se encontra devidamente diagramado em página, tornando a leitura fluida e dinâmica.

Compre: The Wicked + The Divine: Fandemônio.

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Resenha | Sem Dó

28 de junho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Editora Todavia, Luli Penna, Quadrinhos Nacionais

Criolo certa vez disse que não existe amor em SP. Em Sem Dó, Luli Penna coloca essa afirmação em xeque, ao narrar a história de Lola na São Paulo dos anos 20. Moradora do Brás, a arrumadeira se vê envolvida em um romance com Sebastião, um homem misterioso, de quem pouco se sabe.

A quadrinista faz da cidade um personagem de absoluto destaque, uma vez que São Paulo e seus edifícios, bondes e trens se impõe e ganha vida em meio ao silêncio com o qual a narrativa é desenvolvida. Penna abre mão dos balões de fala e de maior expressividade nas feições de seus personagens, se utilizando de recursos do cinema mudo, ao inserir quadros pretos com as falas dos personagens ao invés do recurso balonar.

Tal estratégia torna a narrativa perigosamente fluida, requerendo maior atenção do leitor aos traços da quadrinista, para não se perder em meio às sutilezas que permeiam o roteiro da autora. Em muitas vezes temos informações contextuais sendo exibidas através de recortes de jornais da época, anúncios etc.

Sem Dó fala sobre empoderamento feminino e o lugar da mulher na sociedade, em um período de efervescência social na grande metrópole do país. O conservadorismo da época é colocado em perspectiva com os anseios por liberdade de Lola, que descobre o amor e a desilusão em seus próprios termos, contrariando os interesses dos pais em relação a sua vida.

O nanquim de Penna encontra força na aparente simplicidade das pinceladas da autora, que exibe grande apuro arquitetônico ao ambientar de forma precisa importantes edificações de São Paulo, conferindo identidade para a narrativa. A cidade pulsa nos quadrinhos, reflexo de um flagrante anseio modernista que pairava na época, em contraste com a postura conservadora das estruturas sociais.

O final amargo e trágico da história de Lola quebra a expectativa criada ao longo da narrativa, evidenciando sem dó nem piedade a forma como as mulheres se viam encurraladas diante de destinos que não lhes apraziam, sem qualquer chance de escapatória, com pouco ou nenhum controle dos rumos que tomariam em suas vidas. Lola não aceita tal sina e quebra com esse círculo vicioso, tomando suas próprias decisões e arcando com as consequências delas.

Ao final, com um epílogo nos anos 70, Penna pincela em breves quadros algumas facetas do desenvolvimento do país, bem como das liberdades individuais das mulheres propriamente ditas, em meio ao caos do engarrafado e frenético trânsito paulistano.

Em tempos de demonização coletiva do feminismo, e da necessária resistência na luta por igualdade entre os gêneros, o desfecho de “Sem dó” deixa um nó na garganta, soa como um forte soco na boca do estômago, por se mostrar incomodamente atual.

Sem Dó é a primeira história em quadrinhos de Luli Penna, cartunista reconhecida por trabalhos para a revista Piauí e para as colunas Ilustrada e Ilustríssima da Folha de São Paulo, e foi publicada pela editora Todavia em 2017, com capa cartão e 192 páginas. A HQ é uma excelente recomendação, tanto como retrato histórico de uma São Paulo menos caótica do que a atual, quanto como narrativa gráfica extremamente inventiva e instigante.

Compre: Sem Dó.

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Resenha | A Vida É Boa, Se Você Não Fraquejar

6 de junho de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Mino, quadrinhos independentes, Seth

“Cheguei à conclusão que há dois tipos de pessoas. Os bem fodidos e os totalmente fodidos” – Seth

Há certa beleza poética na melancolia com a qual Seth carrega as páginas de A Vida É Boa, Se Você Não Fraquejar. O volume reúne as edições originalmente publicadas nas edições #04 a #09 da série em quadrinhos do autor, Palookaville, bem popular durante os anos 90.

O anacrônico quadrinista canadense, de exótico estilo e um nostálgico inveterado, se insere no centro da narrativa ao desempenhar o papel de protagonista de uma insana e, à primeira vista, incompreensível busca por um misterioso cartunista dos anos 40 e 50, do qual ninguém sabe muita coisa ao certo.

Contando com seu inabalável amigo Chet para se lamentar e divagar sobre o tempo, a vida e as pessoas, Seth atravessa os anos nessa jornada em direção ao passado, encontrando nessa empreitada uma fuga de sua própria realidade medíocre e triste.

A fixação do protagonista/autor com a primeira metade do século XX se descortina ao longo da narrativa em uma verdadeira incapacidade de enfrentar os próprios problemas, as próprias imperfeições, buscando em um passado idealizado e irrecuperável uma âncora que lhe dê significado e propósito no mundo. Avesso às mudanças que a vida impõe, o protagonista se vê perdido e sem rumo, enquanto observa os anos passando e tudo à sua volta se modificando.

A busca pela história ordinária de Kalo – um cartunista canadense que logo abandonou a carreira promissora e encarou outra profissão para sustentar a família, se adequando às mudanças que a vida impôs –, acaba se mostrando um trabalho de reflexão do próprio Seth em sua relação com o passar do tempo, não rendendo qualquer clímax arrebatador, de forma que a história se finda tão monótona quanto começou.

