Séries – Página: 20 – Vortex Cultural

Review | 666 Park Avenue

20 de outubro de 2012 by Vortex Cultural

Eu tinha visto os teasers e trailers desta série e ela não conseguia me chamar muito a atenção. Um dia, de bobeira em casa, decidi baixar os dois primeiros episódios e conto aqui o que achei.

Trata-se se um drama de terror concebido para aproveitar-se um pouco do sucesso de American Horror History. Então 666 Park Avenue tenta emular aquele clima de filme de terror da grande tela. Trata de um casal do interior (Jane e Henry) que vai a Nova Iorque para tentar a vida e consegue o emprego de zeladores do edifício residencial de luxo Drake (localizado no 666 Park Avenue), onde não sabem, mas o mal espreita e cada morador do prédio tem seus desejos realizados graças a um pacto feito com o Diabo, através do proprietário rico, elegante e ocultamente maligno Gavin Doran, que parece ter planos nada legais para o casal. Qualquer semelhança com o começo de Advogado do Diabo é mero aproveitamento da mesma ideia.

No primeiro episódio, fiquei incomodado com os clichês de sempre, vistos em vários filmes e seriados: o casal do interior que se deslumbra com o local onde vão morar, com a cidade grande, com o glamour… e vão parar no covil de forças sobrenaturais. São tão perfeitos, tão inocentes, éticos, se amam tanto. Não sei porque o mal não se interessa por pessoas reais, com vícios e defeitos reais.

Ainda no episódio piloto, somos introduzidos no edifício homônimo da série e a alguns de seus moradores. Logo fica claro que a série seguirá 3 arcos distintos: o arco do tipo “caso da semana”, onde algum morador bizarro é apresentado; o arco de “médio prazo”, onde algum mistério ou história é contado e seu desfecho será em mais de um capítulo; e o arco de “longo prazo”, que lida com a relação entre o casal bonzinho de zeladores, o edifício e seu maléfico proprietário (e sua mulher, igualmente misteriosa).

Os efeitos especiais são bacaninhas, o roteiro e o desenrolar da história dão um pouco de sonolência. Nada é impactante, nada é novo, nada é maravilhoso nessa série. Seria uma série ótima para tapar buracos da grade de programação de alguma emissora, como a série do Cris tapa na Record.

Não há nada amedrontador e, embora sejam apresentados alguns mistérios no segundo episódio, eles não são suficientes para prender a atenção de alguém.

Acredito que 666 Park Avenue não passe da primeira temporada, não por ser muito ruim, mas por não passar a ser imperdível para ninguém.

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Texto de autoria de Robson Rossi.

A Necessidade de Cotas para o Audiovisual Nacional

9 de outubro de 2012 by Vortex Cultural

Artigos, Cinema, Séries

Cotas costumam ser um assunto polêmico. Depois que o Ministério da Cultura anunciou a criação de editais para negros, vieram as criticas pelas redes sociais.

Geralmente quem é contrário as cotas pertence ao grupo que sempre foi privilegiado, e o discurso mais usado é o da meritocracia. No entanto, esses se esquecem que a mesma meritocracia esbarra quando encontra o preconceito indireto, a intolerância racial velada ou simplesmente a cultura que privilegia a exclusão.

Outro argumento falho é apelar à falta da liberdade de expressão quando tentam sem sucesso inverter a ordem de conquistas deste tipo, pegando o exemplo acima do Minc, de querer ter o direito inalienável a um edital só para brancos. O problema é que as pessoas se esquecem que as relações entre brancos e negros não são iguais, e não adianta fingir que são, elas são desiguais desde sempre. Até hoje os negros ainda pagam a dívida de séculos de escravidão e opressão que sofreram dos brancos, através de preconceito e desvantagens de todo o tipo.

Hoje em dia temos poucos negros e negras inseridos no audiovisual nacional. Dos diretores, os mais notáveis são o mineiro Joel Zito Araújo e o paulista Jeferson De. Na parte técnica como fotógrafos, diretores de arte, sonoplatas e editores, são poucos também, mas não estou conseguindo lembrar de nenhum, você está? Caso positivo, informe que eu atualizo o post.

É na atuação que aparecem mais, mas ainda assim muito pouco. Desde a retomada até 2005, segundo esta dissertação (gráfico 1, página 14) estreamos em média 27 filmes por ano, sendo que em 2010, de acordo com o informe anual da Ancine (tabela 12), chegamos ao lançamento de 75 longas. E agora em 2012, na revista de setembro do portal Filme B (que divulgamos aqui), pode-se conhecer os 100 longas que estão em produção atualmente no Brasil.

Desta quantidade toda de filmes recentes, em quantos deles negros, mulatos e indígenas são protagonistas? Em quantos filmes são roteiristas, diretores ou técnicos importantes como fotógrafos ou editores? Agora, relacionando com todos os outros onde brancos são os protagonistas, diretores, roteiristas e editores, qual a proporção que teríamos entre os não brancos e os brancos? 10:01? 20:01? 50:01? Ou chegaríamos aos absurdos 100:01? Deixo aqui em aberto aos mais interessados correrem atrás.

Dos blockbusters que me vêm a cabeça são “Cidade de Deus” (2002), “Tropa de Elite” (2007), “Tropa de Elite 2” (2010) e “5 x Favela, Agora Por Nós Mesmos” (2010) (Se conhecer mais algum, avise para atualizar a postagem). Isso sem falar, é claro, nos filmes dos diretores citados até o momento.

No entanto, o caso mais exemplar da necessidade das cotas está na série de tv fechada do canal GNT “Sessão de Terapia”, adaptação do original israelense “BeTipul”, dirigido aqui por Selton Mello e com Maria Fernanda Cândido no elenco. Nela, o psicanalista Theo atende em seu consultório pacientes diversos. O curioso é que o elenco principal da série, composta por 8 atores, são todos brancos, como pode ser visto abaixo, não há um negro, oriental ou indígena, nada.

Por mais que o argumento contrário as cotas neste caso seja de que o público alvo do GNT seja composto em sua maioria por mulheres entre 25 e 49 anos de classe média e alta, já se provou que boa parte dos negros estão inseridos na classe média. A não ser que o público alvo do canal seja formado por mulheres BRANCAS de classe média e alta, o que acredito que não seja.

“Sessão de Terapia” se passa na cidade de São Paulo, a maior do país, e, por conta disso, a que mais possui problemas, pois é formada por uma quantidade de pessoas de diversas origens étnicas, com crenças variadas e de orientações sexuais tão distintas que, por mais que seja bem dirigida pelo Selton Mello, bem escrita e conte com atores competentes, torna uma difícil identificação do público com a série para quem não é branco.

Ou seja, como um negro, mulato, indígena ou oriental vai enxergar os seus próprios problemas e relacioná-los com os dilemas dos personagens se eles não se vêem nos mesmos? De que forma o público poderá atingir a reflexão com as situações geradas? Por mais que seja de classe média, um negro, mulato vai conseguir compreender a dor dos personagens?

Quem novamente for contra as cotas, deve vir com o argumento de que se a obra for universal, qualquer um se identifica. É verdade, mas não se aplica ao caso brasileiro, onde a nossa maior característica é sermos plurais e contar com pessoas de cores, credos e orientações sexuais tão distintas quanto. Vocês se lembram que recentemente tentaram esbranquiçar o mulato Machado de Assis em uma propaganda da Caixa Econômica Federal, né?

Portanto, não se justifica a escolha de um elenco inteiro que não representa nem um terço da pluralidade do povo brasileiro. É questão de identidade, ou no caso, a falta de. Nos EUA, o movimento negro conseguiu avanços no cinema e na teledramaturgia do país durante os anos 60 e 70 com as cotas para atores negros, conseguindo na década seguinte gerar séries que tratavam de seus dilemas, como Cosby Show (1984-1992) e Fresh Prince of Bel-Air (1990-1996), no mar das séries que só tratavam das famílias brancas (não é preciso inumerar, né?).

Como noticiado em muitos podcasts, os nerds se lembram, é claro, do episódio onde Martin Luther King convenceu Nichelle Nichols a não abandonar sua personagem Uhura na série clássica de Star Trek, por que ela representava os negros do país.

E assim como os EUA, o Brasil é um país complexo, e apesar das dificuldades estamos cada vez mais conseguindo avanços significativos no combate as várias discriminações para que consigamos atingir uma sociedade mais livre e mais justa através da inclusão. E essa inclusão passa pela necessidade de se ter negros, mulatos e indígenas como roteiristas, diretores e técnicos em cargos importantes na indústria, como também encarnando protagonistas etnicamente diferentes nas grandes séries dos canais fechados.

Ainda mais agora desde que a PLC 116 foi aprovada em setembro de 2011, obrigando os canais a cabo a exibir conteúdo produzido no Brasil, aumentando a expectativa do setor. O que acontece com isso? Que iremos ver a economia do audiovisual brasileiro girando, isso significa produtoras independentes como a Conspiração Filmes no Rio de Janeiro, a O2 em São Paulo, entre outras, contratando mais gente para produzir conteúdo revelante e de qualidade que serão exibidos nos grandes canais fechados, como HBO, Sony, Warner, Fox, AXN, canais Globosat e por aí vai. Mais informações sobre esta lei aqui.

A abordagem do problema até aqui foi superficial. Não é possível dimensionar em um texto pequeno toda a problemática representada pela escolha equivocada da produção de elenco da série do GNT. O que é possível fazer é: a) inventariar as questões possíveis a ser levantadas (a escolha de 8 atores brancos para o elenco principal da série de destaque de um dos principais canais a cabo foi pontual); b) tentar desvendar os motivos (o que o GNT deseja comunicar para o seu público?); entre outras questões diversas.

Por último, se é que alguém ainda não entendeu que as relações entre brancos e não brancos vão demorar para se equiparar, e que até lá, negros, mulatos e indígenas irão precisar de medidas a longo prazo como uma educação pública melhor, como também medidas diretas como cotas, este desenho abaixo exemplifica bem a questão:

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Review | Highschool of the Dead

8 de outubro de 2012 by Nicholas Prade

Reviews, Séries

Animes, madhouse, shonen, Yōsuke Kuroda

Peitos enormes em decotes inacreditáveis, micro-saias, personagens seminuas sem motivo aparente, personagem central com um sex-appeal mágico. Faltou alguma coisa? Faltou! Calcinhas… Calcinhas para todo lado, de todas as cores, tamanhos e mostradas de todos os ângulos imagináveis. Com estes atributos que listei acima, podemos ter uma ideia do teor de Highschool of the Dead e, num geral, dos ecchis como um todo. O Japão possui uma lista infindável de maluquices que ainda serão demonstradas aqui no Vortex, por hoje ficaremos apenas no Ecchi.

E, na verdade, acho que o ecchi (lado-a-lado com os tentáculos) é a expressão máxima da bizarrice japonesa nos animes. Boa parte do material produzido no Japão flerta com a sensualidade e com a sexualidade, seja através de seios avantajados em decotes que desafiam a física, seja através de insinuações ou piadas sexuais. Provavelmente, se você está assistindo algum anime, em algum momento vai se deparar algum tipo de situação como essa.

No ecchi, não há sexo explícito (quando há, o produto passa imediatamente à categoria Hentai). Há, entretanto, uma pesada carga de sensualidade expressa através do desenho ou dos diálogos libidinosos. Em Highschool of the Dead não é diferente.

