Resenhas – Página: 33 – Vortex Cultural

Resenha | Parafusos, Zumbis e Monstros do Espaço

19 de novembro de 2013 by Flávio Vieira

Ser surpreendido nos dias de hoje com uma história é tarefa para poucos artistas, ainda mais se a história em questão abordar a temática zumbis, assunto pra lá de manjado nos últimos tempos, sendo abordado em filmes, livros, séries, desenhos animados, sex shops – os necrófilos piram – e por aí vai.

O fato é que Parafusos, Zumbis e Monstros do Espaço, HQ do paraibano Juscelino Neco, é um bom exemplo de história que consegue surpreender o leitor, não por proporcionar epifanias envolvendo teorias existenciais sobre a vida, o universo e tudo mais ou coisa que valha, mas justamente por conseguir cumprir aquilo que se propõe: ser uma história simples, mostrando que é possível unir humor e violência em um texto inteligente e dinâmico.

Na trama, conhecemos Dolfilander (o pai do sujeito era um fã do Dolph Lundgren, mas ao registrar saiu isso aí), um fanático por cultura pop, viciado em videogames e conhecido por seus problemas para encarar a vida adulta. Tudo muda quando o rapaz, em uma tarde qualquer no almoxarifado do seu trabalho, decide utilizar parafusos na máquina de pregos. O resultado não é dos mais satisfatórios, e Dolfi fica com um parafuso alojado na testa sem poder retirá-lo, sob o risco de se tornar um vegetal.

A vida de Dolfi segue numa descendente repleta de álcool e pornôs japoneses, até que um dia uma experiência traumática muda sua vida. Após uma noite de sexo com uma gata, nosso herói acorda numa banheira com gelo, e após verificar que seu rim não havia sido roubado, Dolfi descobre que foi usado por um híbrido de mulher e aranha que havia usado o seu corpo para depositar os ovos para serem concebidos por ele. Para remediar a situação, Dolfi passa por uma série de operações cirúrgicas que o transformam em um super-humano capaz de partir crânios com as mãos e comer impressionantes 30 hambúrgueres em menos de uma hora. Fritas incluso, como bem expresso na sinopse da HQ.

Como dito anteriormente, o trabalho de Juscelino Neco é bastante competente, seu texto é ágil e direto, seus diálogos são sarcásticos e sempre bem humorados. Outro ponto a se observar são as inúmeras referências existentes na obra, desde Tom Savini, Tarantino, Alien, A Experiência e tantas outras. Se isso não bastasse, o traço do autor é simples e objetivo, com o dinamismo certo para o que o roteiro pede.

Depois de acertar em cheio com a publicação de A Arte de Voar, a editora Veneta acerta mais uma vez com Parafusos, Zumbis e Monstros do Espaço.

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Resenha | A Liga Extraordinária – Volume Um

14 de novembro de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, Panini

A obra de Alan Moore e Kevin O’Neill, publicada em 1999, começa com uma citação de Campion Bond, em Memórias de um Agente Secreto Inglês de 1908, que é a síntese de todo o esquete:

“O império britânico sempre teve dificuldades para distinguir seus heróis de seus monstros”.

Mina Murray é apresentada conversando com Campion Bond, a respeito de uma estranhíssima reunião, arquitetado pelo Senhor M., chefe do MI6. Moore deixa claro nas primeiras páginas que seu objetivo está longe de ser uma retratação chapa branca dos famosos personagens literários, ao contrário, a mesma corruptela que teria feito com os heróis mascarados em Watchmen, faria com esses ilustres senhores, mostrando as criações em domínio público de uma forma visceral, extremamente amoral e imperfeita. Os aforismos e liberdades tomadas por ele, acompanhado é claro da arte anárquica de Kevin O’Neill, tornam os empoeirados personagens em espécimes dignos e quase provindos do século XXI que se aproximava.

Os desígnios da senhorita Murray parecem ser os de selecionar pessoas “extraordinárias” para constituir uma força-tarefa, ainda que de desajustados, com um viciado: Quatermain; um pirata: Nemo; um transmorfo homicida: Dr Jekill; um estuprador incógnito: Homem Invisível… Além é claro da participação diminuta mas não menos importante de Auguste Dupin.

Em uma frase, Quatermain resume o que para ele era o estado letárgico da aposentadoria: “É difícil parar, se você para tudo desmorona!”

O grupo reunido tem capacidades além do alcance humano, ainda que suas mentes ou caráter não estejam nos melhores dias, A Liga é como uma reunião dos seres mais poderosos do Império Britânico, mas inseridos em uma fase descendente. A todo momento o autor relembra a decadência, deixando claro para o leitor que os tempos de glória do passado ficaram nos romances de Verne, Wells, Stevenson, Haggard e Stoker. A perspectiva de estarem do lado errado da Guerra que traria o Juízo Final deixa o grupo pasmo, especialmente Wilhelmina, que possui o código ético mais aproximado do ideal heroístico, mas cada um, à sua maneira, se mostra receoso.

A imaginação do autor corre de forma desenfreada, as viradas de roteiro são frenéticas, mas perfeitamente cabíveis, num fino equilíbrio entre uma aventura escapista, mas sem deixar de lado o aprofundamento em personagens tão ricos como estes. Moore tem uma preocupação interessante com as personalidades canônicas, fazendo até referência ao tamanho diminuto de Mister Hyde na novela de Stevenson, coisa que a maioria dos filmes do Médico e o Monstro simplesmente ignora.

O desfecho é de um sensacionalismo folhetinesco dos mais bem construídos: sangrento e repleto de cenas de plasticidade exacerbada, abrilhantada pela arte anárquica de O’Neill, que na dupla com Alan Moore consegue capturar as nuances de cada um dos personagens de forma ímpar e os repagina para a nova era do entretenimento, em uma narrativa simples, porém muito bem urdida.

Resenha | Turma da Mônica – Laços

17 de outubro de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

lu cafaggi, mauricio de sousa, turma da monica, vitor cafaggi

Você nasceu nos anos 70? Anos 80? 90? 2000? Isso não importa. Se você já leu as histórias dessa galerinha, você com certeza passou a respeitar a turma de Maurício de Sousa, se é que não passou a tratá-los como seus amigos achegados.

Mônica, Cebolinha, Cascão e Magali com certeza são os maiores ícones dos quadrinhos infanto-juvenil nacional e tem o carinho de milhões de brasileiros, e de pessoas ao redor do mundo, não importa se são crianças ou adultos. E no ano de 2013 (ano em que a dentuça completa 50 anos) somos presenteados com uma aventura diferente, sensível e fascinante sobre o valor da verdadeira amizade e lealdade.

Ficou meio clichê, não é? Sim, é verdade, mas isso não deixa de ser uma boa definição da história. Mas saibam meus amigos que o clichê não necessariamente significa algo ruim. Quando bem aplicado pode nos apresentar uma história simples e tocante como Laços, dos irmãos Cafaggi.

Vitor e Lu Cafaggi contam a história do sumiço do Floquinho (aquele cachorro do Cebolinha que você nunca sabe onde é o rabo e onde é a cabeça dele), e da turma saindo pela cidade atrás do cãozinho.

A história tem vários easter eggs que vão agradar em cheio aos leitores mais atentos, mas muito mais que isso, os irmãos Cafaggi entregam um trabalho feito de coração e tratando com extremo carinho essa turma tão querida. Você vai encontrar muito do filme Conta Comigo na história, com uma pitada de Os Goonies, entre outros filmes oitentistas sobre amizade que todos nós curtimos na nossa infância. Inclusive, tudo na graphic novel gira em torno da amizade, da amizade verdadeira, dos laços eternos, e feito com uma sensibilidade tamanha que faz toda a história soar natural.

Os desenhos e o capricho da edição também são outros pontos fortes. A fotografia, assim como os desenhos (não que eu seja um expert no assunto, mas mesmo assim é algo bem perceptível) são feitos para trazer esse clima antigo, como se a história se passasse a muito tempo, como se fosse você, leitor, relembrando aqueles momentos marcantes da sua infância.

Intimista! Talvez essa seja a palavra que melhor defina Laços. Não é uma história espetacular, inovadora ou surpreendente (apesar de que imagino que você realmente não espere isso da Turma da Mônica), porém é uma história que te puxa pra sua infância, que te faz relaxar, dar aquela risada gostosa de quando a sessão da tarde era boa e acima de tudo, te faz lembrar mais uma vez o porquê você sempre gostou tanto da turminha do bairro do Limoeiro.

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Texto de autoria de Diogo G.

Resenha | Estrada para a Perdição

4 de outubro de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Sam mendes, Tom Hanks

Estrada para a Perdição (Road to Perdition, no original), lançada em três volumes durante 1999, é mais um trabalho do veterano autor de mistério policial Max Allan Collins, só que agora na forma de história em quadrinhos. A parceria com Richard Piers Rayner nos desenhos foi importante para resultar em uma das narrativas mais realistas sobre a lei seca, a máfia americana dos anos 30 e a grande depressão, e que originou o filme dirigido por Sam Mendes e estrelado por Tom Hanks.