Contudo, não se engane. Tal monotonia é um excepcional acerto dentro da composição diegética do quadrinista. O tom melancólico com o qual autor concebe a narrativa não poderia ter outro resultado senão o anticlimático final que possui. A forma como o autor aborta esse descompasso e desconforto com a vida acaba gerando certo efeito cômico, que equilibra as nuances do quadrinho, sem que este se enverede pelo dramalhão ou para o nonsense. Há muito humor por trás da aparente tristeza com a qual Seth lida na história.

A coloração amarelada das páginas, aliadas às pinceladas de azul em meio ao preto do nanquim, reforçam o desalento com o qual o protagonista se depara em sua vida. A paleta, inclusive, se assemelha em certa medida a Fun Home, de Alison Bechdel, ainda que o expressivo traço da quadrinista norte-americana em muito se diferencie da minimalista arte de Seth, que parte da inexpressividade para transpor ao máximo a indiferença e o marasmo com os quais o protagonista enxerga o mundo à sua volta.

A diagramação das páginas obedece a uma aparente simplicidade e organização fixa, sem fuga dos padrões de requadros tradicionais, exceto quando Seth entra em suas rememorações de tempos idos, contemplando seu próprio passado inatingível.

A obra se trata, dessa maneira, de uma excelente e em igual medida incômoda narrativa gráfica, com a qual Seth toca poderosamente o leitor, expondo suas incongruências particulares em uma viagem ficcional de autoconhecimento e autorreflexão, tanto para o próprio autor quanto para quem se aventure a desbravar as páginas de sua “novela em quadros”.

“A vida é boa, se você não fraquejar” saiu aqui no Brasil publicada pela editora Mino, em 192 páginas e capa cartão, em uma belíssima edição. A narrativa se insere dentro do hall das grandes histórias em quadrinhos indie dos anos 90, prato cheio para quem se interessa por narrativas que fujam do padrão publicado no mainstream.

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Resenha | The Wicked + The Divine – Volume 1

27 de maio de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Image Comics, Jamie McKelvie, Kieron Gillen, Matthew Wilson, The Wicked + The Divine

Afinal de contas, o que é imortal, morre no final? Para Kieron Gillen, Jamie McKelvie e Matthew Wilson, a resposta para essa redundante pergunta é: sim. A equipe criativa, responsável pela elogiada fase dos Jovens Vingadores no início dessa década, se reuniu novamente sob a guarida da Image Comics, em 2014, para publicarem The Wicked + The Divine, herdeira espiritual de um título anterior do trio, Phonogram, também publicado pela editora sensação da cena autoral do quadrinho norte-americano contemporâneo.

A trama de WicDiv mistura, tal qual sua antecessora, a cultura pop com mitologias das mais variadas, entregando uma sinopse no mínimo empolgante: doze deuses reencarnam nos corpos de jovens adultos do mundo todo, lhes dando poderes, carisma, adoração popular e todo tipo de prazeres pelos quais muitos dariam a vida para ter. Contudo, tudo tem seu custo, e tais bênçãos cobram seus preços de forma inexorável, uma vez que estes que são agraciados pelo destino acabam morrendo dentro de dois anos. 730 dias para se viver intensamente, sabendo de seu fatídico destino. Ser imortal, afinal, não significa viver para sempre.

Amados, odiados, com poderes inimagináveis e responsabilidades ínfimas, as deidades despertam em pleno século XXI, fazendo dos jovens escolhidos verdadeiros ícones da efemeridade millenial, inevitáveis bastiões dos prazeres dionisíacos em um mundo apolíneo, como é a sociedade contemporânea. No meio desse festival de glorificação da futilidade e do hedonismo, somos apresentados a Laura. Uma adolescente comum, mortal e fissurada com os deuses-celebridade do panteão. Sob sua perspectiva nos deparamos com todo o glamour e maravilha que envolve personagens como Amaterasu, Baal, Sekhmet e, principalmente, Lúcifer.

Como ninguém mexe com o diabo e sai impune, Laura se vê envolvida em uma conspiração que envolve misteriosos assassinatos, desconfianças mútuas e um equilíbrio prestes a ser desfeito, tal qual um barril de pólvora perto de estourar. O primeiro arco, intitulado “o ato faustiano” nos leva pelos meandros do panteão através dos olhos de Laura, partilhando de suas impressões e anseios, enquanto somos apresentados aos jovens deuses, retratados à imagem e semelhança de ícones da música mundial como David Bowie, Madonna, Florence Welch, Kanye West, Prince e Rihanna.

O trabalho de Gillen, McKelvie e Wilson carrega organicidade, fruto de uma equipe que funciona com a precisão de um relógio suíço e com o entrosamento apurado, de forma que um complementa o trabalho do outro. WicDiv não seria tão brilhante se tirássemos o texto econômico e dinâmico de Gillen, ou se deixássemos de fora a arte limpa e fluida de McKelvie, tampouco teria o mesmo brilhantismo e senso de identidade se não contássemos com as cores de Wilson.

Em The Wicked + The Divine somos apresentados a uma narrativa frenética e pulsante, que nos faz devorar página a página em busca de mais pistas para os misteriosos eventos que circundam esse ressurgimento dos deuses em pleno século XXI e sua globalização glorificada através do culto às celebridades e ao egocentrismo das mídias sociais como ferramentas de autoafirmação e identificação coletiva ao redor do mundo.

