Resenhas – Página: 18 – Vortex Cultural

Resenha | Universo DC Renascimento: Arqueiro Verde – Volume 1

20 de abril de 2018 by Dan Cruz

arqueiro verde, DC Comics, DC Rebirth, DC Renascimento

Umas das premissas da fase Renascimento da DC Comics é trazer seus personagens de volta às suas representações mais icônicas. Em Os Novos 52, o veterano personagem Arqueiro Verde foi modernizado, assumindo características mais próximas das suas versões live-action nos seriados Smallville e Arrow, onde ele é representado como um jovem milionário – algo bem próximo de suas primeiras histórias em quadrinhos, que tentavam emular o estilo dos gibis do Batman na época. Mas o Oliver Queen que mais se destaca na memória dos leitores de quadrinhos é o personagem da fase de Dennis O’Neil e Neal Adams, quando o herói apresenta ao Lanterna Verde os problemas reais da classe menos abastada dos Estados Unidos em uma road trip repleta de aventuras e críticas sociais. Um marco para os quadrinhos. Esse estilo foi muito bem retratado na animação Liga da Justiça – Sem Limites, onde ele se define como “um velho esquerdista”.

Neste primeiro volume da fase Renascimento do Arqueiro Verde, vemos um retorno a essa caracterização. O “riquinho metido” dá lugar ao autoproclamado “Guerreiro da Justiça Social”, voltando inclusive a adotar o cavanhaque típico de Robin Hood. Seu relacionamento com a Canário Negro volta a ser ponto chave da trama, e muito do que foi estabelecido na fase anterior (principalmente seus laços de família) continua sendo explorado.

O roteiro de Benjamim Percy, por vezes com boas ideias, peca pelo exagero e o cliché. Embora as caracterizações dos personagens estejam coerentes e os diálogos bem sacados (mesmo quando toscos), a narrativa que envolve uma sociedade secreta dominando o submundo – literalmente – de Seattle parece algo não muito condizente com o status de herói urbano do Arqueiro Verde. Embora enfrentar todo tipo de monstros não seja lá algo estranho ao velho Oliver, o teor místico do Nono Círculo (organização secreta que remete ao Inferno de Dante Alighieri) parece forçar a barra. Junte-se a isso a mudança abrupta do estilo de arte no meio do volume e a história parece não ser mais a mesma do início.

Não que a arte seja ruim, muito pelo contrário! A primeira parte conta com a leveza e o dinamismo da arte de Otto Schmidt, que faz com que o texto de Percy flua de forma natural. Já o estilo da segunda parte – que ficou a cargo de Juan Ferreyra – lembra em muito o visual da série Os Caçadores, clássico do herói nos anos 1980. Apesar de um espetáculo visual, em alguns momentos a ação fica um tanto “truncada” e o ritmo se perde um pouco.

A decisão da Panini em publicar esse arco – e os outros na sequência – em um volume encadernado está de acordo com a nova estratégia da editora de focar suas mensais nos títulos do Batman e do Superman, evitando os mixes de outrora que deixavam boas histórias perdidas no meio de outras medíocres. Contudo, faltou o conteúdo extra presente na edição americana na qual foi baseada a versão nacional. Embora não seja uma obra prima, esse primeiro volume pode ser, principalmente, um bom ponto de partida para leitores novos ou antigos que se afastaram nos últimos anos.

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Resenha | Puella Magi Madoka Magica

18 de abril de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

madoka magica, Mangás, NewPop Editora, puella magi madoka magica

Este mangá teve início na mesma época do anime. A história é praticamente a mesma, porém traz abordagens e ritmo diferentes. Já falamos sobre o anime (leia nosso review), então para evitar repetições, recomendamos ler o review antes de continuar.

Puela Magi Madoka Magica foi sucesso de público e crítica, ganhou inúmeros prêmios e seria inevitável render outros produtos além do anime. O mangá seguiu bem fiel ao anime. Então vale a pena ler mesmo tendo assistido ao anime? Vale, e muito.

