Almighty

Resenha | Clube da Luta – Chuck Palahniuk

13 de novembro de 2017 by Almighty

Clube da Luta (Editora Leya) é narrado em primeira pessoa e da forma mais crua e louca possível. O narrador alterna os assuntos de forma repentina, critica as relações humanas e despreza a própria vida. Ele se sente tão vazio que tenta preencher sua vida comprando desenfreadamente. Além disso, frequenta grupos de apoio a pessoas com doenças e problemas afins sem possuir tais doenças ou problemas. Um passatempo mórbido. Uma forma de se iludir e, talvez, se sentir melhor sabendo que existem diversas pessoas em situação muito pior que a dele.

O livro tem poucos diálogos. Na verdade, a grande maioria das conversas são narradas ao invés de alternar em parágrafos com travessão. E por diversos momentos, temos a impressão de que o narrador conta os acontecimentos como se fosse você, leitor. Isso aumenta a loucura do livro.

O ponto de virada na vida do narrador sem nome é conhecer Tyler Durden. Para quem já viu o filme e sabe do “plot twist” do final, não se preocupe, isso não estraga em nada a experiência do livro. Pelo contrário, é até melhor para compreender toda a loucura da narrativa e captar as nuances que definem quem é Tyler Durden.

Fazendo um rápido paralelo com o filme, a obra dirigida por David Fincher pegou a essência do livro e criou algo próprio. São abordagens diferentes, o livro é muito mais insano. Por isso vale muito a pena ler, mesmo que você já tenha assistido ao filme. São obras diferentes com essência semelhante, mas ainda sim diferentes.

Ler esta obra de Chuck Palahniuk é uma baita experiência. Ele constrói uma história sob o ponto de vista de um personagem destruído, sem grandes esperanças ou ambições. Uma pessoa normal, com problemas normais (às vezes um pouco além disso). Clube da Luta explora a natureza humana de uma forma inumana. Visceral. Brutal. Louca. Colocará em xeque os princípios mais básicos de nossa sociedade. Precisava falar com você sobre este livro, mesmo que para isso eu tenha quebrado a primeira regra do Clube da Luta.

Compre: Clube da Luta – Chuck Palahniuk.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Review | Cuphead

11 de outubro de 2017 by Almighty

Games, Reviews

indie game, pc, xbox one

Era uma vez dois irmãos, Cuphead e Mugman. Eles viviam felizes na mágica Inkwell Isle, brincando e se divertindo sob os cuidados da sábia Elder Kattle. Certo dia, foram desobedientes e trilharam ao famigerado Cassino do Diabo e, numa maré de sorte, ganham diversas rodadas nos jogos. O próprio Diabo aparece na mesa onde os irmãos jogam fervorosamente e oferece algo arriscado: uma quantia astronômica de dinheiro, caso ganhem, ou suas almas, caso percam. Cuphead, totalmente cego pela ganância, joga sem pensar. Mugman fica apreensivo e não vê a conduta do irmão como uma boa ideia. O jovem garoto perde o jogo e os irmãos imploram de joelhos para que o Diabo lhes deem uma segunda chance. O Diabo aproveita a situação e dá a tarefa de os irmãos recuperarem as almas dos “contratos inadimplentes” feitos em Inkwell Isle. Sem opção, os irmãos iniciam uma árdua jornada em busca das almas devedoras do Diabo!

Essa história pseudo-infantil bizarra dá um contraste absurdo com o visual do jogo, que remete aos desenhos clássicos dos anos 1930. Porém, apesar do estilo artístico remeter aos desenhos infantis, o design de vários chefes é algo predominantemente adulto. Não no sentido pornográfico, mas sim de coisas “mundanas”, tais como charutos, apostas e afins. Os personagens mais infantis sempre possuem algum elemento macabro ou bizarro.

Cuphead fez um alarde imenso desde o seu anúncio. É, de longe, um dos jogos mais bonitos já feitos, com gráficos desenhados à mão, animação belíssima e arte inspirada. O belo visual dá um ânimo gigantesco para o jogador se aventurar por horas a fio naquele mundo repleto de fantasia e pactos demoníacos.

O jogo segue a premissa dos run and shoot, consagrados pelos clássicos Contra, Metal Slug e Gunstar Heroes, influências assumidas pelos produtores. O pulo dos personagens é idêntico ao do Contra, uma série de cambalhotas. A jogabilidade é a mais simples possível: pular, atirar, corrida estilo Megaman X para esquivar no chão e no ar. Também existe uma mecânica interessante, o parry, onde seu personagem pode quicar em elementos cor-de-rosa no cenário, bastando apertar o botão de pulo no momento da colisão. Isso é essencial em alguns momentos do jogo, tanto para evitar dano quanto para vencer os desafios. Alguns chefes serão enfrentados nos céus, com a ajuda de um aviãozinho, aí a jogabilidade muda um pouco, mas se mantém sólida e eficiente.

Quanto mais você acerta seus tiros, sua barra de especial vai enchendo. Ela é dividida em alguns níveis. Antes de estar completa, você pode gastar um nível para executar o ataque forte, que varia de acordo com o tiro escolhido para aquela fase. A barra completa executa o ataque especial.

Vale lembrar que, antes de cada fase, você anda num mapa muito simpático que dá acesso às fases e aos chefes. Ali você poderá conversar com alguns personagens, comprar novas habilidades e até coletar moedas escondidas. É aqui que você escolherá seus dois tiros, uma habilidade e um especial que utiliza todas as barras para ser executado. A escolha certa é muito importante em cada fase e chefe.

A premissa inicial de Cuphead incluía apenas batalhas contra chefes. Posteriormente, foram adicionados algumas poucas fases “normais”, que servem, principalmente, para que o jogador colete moedas e compre novas habilidades. Aqui vem um ponto interessantíssimo de game design.

Você poderá comprar habilidades diversas ao longo da jornada, seja novos tiros, seja habilidades especiais. Conforme dito anteriormente, essa variedade é muito importante para vencer os chefes. Dependendo do inimigo, é mais vantajoso utilizar tiros fortes e curtos ou tiros fracos e de longo alcance. Escolha corretamente, caso contrário a dificuldade do jogo, que já é alta, torna-se quase impossível.

Não podemos negligenciar destaque à parte sonora. Que músicas fantásticas! Todas no estilo daqueles desenhos clássicos, com muito piano, contrabaixo, metais, bateria nervosa, som levemente abafado com aquela estática deliciosa dos discos de vinil. Maravilhoso, sensacional, uma das coisas mais lindas deste jogo.

Cuphead teve uma produção difícil, mas finalmente veio à luz e se mostrou um baita jogo. O visual belíssimo é um excelente cartão de visitas para atrair os jogadores, e felizmente a qualidade vai além das aparências. Chefes criativos, fases inspiradas, variedade de padrões nas batalhas, tudo foi feito com tremendo carinho. Você aprenderá a cada morte, voltando a jogar rapidamente com a sensação de que “agora vai!”, e quando notar, já se passaram duas horas de jogatina. O StudioMDHR merece aplausos de pé, e espero que possam colher todos os louros possíveis para nos brindar com outros jogos. Uma obra de arte em forma de jogo. Compre no PC ou XBox One, jogue, passe raiva, se divirta! E lembrem-se crianças: jamais façam apostas com o Diabo!

Review | Bojack Horseman – 4ª Temporada

27 de setembro de 2017 by Almighty

Reviews, Séries

Aaron Paul, Alison Brie, Amy Sedaris, Animações, Bojack Horseman, jessica biel, Matthew Broderick, Netflix, Paul F. Tompkins, Will Arnett

É estranho pensar que uma das séries mais adultas dos últimos tempos é uma animação protagonizada por um homem-cavalo. A ideia parecia esdrúxula, mas felizmente se mostrou algo de muita qualidade e que, na medida do possível, foge do óbvio.

Se você está lendo este review, provavelmente assistiu às temporadas anteriores, então vamos pular a apresentação dos personagens centrais. Aproveite e leia os reviews da primeira, segunda e terceira temporadas.

A Netflix vinha mantendo uma boa qualidade da série, apesar de alguns deslizes no ritmo. Esta quarta temporada não foi muito diferente. Temos o Sr. Peanutbutter (Paul F. Tompkins) concorrendo ao cargo de governador da California, mostrando uma campanha bem “atrapalhada”. É a parte menos interessante da temporada, porém teve seu valor em satirizar as campanhas políticas e, principalmente, os eleitores que valorizam coisas bizarras. Todo esse envolvimento na política serviu, de forma inteligente, para desenvolver a relação de Peanutbutter e Diane (Alison Brie).

Curioso notar que Bojack (Will Arnett) simplesmente não aparece no primeiro episódio, deixando dúvidas se o cavalo perderia o foco nesta temporada. Pelo contrário, tivemos revelações importantes sobre o passado de Horseman.

O ponto central é a chegada de uma garota chamada Hollyhock (Aparna Nancherla) dizendo ser, talvez, filha de Bojack. Se no início o ex-astro de Horsin’ Around tem a postura babaca e indiferente de sempre, aos poucos ele se vê mudando seus pensamentos e se importando com a garota. O melhor de tudo é o desfecho dessa questão, algo até inusitado, um dos pontos mais fortes dessa temporada.

Outra questão é o passado familiar de Bojack, especialmente sua mãe (Wendie Malick), que tem uma história pesada. A relação de Bojack com sua mãe terá um espaço importante na história, e a série acertou em abordar certas coisas.

Em paralelo, Princess Carolyn (Amy Sedaris) parece conseguir um relacionamento sólido depois de muito tempo, e podemos acompanhar as inseguranças e questionamentos de uma mulher mais velha que permanece(ia) solteira. Os personagens da série são muito humanos, mesmo sendo animais antropomorfizados, algo irônico e genial.

Vale destacar a aparição de algumas vozes conhecidas, como Jessica Biel e Matthew Broderick.

Bojack Horseman é uma série fácil de recomendar. Se você gostou das temporadas anteriores, não pense duas vezes, assista à quarta. É uma série consistente que já ganhou seu espaço dentre as produções de qualidade da Netflix.

https://www.youtube.com/watch?v=v9yQv9YWFw4&t=9s

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Review | Death Note

14 de setembro de 2017 by Almighty

Reviews, Séries

Animes, death note, madhouse, Takeshi Obata, Tsugumi Ohba

Em mais um dia banal na escola, Light Yagami assiste a uma aula entediado. Olhando pela janela, vê um caderno preto caindo do céu. Ao sair da aula, vai conferir o objeto. Na capa está escrito “Death Note”, e nas instruções constam que, o humano que tiver seu nome escrito ali morrerá. Light, meio incrédulo, testa o caderno da morte e, para sua surpresa, ele funciona. A partir daí, Light deixa aflorar suas convicções tortas de justiça e se torna um verdadeiro genocida de criminosos.

E o caderno caiu do céu. Ironia, não?

Light faz questão de matar os criminosos na forma padrão do Death Note: ataque cardíaco. Isso fará com que o mundo saiba que existe alguém eliminando os criminosos. Em pouco tempo, o mundo batiza essa “força justiceira” de Kira, pronúncia japonesa para Killer (assassino), o que corrobora ainda mais a verdadeira natureza de Light.

Embriagado pelo poder, Yagami quer se tornar um deus, o ser supremo que julgará as pessoas e tornará o mundo melhor. Aí está a beleza de Death Note.

Light é um adolescente genial, um dos melhores estudantes do Japão. Ao receber o caderno, sente-se o Escolhido e utiliza sua incrível habilidade de raciocínio para criar uma sistemática de assassinatos sem que seja descoberto. Porém, ao longo dos 37 episódios da série, Light se mostra um tremendo psicopata frio e calculista, perdendo o senso de humanidade. Já vi diversas pessoas dizendo que, inconscientemente, torcia por Light, até pelo fato dele ser o protagonista e a série ter como foco suas artimanhas para nunca ser descoberto. Eu mesmo já me vi torcendo por ele. Isso porque assisti a série em quatro momentos distintos da minha vida, sendo a última muito recentemente. E aqui vem a genialidade do roteiro: desta vez, eu desprezei completamente o protagonista. Alguns detalhes de suas atitudes o torna desprezível, um verdadeiro monstro. E mais: em certo momento, ele está mais preocupado em matar as pessoas que estão no caminho dele do que eliminar os criminosos. E a forma calculista e sem humanidade que ele faz isso é assustadora.