A obra original, escrita por Satou Daisuke e desenhada por Satou Shouji, foi publicada na revista Dragon Age, da Kodankawa Shoten (casa de outros mangás famosos como Slayers, Tenchi Muyo! e Neon Genesis Evangelion) em 7 volumes no ano de 2006. Em 2010, ganhou adaptação para as telas japonesas (e de computador, mundo afora) pelo estúdio Madhouse (o melhor estúdio de animação japonês, responsável por animes como Death Note, Gungrave, Trigun e Hunter X Hunter, dentre outros) através das mãos de Tetsurou Araki (de Death Note).

O estória de HotD começa com Komuro Takashi, um aluno do 3˚ ano do colegial japonês, refletindo sobre alguns acontecimentos de sua vida na escada de acesso ao telhado do prédio escolar. Durante seu momento de reflexão, Takashi presencia uma cena inacreditável que envolve alguns membros da diretoria e um rapaz que aparenta estar bêbado. Quando o chefe da segurança vai expulsar o arruaceiro da frente da escola, entretanto, ele é mordido e vem a falecer em menos de cinco minutos. Takashi estremece ao perceber que o homem morto não permaneceria naquele estado por muito tempo. O homem morto levanta-se e ataca os funcionários da escola, dando inicio a infestação zumbi no colégio.

Imediatamente, Takashi parte para a sala do segundo ano para buscar Mynamoto Rei, uma amiga antiga por quem ele tem uma queda. Em alguns minutos apenas, os zumbis tomam conta da escola e matam praticamente todos os alunos, tornando a tarefa de escapar da escola muito mais difícil. Takashi e Rei juntam-se à Busujima Saeko (uma campeã nacional de kendô), à enfermeira Mirakawa Shizuka (única adulta do grupo, mas meio lesada), a garota-gênio Takagi Saya e ao otaku militar Hirano Kouta. Juntos, os seis precisam enfrentar os desafios oferecidos pela escola e continuar sobrevivendo num mundo completamente infectado pela ameaça zumbi.

O anime possui boa animação (não esperaria menos da Madhouse) e um enredo que lembra muito a famosa série da AMC, The Walking Dead. Na verdade, parece muito claro que a dupla de mangakás buscou muita referência para a série na HQ que originou a série da AMC, quando criou a história e os personagens de Highschool of the Dead. É muito evidente a mudança de comportamento dos personagens no decorrer do anime e essa alteração é dada pela situação em que se encontram, exatamente como o grupo liderado por Rick em TWD. Num primeiro momento, eles esperam ajuda para retornar às suas famílias mas, quando percebem que a ajuda não aparecerá, tomam as rédeas de seus próprios destinos e decidem enfrentar seus próprios desafios.

O enredo trabalha muito bem a questão social e como os valores pregados por nossa sociedade são frágeis. Em diversos momentos da trama, o grupo central encontra-se em um dilema quando precisa ajudar alguém ou algum outro grupo de sobreviventes. Takashi e Rei são os primeiros a descobrir que os zumbis não são seus únicos inimigos e que para sobreviver eles precisam alterar sua visão de mundo completamente. Em alguns pontos, os personagens questionam sua própria humanidade frente aos perigos de um mundo ocupado por zumbis comedores de carne.

Highschool of the Dead é o típico enlatado japonês que talvez não faça muito sentido para o espectador médio aqui no Brasil. As relações dos personagens, suas motivações e respostas para os problemas enfrentados são tipicamente japonesas e estão inseridas num anime de gênero que não é fácil de assistir. As atitudes dos personagens (como, por exemplo, a mania que as personagens femininas têm de tirar a roupa sem motivo aparente, ou ficar se insinuando para o personagem principal o tempo inteiro) são meio inverossímeis demais, mas são muito populares entre o público deste tipo de obra.

Os desenhos são muito bonitos e os personagens são muito bem desenhados, com a animação fluida e sem confusão. As sequências de ação do anime são bem fáceis de compreender e a única diferença para a maioria dos animes mais populares é a posição da “câmera”. Em todos os episódios alguma das personagens de saia será filmada de baixo, ela cairá no chão e sua calcinha aparecerá ou um diálogo mais importante será exibido em segundo plano para deixar um par de seios ou uma bunda em evidência na tela. Os personagens do desenho passam boa parte do tempo cobertos de sangue e os desenhistas não economizaram, também, nas mortes violentas.

A dublagem japonesa é boa, com vozes bem delineadas e sem muitos diálogos corridos que prejudiquem a interpretação (ou leitura das legendas…). Da trilha sonora, posso destacar a abertura que é muito boa, as OSTs durante os episódios são pouco empregadas. Uma diferença interessante em HotD é que a trilha de encerramento não termina o episódio, como a maioria dos animes fazem. Em todos os episódios há uma cena extra após os créditos que faz a ligação com o próximo episódio.

Highschool of the Dead é um anime diferente dos outros que já vi. Possui diversas camadas de observação mas acaba fazendo mais sucesso entre os otakus pornográficos mesmo… Uma pena que uma boa estória como essa não tenha a devida atenção do público.

A segunda temporada do anime foi confirmada numa convenção no ano passado, mas ainda não tem previsão de estreia nas telas japas.

Review | Gosick

20 de setembro de 2012 by Nicholas Prade

Reviews, Séries

Animes, light novel, Mangás, shonen

Gosick me foi vendido como um anime totalmente diferente dos shonen comuns. Lembro como se fosse hoje, as letras do título do post de algum blogzinho sobre animes diziam, em CAPS: “GOSICK: DEATH NOTE DE CALCINHA!!”. Na época, não me lembro de ter lido todo o post, mas como gostei muito de Death Note, esse título marcou minha memória.

Mas o que eu gosto de Death Note tanto assim que faria ver novamente em Gosick? Essa pergunta é muito fácil: Gosto da relação entre o criminoso e seu perseguidor, gosto de nunca saber quando os perigos enfrentados pelo personagem central fazem ou não parte do plano, gosto de como ele aposta em sua inteligência e arrisca sem medo de perder tudo que conquistou. Isso me surpreendeu em Death Note, e era justamente isso que eu esperava ver em Gosick. Não esperava violência e nem sangue, lutas violentas ou perseguições frenéticas como em Death Note, afinal o anime não era direcionado a mim, não era sua obrigação me agradar neste ponto. Impressionante como a linha título de um blog que eu nem me lembro mais o endereço me arrastou para dentro de Gosick, vendeu-me o anime tão bem que o começo arrastado do anime não me fez desistir. Vale dizer, ainda, que sou um fã de animação japonesa e assisto tudo até o final, independente de ser bom ou não. No caso de Gosick, fui adiante mais interessado do que decepcionado com o ritmo do desenho, esperando o momento “puta que pariu, velho, por essa eu não esperava!!”. Acho que estou me adiantando sobre as impressões do desenho, então vamos fazer uma pequena pausa para que eu possa contar o que anime tem a oferecer.

A trama de Gosick foca seus acontecimentos em torno de um jovem japonês chamado Kujou Kazuya. Kujou é o terceiro filho de um oficial do exército japonês e o anime começa com sua chegada ao reino fictício de Saubure (um pequeno país no centro da Europa) para realizar intercâmbio na famosa Academia Santa Margarida. A academia reúne muito alunos de diferentes lugares e possui uma forte ligação com histórias folclóricas (que fazem muitas referências ao folclore japonês). Uma dessas histórias conta que o visitante que chega à academia durante a primavera traz, consigo, a morte e a destruição. Por ter chegado à Saubure justamente no início da primavera, Kujou passa a ser conhecido como “Shinigami Negro” e é evitado por quase todos os alunos da escola. Em uma de suas caminhadas solitárias pelo terreno da academia, Kujou encontra uma jovem garota loira de cabelos muito compridos. Esta jovem garotinha chama-se Victorique e, não se sabe por que, é evitadas por todas as pessoas da cidade. Para boa parte dos alunos e funcionários da escola, Victorique sequer existia, sendo tomadas por todos como a “fada dourada da biblioteca” (mesmo nome de um personagem em um dos muitos contos que fazem parte do cotidiano dos habitantes da Saubure). Durante boa parte de sua vida, Victorique ficou restrita ao ambiente da biblioteca da academia, por este motivo possui um vasto conhecimento e consegue as respostas para praticamente qualquer desafio que lhe propõem. Seu humor é sempre ácido e ela não se relaciona muito bem com outros humanos, evitando-os a todo o custo e afastando praticamente todos o que tentam se aproximar dela. Por ser muito inteligente e adorar desafios, A Fada Dourada trabalha prestando consultoria ao detetive de polícia Grevil de Blois. Com a chegada de Kujou, estranhos assassinatos e outros crimes começam a acontecer nos arredores de Santa Margarida e o detetive precisa constantemente driblar o mau humor da loirinha para fazê-la ajudar nos casos, enquanto os três (Kujou, Grevil e Victorique) procuram estabelecer uma relação entre os crimes e desvendar o mistério por trás dos acontecimentos misteriosos que arrastam o país para uma iminente guerra.

A animação da série de mangás criada por Kazuki Sakuraba (Gosick foi o segundo trabalho da autora e o único que fez mais sucesso) ficou a cargo de Nanba Hitoshi (diretor de um OVA de Hajime no Ippo e algumas outras obras bem menores) e do estúdio Bones (Full Metal Alchemist, Soul Eater). O traço aproveitado do original ficou excelente, a coloração é muito bem feita. Victorique tem traços extremamente infantis e, por vezes, passa-se até mesmo por uma boneca, e neste ponto o estúdio acertou bastante no desenho. A animação é bem feita, visto que o roteiro não apresentava grandes dificuldades para ser adaptado. Ainda sobre o roteiro, devo dizer que não me agradou tanto quanto eu esperava, mas tem os seus momentos inteligentes. A comparação com Death Note é injusta e não deveria ter sido feita. Gosick possui um andamento infinitamente mais lento (com exceção de um ou outro episódio que tem uma cena acelerada) e as sacadas de Victorique saem muito mais de uma cartola mágica do que dedução lógica. Durante todo o anime, a loirinha tenta desmistificar o pensamento dos envolvidos nos casos, que tendem sempre a dizer que o que aconteceu foi alguma maldição ou magia. De fato, a única magia do anime está na linha de dedução impossível que Victorique traça em todos os casos. Durante todo o anime, ainda, você observa a Fada e o Shinigami enfrentando casos aleatórios, mas continua assistindo com a esperança de que, ao final dos 24 episódios, todos os crimes vão se cruzar em uma trama maior de algum supervilão, e isso não acontece como você espera. De fato, a única dúvida que anime deixa durante alguns episódios é se Victorique existe no mundo real ou é um produto da mente de Kujou. Neste e em alguns outros pequenos pontos da trama, Gosick consegue exalar um ar “Sherlockeano” e isto é o segundo melhor ponto a se destacar.

Gosick, ao contrário de Death Note, não é sobre os crimes ou sobre a caça aos criminosos. Ao final do desenho, fica muito claro que a animação fala sobre a interação de dois personagens. O temperamento forte e ácido que Victorique ostenta durante os primeiro episódios do anime vai sendo quebrado pela insistência de Kujou em protegê-la e ajudar nos casos. Como era de se esperar em um anime para menininhas, Gosick fala sobre o casal principal, e sua transformação de dois desconhecidos que convivem apenas para se alfinetarem em um casal que não admite sua relação mas que está profundamente ligado. Provavelmente, se tivessem feito a comparação de Victorique com o doutor Gregory House ao invés de confrontá-la com o personagem L de Death Note, teriam conseguido um resultado mais correto: Victorique é genial e tem conhecimento de sua genialidade. Durante inúmeras situações no desenho, assim como o personagem vivido por Hugh Laurie, a loira se irrita com a ignorância daqueles que estão ao seu redor. Seus sentimentos por Kujou e por Grevil ficam sempre atrás de uma parede espessa feita de ironia, sarcasmo e irritação, tal qual o médico que dá nome à série.