Sinopse: o filho de Michael O’Sullivan, chamado Anjo da Morte, testemunha um crime, e, por causa disso, o chefão da máfia irlandesa o trai e mata toda a sua família. O’Sullivan foge, e, com o filho ao seu lado, orquestra um plano de vingança contra todos que estiverem na sua frente.

Feita toda em preto e branco, a narrativa se divide em duas: nas memórias diretas do filho Michael O’Sullivan Jr., o narrador da história, e nas matérias e livros de repórteres de crime que retratavam a época. Na primeira, o desenho segue a falta de lembrança concreta da narrativa, portanto as imagens não são tão detalhistas, soam, de fato como memórias. Já no segundo caso, os detalhes são impressionantes, podendo Richard Piers Rayner demonstrar o seu talento e versatilidade.

O narrador lembra ao leitor que está contando uma história

Detalhes impressionantes

Outro grande acerto que faz com que o quadrinho ganhe força vem do roteiro: a narrativa dura, realista, crua. Sem embromação, o autor mostra a realidade complicada da época. Nada na história é gratuito, muito menos a reação dos personagens a tudo que os cercava: as mortes, a ilegalidade dos negócios, a dificuldade gerada pela grande depressão que corrompia grande parte da sociedade.

Pode-se interpretar aqui que as mortes violentas são uma alusão a própria dificuldade da época que a parte honesta da sociedade lidava: matar um leão por dia para colocar comida na mesa da sua família. Michael O’ Sullivan era um herói de guerra que se corrompeu para prover sustento para a sua família; o apelido Anjo da Morte não é a toa: ele é um anjo quando consegue prover à sua família, porém, a morte suja a sua mão para os fins maquiavélicos que o levam a fazer o necessário.

Outras interpretações para seu apelido podem ser vistas como uma metáfora: na cultura ocidental, o Anjo da Morte pode ser tanto o Diabo quanto o bode expiatório angelical de Deus que se suja ao fazer o trabalho mandado por Ele. Nos dois casos, quem leva a morte ao seu objetivo se traveste da melhor forma para enganar as suas vítimas. E não é por acaso que O’Sullivan se veste com terno e gravata enquanto mata seus inimigos, traje mais respeitoso possível na sociedade ocidental.

Diferente do Diabo e de um Anjo da Morte de verdade, que usam da sedução para chegar ao seu objetivo, O’Sullivan subverte esta lógica preferindo o modo direto de confronto, percorrendo justamente os caminhos tortuosos da própria máfia para levar a cabo a sua vingança. Ele não rouba dos pobres, mas sim dos corruptos, ele não mata inocentes, mas sim quem faz parte do esquema. Em resumo, ele continua a sujar as mãos, mas agora com quem merece.

A valorização da família sob o prisma católico também merece uma reflexão. A hipocrisia da moral religiosa entre os mafiosos é retratada várias vezes ao longo da obra, quando O’Sullivan para em alguma delas para rezar e acender velas para cada pessoa que matava. A máfia sempre se refere a si própria como uma família e precisa da benção católica para se legitimar ao criar e manter seus valores, da mesma forma que a igreja também precisa do dinheiro dos mafiosos para erguer e manter suas instituições.

Max Allan Collins o tempo todo coloca a disparidade entre os dois lados que a vida mafiosa proporciona: da mesma forma que há uma possibilidade de um futuro promissor na vida criminosa escolhida em uma época difícil, também há dor e incertezas.

Por último, o nome da obra foi um ótimo acerto. A narrativa de fato leva tanto a cidade de Perdição, onde Michael O’Sullivan Junior deveria ficar sob a proteção dos seus tios maternos, quanto leva a perdição, a ruína, ao desastre daquela família.

Estrada para a Perdição vale a pena? Sim, por ser considerado um dos retratos mais fiéis de uma época de incertezas e dificuldades que, por causa disso, levantou a poeira do excesso de moralismo para revelar a verdadeira índole de uma sociedade doente e muito mais complexa do que aparentava ser.

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Resenha | Ponto de Ignição

3 de outubro de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Flash, Geoff Johns, Rodney Buchemi

Escrita por Geoff Johns e com arte de Andy Kubert, a saga Flashpoint teve a dura função de pavimentar o caminho do Universo DC tradicional para o Reboot e os Novos 52. A história começa com um ser misterioso a procura do Flash, e logo depois mostra o seu alter-ego investigando um estranho caso de homicídio envolvendo um mascarado, o Garoto Elástico, que aparece em uma forma “geriátrica”. Com o decorrer da revista é mostrado que o perseguidor é o Barry Allen de uma terra paralela. A contraparte do herói explica que ele não veio do futuro, mais de uma das 52 Terras Paralelas, e que a dita “Terra 1“ seria essencial a existência das outras 51 – o motivo de sua vinda seria uma tempestade temporal que se aproximava, e afetaria a todos os personagens que vieram de outras épocas.

No decorrer das investigações, descobre-se que há um vilão roubando a juventude de mascarados, e sem muitas surpresas, ele se revela o professor Zoom – que agora tem a habilidade de mudar sua idade, o que torna o vilão irrastreável até mesmo para o Flash. O malfeitor ainda mata o Barry Allen da terra paralela – com um prazer incomensurável. O fim deste prólogo mostra o herói isolado e pensativo em relação as próximas ações do Flash Reverso.

Em Flashpoint #1, Barry acorda na delegacia e ao sair para verificar uma ocorrência policial encontra sua mãe que estava morta. O vigilante começa a investigar o motivo dessa e de outras mudanças na linha de tempo e decide invadir a mansão Wayne. Ao chegar lá, percebe uma das principais mudanças deste universo em relação ao seu próprio tempo – quem morreu na noite do fatídico assalto, não foram os pais, e sim o menino Bruce, o Batman desta linha temporal é Thomas Wayne – muito mais violento e sem restrições quanto a execuções. Após ser recebido com pouquíssima boa vontade, Barry consegue convencer o ex-médico de que ele era amigo de seu filho, e vinha de um universo paralelo, e de uma maneira bem estúpida o Morcego aceita a história de bom grado – essa é só uma das incongruências da série, e piora de forma absurda quando Barry convence o Cruzado Encapuzado a amarrá-lo numa cadeira e atrair um raio para a própria cabeça – nas HQs já foram feitas inúmeras tentativas de reproduzir o acidente, mas nenhuma com sucesso, Johns parece ter ignorado isso sumariamente.

Enquanto isso é mostrado, o quadro geral deste Universo Flashpoint, como a guerra travada entre atlantes e amazonas – abordada também em Imperador Aquaman e Mulher Maravilha e as Fúrias. Após o malfadado casamento entre Arthur e Diana ruir e jogá-los numa guerra de motivações altamente discutíveis. Numa tentativa de selar a paz, o Rei Atlante visita Themyscera – no que seria o 1° encontro após a morte da Rainha Hipolita pelas mãos de um oficial atlante – e é acompanhado de um ataque que destrói a ilha. Diana e as amazonas se exilam e procuram um novo lar, tomando a Grã-Bretanha para si. Após isso, ocorre uma tentativa fracassada de assassinato a nova monarca, e uma baixa importante ocorre – Mera, esposa de Aquaman – e a resposta é imediata: o Soberano Aquático inunda toda a Europa, destruindo o continente.

Alguns Tains não funcionam como parte da trama, mas servem pra aprofundar o cenário da Saga, apresentando o universo. No entanto alguns desses detalhamentos são desnecessários. A distância entre as edições 2 e 3 de Flahspoint atrapalha um pouco a leitura – o excesso de histórias paralelas empobrece o arco principal, na maioria das vezes. A revista do Renegado de James Robinson por exemplo é muito bem escrita, mas acrescenta quase nada a trama principal. Passo contrário ao Batman- o Cavaleiro da Vingança de Bryan Azarello e Eduardo Risso, que dá um background interessante a um personagem ativo na história – a repaginação dos personagens do universo do Morcego é sensacional: Selina Kyle, Pinguim, Harvey Dent tem suas facetas bem diferenciadas, mas a melhor caracterização é a do Coringa, que amalgama características do Joker de Heath Ledger e o da Piada Mortal, num assassino infanticida traumatizado – e com um passado tenebroso. A revista é tão boa que serve como Elseworld perfeito, o independente de Flashpoint até.

Outro Tain que vale a pena conferir é Legião do Mal, com a arte de Rodney Buchemi. A história foca em personagens vilanescos e também numa versão evil do Homem-Borracha, absurdamente poderoso e uma máquina assassina. Além do mineiro, outros desenhistas brazucas contribuíram para a saga, como Felipe Massafera – em Abin Sur, numa história passável – Eduardo Francisco e Paulo Siqueira (na horrorosa Universo Flashpoint). O lápis de Vicente Fuentes – em Imperador Aquaman – também é ótimo.

Os melhores momentos de Lois Lane – e de seu grupo de resistência – são nas revistas de Jons/Kubert. A descoberta do alien Kal-El é bastante curiosa, assim como a ação de resgate dele. A entrega do Cyborg – O Super-Herói do Governo, mas que na prática pouco aparece – mostra o quanto ele confia no Batman e em sua astúcia.