A trama mostra um verdadeiro embate intelectual e silencioso entre Light e L, um grande detetive anônimo que já resolveu inúmeros casos dificílimos. L é uma espécie de trunfo da polícia, e será um dos personagens mais intrigantes da obra. Sua capacidade dedutiva é admirável, e as semelhanças com Light o torna a outra face da mesma moeda.

A aparição de Kira causou um enorme impacto no mundo. Também pudera, imagine uma entidade misteriosa matando criminosos por ataque cardíaco. Por um lado, muitas pessoas apoiam Kira, pois a taxa de crimes e guerras diminuíram drasticamente, sem contar a sensação de “justiça sendo feita”. Entretanto, ele tem o direito de matar pessoas a seu bel prazer, utilizando seu próprio julgamento? Poderia morrer algum inocente? Acompanhando as condutas de Light, fica difícil apoiar Kira, visto que várias mortes tem simplesmente objetivo de eliminar pessoas que o estão investigando. Percebe o debate que a obra traz?

A qualidade do roteiro se mantém alta durante quase toda a série, mas decai um pouco nos últimos 10 episódios. Apesar de várias conveniências de roteiro serem utilizadas nos finalmentes, grande parte delas são justificadas – e muito bem, por sinal. Essa é a grande sacada de Death Note. Os personagens fazem coisas esperando que o outro perceba e tome determinada atitude para, depois, chegar no que havia planejado. É um verdadeiro jogo de gato e rato elevado à enésima potência, quase uma Guerra Fria paranoica onde os personagens precisam deduzir e especular o próximo passo do outro.

Esta série animada foi baseada no mangá escrito por Tsugumi Ohba e ilustrado por Takeshi Obata. A qualidade altíssima da animação ficou a cargo do excelente estúdio Mad House. A trilha sonora também merece destaque, pois dão um clima perfeito às cenas. O ritmo de narrativa é excelente, principalmente nos momentos de raciocínio de Light e L, que são frenéticos.

Talvez você tenha ouvido falar sobre Death Note há anos. Talvez só ouviu falar após o lançamento do lastimável filme da Netflix. Afinal, vale a pena assistir ao anime? Sim, e muito. A obra, na maioria do tempo, é muito pé no chão, verossímil apesar dos exageros. Claro, existe o elemento sobrenatural do caderno e dos seus donos (Shinigami, ou Deus da Morte), mas é um thriller psicológico de primeira linha.

https://www.youtube.com/watch?v=UiaPyUD6M2w

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Death Note

29 de agosto de 2017 by Almighty

Cinema, Críticas

Adam Wingard, death note, Nat Wolff, Netflix, Shea Whigham, Willem Dafoe

Nos últimos anos, a Netflix tem produzido diversos animes e longas de animação japonesa. Desta vez, o escopo foi um pouco diferente: fazer uma adaptação em live action do aclamado anime/mangá Death Note. Esta não é a primeira versão em carne e osso da obra, pois já existem alguns títulos produzidos em terras nipônicas. A versão da Netflix, de Adam Wingard, transporta a série para solo americano, mais especificamente Seattle, e faz diversas adaptações.

Para quem não conhece a obra original, Death Note conta a história de Light, um estudante genial que encontra o famigerado Death Note. Basta escrever o nome da pessoa e ter o rosto dela em mente para que ela morra de ataque cardíaco. Também é possível mudar a causa da morte. Mais tarde, descobrimos que o caderno pertence a Ryuk, um shinigami (“deus da morte”) que simplesmente jogou o Death Note na Terra para ver o que acontece. A partir daí, Light se torna um genocida anônimo de criminosos e o mundo lhe dá o nome de Kira (pronúncia japonesa para “killer”). Ao mesmo tempo que é temida por alguns, a entidade Kira é venerada por outros, sendo tratada como um verdadeiro Deus da Justiça. A polícia recebe a ajuda de L, um jovem detetive de extrema inteligência que já resolveu casos muito difíceis. Light e L passarão a ter uma batalha silenciosa, quase uma Guerra Fria em forma de embates de intelecto e dedução, cada um tentando prever o próximo passo do outro.

É impossível resumir a genialidade de Death Note em um parágrafo, e está longe de ser minha intenção. Assim como não é possível criar uma boa trama baseada na obra original em pouco mais de 100 minutos. Esse é o maior problema deste filme.

Desde o início, já fica claro que a intenção não foi recontar a história original, mas sim trazer algo baseado nas idéias. Não haveria tanto problema, pois a trama de Death Note pode ser facilmente adaptada para qualquer cultura, visto que os elementos puramente japoneses não são o ponto central. Entretanto, o resultado final não faz jus ao nome Death Note. O ponto forte da série é o embate entre Light e L, quase uma batalha intelecto-dedutiva paranoica. O filme passou longe de mostrar algo que chegue perto da grandiosidade do anime/mangá.

Não há grandes atuações, e o roteiro não ajuda. Vale destacar apenas a excelente atuação de voz de Willem Dafoe, que deu vida a Ryuk, talvez o único personagem realmente fiel à obra original.

Adaptações são válidas, porém é importante manter a essência da obra original. Aqui se iniciam os problemas, especialmente no protagonista, Light Turner (Nat Wolff). Na obra original, ele é o estudante mais inteligente do Japão e possui convicções questionáveis sobre justiça. Ao encontrar o famigerado caderno da morte, ele decide limpar o mundo dos criminosos e se tornar uma espécie de deus. Obviamente ele fará isso às escuras, pois sua decisão o torna um genocida. Ao longo do anime, ele faz pouquíssimas alianças, e sempre de forma extremamente cautelosa e metódica, como um psicopata inteligente faria.

No filme da Netflix, a forma de mostrar essa inteligência de Light é o simples fato de ele fazer trabalhos escolares em troca de dinheiro. Seria uma tentativa de mostrar que ele não é honesto, de que ele é uma “má pessoa”? OK, vamos relevar… por enquanto.

Outro ponto muito raso é a forma como ele inicia o uso do caderno. Já temos uma cena gore que traz o primeiro grande momento trash do filme. E pior, ele não usa o caderno em um criminoso! A segunda morte é digna da franquia Premonição. Desde o início, as formas de matar ganham muito destaque, e isso já demonstra um caminho ruim do filme. Na obra original, se você apenas escreve o nome da pessoa no Death Note, ela morrerá de ataque cardíaco em menos de um minuto. Isso, inclusive, permitia que Light otimizasse sua conduta genocida e escrevesse dezenas de nomes por dia para exterminar os criminosos e fazer sua “justiça”. Aqui, as formas de morte ganham um destaque desnecessário. O caderno possui várias regras, e isso é explorado de forma até interessante em alguns momentos, mas de resto, as coisas se desenrolam de maneira boba.

Até aqui, poderíamos tentar relevar as decisões errôneas do roteiro. Porém, o erro fatal está na forma com que Light inicia uma “parceria”. Ao invés de ser friamente calculada e meticulosa, ele revela o Death Note da forma mais simplória possível a Mia (Margaret Qualley), personagem análoga à Misa do anime/mangá, mas que não possui semelhança alguma de personalidade ou aparência. Aliás, a personalidade de Mia se aproxima mais do Light original do que o próprio Light Turner!

Importante falar sobre os outros personagens. Neste filme, o núcleo principal é bem reduzido, o que possibilitaria gastar menos tempo em desenvolver personagens e agilizar a trama. O problema é que tudo acontece de forma tão rápida, tão repentina e tão simplória que não há desenvolvimento satisfatório dos personagens, tampouco das motivações e trama.

Tudo isso se refletiu em L (Lakeith Stanfield), um dos personagens mais interessantes e queridos da obra original. Mudar sua etnia não traz problema algum. Mas em momento algum sentimos que ele é uma pessoa de extrema inteligência e raciocínio complexo. Além do que, ele tem um surto de fúria que se desloca totalmente do L original.

O resultado final é um filme que traz apenas algumas ideias de Death Note. Não houve tentativas de contar a história original, o que não seria um problema. Infelizmente, tivemos um filme corrido, raso, com poucos momentos realmente interessantes que remetem às ideias mirabolantes do anime/mangá. Mesmo fazendo inúmeras concessões, levando em conta que não é uma adaptação fiel, temos um filme lamentável. No final das contas, não conseguiram desenvolver nem os personagens, nem as motivações, nem a trama. Tudo é mostrado e resolvido de forma repentina e simples demais, indo na contramão da obra original. Se você não gostar do filme mas achar interessante a ideia do caderno e das investigações, corra trás da obra original que vale muito a pena. Este filme não faz jus a ela.

–

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Review | Dragon Quest Heroes II

18 de agosto de 2017 by Almighty

Games, Reviews

Akira Toriyama, dragon quest, enix, jrpg, Koichi Sugiyama, square, Square Enix, Yuji Horii

Recentemente, a clássica série de RPG Dragon Quest se aventurou no estilo musou, onde toneladas de inimigos aparecem na tela para você vencê-los com golpes e magias mirabolantes em combates rápidos e frenéticos. A fórmula deu certo e resultou em um bom jogo, Dragon Quest Heroes. Neste segundo jogo, eles mantiveram a essência do anterior e trouxeram boas novidades.

O visual continua simples e estilizado, o que não tira a beleza do jogo. Preferiram manter o visual mais cartunesco, um enorme acerto. Os cenários também são muito bonitos e bem elaborados, melhor que o jogo anterior. A história mantém a simplicidade habitual da série: não se destaca, mas não ofende.

Aliás, vale mencionar desde já a grande mudança: agora o jogo é um gigantesco mundo aberto. Sim, as “arenas” não estão mais isoladas. Temos uma cidade central e, a partir dela, podemos ir andando para todos os lugares. No caminho, há dezenas de monstros que podem ser facilmente ignorados, o que é bom para quem quiser ir mais rápido para seu destino. Os ambientes são bem variados e trazem aquela atmosfera de “estou em uma grande aventura” dos jogos clássicos. A magia de teleporte Zoom ainda existe, possibilitando viajar instantaneamente para os locais já visitados.

O combate se manteve praticamente o mesmo. Toneladas de inimigos, chefes bem fortes, magias exageradas. Porém, tive a impressão de que a esquiva ganhou maior importância. Também foram adicionadas diversas magias, possibilitando combinações variadas para serem usadas nas batalhas. É possível selecionar quatro magias por vez, então escolha a combinação que melhor lhe atenda.

Os personagens também são bem variados, cada um com sua classe e habilidades específicas. Agora é possível mudar a classe de seu herói, possibilitando variações de jogabilidade. Porém, tal como em Dragon Quest III, ao mudar a classe do personagem, seu nível voltará ao 1. Só é possível utilizar 4 personagens por vez, então será difícil usufruir de todos, e certamente você terá dúvidas de quais personagens utilizar. Felizmente, todos os personagens recebem experiência, permitindo troca constantemente de grupo sem haver diferenças grandes de níveis entre eles.

Outra novidade são as “moedas de monstros”. No primeiro jogo, você coletava algumas moedas durante a batalha que permitia invocar o monstro para te ajudar. Foram adicionados outros dois tipos de moeda: uma que invoca o monstro para um ataque único (geralmente uma magia ou golpe poderoso) e outro tipo que transforma você no monstro! Isso traz ainda mais dinâmica e estratégia às batalhas.

Apesar das possibilidades de estratégias, este jogo não exige tanta habilidade. É aquele tipo de jogo que não traz um enorme desafio, mas que também não subestima o jogador. É necessário um mínimo de estratégia, sendo algumas poucas fases bem difíceis.

Finalmente implementaram um multiplayer online. É possível chamar pessoas para te ajudar nas missões, algo parecido com as invicações de Dark Souls. Experimentei esse modo de jogo pouquíssimas vezes, mas pareceu funcionar bem. Eu e meu companheiro, nas duas vezes em que joguei cooperativo online, utilizamos a heroína principal. Devido à dificuldade de encontrar pessoas online, não pude explorar o modo online com muitos detalhes, então, ficarei devendo maiores informações.