Se, na época, o título daquele post naquele blog fosse “Gosick: as Aventuras da Dra. House!” eu não criaria expectativas de ver mais um Death Note. Criar expectativas quando se vai começar a ver alguma série geralmente traz problemas para a avaliação ao final mas, neste caso, a comparação com a série da Fox apenas o prepara para o que virá na tela: Um anime que trabalha ao redor um tema (crimes e puzzles em Gosick, doenças em House M.D.) mas que se propõe a mostrar a relação entre personagens e como uma pessoa pode mudar seu comportamento, dependendo de como for tratada pelos que a cercam. Um ótimo anime sobre pessoas, um mediano drama policial.

Review | The Newsroom – 1ª Temporada

13 de setembro de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Aaron Sorkin, jeff daniels, jornalismo

The Newsroom estreou em junho desse ano na HBO americana e trouxe Aaron Sorkin de volta à televisão. O premiado roteirista de A Rede Social e O Homem que Mudou o Jogo tornou-se conhecido por seu trabalho em The West Wing e agora traz para uma série boa parte dos elementos que se tornaram sua marca.

The Newsroom foca em Will McAvoy, um âncora de televisão tido como absolutamente inofensivo, que se vê afastado por conta de uma crise nervosa, e ao retornar ao estúdio, descobre que toda a sua equipe foi reformulada. Como chefe da nova equipe está Mackenzie MacHale, ex-namorada do protagonista, que o convence a iniciar o que ela chama de jornalismo 2.0.

Mackenzie quer trazer os fatos, a relevância e a coragem de volta ao jornalismo. McAvoy passa a cobrir política com uma mão de ferro, e torna-se de repente o âncora mais incômodo da televisão americana.

Os conflitos gerados por essa mudança são o motor principal da série, mas é a construção de personagens que realmente chama a atenção: eles são complexos, falhos e consideravelmente reais. Ao longo dos episódios, a personalidade de Will vai sendo construída nos mínimos detalhes, assim como sua relação com Mackenzie. O talento de Sorkin para diálogos proporciona carisma ao grupo de jovens empregados do jornal.

São os diálogos e o realismo dos personagens que equilibram os momentos em que The Newsroom soa utópica ou piegas. Sorkin parece ter consciência de que esse jornalismo é praticamente impossível e de que sua série pode soar como uma palestra motivacional: é dito várias vezes que o projeto não vai dar certo e Mackenzie convence Will a tentar citando Don Quixote, o maior símbolo de utopia patética da literatura mundial.

The Newsroom é uma série de Aaron Sorkin em diversos aspectos, sendo o mais gritante deles a capacidade de construir grandes momentos a partir de trivialidades, e equilibrar esses momentos com bons diálogos e personagens. A tensão e os conflitos foram bem administrados e o fim da primeira temporada inevitavelmente deixa o espectador ansioso para a segunda.

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Texto de autoria de Isadora Sinay.

Resenha | One-Piece

12 de setembro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas, Reviews, Séries

Animes, Eiichiro Oda, Frank, Mangás, One-Piece, robin, shonen

Em um mundo em que praticamente 90% dele é água, navios se tornam muito importantes, e onde a maior parte dos transportes é feita de navio, é claro que haveriam piratas, e é neste mundo que se passa One-Piece.

Mangá e Anime criado por Eichiro Oda, mangaká já premiado antes por Wanted, conta a história de Luffy, O Pirata de Chapéu de Palha, começando sua vida como pirata, sonhando ser o rei dos piratas. A motivação é bem simples, houve um homem que recebeu o titulo de “Rei dos Piratas”, chamado Gol D. Roger, quando finalmente capturado pela marinha, esta achando que isso poria um fim na era dos piratas, ele sorri embaixo da guilhotina e diz: “No final da Grand Line eu escondi o maior tesouro do mundo, o One-Piece, ele está lá e será de quem chegar primeiro”, e isso dá inicio a uma nova era de piratas.

O estilo da narrativa muda um pouco ao longo da história, começa um tanto quanto infantil e tende a evoluir para mais juvenil, e embora às vezes pareça que vai caminhar para um lado mais sombrio, acaba não indo muito.

Antes de falar de personagens é necessário falar das Akuma no Mi, as frutas do demônio. Frutas que ao serem comidas dão poderes específicos, porém o custo desses incríveis poderes é o fato de que você não pode ficar com água acima do joelho ou entrará em estado de choque. Alguns dizem que não é um poder muito útil para um pirata, mas tem gente que corre atrás desses poderes. Luffy foi um que comeu uma dessas, a Gomu Gomu no Mi, a fruta da borracha e se tornou um homem feito de borracha. Entre outros usuários de Akuma no Mi famosos temos Smoker, cujo nome é seu poder, um homem fumaça, “FireFist” Ace, homem fogo, e por aí vai. Não há limite para o que pode surgir, já apareceram poderes loucos e alguns comuns, a única coisa igual é a fraqueza a água e a “seastone”, que é uma pedra que desativa os poderes.

E agora podemos falar dos personagens, a tripulação do Chapéu-de-Palha são os personagens principais do mangá: Luffy, Zoro, Nami, Usopp, Sanji e outros que vão aparecendo ao longo da jornada são personagens simples e caricatos. Não são personagens “reais”, porém tem suas motivações bem trabalhadas, até porque geralmente cada adesão a tripulação é acompanhada de um arco ligado ao passado do membro e assim sua motivação para se juntar ao Luffy. Porém vale citar, durante muito tempo eu achei que Luffy ia ser um personagem que sofreria do efeito Goku, não importa quanto tempo passasse ele não teria evolução, seria sempre o mesmo psicologicamente. Felizmente isso não ocorreu, embora pareça que não houve mudança, nos últimos capítulos dá pra notar a diferença de suas ações e pensamento, embora não muito.

O traço é infantil, redondo e o que é comumente ligado a arte de Anime, mas não chega a incomodar e com o tempo ele melhora, nas ultimas edições do mangá ele tem saído limpo, sem rabiscos e com bastante detalhes.

Como disse antes, o tom da narrativa muda depois de certo tempo, mais precisamente depois do arco de Skypeia, no arco chamado Water Seven que tem uma das cenas mais emblemáticas do mangá/anime. Então se vai ver/ler recomendo que leia pelo menos até aí, embora até ai já seja bastante coisa.

One-Piece é uma história aclamada por fãs e crítica, situada há muito tempo no top 5 de vendas e audiência no Japão, tanto sucesso não vem por nada. Uma excelente história de aventura, não tenha medo de embarcar nessa (essa não podia faltar).

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Texto de autoria de André Kirano.

Review | Samurai X

27 de agosto de 2012 by Nicholas Prade

Reviews, Séries

Animes, Mangás, Nobuhiro Watsuki, Rurouni Kenshin, samurai x, Séries de Samurai, shonen

Nos anos de 92 e 93, a Shueisha (editora japonesa de maior sucesso na terra do sol nascente) publicou um par de contos escritos por um jovem mangaká chamado Nobuhiro Watsuki. O despretensioso Crônicas de um espadachim da era Meiji impressionou tanto os editores da Shonen Jump que eles resolveram dar uma segunda oportunidade ao jovem rapaz. Com Rurouni Kenshin, a Shueisha teve a felicidade de colocar em cena uma das estórias mais famosas de todos os tempos no gênero samurai/espadachim. O mangá fez tanto sucesso que teve sua publicação estendida e virou anime pelo estúdio Gallop (o mesmo de Initial D e Yu-gi-oh, por exemplo). E que anime!!

“Há 140 anos, durante o período turbulento da era Tokugawa, um Samurai-Real viveu em Kyoto e se chamava ‘Battousai, O Retalhador’. Battousai, o espadachim mais poderoso, retalhava as pessoas numa cena de carnificina e limpava o caminho para um nova era: A Era Meiji. Mas ele desapareceu após o término dos tumultos.

Enquanto seu desaparecimento continua um mistério, o nome ‘Battousai, O Retalhador’ se tornou uma lenda.”

Esta é a mensagem de abertura que aparece no primeiro capítulo da animação feita a partir da obra de Watsuki e resume muito bem todo o prólogo do anime. Durante os episódios, o espectador acompanha as aventuras de Kenshin Himura, o famosíssimo e temível Hitokiri Battousai.

Durante a revolução Meiji, o retalhador trabalhou em prol da ofensiva que ocorreu contra o governo monárquico do Shogun Tokugawa. Munido apenas de suas duas katanas, Battousai matou e protegeu importantes governantes em reuniões secretas daquele que viria a ser o regime vigente no Japão após sua vitória sobre o regime totalitarista de Tokugawa. Muitos acreditam que, sem a lâmina do retalhador lendário a serviço do Isshin Shishi, Tokugawa jamais teria sido retirado do poder.

Ao fim dos conflitos, entretanto, o jovem espadachim desistiu de sua vida violenta e, por remorso, tornou-se um andarilho (no japonês: Ronin ou Rurouni). Decidido a nunca mais matar alguém, Kenshin troca suas katanas por uma sakabatou. Durante sua jornada errante pelo Japão, o ruivo se envolve com a adorável Kaoru Kamiya, herdeira de um dojo para praticantes de kendô, e ajuda-a com uma questão que envolvia o nome de sua família. Decidido a permanecer ao lado da jovem Kamiya e ajudá-la com o dojo, Kenshin envolve-se com outros personagens da região e procura livrar-se de vez da vida violenta de outrora, mas os fantasmas de seu passado irão retornar para assombrá-lo.

O anime é muito bem dividido em 95 episódios que contam as histórias de Kenshin em sua luta constante para manter a promessa de não matar, enquanto busca proteger todos ao alcance de sua inofensiva espada de fio invertido. Poucos fillers engordam o anime em relação ao mangá e a animação é estonteante. Não há, durante o decorrer das sagas, nenhuma animação de combate que seja escura demais ou muito confusa. O traço de Watsuki facilita esta compreensão simples dos movimentos e deixa a série com um aspecto mais real, pois não cai no estilo caricato comum dos Shonens.

O roteiro do anime conta com personagens extremamente bem elaborados e a interação entre eles é um dos atributos mais interessantes na série. Ao longo do anime, todos os novos personagens seguem com o ‘Kenshingumi’ até o final da saga e possuem uma participação importante no enredo.

Samurai X recebeu este nome quando a Sony traduziu o título para o inglês. O X no título faz referência a uma cicatriz em forma de cruz que o personagem principal carrega no rosto. Como a cicatriz possui uma explicação na trama (que é retratada nos OVAs que já foram resenhados aqui no Vortex) e este título tem muito mais apelo comercial que o original, optou-se por utilizá-lo também no Brasil. O autor original, em entrevista, afirmou ter gostado do título ocidental da obra e acredita até que este tenha sido ainda melhor elaborado que o oriental.

Samurai X é meu anime preferido de todos os tempos! É dele que eu copiei o apelido que utilizo. Aoshi Shinomori é um dos principais personagens da série, maior rival de Kenshin e um exemplo enorme de dedicação e foco em um objetivo, e por isso sou fã do personagem.

Não existiu (e nunca vai existir) um anime tão interessante e bem feito quanto Samurai X, na minha opinião. É realmente uma pena que a edição brasileira do anime tenha sido uma das mais criminosas da história, com cenas e até episódios inteiros retirados da animação. O mesmo não pode ser falado da dublagem, que é muito boa e feita com vozes extremamente bem escolhidas.

