Festival do Rio 2018 – Página: 3

Festival Do Rio 2018 | Balanço Geral – Parte 2

14 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Festival do Rio 2018

E continuamos a catalogar os filmes vistos e cobertos no Festival do Rio, em breve mais textos sobre os mesmos, e outra abordagem sobre a repescagem.

–

Belmonte (Federico Veiroj, 2018)

Divertido e direto, Belmonte é um filme sobre um artista genioso e antissocial que esconde suas carências atrás de uma personalidade antipática. O personagem principal é sobretudo um homem comum, que por acaso tem um talento enorme e que não sabe harmonizar os aspectos dissonantes da sua vida.

Raiva (Sergio Tréfaut, 2018)

Produção portuguesa, em estilo western que fala sobre família, miséria e fome. Tem seus momentos de violência, mas é bem comedido nas partes onde os elementos de gênero são levantados. Bom filme.

Relatos do Front (Renato Martins, 2018)

Documentário ao estilo televisivo, sobre a calamitosa situação de segurança no Rio de Janeiro, que dá voz a quase todos os lados, inclusive à própria polícia. Faz um quadro bem detalhado a respeito de como os governadores fluminenses trataram a questão de guerra do tráfico.

A Casa Que Jack Construiu (The House that Jack Built, Lars Von Trier, 2018)

Filme imediatamente posterior a Ninfomaníaca – Volume 1 e Ninfomaníaca – Volume 2, bastante achincalhado por parte da crítica e com momentos realmente grotescos, mas longe de ser um filme ruim, possui grandes momentos e funciona como uma boa análise do modus operandi de um psicopata.

O Favorito (The Front Runner, Jason Reitman, 2018)

Filme acertadíssimo de Jason Reitman sobre a moralidade e hipocrisia na vida política dos Estados Unidos, onde Hugh Jackman traz uma performance madura e econômica. Há elementos que aproximam o filme de Alan Parker e Alan J. Pakula, Todos os Homens do Presidente, mas o longa tem sua própria identidade.

Vox Lux (Brady Corbet, 2018)

Tem um início divertido e um meio e final que é um final arrebatador e engraçado ao extremo. Repleto de camadas que mostram o drama de uma menina com um início de puberdade conturbado e que acaba se tornando uma diva mimada e maluca. Um filme escrito e realizado para Natalie Portman brilhar.

Um Elefante Sentado Quieto (Da Xiang xi di er zuo, Hu Bo, 2018)

Conhecido por conta de um motivo extra-tela de cinema – o diretor se suicidou antes dele estrear – o filme é uma contemplação de vidas destroçadas pela modernidade estabelecida no século XXI, e mostra pessoas destruídas pelo sofrimento, infelizmente, comum à vida de muitos proletariados e marginalizados.

O Que Você Ira Fazer Quando o Mundo Estiver em Chamas (What You Gonna do When the World’s on Fire?, Roberto Minervini, 2018)

Filmaço que mistura a realidade documental com um pouco de drama ficcional. Filme extremamente assertivo e que dá voz para quem normalmente não tem, além de ser muito bem filmado e editado.

Morto Não Fala (Dennison Ramalho, 2018)

Primeiro longa do diretor e uma surpresa maravilhosa. Apesar de tropeçar em alguns problemas com efeitos especiais e de se valer de fórmulas convencionais hollywoodianas para fazer seu terror, é muito acertado, com boas atuações que driblam o over acting. Acertado demais.

No Portal da Eternidade (At Eternity’s Gate, Julian Schnabel, 2018)

Melhor filme do festival. Willem Dafoe dá vida a Vincent Van Gogh de uma maneira muito inspirada e delicada, e o quadro que Schnabel pinta é bastante tocante e sentimental. O mais impressionante é o retratar da arte do pintor e a forma como ele se inspira.

Domingo (Clara Linhart, 2018)

Bom e divertido filme nacional, que se vale de uma fórmula bastante utilizada no cinema europeu, como O Verão de Skylab, onde uma família se reúne para um dia festivo para resolver todas as suas histórias e atritos comuns. Tem um elenco global e estrelado, com destaque para Augusto Madeira e Camila Morgado. Uma experiência divertida.

El Ultimo País (Gretel Marin Palacio, 2018)

Documentário sobre Cuba, que demonstra que a tradição de discussão política do povo que o permite ter opositores mesmo diante de um regime pretensamente autoritário. O grave problema é que o filme soa isento demais, já que a diretora parece ter medo de assumir um lado.

Tinta Bruta (Marcio Reolon e Filipe Matzembacher, 2018)

Filme sobre descobertas e sobre a sobrevivência de jovens excluídos. Extremamente delicado e pessoal, dirigido pela dupla que fez Beira-Mar. O filme ainda conta com uma brilhante performance de Shico Menegat, um rapaz deslocado e carente que busca viver apesar dos graves problemas que ele tem consigo e com os outros.

Azougue Nazaré (Tiago Melo, 2018)

Filme pernambucano engraçadíssimo e inteligente em seu formato. Põe em cheque o Maracatu e a religião evangélica, se valendo de muitos dos clichês dessa crença. Os atores estão soberbos e a direção de Tiago Melo é mais do que acertada.

Simonal (Leonardo Domingues, 2018)

Ficção convencional no formato biografia cinematográfica da Globo Filmes. Vale por Fabrício Boliveira, que consegue dar uma boa versão ao mito que era Wilson Simonal, e claro, pela direção de arte que consegue reconstruir os anos de auge do cantor que encantou o Brasil.

Peterloo (Mike Leigh, 2018)

Drama de época que causa um pouco de enfado em quem vê, mas que mostra de maneira sóbria como as autoridades esmagavam o trabalhador, sem qualquer receio de oprimir seu povo, já que eles não eram nada mais que um número para a maioria deles.

Amanda (Mikhael Hers, 2018)

Gratíssima surpresa do festival, filme francês que parecia escondido na programação e que causa sensações bem extremas em quem assiste. Os personagens são simplesmente apaixonantes.

White Boy Rick (Yan Demange, 2018)

História real bastante agressiva e muito bem interpretada apesar de alguns muitos exageros em tela. Mostra bem como a corda sempre arrebenta para o lado mais fraco quando ocorre uma queda de braço entre autoridades e pobres. Incrivelmente emocional e sufocante.

Se a Rua Beale Falasse (If Beale Street Could Talk, Barry Jenkins, 2018)

Mais uma obra seminal de Barry Jenkins, mostrando as dificuldades e mazelas tão comuns a vida dos afro-americanos de Nova Orleans. Certamente um filme imperdível em especial pela ternura com que ele trata um tema tão pesado e sensível quanto esse.

Entrevista | Alice Riff, diretora de Eleições

13 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Alice Riff, Festival do Rio 2018

Durante o Festival do Rio tive o prazer de assistir Eleições, filme de Alice Riff, que desdobra o cotidiano do período eleitoral do grêmio estudantil de um colégio em São Paulo. A diretora, do também pontual Meu Corpo é Político, conversou conosco e você confere abaixo.

–

Vortex Cultural: Eleições é um filme em que as meninas e meninos sãos os próprias porta-vozes da sua vontade, quase não parece que houve qualquer indução a respostas de quaisquer tipos dentro das falas expostas. Como foi o processo da captura dessa opiniões? Houve algum tipo de preparação dos entrevistados ou vocês fizeram “apenas” o registro das falas dos alunos?

Alice Riff: Foi uma construção que foi primeiro, conversando com eles explicando a proposta do filme e a dinâmica, aos poucos a equipe e os alunos foram se entrosando. Ficamos um tempo grande – 3 meses filmando –, mas desde o começo eles entenderam a proposta, como se fosse um jogo e eles entenderam bem as regras desse jogo. E nós falávamos com eles que “quem sabe melhor o roteiro de uma eleição de um grêmio são vocês (os alunos)”, a gente tinha um pré-roteiro e adaptávamos o texto a medida que as coisas aconteciam, e as coisas foram caminhando dessa forma. A maioria das cenas nós não regravamos, foram bem poucas. O filme parte de acreditar no potencial daqueles alunos e também de deixar livre para saber para que lado eles iriam nos levar.

Vortex Cultural: Seu filme conversa muito bem com o período de 2018 e com as eleições que correram o país. São Paulo tem tido infelizmente uma tradição de governos à direita, sobretudo no governo do estado, além de uma votação expressiva para Jair Bolsonaro no posto presidencial. No que se vê no filme, não há qualquer menção a político ou partidos, mas quando houve a captura das imagens para o filme existiu discussões dos alunos em quem eles votariam ou campanha mais aberta a qualquer candidato?