O Imperador Aquaman disputa com o morcego a melhor caracterização de Ponto de Ignição. Arthur Curry é um déspota em busca de vingança que convence o leitor de que ele é capaz de dominar o mundo, ao contrário da sua faceta no universo tradicional, que gera piadas repetitivas desde Superamigos. Diana também é mostrada como uma guerreira implacável, líder nata e capaz de muitos atos ousados. A rivalidade entre eles e seus reinos é um ponto fortíssimo do roteiro de Geoff Johns, a despeito de todos os outros defeitos da série.

Outro ponto curioso é personificação do Capitão Trovão (Capitão Marvel no universo tradicional), que constitui em Billy Batson e outras crianças juntas. Chega a ser engraçado a forma como as mulheres se vestem em Nova Themyscera, o que afasta qualquer dúvida em relação ao forte apelo lésbico por parte das amazonas – para desespero de Raul Seixas.

No ato final, Barry é defrontado com a verdade, seus atos impensados tornaram aquela versão do universo catastrófica, e seria sua responsabilidade consertar tudo. A priori, o plano de Zoom é ousado e interessante, principalmente por garantir sua existência autônoma a despeito da existência do Flash e de suas várias encarnações, mas a execução poderia ser mais caprichada, as soluções de Johns são mal construídas e recheadas de clichês, há uma desnecessária banalização do vilão. A solução do paladino para deter a catástrofe é fraca e anticlimática. A situação da carta de Thomas Wayne ao seu filho da terra paralela, alivia um pouco a barra do roteirista, principalmente no paralelo entre Flash e o deus grego Mercúrio onde ambos são mensageiros para os deuses de seus universos.

Ponto de Ignição poderia ser uma série muito boa, mas o excesso de histórias paralelas irrelevantes atrapalha um pouco, além das invencionices de Johns, que quis dar um passo maior do que seu pé. No entanto, esta pavimentou o Universo DC para o Reboot, que se mostrou um sucesso comercial, ao menos até o presente momento.

Resenha | Antes de Watchmen: Rorschach

30 de setembro de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Brian Azzarello, DC Comics, lee bermejo

Apesar de toda a polêmica envolvendo Before Watchmen, principalmente devido à péssima recepção de Alan Moore ao projeto, a DC Comics escolheu algumas boas equipes criativas para ficar à frente dos títulos. O time responsável por Rorschach é Brian Azzarello e Lee Bermejo, que já haviam trabalhado juntos em Lex Luthor: Homem de Aço.

Azzarello é conhecido por seus trabalhos na Vertigo, como 100 Balas, e na própria DC – em especial Superman Depois do Amanhã, junto a Jim Lee. Hoje está à frente da nova versão da Mulher Maravilha, numa das revistas mais elogiadas dos Novos 52. Seu currículo é o suficiente para acreditar num bom trabalho dele, e é justamente o que ele entrega, mesmo que seja sem muito alarde. A arte de Bermejo é muito diferente da de David Gibbons, pois não é nada clássica. Sua Nova Iorque é esfumaçada, suja e cheia de neon, um cenário perfeito para o vigilante marginal, que utiliza a escuridão a seu favor, mostrando uma violência gradativamente mais explícita com o passar das edições.

O roteiro não comete nenhum equívoco em relação ao cânone de Moore e possui um discurso niilista ao extremo. Azzarello mantém Walter Kovacs distante do resto da humanidade, mas ainda assim ele se conecta com ela, ainda que de forma contemplativa e observadora sem a máscara, e intervencionista quando munido de sua verdadeira face.

Kovacs está definhando, cuspindo sangue, mas ainda assim nega auxílio. Já a sua contra-parte parece nem se abater e não tem receio algum em mergulhar os pés na lama das ruas – isso na verdade torna-se um combustível para que ele continue o vigilantismo. Em seu diário é possível notar o desprezo do anti-herói pelo sujeito conivente com a corrupção, com o crime e com a sujeira – semelhante ao que fala outro personagem de Alan Moore, vide V de Vingança. Rorschach é um personagem ultra violento e fascista dependendo do ângulo por que se olha, é até datado, mas ainda assim possui semelhantes, pessoas que pensam como ele e que consideram as suas atitudes como de “gente decente”.

Talvez o maior problema da revista seja a falta de ambiguidade que cerca toda a obra de Moore/Gibbons. Os fatos narrados são mastigados e impedem que o leitor faça qualquer interpretação dúbia – uma das riquezas da série original. Há bastante violência gratuita, o que não é um erro, mas em última análise esta é uma história ordinária e comum, nada épica. Vale pela perseguição ao assassino no final – apesar de essa questão ser completamente secundária. Certamente seria mais bem aceita caso fosse uma história dos heróis da Charlton Comics Questão, que obviamente não possui o apelo popular de sua cópia.

Resenha | Lex Luthor: Homem de Aço

26 de setembro de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

dave stewart, lee bermejo, lex luthor, Superman

Lançado em 2004, em formato de mini-série, Lex Luthor: Homem de Aço mostra a situação de Metropolis sobre os olhos do magnata careca. A arte de Lee Bermejo é bastante peculiar, aliada às cores de Dave Stewart, que por sua vez dão um tom de pintura às páginas. Os personagens tem seus rostos marcados – até os bebês tem rugas – e a face do kriptoniano é feita de forma escura, demonstrando graficamente o quanto ele é “ruim” aos olhos do seu inimigo.

A intenção de Bryan Azzarello é legitimar os argumentos de Lex contra o Escoteiro, tentando mostrar que nem todas as suas convicções são baseadas na paranoia. O “vilão” olha para ele como um obstáculo ao homem comum, enxerga suas ações como freio a capacidade humana. Luthor é um personagem pouco maniqueísta e que não se prende a valores morais baratos, seus crimes são validados com o velho argumento de que os fins justificam os meios.

Ventila-se a possibilidade de que o roteiro de David Goyer em Man of Steel 2 seja influenciado por esta HQ, em especial o conluio entre ele e Bruce Wayne, onde o foco seria na cobrança as consequências dos atos do último filho de Krypton. O fato pode ser emulado e encaixaria bem no roteiro se a sutileza e a reticência do vigilante de Gotham for reproduzida como em sua essência, mas qualquer coisa além disso é pura especulação.

O hostil milionário põe em seu discurso inúmeras referências aos grandes feitos do homem, validando a ação do sujeito sem poderes em detrimento dos feitos super-heroicos. Ele fala tudo isso para logo depois apresentar Hope, um protótipo feminino quase onipotente, que viria para preencher o ideal do ser humano com habilidades perto do Divino, mas idealizado por alguém de “dentro”. Curioso como ele se isola e se torna cínico, mesmo para atributos tão quentes aos olhos humanos como a sedução e o desejo carnal, a não ser quando tais tentações partem do objeto feito por seu próprio imaginário.

Hope é de Metropolis, nascida e criada e só tem olhos para a cidade. Ganha notoriedade e fama instantaneamente, o que incomoda o jornalista Clark Kent, e o leva a fazer duras críticas a sua conduta. Seu código ético é inspirado no de Lex Luthor, e sua punição ao mal feitor que assassinou dezenas de policiais de forma impensada – um demente Homem dos Brinquedos – é prova disso, pois ela o larga esperando seu fim derradeiro e o vilão é salvo pelo Alienígena de capa. No fim das contas, Hope é fantasticamente intangível, e por isso irreal, é como uma máquina que põe para fora os desejos e forma de pensar de Lex, mas que ainda assim é mecânica, e distante da realidade e pensamento humano, assim como o kryptoniano que o protagonista tanto odeia.

A fala final de Lex escancara em forma de desabafo – mas sem perder a classe – tudo o que o seu Nêmesis representa para ele e para a humanidade, claro, sob sua ótica distorcida. O homem comum assume que sozinho é impotente diante de tal poder, mas se apega a esperança de que com seus semelhantes ele conseguirá a vitória. A esperança é algo impresso no caráter do Homem, e enquanto ele viver, ela viverá também. Azzarello consegue resgatar grande parte da grandiosidade do personagem mesmo sem ignorar suas facetas pouco fáceis de lidar, como a do cientista louco, ao contrário, o autor dá um novo sentido para isso, tornando-o crível e até empático.

Resenha | Antes de Watchmen: Espectral

19 de setembro de 2013 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, Amanda Conner, Darwyn Cooke, dave gibbons

Muito se falou a respeito do prelúdio de Watchmen, graphic novel aclamada pelo público e pela crítica, escrita por Alan Moore e desenhada por Dave Gibbons, e que remodelou o universo dos quadrinhos dali para frente. Não é objeto desta resenha entrar nos méritos da editora sobre suas motivações (financeiras, logicamente) em voltar a essas personagens, muito menos compará-la com a série original, mas apenas analisá-la como uma história única.

Antes de Watchmen: Espectral foi o segundo volume da série publicada pela Panini, logo após a minissérie do Coruja, e traz o roteiro de Darwyn Cooke e Amanda Conner, arte de Amanda Conner e o excelente trabalho de colorização de Paul Mounts. A HQ traz um pouco do passado de Laurie Jupiter, sua relação com a mãe e muitas referências à HQ original e ao contexto histórico da época narrada.

Espectral não traz muitas diferenças em relação à HQ do Coruja: ambos se prestam a apresentar alguns dos personagens centrais da série original e o que as levou a se transformar naquelas figuras que conhecemos em Watchmen. Toda ação gera uma reação. Felizmente, a ação gerada nessa minissérie é muito melhor estabelecida do quem em Coruja.

