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  • Crítica | Os Caça-Fantasmas 2

    Crítica | Os Caça-Fantasmas 2

    Depois do sucesso do primeiro filme, o mundo clamava por uma continuação de Os Caça-Fantasmas. Durante certo tempo, Dan Aykroyd e Harold Ramis, protagonistas e roteiristas do original, resistiram às pressões, principalmente da Columbia Pictures. É compreensível a relutância da dupla, pois o primeiro filme possui uma trama bem fechada e se sustentava sozinha, sem deixar espaço para sequências. Entretanto, em 1989, não só Aykroyd e Ramis voltaram, mas todo o elenco principal composto por Bill Murray, Sigourney Weaver e Ernie Hudson, além do diretor do Ivan Reitman. Entretanto, o resultado da reunião não foi dos melhores.

    O filme teve produção problemática desde o início, com roteiros sendo completamente reescritos devido a ideias consideradas não filmáveis. Além disso, havia problemas de agenda, pois os atores se consagraram ali e se tornaram figuras fáceis em produções nos anos subsequentes. Existiram conflitos criativos entre Ramis, Aykroyd e David Puttnam, então executivo da Columbia Pictures que odiava Bill Murray e pretendia fazer um Caça-Fantasmas 2 na marra. Enfim, o cenário não era nada positivo, mas a dupla de roteiristas finalmente conseguiu entregar um roteiro em 1988. A ideia era até interessante, explorar a força das emoções negativas, como elas agiriam junto ao sobrenatural e uma entidade que retiraria seus poderes dessa combinação, contudo a execução preguiçosa fez desse filme uma pálida imitação de seu antecessor.

    Ainda que tenha passado por revisões ao longo dos anos onde muitos tentam convencer que o filme não é tão ruim como pintam, principalmente se comparado ao original, o fato é que Os Caça-Fantasmas 2 realmente não é bom. Logicamente que existem alguns bons momentos, a maioria deles protagonizados por Bill Murray, mas Rick Moranis e Peter MacNicol se destacam positivamente. Dan Aykroyd e Harold Ramis se apresentam bem, assim como Sigourney Weaver, enquanto Ernie Hudson fica esquecido durante boa parte do filme, o que é um pecado imperdoável.

    O diretor Ivan Reitman até se mostra competente em algumas cenas de ação, principalmente no embate final com o vilão Vigo. Porém, mete os pés pelas mãos quando tenta fazer um humor mais voltado para toda a família, o que faz com que o sarcasmo presente no primeiro filme seja eliminado e ainda se embola ao trabalhar as alegorias e metáforas políticas inseridas no roteiro. Entretanto, acerta no trato que dá ao personagem de Murray, que apesar de não ter continuado seu relacionamento com Dana Barrett, papel de Sigourney Weaver, toma para si a tarefa de proteger o bebê Oscar mesmo ele não sendo seu filho biológico. A prova da maturidade do seu Peter Venkman vem quando ele deseja que ele fosse seu filho biológico e passa agir como alguém que pode ser um verdadeiro companheiro e também um pai. Já nas questões técnicas, os efeitos especiais são de primeira qualidade para a época, tanto os animatrônicos quanto os efeitos de computação gráfica.

    Enfim, este segundo Caça-Fantasmas tem um saldo geral mais negativo que positivo. Porém, ainda tem alguns momentos de charme que merecem ser conferidos e é possível que seu clima família consiga cativar novos espectadores, principalmente do público mais jovem.

  • VortCast 103 | Ghostbusters: Mais Além

    VortCast 103 | Ghostbusters: Mais Além

    Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira | @flaviopvieira) e Filipe Pereira (@filipepereiral | @filipepereirareal)  se reúnem para um bate-papo sobre a série de filmes Os Caças-Fantasmas, ou melhor, Ghostbusters, em especial sobre o filme mais recente. Curiosidades dos bastidores da franquia, as polêmicas do filme de 2016 e os principais acertos do novo longa.