Alice Riff: Foi filmado no começo desse ano, tem até referências a Marielle (Franco, vereadora do PSOL-Rio assassinada durante a Intervenção Federal no estado fluminense) no filme. Os alunos falavam dos candidatos que eles gostavam, mas eu não quis fixar nos adolescentes nem preferência por candidatos e nem por posicionamento político. A construção foi a de entender a personalidade e individualidade daquelas pessoas, e o quanto que isso entra na escola. Há inúmeros indícios de referência, desde gente se inspirando em Marielle até a bancada ruralista/evangélica. De uma maneira sutil e responsável a gente tenta construir um perfil do adolescente, mostrando eles agindo naturalmente, às vezes replicando atitudes de grupos ou partidos. O interesse era entender como todas essas vozes se articulam, dialogam e debatem. Acho que fica até um pouco claro as preferências político-partidárias de cada um.

Vortex Cultural: Aconteceu alguma interferência ou intervenção de pais de alunos, professores, diretores ou mesmo de movimentos como Escola Sem Partido durante o decorrer das gravações?

Alice Riff: Nós passamos três meses na escola, quando os pais não queriam que os filhos participassem eles não participavam, foi tudo conversado e nós fomos nos adaptando com as possibilidades. O Escola Sem Partido é inclusive citado pelos alunos e Eleições se posiciona contra esse tipo de projeto, porque se já estivesse ocorrendo, o filme não poderia ser feito, pois ele trata de coisas como esse processo todo ajuda o aluno a entender o mundo, pois não se aprende somente em sala de aula, mas também em debates como os que ocorriam pela eleição do grêmio. Desenvolve oratória, argumentar e contra-argumentar, olhar para a escola de outro jeito, são aprendizados muito importantes para quem está no ensino médio, sobretudo para que as pessoas vivam bem em sociedade, e toda essa cultura o Escola Sem Partido tiraria.

Vortex Cultural: Há um trecho em que uma das chapas se assume abertamente como cristãos evangélicos. No Rio de Janeiro, há um prefeito bispo (Crivella), dois senadores evangélicos recém-eleitos (Arolde de Oliveira, dono da maior gravadora gospel do país, e Flávio Bolsonaro), além de uma bancada cristã muito forte. Como você vê essas ligações?

Alice Riff: Eu acho o seguinte, o Brasil passou por uma melhora econômica da classe trabalhadora, por conta dos governos Lula e Dilma, mas também houve um afastamento. As pessoas que se aproximaram do povo não foram as forças políticas, e sim as igrejas, em especial as neopentecostais, então elas associam o aumento de renda, poder aquisitivo e/ou o fato de adquirirem bens de consumo as igrejas e não aos programas sociais e avanço econômico-social do país. É uma luta nossa resgatar essas pessoas, e existem várias igrejas, não há somente igrejas que estão lá para arrancar dinheiro dos fiéis, há gente séria. É verdade que há muito gente intolerante nesse meio religioso, mas o que o filme faz é se aproximar, olhar e colocar tudo isso em diálogo. Uma doutrinação religiosa, se existe, há também outros espaços que esses jovens tem de ouvir, desde pais, professores, televisão, youtubers que eles gostam… tudo isso ajuda a moldar a cabeça desses jovens, e por isso é importante que a gente exista e gere discussões e mais discussões, porque o jovem não me parece não ter inteligência para ser facilmente manipulado como gostam de falar. Muitos adolescentes não vão à igreja que os pais frequentam, tem até no material gravado do filme mas que não ficou no corte final, onde um menino se recusa acompanhar sua mãe e ela o respeita. Mas é claro que há uma ascensão muito grande e a gente precisa entender porque esse discurso é tao doce a elas naquele momento, até para resgata-las. Será que elas realmente estão felizes ali, será que elas tem noção de que é uma ilusão?

Vortex Cultural: O filme tem previsão de estreia para o grande circuito?

Alice Riff: Estreia em março do ano que vem, bem no período de volta às aulas. A ideia é que nós circulemos em escolas, cineclubes e igrejas, para espalhar a palavra.

–

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram.

Crítica | Vidas Duplas

13 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cinema Francês, Festival do Rio 2018, Guillaume Canet, Juliette Binoche, Olivier Assayas, Vincent Macaigne

A filmografia de Olivier Assayas tem sido muito prolífica, recentemente pelo menos, já que tem lançado filmes com um intervalo de tempo cada vez menor. Após Acima das Nuvens e Personal Shopper, o cineasta traz à luz Vidas Duplas, um exército que eleva a metalinguagem da arte a um nível bastante alto.

O filme, premiado no Festival de Toronto mostra as agruras do editor Alain (Guillaume Canet), que tenta se adaptar a um novo momento da forma de ler, com o crescimento do mercado digital e de e-pubs. Ao mesmo tempo ele conversa com um autor que já trabalha a tempos com ele, Léonard (Vincent Macaigne), um sujeito inseguro, dúbio em caráter e que ainda consegue ser carismático apesar de tudo isso. O ponto de partida da conversa de ambos é a recusa do manuscrito de Léo, fato que faz o editor parecer cruel e mesquinho enquanto o escritor parece um coitado injustiçado, mas esses papéis são invertidos e subvertidos ao longo do filme.

Carente, Leonard busca alívio em sua parceira Valérie (Nora Hamzawi), uma mulher bem diferente dele, bastante refém da tecnologia e de aparelhos eletrônicos. A recusa da palavra de acalanto não cai bem em si e fere sua vaidade, e essa parte do filme é pródiga em mostrar qual é o caráter da história que Assayas propõe, pois esse é um filme-diálogo, onde os personagens gastam seu tempo e energia discutindo acaloradamente sobre os mais diversos assuntos e nessa revelação de pontos de vistas se nota um bocado do caráter e ideologias de cada um.

Pirataria de filmes e a democracia da arte, desdém pela tecnologia e a quem depende dela para tudo são só alguns dos temas abertamente falados, mais um especial é mais importante e certeiro, que é a privacidade de quem se relaciona com os contadores de história – exemplificado aqui por Léo e seus livros – e até onde se estende a dicotomia entre personagem inspirado em alguém e a pessoa real. Toda a discussão travada na frente das câmeras (e iniciada em fóruns na internet) sobre a ética envolvendo a romantização de fatos que ocorreram realmente é muito bem exemplificada, apesar do exemplo ser elemental e óbvio demais. A cena em questão soa panfletária, mas o roteiro não é preguiçoso e desenvolve isso depois.

Há uma fala bem icônica da personagem de Juliette Binoche, a atriz Selena, sobre esta questão de auto-ficção praticada pelo escritor. Ela pede ” por favor não faça um livro sobre isso”, se referindo a um fato sobre os dois, e em atenção a outro momento de ambos que tiveram em um de seus livros. A construção de personagem em cima de Leonard é muito rica, pois ao mesmo tempo em que o espectador é levado a ter dó no começo, se percebe que ele usa até seu complexo de inferioridade para manipular os que estão ao seu redor, normalmente barganhando até com seus segredos íntimos. O sujeito é ruim, mas não em essência, ele não é maquiavélico, é só atrapalhado e tem sua criatividade viciada em acontecimentos autobiográficos.

Há em Vidas Duplas uma política do desconforto muito presente, em especial perto do filme acabar, onde alguns microcosmos antes distantes finalmente se juntam e tem chances reais de confronto. O final faz o espectador se afeiçoar pelos personagens, sobretudo por Leonard, por mais idiota que ele o seja. A percepção da resultante da obra é que o conjunto de pessoas mostradas em tela são reais em falhas e em virtudes e isso é algo difícil de mostrar em um filme.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Critica | Relatos do Front

12 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cinema Brasileiro, Documentário, Festival do Rio 2018, Renato Martins

Sem qualquer introdução ou explicação prévia, Relatos do Front, de Renato Martins começa mostrando pessoas comuns aguardando um tiroteio acabar. A parte lamentável desse registro é que ele poderia se passar na maioria esmagadora dos arredores das favelas do Rio de Janeiro, ou seja, o caráter da denúncia que é proposta no filme é universal.