A conexão com a história original é muito bem feita, detalhando toda a relação de Laurie com sua mãe, algo abordado anteriormente e esmiuçado aqui. As referências a Watchmen se dão de forma direta ou indireta, como através de objetos espalhados pela trama, como os quadrinhos eróticos da Espectral original, os buttons do Smile e o globo de neve. As referências históricas são representadas pela criação do LSD, o clima psicodélico dos anos 60, o rock and roll, manifestações políticas e sociais, e claro, a liberdade sexual.

Cooke e Conner traçam uma trama mais introspectiva sobre o autoconhecimento de uma jovem superprotegida por uma figura materna coercitiva. A arte de Conner remete bastante aos quadros de Gibbons, e enquanto em Coruja a atmosfera pulp era presente página a página, em Espectral o traço é alegre e inocente, tudo isso somado às cores vivas e psicodélicas de Mounts.

Antes de Watchmen: Espectral não é uma HQ que vai mudar o conceito de quadrinhos, mas é competente no que se propõe: detalhar as origens de uma personagem contando uma boa história.

Resenha | Antes de Watchmen: Coruja

17 de setembro de 2013 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, before watchmen, J. Michael Straczynski, Joe Kubert

As oito histórias que formam Antes de Watchmen foram lançadas nos Estados Unidos de maneira simultânea. Como o Brasil não comporta o formato de edições com vinte e cinco páginas, a Panini Comics optou pelo lançamento dos arcos fechados de cada personagem com edições mensais em estilo das edições especiais da editora: capa cartonada e papel couché.

A obra que se tornou icônica e considerada por muitos o livro sagrado dos quadrinhos é também um produto altamente rentável. Ainda mais depois da versão cinematográfica dirigida por Zack Snyder. O que explica porque, mesmo quando a história original é fechada, uma grande equipe de roteiristas e desenhistas se reuniram para apresentar novas histórias dos personagens criados por Alan Moore e David Gibbons.

Antes de Watchmen – Coruja foi o primeiro arco escolhido para o lançamento no país. Apresentando um dos grandes personagens da série original que destaca-se pelo lado humano, além de uma representação que nos traz a mente outros mascarados que fazem da noite o ambiente para a ação.

Dividida em quatro partes, a primeira é a tradicional apresentação da personagem. Daniel Dreiberg é um jovem que vive em uma família desestabilizada por um pai castrador e agressivo. A figura do herói Coruja é seu ponto de fuga e maneira para lidar com a própria realidade. A devoção ao mascarado leva-o até seu esconderijo, onde pede por um treinamento que resultará na aposentadoria do Coruja original, Hollis Mason, que entrega o manto a Daniel.

A trama avança anos a frente para outro encontro importante na vida de Daniel. Em um patrulhamento, se depara com outro encapuzado conhecido como Rorschach, nascendo uma parceria. Juntos formam uma dupla de bom e mau herói. Em meio a uma perseguição, Coruja encontra uma dominatrix de um clube de sadomasoquismo intitulada Dama do Crepúsculo que provoca a ira de Rorschach por ser uma prostituta, mas promove simpatia em Daniel. A partir desde ponto a história se divide mostrando as duas personagens de maneira paralela.

Coruja e Rorschach têm em comum um passado tortuoso. Viveram em famílias desequilibradas com pais agressores mas lidaram de maneira diferente com tais problemas. Talvez a distinção destas escolhas foi o que fez J. Michael Straczynski inserir tão ativamente a personagem de Rorschach dentro de um arco que não o seu. Se o contraste torna-se maior, os paralelos narrativos parecem falta de um argumento mais interessante.

Coruja ao lado da Dama do Crepúsculo investigam uma série de assassinatos de prostitutas, ignorados pela polícia por serem pessoas marginais à sociedade. Rorschach se revela um devoto religioso que encontra em sua paróquia e na amizade com o pastor um breve elemento de apoio. Ainda que as tramas se interliguem, não se justifica as diversas páginas dedicadas a mostrar o passado de outro mascarado que não Coruja.

Se a função desta nova imersão no universo Watchmen é apresentar um enredo anterior ao original, que se fizesse introduzindo novos elementos ou conduzindo uma boa história aventureira dos heróis (a série solo do Coruja poderia ser uma simples investigação criminal). Já que seria impossível e inadequado exigir a profundidade da obra original.

Os bons elementos da história se concentram em pequenos detalhes que dialogam com a série original, apresentando situações que antes conhecíamos apenas pela citação das personagens. São estes elementos que costuraram todos os arcos já que o epílogo anunciado no projeto nunca foi lançado.

Este também foi o último trabalho de Joe Kubert que saiu de cena em seguida.

Resenha | Stieg Larsson: Antes de Millenium

12 de setembro de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Editora Veneta, Stieg Larsson

Stieg Larsson – Antes de Millenium é uma história em quadrinho, ou Graphic Novel se você é fresco, biográfica sobre o autor sueco da famosa trilogia Millenium. Foi concebida por Guillaume Lebeau e Frédéric Rébéna, escrita pelo primeiro e desenhada pelo segundo.

Sinopse: as três fases mais marcantes da vida de Stieg Larsson são mostradas na história, a primeira se passa nas florestas suecas enquanto o jovem autor vivia com seus avós paternos, depois o vemos no meio da guerra civil da Eritréia no final dos anos 70, e por último, na Suécia no meio dos anos 90 quando a sua revista anti-fascista Expo é fundada, e um epílogo para 2004, meses antes do autor morrer.

De forma biográfica, a história parte da premissa questionável de que o autor da trilogia Millenium teve uma vida tão fascinante quanto a dos livros que criou. De fato a sua trajetória pessoal foi curiosa e turbulenta, mas partir do pressuposto de que Stieg Larsson como personagem é tão interessante quanto a enigmática Lisbeth Salander ou o marcante Mikael Blomkvist é de uma insensatez tamanha. Apesar de dignos de nota, os episódios marcantes da vida do autor não se comparam com as aventuras policiais vividas pelo casal de protagonista da trilogia de livros.

A vida de Larsson pode perfeitamente ser retratada em no máximo 4 ou 5 parágrafos no fim de cada um dos livros, mas a princípio não se justificaria a elaboração de uma HQ para retratá-los. Mesmo pensado em atingir os fãs da série, ele pode vir a acabar decepcionando quem espera o mesmo clima policial. Em suma, o material apresentado nesta obra seria muito mais interessante e rico se fosse a quadrinização de um dos livros, um prequel, ou até histórias extras dentro do seu universo expandido. Aliás, parte do título “Antes de Millenium” e a capa de uma pessoa idêntica à Lisbeth Salander soa enganador para quem acha que se trata de um prequel dos livros.

A outra capa.

A história de vida do autor mostra como aos poucos o universo da trilogia Millenium foi sendo construído: uma fotógrafa da Expo que se parece muito com Lisbeth, a própria revista fundada por Larsson, Mikael é um amigo jornalista que trabalha na mesma revista, além, é claro, dos neo-nazistas e grupos fascistas figurando na Suécia nos anos 80, 90 e anos 2000. O mais interessante da trama, no entanto, é a metáfora da raposa. No início da história, Stieg e seu avô estão caçando o animal por ter feito estragos. Ela se assemelha a um inimigo que o autor tomou como pessoal: as ideias fascistas. Inclusive a parte mais interessante se dá no que parece ser a página 09, já que as páginas não são numeradas, quando uma piada com o animal se realiza pela avó do jovem Stieg.

A arte curiosa de Frédéric Rébéna soa como um rascunho, um esboço ainda a ser arte-finalizado. Isso dá um caráter curioso para a obra, pois mostra como a vida de Stieg Larsson não foi totalmente completa, já que o autor não se casou com a sua companheira por temer ser encontrado por grupos fascistas e morreu meses antes dos livros serem publicados e de obter o merecido reconhecimento e sucesso mundial.

A edição da Veneta poderia ter numerado as páginas, além de melhorar o papel, que soa simplório. A capa com a moça que se parece com a Lisbeth, apesar de interessante, soa de fato enganador para quem procura algo dentro do universo dos livros. Nesse sentido, outra capa com o desenho de Stieg Larsson seria mais honesta. A editora também colocou informações curiosas sobre Larsson nos extras, que poderiam inclusive ter entrado no material original, mas, obviamente isso recai sobre os autores da HQ. Apesar de enriquecer a obra, ao mesmo tempo reforça o que eu disse ali em cima: a vida de Stieg Larsson foi interessante, mas não a ponto de realizar uma história em quadrinho de mais de 60 páginas.

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Resenha | O Invencível Homem de Ferro: Extremis

4 de setembro de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Warren Ellis

Idealizada pelo escritor britânico Warren Ellis, a saga Extremis do Homem de Ferro foi lançada na revista mensal do herói entre 2005 e 2006. O lápis está por conta de Adi Granov.

A trama tem um caráter anti-belicista, e vai se mostrando assim gradativamente. Tony Stark, alter ego de Homem de Ferro, está um personagem bastante sarcástico, muito semelhante à interpretação de Robert Downey Jr. no cinema. Além disso, há também um resgate as origens do herói, por meio de flashbacks que mostram a construção de Mark 1 – primeira armadura do personagem. O que chama atenção nas revistas são os desenhos, mesmo com um roteiro interessante. A arte aquarelada de Granov é soberba e fenomenal, pois dá a história um ar mais contemporâneo e realista.