Desde já, preciso elogiar a versão de PC, que se mostrou melhor otimizada que o primeiro jogo. Mesmo assim, para conseguir fazer o jogo rodar satisfatoriamente, precisei fazer algumas configurações meio avançadas na placa de vídeo. Então, se você tem um PC com as configurações necessárias, porém o jogo está rodando lento, busque informações na internet para configurar sua máquina.

De resto, temos todos aqueles elementos que agradarão os fãs de Dragon Quest: as músicas fantásticas de Koichi Sugiyama, os monstros e personagens carismáticos de Akira Toriyama e, claro, a mente criativa de Yujii Horii. O fan service está explodindo neste jogo, é um prato cheio pra quem gosta do universo da franquia, em especial do Dragon Quest IV.

Temos aqui um bom jogo, divertido, bem feito, ótimo para passar o tempo. Quem gostou do primeiro vai adorar o segundo. Dragon Quest Heroes II melhorou bastante a proposta do primeiro, aumentou o escopo e conseguiu trazer algumas inovações. Temos um “mais do mesmo” com pitadas de novidade. Recomendado para os fãs da franquia clássica, para quem gostou do primeiro Heroes e para quem quer fugir de jogos mais exigentes e frenéticos como Dark Souls e Bayonetta. Disponível para PC, PSVita, Playstation 3, Playstation 4 e Nintendo Switch.

Review | Castlevania – 1ª Temporada

4 de agosto de 2017 by Almighty

Reviews, Séries

Netflix

Castlevania é uma série de animação baseada na conhecida franquia de videogames homônima. Esta primeira temporada, composta de apenas 4 episódios, tem como base principal o jogo Castlevania 3, lançado originalmente no NES em 1989.

Por enquanto, a série não entregou muito sobre a história, servindo mais para uma introdução do universo e apresentação das personagens. A trama se passa em Wallachia, local onde Drácula se estabeleceu. O monstro nutre enorme ódio pela humanidade, mas acabou fazendo uma trégua após conhecer a jovem Lisa, uma estudiosa da medicina e ciências. Entretanto, a Igreja faz algo que desperta novamente o ódio de Drácula, e este jogará toda sua fúria e monstros para dizimar os humanos.

A ambientação da série é muito boa, trazendo uma Era Medieval suja e violenta. A crueldade da Igreja é constantemente mostrada, dando um ar quase blasfemo em algumas cenas. Somos apresentados ao protagonista Trevor Belmont, membro remanescente da lendária família caçadora de vampiros, um nome bem conhecido pelos fãs dos games. A princípio, Trevor parece um beberrão sem grandes qualidades, mas depois se revela um poderoso guerreiro. Os atritos entre a Igreja e a família Belmont também possuem muito destaque.

A parte visual ficou ótima. Os cenários constroem bem a atmosfera da série, e o design dos personagens se aproximam das animações japonesas. A qualidade de animação é competente, mas não extraordinária. Cenas de batalha são inundadas de violência e boa dinâmica. A dublagem brasileira está bacana, não há vozes muito conhecidas, mas fizeram um bom trabalho.

É uma pena que não temos nenhuma música dos jogos, visto que a franquia tem a tradição de apresentar trilhas sonoras maravilhosas. As composições originais apresentadas na série não são memoráveis, porém cumprem seu papel.

Conforme dito anteriormente, esta primeira temporada não traz muito conteúdo sobre a história, mas conseguiu introduzir os personagens e o local da trama de maneira bem satisfatória. Por ser uma temporada bem curta, não vale a pena dar maiores detalhes da história aqui. O que posso dizer é que a série foi uma boa porta de entrada com potencial para se tornar algo muito interessante. Vale a pena assistir, mesmo não sendo fã dos jogos.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Review | Dragon Quest IV

17 de julho de 2017 by Almighty

Games, Reviews

Akira Toriyama, dragon quest, enix, jrpg, Koichi Sugiyama, square, Square Enix, Yuji Horii

Dragon Quest IV inaugura uma nova saga na franquia. Nos três primeiros jogos, vivenciamos a história do lendário herói Erdrick/Roto e de seus descendentes. Agora, iremos acompanhar a história de vários personagens que, de início, não têm ligação alguma. Ao longo da narrativa, seus caminhos irão se encontrar.

A estrutura do jogo é muito interessante. Ele é dividido em capítulos, cada um focando em um personagem distinto. Em cada um, existem particularidades no estilo em que a narrativa se desenrola, dando bastante personalidade a cada um. Apesar das histórias seguirem a simplicidade costumeira da franquia, é suficientemente interessante para gerar muito carisma.

O jogo foi originalmente lançado no NES. Posteriormente, ganhou remakes no Playstation e Nintendo DS. Esta versão do DS foi adaptada para dispositivos móveis iOS e Android. Este review terá como base a versão para Android.

O sistema de batalha tem a mesma base dos jogos anteriores, desenvolvendo-se em turnos. Os personagens já possuem classes definidas, cada um evoluindo de maneira diferente seus atributos e habilidades. Há uma enorme variedade de equipamentos, sendo estes tão importantes quanto subir de nível. Os inimigos possuem diversas animações de ataque, o que enriquece bastante a experiência.

A parte visual deste remake é parecida com aquela adotada em Dragon Quest VII: personagens em 2D, cenários em 3D, sendo possível girar a câmera em 360º na maioria dos lugares. Apesar da baixa resolução, o jogo é bonito. A versão original de NES se manteve praticamente igual aos três jogos anteriores.

Só é possível utilizar 4 personagens nas batalhas. Porém, em momentos específicos, você poderá alterná-los durante a batalha, facilitando bastante algumas lutas. Mas não se iluda, o maldito grinding continua necessário, tanto quanto buscar armas e armaduras de qualidade.

O novo formato narrativo permitiu criar personagens únicos e muito mais carismáticos, o que se manterá nos títulos futuros. Isso enriquece bastante a mitologia da série e dá ainda mais identidade. Tanto que será um dos maiores fan services dos Dragon Quest Heroes. Durante a jornada, é possível conversar com os personagens do grupo para saber o que estão pensando e, eventualmente, receber alguma dica sobre o que fazer a seguir.

O mundo é bem vasto, com muitas cidades e locais para se aventurar. Não existe uma linearidade grande, é possível explorar o mundo com bastante liberdade. O ciclo de dia e noite se manteve, e determinados eventos só acontecem em determinado horário.

Dragon Quest IV se mostrou um jogo mais equilibrado, um pouco mais fácil que os anteriores e mais divertido. Há poucos trechos frustrantes, permitindo que o jogador se mantenha interessado até finalizar a aventura. O final é muito simples, nada mirabolante, tal como os jogos anteriores, porém a sensação de “dever cumprido” é satisfatória e faz tudo valer a pena. São dezenas de horas bem divertidas, especialmente aos fãs de RPGs mais tradicionais. Jogar em plataformas móveis pode melhorar ainda mais a experiência, a versão de Android permite salvar o jogo em praticamente qualquer lugar, tornando possível jogatinas rápidas. Mais um excelente Dragon Quest.

Review | Dragon Quest III

21 de junho de 2017 by Almighty

Games, Reviews

Akira Toriyama, dragon quest, enix, jrpg, Koichi Sugiyama, square, Square Enix, Yuji Horii

Dragon Quest III é um dos jogos mais queridos pelos fãs da série. Seu lançamento no Japão foi um evento, tanto que, a partir daí, ficou proibido de lançarem um Dragon Quest em dias letivos, evitando caos e pessoas matando aula/trabalho para comprarem o jogo. Sim, Dragon Quest é fortíssimo em terras nipônicas.

O jogo traz diversas novidades em relação aos títulos anteriores, mostrando uma evolução bem natural. Lembram que no primeiro jogo você controlava apenas um herói e, no segundo, já eram três? Agora, seu grupo poderá ter até quatro heróis de classes variadas: guerreiro, mago, clérigo etc. Cada classe terá certos atributos melhores e piores em relação às outras. Com o passar dos níveis, o personagem adquire habilidades relativas àquela classe, dando uma boa diversidade ao jogo. Por se tratarem de personagem completamente genéricos, não há muito o que falar deles, apesar de enriquecerem a experiência de jogabilidade.

Versão de NES

Paralelo às classes foi implementado um sistema de personalidade, que poderá mudar durante a aventura. De acordo com a personalidade, seu herói evoluirá mais rápido em alguns atributos. Por ter um grupo maior de heróis, o desafio também aumentou: a quantidade de inimigos por batalha cresceu. O sistema continua o mesmo, com batalhas em turnos, mantendo a tradição clássica dos RPG.

Precisamos destacar o tamanho do mundo neste jogo. É algo impressionante, o mapa é gigantesco e se tornou ainda mais fácil você se perder e não saber para onde ir. Inclusive o jogo se torna um pouco em alguns trechos. Agora temos o ciclo de dia e noite, melhorando a sensação de passagem do tempo e adicionando eventos que só acontecem em determinado horário.

Versão de Gameboy

Este review tomou como referência principal a versão de Super Nintendo. O original saiu no NES com praticamente os mesmos gráficos dos jogos anteriores. Também existe uma versão para Game Boy. Neste remake, temos um dos jogos mais bonitos do Super Nintendo, com direito a ótimas animações dos inimigos durante a batalha. Esta versão foi portada para os dispositivos móveis iOS e Android, mas infelizmente tiraram as animações dos inimigos durante a batalha. Posteriormente, o jogo ganha uma versão para Nintendo Wii.

Dragon Quest III manteve o espírito da série e melhorou a parte técnica drasticamente. As novas mecânicas, conteúdos e classes enriqueceram bastante o título. A história continua bem simples, mas há aquela magia inexplicável que envolve a série. Cronologicamente, este é o primeiro jogo da série, vindo em seguida Dragon Quest I e Dragon Quest II. O jogo seguinte iniciará outra história.

O aumento na quantidade de heróis jogáveis foi um grande acerto, mesmo se tratando de personagens genéricos. O jogo seguinte vai aproveitar essa ideia para criar uma história mais elaborada e personagens mais desenvolvidos, porém deixaremos para um review futuro.

Versão de SNES

Não podemos deixar de mencionar a santíssima trindade que permeia a franquia: Akira Toriyama, o mestre do design de personagens; Koichi Sujiyama, o maestro da trilha sonora, e Yuji Horii, o gênio por trás das ideias. A qualidade e identidade da série se deve muito a essas três pessoas.

É compreensível que este seja um dos títulos mais queridos pelos fãs da série. O jogo trouxe muitas inovações e ditou regras para RPGs futuros, além de contar a origem de um dos personagens mais importantes da série. Aquela atmosfera de aventura se intensificou com o tamanho do mundo e da falta de linearidade da história. Os jogos seguintes iniciarão um novo arco narrativo aproveitando e evoluindo diversas mecânicas de jogo nascidas aqui. Dragon Quest III é um excelente jogo para conhecer a franquia e entender por que ela é tão querida, principalmente no Japão. Mas esteja preparado para se perder no vasto mundo e passar grandes dificuldades nas batalhas.

Review | Bayonetta

24 de maio de 2017 by Almighty

Games, Reviews

Bayonetta, Devil May Cry, Hideki Kamiya, Platinum Games, PS3, sega, xbox 360

Após longa espera, finalmente os jogadores do PC foram agraciados com um dos maiores ícones do hack’n slash da geração passada, originalmente lançado no XBox 360, Playstation 3 e Nintendo Wii U. Estamos falando de Bayonetta, a bruxa porradeira que desperta perversões nos tarados de plantão.

Logo de cara, podemos afirmar sem medo que Bayonetta tem fortíssima influência de outro ícone do hack’n slash: Devil May Cry. Não à toa, pois o diretor de Bayonetta, Hideki Kamiya, foi um dos responsáveis pela franquia que revelou Dante ao mundo, além de outros trabalhos muito importantes, tais como os primeiros Resident Evil.

Bayonetta foi publicado pela Sega e desenvolvido pela Platinum Games. Esta última fez sua história em jogos do gênero e tornou-se uma das referências da atualidade, sendo a responsável por Metal Gear Rising, dentre outros títulos.