Quando assisti ao desenho pela primeira vez na Globo, me apaixonei pela trama, personagens e pela animação. Anos mais tarde, quando pude assistir ao anime sem os cortes brasileiros, pude perceber o quanto ele é fantástico. É um dos animes que comprovam minha opinião de que as animações japonesas não são exclusividade das crianças.

Samurai X é um dos poucos animes que vale a pena ver e rever, em ambos os idiomas.

Review | Alphas

15 de agosto de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Ficção Científica, syfy

O tema “pessoas com superpoderes” hoje sem dúvida afasta muita gente. O trauma de Heroes foi brutal. Uma pena, pois essa produção do canal SyFy deveria receber mais atenção. Atualmente em sua segunda temporada, a série conta a história de um grupo de pessoas com habilidades sobre-humanas, identificados como Alphas, atuando numa força-tarefa do governo americano que investiga crimes cometidos por outros Alphas. A equipe é liderada pelo psiquiatra Lee Rosen (vivido pelo ótimo David Strathairn), descobridor desse fenômeno ao tratar de seus pacientes.

O mérito de Alphas é combinar simplicidade com seriedade. O formato é de um típico seriado policial, com o inevitável caso da semana, ao mesmo tempo em que os personagens e a trama maior são aos poucos desenvolvidos. Se não existem mistérios grandiosos e explosões de cabeça, por outro lado o roteiro é sempre coerente ao trabalhar as questões apresentadas. A maior delas é o preconceito e o temor dos agentes do governo em relação aos Alphas, sempre querendo aprisiona-los sem qualquer preocupação com direitos civis. Rosen, por outro lado, é um pacifista convicto, e os enxerga como seres humanos, muitas vezes com problemas psicológicos. A dinâmica é sempre conturbada, e entre aquilo que o doutor gostaria de fazer e aquilo que ele consegue fazer, cada vitória da equipe traz um gosto amargo.

Outro aspecto interessante é a postura pés no chão em relação aos poderes, mantendo uma visão (pseudo) científica, e limitando-os, evitando assim um dos erros de Heroes: criar personagens nível DEUS e ficar sem história pra contar sobre eles. Além de estabelecer que o uso das habilidades traz consequências. Bill, ex-agente do FBI e líder de campo da equipe, tem superforça temporária graças a elevadas descargas de adrenalina. Porém, seu corpo e principalmente seu coração sofrem desgaste com o processo. Rachel consegue ampliar seus sentidos a níveis impressionantes, mas apenas um por vez, a custo de muita concentração, e prejuízo dos outros quatro. Nina tem algo entre hipnose e controle mental, mas depende de contato visual pra poder “influenciar” alguém. E o vício em conseguir tudo o que quer através desse poder a impede de ter qualquer relacionamento verdadeiro. Gary, de longe o mais carismático da série, é um jovem autista que enxerga ondas eletromagnéticas, conseguindo interceptar e filtrar emails, ligações telefônicas, etc. Não raro, ele mergulha nesse “mundo” só dele e se isola ainda mais. Completando a equipe, Hicks possui hipercinese, em essência uma pontaria absurda e reflexos dignos de um THE NINDJA. Sua habilidade é afetada por stress e autoconfiança, e o personagem surge como o clássico talentoso porém fracassado.

As comparações com quadrinhos também estão lá e são bastante óbvias. Lee Rosen é Charles Xavier com outro nome. Toda a discussão sobre preconceito e perseguição levando ao inevitável “nós contra eles”, não dá pra negar, é X-Men puro. E quando o vilão se revela, o negócio fica tão explicito que uma acusação de plágio não seria exagero. A série peca por falta de originalidade, então? Seria ingênuo dizer o contrário. O que vale, porém, é a forma como as coisas são apresentadas, com um “realismo” que consegue ser inédito. Alphas é uma série competente que merece ser vista e levada a sério.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Review | The IT Crowd

1 de agosto de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

The IT Crowd

Muito se fala da série The Big Bang Theory. Alguns até mesmo acreditam que a série americana seja o supra sumo do humor nerd. Se TBBT faz muito sucesso, parte dele pode ser creditado à série The IT Crowd, série sitcon britânica que durou 4 temporadas (2006 – 2010) que também trás luz ao mundo dos garotos inteligentes com nenhum traquejo social.

A série gira em torno dos personagens Roy (Chris O’Dowd), Moss (Richard Ayoade) e Jen (Katherine Parkinson). Os dois primeiros trabalham no imundo e entulhado porão do prédio reluzente das fictícias industrias Reynholm, na área de TI (em inglês IT de information technology). A personagem Jen meio que cai de paraquedas na empresa e acaba como chefe deste departamento.

Roy e Moss são nerds da informática. Ambos são extremamente requisitados na empresa mas são muito menosprezados. Roy sempre usa camisetas com piadas nerds (principalmente relacionado a informática) e é extremamente egoísta e avarento. Moss é um almofadinha sem qualquer capacidade de relação social, infantil e muito inteligente em questões de tecnologia e muito burro em questões cotidianas.

Jen, tecno-analfabeta solteirona, sempre está metida em problemas por não saber lidar com seus dois únicos subordinados e com o megalomaníaco, mulherengo e insano dono da corporação londrina, Denholm Reynholm (Christopher Morris), outro total ignorante em relação a computadores.

Nesta série vemos o motivo pelo qual nunca conseguimos obter suporte para nossa internet defeituosa ou para nosso computador travado, vemos em imagens o que muita gente pensa que é a internet, vemos pitadas de The Office em meio a piadas nerds e sempre nos deparamos com situações embaraçosas que são a base do humor inglês.

Esta é uma série politicamente incorreta que já vicia a partir da abertura, que é bem diferente.

Em suas 4 temporadas foram produzidos 24 episódios, no formato de 20 minutos. Uma quinta temporada chegou a ser anunciada pelo canal inglês E4 mas ainda não foi produzida.

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Texto de autoria de Robson Rossi.

Review | Falling Skies – 1ª Temporada

30 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Ficção Científica, invasão alienígena, series de ficção científica, series sci-fi, Steven Spielberg

Os últimos anos não foram fáceis para seriados de (ou com elementos de) sci-fi. Em maior ou menor escala, quase todas fracassaram: FlashForward, V, Alcatraz, Terra Nova, entre outras. O fantasma de ser “o novo Lost”, muitas vezes imposto pela mídia ou público, certamente prejudicou, mas no fim das contas elas não se firmaram por suas próprias deficiências. Sem muito alarde, mas mostrando consistência, Falling Skies parece ter escapado dessa maldição. A série do canal TNT está atualmente em sua segunda temporada, e conta com Steven Spielberg como produtor executivo e nomes como Noah Wyle e Will Patton encabeçando o elenco.

A trama mostra um cenário pós-apocalíptico, a Terra sofreu uma invasão alienígena que dizimou 90% da população humana em poucos dias. A guerra, se é que chegou a existir, já acabou e fomos derrotados. Os sobreviventes se organizam em milícias que se dedicam a uma guerrilha sem muitas esperanças. Nesse contexto, acompanhamos principalmente Tom Mason, um ex-professor universitário de História forçado a se tornar um soldado pra proteger seus três filhos. Um deles, porém, foi capturado pelos invasores, que controlam mentalmente crianças e adolescentes através de um aparelho implantado na coluna de cada um. O motivo disso, inicialmente, é um mistério.

Mistérios, aliás, existem na história, mas não são o foco principal. Talvez esse seja o mérito de Falling Skies ao se diferenciar das demais produções recentes do gênero. A série não se baseia em prometer revelações absurdas que vão mudar a vida do telespectador. Fica claro desde o início que a proposta é acompanhar os dramas daqueles personagens, seu constante dilema entre fugir e se esconder ou partir pro ataque contra os aliens (motivados mais por um desejo de vingança meio vazio, do que por qualquer outra coisa), além dos inevitáveis conflitos internos do grupo. Virou piada o termo “história sobre pessoas”, mas o caso é esse mesmo. O que não quer dizer, porém, que não existam revelações sobre os invasores. Elas são apresentadas de forma gradativa e nós as descobrimos ao mesmo tempo que os sobreviventes, uma fórmula acertada.

Outro aspecto interessante da série, uma dose de ação maior do que o esperado em produções televisivas. Todo episódio tem seus momentos de combate, mesmo que muitas vezes as lutas não sejam mostradas explicitamente. O roteiro competente ao construir a tensão das cenas é o que compensa, afinal limitações de orçamento sempre vão existir. Ainda mais dentro da proposta de mostrar DOIS tipos de aliens: os nojentões “saltadores”, que parecem um misto de inseto/aranha/crustáceo do tamanho de um ser humano; e os “mechas”, robozões com alto poder de fogo. Esses últimos são onde os efeitos especiais naturalmente ficam devendo um pouco. Mas criar implicância excessiva e condenar o seriado por isso, é sem dúvida burrice.

Ainda sobre a ação da série, há um teor altamente no militar no grupo, chamado de Second Massachussets ou simplesmente 2nd Mass (referência a uma milícia de Boston na Guerra Revolucionária Americana). O líder é o inicialmente irascível Capitão Weaver, que volta e meia quer ir pra porrada sem ligar muito para os “civis” da comitiva, cabendo a Mason, seu segundo em comando, ser a voz da razão. Em resumo, todos os movimentos que o grupo faz, seja enviar batedores em exploração, buscar suprimentos, procurar vias de fuga pra novos abrigos ou planejar ações ofensivas, são sempre tratados como algo que um verdadeiro exército faria numa zona de guerra. Pra quem gosta de histórias desse estilo, um prato cheio.

Falling Skies é uma boa opção pra fugir da eterna mesmice das produções televisivas, onde quase tudo gira em torno de séries policiais, médicas ou sitcoms. Com apenas 10 episódios por temporada, dá tempo de se atualizar e ficar na torcida por uma renovação, o que segundo os últimos boatos, é bem possível.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Review | Rurouni Kenshin: Trust and Betrayal

25 de junho de 2012 by Almighty

Reviews, Séries

kenshin himura, Rurouni Kenshin, samurai x

Rurouni Kenshin (conhecido por aqui como Samurai X no original) foi um anime de grande sucesso que mesclou fatos e personalidades históricas numa grande obra de ficção. O personagem principal, Kenshin Himura, é um andarilho no Japão que, no início da Era Meiji (segunda metade do século XIX), carrega uma espada com lâmina invertida. Apesar da personalidade serena e da arma aparentemente não-letal, ele possui uma habilidade monstruosa como espadachim. Isso porque, anos atrás, ele foi um dos retalhadores mais temidos do país. E é exatamente essa época que o OVA mostra, em quatro episódios.

Este OVA é muito mais sério, denso, violento e filosófico que a série original. Isso pode desagradar muitos fãs. Porém, não há dúvidas quanto à qualidade. A primeira diferença a ser notada está no traço: Kenshin está diferente, com um rosto mais japonês. Aliás, todos os personagens tem mais cara de japonês e menos cara de mangá.

Kenshin teve uma infância trágica, e ainda nessa época conheceu seu mestre, Seijuurou Hiko, que lhe ensina o estilo Hiten Mitsurugi, uma técnica de espadachim extremamente letal. Os fãs da série irão se deleitar com a demonstração das habilidades de Hiko, que são absurdas. Posteriormente, Kenshin se tornaria o grande retalhador Battousai.

O grande trunfo desse OVA é a mescla perfeita entre partes lentas e ação. Como já foi dito, aqui temos uma narrativa mais séria, densa e filosófica, porém as partes de combate são muito mais sanguinárias que na série. Conhecemos Kenshin em sua época de retalhador, e todo o contexto político que o envolvia. É um excelente complemento à série.