O mangá tem um ritmo mais rápido, não prolonga demais as cenas, e mesmo assim tem informações suficientes para manter a narrativa sólida e profunda. Por mais que algumas falas sejam idênticas às da animação, a obra no papel traz coisas próprias, inclusive mais violência.

O estilo visual se mantém próximo ao anime, apesar das cenas de batalha não se estenderem muito. É até covardia comparar o anime ao mangá neste quesito, vez que a versão animada utiliza muitas cores e movimento. Tendo em vista que o mangá é uma obra mais concisa e estática, digamos que a qualidade de ambas é comparável.

A NewPOP Editora trouxe a obra completa em 3 volumes muito bem feitos, com papel branco de boa qualidade, páginas iniciais coloridas e mini-histórias nas contracapas. Ótimo material para quem é fã ou mesmo para ter o primeiro contato com este universo subvertido das garotinhas mágicas.

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Resenha | O Mistério dos Signos

13 de abril de 2018 by Bernardo Mazzei

Quadrinhos, Resenhas

Editora Abril Jovem, Quadrinhos Disney

Fazia um boa tempo que não lia uma história em quadrinhos da Disney. Para ser bem sincero, não tenho memória de quando sentei e li uma HQ do Mickey ou Pato Donald antes de ler O Mistério dos Signos, lançado pela Abril Jovem em Janeiro de 2014. Talvez por esse fato, minha leitura tenha sido um tanto quanto imparcial, o que não significa que não tenha gostado da trama. Aliás, adorei a história.

Concebida por Bruno Sarda, O Mistério dos Signos foi durante um bom tempo a maior saga em quadrinhos da Disney, posto depois tomado por Era Uma Vez na América. Publicada ao longo de 12 edições do gibi Topolino, a história narra a busca pela Pedra Zodiacal, artefato mágico dividido em 12 pedaços que revela seu poder quando é unificado.

A trama começa quando Pateta e Mickey descobrem a existência do artefato durante uma viagem ao passado. A dupla acaba dando de cara com um grupo, liderado pelo Professor Zodiacus, que acredita que a pedra possui poderes extraordinários e dá ao seu possuidor a capacidade de enxergar o futuro. Ao voltarem para o presente, a dupla começa uma busca pelas doze peças que compõe a Pedra. Ela foi dividida pelo professor para que seus herdeiros transmitissem a cultura e o respeito pela Astrologia. A trama vai ficando mais interessante à medida que Tio Patinhas, Donald e seus sobrinhos se unem à dupla e ao professor na procura das peças. Patinhas quer usar a pedra para seu lucro próprio, enquanto Mickey, Pateta e Zapotec querem a peça por seu valor histórico. Mas, espere! Tem mais! Bafo de Onça, o arqui-inimigo de Mickey também está ciente da Pedra Zodiacal e parte em sua busca própria para ter em suas mãos a relíquia.

Parece confusa? Só parece. O roteiro de é muito bem escrito e faz com que a trama se desenrole de forma muito natural, dividindo-se entre os eventos presentes e flashbacks que contam como funciona história das 12 peças que compõe a Pedra Zodiacal. Outro ponto positivo é a interação entre os personagens. Mickey, Donald, Tio Patinhas, Bafo, Mancha Negra, Vovó Donalda, Gansolino, Huguinho, Zezinho, Luisinho, Maga Patalójika e até o Super Pato desfilam pela história, sempre interagindo em cena e com funções importantes na trama. Geralmente, excesso de personagens ocasiona problemas narrativos, mas aqui é uma das melhores soluções. Os desenhos de Massimo de Vita e Franco Valussi também ajudam na fluidez da história, pois criam um visual agradável aos olhos.

Essa edição da Abril também é digna de elogios porque conta com um especial sobre todo o processo de criação da saga e ainda com um breve guia de astrologia, extras que fazem a leitura ser mais prazerosa. Em resumo, O Mistério dos Signos é uma dessas deliciosas histórias que divertem tanto aos leitores novos quanto aos mais velhos.

Compre: O Mistério dos Signos.