O longa conta com entrevista de intelectuais, como o escritor Jesse Souza, a antropóloga Jacqueline Muniz, e André Batista, que colaborou com o roteiro de Tropa de Elite, e todos eles colaboram muito para o conteúdo final. Há uma fala, de Beto Chaves, atual inspetor da polícia bastante forte. Ele afirma que a carteira da polícia, para o agente da lei, é quase como um atestado de óbito ambulante, qualquer bandido que a veja simplesmente o assassina. Ele faz uma comparação de que o o treinamento para que se proteja as vidas da população não podem ser tranquilos, uma vez que eles tem que lidar com uma guerra urbana diária. Ele também diz que não é um capitão do mato moderno, mesmo que as favelas pareçam uma atualização dos quilombos. Para Chaves, o problema não é só da polícia, a violência com que agem os agentes da Lei é um reflexo da sociedade, já que todos os agentes provém desse mesmo meio social, e não de um lugar isolado.

A sucessão de poder no governo do estado do Rio de Janeiro foi sempre recrudescendo, se tornando mais violenta. Leonel Brizola tratava como questão de humanidade o combate a criminalidade, mas seus sucessores tinham e tem discursos agressivos contra o poder paralelo, e isso é mostrado numa montagem muito inteligente que reúne essas falas e denuncia a forma tacanha de pensar a segurança pública, oprimindo o pobre ao invés de ir atrás do que origina o tráfico.

Apesar da abordagem televisiva do longa, Relatos do Front é certeiro em tentar causar tanto comoção como reflexão sobre como o Rio de Janeiro chegou ao estado de guerra urbana, apontando dedos certeiros aos governantes que causaram o agravamento não só da guerra às drogas, mas também aos que assistiram de camarote o crescimento das milícias. Não se subestima a capacidade nem de pensar e nem de agir dos policiais, tampouco se demoniza ninguém. Essa opção de pontuar todas as complexidades desse cenário é muito bem exercido, abrindo ao público sua própria conclusão.

–

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Festival Do Rio 2018 | Balanço Geral – Parte 1

11 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Festival do Rio 2018

Esse ano o Festival do Rio foi menor, lançado em novembro ao contrário de sua tradição de ocorrer nos meses de outubro. O número de filmes também foi reduzido em relação aos anos anteriores, ainda assim com uma seleção bastante interessante, não só por parte dos filmes estrangeiros como também do próprio circuito nacional.

Meu Nome é Daniel (Daniel Gonçalves, 2018)

Documentário autobiográfico, o filme de Gonçalves é extremamente inspirador e econômico, mesmo ao falar de histórias tão difíceis da vida do personagem retratado. Conversamos em uma entrevista com o diretor, onde o cineasta fala a respeito do processo de realização do documentário.

Torre das Donzelas (Susanna Lira, 2018)

Ponto alto da filmografia de Susanna Lira, o documentário investiga a história das mulheres que foram presas no lugar que dá nome ao filme. Também entrevistamos a diretora, onde ela fala sobre um pouco sobre a produção e as dificuldades de fazer seu filme, que por sua vez, é bastante emotivo e profético.

Ilha (Ary Rosa e Glenda Nicácio,2018)

Longa brasileiro que mostra uma história inusitada que envolve rapto, abuso, síndrome de estocolmo e um amor bastante confuso. É ligeiramente melhor construído que o último filme da dupla Ary Rosa e Glenda Nicácio (Café com Canela), mas simplesmente não justifica o prêmio de melhor roteiro (Festival de Brasília) para o Rosa, assim como foi com o filme anterior nos festivais por onde passou.

As Viúvas (Widows, Steve McQueen, 2018)

McQueen volta em um filme com roteiro de Gillian Flynn. Belíssimo thriller que mostra mulheres que se recusam a ser vítimas da sociedade e do meio que as cerca, tomando para si o ofício de seus falecidos maridos. Viola Davis dá um show de atuação.

Eleições (Alice Riff, 2018)

Documentário sobre as eleições do grêmio estudantil de uma escola de São Paulo. Comandado por Alice Riff, a mesma de Meu Corpo é Político, bastante diferente desse mas igualmente certeiro dentro da proposta de mostrar paralelos com a vida político-eleitoral brasileira.

Socrates (Alex Moratto, 2018)

Filme suburbano e periférico, feito por aspirantes a arte cinematográfica, é uma jornada bastante confusa do protagonista, descobrindo a vida, os sentimentos e as necessidades básicas. Bastante emocional e belo.

Humberto Mauro (André di Mauro, 2018)

Documentário sobre o cineasta Humberto Mauro, feito por um aficionado por seu cinema. É claramente um produto feito para quem já conhece a carreira de Mauro. Tem bons elementos, mas acaba sendo bastante voltado aos conhecedores da filmografia do biografado.

A Costureira de Sonhos (Sirm, Rohena Gera, 2018)

História sobre uma empregada indiana que descobre seus sonhos ao se aproximar do seu patrão. Apesar dos clichês iniciais de contos de fada, toca em assuntos polêmicos e discute os detalhes da sociedade da Índia, separada muitas por vezes por castas e classes muito bem definidas.

Miriam Mente (Miriam Miente, Natalia Cabral, Oriol Estrada, 2018)

Grata surpresa do cinema da República Dominicana, mostra o dia dia de meninas adolescentes que vivenciam a puberdade sem grandes pretensões, ao mesmo tempo em que desenha um cenário bastante hostil às pessoas negras, onde os preconceitos se afloram. Exibido na semana da Crítica de Cannes.

Obscuro Barroco (Evangelia Kranioti, 2018)

Documentário focado em Luana Muniz (in memorian), a mulher responsável pela frase “travesti não é bagunça”. Tem a intenção de ser um evento sobre a cidade do Rio de Janeiro também, mas soa pretensioso demais em quase tudo que expõe.

O Peso do Passado (Destroyer, Karyn Kusama,2018)

Filme de ação de Karyn Kusama, onde Nicole Kidman brilha bastante, mas ainda assim não foge da mediocridade de sua carreira. Vale pela violência explícita e certamente estará nas sessões futuras do Supercine nos sábados a noite.

Deslembro (Flavia Castro, 2018)

Ficção de Flavia Castro, a mesma diretora de Diário de Uma Busca. É bonito, terno e poético ao falar de uma família em crise que retorna ao Brasil nos anos de chumbo. É (infelizmente) bastante atual e tem atuações soberbas vindas de um elenco não tão famoso, exceção é claro a Eliane Giardini e Jesuíta Barbosa.

A Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos (João Salaviza e Renee Nader Messora, 2018)

Bela ficção em coprodução Brasil/Portugal. Protagonizado por índios e quase todo falado pelo dialeto deles. Mostra o quanto o homem branco ainda trata mal os nativos brasileiros, além de ter um roteiro carregado de poesia.

Vidas Duplas (Doubles Vies, Olivier Assayas, 2018)

Olivier Assayas fala de muitos temas através da vivência super atrapalhada dos seus personagens carismáticos, em um filme que apesar de não ser exatamente cômico, soa como uma comédia de erros que acerta em praticamente todas as piadas que faz, ainda traz um elenco afiado e que dá importância aos dramas pequeno burgueses de seus personagens.

Grass (Hong Sang-s00, 2018)

Mais uma vez Sang-soo faz um filme de diálogo, dessa vez metalinguístico, ao mostrar uma escritora observando personagens avulsos conversando sobre suas vidas. Traições, ciúmes, amargura e ressentimento permeiam a história do longa coreano.

Rogéria: Senhor Astolfo Barroso Pinto (Pedro Gui, 2018)

Mistura de documentário e ficção que reverencia demais a artista e pessoa de Rogéria, que infelizmente se foi antes do filme estar terminado. Apesar de alguns percalços o filme soa emocional e uma ode à figura da artista.

Tyrel (Sebátian Silva, 2018)

Mostra a vida de Tyrel, vivido por Jason Mitchell, um rapaz que vai a uma viagem com um grupo de amigos e percebe o quão infantis, preconceituosos e impulsivos eles são. Causa um incômodo tremendo, e muitas pessoas o compararam a Corra!, ainda que as semelhanças entre eles se deem apenas na discussão racial.

Uma Noite Não é Nada (Alan Fresnot, 2018)

Protagonizado por Paulo Betti, mostra o dia a dia de um professor com uma vida pacata e monótona e tem isso mudado com a chegada de uma aluna fogosa e de passado e presente misteriosos. Fresnot apresenta uma história pouco convencional e que tenta chocar o tempo todo, mas nem sempre consegue esse intuito, soando sensacionalista a maior parte do tempo.