Tal qual Fausto, Laura pouco a pouco se vê enveredada em uma espécie de pacto que a leva por uma jornada de amores, intrigas e perigos em meio ao clubinho dos deuses na Terra. O primeiro encadernado tem um ritmo frenético e deixa o leitor ávido por mais pistas dos mistérios escondidos por trás de toda essa pompa e circunstância que cerca os deuses que caminham entre os homens.

Lançado no Brasil pelo selo Geektopia, da editora Novo Século, The Wicked + The Divine entrega um começo promissor para uma narrativa intrincada e intuitiva, que conta com sua belíssima arte como porta de entrada para uma trama que reflete em grande medida os prazeres e as dores da juventude atual. Contando com 160 páginas e uma belíssima capa dura, a série já teve três encadernados publicados por aqui até o momento, reunindo as 17 primeiras edições da série, que lá fora já conta com 43 edições e 6 especiais.

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Resenha | Homem-Aranha: Peter Parker Especial – Vol. 1

23 de maio de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Chip Zdarsky, Homem-Aranha, Joe Quinones, Marvel Comics, Panini

Chip Zdarsky ganhou notoriedade na indústria dos quadrinhos ao desenhar Criminosos do Sexo, em parceria com Matt Fracion, pela Image Comics (publicado no Brasil pela editora Devir). Ao migrar para a Marvel, contudo, o artista ganhou espaço também como escritor, e dentre os títulos que já assumiu na Casa das Ideias, podemos destacar Peter Parker: The Spectacular Spider-Man. O título começou a ser publicado por aqui na mensal O Espetacular Homem-Aranha #22, e posteriormente, ao chegar à fase Legado, foi segmentado em dois encadernados em capa cartão, intitulados Peter Parker Especial: Homem-Aranha.

Nesse primeiro encadernado, Amazing Fantasy, Zdarsky coloca o herói aracnídeo em uma viagem no tempo, buscando meios de impedir uma invasão alienígena possibilitada pelo vilão conhecido como Consertador. Para essa missão incomum, Peter conta com uma “equipe” exótica, composta por sua irmã Teresa Durand e seu outrora inimigo e agora aliado, J. Jonah Jameson, que nas edições anteriores do título acabou descobrindo que Peter é na verdade o herói aracnídeo que por tantos anos perseguiu.

É bem curioso ver o Peter do presente atuando junto ao Peter do passado, Zdarsky confere uma dinâmica semelhante às de sitcoms para os diálogos entre as duas contrapartes, marcando de forma bem clara a diferença de maturidade e experiência entre os dois, enquanto revisitam eventos do começo de carreira do Amigão da Vizinhança.

As tramas de viagem no tempo comumente apresentam alterações drásticas na cronologia, gerando realidades alternativas cada vez mais díspares daquelas que conhecemos originalmente, e nessa história isso não é diferente. Os atos de Jameson, Peter e Teresa acabam por modificar a forma como os fatos se desenrolam nessa linha do tempo, alterando a descoberta de Norman Osborn como o Duende Verde e sua subsequente vingança contra os Peters Parkers, além da própria percepção do jovem Peter em continuar como o Aranha, diante das perspectivas de futuro que viu em sua contraparte mais velha.

A arte de Joe Quinones é um ponto alto da HQ, trazendo em seus traços limpos e expressivos a leveza necessária para a proposta da trama. As referências visuais dentro da história são bem interessantes, como a reprodução de cenas clássicas das histórias do herói, o emprego da roupa usada por Parker na animação clássica do Aranha nos anos 90, por parte do Peter mais velho, bem como a presença de Jessica Jones como estudante do Midtown High.

Em seguida, temos o retorno de Andy Kubert à arte, na sequência que mostra o retorno do trio ao que imaginam ser seu “presente”, encontrando uma realidade bem diferente da que deixaram anteriormente. Descobrindo que na verdade retornaram para o futuro da linha temporal que haviam visitado anteriormente, os personagens se deparam com um mundo no qual Peter e Gwen são cientistas, casados e ricos, vivendo em um EUA governado por Harry e Norman Osborn. Nessa realidade, o jovem Peter cresceu desiludido com o futuro que lhe aguardava, ao ouvir uma conversa do Peter mais velho com sua irmã Teresa, e deixou de ser o Homem-Aranha.

Auxiliados pela Gwen dessa realidade, Peter, Teresa e JJJ se encontram com a “Resistência” do lugar, liderada por Steve Rogers e Stephen Strange. Desse ponto em diante a narrativa de Zdarsky entra no piloto automático, perdendo muito de seu charme inicial e enveredando por uma trama clichê e desinteressante de viagem no tempo, recuperação do heroísmo e valorização da figura do Homem-Aranha no mundo. De ponto notável dessa parte, temos apenas a aparição do uniforme usado pelo herói aracnídeo em seu jogo mais recente para PlayStation 4.

A escolha editorial da Panini mostra-se discutível, uma vez que o grande mérito do encadernado, a relação de arrependimento de JJJ em relação aos seus atos contra o Homem-Aranha no passado, acaba sendo decorrente de histórias publicadas na revista mensal do personagem, e não dentro de uma publicação própria para o título de Zdarsky. A sensação de leitura picotada será inevitável, para os leitores que não estavam acompanhando simultaneamente a revista do Cabeça de Teia.