    Duração: 64 min.
    Edição:
     Flávio Vieira
    Trilha Sonora: Flávio Vieira
    Arte do Banner:
     Bruno Gaspar

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  • Crítica | Space Jam: O Jogo do Século

    Crítica | Space Jam: O Jogo do Século

    O inicio do filme de Joe Pytka  se dá com uma conversa entre James Jordan (Thom Barry), o pai de Michael Jordan,  e o pequeno Mike (Brandon Hammond) no quintal de casa onde a família mora, no verão de 1973. O menino não consegue dormir,  então treina arremessos enquanto reflete sobre seu sonho de jogar basquete pela universidade de sua cidade, a Carolina do Norte. Entre as falas positivas vindas de seu pai, fica estabelecida a relação bem íntima entre eles. Mesmo que isso soe bobo como prólogo, era necessário estabelecer essa sensação antes de adentrar a jornada do maior basquetebolista de todos os tempos, que se encontraria nesse Space Jam: O Jogo do Século, com Pernalonga e seus amigos.

    A abertura que  toca a icônica música de Quad City DJ’s (a trilha sonora aliás, é sensacional e vendeu muito na época), repercute alguns dos feitos absurdos de MJ até aquele 1996, como o tricampeonato da NBA, a medalha de ouro com o Dream Team e o desempenho dele no basquete universitário. Isso é importante, pois embora o filme tenha o coelho da Warner, é Michael o verdadeiro protagonista. A trama não demora a ir ao espaço mostrar os opositores, que são os alienígenas pequenos, cabeçudos e fofinhos, chefiados pelo feio e grande senhor Swarckhammer, dublado magistralmente por Danny DeVito. A introdução da historia é tão rápida quando seu ritmo: se estabelece a crise de Jordan tentando jogar baseball para agradar seu falecido pai e mostra os extra-terrestres dominando e ameaçando os Looney Tunes, ao ponto deles terem que recorrer ao ala já “aposentado”.

    Pytka passou por maus bocados durante as filmagens. Coube a ele dirigir as cenas de animação, e o que se fala é que Ivan Reitman acabou interferindo demais nas cenas com atores. Para o diretor foi ate uma surpresa ter sido creditado na direção, com Reitman sendo “apenas” produtor, e a experiência foi tão ruim que e ele se afastou completamente dos holofotes cinematográficos e passou a trabalhar mais em setores de artes plásticas.

    Quanto ao filme, ele apela para um humor bastante infantil, baseado em piadas físicas que tratam Jordan como um bobo alegre, quase imbecil. Mesmo as regras básicas do Baseball ele não entende (e ele chegou a jogar o esporte no colegial). Ainda assim, o fato dele se permitir fazer piada com tudo isso é a prova do quanto ele estava dedicado. Outro fator um tanto quanto negativo é o excesso de piadas físicas com  Wayne Knight, o faz-tudo e auxiliar publicitário de Michael no Birmingham Barons. As piadas de gordo passam do limite, mas na época, funcionaram bem.

    Os personagens animados que co-estrelam o filme com MJ, só aparecem passados mais de dez minutos. Nesta parte há muita criatividade da parte do roteiro. O primeiro confronto dos aliens com Pernalonga se dá após uma viagem pelo Centro da Terra, como se fosse ali outra dimensão onde tudo é possível, inclusive animais e humanos poderem se esticar como  se fossem de borracha. A união de MJ com o coelho da Warner não é inédita, eles já se encontraram em propagandas da  Air Jordan. Essa aliás é outra marca registrada do longa, os merchandisings são tantos ao longo dos 88 minutos que chega a ser engraçado, utilizado até como piada pronta em uma conversa onde Stan (Knight) dispara o nome de quase dez marcas em um minuto.

    O roteiro é bem repetitivo, baseado demais no choque entre personagens burros e espertos, além disso há uma repetição de piadas chatas com o cachorro de Michael, além do que o draminha do filho mais velho do astro com baseball ser expositivo demais como paralelo com a geração anterior. O uso das cores e dos personagens carismáticos aparentemente já é o suficiente para entreter as  crianças, e também são suficientes para vender toda sorte de brinquedos e demais produtos.

    Há um número grande de participações de celebridades do esporte, desde os que tem seus talentos furtados (entre eles, Patrick Ewing e Charles Barkley, grandes adversários de Michael nas finais da NBA), além de Larry Bird, grande amigo seu, e dezenas de outros jogadores. Além disso, a adaptação serviu também para apresentar a musa furry Lola Bunny, a coelhinha que faz Pernalonga se apaixonar, sendo basicamente a unica que tem habilidades no esporte entre os animais antropomorfizados. Ela se tornaria tão popular que estaria em Baby Looney Tunes anos depois e até na nova série do grupo presente no catálogo da HBO Max.