Operação Overlord (Overlord, Julius Avery, 2018)

Divertido filme de ficção cientifica e terror sobre a segunda guerra, que exagera algumas verdades a respeito das experiências cientificas dos nazistas nos judeus. Tem muito gore e elementos das histórias em quadrinhos e videogames. Bastante parecido com a estética de filmes de J. J. Abrams e Peter Jackson.

A Valsa de Waldheim (The Waldhaim Waltz, Ruth Beckerman, 2018)

Documentário forte, que fala a respeito da jornada de um ex-presidente carismático antes dele chegar ao posto de comandante em chefe, onde se levanta o seu passado como suposto soldado nazista na Áustria. Tem conexões muito fortes com um político brasileiro recém-eleito e causa um certo embaraço em quem assiste, também pela apreensão externa ao filme.

Crítica | Eleições

10 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Alice Riff, Cinema Brasileiro, Documentário, Festival do Rio 2018

De Alice Riff, mesma diretora de Meu Corpo é Politico, o longa-metragem documental Eleições mostra a rotina da Escola Estadual Doutor Alarico da Silveira, no centro de São Paulo, mais focalizada nas falas dos alunos do ensino médio que se encaminham para um simples pleito do grêmio estudantil, e nesse ponto se vê como a aproximação do período de candidaturas mexe com os ânimos e com as rivalidades internas, seja no âmbito pessoal, convicções ou na expectativa de futuro que cada um dos personagens retratados possuem.

Não há qualquer jovem idealizado. A câmera flui de maneira muito natural pelas salas, pátios e corredores da escola, registrando de maneira bastante tranquila as falas dos entrevistados, variando normalmente entre os sonhos dos meninos e meninas que estão em fase de decidir o que prestarão no vestibular, além de mostrar a tensão com a proximidade da eleição.

Em tempos em que se fala em bobagens como Escola Sem Partido, assistir a obra de Riff serve até de inspiração, tal qual o que ocorreu com o recente Escolas Em Luta, que também mostrava a resistência de alunos que ocuparam escolas, embora claramente haja uma diferença de caráter e espírito entre os dois filmes.

Iniciativas como essas deveriam ser exibidas em escolas, fato que se torna quase impossível com o avanço agressivo de grupos que buscam fiscalizar se há discurso ideológico em sala de aula ou nos ambientes escolares, ainda que obviamente a preocupação não seja exatamente com as crianças serem doutrinadas ou não, mas sim com a desinformação.

O filme é extremamente divertido, e é incrível como o micro-cosmo estabelecido ao longo dos pouco mais de 100 minutos consegue representar bem o cenário das eleições de 2018. Por mais que a maior parte da toada de Eleições seja ligada a comédia, há uma profunda reflexão a respeito do analfabetismo político que toma conta do brasileiro, além de levantar questões a respeito de chapas que fazem alianças com religiosos e uma discussão bem contida sobre identidade de gênero, tudo isso mostrado de uma maneira simples e palatável.

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram.

Crítica | Humberto Mauro

9 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cinema Brasileiro, Documentário, Festival do Rio 2018

De André di Mauro, o documentário Humberto Mauro começa de forma experimental, preto e branco em praticamente toda sua duração e se munindo de imagens de arquivo para contar a história de seu personagem. O longa mira na carreira do diretor que dá título ao filme, mostrando cenas de seus filmes e outros momentos entre os anos 1930 e 1960.

O modo de contar a história é um bastante contemplativo, se vale das imagens de crianças que habitam os cenários campestres, além de algumas imagens da intimidade da roça presentes nos filmes de Mauro. Nesse ponto há uma mistura entre momentos de natureza morta com a revoada dos pássaros, utilizando a música clássica para acompanhar o momento em tela, possivelmente evocando a catástrofe que mora na interferência humana da natureza.

Algumas vezes as imagens desconexas fazem sentido, e conversam bem com os ideais de Mauro, mas a realidade é que é um filme para nicho, para quem conhece a carreira do cineasta. Não há muito espaço para quem não é especialista no cinema brasileiro desde o período do cinema mudo, no entanto, para esses que entendem da arte, soa extremamente reverencial à obra do biografado.

Há algumas semelhanças espirituais com Cinema Novo, de Eryk Rocha, ainda que claramente não haja a mesma intenção ou pretensão de falar sobre todo um movimento, tampouco costura estilos distintos unicamente por serem da mesma época. Di Mauro acerta muito em biografar apenas um artista, podendo enfim falar de maneira direta, franca e hermética sobre a carreira e obra do cineasta.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Entrevista | Susanna Lira, diretora de Torre das Donzelas

8 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Cinema Brasileiro, Ditadura Militar, Documentário, entrevista, Festival do Rio 2018, Susanna Lira

Com exibição durante o Festival do Rio e a Mostra de São Paulo, Torre das Donzelas surpreende por sua delicadeza e atualidade, e para entender um pouco mais sobre o filme, entrevistamos Susanna Lira, diretora do documentário. Confira a entrevista completa abaixo.

–

Vortex Cultural: De onde veio o desejo de filmar um projeto como A Torre das Donzelas e qual foi a dificuldade de tirar as declarações das mulheres entrevistadas?

Susanna Lira: O desejo por trás de A Torre das Donzelas vem muito da questão de apresentar uma narrativa feminina na luta contra a ditadura, na luta pela democracia. Acho que vários filmes foram feitos sobre o assunto, e poucos sobre mulheres. Faço isso até para ser coerente com a minha obra.

Foi muito difícil, durante sete anos tentamos convencer as mulheres, umas eram muito eloquentes, outras não, e a confiança com essas mulheres foi sendo conquistada através dos anos, e elas foram se abrindo aos poucos, a medida que confiavam mais em nós, visto que estávamos nos conhecendo.

Vortex Cultural: Além de você, quantas pessoas trabalharam coletando os depoimentos ?

Susanna Lira: As entrevistas foram feitas só por mim, e foram realizadas em várias etapas, sendo a primeira na casa de uma delas, em 2012 senão me engano, mas só aproveitei duas frases desse pedaço, a outra foi feita em 2016, e que já foi no fundo preto e outra etapa de entrevistas já dentro da torre, ou seja, o trabalho foi dividido em três etapas.

Vortex Cultural: Uma das melhores coisas do filme é a franqueza com que as entrevistadas falam. Em muitos filmes sobre a Ditadura Militar se nota um certo pudor com as palavras mais chulas, no seu filme não, as mulheres falam abertamente da violência que sofreram, usam termos como “curra” e denunciam abertamente os estupros sofridos, qual o motivo primordial para elas terem se aberto de maneira tão verdadeira com você? Você acredita que é por conta da solidariedade comum as mulheres ou os pudores foram deixados de lado após todo o sofrimento da tortura?

Susanna Lira: Sobre essa questão delas se abrirem pro filme e usarem um palavreado bastante natural, é fruto do período em que íamos ganhando confiança, e assim elas iam se soltando, além de fatores externos que também influenciaram. Na iminência de acontecer o impeachment da Dilma (Rousseff, que também é entrevistada no filme) elas se soltavam ainda mais, pois julgavam urgente falar sobre o assunto, por receio de sofrer outro golpe.

Vortex Cultural: Apesar de muitas entrevistadas você claramente tem uma estrela em seu filme, que é a ex-presidenta Dilma Rousseff. Como foi a entrevista? Lembro que em outros momentos, como quando foi entrevistada realizada por Mariana Godoy, ela se saiu muito certeira e firme em suas respostas, mesmo diante de perguntas complicadas e do momento que vivia. Minha sensação é equivocada ou ela pessoalmente parece mesmo uma pessoa talhada para lidar com a adversidade?

Susanna Lira: A entrevista foi feita já pós impeachment, e ela já tinha ouvido sobre o projeto do Torre, e isso a encorajou a participar. O bruto tem mais ou menos duas horas e eu considero do ponto de vista de raciocínio o depoimento dela brilhante, ela faz uma síntese do que aconteceu ali dentro de uma maneira bem construída, e isso fica claro no filme. Ela fala muito bem. Eu tenho uma entrevista de duas horas que eu poderia publicar sem cortes, uma entrevista bastante rica e você nota a entrega dela. As próprias companheiras de cela falavam isso sobre ela, e dentro da torre ela era uma líder.

Vortex Cultural: Você já tem alguma ideia sobre um novo filme? Pensa em fazer ficção, visto que há partes teatrais em seu documentário?