Contendo 116 páginas, o encadernado em capa cartão apresenta uma trama inconstante, com acertos pontuais e clichês já batidos até mesmo para o cíclico universo de super-heróis de Marvel e DC. Se as primeiras edições revisitam o período áureo do personagem sob a batuta de Stan Lee, a parte final em muito lembra as batidas e fracas tramas dos anos 90.

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Resenha | Cinco Mil Quilômetros por Segundo

12 de abril de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Cinco mil quilômetros por segundo, Devir, Manuele Fior, quadrinhos europeus

As comédias românticas e os romances de folhetim nos condicionaram, ao longo dos anos, a esperar pelos coloridos e retumbantes “felizes para sempre” em suas tramas românticas. Contudo, essa expectativa esbarra na dura e cruel realidade de que nem sempre as coisas dão certo e muitas vezes pessoas que se amam seguem caminhos diferentes, sem que haja nada que possa ser feito para evitar o fim. É desse lado triste das relações que a narrativa gráfica em questão trata. Em Cinco Mil Quilômetros por Segundo, o italiano Manuele Fior versa sobre relacionamentos frustrados e a natureza caótica das conexões que estabelecemos ao longo da vida.

Atravessando diferentes períodos das vidas de Piero e Lucia, a narrativa fragmentária e dispersiva de Fior conduz o leitor pela trajetória dos personagens, passando pela infância, pelos desencontros da juventude e pela enfadonha vida adulta. Os protagonistas têm sua vida destrinchada através das páginas, em um jogo de expectativas acalentadas e subitamente frustradas pelo autor, que trafega por passado e presente na narrativa com maestria, se utilizando da paleta de cores para transmitir a sensação que aquelas memórias evocam.

Quando trabalha com o passado idealizado no qual os jovens vizinhos se conheceram, Fior faz uso de tons ensolarados, em sua pintura aquarelada, da mesma forma que a paleta azulada é empregada quando a intenção é transmitir a sensação de tristeza e frustração de Lucia, após se mudar para a Noruega, em busca de refúgio depois do término da relação com Piero. Ao mostrar que Lucia enxerga em Sven uma chance de esquecer o ex e seguir sua vida, o autor pincela as páginas azuladas com crescentes tons de amarelo, principalmente quando a amável e futura sogra Hilde aparece em cena.

Com Piero, a paleta de cores quentes se confunde com a apatia dos tons pastéis, em uma representação da fuga do jovem em busca da realização profissional no Egito, após a frustração da relação com Lucia, o grande amor de sua vida.

A abordagem do autor logra êxito ao se empenhar em mostrar seus personagens, humanos e falhos, se reinventando a partir das frustrações e revezes que a vida lhes impõe. A decisão de Lucia pelo regresso à Itália, divorciada e mãe solo, ansiando por mais um recomeço, a motiva a ligar para o ex, em busca da memória de seu antigo amor, perdido pelo tempo. Piero, já em uma nova etapa da vida e também com uma família constituída, atende a ligação e ambos trocam figurinhas sobre suas vidas até aquele momento, após anos de afastamento.

Ao se contatarem, ela de Oslo e ele de Assuão, a cinco mil quilômetros de distância um do outro, mesmo em rumos diferentes da vida, ambos restabelecem conexão com uma parte tão decisiva de suas trajetórias.

Após uma passagem de tempo de oito anos, Fior retoma os tons tristes e azulados para representar o clima melancólico no qual Lucia se encontra, envelhecida e frustrada com o rumo que sua vida tomou após o fracasso de seus relacionamentos e de sua carreira profissional. Piero, ainda casado e com filho, encontra-se bem sucedido na carreira e em sua relação conjugal, mas tendo em Lucia seu eterno amor de juventude e ponto de fuga de uma vida que muitos julgariam como perfeita.

Esse capítulo final, dedicado a mostrar o jantar dos dois ex-namorados em um breve retorno de Piero à Itália, demonstra em seus diálogos um grau de verossimilhança impar dentro das histórias em quadrinhos, ao trabalhar as perspectivas de ambos os personagens após tantos anos terem se passado desde o fim de sua relação.

A melancolia inerente ao encontro dos dois encontra seu auge na frustrada tentativa dos dois em transarem no banheiro do restaurante. O constrangimento de ambos é quebrado por uma derradeira conversa sobre pertencimento e frustrações, em uma análise franca dos personagens sobre os rumos que suas vidas tomaram e em como são, de diferentes formas, infelizes com o caminho que seguiram, encontrando um no outro a nostalgia de tempos passados, mais simples e idealizados, diante do inexorável peso do tempo e das intrincadas conexões que compõem as relações humanas.

Cinco Mil Quilômetros por Segundo se trata, dessa forma, de uma análise contundente sobre resiliência e amadurecimento pelas quais todos nós passamos em algum momento da vida, ao termos o coração partido.

Em termos técnicos, podemos tecer alguns comentários. O traço minimalista e, por vezes simplório, de Manuele Fior, é potencializado por seu deslumbrante trabalho em aquarela, criando uma ambientação confortável para sua trama. Vale também ser discutida a inventiva representação do caos linguístico na comunicação dos personagens em diferentes línguas, na qual a manutenção do idioma original de cada língua estrangeira ali falada dentro dos balões tanto gera um impacto estético interessante dentro da proposta narrativa, quanto quebra o ritmo de leitura, ao forçar o leitor a fugir o olhar dos limites do quadro para ler a tradução do que está sendo falado em cada balão.