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Resenha | All You Need Is Kill

12 de abril de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

JBC

All You Need is Kill foi lançado originalmente em 2004 no formato light novel, muito difundido em terras nipônicas. A obra tem como autor Hiroshi Sakurazaka e ilustrações de Yoshitoshi Abe (conhecido por Serial Experiments Lain). Em 2014, a obra ganhou uma adaptação hollywoodiana (No Limite do Amanhã) e um mangá. É sobre este que falaremos agora.

Tudo acontece em um futuro onde alienígenas invadiram a Terra. Batizados de Mimetizadores, eles iniciam a destruição da humanidade sem dó, nem piedade. Para tentar combater os monstros, foram criadas forças especiais onde os soldados utilizam armaduras mecanizadas que, além de protegê-los, garantem força extra para os combates.

Keiji Kiriya se vê preso em um loop temporal onde revive um mesmo período continuamente. O loop começa quando Keiji está deitado na cama, e termina com sua morte em batalha no dia seguinte. Após cada morte, o loop se reinicia e ele vivencia tudo de novo. Porém, com as repetições, ele vai, aos poucos, deixando de ser um soldado inexperiente e ganha muita força e habilidade. E claro, a cada loop, tenta descobrir o motivo pelo qual essa anomalia temporal está acontecendo. Outra personagem de destaque é a americana Rita Vrataski, a combatente mais habilidosa do mundo. Rita foi ao Japão com sua equipe e lá seu caminho irá se cruzar com o de Keiji.

De início, devemos destacar a excelente arte de Takeshi Obata (Death Note, Bakuman), que dispensa elogios. O artista tem um excelente traço e constrói muito bem as cenas. Em alguns poucos momentos de combate, elas ficam um pouco confusas devido ao excesso de traços, mas nada que comprometa a qualidade final da obra. Alguns quadros merecem ser observados por longos instantes.

Se analisarmos a sinopse da história, não vemos nada de inovador. Diversas obras já mostraram invasões alienígenas, loops temporais e soldados com armaduras mecanizadas. Mesmo assim, a junção dos elementos criou algo interessante e bem narrado pelo roteirista Ryosuke Takeuchi. A história se desenvolve muito bem, tem ótimo ritmo e consegue manter a qualidade ao longo dos dois volumes.

A questão principal do mangá é a tentativa de Keiji descobrir o motivo pelo qual os loops acontecem. É bizarro notar que ele se acostuma com a morte após sucumbir dezenas de vezes. Mas isso não será a única coisa que afetará o jovem soldado. Rita fará parte da trama e acaba sendo um pouco mais interessante que Keiji.

Temos aqui um bom produto lançado pela Editora JBC. Não é a obra mais original do mundo, mas é bem feita e funciona muito bem como entretenimento. Ao invés de tentarem maluquices extremamente complexas usando os loops temporais, optaram por fazer algo mais simples, o que é um ponto positivo. O desenvolvimento tem um quê de complexidade, mas a resolução é simples e funcional. Essa é uma boa qualidade da obra: simples, mas não simplista.

Compre: All You Need Is Kill.

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Resenha | Nêmesis

10 de abril de 2018 by Bernardo Mazzei

Quadrinhos, Resenhas

Mark Millar, Panini, Steven McNiven

Imagine se o Batman fosse um assassino psicótico ao invés do herói que conhecemos. Uma mistura de Coringa, Charada e Bruce Wayne. Imaginou? Pois é esse exercício que Mark Millar propõe em Nêmesis, saga bem bacana mas que infelizmente ficou no meio do caminho de seu potencial.

Lançada entre maio e dezembro de 2010 nos EUA, e em 2013 no Brasil pela Panini Comics, a saga idealizada pelo autor de Kick-Ass, O Procurado e Superman: Entre a Foice e o Martelo, narra a história de Nêmesis, um bilionário altamente treinado que viaja pelo mundo provocando o caos, simplesmente para poder derrotar o maior policial da cidade onde ele se encontra. Após aniquilar o mais brilhante policial de Tóquio e provocar mortes e destruição na cidade, Nêmesis parte para Washington com o intuito de eliminar Blake Morrow, considerado o homem de ouro da força policial dos Estados Unidos. A partir daí, o que se segue é um jogo de gato e rato que vai deixar um número absurdo de vítimas pelo caminho até um desfecho que deixa um gosto agridoce na boca do leitor.