Quem não conhece Rurouni Kenshin pode assistir sem problemas. Para quem já é fã, este OVA é obrigatório, até porque, no final, é mostrado um pouco de uma das lutas mais importantes da vida do samurai ruivo.

Review | Gungrave

23 de junho de 2012 by Nicholas Prade

Reviews, Séries

Animes, madhouse, Romance Policial, seinen, shonen, Yasuhiro Nightow

Em 2002, a Red Entertainment lançou no Japão um shooter em 3ª pessoa intitulado Gungrave. O jogo fez razoável sucesso com os japas, tanto que ganhou uma continuação chamada Gungrave OD, também conhecida como Gungrave: Overdose e um anime homônimo ao primeiro título, que será objeto de análise neste post.

Vou abrir minhas impressões sobre a animação, dizendo que Gungrave é um anime Shonen com um ritmo muito peculiar. O ritmo da narrativa não pode ser comparado a nenhum outro anime mais famoso. É, entretanto, uma das melhores animações que já ví até agora.

Gungrave foi criado por Yasuhiro Nightow (Mesmo criador de Trigun e do roteiro do segundo jogo) e a animação ficou a cargo do estúdio Madhouse (que, dentre outros animes de muito sucesso, também deu vida aos personagens de Sakura Card Captors, Hunter X Hunter e Death Note). Divido em 26 episódios, o anime foi veiculado pela primeira vez em 2003 na TV Tokyo e em 2007 deu suas caras no Brasil através do Adult Swim no Cartoon Network (Quando o CN ainda era um canal voltado ao público jovem, e não a crianças de 8 anos… :[ ).

A história de Gungrave é centrada em dois personagens principais que, apesar de seu relacionamento quase fraternal, não poderiam ser mais diferentes. Os protagonistas são, claramente, o centro do enredo e durante os episódios você é levado a conhecer sua trajetória completa e a descobrir como as escolhas de cada um os levaram até o momento que vivem no início do anime.

Brandon Heat e Harry Mc’Dowell são dois jovens moradores de rua que batalham diariamente para manter-se vivos enquanto almejam padrões de vida mais elevados. Ambos são órfãos e, desde sempre, foram revoltados e brigões. Viviam envolvidos em lutas e no mundo do crime, cometendo pequenos delitos para sobreviver com seus amigos e levar comida ao PUB abandonado e caindo aos pedaços que habitavam. A forma que ambos encontraram de buscar estes objetivos, entretanto, é totalmente distinta.

Brandon é extremamente silencioso, mas muito bom de briga e corajoso. A violência que o cerca contrasta totalmente com seu olhar e atitudes bondosas, bem como sua paciência, seu jeito silencioso e sério.

Harry, parceiro de Brandon desde muito jovem, é totalmente o revés do amigo. Manipulador, brincalhão e barulhento, Harry é a personificação da ambição e da crueldade, não se importando em passar por cima de pessoas queridas ou planejar golpes bem arquitetados para se dar bem em detrimento de seus alvos.

Quando os dois amigos cruzam o caminho de uma organização mafiosa muito poderosa, Brandon e Harry tem uma reviravolta em suas vidas.

Aceitos na Millenium (uma espécie de sindicato do crime na região, com uma ampla área de atuação e controle de muitas entidades poderosas), Harry e Brandon vão galgando uma posição superior na organização, cada um a seu modo. Enquanto Brandon toma o violento caminho do grupo de assassinato, tornando-se o melhor atirador sob a guarda da Millenium, Harry ocupa um cargo mais gerencial, manipulando e eliminando possíveis concorrências e empecilhos em direção ao topo do sindicato.

Quando “Bloody” Harry alcança o cargo de líder da organização, os dois irmãos passam por um gigantesco conflito de interesses e passam a se considerar inimigos mortais. Após acontecimentos imprevistos para ambos, Brandon transforma-se em “Beyond the Grave” e declara guerra à Millenium. Tem início uma série de batalhas entre Grave e os soldados modificados geneticamente que ocupam as fileiras da Millenium de Bloddy Harry. Uma batalha urbana de consequências graves, em busca de uma resposta para a pergunta que motiva, desde o início, o anime: Até que ponto o poder e as ambições de uma pessoa podem influenciar seus laços da amizade?

O centro do anime é realmente a dupla Brandon e Harry. Todos os personagens secundários (interesses românticos, amigos antigos e novos) trabalham inteiramente para a construção dos dois. A prova maior disso é que praticamente nenhuma sequencia da animação fica sem um dos dois personagens presentes. Como resultado, o desenho apresenta uma história totalmente crível e o desenvolvimento dos personagens é tão profundo que você passa a se relacionar com eles de tal forma, que tudo o que acontece com Brandon e Harry é sentido por você também.

Como já citei, o ritmo do anime é mais lento do que o de um shonen típico que você vê por aí. Na minha opinião, para ser sincero, Gungrave não deveria se enquadrar como shonen, e sim como seinen. A construção da história e o drama vivido pelos personagens tem muito mais importância do que qualquer sequência “massa véi” que possa aparecer (e elas aparecem bastante, até…).

A animação da Madhouse é inacreditável, como sempre. As sequências de ação são caprichadas e bem compreensíveis. A trilha sonora do desenho é boa e as cores aplicadas ajudam bastante a compreender a pegada do anime, dede o começo. Não é uma estória alegre e com piadinhas abobadas que normalmente dão as caras em animes mais mainstream (por aqui, nada de gotas gigantes, X no lugar dos olhos ou personagens que ficam pequenininhos ou gigantes). A animação é séria e conta uma estória muito interessante e imersiva.

Com personagens principais excelentemente construídos, inacreditavelmente cativantes, e sequencias de tiroteios e perseguições muito bem feitas, Gungrave merece uma visita de todos os que gostam do gênero e procuram uma estória que, apesar de utilizar vários elementos de ficção científica, conta muito sobre relacionamentos e sobre amizade.

A sequencia final é tão fodástica, e você está tão ligado aos personagens, que mesmo eu chorei como um ninja silencioso… 🙂

Review | Gintama

23 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Animes, Gintama, Mangás, shonen

Gintama é um anime/mangá escrito por Hideaki Sorachi e publicado na Weekly Shonen Jump. Se tornou popular no Japão, não pelo enredo (que não segue um padrão), mas sim pelo humor e pelas sátiras da cultura japonesa. A primeira revista saiu em dezembro de 2003 e é publicado até os dias de hoje. O anime tem direção de Yoichi Fujita e segue a linha do mangá, sempre com boas pitadas de humor, um bom exemplo disso ão são as paródias de Rurouni Kenshin, Bleach, Dragon Ball, One Piece, Naruto, Yu Yu Hakusho, que já realizaram ao longo da série.

Japão foi invadido por Aliens, os Amanto, seres que, apesar de toda a tecnologia que trouxeram, desprezam os humanos, os tratam como lixo. Com a chegada dos Amanto, todos os samurais foram obrigados a desistir de suas espadas. O mangá começa 20 anos depois dos Amanto terem chegado a Terra, poucos anos depois do fim da Guerra Anti-Amanto, segue a História do Ex-Samurai, Sakata Gintoki, que juntamente com Shimura Shinpachi e Yato Kagura trabalha na Yorozuya Gin-chan, uma agência que faz tudo por dinheiro.

O mangá foi muito bem aceito no Japão, desde o inicio. Na maioria das vezes, ficando no Top 5 das séries best-sellers. E durante muito tempo também foi líder de vendas para o exterior.

Apesar de todo esse enredo, Gintama é uma série para rir, que conta com várias referências à cultura pop japonesa desde outras animes a telenovelas, passando por filmes e acontecimentos vários da sociedade japonesa dos dias de hoje. O personagem principal, por exemplo, muitas vezes sonha em aprender a usar Bankai (Um poder supremo que é liberado da espada, no anime Bleach). No episódio 50 do anime, que é um especial, a Yorozuya tenta várias maneiras de conseguir audiência e para isso, realizam uma paródia de DBZ, Bleach, One Piece e Naruto simultaneamente. Enfim, deixando o enredo de lado, o mangá e o anime vão proporcionar muita diversão aos seus leitores e espectadores.

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Texto de autoria de Jean Dangelo.

Review | Smash

19 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Musicais, NBC, Steven Spielberg

Para você que gosta de musicais como High School Musical e HairSpray, este seriado não te pertence.

A história começa quando a compositores escritores Julia Houston (Debra Messing) e Tom Levitt (Christian Borle) decidem criar um novo musical, baseado na vida de uma das maiores estrelas de Hollywood, Marilyn Monroe.

Eileen Rand (Anjelica Huston) é uma produtora conceituada no ramo que está passando por um momento delicado em sua vida, a separação de seu marido, Jerry Rand (Michael Cristofer) outro grande produtor.

Para dar prestígio ao musical, trazem o grande e mulherengo diretor de musicais Derek Wills (Jack Davenport) para dirigir o espetáculo. Karen Cartwright (Katharine McPhee) é uma aspirante a atriz que trabalha como garçonete que ama cantar, faz uma ótima audição para o musical e vira uma das favoritas ao papel principal do espetáculo.

Ivy Lynn (Megan Hilty) é uma experiente dançarina e cantora da Broadway, amiga de Tom e tem um caso com Derek, também é uma das favoritas ao papel de Marilyn. A trama principal da historia é focada na disputa entre Karen e Ivy ao papel principal do show, duas mulheres muito diferentes mas com muito talento em comum.

Smash é um seriado adulto que mostra os bastidores, os dramas, conflitos e problemas familiares, e ainda arruma tempo para realizar ótimas interpretações de grandes canções. Criada por Theresa Rebeck e produzida por Steven Spielberg. As músicas da série são originais e escritas pela dupla Marc Shaiman e Scott Wittman.

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Texto de autoria de Henrique Romera.

Review | Game of Thrones – 2ª Temporada

9 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

as crônicas de gelo e fogo, Game of Thrones, george martin, guerra dos tronos, HBO

O inverno ainda não chegou, mas não tem problema, pois mesmo assim a recém concluída segunda temporada de Game of Thrones manteve o alto nível da estréia no ano passado e consolidou a série como uma das melhores da atualidade (só não é A melhor porque existe Spartacus). Adaptando o segundo livro da saga, A Fúria dos Reis, mas mantendo o nome simplesmente por questões de marca, a HBO mais uma vez esbanjou qualidade e cuidado em todos os elementos da produção. Direção sempre impecável, figurinos e cenários, muitos deles reais, mais uma vez dignos de blockbusters cinematográficos, e atuações se não brilhantes, todas competentes.

Até mesmo nos roteiros, aspecto mais discutível e complexo (principalmente pra quem leu os livros), a emissora soube trabalhar muito bem. Essa temporada trouxe muito mais mudanças do que a anterior, todas ainda justificáveis pelas limitações de orçamento e duração dos episódios. Em muitos momentos, não deu pra evitar uma sensação de estar vendo um resumão, ultra rápido e um tanto for dummies, do livro. Mas o mais importante é que se manteve uma grande fidelidade, com as alterações levando a trama pra onde ela precisa ir, sem uma preocupação babaca com “originalidade” desviando a história pra caminhos muito menos interessantes. Aprende, The Walking Dead!

Em linhas gerais, a temporada foi menos impactante que a passada. Mas nem poderia ser diferente, pois o segundo livro é inferior ao primeiro. George R. R. Martin tem um problema sério com os livros pares, fato que se confirma de vez em O Festim dos Corvos. Mas isso é assunto pro futuro. Por enquanto, uma análise dos núcleos desse ano 2, com evidentes SPOILERS.