Toda a ambientação e direção de arte são excelentes, com cenários góticos e inimigos celestiais/demoníacos, sendo impossível não lembrar de Devil May Cry. Momentos de ação extremamente exagerados e variações constantes de mecânicas tornam o jogo bem dinâmico e frenético. O próprio ritmo frenético do jogo não te incentiva muito a se aprofundar na história, apesar de vários textos serem coletados ao longo da jornada. Diferente do já citado Metal Gear Rising, deixar a história de lado não prejudica tanto a diversão.

Muitos poderes de Bayonetta são baseados na manipulação dos longos cabelos da bruxa. A roupa da personagem, inclusive, é feita dos cabelos. No momento que utiliza as magias, a roupa quase desaparece, sendo um elemento bastante apelativo e desnecessário, sem falar das inúmeras poses e closes na personagem, deixando-a extremamente sexualizada e objetificada. Fora isso, os poderes dos cabelos são muito legais, adquirindo formas variadas para eliminar os inimigos das formas mais brutais.

Além das perversões, o jogo possui muitas “japonesices”. Se esses elementos te incomodam, talvez Bayonetta não seja pra você. Se ignorar esses elementos, a jogabilidade faz o jogo valer a pena.

Ao longo da aventura, você coleta itens e dinheiro para comprar e melhorar habilidades e atributos. Existe uma boa variedade de golpes, tornando a experiência menos repetitiva. As batalhas exigem certa estratégia, principalmente contra inimigos que aplicam muito dano. Abuse da esquiva, ela é essencial para a vitória e desencadeia poderes durante as batalhas. Os famosos quick time events também são constantes, tanto nas batalhas quanto na jornada.

Mesmo sendo um jogo relativamente antigo, Bayonetta resistiu tranquilamente ao tempo, mantendo uma jogabilidade sólida e bons gráficos, especialmente no relançamento de PC. O ritmo frenético e as cenas de ação extravagantes dão ânimo para o jogador seguir em frente e descobrir as próximas maluquices da jogada. Um excelente hack’n slash, obrigatório para os fãs do gênero e uma excelente porta de entrada aos iniciantes.

Review | Inside

11 de abril de 2017 by Almighty

Games, Reviews

pc, playdead, PS4, xbox one

Após o grande sucesso de Limbo, a Playdead iniciou o desenvolvimento de seu segundo jogo. Foram anos de produção até que, em 2016, Inside foi lançado para XBox One, Playstation 4 e PC. E podemos notar aonde foi dispendido tanto esforço e cuidado.

Inside segue uma linha de narrativa e jogabilidade semelhante a Limbo, porém muito mais elaborado. Você controla um garoto que está fugindo de pessoas numa floresta. Por qual motivo? Não sabemos. E logo no início percebemos o quão bem feito está o jogo. Tal como Limbo, não há explicações, diálogos ou tutoriais. Tudo é descoberto pelo jogador ao longo da experiência. Por exemplo, o garoto está andando nessa floresta e avista algumas pessoas. Ele muda a postura como se estivesse querendo se esconder e não ser notado. É isso que mostra ao jogador o que se deve fazer. O garotinho está apreensivo em relação àquelas pessoas? Então evite-as, pois certamente é perigo.

Há muitas coisas a serem destacadas quanto aos detalhes visuais. Você sente o peso da movimentação do garoto, ele muda o tipo de movimentação de acordo com o terreno e situações, o cenário é muito bem construído e te diz muitas coisas… observe bem tudo que está à sua volta e vai entender o que estou falando. É impressionante o nível de cuidado. Os gráficos são bem estilizados, com texturas simples e personagens sem rosto, lembrando um pouco do clássico Another World.

A jogabilidade tem a simplicidade de Limbo. Ande, pule, arraste objetos, ative alavancas. O estilo de quebra-cabeças manteve a pegada de Limbo, exigindo raciocínio e observação. A profundidade do cenário é muito bem usada nesses pontos.

Inside também manteve um aspecto negativo do jogo anterior: a necessidade de morrer. Em algumas situações, será necessário pensar muito rápido para evitar a morte. Temos a impressão de que, novamente, os desenvolvedores fazem questão de te mostrar o pobre garoto morrendo das formas mais cruéis. E tal como Limbo, você se sente obrigado a perder qualquer empatia pela criança e vê-la como um simples boneco que morre a todo instante. Inside faz isso de forma menos explícita que Limbo, mas ainda assim se torna algo negativo. Até porque a morte quase não é tão punitiva, você recomeçará a jogatina poucos instantes antes do óbito e poderá tentar de novo e de novo e de novo… e morrer, morrer, morrer até descobrir um detalhe que te possibilita resolver o enigma.

Felizmente, são poucos quebra-cabeças que exigem mortes consecutivas. Na maioria dos casos é possível ficar parado e observar o cenário para pensar. Os poucos momentos que exigem algumas tentativas e erros são um tanto frustrantes, porém logo são compensadas com novos bons momentos.

Sobre a ambientação e história, o jogo não esclarece nada. O garoto passará por florestas, celeiros, prédios e zonas industriais, tudo interligado de forma bem interessante. O garoto simplesmente está seguindo em frente e resolvendo os quebra-cabeças pra continuar seguindo em frente… por qual motivo? Não sabemos. Ao terminar a jornada, você ficará ainda mais confuso e, talvez, um tanto perturbado pelo que acontece. Mas nada é explicado. É possível tirar inúmeras interpretações. Esse estilo de narrativa minimalista é interessante, mas prejudica um pouco a sensação de recompensa ao terminar o jogo. Por que fizemos tudo aquilo? O sofrimento do garoto valeu a pena? Qual o significado daquele final bizarro?

No geral, Inside é um jogo muito bem feito, com quebra-cabeças inteligentes e momentos intrigantes. A falta de objetividade da história talvez tire parte de sua empatia por tudo que acontece e torne a experiência meio vazia. Porém, como jogo, não há dúvidas quanto à qualidade e vale muito a pena conferir.

Review | Limbo

10 de março de 2017 by Almighty

Games, Reviews

android, ios, playdead, PS3, PSVita, xbox 360, xone

Um garoto vai em busca de uma garota num lugar sombrio e perigoso. Isso é tudo que sabemos da história de LIMBO, um dos grandes expoentes da “Era de Ouro dos Jogos Indie” lançado em 2010.

O estilo visual chama muito a atenção. Tudo é preto, branco e cinza, cenários mesclando florestas e lugares industriais. Cada tela do jogo poderia se tornar facilmente o fundo de tela do seu PC ou celular, a parte visual realmente é muito interessante e bonita. A movimentação do personagem também é bem feita, você sente o peso do personagem, sai poeira dos pés a cada passo, enfim, são detalhes que a Playdead não poupou esmero.

Porém, apenas a parte visual é rica em detalhes. Todo o resto é simples e minimalista. Não há barras de life ou qualquer outra informação na tela. Trilha sonora bem pontual. A jogabilidade é bem simples (andar, pular, ativar alavancas, empurrar objetos), mas suficiente para resolver os quebra-cabeças que bloqueiam seu caminho. Neste quesito, o jogo também foi bem cuidadoso e trouxe soluções bem sacadas e interessantes, alguém exigindo precisão de tempo e até uso da física. Será preciso pensar e observar o cenário para ter aquele lampejo de ideia e resolver o enigma.

Um ponto negativo, mas nem tanto, é a dinâmica de alguns quebra-cabeças. Muitos te obrigam a morrer pelo menos uma vez e pedem alguma tentativa e erro para serem resolvidos. O problema não é a tentativa e erro, o problema é ter que morrer. E as mortes são especialmente brutais e detalhadas, trazendo aquela sensação de derrota (isso é normal em qualquer jogo, diga-se de passagem). As mortes constantes trazem uma sensação de derrota maior que o normal, e pior, você é obrigado a criar uma certa frieza quanto às mortes, o que tira a empatia com o personagem. Em certo ponto, somos obrigados a ver o garotinho como um simples boneco, pois as mortes são muito constantes e, por vezes, obrigatória. Talvez a intenção da Playdead foi chamar a atenção do jogo com as mortes, mas isso tira o brilho ao invés de aumentar.

A título de comparação, as mortes de Super Meat Boy são mais aceitáveis por se tratar de um personagem bem mais cartunesco e o jogo ser bem mais “arcade”. Além do que, a morte do Super Meat Boy é uma pequena e rápida microexplosão de carne num gráfico pixelado e pequeno. O jogo não quis criar uma atmosfera mais densa e intimista. Muito pelo contrário, é sátira o tempo todo. Já no LIMBO existe uma atmosfera mais densa, a sensação de solidão e perigo de uma forma mais… humana, talvez? Por isso que essa necessidade de querer te mostrar a morte do personagem acaba dando a impressão de que o jogo quis se vender, ao menos em partes, utilizando o aspecto da violência, o que é algo negativo, pois LIMBO tem coisas muito mais interessantes que isso. A construção dos ambientes e quebra-cabeças são o ponto forte.

Tendo em vista a simplicidade da proposta e a relativa complexidade da execução, LIMBO se mostrou um grande jogo. Apesar da curta duração, é um jogo que proporciona momentos satisfatórios e memoráveis. Houve um baita cuidado em aspectos mínimos que passariam despercebidos pela maioria dos jogadores, mas a Playdead fez questão de fazer. Se você ainda não jogou LIMBO, não há mais desculpas, pois ele está disponível em praticamente todas as plataformas (XBox 360, XBox One, Playstation 3, Windows, Mac, Linux, Android, iOS, Playstation Vita).

Para ter outro ponto de vista sobre o jogo, leia este excelente review.

Review | Resident Evil 7

22 de fevereiro de 2017 by Almighty

Games, Reviews

Capcom, PS4, Resident Evil, xbox one, Zumbis

A franquia Resident Evil nunca teve medo de se reinventar, gostemos ou não. Ao mesmo tempo que não fazia algo totalmente inovador, acabou criando novos paradigmas dentro da indústria. Os três primeiros capítulos da série principal são fortemente inspirados em Alone in the Dark, porém acabou se tornando referência e deixando sua fonte inspiradora pouco conhecida pelo grande público. A partir do 4, apostou numa jogabilidade mais voltada à ação, que se estendeu ao 5 e 6. Neste sétimo jogo da franquia principal, a Capcom, nitidamente, se inspirou em jogos de terror recentes, tais como Outlast, Amnesia e Alien Isolation. E mesmo assim conseguiu manter a essência da franquia. Ou não?

A grande mudança está na perspectiva de visão, agora em primeira pessoa. Porém, esta não foi a primeira tentativa. No Playstation 1 tivemos o péssimo Gun Survival, além de jogos de “tiro sobre trilhos” em outras plataformas. O que podemos dizer é que Resident Evil 7 achou o tom certo e conseguiu aplicar boas ideias nesta perspectiva de primeira pessoa.

O jogo conta a história de Ethan, que certo dia recebe um e-mail de Mia, sua esposa desaparecida. O e-mail pede para que Ethan a encontre em determinado local no interior da Louisiana.

A trama se passa em uma casa isolada onde Ethan terá o desprazer em conhecer a família Baker, que parece ter saído do Massacre da Serra Elétrica – Parte 2. Ethan precisará lutar por sua vida e utilizar recursos bem limitados para isso. Neste ponto, Resident Evil 7 talvez seja o capítulo mais survival horror da franquia. Seu personagem é lento, a munição é escassa e a todo momento nos sentimos acuados, indefesos, numa atmosfera desesperadora. O fato de a visão ser em primeira pessoa impossibilita visualizar o inimigo quando estamos correndo dele. Isso causa ainda mais terror.

A ambientação contribui muito para gerar esse clima. Os cenários são muito bem construídos, o som ambiente muito bem colocado. A trilha sonora é pontual, gerando aquele sentimento de solidão. Tal como em Dark Souls, o barulho de seus passos será a trilha sonora principal. Tudo isso traz ainda mais imersão por causa da visão em primeira pessoa.