A história tem uma influência muito grande dos quadrinhos dos anos 90, onde o que importava era porradaria e destruição em larga escala, enquanto que o desenvolvimento dos roteiros ficava um tanto de lado. Millar tenta imprimir urgência na narrativa, porém isso faz com que tudo soe apressado e superficial. Ainda que existam grandes momentos na obra, algumas situações que poderiam ser sensacionais ficam mal desenvolvidas. A invasão ao avião presidencial, Air Force One, é o maior exemplo: se inicia de forma espetacular e acaba de forma apressada. Seria ótimo ver Nêmesis derrotando um a um os seguranças do presidente dos Estados Unidos dentro do avião, mas o roteirista tira esse prazer do leitor optando por uma solução mais simples que apesar de muito boa, não possui tanto impacto quanto poderia.

Outro problema diz respeito ao desenvolvimento dos personagens. Enquanto o vilão protagonista é desenvolvido de forma competente, Blake Morrow fica um tanto de escanteio na história, prejudicando a empatia do leitor. Outro fator são os plot twists. Em um primeiro momento, as reviravoltas parecem ótimas, mas numa reanálise elas passam a impressão de que o autor subestima a inteligência do leitor, tamanho o absurdo proposto.

Os desenhos de Steve McNiven tem uma aparência muito grande de storyboards. Algumas splash pages são muito boas, porém a arte fica parecendo suja e apressada no final. Falta polimento. Em alguns momentos fiquei com a impressão que a obra foi concebida com o único intuito de ser adaptada para os cinemas ou para a TV, um fato que acontecerá em breve já que a Netflix comprou os direitos da obra.

Ainda que irregular, Nêmesis é uma obra divertida e que vale ser lida devido ao conceito proposto pelo autor. Ah, e não adianta tentar fazer o contrário: a torcida pelo sádico e alucinado vilão protagonista é inevitável.

Compre: Nêmesis.

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Resenha | Alho-Poró

9 de abril de 2018 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Alho-poró é um misto entre o cotidiano e o surreal. Encontrar um quadrinho que consegue unir as duas coisas de forma tão harmoniosa é quase tão difícil quanto achar um lugar que venda o sabor de quiché preparado pelas suas
personagens. A responsável por isso é a Bianca Pinheiro, autora de Mônica: Força, Dora e da série Bear, que cuidou não só da arte, mas também do roteiro do quadrinho lançado em 2017 via financiamento coletivo pelo Catarse, e foi publicado pelo estúdio e selo de quadrinhos La Gougoutte (formado, ao lado de Bianca, pelos autores Alexandre Lourenço, Greg Stella e Yoshi Itice).

A arte é a primeira coisa que chama atenção, principalmente pela escolha dos traços mais grossos e das cores em tons pasteis. E a relação entre essas escolhas e o roteiro é desvendada logo no início, já que a monotonia e o tom de cotidiano estão presentes desde a primeira cena, com duas amigas procurando alho-poró num supermercado.

Além das escolhas artísticas, os diálogos também aumentam esse sentimento, funcionando de forma extremamente natural. As mudanças repentinas de assunto e retomada de temas que já foram ditas nos aproximam das personagens e tentam ao máximo dar a impressão de que as conhecemos há bastante tempo. O número reduzido de cenários, bem como a maior parte da trama se passar no trajeto entre o supermercado e uma casa tornam essa sensação ainda maior.

O desenvolvimento da história acompanha essa suavidade, dada desde o início, e a quebra desse padrão eleva o choque através do rompimento da expectativa, fazendo com que reviravolta do roteiro seja ainda mais impactante. As transições entre os momentos são muito bem escolhidas e há uma preocupação em tratar do essencial, sem excessos. Tudo isso faz com que a gente termine a leitura e fique com aquele gosto na boca, de algo que comeu e gostou.

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Texto de autoria de Caio Amorim.