Susanna Lira: Eu tenho vários projetos em andamento, um sobre o comentarista e ex-jogador Walter Casagrande, outro sobre luta de terras no Brasil, ambos documentais. Além disso, eu já dirigi uma série para o Universal Channel, em 10 episódios, chamada Rotas do Ódio, e mais dois projetos de ficção em mente que estou em busca de recursos. De modo que, não vou fazer uma migração, acho que sempre farei documentário, mas quero trabalhar com ficção sem abandonar o trabalho como documentarista.

Vortex Cultural: Como você acha que seu documentário conversa com a atualidade política do Brasil, em especial o que vem se demonstrando nas trocas de poder em 2019?

Susanna Lira: Esse filme a principio era sobre memória, um período bárbaro que nós jamais gostaríamos que fossem repetidos, e infelizmente quando passa a ser exibido e fica pronto, quase narra os próximos passos políticos no Brasil. Uma das personagens até salienta que é importante relacionar o que elas viveram com o que estamos vivendo agora. Então, infelizmente, eu espero que não seja da mesma forma, que tenhamos liberdade e espaço de crítica e oposição, democrática e pacífica, e que a gente não precise repetir nada do que aconteceu, mas confesso que fico preocupada com a atualidade do filme. Qualquer outra pessoa diria “que coisa oportuna”, eu preferia estar inoportuna agora e não ter essa atualidade tão grande. Eu vejo muita semelhança com a narrativa que elas me passaram com o que está acontecendo no Brasil. Infelizmente.

–

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Grass

7 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

cinema coreano, cinema sul-coreano, Festival do Rio 2018, Hong Sang-soo

Hong Sang-soo tem uma cinema normalmente encarado como refém de seus temas, e Grass repete isso de algumas formas, em especial, no que tange a discussão da arte e seu papel social dentro da atualidade. O filme é registrado em preto e branco, e se passa quase todo em um beco onde há um café e uma mercearia. Entre esses dois lugares acontecem conversas triviais e relações mundanas, a maior parte delas com absolutamente nada de especial. No café as pessoas conversam e na mercearia há o cultivo de pequenos vasos de plantas – daí o nome do filme, por conta da grama dos vasos – que inclusive sofrem o foco da câmera do cineasta a todo momento.

Há um certo clima de opereta na obra acompanhada pela trilha instrumental que embala a maior parte dos diálogos nonsenses e cotidianos que acontecem naquele micro-espaço. Ainda que tenha essa semelhança com obras mais elaboradas há uma simplicidade de linguagem muito grande com quase toda a gravação do filme, predominando uma única câmera de tão simples que o filme busca soar.

Os movimentos repetitivos denunciam a vontade do filme de denunciar ciclos que acontecem e re-acontecem, falando que a maior parte dos diálogos da vida giram em torno do nada, e Sang-soo propõe uma obra que discorre sobre ressentimento e divergências, sentimentos negativos e como as pessoas lidam com todos os tipos de rejeição. A riqueza dos diálogos mora na poesia do comum que mais uma vez o diretor apresenta, com o mesmo elenco que costuma utilizar e com clichês típicos do próprio universo que ele propõe, e mesmo com tantas repetições de conceito ainda sobra muita ternura e carinho.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos

7 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Festival do Rio 2018

Coprodução luso-brasileira, de João Salaviza e Renée Nader Messora, A Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos é um filme que incursiona em uma aldeia indígena para contar uma história ficcional e focada em um dos homens presentes naquela comunidade, de nome Ihjac Krahô. Ele é casado com Kôtô Krahô, e tem um pequeno filho, e no começo da trama ele está preparando ritos do funeral de seu pai.

O início do longa é bastante contemplativo, se valendo das paisagens naturais, belíssimas em essência, e de algumas lendas locais. Nesse ponto há uma extensão um bocado desnecessária da rotina dos personagens, a obra soa gordurosa e arrastada, mas logo o ritmo melhora.

Ainda nessa primeira parte, há relatos denunciativos da tentativa de interferência do homem branco – aliás, esse termo é utilizado a exaustão durante a exibição, para dar uma sensação real de disputa de classes e castas – onde um dos aldeões afirma que um candidato tentou subornar os índios, oferecendo 10 reais pra cada um votar nele. Ao ter a proposta recusada, movido pela raiva, ele baleou a placa da aldeia, deixando-a furada, no que ele considerou uma revanche justa, simplesmente pelos cidadãos não terem aceito a oferta ofensiva e barata de venda de voto que segundo a “lei dos brancos” é crime.

Ihjac tem um nome civil nas áreas urbanas, onde ele deixa de falar sua língua nativa para falar português brasileiro. Sua alcunha é Henrique e aparentemente, quando ele é chamado desse jeito, muda completamente sua postura, passa a ter receios e medos ligados a religião que segue. Ele tem receio de uma maldição que viria de uma arara, e medo também de ter características de pajé, que pode ser lido dentro da realidade religiosa conhecida na maior parte do ocidente como uma propensão talvez à mediunidade.

O filme não se preocupa em dar nada mastigado ao público, as conclusões ocorrem de acordo com o repertório de quem vê, evidentemente tendo uma pequena linha de julgamento. Nessa segunda parte a trama fica mais fluida e mais elementos são apresentados na discussão proposta pelo longa. A fuga da aldeia feita por Henrique é exemplo de um sentimento universal e típico da ocidentalidade, que normalmente não encara seus problemas. Henrique nega sua origens, se tornando igual ao homem branco.

A negação de seu nome original e o assumir da alcunha branca serve como um símbolo das diferenças entre os dois mundos que Ihjac habitou. A vontade de não retornar, a tal maldição, o diagnóstico de hipocondríaco, tudo coopera para a atmosfera falsa criada no seu entorno. Tudo isso resume a tentativa de fuga de sua própria identidade.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Entrevista | Daniel Gonçalves, de Meu Nome é Daniel

6 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Documentário, entrevista, Festival do Rio 2018

Entrevistamos com exclusividade o diretor e roteirista Daniel Gonçalves, estrela e criador do longa Meu Nome é Daniel. Conversamos com ele e o resultado você logo abaixo.

–

Vortex Cultural: Seu filme é bastante inspirador e pessoal. Há coisas ditas e mostradas nele que claramente só ocorrem tão bem e com caráter tão verdadeiro porque foi o próprio biografado que fez. Te pergunto desde quando há esse desejo em contar essa história?

Daniel Gonçalves: A história começa com um curta, que eu fiz em 2014 chamado Como Seria, e nesse curta eu tento imaginar como seria a minha vida se eu não tivesse essa deficiência. A princípio eu fiz esse curta para um desses concursos de internet, mas acabou não indo para frente, e depois disso eu decidi lançar o filme no Facebook e no youtube, e o vídeo viralizou. Ao analisar toda a repercussão percebi que havia mais história para ser contada. Assim eu comecei a desenvolver o projeto do longa, que começou em 2015, com um campanha de financiamento coletivo, e através dessa campanha com a TV Zero, e o Roberto (Roberto Berlinier) quis entrar, depois disso ganhamos o primeiro edital, então a história começa de 2014 para cá.

Vortex Cultural: Dada a qualidade do filme, espera-se que você continue fazendo filmes, há ideias de contar outras histórias ou sua ideia é dar continuidade a outros acontecidos autobiográficos?

Daniel Gonçalves: Sim, eu desejo e quero continuar fazendo filmes, e no momento eu, a minha produtora e mais alguns amigos estamos desenvolvendo três projetos: um documentário sobre um artista brasileiro Flávio de Carvalho, um documentário sobre sexualidade e pessoas com deficiência e um documentário sobre educação inclusiva. Desses, o que está mais avançado Acessexibilidade, que fala de sexualidade e pessoas deficientes.

Vortex Cultural: Ao final do filme há uma reflexão sobre as suas dificuldades e facilidades. Onde você acha que a sua história te ajudou a montar um filme tão belo e inspirador?

Daniel Gonçalves: Tiveram algumas coisas que colaboraram para isso… a primeira é o fato dos meus pais terem me gravado tanto, sem esse material de arquivo, dificilmente o filme existiria da maneira como ele é. Depois, a própria maneira como eu hoje enxergo cinema, em especial documentário. Eu tendo a gostar muito de filmes mais pessoais, de filmes que só o diretor mesmo pode fazer e o Meu Nome é Daniel só existe porque eu mesmo estou contando essa história. Apesar de eu saber que ele inspira as pessoas, nós tentamos tirar dele tudo que poderia causar uma emoção automática e barata, quase não há música, a minha narração é mais descritiva do que emotiva e a gente evitou ao máximo o clichê do coitadinho ou do cara “super foda”, quase como um arauto da superação, um super-herói. É um filme bonito, mas a emoção dele não é barata, é uma emoção muito legítima.