A narrativa gráfica, premiada em Angoulême no ano de 2011, foi publicada em 2018 aqui no Brasil pela editora Devir, em capa dura, lombada arredondada e papel off-set, em 144 páginas.

Compre: Cinco Mil Quilômetros por Segundo.

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Resenha | Hellboy Edição Histórica: Vol. 10 – O Vigarista e Outras Histórias

8 de abril de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Dark Horse Comics, Duncan Fegredo, Hellboy, Jason Shawn Alexander, Mike Mignola, Mythos Editora, Richard Corben

Mike Mignola é um dos maiores autores de quadrinhos que o mercado norte-americano já gerou. Conhecido inicialmente por desenhar pontualmente para as majors Marvel e DC, o autor se viu lançado ao estrelato em 1994, ao lançar pela Dark Horse seu primeiro título autoral: Hellboy.

De lá para cá muita água passou por debaixo da ponte, e o chamado mignolaverso em muito se expandiu, tornando-se hoje um dos universos ficcionais mais coesos dentro da ficção contemporânea. O que se manteve, felizmente, é o altíssimo padrão das histórias da Magnum Opus de Mignola.

Hellboy mantém um nível de qualidade narrativa que impressiona e revigora o ânimo de seus ávidos leitores, a cada nova história lançada do personagem. Tal tradição se mantém no novo volume da coleção Hellboy Edição Histórica, publicada neste início de 2019, ano em que o personagem completa vinte e cinco anos de criação.

“O vigarista e outras histórias” reúne arcos curtos do detetive sobrenatural, ilustrados tanto por Mignola quanto por artistas do quilate de Duncan Fegredo, Richard Corben e Jason Shawn Alexander. Tudo uniformemente colorido pelo magistral Dave Stewart.

Em “O circo da meia-noite”, Mignola e Fegredo narram uma história da infância de Hellboy, na qual o garoto ainda não se vê de fato como a família do professor Travis Bruttenholm, se sentindo um estranho no ninho, sem lugar e sem destino, vendo-se na obrigação de fugir das instalações do B.P.D.P., para então se deparar com um sinistro e misterioso circo noturno. É brilhante a analogia que Mignola traça entre HB e o professor com Pinóquio e Geppetto, emulando a mesma dinâmica de estranhamento e pertencimento de duas crianças que queriam se tornar “meninos de verdade”. Dentro da linha temporal de Hellboy, essa história se mostra muito importante, uma vez que o garoto ali se depara, sem saber, com dois seres “desconhecidamente familiares”, ao mesmo tempo em que solidifica a relação paternal que possui com Bruttenholm.

Em “O vigarista”, Mignola e Corben se aventuram pelo interior dos EUA no final dos anos 50, em uma trama típica de terror, envolvendo vilarejos macabros, pactos demoníacos, bruxas maquiavélicas, igrejas sinistras e muito do tom sobrenatural característico das aventuras do personagem. É interessante a representação de Hellboy nessa trama como coadjuvante, observando mais do que agindo, enquanto recebe algumas pistas da sina apocalíptica que futuramente tanto o perseguiria. A arte de Corben é responsável por muito do aspecto perturbador e sombrio que a trama possui.

Na história curta “Aqueles que desbravam o oceano”, Mignola se associa a Joshua Dysart no roteiro, dando espaço para Alexander ilustrar uma trama deliciosa sobre ganância e loucura, envolvendo o famigerado pirata Barba Negra. Situada na metade dos anos 80, a história já apresenta Hellboy como um agente experiente do B.P.D.P., atuando junto com Abe Sapien em uma missão um tanto quanto intrincada, em busca da lendária cabeça do pirata e sua malfadada fortuna. A bizarrice inerente às histórias do HB se faz presente, ainda que o estilo da escrita difira um pouco do padrão dinâmico estabelecido por Mignola para o personagem.

O encadernado se encerra com a história “A capela de Moloch”, escrita e desenhada pelo próprio Mignola, e apresenta Hellboy às voltas com uma sinistra ameaça demoníaca chamada Moloch, que se encontra instalada em uma antiga igrejinha. Em um ritmo frenético de ação e de condução narrativa, o criador do HB mostra nessa história seu absurdo talento para contar histórias bizarras, simples e paradoxalmente densas.

O décimo volume, que contém 212 páginas e acabamento de luxo em capa dura, é o penúltimo dentro do planejamento atual do formato “edição histórica” da Mythos para o personagem, restando apenas o volume 11, “A noiva do demônio”, para encerrar essa etapa do Mignolaverso. Vale destacar o brilhante trabalho editorial feito por Fernando Bertacchini, que busca inserir sempre materiais pertinentes para a plena leitura e entendimento do universo ficcional no qual Hellboy se encontra.

Compre: Hellboy Edição Histórica: Vol. 10.

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Resenha | A Arte de Charlie Chan Hock Chye

2 de abril de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Eisner Awards, pipoca, Pipoca e Nanquim, quadrinhos independentes, Sonny Liew

De quantas maneiras pode-se contar uma história? Em A Arte de Charlie Chan Hock Chye, o quadrinista Sonny Liew, nascido na Malásia e radicado em Singapura, mostra que não existem limites narrativos quando há um domínio pleno do meio escolhido para se transmitir uma mensagem.