    Até as possíveis fragilidades que moram no fato dos bichinhos engraçados serem na maioria pequenos para o esporte, são aproveitados para inserir o caráter lunático dos personagens, o modo como limpam a quadra por exemplo dá o tom do quão jocosa é a natureza de cada um deles, e ao menos em algum momento dezenas desses personagens aparecem para ter algum brilho. Nada se leva a sério, e isso contamina até o núcleo humano, como na icônica disputa entre Barkley  e uma menina fã dele, ao som do clássico Basketball Jones. Aliás, toda a sequência dos jogadores tentando descobrir o que ocorreu com eles é hilária e repleta de piadas internas e de duplo sentido.

    O filme é sobretudo uma peça de publicidade. Serve  bem para anunciar o retorno de Michael ao basquete profissional e também para vender produtos. Para isso ocorrer, é importante que tudo funcione, especialmente nas animações, e o trabalho de Pytka é impecável nisso. A mistura de 2d com o 3d presente no jogo final é bem fluida, e dá um ar de grandiosidade para a louca disputa em quadra. Mesmo os absurdos são ótimos e as brincadeiras com aspectos Deus Ex Machina dão ainda mais charme a obra. Nem o retorno do personagem central ao campo de Baseball em uma nave é discutido, pois tanto o publico que vê o longa como o que está no estádio já está completamente estasiado com o que MJ é capaz de fazer.

    Apesar dos muito senões, Space Jam é um filme muito divertido e curioso, causa risos nas plateias infantis e ainda serve como epitáfio da carreira de Jordan, que ainda retornaria à NBA, e ganharia mais três títulos. A adaptação consegue fazer fluir bem a mistura entre jogadores e os personagens animados, ainda que o protagonista não tenha nenhum talento dramático, resultando em uma mistura comercial muito rentável e condizente com a mitologia dos personagens envolvidos.

  • Top 10 – Especial Dia das Crianças

    Top 10 – Especial Dia das Crianças

    Conta Comigo - destaque - top 10 - dia das crianças

    O escritor tcheco Milan Kundera afirmou, em um de seus ensaios, que o passado é equilibrado por duas forças: o esquecimento, responsável por apagar os acontecimentos; e a força da memória que os transforma. Não à toa, o passado nostálgico representa esta modificação da memória. Na infância e juventude, período de vida compartilhado por todos, o passado é visto com um olhar transformador, muitas vezes melhorado pelas memórias que o deixam mais brilhante do que o tempo vivido.

    Em homenagem ao Dia das Crianças, nossa equipe se reuniu para uma lista que retorna à nossa infância e à nostalgia, relembrando filmes que marcaram nossa infância. Sem dúvida, filmes que marcam implicitamente nossa idade e a época oitentista na qual crescemos. A lista explora vertentes diferentes dos filmes oitentistas, um registro cinematográfico diferente do atual. Considerando produções juvenis ou voltadas para a família, é perceptível uma visão simultânea entre a juventude e o mundo adulto que nem sempre se molda a favor das crianças, com bandidos, tiros, problemas, vícios e outros recursos que o cinema atual evita pela polêmica. Estranhamente transformando o universo juvenil dos filmes em um universo fictício e estéril sem nenhum conflito extremo.

    Seja pelo resgate da memória ou pelo registro de um cinema diferente do atual, nossa lista ressalta obras que estiveram em nosso imaginário precoce e, de alguma maneira, se transformaram em nós. Os leitores que quiserem colaborar com esta lista nostálgica, podem acrescentar seus filmes memorialísticos nos comentários.

    Boa leitura.