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Resenha | A Vida Secreta de Londres

4 de abril de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, dave mckean, Editora Veneta, Neil Gaiman, Oscar Zarate, woodrow phoenix

Em paralelo ao reconhecimento mundial, destacado pela tradição histórica, bem como em icônicas imagens como o relógio Big Ben e diversos outros monumentos, a cidade de Londres também possui uma faceta comum em que o simples e o prosaico se apresentam diariamente. Além do sucesso dos espaços turísticos e das aparições da Rainha, a capital da Inglaterra também possui suas entranhas, os vícios e a sujeira que complementam o esplendor. É essa observação natural sobre a cidade o tema central de A Vida Secreta de Londres lançado pela Editora Veneta.

Organizado por Oscar Zarate, quadrinista argentino que reside na cidade há mais de 40 anos, a obra reúne grandes artistas contemporâneos explorando as particularidades de Londres em uma espécie de guia alternativo da cidade. Ao todo, 24 artistas – entre eles Alan Moore, Neil Gaiman, Dave McKean, Woodrow Phoenix e Iain Sinclair – produzem narrativas sobre bairros londrinos em uma compilação que reúne diversas formas artísticas como quadrinhos, poema e prosa.

Mesmo compartilhando um tema em comum, é perceptível a diversidade narrativa. Além da composição exposta em diferentes formas artísticas, as abordagens narrativas se alinham com uma grande cidade, formada por seres distintos, cada um percebendo e observando o local que o cerca de maneira singular. Como a análise parte de moradores da cidade, a visão é mais crua e caótica do que se vê pelos batidos cartões-postais.

Tramas policiais se destacam abordando uma cidade sem filtro em que o desenvolvimento aquebranta parte da alma de seus moradores. A beleza da cidade é vista a partir de seus estilhaços, da dor e do sangue de suas ruas. Em certas narrativas, a sanidade é definida pela própria arte. Em outras, a crueldade parece uma tônica constante do caos. Dentre os nomes mais graúdos da coletânea, Gaiman apresenta uma história que introduziria dois personagens do livro Coisas Frágeis. Moore demonstra talento em frontes diversas colaborando em HQ, prosa e poesia. Mesmo que tais nomes consagrem a edição e chamem o público, é interessante descobrir novos autores como Alexei Sayle, Chris Webster, Carl Flint e Carol Swain, autores das melhores histórias de acordo com a preferência desse crítico.

A edição da Veneta segue o tamanho padrão de graphic-novels lançadas no mercado, ou seja, em um formato um pouco maior que os encadernados em formato americano. O escritor Rogério de Campos assina um excelente prefácio sobre a urbanização como forma de expressão artística, bem como a edição apresenta notas explicativas sobre algumas histórias, apontando locais e referências.

A Vida Secreta de Londres desenvolve um mapeamento alternativo de Londres, sem nenhum filtro que esconda o sangue de suas entranhas. Talvez melhor do que a leitura seja se aventurar pelos locais descritos nas narrativas, reconhecendo cada espaço disforme que, mesmo oculto das fotos famosas, compõe uma das cidades mais famosas do mundo.

Compre: A Vida Secreta de Londres.

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Resenha | Eu Mato Gigantes

2 de abril de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

Image Comics, JM Ken Niimura, Joe Kelly, NewPop Editora

Bárbara é uma jovem estudante aficionada por RPG. Seu comportamento antissocial, somado às peculiares orelhinhas falsas, tornam Bárbara a típica esquisitona da região. Apesar do comportamento recluso, a garota tem personalidade forte e afirma com todas as letras que é uma matadora de gigantes. Assim começa Eu Mato Gigantes, escrito por Joe Kelly (X-Men, Deadpool, Liga da Justiça) e desenhado por JM Ken Niimura (Academia Gotham, Homem-Aranha).

É altamente recomendável que você leia este quadrinho com o mínimo de informações possível. O objetivo desta resenha é justamente isso: te dar um mínimo de informações para despertar seu interesse (ou não) pela obra.

O estilo visual trazido por Niimura é interessante. Traços simples, quase rabiscos em alguns quadros, alternam com cenas intensamente detalhadas. Toda a arte é feita em preto e branco, sendo colorida apenas com tons de cinza. A leitura se torna fluida e até esquecemos que a obra não possui outras cores. Méritos também do bom roteiro de Kelly, que é o ponto forte da obra.