A partir dos olhos do fictício quadrinista singapurano Charlie Chan, Liew se propõe a contar a história política de Singapura, desde os anos 50 até os dias atuais. Criando a narrativa através de uma espécie de acervo documental da trajetória de Chan como artista de quadrinhos, o autor concebe uma espécie de metaficção historiográfica, ficcionalizando em cima de fatos da história singapurana, ilustrando passagens complicadas do processo de formação do país através da subjetividade do trabalho de um artista já idoso e reflexivo quanto a sua trajetória. Em um exercício espetacular de metalinguagem, Liew brinca com os limites entre real e imaginário, ao navegar simultaneamente pela história de seu país e dos quadrinhos propriamente ditos.

A forma como Chan escolhe para contar suas histórias, repletas de subtextos políticos e pertinentes aos delicados eventos históricos de Singapura, dialoga fortemente com a tradição dos quadrinhos ao redor do mundo. O uso de funny animals, de traços mais infantis, estilizados, variando entre histórias de selvas, guerras e até tokusatsus, evidencia uma preocupação de Charlie Chan em se mostrar versátil ao longo dos anos, na busca pelo sucesso enquanto quadrinista. De Osamu Tezuka a Frank Miller, o autor passa por diferentes estilos de traços e enquadramentos, estabelecendo diferentes níveis de percepção do trabalho, para além do campo diegético. A busca pelas referências históricas dentro da narrativa é um deleite para quem pesquisa e se interessa pelo processo de desenvolvimento dos quadrinhos em si.

Liew demonstra com esse trabalho um domínio não só artístico quanto histórico em relação à narrativa gráfica propriamente dita, fazendo uso de montagens de páginas extremamente inovadoras, emulando ao longo das páginas papéis antigos e desgastados pela ação do tempo, recortes colados com fita em páginas em branco, concebendo dessa forma a ideia de um arcaico acervo do trabalho de Chan, que dialoga com seu leitor a todo instante, enquanto comenta sua vida e obra. É interessante perceber como o autor acaba se inserindo na própria trama e fazendo de si um ator, ao “interpretar” o virtuoso Charlie Chan, empregando diferentes traços e estilos, conferindo verossimilhança para sua proposta, levando muitos a acreditarem erroneamente que existe de fato um quadrinista singapurano chamado Charlie Chan. As fronteiras entre ficção e realidade encontram-se extremamente diluídas e confrontadas, nesse brilhante trabalho de Liew.

A Arte de Charlie Chan Hock Chye rompe com as fronteiras da narrativa gráfica tradicional, tecendo um cuidadoso panorama das tensões inerentes ao desenvolvimento de Singapura, passando pelas questões de classe e pelo dualismo de um mundo fragmentado entre capitalismo e comunismo, sob o mar de incertezas da Guerra Fria.

A obra, trazida ao Brasil pela editora Pipoca & Nanquim, conta com 320 páginas em papel offset e capa dura em alto relevo. Prestigiada internacionalmente, a obra ganhou três prêmios Eisner no ano de 2017. Sua trama foge do padrão e entrega uma poderosa e metalinguística narrativa, que funciona tanto como experimentalismo estético quanto como relato histórico de toda uma nação.

Compre: A Arte de Charlie Chan Hock Chye.

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Resenha | O Relatório de Brodeck

28 de março de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Manu Larcenet, Philippe Claudel, Pipoca e Nanquim, segunda guerra mundial

“Não é trabalho de um artista dar ao público o que o público quer. Se o público soubesse o que quer, ele não seria o público, mas o artista. É trabalho do artista dar ao público o que o público necessita.”

A reflexão acima, do grande Alan Moore, é pontual e pode ser relembrada, ao final da leitura de O Relatório de Brodeck, com a substituição do termo “artista” por “editora”. Pode-se fazer tal modificação ao analisar-se o trabalho que a editora Pipoca & Nanquim tem realizado no cenário nacional, se especializado em trazer ao público brasileiro obras seminais, de altíssimo requinte estético e narrativo, que dificilmente chegariam ao país, não fosse por seu intermédio.

Manu Larcenet, adaptando brilhantemente o livro de Philippe Claudel, apresenta em O Relatório de Brodeck uma narrativa pungente sobre humanidade, alteridade e barbárie. Situada logo após o final da segunda guerra mundial, a trama acompanha o escriba Brodeck, habitante de um pequeno vilarejo próximo à Alemanha e que acaba de retornar dos temíveis campos de concentração. Após um trágico evento no armazém local, ele se vê responsável por reportar o acontecido através de um relatório, e durante as investigações acaba se deparando com o que de pior a humanidade tem a oferecer.

Ao longo das descobertas sobre o ocorrido, o protagonista percebe como a guerra mexe com as pessoas, de formas por vezes irreversíveis. A espiral de violência que perpassa o vilarejo fazem com que a perversidade e o instinto de sobrevivência suplantem a civilidade e a compaixão, de modo que a crueldade humana é a todo momento evidenciada na obra, e colocada em perspectiva por um igualmente quebrantado Brodeck.