Em Porto Real, o protagonista indiscutível (ao menos no livro) Tyrion esteve por cima da carne seca. Enviado pelo pai, o fodão-mor Lorde Tywin, para ser a Mão do Rei, o Duende teve que se virar pra organizar um pouco as coisas. Entre o Rei mais imbecil, despreparado e leite com pêra que os Sete Reinos já viram, e sua mãe ainda mais tola e inútil do que no livro, tarefa ingrata. Como tempo urge, pouco se viu das várias reuniões do conselho onde questões gerais do reino são debatidas. O foco foi mesmo em gerenciar a cidade e os preparativos pro ataque iminente de Stannis. Peter Dinklage mais uma vez deu show em todas as cenas que apareceu.

Também na capital, a personagem mais insuportável, insossa e sansa: Sonsa. Ah, vocês entenderam. Problema sério aqui: se no livro a utilidade dela é basicamente termos a visão do que acontece neste núcleo, na série isso acaba sendo desnecessário. Então uma personagem já fraquíssima se enfraqueceu ainda mais. Não deu nem pra sacar por que ela insistiu na atitude besta de “eu amo Joffrey e está tudo bem”, isso no livro fica mais bem explicado. Sansa não é esperta e ativa como a irmã, pois engoliu toda educação de lady que lhe foi passada. A cortesia é, então, sua única arma pra sobreviver naquele ninho de cobras.

Falando na Arya, ela é uma das personagens que chamo de “pé na estrada”. Em todos os livros, sempre tem alguém viajando pelo reino, a utilidade é mostrar os efeitos da guerra por todos os cantos. Mas esta storyline sofreu bastante com os cortes e aceleradas. Já de início, a batalha em que Yoren morre (que no livro é um mini-cerco a um castelo) teve sua grandiosidade apagada pra um simples ataque noturno na floresta. Depois, em Harrenhall, também pouco se trabalhou na crueldade com que as tropas Lannister agiram contra as aldeias da região dos rios, e menos ainda se mencionou Beric Dondarrion e a Irmandade. As várias interações entre a menina e Tywin (inexistentes no livro), mesmo que tenham rendido cenas interessantes, geraram muita expectativa que inevitavelmente resultou em nada de nada. Por outro lado, tudo relacionado a Jaqen H’ghar atendeu as expectativas, sendo a melhor coisa desta subtrama.

Ainda nos Stark, Bran pouco apareceu, como era previsto. Entre ser o lordezinho de Winterfell e uma leve introdução aos Sonhos de Lobo, aspecto mais interessante desse personagem, não havia muito pra onde ir com ele ainda. Sua participação será mais ativa na próxima temporada. Catelyn, outra da categoria “pé na estrada”, no início serviu pra vermos a corte de Renly Baratheon, um cara que honra o símbolo da sua Casa. Mas como ele acaba morrendo logo de cara (única morte relevante da temporada, e eu avisei que tinha spoiler), essa parte serve mesmo pra apresentar/situar personagens que serão explorados mais a frente, como Margaery e Loras Tyrell, além de Brienne de Tarth.

Esta última, aliás, vai protagonizar uma das partes mais surpreendentemente legais da próxima temporada, ao lado de Jaime Lannister. Pois Catelyn, na sua dor mãe, acaba libertando o Regicida pra tentar reaver as filhas. Esse plot acabou sendo antecipado, o que foi uma boa, pois assim vimos mais de Jaime. Quem pensava (como eu) que ele era só um vilãozinho vazio e unidimensional, já começou e ainda vai se surpreender muito. Na minha opinião, é com ele que Martin mais se revela MESTRE (ou meistre, hehehe) no quesito desenvolvimento de personagens.

Voltando a Catelyn, no livro é somente através dela que vemos Robb, e na série sabiamente o Rei do Norte assume o centro das atenções em seu próprio núcleo. Não pra reclamar das batalhas não serem mostrada, pois no livro é do mesmo jeito. Porém, pecou-se em não explorar praticamente nada dos conflitos internos das tropas nortenhas, dedicando este plot quase que exclusivamente ao romance. Com uma personagem, que nos livros, é OUTRA. Mas o objetivo disso permaneceu o mesmo, fazer o Jovem Lobo trair a promessa feita aos Frey, o que trará conseqüências terríveis.

Um personagem que teve muito mais destaque do que o esperado foi Theon Greyjoy. E isso acabou sendo ótimo, pois todo o núcleo das Ilhas de Ferro ficou muito bem caracterizado. Os caras são os vikings de Westeros, pô! Theon foi mais humanizado, sim, mas o que muitos encararam como uma descaracterização, prefiro enxergar como um enriquecimento da história. E o ator esteve muito bem ao retratar um merdinha que se acha o Senhor Fodão.

Por outro lado, Davos, um de meus personagens preferidos, teve sua importância diminuída. Se no livro ele é a única visão que temos da corte de Stannis, a série resolveu simplificar, focando em Stannis e Melisandre (em cenas que Davos não estava presente) e explicitando de vez coisas que o Cavaleiro das Cebolas só podia suspeitar. A Mulher Vermelha ficou muito bem caracterizada, méritos inclusive pra atriz, mas foi uma pena ver pouco da interessante relação de respeito mútuo entre Davos e seu Senhor.

Além da Muralha, Jon Snow teve sua subtrama retratada com bastante fidelidade. Sem muito a discutir aqui, pois foi tudo uma grande preparação pra próxima temporada, quando o bicho vai pegar gloriosamente nesse núcleo. Jon é sem dúvida um dos personagens mais cativantes nos livros, pois sua jornada (do herói) é bastante movimentada e épica. Pena que na série, a cara de bunda do ator acabe comprometendo um pouco. Há que se destacar aqui, a fotografia fantástica de todas as cenas, filmadas na Islândia.

Por fim, Daenerys e seus mini-dragões. Uma coisa que me divertia muito na temporada passada era ver as pessoas comentando e se preocupando com detalhes da cultura dothraki. Agora acho que ficou claro pra todo mundo que nada daquilo importava de PORRA NENHUMA, pois o foco sempre foi na Mãe dos Dragões. Ela continua sua evolução, percebendo que não é por ser a legítima herdeira do Trono de Ferro que alguém vai dar mínima pra ela. Principalmente do outro lado do Mar Estreito, na rica cidade de Qarth. Seu grande momento, o final na Casa dos Imortais, foi um tanto decepcionante. Tudo bem que essa passagem do livro era inadaptável (pra quem não sabe, é uma série de visões, uma mais doida dorgas mano do que a outra), mas creio que simplificaram DEMAIS as coisas nessa parte. Enfim, a storyline de Dany é outra que vai ser incrível na próxima temporada.

As expectativas pro ano 3 da série são enormes. A saga chega ao seu melhor momento, o fodaralhaço A Tormenta de Espadas. Os produtores já declararam que nem todo o livro será mostrado na terceira temporada, decisão mais do que acertada, afinas são quase 900 páginas de pura epicidade, onde tudo é importante e não há enrolação. A adaptação fica mais difícil do que nunca, mas a HBO já provou estar à altura do desafio. Só nos resta aguardar e confiar.

PS: George R. R. Martin, seu velho maldito, faça o favor de parar de ficar roteirizando episódios pra série e vai logo terminar os dois livros que faltam, por gentileza.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Review | Merlin

4 de abril de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Camelot, Merlin, Rei Arthur, series bbc, series britanicas

A historia começa com Merlin (Colin Morgan) chegando a Camelot, ainda jovem, para aprender mais sobre como usar magia com um curandeiro médico Gaius (Richard Wilson). Logo na chegada, Merlin descobre que seu futuro como bruxo não será fácil em Camelot, o Rei Uther Pendragon (Anthony Head), declarou sentença de morte a todos os que usarem magia próximo a Camelot.

Arthur, o príncipe bastardo herdeiro, treina para ser um grande guerreiro e um Rei melhor que seu pai foi. Encontra em Merlin um servo fiel e um Herói em secreto, mas não apenas isso, também um grande amigo. Gaius, amigo, tutor e professor de Merlin, deu a ele o seu livro de magias, artefato raro e que deve ser escondido de todos para não ter problemas. Morgana (Katie McGrath) ainda não tem conhecimento de suas habilidades e acredita que suas premonições sejam apenas pesadelos.

A adaptação da história ficou um pouco distorcida do que realmente é, mas é normal este tipo de situação quando se adapta grandes livros, mitos, obras e contos para telinha ou a telona.

Merlin, foi o maior bruxo de todos os tempos, e vemos parte de sua história quando jovem até ele se tornar este poderoso mago e por tudo o que ele passou até ganhar a confiança de Arthur e de todo o reino. A Távola Redonda, Excalibur, Lancelot, são ainda alguns dos poucos fatos que prometem que teremos mais do que apenas 3 temporadas.

Falando em Lancelot, ele dá as caras na série. Salva Merlin de uma criatura mágica e tenta conquistar não só a confiança de todos, mas a confiança em si próprio. Lancelot foi interpretado por Santiago Cabrera, alguém lembra? Mister Isaac Mendez, o pintor chapadão que via o futuro em Heroes!

Merlin estreou na BBC em 2008 e já esta caminhando para sua terceira temporada. Atualmente, no Brasil, pode ser encontrado apenas em DVDs pois nenhuma rede de televisão comprou os direitos da série.

Gosta de historias épicas? Assista Merlin, apenas 13 episódios que garantem diversão e entretenimento.

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Texto de autoria de Henrique Romera.

Review | Afro Samurai

28 de março de 2012 by Almighty

Reviews, Séries

Animes, Samuel L. Jackson, seinen, Séries de Samurai

Tudo começa com uma decapitação. O pequeno Afro presencia a morte de seu pai por um tal de Número 2, um assassino muito poderoso. A partir daí, a motivação de vida dessa criança é vingar seu pai. Afro cresce, e já vemos que o mesmo está sendo perseguido por vários assassinos profissionais que buscam a faixa que está amarrada em sua testa. Qual a importância dessa faixa?

Afro Samurai já se diferencia dos outros mangás por causa de seu protagonista: um samurai negro. A princípio, parece que o personagem é apenas um psicopata frio, mas isso é esclarecido posteriormente, quando seu passado é explorado. No momento, ele está sendo perseguido por vários assassinos profissionais que buscam a faixa amarrada em sua testa. Estranhamente, o Número 2, quando matou o pai de Afro (que foi chamado de Número 1), pegou a faixa que o mesmo estava usando, e declarou que agora tinha o Poder de Deus. Tudo indica que essas faixas não são comuns.

A história se passa em uma espécie de Japão feudal com aparatos tecnológicos. Uma mistura de espadas e máquinas, parecido com o que os jogos de Final Fantasy fazem. O mangá é curto, apenas 2 volumes, portanto não espere uma história muito aprofundada e cheia de detalhes. Mas por incrível que pareça, o principal é explicado, deixando poucas coisas em aberto. O primeiro volume do mangá é 90% pancadaria, sem muitas explicações sobre a história. Já no segundo volume, há uma boa passagem pelo passado de Afro.

Vale destacar que Afro Samurai, em 2007, virou um anime com 5 episódios. A produção teve parceria com o ator Samuel L. Jackson, que dublou Afro e um outro personagem que o acompanha. É interessante que a dublagem americana é a mais fácil de se encontrar. A própria MTV Brasil, quando transmitiu o anime, usou a dublagem americana. Pesquisando um pouco mais sobre Afro Samurai, vi que lançaram, em 2009, um filme para TV continuando a história e, após esse filme, o autor do mangá, Takashi Okazaki, refez a história, contando-a em apenas 2 volumes. Então, o mangá que comentei acima é justamente esse remake.