Bárbara causa sentimentos diversos ao leitor. Em alguns momentos, se mostra quase uma sociopata arrogante, cabeça quente e desajustada. E momentos depois, estamos rindo dela e com ela, torcendo para que dê tudo certo. Afinal, é apenas uma criança.

OK, a revista se chama Eu Mato Gigantes. Temos aqui uma obra de fantasia? Sim e não. Bárbara vive no presente, mas é viciada em Dungeons & Dragons, o famoso RPG de mesa. Ao longo da história, ela se imagina rodeada de criaturas míticas e alimenta a ideia de que é matadora de gigantes. Isso tornaria a história banal se não fosse as ótimas sacadas de Kelly. Ele cria uma alegoria para que Bárbara, literalmente, fuja da realidade, algo bastante comum entre as crianças. Quem nunca se imaginou em um mundo de fantasia, seja lutando contra monstros ou viajando por lugares fantásticos? Kelly brinca com essas fantasias infantis para criar uma história reflexiva sobre assuntos bem profundos.

É satisfatório ler algo como Eu Mato Gigantes. Apesar de ser uma história simples, é muito bem trabalhada dentro de sua simplicidade. Diversos leitores poderão se identificar com a jovem Bárbara em diversos aspectos, e não somente por ela ser nerd. Sua aparência esguia, com óculos enormes e as famigeradas orelhinhas aleatórias dão muito carisma à pequena matadora de gigantes. Não espere uma fantasia medieval, e sim uma história que, apesar dos elementos fantásticos da narrativa, é mais real do que nunca. Um belo lançamento da NewPOP Editora em volume único, formato grande e papel brilhoso de excelente qualidade.

Compre: Eu Mato Gigantes.

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Resenha | Coin Laundry Lady

23 de março de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

JBC, Mangás

Ao longo de sua carreira, o artista japonês Hiro Kiyohara, autor de Another, fez alguns capítulos bem curtos sobre uma garota que vivia numa lavanderia. Tudo isso foi compilado em Coin Laundry Lady, lançado no Brasil pela Editora JBC em volume único, incluindo páginas coloridas.

Primeiramente, parabéns pela coragem, JBC. Este é um mangá que tem um potencial gigantesco de ser odiado por grande parcela do público, e mesmo assim lançaram por aqui. Digo isso porque esta obra aposta em um tipo de humor muito peculiar, nitidamente voltado para o público japonês, sem muito apelo aos leitores de outras culturas. Explico.

Por se tratar de inúmeros capítulo curtos e fechados, inexiste uma sequência narrativa de uma história maior. Não há muita conexão entre os capítulos, a não ser os locais e personagens. Isso se justifica pela forma que o autor concebeu esta obra, fazendo capítulos esporadicamente. Me parece algo despretensioso, feito pela diversão, mas que deve ter agradado algumas pessoas, caso contrário não teria sido compilado em um volume único de quase 200 páginas.

No decorrer da leitura, fui atravessando os capítulos sem grandes esforços, sendo os belos traços de Kiyohara o ponto mais forte da obra. Quanto à história em si, nada mais é do que um compilado de loucuras aleatórias, sem muito sentido, mas que estavam minimamente divertidas. Os capítulos curtos ajudam a manter o ritmo de leitura. Não é o tipo de mangá que se lê de uma só vez, visto a falta de uma história central. Não há nada extremamente engraçado que arranque gargalhadas. Não me pareceu essa a intenção do autor. Por outro lado, as situações absurdas e aleatoriedades são engraçadinhas e renderam alguns sorrisos.

Sugiro cautela em relação a este mangá. Quem não é acostumado aos quadrinhos orientais tem 97,9% de chance de detestar Coin Laundry Lady. Vejo inclusive uma boa parcela de leitores assíduos de mangás que podem reprovar esta obra. Recomendo apenas para quem busca uma leitura casual, “desliga-cérebro”, que apenas quer ler algo bem desenhado sem grandes tramas ou narrativas. Este é aquele mangá que não pode ser levado a sério em momento algum e, no final das contas, é um passatempo mediano.