A experiência do protagonista com a guerra é a todo momento contraposta com a dos habitantes do vilarejo, em uma análise do outro a partir da perspectiva do eu, meticulosamente estabelecida. A incapacidade do ser humano em lidar com a diferença e a abrupta guinada à barbárie por parte de pessoas outrora amigáveis são elementos contundentes e poderosos dentro da narrativa.

A escrita fragmentária do autor confunde inicialmente o leitor, de modo a emular a própria surpresa de Brodeck a partir dos fatos que se descortinam diante de seus olhos, indo e voltando no passado e no presente. A arte de Larcenet é um deleite, capturando poderosamente a escuridão e as dores dos personagens, bem como a perplexidade de Brodeck, por trás de sua aparente passividade.

Com O Relatório de Brodeck, Larcenet traz consigo uma poderosa narrativa sobre os limites da natureza humana diante de sua própria crueldade, estabelecendo uma discussão, infelizmente, cada vez mais atual.

A edição da Pipoca & Nanquim, com 320 páginas em formato widescreen, papel pólen e capa dura, contribui com a ideia de “relatório” proposta pelo título da obra, apresentando a história em quadrinhos com um requinte condizente com a grandeza do trabalho.

Compre: O Relatório de Brodeck.

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Resenha | Vagabundos no Espaço – Volume Um

25 de março de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

editora draco, Raphael Salimena, Space Opera

O arquétipo do “vagabundo” permeia as mais diversas narrativas ao longo dos anos. Desde o Carlitos de Charlie Chaplin, o Recruta Zero de Mort Walker, o Zé Carioca de Walt Disney e muitos outros, o personagem malandro, esfarrapado, paradoxal e simultaneamente sorrateiro e inocente ocupa um importante lugar nas produções ficcionais. Ao gerar humor a partir do absurdo de sua atrapalhada condução de vida e tomada de decisões, tal tipo proporciona uma imediata relação de compreensão e aceitação.

O famoso Seu Madruga, de Don Ramón, é um exemplo claro desse tipo de personagem: defeituoso e inescapavelmente cativante. Mesmo sabendo dos defeitos que possui, é difícil não se afeiçoar por ele.

No primeiro volume de Vagabundos no Espaço, o quadrinista juiz-forano Raphael Salimena (autor de Linha do Trem) nos apresenta Zix, um atrapalhado vagabundo, envolvido do dia pra noite em um reality show espacial.

Tornando-se abruptamente Capitão de sua própria nave e enviado para os confins da galáxia, Zix se depara com conflitos que em muito fogem de sua competência. Junto de Sally, a Inteligência de bordo, Zix se vê às voltas com uma misteriosa falha nos sistemas de suporte da nave, em uma bem humorada sátira das aventuras do Astronauta da linha MSP. Inicialmente estranha, a narrativa rapidamente envolve o leitor em sua absurda trama.

A arte de Salimena aposta na expressividade de seus personagens, no inventivo design alienígena e na ambientação espacial bem extravagante, utilizando cores bem vivas e chamativas, de forma bem semelhante às lisérgicas paisagens e alienígenas de quadrinhos como Projeto Manhattan e Aâma.

O visual de Zix pode ser encarado tanto como uma homenagem ao cosmonauta de Maurício de Sousa quanto como sátira aos heróis espaciais norte-americanos, como Flash Gordon, só que com zero noção do que fazer. Seu rosto quadrado emula essa imponência tradicionalizada pelas produções norte-americanas, o que gera um interessante e cômico contraste, uma vez que Zix é completamente atrapalhado e ingenuamente idiota.

A história conta com interessantes viradas de roteiro, tornando a narrativa dinâmica e inventiva, apostando nas constantes mudanças de ambientação e de tom, sem perder o humor em momento algum, construindo personagens deliciosamente esquisitos.

Salimena conduz a trama equilibrando, com competente apuração textual, uma improvável mistura de sitcom com space opera, mesclando a agilidade e timming de diálogos cômicos e a dinâmica de interação entre personagens em um ambiente restrito, com as viagens e conflitos interestelares. O autor aborda, por trás da veia cômica, questionamentos interessantes sobre inteligência artificial, sociedade do espetáculo, civilizações hipertecnológicas e a pretensão do ser humano em se ver no controle de tudo e todos. Há, nas páginas do quadrinho, um ar de completo absurdo e nonsense que, de forma paradoxal, acaba por conferir coesão à narrativa ali proposta.

O autor termina esse primeiro volume deixando pontas soltas a serem fechadas posteriormente, partindo de um começo promissor e empolgante. Vagabundos no Espaço se mostra digno de figurar entre os mais interessantes quadrinhos brasileiros dos últimos tempos, fugindo da tradicional temática nacional em refletir sobre as mazelas do país, e apostando suas fichas no campo da ficção científica, desafiando fronteiras e expandindo as possibilidades para a produção quadrinistica brasileira.

Vagabundos no Espaço – Volume Um foi publicado pela Editora Draco, em capa cartão, e conta com 104 páginas excepcionalmente coloridas, em papel couché de 115g.

Compre: Vagabundos no Espaco – Volume 1.