Todo o stress de Ethan é passado ao jogador, são vários momentos de tensão e alguns de susto. As primeiras horas de jogo são fantásticas, uma verdadeira experiência de terror. Sem dúvidas o ponto forte do jogo são os cenários muito bem construídos e críveis, mesmo com aqueles puzzles típicos da franquia. Muitos deles possuem uma justificativa, o que é impressionante. Houve um cuidado incomum nesse ponto. Os elementos do cenário e da trama conseguem fazer uma simbiose lógica.

Um dos recursos narrativos mais interessantes são as fitas VHS. Encontre algumas e, ao assisti-las, é você quem controla o filme. As fitas ajudarão a descobrir mais sobre a história e a resolver alguns puzzles.

Parece familiar?

Existem trechos que podem causar certa frustração aos jogadores mais afoitos. Você precisa lembrar que está numa situação de sobrevivência, de desespero, então não perca o controle. Poupe munição e itens de cura, evite matar quando possível, corra quando houver oportunidade, se esconda se tiver amor à vida. As limitações físicas de Ethan irão lhe lembrar isso a todo instante, o que é ótimo para a proposta do jogo.

De uma forma geral, Resident Evil 7 tem um saldo bem positivo. Deu a impressão de que prolongaram desnecessariamente a duração do jogo, sendo este, talvez, o motivo pelo qual o tom criado no início se perca em certos momentos. Terminei o jogo satisfeito, porém sem vontade de jogar novamente. Os fãs mais puristas irão desdenhar este jogo, mas saiba que a essência da franquia está ali. Não entrarei em maiores detalhes pois um dos méritos do jogo é te surpreender. Dar maiores detalhes de jogabilidade, cenário e personagens estragarão sua experiência (nem assista ao trailer abaixo). Saiba apenas uma coisa: jogue de mente aberta, dê uma chance e aproveite um baita jogo de terror com a essência de Resident Evil e referências aos clássicos do cinema B. Disponível para XBox One, Playstation 4 e PC.

Review | Cibele

7 de fevereiro de 2017 by Almighty

Games, Reviews

indie game, pc

No final de 2015 foi lançado um joguinho independente muito interessante, Emily is Away, onde a jogabilidade simulava um computador e chat na internet. Na mesma época, pouco tempo antes, havia saído outro jogo independente com premissa semelhante: Cibele. Porém, este é um pouco mais elaborado e com jogabilidade um pouco mais variada.

O jogo é uma espécie de autobiografia (?) de sua desenvolvedora, Nina Freeman, onde a própria aparece em cutscenes filmadas e faz as vozes dos diálogos. Tudo gira em torno das descobertas de Nina sobre relacionamentos e sexo.

A interface do jogo é o computador de Nina, onde podemos ler e-mails, ver fotos, dentre outras pequenas coisas. O foco narrativo fica a cargo do jogo online que ela joga com um amigo da internet. Você controla o personagem dela nesse jogo, que por sinal é extremamente maçante por se tratar de um MMO bem simplório. Obviamente que o foco não seria criar um MMO super elaborado. Esse jogo seria apenas uma forma para desenvolver a narrativa, que em sua grande maioria consiste no diálogo entre Nina e esse amigo. Cibele tem curtíssima duração, o que é bom, pois não é das coisas mais divertidas de se jogar. A história é bem simples, basicamente a “descoberta do amor” de uma garota. O fato da própria Nina ser a atriz das cutscenes é digno de nota e merece respeito, mesmo que o resultado não seja um primor. Mas o fato de ela ter a coragem de fazer isso já merece destaque.

É possível fazer um pequeno paralelo entre Cibele e Emily is Away, pois o método utilizado para fazer a narrativa são bem semelhantes. Eu diria que Emily is Away funciona um pouco melhor, talvez pela maior simplicidade. Cibele apostou num jogo dentro do jogo e não teve um resultado bom, tornou a experiência um pouco chata, apesar de criativa. Por mais curto que seja, o jogo se torna um um tanto cansativo para terminar numa sentada só. Porém, apesar do resultado final ser mediano, vale a pena jogar para sair um pouco da mesmice.

Review | Dark Souls III

24 de janeiro de 2017 by Almighty

Games, Reviews

dark souls, Hidetaka Miyazaki, pc, PS4, xbox one

Às vezes é difícil acreditar que Dark Souls tenha alcançado tanto sucesso. A dificuldade elevada afastaria grande parte dos jogadores atuais. Entretanto, vimos o contrário: o lançamento de Demon’s Souls, embora discreto, cativou um grande número de jogadores que acabaram alavancando o jogo na divulgação boca a boca. O sucesso foi tanto que a franquia teve uma continuidade espiritual, agora chamada Dark Souls, e uma espécie de spin-off, Bloodborne, exclusiva do Playstation 4.

A franquia Dark Souls tem duas características que, provavelmente, foram os elementos causadores do grande sucesso: dificuldade exigente e game design primoroso. Reparem, desta vez utilizei a palavra “exigente” para descrever a dificuldade, pois é o termo mais justo para o jogo. Dark Souls exige que o jogador saia da zona de conforto e jogue de maneira dedicada e não displicente. Muitas vezes você passará dezenas de vezes por um mesmo local onde estão 3 ou 4 inimigos bem fracos, e em determinada vez não tomará um mínimo de cuidado. O resultado será uma morte terrível e totalmente imbecil. Culpa do jogo? Não, a culpa é total e exclusivamente sua.

Sobre o design das fases, é algo pouco visto em jogos. Os cenários são grandiosos, fazendo com que o jogador se sinta impotente, fraco, pequeno, vulnerável. Os inimigos e chefes gigantes reforçam este sentimento. Aliás, nem sempre o tamanho e força do inimigo são os grandes desafios. Não raro, o posicionamento deles no cenário tornam as batalhas altamente desafiadoras. Não basta sair batendo e lançando magias de forma aleatória, é necessário estratégia e, principalmente, paciência.

O combate de Dark Souls é simples de entender e difícil de dominar. Existem basicamente duas opções: armas e magias. As armas variam de espadas até arcos, havendo uma imensa variedade. A diferença entre elas não é aenas na força, mas também velocidade, alcance e o movimento do golpe, algo muito importante neste jogo. Magias podem ser de elementos diversos, aumento de força dentre outras. Enquanto que as magias requerem Pontos de Magia (o famoso “mana”), ataques exigem Resistência. Ambos estão representados por barras, localizados abaixo da barra de vida do jogador.

É claro, nem só de ataques e magias vive um combatente. É primordial evitar os ataques do inimigo. Aqui surgem outras duas importantes mecânicas: uso de escudo e esquiva. Quem preferir a esquiva deve optar pelo uso de armaduras mais leves, possibilitando rolamentos rápidos. Equipamentos pesados diminuem a agilidade dessa manobra, inclusive seu controle dual shock irá vibrar a cada rolamento, dando uma ótima sensação de peso. Caso prefira mais contato nas batalhas, utilize armaduras pesadas e um escudo. É bom lembrar que tanto a esquiva quanto o bloqueio de escudo consomem sua barra de Resistência. No caso do escudo, quanto mais forte a pancada, mais Resistência será necessária para defender, lembrando que chefes gigantes possuem golpes indefensáveis. Mesclar esquiva e escudo é um dos pontos estratégicos do jogo.

Dark Souls III é mais inclinado ao uso da esquiva, tal como Bloodbourne. Além do que, comparado ao Demon’s Souls, Dark Souls I e Dak Souls II, o III é mais rápido, um tanto mais frenético, o que torna a esquiva mais útil que o escudo. “Ah, eu só usei escudo até o fim”, você diz. Sem problemas, esta é a grande qualidade de toda a franquia Souls: a customização de seu personagem é gigantesca. Raramente existirá um personagem com atributos e equipamentos idênticos aos seus. E mesmo que exista, o modo de jogar será diferente.

Falando em atributos, eis que chegamos ao grande terror do jogo: as almas. A cada inimigo derrotado, você coleta uma quantidade de almas. Essas almas servirão para adquirir itens ou subir de nível. Cada nível dá direito a subir apenas um dos vários atributos. É importantíssimo definir qual será o perfil de seu personagem (mago, guerreiro), qual o tipo de arma utilizará (pesadas, leves, longa distância) e se dará preferência à esquiva ou escudo. Uma construção errada de atributos, combinado com equipamentos ruins, trará uma dificuldade frustrante. Em determinado ponto do jogo, será possível redistribuir os pontos. Logo de cara, uma dica de amigo: não jogue de Pyromancer.

Mas qual o grande terror em relação às almas? É o fato de que, ao morrer, todas as almas ficarão no local do óbito. O jogador poderá voltar até lá para recuperá-las, porém, se morrer novamente antes de pegar, elas desaparecerão. É uma grande punição para que o jogador seja cuidadoso em sua jogatina.

Outro elemento marcante são as fogueiras. Durante a jornada, será possível acender fogueiras em locais predeterminados, permitindo ao jogador recuperar sua vida e seus itens de cura. Também é possível se teleportar de uma fogueira para outra, agilizando as viagens. A grande questão é que, ao descansar na fogueira, todos os inimigos derrotados serão revividos (com algumas exceções, incluindo chefes). Com isso, para avançar na jornada, cada área do jogo deverá ser vencida de uma vez. Se estiver na beira da morte e sem itens de cura, volte à fogueira para descansar, porém terá que vencer todos os inimigos daquela área novamente. O fato de os inimigos reviverem ao descansar na fogueira permite que você acumule almas mais facilmente. Em Dark Souls II, após matar o mesmo inimigo algumas vezes, ele nunca mais reviveria. Isso não se aplica no III.

O multiplayer da franquia Souls é muito interessante. Ao longo de sua jornada, você verá alguns fantasmas passando vestindo armaduras e armas em punho. Na verdade, esses fantasmas são jogadores que estão passando por ali em suas jornadas particulares. Isso torna a sua jogatina privada e coletiva ao mesmo tempo. Você poderá deixar recados no chão para que outros jogadores leiam. Também poderá deixar uma marca onde outros jogadores lhe invocarão para ajudar ou para batalhar até a morte. Ainda poderá deixar uma marca pedindo ajuda para que outro jogador vá até o seu mundo e lhe acompanhe em algum trecho ou chefe. O multiplayer é um ponto fortíssimo em Dark Souls, melhorando bastante a experiência. Tenho a impressão de que, no I e II, os chefes ficavam muito fáceis com a ajuda de outro jogador. No III, alguns chefes são bem difíceis mesmo com ajuda. Uma pena que os servidores têm pecado na estabilidade, ocasionando lags indesejados.

Outro ponto desafiador são os chefes. Os principais elementos da dificuldade são estatura e força deles. A grande maioria são bem maiores que você, com golpes fortíssimos e de longo alcance. É necessário conhecer os movimentos e golpes do inimigo para evitá-los, sempre poupando a barra de resistência para esquivas, bloqueios e ataques.

A ambientação de Dark Souls é muito interessante, mesclando castelos medievais, pântanos, fortalezas, ruínas, num clima mais europeu. Tudo é grandioso, os cenários são bem intuitivos, orgânicos e interligados, sendo possível ver, no horizonte, aquela torre em que você esteve há algumas horas. Nesse ponto, a franquia Souls é muito única. Só há trilha sonora durante os chefes, deixando uma atmosfera de solidão durante a jornada. É um ponto bem positivo, até porque os efeitos sonoros da franquia são excelentes e bem marcantes.

A parte visual em Dark Souls III melhorou em relação aos anteriores. Bom frisar que beleza gráfica nunca foi o ponto forte da série. O grande chamariz é a direção de arte, com os já mencionados cenários, equipamentos bem detalhados e design de inimigos interessante.

Um ponto polêmico na franquia Souls é a história. Muitos alegam, de forma totalmente equivocada, que não existe história. Na verdade, o idealizador da franquia, Hidetaka Miyazaki, inspirou-se muito nas obras Ico e Shadow of the Colossus para construir a narrativa minimalista daquele mundo. Junto a isso, o próprio relata que lia alguns livros em idiomas que não possuía grande domínio, entendendo parte da história e complementando o restante com sua imaginação. Dark Souls faz justamente isso: te dá elementos visuais no cenário, descrições nos itens e equipamentos e a partir daí cabe a você juntar os pontos. Se procurar sites especializados pela internet, verá que a franquia Souls possui um universo muito rico e história interessante. Só não foram dadas de mão beijada para o jogador. Será necessário parar de tempos em tempos, abrir e menu e ler a descrição dos itens para entender os pontos da história, algo que muitos não farão.