Entre muitas críticas – sempre ligadas à indústria da guerra – mostra uma imprensa que aborda temas capciosos demonizando os envolvidos na questão armamentista proposta, tomando as Indústrias Stark como exemplo de conduta errada. É curioso notar como aos olhos da pessoa comum o Homem de Ferro é um ídolo e uma figura que gera admiração, enquanto o empresário bilionário é alvo de manifestações populares e é associado a assassinatos e crimes de guerra. Ainda nessa toada, Tony é mostrado como alguém que não se sente nem um pouco à vontade em negociar com os militares – a exceção é claro da Shield, um órgão segundo o próprio, de defesa internacional.

Esta história teria sido uma das inspirações para o roteiro de Homem de Ferro 3, de Shane Black e Drew Pearce.

O Extremis que dá nome a série, é uma variação do soro do Super-Soldado, injetado numa dose única. Basicamente transforma a cobaia em algo monstruoso no primeiro estágio, no segundo ele renova e melhora os órgãos, no final ela ganha capacidade sobre-humana.

Depois de um combate contra um experimento, Tony se propõe a injetar o Extremis em si mesmo, a fim de se igualar em forças ao inimigo. A HQ é um pouco reflexiva, mostra as dúvidas existenciais do personagem, o quanto ele se culpa por ser um “mercador da guerra” e mostra o seu sentimento de impotência diante das situações que ele enfrenta. Além disso, dá demonstrações frequentes da paranoia antiterrorista estadunidense. Não há banalizações com os vilões, como um exército de super-seres, na verdade há somente um antagonista com poderes extraordinários.

Em última análise, a trama é um paralelo às corridas armamentistas, tão presentes no decorrer da história humana. O que Tony Stark se vê obrigado a fazer para encerrar o combate com Marllen repercute na consciência do herói. O roteiro flerta com uma temática de teoria da conspiração, mas ainda assim, contém uma carga moral leve, que faz desta HQ uma pequena grande história. Não é um produto indispensável da carreira de Ellis, mas ainda assim é uma boa história.

Resenha | Homem de Ferro: Rapto

2 de setembro de 2013 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Homem de Ferro

Quando quadrinhos e cinema se unem, a rentabilidade é alta. Além de produtos licenciados para o filme, a procura pelas HQs aumenta e, consequentemente, surgem edições especiais para apresentar a um novo público a personagem como vista nas telas.

Além de relançamentos na época das estreias, surgem mini séries especiais fechadas com uma aventura que não interfere na cronologia oficial e que poderiam, a principio, render uma boa leitura.

Homem de Ferro – Rapto foi lançado em 2010. Alguns meses após o lançamento de Homem de Ferro 2 nos cinemas americanos. Aproveitando o lançamento do terceiro filme no Brasil, a Panini Comics coloca a edição no mercado.

A maioria das histórias em quadrinhos com arcos fechados tem como base um possível bom argumento, destruído em seguida após vinte e cinco ou cinquenta páginas. Nesta trama, Tony Stark sofre um ataque do coração e, incomodado com as limitações que um transplante lhe ocasionaria, desenvolve uma tecnologia própria para realizar um coração artificial.

Estudando as limitações físicas do corpo humano, Stark inicia a construção de um sistema eletrônico que, ao se tornar autônomo com inteligência artificial programada, toma posse de seu corpo e decide promover uma guerra contra os humanos, perecíveis, e transformá-los em seres robóticos eternos.

A história de Alexander C. Irvine (Demolidor Noir) é uma grande bobagem risível que destaca as personagens que o público conhece nos cinemas. Pepper Potts ao lado de Rhodes, o Máquina de Combate, são a resistência que luta em vão contra Stark, tentando trazê-lo de volta a consciência. A arte de Lan Medina faz dos traços realistas personagens bem semelhantes com os atores que a interpretaram no cinema, uma alusão evidente de parte do público alvo dessa edição especial.

Uma história que serve para atrair leitores ocasionais e que, ao lado dos tradicionais, só os fazem sofrer mais pelo argumento ruim. Em certo ponto, a história é tão semelhante com a vista em Homem de Ferro 2 que há uma batalha envolvendo Tony Stark e Máquina de Combate. Porém, nesta edição há um discurso de Stark dominado pela máquina que diz que a carne humana é perecível em relação a máquina imortal, cujo ápice, no último quadro antes da luta, nos premia com a seguinte pérola: Vamos acabar logo com isso. A Carne está no ponto. E assim, partem para a briga que não é maior que o desejo de fechar a revista, respirar fundo pela piada sem graça para, enfim, conseguir prosseguir na leitura.

Homem de Ferro – Rapto é a típica história fechada que engana. Em um primeiro momento poderia ser uma interessante aventura solo, sem a obrigação da cronologia, que poderia divertir tanto os leitores novos como quem está afastado da linha mensal. Mas que decepciona a ambos por uma história mal executada e sem graça.

Resenha | Como na Quinta Série

28 de agosto de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

balão editorial, DW Ribatski

Idealizada pelo brasileiro DW Ribatski (de La Naturaleza e Vigor Mortis, e co-autor junto a Emilio Fraia do recente Campo em Branco), Como na Quinta Série é um devaneio de um rapaz, que transita entra a viagem ao seu subconsciente e a realidade marginal, mais dura e violenta do que deveria ser dois “períodos” de tempos distintos da vida de Dimas, semelhantes pela selvageria nos dois “ambientes” mostrados.

A compressão das páginas – mede 13 cm de cada lado – ajuda a criar uma ambientação incômoda e claustrofóbica, e insere de forma instantânea o leitor nas sensações de Dimas. A temática oscila a infantilidade – com referências a práticas e hábitos tipicamente adolescentes – mas tem em sua linguagem um caráter bastante adulto, maduro e até primitivo, como quase todas as pulsões são. É muito agressivo para o público mais jovem, não que isto destoe dos produtos consumidos pelos adolescentes atuais, mas sua violência gráfica e sua abordagem passam longe da puerilidade, ingenuidade e futilidade dos quadrinhos tipicamente infanto-juvenis.

A arte de Ribatski é anárquica, visceral e rústica, e encaixa magistralmente com os temas delicados propostos. Seu traço ajuda a compor a aura de surrealismo e viagem ao interior da mente do protagonista, além de capturar muito bem as ambiguidades entre sonho e realidade – em alguns momentos, o trânsito entre os dois estados é quase invisível e indistinguível.

O autor propõe um paralelo evolutivo das situações comuns no ginásio – como os maus tratos por parte dos colegas, brigas entre menores e o bullying – com o tratamento que alguns órgãos de proteção estatais dão aos que “optam” pela delinquência, mostrando que ambas as atitudes diferem pouco entre si, a não ser pelo nível de brutalidade e violência exercido, gradativamente maior no segundo caso retratado. Ribatski deixa para o leitor algumas questões em aberto, e de uma forma reflexiva o público deve se perguntar: quem é o culpado na situação demonstrada?

“A escola era como uma guerra. Pronta a destruir os fracos pra toda vida”.

Como na Quinta Série trata de covardia, pressão psicológica, imposição da ordem e lei do mais forte. O ato final é um massacre, esfacela física e moralmente as esperanças de quem lê. Termina de forma súbita, produzindo um desfecho abrupto e aberto. Para capturar as nuances e o subtexto presentes na obra de Ribatski é preciso consumir a arte com atenção dobrada, de preferência aos poucos e de forma pausada, a fim de obter fôlego entre um golpe e outro, desferidos pelo argumento.

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Resenha | Retalhos (2)

19 de agosto de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

blankets, craig thompson, quadrinhos na cia, retalhos

Quando pegamos uma obra em nossas mãos, estamos praticamente fazendo um pacto com o autor de nos relacionarmos com aquela como um todo. Usufruir de uma obra demanda todo um trabalho valorativo, o qual chega a cada pessoa de uma maneira diferente. Quando estamos com uma auto biografia em mãos, a coisa muda de figura, pois sabemos que desde o começo não estamos usufruindo de uma mera obra, mas da vida de outra pessoa – ou pelo menos um pedaço dela.

Retalhos (Blankets, no original) é uma graphic novel auto biográfica de Craig Thompson e conta a história de sua infância e o começo de sua vida adulta. Iniciando-se quando pequeno, Craig retrata sua infância dentro de uma família religiosa no interior do Wisconsin, Estados Unidos. Craig se aprofundou nos estudos da bíblia pra poder fugir de um mundo em que se sentia deslocado. Ao mesmo tempo que foi crescendo, distanciou-se do seu irmão, com o qual dividiu a mesma cama por anos de sua juventude. Já na adolescência, Craig conhece e se apaixona por Raina, uma garota de personalidade forte. Adentra assim em um relacionamento que vai mudar a forma como enxerga a vida, Deus, a si mesmo e o amor.