Vortex Cultural: Há alguma negociação para que o filme entre em circuito comercial, se sim, quais são suas expectativas quanto ao público geral conseguir vê-lo?

Daniel Gonçalves: Nós temos um contrato de distribuição com a Olhar Distribuição, de Curitiba. O filme entrará em circuito, e provavelmente, será lançado ano que vem. Eu espero que a carreira dele nos festivais seja positiva, e se ele passar de 10 mil espectadores eu ficarei muito feliz, pois é um número muito bom para documentários.

Vortex Cultural: Ao terminar de assistir Meu Nome é Daniel dá uma vontade de pegar uma câmera e partir pra gravação de um filme. Digo isso mais pela ternura da história e o modo de contar do que pelas dificuldades comuns de fazer arte no Brasil. Você imaginava que poderia causar isso nas pessoas que veriam seu longa?

Daniel Gonçalves: Eu confesso que é a primeira vez que ouço que meu filme inspirou pessoas a quererem fazer filmes. Em relação a isso não imaginava que isso poderia acontecer, mas eu fico feliz, porque eu acho que a grande potência do filme é mostrar a riqueza dessas coisas que aparentam ser banais (refere-se a gravações de coisas de família) mas que num contexto do filme, quando é montado de uma determinada maneira, essas imagens podem ganhar uma força muito grande. Acho que no fundo a gente faz cinema para isso, pra gerar vontade, pra gerar desejo, pra gerar reflexão nas pessoas.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Critica | O Peso do Passado

6 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Festival do Rio 2018, filme policial, Nicole Kidman, Sebastian Stan, thriller

Cercado de expectativas por trazer Nicole Kidman em um papel diferente, em que faz uma mulher turrona e com uma maquiagem extremamente pesada – que aliás, a deixou caricata – O Peso do Passado é o novo filme de Karyn Kusama, e foca na rotina da detetive Erin Bell, da Polícia de Los Angeles, em uma trama violenta, cheia de ressentimentos e que conta com reconciliações com seu passado.

A história mostra um morto, com uma tatuagem de três pontos, igual a que Erin carrega em seu pescoço. Aos poucos a trama se desdobra, mostrando o tempo em que a personagem de Kidman era jovem – e que se utiliza de outra maquiagem forte para rejuvenesce-la – agindo infiltrada na gangue de Silas (Tobin Kebbell), com outro infiltrado chamado Chris (Sebastian Stan), além de uma conturbada vida familiar, com uma relação bem distante entre ela e sua filha Shelby (Jade Pettyjohn). Erin é uma mulher traumatizada, suas relações são quase todas tóxicas e pautadas pela ausência, por conta da natureza de seu trabalho e pela angústia de pessoa amargurada que carrega. Na busca por descobrir o paradeiro de Silas que, segundo ela, é o responsável pela primeira morte, ela revive os momentos de seu passado, alguns poucos doces e sonhadores, e se defronta com um presente sombrio e escuro. O filme é tão calcado nessa questão da amargura que soa quase parodial, tão distante da realidade que faz chocar o espectador, fazendo o tempo todo ter a sensação de estar lendo um thriller barato presente nos livros que se vendem nas gôndolas dos super mercados dos Estados Unidos.

O filme é claramente proposto para Kidman brilhar e provar que ainda é capaz de fazer papéis diversificados, e no que toca sua atuação, o filme acerta. Acerta também em criar uma atmosfera pessimista e niilista, tanto que a maior comparação feita a ele, é que a obra foi talhada para passar nas sessões do Super Cine.

Ao menos nas questões envolvendo a violência explícita O Peso do Passado acerta demais, é sujo, certeiro e agressivo quando precisa e Kusama não tem pudor em mostrar o pior da humanidade, apesar de em alguns pontos, levar à frente um discurso moralista e reacionário. Mesmo em seus exageros há um movimento de orquestra bem concebido e isso por si só já torna esse uma das melhores obras de Kusama.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Rogéria: Senhor Astolfo Barroso Pinto

6 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Betty Faria, Brigitte de Búzios, Documentário, Festival do Rio 2018, Jane Di Castro, Rogéria

De Pedro Gui, estreante em longas, Rogéria: Senhor Astolfo Barroso Pinton busca desmistificar de certa forma a famosa perfomancer, atriz e artista Rogéria, ao mesmo tempo em que quase beatifica sua figura, elevando-a ao status de divindade, sem descuidar do seu alter-ego masculino e identidade civil Astolfo Barroso Pinto. A história é contada pela própria Rogéria, que infelizmente faleceu antes do filme ser finalizado.

O filme que teve uma produção iniciada há quatro anos é a ultima entrevista de Rogéria, que pretendia viajar a Paris e a outros lugares onde ela veio a se apresentar no passado. O início do longa parte de uma dramatização que faz a obra variar entre ficção e documentário, e essa faceta destoa demais do restante do material, com entrevistas de figuras como Jô Soares, que não costuma participar de documentários e só aceitou por se tratar de quem era.

No entanto, é nas pessoas do passado de Astolfo que mora a riqueza do filme, não só pelos seus irmãos, como de algumas das Divinas Divas, Jane di Castro e Brigitte De Buzios, a quem também é dedicado o filme postumamente. Aqui se percebe duas coisas fundamentais, o pequeno “Tolfo” fazia bullying com os valentões do colégio, quando o chamavam de maricas, e ele o fazia como mecanismo de defesa e jamais parou de se defender desse modo. E o segundo é ainda mais importante, que era dona Eloá, a mãe de Rogéria foi a base que o fez conseguir ser quem era, exatamente como gostaria de ser, sem represálias, dando a força que precisava para crescer sem traumas e sem maiores sofrimentos, ao menos no que diz respeito ao seio familiar.

Há momentos hilários, como quando Jô Soares diz que ela era goleira de futebol de praia, jogava de biquíni e em alguns momentos o “pinto” dela pulava para fora. Também se destaca que desde cedo, Astolfo queria ser artista, cantando Núbia Lafayette com apenas 10-11 anos. A função que cumpriu como maquiadora das estrelas na TV Rio era apenas um trampolim, onde pôde conhecer pessoas que seriam íntimas até o fim dos seus dias, como Betty Faria e Rita Cadillac. Aliás, a ex-chacrete disse que quem a ensinou a se enfeitar e andar de salto, foi Rogéria.

Apesar de haver problemas sérios com as partes encenadas, o resgate da identidade e da irreverência da artista é muito bem flagrado, desde sua vida sexual, descrita como bastante intensa, até o fato dela não renegar seu lado masculino. Rogéria era uma pessoa extremamente amada e extremamente generosa com os que a cercavam, e o modo de condução da direção favorece demais a rica história que a personagem-título tem, sempre controversa e extremamente positiva.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Deslembro

5 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Festival do Rio 2018, Flavia Castro, Jesuíta Barbosa

Filme emotivo de Flavia Castro, responsável pela direção do documentário Diário de Uma Busca (esse também um filme sobre a época da Ditadura Militar), Deslembro é a primeira ficção em longa-metragem da cineasta, e começa mostrando uma família em colapso, a começar pelos filhos, com crianças e com a adolescente Joana, vivida por Jeanne Boudier. As crianças, que conversam normalmente em francês recebem a notícia de que vão para o Rio de Janeiro, e isso aflige especialmente a primogênita, que perdeu seu pai durante a repressão.

É curioso a forma que Castro escolher contar a história. O roteiro tem tons agridoces, mistura uma abordagem via olhos infantis com o despertar da puberdade, embalados normalmente pelos clássicos da banda The Doors, cujo vocalista e principal símbolo morreu bastante jovem, tal qual boa parte dos reprimidos da época do regime ditatorial, entre eles, o pai de Joana, que é feito por Jesuíta Barbosa.

Durante a exibição, em todo tempo se nota um caráter e uma vontade de soar emocional e terno, e o filme realmente consegue acertar muito nesses tons e ainda sem descuidar do registro histórico. A forma como é mostrada uma família que sofreu com a perda de entes queridos durante os anos de chumbo é bastante avassalador, e nesse ponto, destacam-se Sara Antunes, que faz a mãe de Joana, uma mulher que possui uma distância bastante comum entre gerações que não tem tanta diferença de idade entre si, e também Eliane Giardini, que vive a vó de Joana e a mãe do rapaz que morreu. Aqui se vê uma intimidade em que o sentido gira em torno do saudosismo de quem elas perderam, e Giardini brilha demais, não só roubando a cena como fazendo uma escada para Boudier brilhar, apesar desse ser um dos seus primeiros grandes papéis no cinema.