De uma forma geral, Dark Souls III manteve a essência dos jogos anteriores, aprimorou a parte técnica e deixou a jogabilidade mais ágil e fluida. A dificuldade se mantém desafiadora, exigindo cuidado e habilidade dos jogadores. É uma excelente porta de entrada para a franquia, não sendo estritamente necessário jogar os títulos anteriores, mas saiba que o III tem bastante fan service com elementos dos outros jogos. Se quiser sair da zona de conforto e ter um desafio grande, pode jogar sem medo… mas tome cuidado com aquela passagem, talvez haja algum inimigo esperando atrás no muro. Disponível para XBox One, Playstation 4 e PC.

Review | Street Fighter V

3 de novembro de 2016 by Almighty

Games, Reviews

Capcom, PS4, street fighter

Street Fighter V foi lançado envolto de críticas e polêmicas. A quantidade de conteúdo disponibilizado, a instabilidade dos servidores, tudo isso derrubou as notas do jogo. Entretanto, grande partes das pessoas que deram foco a estas questões simplesmente ignoraram o jogo em si. Fiz uma prévia do jogo na época do segundo beta, onde mencionei algumas mudanças de jogabilidade, aspectos mais técnicos e primeiras impressões, mas devido ao curto período do teste, não foi possível trazer um veredito. Agora poderei analisar de forma mais concreta.

De início, há 16 personagens: os já conhecidos Ryu, Chun Li, Ken, Nash, M. Bison, Vega, R. Mika, Karin, Dhalsim, Zangief, Birdie e Cammy e os inéditos Rashid, Laura, Necalli e F.A.N.G.. Ao longo deste ano, mais 6 lutadores foram adicionados via DLC (Alex, Guile, Ibuki, Balrog, Juri e Urien). Aparentemente são poucos lutadores, mas a qualidade falou muito mais alto que a quantidade. Dificilmente alguém utilizará todos os personagens de forma constante, então acredite, é uma boa quantidade que consegue manter o equilíbrio do jogo.

O jogo trouxe diversas novidades para a franquia. De início, podemos citar o modo história, que é dividido em Geral e Individual. Neste, cada personagem terá uma breve narrativa com imagens estáticas e diálogos dublados intercalados com lutas de apenas um round. Já no Modo História Geral, a Capcom apostou num formato semelhante àquele visto nos títulos recentes de Mortal Kombat. Muitas cutscenes utilizando o motor gráfico do jogo e diversas lutas no decorrer da trama. Apesar de Street Fighter nunca teve um enredo primoroso, tanto o modo Individual quanto o Geral possuem uma narrativa divertida e minimamente interessante. O carisma dos personagens é o ponto forte.

Outra novidade é a forma com que o jogador poderá comprar o conteúdo do jogo (roupas, cenários, personagens e afins). Além de dinheiro real, você poderá utilizar a moeda interna do jogo, o Fight Money, adquirido em partidas online, desafios diários e finalizando alguns modos de jogo. Com um pouco de empenho, será possível acumular uma quantidade significativa de Fight Money, suficiente para adquirir os seis personagens acrescentados no decorrer deste ano. O preço dos personagens é razoável (100 mil), entretanto os cenários (70 mil) e roupas (40 mil) são proporcionalmente caros. Quem desejar adquirir muito conteúdo além dos personagens terá que, eventualmente, gastar dinheiro real.

Muito se falou sobre a quantidade baixa de conteúdo offline. Realmente o jogo foi lançado apenas com o Modo História Individual e o Survival (Sobrevivência). Até o momento, foram adicionados o Modo História Geral e o Versus CPU, faltando o clássico Modo Arcade. O Modo História Individual não oferece um nível de dificuldade desafiador. O Geral só oferece quando finalizado uma vez, pois habilita a dificuldade Extra. O Survival tem dificuldade inconstante e uma dinâmica de jogo de apenas um round, sendo os únicos atrativos adquirir novas cores de roupa e bastante Fight Money (a diversão é muito questionável). Desta forma, o Modo Arcade, onde você escolhe um personagem e enfrenta uma sucessão de lutas até o último chefe, faz falta para uma jogatina rápida e casual. Porém, não é um ponto extremamente negativo, ainda mais se o seu objetivo for a jogatina online.

Nesse ponto, o jogo é fantástico. Para começar jogadores de PC e Playstation 4 podem jogar entre si, o que amplia significativamente a quantidade de adversários disponíveis. O ranking mundial agora é único, não havendo distinção entre PC e console. O netcode melhorou bruscamente, possibilitando lutas sem lag entre jogadores de países diferentes.

A parte gráfica está muito bonita com modelagem em 3D e texturas detalhadas. Diversas músicas conhecidas retornam com novos arranjos e os temas inéditos acompanham a qualidade da série. Elogiar a parte sonora de Street Fighter sempre é chover no molhado, a franquia é impecável neste ponto.

Para acolher novos jogadores, Street Fighter V adicionou alguns elementos bem amigáveis. Primeiro, existem bons tutoriais que apresentam os conceitos básicos de um jogo de luta. Durante as partidas, alguns termos vão aparecendo na tela dizendo o que acabou de acontecer (cross up, counter, reversal etc), ajudando ainda mais na compreensão da luta. Além disso, cada personagens tem uma série de desafios para que você execute alguns combos, ajudando no aprendizado de movimentos básicos e garantindo um Fight Money extra.

Paralelo a tudo isso, as mecânicas de jogo estão um pouco mais fáceis de se aprender, entretanto a profundidade ainda existe. Isso significa que o novato vai demorar menos tempo para aprender o básico, e o jogador avançado ainda terá à sua disposição ferramentas para incrementar suas estratégias e combos.

As três mudanças principais em relação ao Street Fighter IV são:

barra de especial única: o Ultra foi retirado, voltando ao sistema mais clássico de barra única. Utilize a barra completa para executar a Critical Art, o golpe mais forte do personagem (análogo ao Super das versões anteriores). A barra está dividida em 4 níveis. Utilize um nível para tornar os golpes EX, aumentando sua força, velocidade e até adicionando propriedades especiais. Os golpes EX fazem o personagem brilhar em tom alaranjado.
V-Skill: golpe ou habilidade executada ao apertar o soco e chute médio simultaneamente. Cada personagem possui uma diferente. O Ryu, por exemplo, executa o famoso parry do Street Fighter III, enquanto que o Balrog faz uma esquiva.
V-Trigger: logo acima da barra de Critical Art temos a barrinha vermelha do V-Trigger. Ela também é dividida em níveis de quantidade variável dependendo do personagem. Utilize um nível para efetuar um contra-ataque logo após uma defesa, ótima ferramenta para escapar da pressão. Ao atingir o nível máximo, o personagem poderá ativar seu V-Trigger. Geralmente o personagem fica mais forte, ganha habilidades novas ou executa um golpe especial. Pode ser utilizado em combos, inclusive para cancelar golpes e criar combos ainda maiores. É um substituto do FADC (Focus Attack Dash Cancel) do Street Fighter IV e muito mais simples de executar. Esta barra é zerada ao final de cada round.

A Capcom prometeu que não terá versões Super, Ultra e afins do jogo, todas as atualizações serão feitas dentro do Street Fighter V, o que é louvável. Isso ajudará a manter a comunidade unificada, deixando a critério do jogador adquirir novos conteúdos ou não.

Street Fighter V conseguiu, de forma surpreendente, renovar a série, manter a essência e ser mais atrativo a novos jogadores sem abandonar o lado competitivo. A falta de conteúdo offline foi um erro comercial enorme e a Capcom está correndo atrás do prejuízo disponibilizando novos modos de jogo ao longo do tempo. Tecnicamente, é um jogo de luta excepcional, divertido e muito competitivo. Uma excelente porta de entrada para quem quiser se iniciar em jogos de luta. Se você pretende se aventurar em nível mais competitivo no modo online ou juntar os amigos para jogar em casa, vale muito a pena adquirir o jogo. Se quiser apenas jogar algumas partidas contra a máquina, o Versus CPU e o Survival poderão lhe atender muito bem. A falta do Modo Arcade ainda pode afastar o público mais casual, resta aguardar se a Capcom irá adicioná-lo no futuro (muito provável que sim). De qualquer forma, Street Fighter V é um jogo de luta de extrema qualidade e merece ser jogado pelos adoradores do gênero.

Review | Journey

19 de outubro de 2016 by Almighty

Games, Reviews

Jenova Chen, journey, PS3, PS4

Journey alcançou um sucesso arrebatador. Jogadores aclamaram a pequena obra de arte lançada originalmente no Playstation 3, posteriormente no Playstation 4, de uma forma pouco vista. Inúmeras pessoas consideram Journey o jogo de suas vidas, algo único e fantástico. Sempre tive curiosidade para conferir esse tão aclamado jogo, mas o fato de ser exclusivo do Playstation me impediu. Dias atrás consegui jogar o tal jogo e, após finalizá-lo, um questionamento assolou minha alma: “Por que diabos esse jogo foi tão aclamado?”.

Três coisas são incontestáveis: a arte do jogo é muito bela, as músicas fantásticas e o peso do personagem ao subir e descer as dunas é um detalhe cuidadoso. Mas é só isso. Visual e música, em hipótese alguma, sustentam um jogo. É como um filme repleto de efeitos especiais e sem roteiro, sem bons atores, sem ao menos o fator diversão. Journey é justamente isso, um jogo medíocre travestido de algo belo.

Você controla um viajante do deserto que pula e consegue planar. O objetivo não é muito claro de início, tudo leva a crer que você deverá ir até uma montanha iluminada que pode ser vista ao longe. Então você anda. E anda. Pula. Anda. Flutua um pouco. Anda. E anda. Após meia hora de jogo, a experiência fica tão tediosa que dá vontade de largar pra jogar algo mais interessante. Repito, belos cenários e músicas bonitas não sustentam um jogo. Existem ótimos exemplos de boas histórias com jogabilidade simples (To The Moon e Gone Home) ou jogabilidade elaborada com história minimalista, belos cenários e músicas excelentes (Shadow of the Colossus). Não podemos esquecer de Braid, o indie dos indies, que trouxe uma jogabilidade de plataforma bem manjada, incluiu elementos de modificar o tempo (já visto em Prince of Persia: Sands of Time) com uma história bem interpretativa, resultando um jogo excelente. Já o Journey finge ser um jogo profundo quando, na verdade, traz algo tão subjetivo e desinteressante que parece ter sido um potencial desperdiçado.

Vi muitas pessoas fazendo analogias de que Journey seria uma representação da própria vida, onde você começa inexperiente e vai evoluindo ao decorrer do tempo. Ou mesmo que os desafios vão aparecendo no momento em que você tem maior experiência. Ou ainda que é uma forma bem nítida da famosa jornada do herói, Ah sim, isso simplesmente acontece na maioria dos jogos, por que Journey é tão especial? Super Mario Bros seria uma grande metáfora da vida onde os desafios ficam mais difíceis com o decorrer das fases até enfrentar o grande desafio final? Pois é. Sinto que as pessoas enxergam coisas espetaculares em algo banal, coisas que poderiam ser enxergadas em diversos outros jogos que não se propõem em filosofar. Journey é vazio e aparentemente tenta nos enganar com a bela arte e músicas emocionantes.

E o que dizer do “fantástico” e “cativante” multiplayer? Nossa, no meio de sua jornada aparece outro viajante parecido com você e começa a te ajudar de uma forma natural e intuitiva. Uau! Que fantástico! A única comunicação é um barulhinho com brilho acompanhado de um símbolo único para cada personagem. E no final você sabe o nome do jogador que te ajudou…

Isso era pra ser algo excepcional, que faz seu coração bater mais forte e chorar? Por favor. Emocionante é o seu amigo te salvar da morte em Left 4 Dead. Emocionante é a interação dos irmãos no “cooperativo solitário” Brothers: A Tale of Two Sons, especialmente na reta final do jogo. Repito, vejo pessoas se emocionando em Journey com elementos que poderiam emocioná-las em Super Mario Bros. A diferença é que Journey se trata de um “jogo arte”, daí acontece aquela máxima do Sexto Sentido: “Eles veem o que querem ver”.