Craig Thompson possui uma habilidade notável de contar histórias. Não apenas possui uma arte suave e incrível que consegue expressar bem os sentimentos retratados em cada cena – brincando com estéticas de luz e sombra ou até mesmo quebrando o formato dos quadros das páginas – , mas também possui um roteiro que beira a poesia. A junção dos dois componentes em Retalhos é poderosa e demonstra um trabalho delicado, meticuloso e verdadeiro.

O intimismo da obra não se esconde. A HQ pesa como um desabafo do autor, de toda uma vida e histórias que nunca teve coragem de contar, a não ser naquele momento. É sincero e, portanto, profundo, mas sem cair em um sentimentalismo piegas.

Retalhos é uma história de amadurecimento, dos perigos dos extremos e da obsessão – desde a sua busca incessante por Deus ou por um amor idealizado em uma pessoa – e da importância das experiências em nossas vidas. Qualquer detalhe a mais é expor injustamente uma obra que merece ser lida e recebida com toda sua intensidade.

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Texto de autoria de Pedro Lobato.

Ouça nosso podcast sobre Retalhos.

Resenha | A Arte de Voar

14 de agosto de 2013 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

Editora Veneta

Como se destacar no meio de tantas editoras? Basicamente, trabalhando duro, publicando materiais de qualidade, e claro, um pouco de sorte. Um bom exemplo disso é a independente Veneta, editora fundada em 2012 por Rogério de Campos, ex-editor da Conrad, e que pouco a pouco tem mostrado seu potencial e alcançado seu lugar ao sol.

Rogério de Campos, que não é bobo, deve ter escolhido a dedo o primeiro lançamento de sua editora, e verdade seja dita, escolheu muitíssimo bem. A Arte de Voar, de Antonio Altarriba e Kim, é um belo início e denota a visão apurada da editora nessa escolha de publicação.

A Arte de Voar se dá início em um 4 de maio de 2001, na Espanha, onde acompanhamos um homem de 90 anos, pai do autor desta HQ, perto do fim de sua vida, com graves problemas renais, – o que o impossibilitava de calçar seus próprios calçados – e definhando de uma depressão absoluta por um passado que o assombra, tentando desesperadamente subir ao quarto andar de um asilo onde estava internado já há alguns dias, para de lá se jogar e assim dar fim ao pouco que ainda resta de sua vida sofrida.

O que motiva o ser humano a se suicidar, colocar um fim em sua existência, mesmo que repleta de desilusões e pouco tempo de vida pela frente. Quais são as razões para gestos humanos tão radicais como o suicídio acontecer? Devemos julgar tais atitudes? São essas apenas algumas das perguntas que o autor nos questiona ao longo da obra.

Alguns dias após o suicídio de seu pai, uma das poucas lembranças que recebeu foi uma conta de 34 euros do asilo onde seu pai estava internado antes de morrer. Sem ao menos respeitar o seu luto, a dívida já estava sendo cobrada. Coisas da vida moderna. Altarriba não aceitou e devolveu a conta à casa de repouso, pedindo ao menos que respeitassem alguns dias do seu luto. Bobagem. A dívida seguiu em frente judicialmente e o autor acabou perdendo o pouco que restava da herança do pai. Motivado pela revolta, Altarriba decidiu expurgá-la escrevendo sobre seu pai.

Assim, a trama retorna à Espanha do século XX e o autor passa a contar como a história do seu pai está intimamente ligada aos movimentos sociais que ocorreram na Europa, narrando o período da Guerra Civil Espanhola, de 1936 à 1939, que dividiu o país, partindo na sequência para a Segunda Guerra Mundial. Ambos conflitos tem um importante peso na formação do protagonista, desde seu envolvimento com os movimentos anarquistas na Guerra Civil Espanhola, como também na Resistência Francesa durante a Segunda Guerra.

A segunda metade da HQ reforça a ideia das desilusões do protagonista. Com o fim da guerra, Altarriba continua sem esperança e descrente do que será o seu futuro, já que não encontra emprego e vê como única solução utilizar de meios ilícitos para sobreviver. A história se desenvolve com a derrocada das crenças do protagonista.

Ao ler A Arte de Voar é impossível não traçar alguns paralelos com Maus. Ambas as histórias se passam durante a Segunda Guerra, os autores são os filhos dos protagonistas de suas histórias, que por sinal, nunca se deram muito bem com eles, mas me parece que a HQ em questão é mais contundente em seu objetivo. A história de Altarriba é por vezes mais densa, não pelo conteúdo em si, mas por se tratar da história daqueles que ninguém tem interesse em saber, dos anônimos, decadentes, e acima de tudo, dos párias da sociedade.

A HQ toca em temas políticos, e o tom pessimista aumenta a cada página, mesclando momentos históricos com dramas particulares. Os traços de Kim são extremamente detalhistas, mas com uma crueza típica de histórias reais. Extremamente honesta, dura e densa, A Arte de Voar é uma história importante e necessária na formação de qualquer indivíduo. Não deixem de conferir!

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Resenha | O Mundo de Krypton

10 de agosto de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

john byrne, Mike Mignola, Superman

Parte da reformulação do homem de aço pós-Crise, este Mundo de Krypton conta com o argumento e roteiro de John Byrne e desenhos e Mike Mignola (criador de Hellboy), acompanhados da arte-final de Rick Bryant. No início é mostrado um jovem kryptoniano, nominado Van-L. O clima e as roupas minúsculas no planeta chegam a tornar a atmosfera nesse início, em algo meio soft-porn. Os habitantes do planeta mostrado são jovens mimados em sua maioria, muito parecido com os Elois – do romance A Máquina do Tempo de H. G. Wells.

Os personagens são referenciados entre si como filhos de “alguém”, o que demonstra a dependência dos indivíduos aos seus clãs – eles só poderiam ser chamados pelo nome após o rito de passagem da maioridade. A preocupação de Van-L com sua cerimônia é tão grande que ele ignora a guerra em Kandor – o que demonstra a alienação que aflige alguns dos cidadãos mais moços. É explanada também uma forma de perdurar as vidas dos mais velhos -experiências com clones – onde se discute os direitos dos mesmos – ou a falta deles, no caso. Estes ensaios criogênicos possibilitaram um crime horrendo, que por sua vez, gerou um enorme escândalo aos olhos da opinião pública. Tais atos fizeram com que todo planeta mergulhasse na guerra.

Em flashback é mostrado como começa o conflito. Iniciado por protestos encabeçados pela Liga da Vida – movimento contra o uso de clones para aumento da longevidade e a favor do modo natural de envelhecimento. Sen-M, líder da Liga, classificava a clonagem como ato de Barbarismo. Os protestos pareciam ter morrido com seu mentor, mas não foi o caso, e um novo perigo parece se apresentou: um artefato bélico chamado Zero Negro, que quase deu um fim ao planeta.

No terceiro número, é dado um salto de mil anos, mostrando Jor-el meditando sobre as “Guerras Clones” – favor não confundir. Byrne utiliza o recurso de brincar com a linha do tempo exaustivamente, e mostra diferentes momentos da história intercalados. Os progenitores de Kal-El são vistos com maus olhos, por se interessarem por história – e eram encarados pelos anciãos como contestadores do Status Quo kryptoniano. Mesmo assim, Jor-El é contemplado, e permitido a procriar, graças à morte de outro cidadão.

Os dois protagonistas, Jor-El e Van-L, começaram suas indagações de forma parecida, mas seus rumos finais foram diferentes. Van-L não resistiu ao sistema, e tornou-se parte dele, até pela inexperiência e despreparo de seu povo em resolver conflitos. Enquanto Jor-El – inspirado pelo próprio Van-L – ia contra a maré que seus semelhantes e superiores pregavam, ansiando por contato humano e um meio de vida mais sentimental.

O quarto e último volume começa já em Metropolis, mostrando o Super-Homem agindo em salvar o prédio do Planeta Diário de um míssil. É passado um ano, desde que o herói começou a atuar na cidade. Num recordatório, o super-herói diz a Lois Lane, por meio de uma entrevista, como seu planeta era – um mundo de alta tecnologia onde arte e ciência se completavam em harmonia.

Superman fala das consequências da guerra, e como Van-L – seu ancestral -reconstruiu o planeta, remodelando-o. A evolução genética deles engendrou o embrião do que seria o estado de “super-homem“, tornando possível os poderes que os kryptonianos vieram a possuir.

No entanto, o contato físico entre eles era zero, o avanço genético evoluiu ao ponto de a concepção kryptoniana ser realizada sem que os pais se conhecessem. Tal controle populacional tornou os nativos daquele mundo em pessoas frias e sem sentimentos, ao passo que Jor-El tomava uma atitude completamente rebelde, se apaixonar por sua cônjuge – algo que nenhum habitante de seu planeta fazia há muito tempo.

As suspeitas de que algo de errado acontecia com o astro começaram com um terremoto, e depois com a notícia de que o pai de Jor-El estava doente – algo impossível para tais padrões de evolução. Após investigar mais, o cientista/historiador descobriu a morte de milhões de kryptonianos, no último ciclo solar, e entendeu que aquilo tinha relação com o Zero Negro – a causa da “Praga Verde” é reação em cadeia, na crosta do planeta, que forma um novo elemento, um metal radiativo, que causaria uma explosão no corpo celeste.