O sufoco e a espera pela morte funcionam quase como entidades, como espíritos que assombram as mulheres e homens apresentados em tela. O clima de confessionário do destino também impera, já que Joana busca se culpar pelo que aconteceu ao seu pai para talvez impedir seu padrasto de seguir em uma missão onde não sabe se voltará vivo. Aqui se repara em uma das idéias mais presentes no texto de Castro, que é a repetição de ciclos, das figuras paternas de Joana, assim como as semelhanças não só físicas, mas também emocionais e de caráter entre filha, mãe e avó.

É impressionante como Deslembro funciona perfeitamente como uma ode a ausência. As incertezas de Joana, de sua mãe e avó sobre o destino final de Guilherme/Eduardo (que tinha um nome duplo por conta dos disfarces) sobre como aconteceu sua queda e sobre a questão emocional dele ter sofrido ou não nos últimos momentos é impressionante, pois cada geração absorve isso de uma forma, e Castro traz um resultado muito bom dessa exploração, pois todas fazendo sentido, e tocam a alma de quem assiste a obra.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Socrates

3 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Festival do Rio 2018

Produzido por jovens de 16 a 20 anos, do Instituto Querô (uma ONG da Santos), Socrates tenciona ser mais que um simples longa, buscando uma iniciativa coletiva que visa incluir os flagelados e normalmente ignorados via arte. A história é bem simples, mostra Christian Malheiros vivendo o personagem-título tendo de lidar com a repentina morte de sua mãe, assumindo o trabalho e boa parte de suas responsabilidades.

O filme tem direção de Alex Moratto, e a tensão predomina do início até o sua conclusão. Socrates é um menino que não sabe praticamente nada da vida, e que tenta a duras custas prover o próprio sustento e viver seus sonhos e pulsões mais básicos. As tentativas de trabalho que ele abraça esbarram não só em sua total falta de experiência com esses serviços, mas também a inabilidade em lidar com pessoas.

Ao exercer trabalho braçal, ele trava contato com Maicon (Tales Ordakji), um jovem com quem ele tem problemas num primeiro momento e que depois acaba por ter uma relação que varia entre a violência, afeto, aceitação e rejeição. As muitas hipóteses que o filme abre se confundem em suas razões, uma vez que não se sabe exatamente porque os sentimentos tão conflitantes e viscerais ocorrem, se é pela perda prematura da base familiar do garoto, ou pela simples descoberta decorrente da puberdade que floresce dentro e fora de Socrates.

A grande questão que faz o filme se diferenciar do lugar comum em que o cinema brasileiro não mainstream normalmente prega é que todas as situações levantadas por ele fazem sentido, são pragmáticas e bastante tangíveis, não há distanciamento da realidade, por mais entrópicos que os eventos possam parecer. A briga do personagem-título com seu pai, (Jayme Rodrigues), as intrigas que ele contrai por conta da sua orientação sexual e o reencontro com as cinzas de sua mãe faz parte do universo de angústias que ele carrega, e tudo se torna ainda mais caro por conta da total entrega que Malheiros dispõe a obra. O final é emocionante, e mostra em um resumo emocional o desejo do personagem principal, não só de cumprir o desejo de sua mãe, como manifesta a confusão emocional e mental pelo qual ele passa, levantando até a possibilidade do desejo de não existir, evocado pela dificuldade do rapaz em nadar pela água revolta. A não aceitação do mundo e a própria rejeição mental podem demarcar a ânsia pelo não-existir, em uma perversão do pensamento freudiano complexa demais para mentalidades mais simplistas, só por isso, Socrates já vale muito a pena de ser apreciado.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | As Viúvas

2 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Brian Tyree Henry, colin farrell, Daniel Kaluuya, Elizabeth Debicki, Festival do Rio 2018, filme policial, Gillian Flynn, Liam Neeson, Michelle Rodriguez, robert duvall, Steve McQueen, thriller, viola davis

Steve McQueen é um diretor que mesmo com poucos elementos em sua filmografia sempre causa alvoroço no publico e na crítica. As Viúvas era um filme bastante esperado, não só por ser um retorno depois de cinco anos do lançamento de 12 Anos de Escravidão, e também graças ao elenco muito estrelado, comandado por Viola Davis e acompanhado por tantas outras estrelas, como Colin Farrell, Robert Duvall e Liam Neeson. O thriller inicia mostrando o casal Rawlings, Veronica e Harry (Davis e Neeson), vivendo sua intimidade de modo luxuoso e ordeiro, até que o trabalho como assaltante do homem dá errado, em uma sucessão de eventos violentos e trágicos, que chacina todos os integrantes, cada um deles deixando para trás sua respectiva companheira.

Logo é mostrado outro quadro, uma disputa política entre candidatos a vereador de uma comunidade de Chicago, disputada basicamente por Jack Mulligan (Farrell), um político tradicional, herdeiro do já idoso Tom Mulligan (Duvall) que está em vias da aposentadoria, e o negro Jamal Manning (Brian Tyree Henry), um sujeito ligado ao crime organizado da região, normalmente acompanhado por Jatemme (Daniel Kaluuya).

Dado o cenário, Veronica é encurralada por Jamal, que quebra o protocolo da suposta trégua que estava implícita dentro de sua campanha, basicamente para ameaçar pessoalmente a mulher, acusando seu marido de te-lo roubado, em decorrência disso, as outras viúvas Linda (Michelle Rodriguez), Alice (Elizabeth Debicki) e Amanda (Carrie Coon) são chamadas pela primeira, para tentar se organizar e tentar levantar algum dinheiro, levando em conta o trabalho dos seus parceiros mortos.

Apesar de ter um elenco grande, não só no número de estrelas como na quantidade de pessoas mostradas, há um mergulho na intimidade das personagens, em especial a já citada Veronica, que permite a Viola desempenhar alguns momentos em que ela está só com câmera e suas angústias são mostradas através do derramar de sua alma. Dentro do seu universo particular cada uma das mulheres tem suas desolações, decepções e contato com o que há de mais nefasto e mesquinho da vida humana.

O filme é baseado no livro homônimo Lynda La Plante, o roteiro fica a cargo de McQueen e Gillian Flynn, e se nota a influência da autora de Garota Exemplar, principalmente no equilíbrio entre os aspectos de thriller e os elementos de filme de assalto. O diretor consegue podar bem os excessos de Gillian e se mostra mais firme até que Fincher. Sem dúvida alguma esse é bem mais equilibrado e interessante que Lugares Escuros, em especial porque mesmo personagens secundários, como Belle (Cynthia Erivo), parecem realistas e possuem profundidade, quando se assiste se entende perfeitamente as dores que elas vivenciam.

As Viúvas é pautado na mistura de apreensão, suspense e expectativa pela inabilidade das personagens em nunca terem executado o que precisam realizar, além de apresentar um cenário político-social muito rico e tangível. Há ainda uma sensibilidade enorme da direção com todas as reviravoltas da trama, tornando até palatável a quantidade de tentativas de plot twists apresentados, tudo soa tão natural que até a suposta artificialidade é driblada. Mérito do realizador.

Facebook –Página e Grupo | Twitter| Instagram.

Crítica | Ilha

1 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Festival do Rio 2018

De Ary Rosa e Glenda Nicácio, mesma dupla de diretores que trouxeram à luz Café com Canela, Ilha começa com um rapto, de Henrique Santos (Aldri Anunciação), executado por Emerson (Renan Motta). Henrique é um cineasta e Emerson um jovem periférico, e o objetivo do moço é que o raptado faça um filme sobre sua jornada.

Desde o começo os dois personagens são focados pela câmera amadora de Emerson, em um argumento metalinguístico, que por incrível que pareça, consegue soar menos artificial que o longa anterior da dupla. Henrique obviamente nega a prestar seus serviços e só é convencido após muita insistência e ameaça.

Não demora para algumas atrocidades ocorrerem, o cineasta aos poucos se afeiçoa ao seu raptor, passa a confessar suas intimidades e pecados, e embora não soe um pouco inverossímeis à ordem dos fatos, os sentimentos ao menos parecem verídicos, assim como as atuações do elenco, fato que já eleva bastante a capacidade de direção de Rosa e Nicácio.