Compre: Coin Laundry Lady.

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Resenha | Savage Dragon

22 de março de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

erik larsen, Image Comics, savage dragon

A prova de que os quadrinhos da década de 90 foram, no mínimo, excêntricos é comprovada na leitura de qualquer título mensal lançado na época. Com cenas exageradamente coloridas, quadros irregulares com personagens invadindo outras cenas e um excesso de criatividade por parte dos desenhistas deram o tempero para atrair inúmeros leitores ainda que em tramas de qualidade duvidosa, mas divertidas. Não menos importante que tais características, em 1992, a Image Comics foi fundada para concorrer diretamente com a Marvel e DC Comics.

Criada por Todd McFarlane, Jim Lee, Whilce Portacio, Marc Silvestri, Erik Larsen, Jim Valentino e o “mestre” Rob Liefeld, todos oriundos da Casa das Ideias, a Image se tornou na época a segunda editora mais popular em vendas e reconfigurou a década com suas histórias focadas na ação e personagens excessivamente bem moldados, compondo novos heróis em notáveis edições.

Criado por Erik Larsen, o Savage Dragon como conhecemos foi reformulado e lançado em 1992. Anteriormente, três aparições deste personagem criado pelo autor em sua infância foram lançadas na década de 80. Bebendo na fonte da narrativa policial sem perder o foco de uma narrativa quadrinesca de divertimento com a clássica porradaria, a série da personagem foi uma das poucas lançadas na época no Brasil em formato americano. Embora a Abril Comics tenha lançado somente a minissérie especial que introduzia o herói e os 16 números da revista original, a série se tornou popular também no país. Mais três editoras lançaram o personagem em arcos específicos: Em 2001, a Pandora Books lançou um crossover com Hellboy; em 2007 foi a vez da HQM lançar a edição #0 narrando a origem e, recentemente em 2012, A Mythos publicou a saga Unidos, compilando seis números da série.

O número inicial de The Savage Dragon foi lançada no país em 1997 e em apenas 25 páginas estabelecem com qualidade a personagem e a ambientação. Savage Dragon é um super agente da polícia de Chicago. Sua memória mais antiga é despertar de um local em chamas (sua origem seria explicada em uma edição posterior, a tradicional número zero) , motivo que mantém sua origem desconhecida. Com superforça, invulnerabilidade e fator de cura, o policial se torna o personagem principal para proteger a cidade de ameaçar super-humanas.

Com um físico avantajado (a década de 90 e seus personagens com músculos mais definidos que os mais rigorosos body buldings), o personagem alinha bom humor e boas cenas de ação. Na primeira edição, Dragon lida com a ameaça de um rato gigante que mata impiedosamente a população da cidade. Ao mesmo tempo em que lida com as dúvidas sobre si mesmo e sua origem.

A trama estabelece com qualidade a ambientação do submundo de Chicago e a verve voltada para a violência. Narrado pelo próprio personagem, o tom relembra os clássico detetives policiais em um mundo decadente, agindo primeiro e perguntando depois. Como trabalha para a polícia da cidade, há um conjunto de regras que o herói tem de seguir mesmo que, em alguns momentos, tenha dificuldade de lidar com tais obrigações. Em poucas páginas, o eficiente roteiro de Larsen – que ainda hoje escreve para a revista – estabelece o interesse amoroso da personagem, o parceiro que ajudou-o a entrar na polícia, bem como aponta as primeiras parcerias heroicas com Barbarie e Ricochete.

Nos números seguintes, o roteiro mantém a tônica de ação, introduzindo personagens que farão parte do grupo heroico de Dragon (há algumas edições que apresentam pequenas histórias narradas pelos novos personagens). O segundo número, por exemplo, tem um eficiente crossover com as Tartarugas Ninja. Na época, o grupo foi incorporado no universo Image possibilitando esse encontro que funciona tanto como boa história como um chamariz a mais para o público leitor diante da novidade do novo herói.