Vamos trazer um outro comparativo: Dark Souls. Tal como Journey, normalmente você não conversa com o outro jogador, limita-se a gestos e poucos sons. Você sabe que o jogador é mais experiente pela habilidade demonstrada ou mesmo pelos equipamentos e magias que está usando. Em Journey, você sabe que o outro jogador é mais experiente pelo comprimento do cachecol. É isso que torna este jogo genial, emocionante e profundo? O comprimento da vestimenta? Uma coisa bacana em Dark Souls é enfrentar um chefe ao lado de um desconhecido, ver ele quase morrendo, sofrendo junto com você, correr de peito aberto para atingir o inimigo e chamar a atenção até que, ao derrotar o monstro, vocês fazem uma reverência e outros gestos para demonstrar alegria e gratidão. É uma sensação de dever cumprido, de jornada cumprida. Em Journey, a grande emoção é andar, pular e fazer panos brilharem. Grande história de amizade? Não mesmo. Tensão? Jogue Dark Souls, Dead Space ou até Super Meat Boy pra saber o que é isso. Solidão sendo aliviada com a chegada de outro jogador pra te ajudar? Dark Souls. Cenários grandiosos e bonitos? Dark Souls de novo. E de novo. E de novo. Não vi ninguém chorando de emoção com esses elementos de Dark Souls (amizade, solidão, cenários, música emocionante), e Journey, sinceramente, não tem nada de melhor para fazer isso.

Parece incoerente comparar Journey a outros jogos com propostas diferentes. Porém, quero mostrar que nenhum elemento de Journey é extremamente inovador, tampouco genial. A grosso modo, é um joguinho de andar e pular num cenário vazio de interação mínima onde elementos de história completamente vagos te permite tirar qualquer interpretação.

O problema não é ter enxergado algo emocionante, isso vai da sensibilidade de cada um, e não existe problema algum nisso. Toda obra pode ser interpretada de acordo com as suas convicções, experiências, crenças e gosto. É um direito seu, e ninguém pode tirar. O problema são pessoas falando que, se você não se emocionou ou gostou, você jogou errado, você é um monstro, você é um idiota. Tal como a “profunda lição de vida” de Journey, algumas pessoas precisam entender que todos são diferentes, que existem opiniões diversas e, principalmente, que não existe unanimidade nesta vida. É muito fácil surgirem inúmeras interpretações de Journey quando o jogo te apresenta justamente aqueles elementos-chave já manjados de qualquer tipo de aventura e deixa tudo extremamente vago. Dizer que existe uma forma correta de jogar algo tão simplório é, no mínimo, pedante.

Apesar dos muitos pesares, não diria que Journey é um jogo execrável. Ele tem seus pontos interessantes, vale a pena dar uma conferida por alguns minutos, mas saiba que é uma experiência chata, tediosa, maçante e muito vazia. Visual e musicalmente é uma obra de arte, mas como jogo é medíocre. Como experiência também. Existem formas mais interessantes de fazer algo subjetivo e interpretativo, e Journey falhou para mim. Terminar o jogo não é uma recompensa, é um alívio. Quem tirou lições de vida e grandes emoções deste jogo, sem problemas, cada um tem uma forma de ver e sentir as coisas. Mas saiba que, se você espera jogar algo minimamente divertido ou envolvente, não consegui ver essas qualidades em Journey.

Só para constar, joguei ao lado de um amigo e uma amiga, e eles também não se emocionaram, não choraram e acharam o jogo/experiência fraco e tedioso. Mas claro, nós três jogamos do jeito errado, então não temos capacidade de entender o jogo, não é mesmo?

Para ter um ponto de vista diferente, leia este outro review publicado no site. Quanto mais opiniões, melhor.

Review | Clash Royale

4 de outubro de 2016 by Almighty

Games, Reviews

android, ios

É muito difícil se destacar na indústria de jogos mobile. A quantidade de títulos produzidos é absurda, sendo uma grande parcela de qualidade duvidosa. Muitos jogos passam batidos pelo público, mas a Supercell sempre conseguiu destaque. Todos os seus jogos atingiram boa notoriedade, sendo Clash of Clans um dos maiores fenômenos. Aproveitando o carismático universo e personagens desse jogo, a Supercell criou uma nova proposta: Clash Royale.

Clash of Clans mescla administração e batalhas. Porém, se o jogador não estiver disposto a gastar dinheiro real, a progressão é extremamente lenta. Isso mudou em Clash Royale. Se o jogador tiver um mínimo de paciência e souber administrar seu tempo, poderá evoluir sem grandes problemas.

Clash Royale tem foco nas batalhas um contra um. Cada jogador ficará de um lado da arena e deverá proteger suas três torres durante três minutos. Ao final da partida, quem destruir mais torres vence. Destruindo a torre central, a partida acaba imediatamente.

Cada jogador deverá escolher oito cartas para entrar em batalha, sendo unidades, feitiços ou construções. Unidades são pequenas tropas ou um único combatente, podendo ser guerreiros, magos, arqueiros, monstros e diversos outros personagens já conhecidos de Clash of Clans, possuindo variedade de força e vida. Feitiços podem causar dano, aumentar a força, congelar e afins. Construções variam de torres de ataque a casinhas que geram unidades de tempos em tempos.

Vale ressaltar que Clash Royale não é um jogo de cartas propriamente dito. As cartas são apenas uma representação das unidades, feitiços e construções que serão conjurados na arena de batalha.

Inicialmente, cada jogador poderá conjurar suas unidades e construções apenas em sua metade da arena. Ao destruir as torres inimigas, essa área se amplia para dentro do campo inimigo, facilitando a pressão sobre o adversário. Já os feitiços e algumas unidades específicas poderão ser lançados em qualquer ponto da arena a qualquer tempo.

Cada jogador terá apenas quatro cartas por vez. Ao usar uma, outra virá para sua mão. É possível saber qual é a próxima carta que virá, mostrada no canto inferior esquerdo da tela.Essa quantidade limitada de cartas na mão obriga o jogador a utilizá-las de forma estratégica. Vale dizer que as cartas são infinitas, ou seja, enquanto durar a partida, você irá recebendo novas cartas à medida que utilizá-las, porém nunca virá uma diferente daquelas oito que você escolheu previamente.

Outro ponto importantíssimo da estratégia é administrar os pontos de elixir, necessários para utilizar as cartas. Quanto mais poderosa a carta, mais elixir será necessário. Os pontos de elixir são recuperados gradativamente com o passar do tempo (cerca de um ponto a cada três segundos). Após dois minutos de batalha, a velocidade de recuperação de elixir dobra, deixando a batalha mais frenética. A música contribui bastante para dar esse clima. Aliás, vale destacar a parte sonora do jogo, com músicas legais e efeitos muito divertidos.

Já é possível notar que o jogador não pode simplesmente escolher cartas muito fortes e pronto. Deve haver um balanceamento entre cartas que consomem muito e pouco elixir, verificar as habilidades de cada unidade, feitiço ou construção e criar uma estratégia de jogo.

Todas as partidas são online, e seu oponente é encontrado quase que instantaneamente. O jogo possui uma espécie de rank onde cada jogador tem uma quantidade de troféus, que representam a pontuação. Cada vitória lhe garante uma quantidade de troféus. Cada derrota lhe tira alguns troféus. Com isso, o jogador será enquadrado em uma arena específica, e só enfrentará jogadores daquela arena, que possuem uma quantidade de troféus parecida com a sua.

As arenas não servem apenas para separar os jogadores de nível similar. Também servem para definir as recompensas auferidas com as vitórias. A cada vitória, você receberá, além dos troféus, uma pequena quantidade de dinheiro e um baú. O baú de prata é o mais comum e lhe dará pouco dinheiro e cartas mais comuns. Outros baús trarão mais dinheiro e cartas melhores. A cada nova arena alcançada serão liberadas novas cartas possíveis de aparecerem nos baús.

Aqui vem uma sacada excelente da Supercell: para abrir os baús, você precisa esperar uma quantidade de horas. O baú de prata demora 3 horas para ser aberto, enquanto o baú de ouro demora 8 horas. Outros chegam a pedir 12 ou 24 horas de espera. Se quiser abri-los imediatamente, basta gastar gemas, tal como no Clash of Clans. Tendo em vista que você só poderá acumular quatro baús, cabe a você decidir se vale a pena gastar gemas para abrir um baú e liberar vaga para um novo.

“Ah, então esse jogo é pagar-para-vencer, te obriga a gastar dinheiro real pra comprar gemas e ficar abrindo baús?”, você pergunta. Felizmente, não. Em momento algum o jogo te impede de jogar. Você poderá travar batalhas o dia todo, porém se todas as vagas de baús estiverem preenchidas, você ganhará apenas os troféus e dinheiro com sua vitória. Ou seja, apesar de limitar a aquisição de baús, o jogo não te impede de jogar, e isso é louvável. Além do que, você pode jogar algumas partidas, ir abrindo os baús ao longo do dia e depois jogar mais para ganhar novos baús.

Importante dizer que as gemas, além de serem compradas com dinheiro real (os preços são pouco convidativos), também aparecem nos baús permitem acumular uma quantidade razoável a longo prazo.

O jogo te permite abrir diversos baús ao longo de um dia, e a coisa fica ainda mais fácil por ser um jogo de celular: você poderá abri-lo em qualquer lugar que tenha wifi ou 3G, e não lhe tomará nem um minueto para abrir o baú. Então, mesmo que você esteja trabalhando ou estudando, é só dar uma olhada rápida e abrir o baú. Em alguns dias já será possível acumular bastante dinheiro, gemas e cartas.

OK, mas pra que serve o dinheiro dentro do jogo? Para comprar e evoluir suas cartas. Também será necessário acumular uma certa quantidade da mesma carta. Quanto maior o nível, mais cartas e dinheiro serão necessários. Para adquirir cartas, além dos baús e da compra direta na lojinha, poderão ser adquiridas mediante doação do seu clã. Você poderá se juntar a algum clã e pedir doação de cartas. Quem doa cartas recebe uma pequena quantidade de dinheiro e pontos de experiência para subir o nível das suas três torres, aumentando assim o ataque e vida delas.

Clash Royale é simples e complexo ao mesmo tempo. Se por um lado é fácil de aprender a jogabilidade, por outro há uma grande profundidade na estratégia, evolução de cartas e afins. O jogo é muito bem feito e, na medida do possível, equilibrado. Quem estiver disposto a gastar dinheiro real terá maiores chances de evoluir com rapidez e adquirir cartas mais raras, porém os preços não ajudam. Felizmente, o jogo não te obriga a gastar dinheiro real e, diferente do Clash of Clans, a evolução não é tão lenta. Quem tiver paciência de olhar o jogo durante o dia, por alguns instantes, e abrir os baús ao longo das horas, conseguirá evoluir até rápido, e sem gastar um tostão. Só preciso fazer uma advertência: Clash Royale é extremamente viciante. Cuidado para não afetar sua produtividade. Disponível para Android e iOS.

Review | Metal Gear Rising: Revengeance

30 de agosto de 2016 by Almighty

Games, Reviews

hideo kojima, konami, metal gear, Platinum Games, PS3, xbox 360

Alguém imaginava que a série Metal Gear se tornaria um hack’n slash? Bom, quem jogou Metal Gear Solid 4 e viu a performance de Raiden pode ter imaginado esta possibilidade. Anos mais tarde, tal ideia tomaria vida. Para tanto, a Kojima Productions se uniu à Platinum Games e criou algo surpreendentemente fiel a Metal Gear numa pegada completamente diferente do que a franquia já havia apresentado.

Metal Gear Rising: Revengeance, lançado para XBox360, Playstation 3 e PC, se passa alguns anos após Metal Gear Solid 4 e toda a ambientação remete àquele jogo, especialmente alguns inimigos. Você controla Raiden, o protagonista de Metal Gear Solid 2 que fez importantes aparições no 4 na forma de um ciborgue.