Há uma tentativa desesperada do filme de soar natural, e isso transparece negativamente em alguns momentos. Os confrontos dos dois personagens masculinos, por exemplo, resulta em uma relação maior que o normal entre contador de história e personagem, transcende níveis de intimidade que já eram meio que desenhados de acordo com o lento desenrolar dos fatos, mas tem seu ápice em uma cena estranha e extremamente impessoal, quebrando a expectativa de intimidade que foi construída e resultando em um momento nada explícito e até bastante covarde.

Ilha se empobrece quando tenta soar como discussão a respeito da originalidade e da execução do cinema, pois seu roteiro não tem situações ou diálogos suficientemente complexos ou naturais para gerar uma reflexão minimamente profunda em seu drama, mas quando mostra os personagens vivendo e fazendo seus momentos mais íntimos, acerta um bocado mais. Toda a prerrogativa de ser um “filme de afeto” é de uma banalidade monstra, e por mais que muito se fale sobre esse assunto, a prerrogativa parece muito mais a tentativa de esconder a falta de conteúdo a discutir e inconsistências de roteiro do que realmente inaugurar um novo tipo de subgênero cinematográfico.

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram.

Crítica | Torre das Donzelas

31 de outubro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

cinema político, Dilma Rousseff, Documentário, Festival do Rio 2018, Susanna Lira

Documentário de Susanna Lira (Intolerancia.doc) a respeito do duro período da Ditadura Militar iniciado nos anos sessenta, Torre das Donzelas tenta resgatar e remontar as memórias de um grupo de mulheres que habitaram um presídio que tinha a mesma alcunha do filme, com a fala dessas pessoas quarenta anos depois delas terem sofrido tanto.

A reconstrução do “quarto” onde as antigas prisioneiras se instalavam e o reencontro das moças – agora já mulheres – com essas memórias varia entre a pura emoção de algumas e a sobriedade de outras. Notar o quanto a tortura e o agouro dos autoritários agiu na mente e na lembrança de cada uma das suas vítimas é pesado, mas ao mesmo tempo é reconfortante ao se perceber o transbordar de braveza e coragem que essas senhoras transpiram.

Há uma forte sensação claustrofóbica ao se apreciar o filme. Se a intenção da diretora era estabelecer o incômodo que as mulheres tiveram na época que estavam sofrendo com as “caixas de maldade”, o documentário acerta em cheio. Nas entrevistas e nos olhares das depoentes se nota o quão humilhante e desgraçados eram os métodos dos torturadores, que tratavam elas como objetos ou como humanos inferiores, vítimas de estupro – descritos com uma veracidade tremenda -, além de falar abertamente sobre os métodos medievais a que eram submetidas de uma maneira muito visceral e franca, sem qualquer receio ou vontade de não chocar o espectador. Elas falam em “curras”, e no desejo dos torturadores em provocar gozo nelas enquanto as mesmas sofrem (ou sofreram, já que o tempo dos discursos é no pretérito). Se não havia pudor dos que infligiam mal, não seria nas vítimas que isso ocorreria, e nesse ponto o registro em vídeo beira a perfeição.

A empatia com as mulheres que aparecem em tela é estabelecida já no início, é preciso ser extremamente insensível para não se afeiçoar ou não se compadecer da situação que elas sofreram. Apesar de haver falas de famosas, a exemplo da ex-presidenta Dilma Rousseff, o que mais toca são as anônimas, pessoas honradas que tiveram suas peles, corações e mentes feridas.

Os cenários onde acontecem as falas variam entre fundos pretos e reconstituições da tal torre, e em especial esse segundo faz criar uma atmosfera diferenciada, que remonta a memória das mulheres e que incrivelmente não as fez paralisar de medo, nem recriar o pânico que já as tomou ao longo da repressão, e o antídoto para isso certamente é a fibra dessas pessoas. A resistência ocorre apesar da fragilidade das mulheres que foram prisioneiras, basicamente porque os grilhões que as atavam eram físicos, a parte emocional delas obviamente foi tocada, mas não o suficiente para deixa-las inertes aos bons sentimentos, da camaradagem, tampouco foram desumanizadas. Todas elas são plenamente capazes de amar, de seguir a vida e ainda manter uma luta política com suas ideologias.

Há algumas gorduras no documentário, mas seu começo é tão certeiro e faz o público mergulhar tão profundamente no drama e na dor dessas pessoas que é impossível não ser levado pela emoção e compaixão geral. Os 97 minutos parecem mais longos do que realmente são, não por gerar enfado, mas sim pelo nível de intimidade que cada uma das mulheres dedica as falas, é como se quem assistisse conhecesse cada um daqueles testemunhos, e conhecesse também quem os declara. O cinema da diretora soa bastante maduro, em especial por saber equilibrar bem não só os momentos mais emocionantes de seu roteiro, mas também por harmonizar os sorrisos, confissões e claro intervenções suas como diretora, com uma sensibilidade ímpar, conseguindo equalizar a parte sentimental com a informativa muito bem.

Torre das Donzelas soa como acalanto à alma, e serve de inspiração e esperança em um período tão caótico e cheio de incertezas quanto o quadro político pós-eleições.

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram.

Crítica | Meu Nome é Daniel

29 de outubro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Documentário, Festival do Rio 2018

Documentário autobiográfico, fruto de um experimento bastante curioso de cinema em primeira pessoa, Meu Nome é Daniel é dirigido e protagonizado por Daniel de Castro Gonçalves, que nasceu com uma deficiência que nenhum médico conseguiu diagnosticar facilmente. O longa de 82 minutos se dedica a investigar o caso do rapaz, através de cenas novas e de registros em vídeos antigos.

A primeira cena do filme é bastante natural, mostra o personagem central da trama conversando com uma pessoa próxima, no seu carro, e ali se percebe a preocupação geral de todos com a vida e estado de Gonçalves, não necessariamente por sua condição vista como incomum pela maioria das pessoas, mas também por ser ele um sujeito muito querido e amado pelos que o cercam.

É curioso e até simpático que as transições entre momentos chaves do filme ocorram através de uma tela azul, com uma fonte de letra semelhante a das gravações antigas em vídeos cassetes. As linhas temporais se misturam harmonicamente no filme, fazendo com que o público se sinta genuinamente atraído pela história de Daniel. Isso não se deve somente a montagem que facilita o apego aos personagens, mas também as declarações hiper-amorosas dos parentes da família Castro Gonçalves. Em tempos tão ególatras, essa sensação de pertencimento que o clã exala é muito bem-vinda, e funciona na contramão do estado exclusivista que predomina na humanidade.

O objetivo de Daniel era tentar, através de seu filme, descobrir qual era seu quadro clínico. Qual é o nome da doença que o acometeu ou ao menos algo que se aproximasse disso. Ele é realmente certeiro no ponto em que se permite somente elucubrar sobre sua existência, sobre a aceitação que teve dos que os envolvia, dos poucos momentos em que ele sentia que era tratado como um alguém normal, como em uma rave que ele participou e todos acharam que ele estava sob efeito de drogas, ou ainda quando o obrigaram a perder sua virgindade em um prostíbulo. Os dois eventos são bem diferentes entre si e mostram da intimidade do biografado.

Meu Nome é Daniel é surpreendentemente positivo, simples e certeiro em sua proposta de mostrar como é a vida do cineasta e astro do longa, não tentando soar como um panfleto de auto-ajuda, ainda que evidentemente tenha sido um enorme feito a entrega de um filme tão terno e competente, mesmo que não tenha em si qualquer intensão de soar como algo inovador ou pretensioso.

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram.

festival-do-rio-2018

Festival Do Rio 2018 | Balanço Geral – Parte 2

Entrevista | Alice Riff, diretora de Eleições

Crítica | Vidas Duplas

Critica | Relatos do Front

Festival Do Rio 2018 | Balanço Geral – Parte 1

Crítica | Eleições

Crítica | Humberto Mauro

Entrevista | Susanna Lira, diretora de Torre das Donzelas

Crítica | Grass

Crítica | Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos

Entrevista | Daniel Gonçalves, de Meu Nome é Daniel

Critica | O Peso do Passado

Crítica | Rogéria: Senhor Astolfo Barroso Pinto

Crítica | Deslembro

Crítica | Socrates

Crítica | As Viúvas

Crítica | Ilha

Crítica | Torre das Donzelas

Crítica | Meu Nome é Daniel