    Um Tira no Jardim Da Infância (Ivan Reitman, 1990) – Por David Matheus Nunes

    Um Tira No Jardim da Infância

    Um Tira No Jardim de Infância é mais um dos filmes bizarros do diretor eslovaco Ivan Reitman. Responsável por pérolas como Os Caça-Fantasmas (as duas produções) e Irmãos Gêmeos, Reitman, de forma competente, coloca o brutamonte e astro Arnold Schwarzenegger – que até ali já tinha sido Conan, T-800, Dutch e Douglas Quaid – para dividir a tela com as mais variadas crianças, quando seu personagem, John Kimble, no encalço de um traficante de drogas, se infiltra como professor substituto numa escola de ensino infantil. Acontece que Kimble não tem nenhuma prática com crianças, mas se vê obrigado a deixar de ser o durão que sempre foi em prol do bem estar dos pequenos. O destaque fica para as várias situações constrangedoras que Kimble precisa passar junto das crianças, o que rende boas risadas. Apenas a título de curiosidade, a maioria das pessoas conhece o filme porque o viram pela televisão. A versão original legendada chega a ser bastante diferente no que diz respeito ao tom do filme (mais sério do que aparenta), além de ter algumas cenas de violência que foram cortadas na versão para a TV.

    Tuff Turf – O Rebelde (Fritz Kiersch, 1985) – Por Halan Everson

    Tuff Turf

    Com a pior trilha sonora que um filme dos 80s pode ter, Tuff Turf – O Rebelde mostra que pra ser valente contra os arruaceiros do seu bairro você apenas precisa de uma bike veloz, Robert Downey Jr no elenco, muita garra e ser o futuro astro de uma das produções para TV mais interessantes do ano. Estrelado por James Spader, essa bela obra do cinema acompanha um garoto novo no bairro e , assim como em qualquer bom faroeste, não é só questão de chegar, mas sim marcar território e mostrar que é o cara que vai mudar a parada para os fracos e oprimidos. Sem querer estragar para os interessados, ele usa muito bem a fórmula do “estrangeiro na cidade que vai conseguindo criar muitos problemas pra si”, algo que era mais comum em westerns, transpondo para um imaginário adolescente. Em parte, podemos pensar que pelo menos os protagonistas fazem jus a assistir à obra pela qualidade de seus trabalhos. Não são atuações geniais, mas nota-se que todos estão confortáveis com roupas berrantes, e muita trilha sonora sintetizada com teclado.
    Nota do autor: falei mal da trilha e a música-tema não desgruda mais da cabeça enquanto escrevo.

    Conta Comigo (Rob Reiner, 1986) – Por Flávio Vieira

    Conta Comigo - Stand By Me
    Baseado em um conto de Stephen King quase autobiográfico, Conta Comigo não trata apenas da amizade entre essas quatro crianças, mas a importância do meio onde elas estão inseridas, cada um em seus próprios anseios, incompreensões e rejeições, sejam elas familiares ou da própria sociedade. Rob Reiner, diretor do longa, não poupa seus espectadores, Conta Comigo, diferente de outros exemplares da época, não é leve ou abusa do sentimentalismo e da psicologia pop “breakfast club”, muito pelo contrário, o filme toca em temas delicados, e ao longo da trama amadurecemos com essas personagens, tudo isso no meio de desabafo, medo e, claro, muito companheirismo. “Nunca mais tive amigos como aqueles que tive aos 12 anos. Meu deus, quem é que tem?”

    Os Goonies (Richard Donner, 1985) – Por Karina Audi

    os goonies

    Dirigido por Richard Donner, Os Goonies é uma das grandes obras da infância que até hoje se mantém na memória de grande parte do público. O filme, que completou 30 anos em 2015, narra a história de uma turma de amigos (Mikey e seu irmão Brand; Gordo; Bocão; Dado; Andy e Stef), que, muito unidos, temem a separação do grupo com a mudança da casa dos irmãos devido a uma dívida. Ao encontrar um mapa que remete a um tesouro escondido há séculos, vão em busca das riquezas perdidas para evitar o fatídico despejo. Com roteiro de Chris Columbus, inspirado em uma história de Steven Spielberg, Os Goonies tornou-se um clássico cult devido a linguagem universal, aos elementos emblemáticos que agradam a qualquer criança (piratas, navios, caça ao tesouro, a luta entre mocinho e bandido) e ao carisma de seus intérpretes. A obra fala de descobertas, amizade, família e amor de uma forma tão cativante que é impossível relembrar a infância sem se esquecer dela.