Jor-El não lamenta o fim da vida que eles levavam, na verdade, ele o justifica, culpando a si e a seus semelhantes por ter evoluído ao ponto de chegar a um modo de vida estéril e frio. Kal-el desfrutaria de uma existência que Jor-El somente sonhava em ter, e isso o deixava feliz.

O final para os pais biológicos do herói é emocionante e sentimental, algo impensável para os kryptonianos. Superman chora ao perceber que ele vive o que seus ancestrais não conseguiram, e agradece a eles por esse “legado”. A mensagem final é piegas, mas todo o resto do relato vale a pena ser visto, até por ser uma ótima apropriação de John Byrne da origem do herói.

Resenha | Anjo Caído – Volume 1

9 de agosto de 2013 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

J.K. Woodward, Mythos Editora, peter david

Peter David é um dos grandes nomes dos quadrinhos desde a década de 1980, tendo trabalhado com fases importantes de personagens clássicos como Homem-Aranha, onde voltou a lhe dar um ar juvenil que suas histórias haviam perdido, Hulk sendo principal responsável pela sua humanização, desconstruindo a caracterização preta e branca dada por Stan Lee – referência do clássico O Médico e o Monstro, de Robert Louis Stevenson. Além disso, foi o responsável pela melhor fase do Aquaman, dando um caráter mitológico ao personagem, transformando ele de fato em um rei mal-humorado, preocupado com questões ecológicas e sobre sua origem, tudo isso somado ao melhor visual que o personagem já teve. Duvida?

No início dos anos 2000, David tendo trabalhado com as histórias da Supergirl no passado, criou um Anjo Caído, uma personagem misteriosa que tinha uma ligação direta com a Supergirl. A personagem ganhou uma série própria escrita por David. Sua ideia era revelar Linda Danvers, a Supergirl da época, como a verdade identidade de Anjo Caído. David planejava transformar Linda em Anjo Caído e assim retomar Kara Zor-El, a Supergirl original, ao universo da época. Contudo, apesar do aumento de mais 50% das vendas, o título foi cancelado pela DC comics com 20 números publicados. Cerca de um ano depois retornaram com Kara Zor-El e nenhum crédito foi dado para o autor da ideia original.

Alguns meses depois, David foi contatado pela editora IDW para que continuasse publicando a história de Anjo Caído em uma série dentro da própria IDW. O roteirista fechou um contrato com a editora mas optou por reformular toda a personagem, para que os novos leitores não precisassem conhecer as histórias publicadas anteriormente pela DC Comics. Uma nova origem teria de ser criada para a personagem, já que ela já não mais seria Linda Danvers. Para isso, David contou com a incrível arte de James Kenneth Woodward onde reformulou toda a personagem, tornando-a, provavelmente, muito mais interessante do que tinha imaginado inicialmente. Após toda essa explicação chegamos finalmente a primeira história escrita de Anjo Caído dentro da IDW, a série Servir no Paraíso, publicada agora em um encadernado pela Mythos Editora.

Dito isso, finalmente chegamos na obra em questão, onde conhecemos um pouco sobre a história de Liandra, uma professora de educação física durante o dia e combatente do crime da cidade de Bete Noire durante à noite. No entanto, em Bete Noire, nada é o que parece, a cidade tem vida própria e é quase como um invólucro entre o céu e o inferno, comandada pelo magistrado, Doutor Juris. O roteiro se desenvolve em duas linhas narrativas, o passado de Liandra, e de como ela caiu do paraíso, narrados através de flashbacks, e a linha de tempo atual, onde o magistrado procura um substituto para sua função dentro da cidade e Liandra precisará impedi-lo.

Peter David trabalha muito bem a origem de sua personagem e as complexidades trazidas em sua personalidade, sua história é interessante e traz conceitos interessantes sobre livre arbítrio, fé, religião e Deus, que trazem uma reflexão que quadrinhos de super-heróis não costumam abordar. A visão de David é bastante crítica a religião em si e sua visão sobre a razão de nossa existência é bastante intrigante, o que por si só já vale uma olhar mais atento para o trabalho dele em Anjo Caído. Se tudo isso já não fosse o bastante, os painéis pintados por J. K. Woodward são absurdamente detalhados e belíssimos, remetendo a enquadramentos muito comuns no cinema expressionista alemão e o próprio cinema noir, que é uma referência do próprio David nesse trabalho.

Anjo Caído consegue um respiro no mar de publicações de quadrinhos de super-heróis, trazendo um roteiro coeso, sólido e criticando, de forma contundente e objetiva, a religião e sua forma de visão unilateral do mundo. Além disso tudo, conta ainda com uma arte incrível.

Resenha | Toda Rê Bordosa

7 de agosto de 2013 by Rafael Moreira

Quadrinhos, Resenhas

angeli, rê bordosa, tiras

Toda Rê Bordosa é uma compilação (quase) completa da, talvez mais famosa, e de carreira mais meteórica, personagem do quadrinho nacional, criada por Angeli na década de 80.

O primeiro ponto a se notar, é o excelente trabalho gráfico da edição. Além da impressão impecável, com as tiras recuperadas digitalmente através dos originais do autor. O álbum conta com uma capa dura, feita de um material parecido com papelão cinza, fazendo com que seja uma edição de luxo, mas ao mesmo tempo, já que o luxo não combina em nada com a Rê, traz um ar de despojamento, totalmente condizente com a velha junkie.

Falando um pouco do conteúdo e da personagem: Rê Bordosa, uma porra louca por vocação, leva a vida com objetivos claros, passar o dia na banheira, curando a ressaca ou sua bad, para a noite poder ter mais uma dose de vodka, sexo, cigarros, vodka, drogas, vodka, orgias, e mais uma vodkinha pra não perder o costume. Intercalados com alguns Whiskies e vinhos, de vez em quando.

O sucesso da personagem nos anos 80 foi tanto, que o autor se viu obrigado a matar à matar a personagem, feito em duas versões, uma mais curta chamada: A Morte da Porralouca. Em que o próprio cartunista se insere nas histórias, demonstrando claramente que o sucesso não previsto de alguma forma o incomodava, e outra, mais longa chamada: A Verdadeira História da Morte de Rê Bordosa, em que ela se afoga, cai do prédio, é exorcizada, explode, mas o que a mata de verdade, é o Tedius Matrimonius. Para nos colocar o tamanho desse acontecimento na época, o álbum traz uma página da Folha de S. Paulo, do caderno Ilustrada, dedicada à noticia de sua morte, os motivos deixados claros pelo autor, e um pouco de seu desapego com a personagem.

Um ponto a se ressaltar, e talvez o mais interessante dessas histórias, ao consumirmos a obra compilada, é que se nos atermos superficialmente às historias da pin-up mais famosa dos anos 80, podemos erroneamente pensar que se tratam apenas de histórias de humor negro e ácido, que tocam as vezes em temas espinhosos como aborto, religião, etc. Porém, a obra de um cartunista tão marcada por sua crítica tanto política como social, como é o caso do Angeli, definitivamente não nos permite ficar apenas na superfície.

Além das críticas mais claras, como a já citada igreja, ou o temível TFP, Tradição Família e Propriedade, e até mesmo a hipocrisia com relação ao aborto, praticado mensalmente pela Rê. Quando colocamos as tiras no contexto da época e a situação do país, podemos notar claras referências, a digamos, abertura do Brasil. Em que após o fim de um regime ditatorial, mesmo as pessoas podendo fazer o que quisessem com suas vidas, sem mais contar com a repressão da máquina governamental militar, ainda teríamos as amarras sociais semelhantes às desses tempos, calcadas por outras razões que não a ditadura explicitamente, mas que surtem um efeito parecido. Talvez seja esse o grande tema, salpicado aos poucos, por trás das tiras de Rê Bordosa. Se considerarmos então a série Vodka, de 2009 (também presente no álbum), que é uma reinterpretação, ou uma ode à junkie oitentista em tempos mais recentes, aí sim temos mais clareza para uma interpretação como essa, e pelo próprio autor, dá a impressão de que tais amarras, não só não regrediram, como evoluíram.

Toda Rê Bordosa, álbum lançado em 2012 pela Companhia das Letras, sob o selo Quadrinhos na Cia. é uma obra obrigatória para todo fã de quadrinhos, um projeto muito bem elaborado, que faz jus a história tanto da personagem, quanto seu autor.

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Resenha | Demolidor – Vol. 1

5 de agosto de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Demolidor, Mark Waid

Uma das maiores críticas aos quadrinhos de super-heróis é o quanto eles se tornaram complexos para leitores novos ou ocasionais, seja por sagas intermináveis que se conectam em diversas revistas ou simplesmente pelo peso de décadas de cronologia. Por outro lado, as estratégias para combater isso enfurecem os fãs assíduos: truques mirabolantes, pactos demoníacos ou reboots cósmicos servem para apagar ou modificar a vida dos personagens. Nesse cenário desanimador, um material como a nova fase do Demolidor merece todos os elogios possíveis, não somente por sua qualidade pura e simples, mas principalmente pela lição que fica para a indústria dos comics.