Os desenhos são bem legais, num estilo meio “sujo” e “rabiscado”. A arte é toda em preto e branco, tendo apenas o vermelho do sangue. O único problema é que, nas cenas mais escuras, os desenhos ficam um pouco confusos, mas nada que prejudique a obra. Vale ler o mangá e ver o anime, até porque possuem muitas diferenças. Não é uma obra extraordinária, mas garante um ótimo entretenimento.

Review | Hellsing

28 de fevereiro de 2012 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Animes, hellsing, Kouta Hirano, seinen, Vampiros

Criado pelo Mangaká Kouta Hirano em 1997 e adaptada para anime em 2001 pela GONZO. Hellsing conta a história de uma organização paramilitar que tem como objetivo proteger a Inglaterra de forças sobrenaturais.

A Organização fundada por Abranham Van Hellsing há mais de 100 anos, atualmente é comandada por Integra Wingates Hellsing. Entre seus subordinados estão o mordomo e ex-combatente Walter, a novata Celes Victoria e o poderoso vampiro Alucard, este descoberto por Integra, que o desperta do seu sono. Apesar de todos os três serem vampiros, eles servem a Inglaterra e a família Hellsing.

A estória começa com a jovem policial Celes Victoria investigando alguns assaltos em uma floresta, junto com sua equipe. Seu grupo é atacado por uma espécie de vampiro e ela é a unica a sobreviver, sendo salva pelo também vampiro, Alucard. Selas é mordida pelo mesmo e a partir daí começa a trabalhar para Integra Wingates Hellsing.

O Anime, apesar de curto, foi muito bem aceito no Brasil. Por ter cenas violentas e abordando um tema utilizado hoje em dia e de modo atual, conseguiu prender o público jovem. O diferencial de Hellsing são as mortes detalhadas, onde podemos ver sangue, tortura e massacre.

O Enredo sanguinário chamou tanta atenção, que poucas pessoas ligaram ao estilo do traço do anime. Personagens importantes com Integra e Celas, são mal desenhadas e isso acaba incomodando um pouco, principalmente para aqueles, que apreciam os detalhes.

Hellsing deixou muitas perguntas, que os 13 episódios e 5 ovas não conseguiram responder, e esse foi o ponto negativo do anime. Se você quer origens de personagens, explicações sobre o envolvimento da organização e do vaticano, detalhes dos vilões, esqueça, você irá perder seu tempo. Apesar do grande enredo, o anime deixou muitos furos. Deixando de lado os detalhes, para quem quer sangue, boas lutas e muito mistério, esse é o anime certo.

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Texto de autoria de Jean Dangelo.

Resenha | Hunter X Hunter

13 de fevereiro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas, Reviews, Séries

Animes, Mangás, shonen, Yoshihiro Togashi, Yu-Yu-Hakusho

“Animais monstruosos, espécies raras, riquezas enterradas, tesouros escondidos, a palavra “desconhecido” parece mágica, e alguns homens são atraídos por essa força.. Eles são chamados “Hunters””

Hunter x Hunter é um mangá e anime de Yoshihiro Togashi, mesmo criador de Yu-Yu-Hakusho. Hunters são profissionais capazes de grandes feitos, em qualquer área. Hunter em si não é uma profissão e sim um título. E é sobre como este título afeta pessoas que a história deste mangá começa.

Gon é um garoto que mora com sua tia, não possui nem mãe nem pai, e quer de qualquer maneira passar no “Exame Hunter” e ter o título de Hunter, titulo que seu pai “Gin” também tinha (Gin e Gon… ao menos a estória compensa esta falta de criatividade dos nomes). E temos o início da aventura, o primeiro arco da estória. É simples em todos os sentidos, o personagem principal é uma faz jus a todos os aspectos do termo criança: inocente, impetuoso e desconhece quase tudo que o cerca.

A motivação, para a estória continuar, é básica: a busca pelo título. Gon prova sua inocência já nas primeiras cenas, em que aparece com sua fiel vara de pescar (não, essa vara não é magica e não cresce), ao pegar o maior peixe que havia perto de sua vila e correr para casa com o peixe na mão sorrindo, pois havia sido a promessa de sua tia de se ele pegasse o peixe liberaria sua ida ao exame.

Seguindo de barco para o primeiro local designado ao exame, afinal ele mora em uma ilha, ele encontra mais vários outros candidatos ao exame. Durante o trajeto, uma tempestade atinge o navio e o comandante coloca todos para trabalhar, neste ponto ele encontra outros 2 que vão prestar o exame, Leorio e Kurapika (e este tira o prêmio que eu dei ao Pikachu de “o personagem de anime com nome mais dubio”) e cria um início de amizade com estes. E após o exame “começar” ele conhece Killua com quem se identifica logo de cara. Este quarteto é o “principal” da história. Também é neste arco que nós conhecemos nosso principal antagonista: Hisoka.

Com uma excelente de história em andamento, o primeiro arco apresenta os personagens e o mundo, o segundo apresenta os poderes deste mundo, já que uma história do mesmo criador de Yu-Yu-Hakusho não ficaria sem poderes espirituais, que são os Nens. Após este arco, todas as lutas e outros afins serão tidas pelo Nens das pessoas, que permite desde telecinésia a correntes-de-andrômeda melhoradas. Porém, ao contrário do trabalho anterior o poder em HxH é extremamente explicado criando uma verosimilhança extremamente forte.

O terceiro arco começa com o gancho do quarto: a busca por algo. Chamado de “York Shin” este arco é presenciado extremamente por usuários de Nen e conta a evolução dos principais à utilizá-la, principalmente Kurapika.

Após este arco se resolver, chegamos ao quarto arco: Greed Island. Para mim o melhor arco da história. Onde nós já conhecemos o mundo, os personagens e os poderes. O arco te prende com uma história extremamente interessante, sem apresentar quase nada de novo ao mix.

E finalmente o quinto arco: Formigas Quimera. Saga atual tanto no Japão quanto aqui no Brasil. Onde nós vemos uma evolução psicológica maior que de poderes, o que eu acho extremamente necessário para quando se tem um personagem principal “inocente”. Além de neste arco aparecer um clone do Kuwabara.

Em termos de história o mangá se resolve perfeitamente, é um conjunto de partes que se completam, pouca coisa fica de fora e o que está de fora você sabe que vai ser respondido mais pra frente. Em termos de personagem você acompanha Gon e seus amigos desde o inicio de suas jornadas, os vê crescendo, não só em termos de poder como psicologicamente, eles sofrem e isso muda sua personalidade. As lutas são empolgantes e HunterxHunter é um grande baú de poderes interessantes e diferentes, já que nen é algo extremamente espiritual e alguns tem que ter “eventos gatilhos” para funcionar perfeitamente. Para os que gostaram de Yu-Yu-Hakusho, vale pelo autor, para os que não gostaram vale porque não tem realmente nada a ver e a história cresce de maneira completamente diferente.

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Texto de autoria de André Kirano.

Melhores Animes de 2011

28 de dezembro de 2011 by Vortex Cultural

Artigos, Séries

Animes, Fate/Zero, puella magi madoka magica, Steins;Gate, usagi drop

Uma vez que o fatídico 2012 em breve estampará os calendários, é chegada a hora de olhar para trás e ponderar sobre o que se sucedeu neste ano que se encerra. Vendo que uma introdução longa não se mostra necessária, devido talvez ao título do post, segue uma lista daqueles que, em minha simplória opinião, foram os 10 (no caso 11) melhores lançamentos do ano no que diz respeito à animação nipônica.

10. SKET Dance

Em um colégio qualquer, palco usual para uma série proveniente da Weekly Shonen Jump, atua um pequeno clube cujo propósito é auxiliar o corpo discente em qualquer empreitada. Em suma, um clube criado para ajudar os alunos. Eis o SKET Dan, entidade composta por três indivíduos que protagoniza esta competente série de humor do Tatsunoko Productions.

Ponderando situações cómicas, focadas em ocorridos absurdos e personagens caricatos, e doses pontuais de drama, trazendo de forma conveniente e sincera os problemas colegiais à trama, o anime é feliz em conquistar publico com seu formato episódio e descontraído. Muito embora haja um preocupante numero de episódios que não são bem sucedidos em entreter ou cativar o espectador, aqueles que fazem, seja pelo manzai ou pelas lagrimas, tornam-se decididamente memoráveis.

9. Ano Hi Mita Hana no Namae wo Bokutachi wa Mada Shiranai

Um grupo de amigos que se distanciou devido um evento traumático; após anos, uma tortuosa reaproximação; o estudo dos desejos e falhas de cada um deles; e, por fim, a redenção. Essa formula resume uma história que há muito vem sendo contada em diversas mídias, e que foi novamente revisitada pela A-1 Pictures no melodramático AnoHana.

Contando com um roteiro bastante raso que apenas serve como tripé para que sejam expostas as idealizações do público otaku, ao qual o anime se dirige, AnoHana tem como seu maior mérito, afora os belíssimos cenários e animação, criar situações que, embora previsíveis, capturam a atenção e criam expectativa moderada. Mesmo podendo adivinhar o que está por vir, o espectador é seduzido a continuar assistindo; mesmo que as questões se resolvam de forma abrupta, decepção raramente será uma das emoções provocadas pela série. Contudo, todas as honras devem ser atribuídas ao diretor Tatsuyuki Nagai, também responsável pelo divertido Toaru Kagaku no Railgun e pelo excelente Toradora, cujo toque transformou essa trama sem grandes atrativos em um dos destaques do ano.

8. Empate:

Steins;Gate

Titulo que provém de uma visual novel de grande sucesso, passada num universo que já conta com uma fanbase leal, sendo, portanto, uma animação voltado a um publico especifico e já cativado, mas que conseguiu novos fãs nesta boa adaptação do promissor estúdio White Fox. É uma ficção cientifica passada na atualidade, abordando viagem no tempo para camuflar, de forma realmente convincente, sua natureza de dramédia romântica harém, na qual um cerco de garotas se fecha em torno do carismático protagonista Hououin Kyo… digo, Okabe Rintarou, que se vê tragado para uma envolvente e desesperadora jornada. Steins;Gate é um thriller envolvente, driblando as inconsistências do roteiro e o ritmo lento para entregar um anime que, tal como comprovado pelo anuncio de um filme horas após o termino da série, ainda dará muito o que falar.

Dantalian no Shoka

Produzido pelo já lendário estúdio GAINAX, porém sem nem sombra do brilho de suas maiores obras, Dantalian no Shoka foi praticamente ignorado pelo publico; desinteresse que se refletiu nas vendas baixíssimas e poucos comentários acerca da animação, ainda que a light novel original seja bastante popular. Entretanto, tal título renegado revelou-se como uma das mais bem trabalhadas sagas do ano, e uma das poucas a apresentar evolução constante.

Assim sendo, esta fantasia gótica inicialmente morna progride de forma belíssima, fazendo uso de seu formato episódico mas correlacionado para culminar em uma experiência estranhamente proveitosa, que patina entre o casual e o intimista. Magistralmente ambientado por uma equipe mais do que competente e dignamente conduzido por um diretor estreante, Dantalian no Shoka é certamente o mais injustiçado dos nomes desta lista.

7. Fate/Zero (season 1)

Originário dos textos do respeitável idealizador Gen Urobuchi – também roteirista do top 2 da lista –, o prequel de Fate/Stay Night, uma das Visual Novels com maior repercussão global em toda a história e que foi terrivelmente adaptada para televisão anos atrás pelo estúdio DEEN, veio ao ar nos últimos meses do ano e rapidamente se consolidou como um arrasa quarteirão, desta vez tendo o confiável Ufotable em sua produção.