    Retroceder Nunca, Render-se Jamais (Corey Yuen, 1986) – Por Thiago Augusto Corrêa

    Retrocer Nunca, Rende-se Jamais

    Explorando de maneira familiar um dos desejos presentes do imaginário infantil, de se tornar um grande lutador, Retroceder Nunca, Render-se Jamais é um tradicional filme juvenil com uma mensagem simples como fio condutor. Fã de Bruce Lee, o jovem Jason Stillwell treina arte marciais e deseja uma revanche contra um grupo que agrediu seu pai. Com a ajuda do espírito de Lee, o jovem treina e anseia por uma vingança contra Ivan Krushensky, o temido Russo. Antes de ser alcunhado como Mestre, Jean-Claude Van Damme estreou nos cinemas como este vilão caricato sem muita expressão mas com forte habilidade de luta. O tradicional maniqueísmo oitentista com vilões temíveis e heróis sempre carismáticos provocam um dualismo divertido nesta produção. Além do uso do conceito fantástico para fazer de Bruce Lee um mentor espiritual, pontuando esta história no imaginário de todo jovem que admirava o lutador e sonhava em se tornar um ninja no estilo filme americano. E, claro, imperdível por ser a estreia do grande Mestre nas telas com seu famoso espacate.

    Os Mestres do Universo (Gary Goddard, 1987) – Por David Matheus Nunes

    Mestres do Universo

    Aproveitando o sucesso do desenho do He-Man na metade dos anos 80, o único filme do diretor Gary Goddard foi um prato cheio para as crianças da época, que puderam ver uma das primeiras adaptações para o cinema de uma animação de sucesso. E coube a Dolph Lundgren o fardo de viver o príncipe de Eternia. Fardo porque, analisando e comparando-o com a animação, podemos perceber que apenas alguns personagens foram aproveitados e só. Pouco da mitologia do He-Man foi usado. O protagonista está lá apenas como He-Man. Em nenhum momento vemos o príncipe Adam, muito menos o Pacato/Gato Guerreiro. O simpático Gorpo foi substituído por um irritante goblin e o que sobrou, é justamente o destaque. Lundgren está bem caracterizado como He-Man e o momento em que profere a clássica frase “eu tenho a força”, empunhando sua espada, ainda é emocionante. O sábio Mentor e a Teela estão lá, mas quem rouba a cena é o time de vilões, composto pelos horríveis Homem-Fera, Saurod (uma versão do Lagartauro), Blade, Karg, a bela Maligna e, claro, o Esqueleto, cuja caracterização é sensacional; além de imponente, o cajado é representado pela cabeça de um bode. A versão dublada do filme é recomendada, uma vez que todos os dubladores do desenho estão lá.

    Gotcha! Uma Arma do Barulho (Jeff Kanew, 1985) – Por Halan Everson

    gotcha

    Com um elenco de desconhecidos, pelo que me recorre à mente, Gotcha! Uma Arma do Barulho acompanha a vida de um jovem azarado com as mulheres vivido por Jonathan, interpretado por Anthony Edwards (A Vingança dos Nerds) que resolve visitar Paris com seu melhor amigo para recuperar os ânimos – por que não? O que pode dar errado?. O que acontece é uma trama de espionagem internacional, com níveis de perigo à la James Bond. Fugas, perseguições, cenas de tiroteio e romance, tudo isso acontecendo com um adolescente que só queria se dar bem com as mulheres, passando a impressão que é para ser engraçado. Algumas cenas e uso de trilha sonora passam esse clima divertido e descontraído, mas não é muito difícil parar de levar a sério, principalmente no dubladão. Assim como em Tuff Turf nesse filme também temos uma péssima trilha sonora sintetizada com teclados e uma música tema que consegue ser menos grudenta que a de Tuff Turf. Um detalhe muito curioso é que Jonathan em uma determinada parte do filme sempre fala o “Gotcha” na versão dublada, e sempre pensei que era uma gafe da dublagem, mas não é… É ruim assim mesmo.