O encadernado lançado pela Panini traz as seis primeiras edições do título mensal que começou em 2011 lá nos EUA (sem comentários para tamanho atraso). O sucesso foi inegável, visto os prêmios Eisner de melhor série e melhor escritor, para o veterano Mark Waid. O que torna o trabalho tão digno de nota foi o novo direcionamento adotado, trazendo aventuras mais leves e descompromissadas para O Homem Sem Medo, e a forma como isso foi feito. Antes disso, nas mãos de Brian Michael Bendis, Ed Brubaker e Andy Diggle, Matt Murdock teve uma longa fase de ótimas histórias com clima noir, denso e pessimista. Em bom português, ele se ferrou pra valer. Teve sua identidade exposta publicamente (e passou todo esse tempo negando ser o Demolidor), foi preso, assumiu a liderança da organização criminosa NINDJA Tentáculo, e terminou sendo possuído por um demônio e enfrentando outros heróis.

Como voltar disso? Alterar a realidade, dizer que foi um clone, ou outra “genial” explicação desse naipe? Não. Waid toma o caminho da simplicidade, reconhecendo tudo o que aconteceu e colocando o próprio herói pra dizer que escolheu mudar, encarar as coisas com otimismo e tentar se restabelecer enquanto pessoa, advogado e herói. Dessa forma, a nova fase se inicia sem fazer quem acompanha o Demolidor há tempos se sentir enganado, e sem obrigar ninguém a correr atrás do que veio antes (apesar disso ser altamente recomendável). Em essência, a herança que fica é que agora as pessoas “sabem” que Matt é o famoso vigilante, e ainda que não existam provas concretas e ele continue negando, seu trabalho como advogado acaba sendo prejudicado, resultando em situações muito divertidas.

E na outra metade da vida dupla de Murdock, prevalece um clima de certa forma sessentista/setentista. Um herói brincalhão e ousado, que beija a noiva num casamento da máfia e enfrenta os leões do zoológico. Situações absurdas, mas sem descambar para ingenuidade absoluta ou mesmo galhofa. A necessária maturidade dos quadrinhos atuais se faz presente quando o Demolidor se envolve em conspirações corporativas ou mesmo quando o Capitão América, o “principal policial do país”, aparece pra tirar satisfações sobre seus últimos atos. O equilíbrio alcançado traz a necessária renovação para o personagem, um momento bem menos sombrio que os anos recentes, mas nem de longe algo infantilóide estilo Jeph Loeb.

A arte acompanha essa pegada retrô, e é um show parte. Os desenhistas Paolo Rivera e Marcos Martin têm um estilo muito parecido, um traço limpo, simples e agradável. Mas dá pra perceber algumas diferenças: o primeiro faz uma anatomia mais arredondada, e no geral, um trabalho padrão. Já o segundo usa de linhas mais finas e angulosas, e ousa mais no sentido de diagramação e composição de páginas. Ambos, porém, trazem uma nostalgia interessante ao trabalhar com onomatopeias nos cenários e na retratação do sentido de radar do herói, sua “quase visão”. Um tanto ignorado nos últimos tempos (em favor da abordagem intimista, enfatizava-se a “cegueira” de Matt), esse poder remete às clássicas histórias de Frank Miller nos anos 80.

Como ponto negativo (além do atraso na publicação aqui no Brasil), o preço de R$ 18,90 pela edição de 148 páginas. Mesmo com capa cartonada e papel de qualidade, é salgado. Mas sem dúvida nenhuma vale a pena conferir. Essa é uma gratificante prova de que é sim possível ter boas e acessíveis histórias de super-heróis, em séries mensais DENTRO DA CRONOLOGIA. Quando há talento envolvido, claro.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Resenha | Superman: Paz na Terra

3 de agosto de 2013 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Alex Ross, Paul Dini, super homem, Superman

Superman Paz na Terra tem o argumento de Alex Ross e Paul Dini, desenhado pelo primeiro e escrito pelo segundo.

Sinopse: Superman salva uma mendiga com fome em pleno Natal, levando-a para um abrigo, e, inspirado por uma frase de Charles Dickens e pelas conversas com o pai, ele decide tentar empregar seus poderes para acabar com a fome no mundo.

O roteiro de Paul Dini opta pela narração em primeira pessoa o tempo todo, deixando um clima totalmente pessoal e conseguindo, assim, abrir a introspecção do personagem ao permitir que suas lembranças sejam compartilhadas com os leitores.

A história começa lembrando (de novo) as origens do herói, fazendo essa ligação com a premissa da história ao se ater aos ensinamentos do seu pai com o semeio da terra durante a sua infância. Essa opção tenta resgatar a essência do personagem para justificar a narrativa que se dará a seguir, porém, de forma desnecessária: as motivações do Superman não precisam sempre ser ligadas à sua origem. Se não houvesse essa ligação, a história talvez fosse um pouco mais rica. O herói já é crescido, ficar sempre voltando ao passado para justificar as suas ações não dá maturidade ao personagem, pelo contrário.

O ponto alto do roteiro se dá logo no começo, quando ele mesmo reconhece a ironia de um ser que não sente fome querer ajudar a acabar com a fome no mundo. Como um alienígena inserido na Terra, a humanidade e os humanos são estranhos para ele até hoje. Nesse momento já pode-se perceber que sua missão vai falhar, não por causa dos seus atos para se resolver um problema literalmente do tamanho do mundo, muito menos por causa da politicagem humana no congresso americano e nos países em que o Super encontra problemas ao visitar, mas sim por falta de compreensão: Superman não sente fome, logo, não consegue entender justamente o objeto do seu tema em sua completude; portanto, não pode ajudar a humanidade.

Pena que isso foi abordado superficialmente; talvez, se fosse mais elaborado, enriquecesse a história de uma forma espantosa. Ao invés disso, o roteiro prefere se focar nas atitudes nobres tentando, em vão, solucionar o problema. É interessante também mostrar a percepção do personagem de que o problema que ele abraçou é muito maior do que ele conseguiria realizar, porém, ela acaba perdendo força ao virar a pieguiçe no final com uma desnecessária moral da história à la He-Man. Nessa HQ não tem espaço para isso, pois Superman falhou em tudo com a humanidade: tanto no seu propósito quanto através dos meios que utilizou, justamente por não conseguir compreendê-la. Seria mais digno e muito mais interessante por parte do roteiro admitir a derrota do personagem e tentar levantar outras perguntas do que empurrar novamente para a humanidade de forma patética a solução do problema que tomou para si. Em suma: como um ser poderoso e indestrutível que deu falsas esperança para uns se acha no direito de inspirar outros no final, ainda mais de forma paternalista? Não faz sentido agora tapar o sol com a peneira, por mais que tente apelar para as origens messiânicas no início da história.

A arte realista em forma de pintura de Alex Ross é impressionante, desde o uso das luzes e sombras até o acabamento. Tanto a parte descritiva do presente quanto as lembranças do passado, onde a descrição fica um pouco vaga, mostram a versatilidade do artista.

Superman Paz na Terra vale a pena? Sim, primeiramente pela arte, e também por levantar algumas reflexões interessantes para o personagem. Porém, se você quer ler uma grande história do Super, que esteja no seleto grupo das melhores, sugiro partir para outra HQ.

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Resenha | Precisa Haver um Superman?

1 de agosto de 2013 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Curt Swan, DC Comics, Superman

Publicada em 1972, na Revista Superman 247, esta história conta com roteiro de Elliot S. Maggin e lápis de Curt Swan. Precisa Haver um Superman? é uma extrapolação do conceito do herói sobre-humano que discute a real necessidade da humanidade em ter um salvador onipotente olhando para os seus anseios.

A trama começa narrando uma aventura espacial do Super-Escoteiro, a fim de deter uma bolsa cheia de esporos que vinha na direção da galáxia terráquea. A função do herói é desviar o artefato, mas o lugar onde ele está é lotado de estrelas vermelhas – como o sol de Krypton – que tirariam seus poderes. Na tentativa de deter o corpo celeste, Super-Homem acaba desacordado. Ao acordar em outro ambiente, ele toma ciência de que foi encontrado por Katman Tu – uma lanterna verde – e imediatamente entregue aos Guardiões de Oa.

Um dos anõezinhos azuis o indaga a respeito de sua interferência na vida do homem comum, e como isso causaria um atraso na evolução cultural dos humanos. O argumento seria que a humanidade tende a relaxar em virtude do seu intervencionismo, poluindo, degradando o ambiente e vivendo sem escrúpulos e sem cuidados básicos.

O que os Guardiões fazem é sugerir que o Super-Homem pare de interferir no livre-arbítrio do terráqueo, mas eles o fazem sem imposição – o que ocasiona ao herói um questionamento de sua real utilidade. Logo ele percebe a realidade. Ao se defrontar com um problema social que poderia ser resolvido pelos reivindicantes sozinhos, Super percebe que as pessoas só tomam e se enchem de coragem porque ele está presente. O problema tem relação com um imigrante mexicano, o que remete as memórias de refugiado alienígena do próprio Kal-El.

A mensagem final do conto é infantil – até porque esse era o público alvo da revista. As ações do super-herói seriam restritas a coisas impossíveis para o humano ordinário, como catástrofes naturais. No encerramento é mostrado que este era o plano inicial dos Guardiões de OA. A tarefa sobre-humana do herói flerta com a mensagem de desígnios divinos, e com uma ideia pregada por alguns religiosos de que as divindades só agiriam nas causas impossíveis para a ação dos mortais.