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Resenha | Justiceiro: No Princípio

14 de março de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Darick Robertson, Garth Ennis, Justiceiro, Leandro Fernández, Lewis Larosa, Marvel Comics, Panini

Em Táxi Driver, Martin Scorcese apresentou ao mundo o clássico Travis Bickle, ex-combatente na Guerra do Vietnã que, transtornado pelas mazelas com as quais se deparou na cidade de Nova York, acaba adentrando em uma espiral de violência e insanidade, em busca de uma “limpeza” para a cidade em que vive. Mas por qual motivo estamos falando de Taxi Driver em uma resenha sobre uma história em quadrinhos do Justiceiro? Pois bem, vamos lá.

O Vietnã representou uma derrota colossal para o orgulho norte-americano, e deixou marcas profundas nos soldados que lá serviram e conseguiram retornar para casa. O cinema e os quadrinhos muitas vezes já trabalharam a partir desse conflito, e Garth Ennis, notório pesquisador sobre guerras e reconhecido escritor de histórias do gênero, foi brilhantemente cirúrgico ao utilizar o conflito como pano de fundo para sua abordagem com o trágico e violento Justiceiro.

Capitão dos fuzileiros navais durante a Guerra do Vietnã, o veterano e herói de guerra Frank Castle retorna do conflito diferente de quando lá chegou. Há algo nele, escondido em seu interior, ansiando por violência, uma sede de sangue que em muito lhe ajudou dentro do país asiático. Em 1976, contudo, Frank Castle se depara com o evento que mudaria sua vida: a morte de sua família, durante um piquenique no parte, por engano durante uma briga de mafiosos. Ali morria Castle, espiritualmente, dando lugar para sua sede interminável e insaciável por vingança, personificada pelo Justiceiro.

Travis Bickle e Frank Castle retornam para Nova York extremamente afetados pelo que viveram no Vietnã e, por motivos distintos se colocam no papel de “agentes de limpeza”, diante do crime e de tudo aquilo que consideram errado no mundo. Contudo, se a sanha violenta de Bikle dura por um breve período de tempo, a sede de punição de Castle já dura décadas, e aí mora o cerne da tragicidade por trás da ideia do Justiceiro: Frank Castle jamais terá a expiação de seus traumas, sua família jamais voltará à vida, e sua guerra ao crime jamais terá fim. Eis um homem cuja missão jamais será completada.

Em sua batalha de um homem só, Castle se afundou em seu luto, em sua necessidade de vingança, de encontrar alguma lógica, alguma missão redentora, na trágica morte de sua amada família. Diante de todo esse caos, o homem chamado Frank cedeu cada vez mais lugar para que o Justiceiro pudesse “fazer o que tinha de ser feito”, e se perdeu de forma irremediável. O Vietnã, para Frank, jamais acabou realmente, e sua sobrevivência, sua mera existência, não tem mais sentido, senão enquanto arauto da vingança, da punição, em sua ideia distorcida de “justiça”.

À frente do título, Ennis consegue desenvolver uma proposta incomum para os quadrinhos da Marvel, ao narrar a história de Castle de acordo com a continuidade do tempo no mundo real, apresentando um Justiceiro já mais velho e cansado, após quase 30 anos de guerra sem descanso. Tal escolha narrativa do autor gera uma dinâmica excepcional para o personagem, o distanciando dos super-heróis fantasiados que permeiam o Universo Marvel regular, proporcionando uma história de teor mais adulto e sombrio.

A história contada pelo autor irlandês finca seus pés em um mundo mais realista e cruel, menos fantasioso, mas não menos violento. Sangue, balas e explosões tornam-se comuns ao longo das páginas da série, tornando familiar para o leitor o absurdo cotidiano de Frank Castle. O encadernado se inicia com “Nascido para matar”, que mostra os últimos dias de Frank no Vietnã, dando as pistas do que ele viria a se tornar, anos depois. Os dois arcos que completam o encadernado, “No princípio” e “Inferno irlandês”, mostram Frank já mais velho, envolvido em conflitos entre o governo, a máfia italiana, o serviço secreto inglês e a máfia irlandesa, em plena cidade de Nova York. Ao longo das páginas, vemos um inabalável Justiceiro, experiente e cirúrgico, mais confortável do que nunca dentro de seu papel enquanto emissário da morte na guerra ao crime.

O texto de Ennis é sensacional, pode-se dizer que o autor nasceu para escrever as histórias do Justiceiro, colocando seu conhecimento de guerra em prol da narrativa urbana do personagem e entendendo o drama inerente a Frank Castle. A arte de cada arco fica a cargo de um desenhista diferente: Darick Robertson desenha “Nascido para matar”, Lewis Larosa ilustra “No princípio” e Leandro Fernández “Inferno irlandês”. Apesar da diferença de traços, os desenhistas mantém uma sincronia ao conceberem um Frank Castle sombrio, soturno e ainda assim fortemente expressivo.

A suja, violenta e corrompida Nova York que leva Travis Bickle a sua sanguinária catarse reverbera na de Frank Castle, um soldado inabalável em sua inexpiável e trágica sina.

O encadernado de 339 páginas, publicado pela Panini Comics aqui no Brasil pela linha Marvel Deluxe, é o primeiro de um total de quatro volumes, que compilarão toda a fase de Garth Ennis à frente do título Justiceiro MAX, com acabamento de luxo. O segundo, Mãe Rússia, e o terceiro, Barracuda, também já se encontram disponíveis no mercado brasileiro, restando apenas o último para que essa elogiada fase seja concluída no formato atual.

Compre: Justiceiro – No Princípio.

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