    Deu a Louca nos Monstros (Fred Dekker, 1987) – Por Flávio Vieira

    Deu a Louca Nos Monstros

    Fred Dekker, mais conhecido até então pelo seu trabalho de direção à frente do competente A Noite dos Arrepios, se reuniu com o então estreante Shane Black (Beijos e Tiros, Homem de Ferro 3) para escrever Deu A Louca nos Monstros, de 1987. O filme é um belo exemplar dos anos 80, com toda a temática aventuresca juvenil típica dos filmes dessa década. Além disso o longa-metragem é uma grande homenagem aos filmes de monstros clássicos da Universal. Repleto de efeitos práticos e um roteiro no mínimo curioso que usava uma desculpa qualquer para realizar um crossover de diversos monstros clássicos (Drácula, Frankenstein, Monstro do Pântano, Lobisomem e uma Múmia), Deu a Louca nos Monstros ainda passa longe do politicamente correto dos dias de hoje, já que é bastante comum acompanharmos crianças fumando, discutindo sobre virgindade, praticando magia negra ou mesmo utilizando armas. Uma bela homenagem ao universo de horror clássico e que ainda arruma tempo para aplicar pequenas camadas ao que em tese seria apenas um filme infantil despretensioso.

    Esqueceram de Mim (Chris Columbus, 1990) – Por Karina Audi

    Esqueceram de Mim - Home Alone

    Segundo filme de Chris Columbus, hoje praticamente ignorado pela crítica, Esqueceram de Mim foi um grande sucesso no início da década de 1990 que alavancou o sucesso de Macaulay Culkin, o qual interpreta Kevin, o garoto esquecido em casa pela família quando em viagem para a Europa no Natal. O filme foi escolhido para integrar esta lista não pelas qualidades técnicas, que fogem, por exemplo, da criatividade do diretor Columbus vista em outras produções anteriores como roteirista (Gremlins, O Enigma da Pirâmide e Os Goonies); mas sim porque é uma produção popular que simpatizou os espectadores e traduziu uma época do cinema familiar oitentista. O filme trabalha bem com o imaginário infantil de uma criança que se vê sozinha e precisa agir com maturidade sem os pais, algo que Kevin só descobre no final, quando acredita que o seu desejo, de nunca mais ver seus parentes, era apenas uma vontade infantil. Ao longo de sua jornada, Kevin luta com bandidos, supera o preconceito contra seu vizinho Marley e percebe-se um menino bom, seguindo a proposta de finais felizes dos filmes familiares natalinos. Sob uma trilha sonora do sempre genial John Williams, Esqueceram de Mim marcou época de muitos jovens, que hoje já não se veem sozinhos em casa tomando sorvete escondidos e preparando armadilhas para possíveis malfeitores.

    E.T. – O Extraterrestre (Steven Spielberg, 1982) – Por Thiago Augusto Corrêa

    Et - Extraterrestre

    Após a primeira aventura de Indiana Jones, Steven Spielberg dirigiu esta produção direcionada para o âmago familiar. Dando voz às crianças como personagens principais com direito a filmá-las em ângulos proporcionais, mais baixos do que os tradicionais, destacando-as nas cenas, E. T. – O Extraterrestre explora outra vertente juvenil focada na amizade e no mistério de seres de outros planetas. A fantasia é equilibrada tanto no encantamento da relação entre Elliott e o extraterrestre como no choque de realidade adulta quando o visitante é aprisionado pelo governo e tratado como experiência. Transitando nestes temas, a obra é sensível e evoca sentimento primordiais como a construção da amizade e da lealdade, a compreensão das diferenças e, ao mesmo tempo, demonstra a selvageria do mundo adulto em paralelo com a pureza infantil, um tema sempre presente nas obras do diretor.

  • Crítica | A Grande Escolha

    Crítica | A Grande Escolha

    Que o Super Bowl é um espetáculo, todo mundo sabe. A grande final do futebol americano é um evento de proporções gigantescas, que move uma enorme quantidade de dinheiro, para os Estados Unidos e mexe com as emoções dos ianques. O que poucas pessoas fora de lá sabem é que antes do início do campeonato existe um evento chamado “Draft Day”, no qual os 32 times que compõem a NFL escolhem novos jogadores egressos do futebol universitário. É nesse ambiente que se desenvolve A Grande Escolha. Em vez de fazer mais um drama esportivo focando uma equipe disputando um campeonato, os roteiristas Scott Rothman e Rajiv Joseph e o diretor Ivan Reitman preferiram ambientar o filme na disputa que ocorre nos bastidores do esporte.