Abordando com uma ótica mais nebulosa a Guerra do Santo Graal, na qual sete magos e seus respectivos servos devem batalhar pela posse do objeto sagrado, esse “prelúdio” é mais centrado e, ouso dizer, maduro que o “evento principal” – o que pode ser facilmente constatado após notarmos que a maioria dos personagens são adultos, ao contrário do que vemos no pilar da franquia. Como anime de ação e fantasia, Fate/Zero impressiona não só em cada uma de suas frenéticas batalhas, espantosamente bem animadas, mas também em seus diálogos bem encaixados, apesar de não gozarem do mesmo primor técnico reservado às cenas de combate. Impressionante talvez seja a palavra que melhor define a primeira metade de Fate/Zero, junção de episódios que, como esperado, deixou no ar a apreensão necessária para que a metade final, que será exibida a partir de Abril de 2012, seja ainda mais visada.

6. Chihayafuru

A maioria das pessoas tem objetivos de vida, e boa parte dessas metas está relacionada à grandeza. Mesmo que esses anseios nunca venham a se realizar ou que os abandonemos no meio do caminho, algumas vezes por pouca perseverança, outras por falta de aptidão, é natural para o ser humano almejar o topo no que quer que faça. A caminhada rumo à glória, apontada por muitos como tema saturado, é focada também em Chihayafuru, um suave e peculiar drama esportivo.

Abordando o pouco conhecido karuta, jogo japonês – mas de origem portuguesa – que requer uma exaustiva atividade física, um gritante esforço mental e conhecimento prévio da poesia clássica daquelas terras, essa agradável série narra os esforços cotidianos dos praticantes do esporte, tendo como epicentro Ayase Chihaya, uma garota que encontra nesse universo sua razão de ser. Fazendo do roteiro um suporte para as personalidades que o protagonizam, o anime acompanha os personagens desde sua infância, enveredando-se por suas nuances e processo de autoconhecimento. Baseado no ovacionado mangá homônimo de Yuki Suetsugu, Chihayafuru é o gol de honra do estúdio Madhouse em um ano permeado pelo fracasso decorrente de suas infelizes adaptações de obras americanas, como títulos da Marvel e a série Supernatural.

5. Nichijou

O termo “Nichijou” pode ser literalmente traduzido como “Cotidiano” e, como impresso no título, retrata a passagem de um grupo de indivíduos pele conjunto de banalidades que é a vida. Esta introdução resumiria a ultima série do Kyoto Animation, estúdio responsável pelos maiores hits otakus do século (Suzumiya Haruhi, Lucky Star, Clannad, K-On), não fosse pelo fato de que os indivíduos apresentado neste pretenso slice of life são absolutamente anormais, resultando nas situações surreais de uma comédia sem par.

Os episódios, divididos em sketches numeradas e nomeadas, são de um humor ágil e bastante visual, características amplamente trabalhadas pela direção, que não falhou em pontuar as piadas com expressões faciais, ângulos elaborados e jogadas de cena, a fim de gerar o mais marcantes e engraçado dos resultados. Em suma, o humor visto em Nichijou não vem de hoje, mas este jamais foi exibido com tamanho cuidado e detalhismo, destacando-o como uma das melhores comédias da década; de certo a melhor de 2011.

4. Usagi Drop

Responsabilidade é de fato algo capaz de transformar as pessoas. Tendo tal ideia como sua pedra fundamental, Usagi Drop faz um estudo acerca das transformações infligidas ao cotidiano, hábitos e personalidade de alguém praticamente desprovido de responsabilidades uma vez que, de repente, ele toma para si um dos maiores fardos que o ser humano pode carregar: criar uma criança. O anime se empenha em contar uma história realística; um drama suave, de fácil assimilação, levantando, por meio de personagens gostáveis e críveis, diversas questões que envolvem não só a educação de uma criança, mas também a arbitrariedade dos relacionais filiais, conjugais e da sociedade como um todo.

Apontamentos pertinentes, afiados, são aqui passados por uma trama que oferece muito além de diversão, mas que não a deixa de lado por nenhum instante. Como o publico ocidental pôde constatar na maravilhosa sequência animada de Kill Bill Volume 1, o Production I.G, responsável pela produção, ostenta qualidade acima da média.

3. Natsume Yuujinchou San

Após dois anos na geladeira, a ótima série Natsume Yuujinchou, que amalgama drama, comédia e aventura no bem executado formado de caso da semana, volta ao ar em sua terceira temporada. Seguindo o solitário Natsume Takashi e suas desventuras com youkais – criaturas místicas do folclore japonês–, o talentosíssimo diretor Takahiro Omori, que também assina títulos de destaque como Baccano!, Durarara!!, e Kuragehime, trás de volta exatamente o mesmo clima das temporadas anteriores, mergulhando o espectador no reflexivo e relaxante contexto que poderia ser embalado apenas pelas maravilhosas composições de Makoto Yoshimori, proporcionando a doce melancolia que a obra exige.

Aos cuidados do Brain’s Base, um dos mais distintos e interessantes estúdios da atualidade, Natsume Yuujinchou parece ter voltado de forma triunfal, e, conquistando crítica e despontando nas vendagens, já garantiu nova temporada para o primeiro mês de 2012. Trazendo episódios sempre agradáveis, e alguns de fato extraordinários, Natsume Yuujinchou San é um retorno digno do nome que carrega.

2. Puella Magi Madoka Magica

Com nomes de peso a frente da direção, roteiro, character design e trilha sonora, Madoka Magica é sensivelmente o mais visado e comentado anime do ano, adornado por todos os lados, com os devidos méritos, como divisor de águas por descontruir e reinventar o gênero mahou shoujo. Logo a principio, vale ressaltar que tal gênero jamais fora tão infantil e estagnado como se tem pintado desde a exibição de Madoka, ainda que, inegavelmente, os títulos mais conhecidos deem base a tal afirmação.

Todavia, a série pode ser dividia em três pontos: o principio ilusório, no qual são apresentados os moldes usuais de um anime do gênero; a espiral de desespero firmada pelo meio da série, na qual todos os clichês mostrados nos episódios iniciais são mutilados; e a conclusão impactante, dúbia, ainda que otimista. Principio, meio e fim; simples, atrativo e convincente. Abusando de um jogo de cores invejável, alguns bons personagens, diálogos bem escritos e cenas de ação deslumbrantes, Puella Magi Madoka Magica é um dos maiores nomes da longa lista de destaques do estúdio Shaft, quiçá o maior.

1. Mawaru Penguindrum

O retorno de Kunihiko Ikuhara como diretor de uma obra original, passados 15 anos desde Utena, um dos mais saudosos títulos da década de 1990, gerou resultados além do que o mais otimista dos fãs poderia prever – qualitativamente falando, é claro. Mawaru Penguindrum, embora não tenha causado nenhum frisson, também não passou batido pelo publico, enquanto a crítica, em sua maioria, só tem elogios a tecer àquele que é apontado por muitos, parcela na qual me incluo, como mais bem estruturado, crítico e relevante anime do ano de 2011.

Em um misto de gêneros e situações, a série explana sobre a construção e manutenção de uma família, utilizando de um tema tão abrangente para abordar a sociedade e seus julgamentos, o embate entre fanatismo e ceticismo, e mesmo a criminalidade, mais especificamente o terrorismo, e suas implicações – o que se torna bastante evidente aos olhos mais atentos nas diversas citações e paralelos respeitosos traçados entre o ataque com gás sarin ao Metrô de Tóquio, ocorrido em 1995, e um certo evento ao qual todos os personagens estão intimamente ligados.

Embora o paragrafo acima tente sobrevoar todos os pontos abordados na trama, isto se mostra impossível não só pela vastidão de interpretações possíveis para cada pequeno gesto realizado, como também e principalmente pela forma intercortada como a história é contada e pelas muitas mudanças de espirito que assolam o roteiro. Por vezes voltando-se para a comédia sem deixar de passar informações vitais para a compreensão, os realizadores arriscaram-se ao extremo e certamente conseguiram que um numero considerável de pessoas abandonasse essa jornada “sem nexo” prematuramente.

Seja qual for o intuito da citação, é necessário sempre fazer ressalvas ao se falar de Mawaru Penguindrum. É um anime difícil. É cult. É complexo. E é, acima de tudo, genial.

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Texto de autoria de Alexandre “Noots” Oliveira.

Review | Steins;Gate

25 de novembro de 2011 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Animes

Alô? Sou eu. Mudança de planos a Organização descobriu tudo. Temos que começar a operação Yggdrasil.

É mais ou menos alguma coisa assim que Okabe Rintaro fala ao seu celular quando é pego de surpresa por algo, ou em momentos aleatórios. Okabe é um estudante universitário e se auto-proclama um cientista louco que combate uma organização que pretende dominar o mundo. E esse é o personagem principal de Steins;Gate, um anime com o diferencial de ter sido produzido por dois estúdios, um de games e outro de desenhos.

Steins;Gate acompanha Okabe em seu “laboratório” criando invenções sem sentido de uso, até que uma dessas se mostra um protótipo de máquina do tempo que pode mandar SMS’s pro passado e junto disso você vê tudo acontecendo segundo a perspectiva de Okabe, já que ele é o unico que consegue manter as memórias do passado alterado, isto é, se ele altera o passado pra conseguir algo, todos esquecem que ele não tinha aquilo, exceto ele. Com esse plot, a história se desenvolve repleto de conspirações, paradoxos e muitas outras coisas ligadas a viagens no tempo.

Com uma narrativa um pouco mais lenta que de costume, a história vai passando e jogando informações vitais pouco a pouco na sua mente. O fato é tal que o primeiro episódio é cheio de informações que serão uteis para o fechamento da série. A história em si é fantástica, caindo poucas vezes em clichês mal utilizados e com isso o ritmo da narrativa aumenta pouco-a-pouco, tornando quase imperceptível o tempo gasto assistindo os episódios, já que a maneira angustiante como ele dita a narrativa, você acaba sempre querendo mais. O grande problema é que o anime só começa a pegar ritmo depois de 3 ou 4 episódios.

Em termos de personagens, infelizmente o anime peca, as personagens são muito caricatas e pouco críveis, salvo exceções, você não sente aquele carisma emanando deles, eu acabei me amarrando no Okabe pelo seu jeitão e na Makise Kurisu também pelas situações que ela passa, mas de resto você não consegue ver motivação ou desenvolvimento de algumas personagens dentro da história. Porém a narrativa acaba fazendo você não sentir falta disso enquanto assiste, só comecei a perceber esses detalhes quando a série e passei a refletir sobre ela.

A animação é muito competente e condizente com a história. Não há cenas de ação e quando elas acontecem são “paradas”, pois esse não é o foco do anime, ali o foco é a história do efeito que o “Telefone-Microondas (com nome sujeito a mudança)” altera a vida de todos ali e como isso reflete no mundo. Assim como em Death Note, em que o embate era mental, aqui o que importa é o desenrolar e a compreensão dos mistérios. E a animação cumpre isso muito bem.

O final, embora não fuja de alguns clichês, é um tanto quanto inesperado. Embora muita coisa você consiga deduzir, o fechamento não te decepciona, na verdade você fica bastante contente com o final digno que teve. Eu tenho um pequeno trauma com finais de séries e desenhos, nunca acho que aquele final é compatível com a experiência que tive inicialmente com a série, mas Steins;Gate consegue fechar com chave de ouro.

Com tudo isso, aqui fica a recomendação de um anime. Vejam Steins;Gate com uma história sensacional que faz você pirar.

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Texto de autoria de André Kirano.