Quem gostou das batalhas de Raiden em Metal Gear Solid 4 vai pirar com este jogo. O ninja ciborgue está mais poderoso do que nunca e deixará tudo em pedaços com sua espada. Raiden é absurdamente forte e rápido, tem movimentação fluida e golpes mirabolantes. Cada batalha será regida por uma chuva de golpes, membros dilacerados e um banho de sangue. O jogo é muito violento, sendo amenizada levemente pelo fato de os inimigos terem partes mecânicas, caso contrário o gore seria intenso.

Dentre as diversas opções de golpes e combos, o maior destaque do combate é o Blade Mode, onde tudo ficará em câmera lenta e Raiden aplicará inúmeros golpes para dilacerar seu oponente. O mais interessante é a possibilidade de controlar os cortes, escolhendo a direção de cada um deles para atingir partes específicas do inimigo.

Existem duas barras no jogo: vida e energia para executar o Blade Mode. Ambos podem ser recuperados com itens ou retirando essas energias do “núcleo” dos inimigos. Para isso, você deverá golpeá-lo para deixar o corpo bem fraco e executar o Blade Mode para cortar o ponto exato para extrair o “núcleo”. Isso incentiva o jogador a utilizar o Blade Mode com mais precisão e menos displicência.

Um dos pontos mais interessantes é a possibilidade de utilizar a furtividade. Sim, Raiden não precisa entrar com o pé da porta e chamar a atenção de todos. É possível se mover pelo cenário e eliminar os inimigos silenciosamente. Sem dúvidas isso enriquece bastante a jogabilidade. Apesar disso, Raiden não rasteja, apenas andará mais devagar.

A maioria dos combates são muito frenéticos e grandiosos. Raiden fará coisas típicas de anime, mesclando quick time events em meio a pancadaria. O comando de bloquear golpes é muito importante para facilitar as batalhas. Explore ao máximo a capacidade de Raiden e garanta o sucesso. Mesmo controlando um personagem bem forte, o jogo não é tão fácil. A curva de aprendizado é fantástica, principalmente para quem prestar atenção nos detalhes do combate e quiser aprender os movimentos. A batalha final talvez seja o único ponto onde a dificuldade se eleva de forma um pouco brusca, mas se você treinou sua precisão no Blade Mode, não será nada impossível.

OK, então as únicas referências a Metal Gear são o nome do jogo e o personagem principal? Definitivamente, não. Mesmo sendo um jogo de (muita) ação, Metal Gear Rising possui uma trama bem interessante, inclusive com assuntos pesadíssimos. Entre as batalhas teremos várias cutscenes, raramente longas, que vão trazendo todo o plano de fundo da história. Mas está faltando alguma coisa… algo presente em todos os jogos da franquia… ah, sim! O Codec!

Por incrível que pareça, este jogo trouxe os diálogos via Codec. E não se engane, a quantidade de diálogos é GIGANTE! Se você quiser consumir todo o conteúdo disponibilizado, deverá investir um bom tempo. Entre cada missão, dezenas de linhas de diálogo estarão lá para serem ouvidas. E são muitas mesmo. Você pode ignorá-las completamente, mas perderá boa parte da história e informações. Por exemplo, nunca saberá qual personagem é brasileiro, e não ouvirá várias referências aos jogos de Metal Gear, citações a Solid Snake, dentre outras coisas bem interessantes. O Codec é algo que vai muito na contramão do jogo, pois quebra a ação frenética. Por outro lado, enriquece o universo de maneira surpreendente.

É provável que somente fãs de Metal Gear terão o espírito para ouvir tantos diálogos no meio de batalhas tão intensas. No meu caso, joguei Metal Gear Rising pela primeira vez antes de terminar qualquer jogo da série Metal Gear, e não tive paciência nem interesse em ouvir aquele monte de conversa. Depois, após finalizar todos os Metal Gear Solid, tive mais interesse em ouvir os diálogos do Codec e achei um elemento muito bacana.

Este jogo tem inúmeros elementos para agradar os fãs da série, desde referências aos jogos anteriores até as bizarrices a la Kojima (mesmo este não tendo participado da produção do jogo). Porém, isso trouxe algo um pouco negativo, principalmente em relação à personalidade de Raiden. Claramente tentaram aproximá-lo de Solid Snake, desde a entonação da voz até o próprio jeito de agir. Ao longo do jogo isso acaba diminuindo um pouco e temos um Raiden sofrendo conflitos internos que remeterão às suas origens.

Raiden continua sendo dublado por Quinton Flynn e faz um bom trabalho. Interessante notar que alguns dubladores de outros Metal Gear estão de volta fazendo vozes de outros personagens. Por exemplo, Phil Lamarr (o eterno Vamp) faz a voz de Kevin; Jim Ward, outrora Granim em Metal Gear Solid 3, aqui faz Doktor; dentre outros que fizeram vozes extras em jogos anteriores e aqui assumem papéis bem mais relevantes.

Vale dizer que os gráficos do jogo são ótimos, continuam bonitos até hoje. A parte sonora também merece destaque, especialmente as músicas com uma pegada heavy metal, que aumentam a adrenalina dos combates tornando-os bem mais divertidos e empolgantes.

Metal Gear Rising é um ponto fora da curva. À primeira vista, dizer aos fãs de Metal Gear que seria feito um hack’n slash soaria uma grande heresia. Porém, souberam respeitam muito o universo criado por Hideo Kojima, aproveitando elementos dos jogos anteriores e criando algo bem interessante. O jogo fez questão de se colocar em seu devido lugar, preferindo utilizar o termo “Rising” ao invés de “Solid”, deixando bem claro que este é um jogo diferente. Quem não conhece o universo Metal Gear poderá aproveitar o jogo e todas as excelentes mecânicas de combate sem problemas. Para quem é fã, captar as referências será um ótimo bônus, lembrando mais uma vez que a história de Rising é muito profunda para um jogo do estilo. Jogue sem preconceitos.

Crítica | Sharknado: Corra Para o 4º

27 de agosto de 2016 by Almighty

Cinema, Críticas

David Hasselhoff, Filmes de Tubarão, sharknado, tara reid

Quem diria, hein? Aquele filme despretensioso, tosco, absurdamente ridículo, lançado em 2013 pelo Canal SyFy, chegou ao quarto episódio. O fato de Thunder Levin conseguir formular três roteiros sobre um tornado de tubarões já era algo deveras impressionante. Mas três não foram suficientes. O quarto chegou e com mais glória do que nunca!

Sharknado: Corra Para o 4º é um oceano de referências, a começar pelo título original (The 4th Awakens), que remete ao Episódio VII de Star Wars. Não satisfeitos, a cena inicial é o clássico letreiro com as letras flutuando no espaço narrando os acontecimentos após o terceiro filme, tudo de forma absolutamente gratuita e babaca.A partir daí, já podemos notar o quão deliciosamente desnecessário é este filme.

O que poderia haver de diferente em relação aos filmes passados? Conseguiria Thunder Levin criar uma trama com elementos diferenciados? Sim, ele conseguiu, e não teve limites. Não satisfeito com o Sharknado puro, agora a ameaça vento-tubarônica ganhará “poderes” e tipos diferentes, dentre eles o poderoso Fogonado e, claro, o Vacanado, referenciando o pavoroso filme Twister.

Não há muito o que falar do elenco: os personagens centrais estão de volta. sendo Ian Ziering o herói Fin Shepard e, felizmente, David Hasselhoff dá o ar da graça novamente como o pai do protagonista. Aliás, temos que aplaudir de pé o Sr. Hasselhoff por reerguer sua carreira nesta franquia sensacional e nos relembrar o quão mau ator ele é, apesar do carisma incontestável. Ou seja, é perfeito para este filme.

A estrutura do filme é parecida com os anteriores, mas desta vez incorporou-se alguns elementos tecnológicos que, durante cinco anos, conseguiram anular os Sharknados que começaram a se formar. Acontece que a natureza é poderosa e, em determinado momento, o tornado volta com força total numa situação completamente esdrúxula e conveniente. Mais uma vez, palmas ao Sr. Levin, que aliado ao seu fiel companheiro, o diretor Anthony C. Ferrante, deram à luz a mais uma grande obra cinematográfica. Ria, chore, se emocione neste turbilhão de aventuras, descubra se April, a personagem de Tara Reid, morreu ou não… e se achar ruim, azar o seu, porque vai ser mais ano que vem!

Review | Bojack Horseman – 3ª Temporada

28 de julho de 2016 by Almighty

Reviews, Séries

Aaron Paul, Alison Brie, Amy Sedaris, Animações, Bojack Horseman, Netflix, Will Arnett

O filme Secretariat foi um grande sucesso, e Bojack retorna aos holofotes. Convites para novos filmes e séries aparecem, a mídia volta a falar dele… mas o cavalo continua vazio. O que Bojack procura?

A terceira temporada mostra uma aparente transição na vida do cavalo. Na primeira, vimos um ator tentando vencer a enorme montanha do ostracismo – e conseguiu. Na segunda, Bojack estava em dúvidas sobre o que queria fazer de sua vida, e de certa forma conseguiu entrar nos trilhos para isso. Notem que não há certeza de nada. Bojack é o tipo de pessoa que se perde em si mesmo, tem personalidade autodestrutiva e acaba voltando pro buraco. E, cada vez mais, o personagem vai sendo dilacerado, dando um tom extremamente melancólico à série.

Não houve mudanças no formato narrativo, o tipo de humor continua, temas pesados aparecendo e as toneladas de referências em segundo plano estão mais fortes do que nunca. Aliás, nesta temporada houve um pequeno excesso dessas referências, nada que comprometa a qualidade, mas que poderá saturar em alguns poucos momentos. Talvez a quantidade de referências nem tenha aumentado, o problema é que já vimos isso em outras duas temporadas. De qualquer forma, na grande maioria dos casos, tais referências são bem utilizadas, às vezes surpreendem pelo cuidado que tiveram em colocar elementos que passarão batidos pela maioria dos espectadores (seja pela referência sutil ou simplesmente por estarem no fundo do cenário em local pouco visível).

Talvez esta temporada seja a mais ácida e pesada de todas. Temas como o aborto são tratados no limite do sarcasmo, e de forma até corajosa, soando agressiva quase no limite do mau gosto. É algo a ser aplaudido, a série consegue fazer isso muito bem. O ritmo se mantém em todos os episódios, diferente da temporada passada, que na primeira metade foi um pouco travada.

Um episódio em especial chama a atenção por ser 99% sem falas. As situações psicodélicas e bem intimistas, além de surpreenderem pela qualidade narrativa com excelente utilização dos cenários e linguagem corporal, acabam tirando sarro de si mesmas ao final, dando uma quebra interessantíssima. Foi o episódio mais criativo de toda a série até o momento.

O elenco principal de vozes continua o mesmo: Will Arnett, Amy Sedaris, Alison Brie, Paul F. Thompkins e Aaron Paul. Vale elogiar novamente a dublagem brasileira, que manteve quase todas as vozes das temporadas anteriores e trouxe uma qualidade grande nas atuações e adaptações de termos e piadas, mais uma vez não poupando palavrões e termos chulos.

Bojack Horseman está conseguindo manter a boa qualidade ao longo das temporadas. O cavalo tem comportamentos imprevisíveis que causa muita curiosidade: aonde ele vai parar agindo assim? O final deixou espaço para uma nova temporada, e, pelo andar da carruagem, ainda tem muito material para desenvolver o personagem. Parabéns à Netflix por manter a qualidade.

https://www.youtube.com/watch?v=VESKjoxAmZg

Resenha | Clube da Luta – Chuck Palahniuk

Review | Cuphead

Review | Bojack Horseman – 4ª Temporada

Review | Death Note

Crítica | Death Note

Review | Dragon Quest Heroes II

Review | Castlevania – 1ª Temporada

Review | Dragon Quest IV

Review | Dragon Quest III

Review | Bayonetta

Review | Inside

Review | Limbo

Review | Resident Evil 7

Review | Cibele

Review | Dark Souls III

Review | Street Fighter V

Review | Journey

Review | Clash Royale

Review | Metal Gear Rising: Revengeance

Crítica | Sharknado: Corra Para o 4º

Review | Bojack Horseman – 3ª Temporada