    A trama do filme retrata a jornada do gerente-geral do Cleveland Browns, vivido por Kevin Costner, em sua jornada de negociações durante o “Draft Day”. Além de ter que administrar a parte esportiva do time, o personagem ainda que lidar com vários aspectos de sua vida pessoal, com a relação delicada dele com o novo técnico do time e também com a expectativa de toda uma cidade que sonha em ver seu time de coração de volta à elite.

    Tudo isso pode parecer monótono e formulaico, mas o diretor Ivan Reitman consegue transformar o filme em um grande show sobre os bastidores do esporte. A direção ágil do diretor, que faz um excelente uso de telas divididas, não deixa a peteca cair em nenhum momento. Momentos melancólicos e cômicos são filmados com perícia e não sucumbem ao sentimentalismo gratuito. Existe ainda uma fuga do didatismo que costuma ocorrer nesse tipo de filme. Tudo é exibido de forma que mesmo os espectadores que não são familiarizados com o esporte possam entender. Os diálogos do filme também são muito bons, principalmente nos momentos de negociação.

    Kevin Costner tem uma ótima performance no filme, e seu rosto de homem comum transmite bastante credibilidade ao papel. Seu Sonny Weaver Jr. é um personagem muito inteligente e que tem uma lábia fora do comum. O ator se equilibra bem nos momentos mais tensos e também nos melancólicos, além de fazer uma ótima dobradinha com Ellen Burstyn, que interpreta sua mãe. Jennifer Garner, responsável por interpretar o interesse romântico de Costner, se sai muito bem e foge do estereótipo de mocinha deslocada em um mundo totalmente masculino. Sua personagem transita muito bem no ambiente sem parecer forçada. Denis Leary e Frank Langella, respectivamente o técnico e o dono do time, estão competentes como sempre. Cabe ressaltar também que os amantes do esporte vão se deliciar com as participações especiais de grandes ídolos (Sim! Terry Crews já foi jogador de futebol americano e aqui está fazendo um papel sério!).

    Dinâmico e bem conduzido, A Grande Escolha é um filme que remete aos bons momentos cinematográficos de Ivan Reitman e Kevin Costner, além de mostrar para as pessoas que os bastidores de um esporte podem ser tão tensos e interessantes como uma final de campeonato.

  • Crítica | Os Caça-Fantasmas

    Crítica | Os Caça-Fantasmas

    Já se passaram 30 anos desde que esse clássico da comédia fez sua estreia nos cinemas. Fenômeno de crítica e bilheteria, Os Caça-Fantasmas é um filme que está presente na memória afetiva da maioria dos marmanjos nascidos na década de 80.

    Em uma época povoada por comédias direcionadas especificamente para adolescentes, a película dirigida por Ivan Reitman conseguiu atingir diretamente o coração de todos os públicos. A premissa do filme, simples e muitíssimo bem amarrada, retrata três parapsicólogos fracassados que, após serem demitidos da universidade onde trabalhavam, resolvem montar uma agência de caçadores de fantasmas, tal qual uma dedetizadora. Quando um ser sobrenatural chamado Zull abre um portal para invadir nosso planeta, Os Caça-Fantasmas tornam-se a nossa única esperança.

    Roteirizado pelos também protagonistas Dan Aykroyd e Harold Ramis, e dirigido por Ivan Reitman, o filme tem um ritmo ágil e empolgante. Duas sequências merecem um destaque especial: a da abertura na biblioteca, feita no melhor estilo dos filmes de suspense, com a câmera acompanhando a bibliotecária e com a tensão aumentando até a conclusão da cena; e a do hotel de luxo assombrado pelo “Geleia”. Reitman filma o despreparo da equipe sem fazer com que eles caiam no ridículo. Outro ponto merecedor de destaque é a agilidade dos diálogos, que além de espirituosos em vários momentos, são extremamente naturais.

    Inicialmente, os roteiristas queriam Eddie Murphy, John Belushi e John Candy para compor o elenco. Porém, devido à morte de Belushi e outros fatores que impediram que Candy e Murphy estivessem no filme, a equipe acabou sendo formada por Bill Murray, Ernie Hudson, Dan Aykroyd e Harold Ramis. Provavelmente, esse foi o grande acerto do filme. A química entre eles é sensacional, ainda que Hudson aparente estar um pouco deslocado em cena. Isso torna a interpretação dele bem interessante, uma vez que seu personagem só se junta ao time pelo salário. Aykroyd e Ramis estão bastante à vontade em cena e suas performances são ótimas. O contraponto do exagero do primeiro com a face sempre contida do segundo é bem engraçada. Porém, o grande show é de Bill Murray. Seu Peter Venkman é simplesmente genial. Completamente confortável no papel, o ator age naturalmente e nunca parece que está atuando. Fica a impressão de que ele está constantemente improvisando e que não possuía nenhum texto decorado. Um verdadeiro espetáculo. Sigourney Weaver, que faz a mulher assombrada por Zull e por quem Venkman é interessado, defende seu papel com competência e Rick Moranis arranca gargalhadas como seu apatetado e estranho vizinho.

    A trilha sonora de Elmer Bernstein é muito boa e ajuda a construir a atmosfera do filme. A música-tema, composta por Ray Parker Jr., marcou época e não aparenta ter a idade que possui. Quanto à cenografia, tudo é muito bem feito e os cenários são muito bem filmados pelo diretor Ivan Reitman. Entretanto, o Palácio de Gozer, apesar de ser visualmente interessante, acaba entregando um pouco a idade do filme. O mesmo acontece com algumas criaturas geradas por efeitos especiais e com a batalha final, quando a personificação de Zull tem uma aparência que remete um pouco à de David Bowie quando ele se apresentava como Ziggy Stardust. A fumaça de gelo seco no cenário ajuda a piorar um pouco a situação. Já o boneco Stay Puft não ficou velho e funciona bem em cena até hoje.

    Ainda que pareça datado em alguns momentos, principalmente quando faz grande uso de efeitos visuais em cena, Os Caça-Fantasmas ainda é um filmaço, e 30 anos depois, ainda é garantia de diversão. Não à toa, sempre figura nas listas das melhores comédias de todos os tempos.

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  • Crítica | Jovens Adultos

    Crítica | Jovens Adultos

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    A comprovação do talento de Jason Reitman, ou uma fortuita sorte, se deve ao fato de que seus três primeiros filmes – únicos, até então – são excelentes longas metragens. Histórias que mesmo em retratos diferentes equilibravam-se no drama cotidiano.

    Em seu quarto filme da carreira, Jovens Adultos, Reitman retrata a problemática de adultos que, mesmo em uma idade madura, não saíram da fase adolescente. Seja pela negação de responsabilidades ou pela incapacidade de assumir sua maturidade.

    Mavis Gary é uma escritora de uma série de livros para adolescentes frustrada com sua própria vida. Ao receber um convite em comemoração ao nascimento do filho de um ex-namorado, decide retornar a cidade onde foi criada com o intuito de tentar reconquistar seu grande amor do colegial.

    Reitman sempre dedicou seu olhar a personagens imperfeitas de alguma maneira. O vendedor de cigarros que não se importa com as perdas humanas de seu trabalho, a adolescente que engravida sem a verdadeira percepção do fato, o homem que se sente confortável somente em aviões. Dentro das personagens aquebrantadas trazia a tona um elemento humano primordial que identificava o público.

    A concepção infantil de Mavis chega a afastar de assustadora. Retira um elemento carismático de personagens anteriores pois explicita a frivolidade. Causa desconforto e não gera uma reflexão mais profunda como, até então, trabalhava o diretor, pois não há razão para o vazio da personagem além da negação de seu próprio fracasso.

    Ao retornar a um instante anterior de sua própria vida, a escritora aos poucos percebe sua anacronia. Mas a composição de tal sentimento soa tão em descompasso que sua história chega ao fim sem identificar de fato sua mensagem. Se é que há uma.

    Talvez desejando que dentro e fora de sua história existisse um vazio, a roteirista Diablo Cody – em seu quarto roteiro de longa metragem – tenha falhado na mensagem. A sensação é de que o material bruto continha uma história com mais força daquela que foi contada. Mas que não deixa de destacar o talento que, além de Reitman, a roteirista tem em explorar singularidades que abalam a todos.