Hoje reconhecido como um dos personagens mais populares da Image Comics. O início de Savage Dragon é divertido e bem desenvolvido em sua origem. Um início que merece ser relembrado em tempos presentes e revisto por novos leitores de quadrinhos.

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Resenha | Savage Dragon Especial

20 de março de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

erik larsen, Image Comics, savage dragon

Dez anos após a fundação da Image Comics, a editora decidiu celebrar em uma edição especial reunindo as equipes iniciais de seus títulos em um lançamento numerado com histórias inéditas. A princípio, somente nessa edição comemorativa tais histórias estariam disponíveis. O atraso da entrega do material, porém, atrasou em três anos a publicação. E posteriormente, as histórias foram lançadas em edição simples, para aqueles que não havia adquirido a versão comemorativa.

Lançado em fevereiro de 2007 pela HQM Editora, Savage Dragon Especial apresenta a origem do personagem, lançado originalmente na edição comemorativa da Image e posteriormente em edição solo em 2006 nos Estados Unidos. No posfácio da edição, há um texto do criador Erik Larsen explicando os motivos para uma trama de origem. Inicialmente, o autor nunca havia imaginado fundamentar o passado de Dragon. Porém, como a edição especial deveria trazer algo extra, diferente de uma história dos mensais, a escolha foi desenvolver quem era o personagem antes de se tornar um policial de Chicago sem nenhuma memória do próprio passado.

A origem de Dragon não apresenta nada em especial além da ideia de um homem sem memória que desconhece o seu passado, sendo assim, podendo ser diferente daquilo que foi. A trama revela que o policial era o tirano Korr que estava a procura de um novo planeta para sua população. Considerando que os terráqueos eram desnecessários, Korr decide destruir a Terra para colonizá-la. Porém, devido a uma resistência de dois cientistas de sua equipe, o tirano é abatido e jogado na Terra sem nenhuma memória.

A jornada da personagem parte, portanto, da modificação de um ser malévolo para um personagem bondoso. Pelos comentários do roteirista no referido prefácio, a trama foi feita mais como um agrado para o público, bem como para fornecer um extra para os leitores da edição mensal. Como o lançamento original do gibi no Brasil foi interrompido há mais de dez anos, é uma pena que novos leitores tenham conhecido Dragon por essa revista, quando sua mensal é muito mais divertida e bem composta.

Se a trama é uma narrativa comum, a edição da HQM se destaca com papel brilhante em uma época que nem mesmo a Panini Comics lançava as edições mensais em um bom papel. Pelo texto que acompanha a revista, a editora tinha planos em lançar Dragon novamente no país se a edição fosse bem recebida e pedida pelo público. Pelo visto, as vendas foram aquém do esperado, resultando em mais um breve lançamento de um bom personagem da Image Comics que atualmente parece esquecido em terras brasileiras.

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Resenha | O Homem que Foge: Nigeru Otoko

16 de março de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

JBC, Mangás

Este mangá de volume único lançado pela Editora JBC é vendido como “um conto de fadas para adultos”. Tal definição é controversa e soa bem pretensiosa, muito semelhante à obra em si. A artista japonesa Natsume Ono aposta em um traço diferente da maioria dos mangás e numa narrativa com poucas falas. Por conta disso, O Homem que Foge não vai agradar todo mundo (e foi este o meu caso).

É possível ler as 200 páginas em poucos minutos devido às poucas falas. A autora mantém um ritmo narrativo com muitos quadros mudos, o que dá muita agilidade e dinamismo à obra. No entanto, ainda que isso seja um de seus maiores méritos, talvez seja o seu maior defeito: o minimalismo não funcionou tão bem, tornando a história vazia e pueril durante boa parte de seu desenvolvimento.

Na trama, existe uma lenda em que um urso habita a floresta local e somente crianças podem vê-lo. Quem passar um dia inteiro com esse urso terá um desejo realizado. E o tal “homem que foge” está relacionado a esta lenda.

A história é voltada a um público adulto e mais maduro. A questão debatida aqui é a fuga dos problemas e o “eu contro o mundo”, e isso realmente é discutido de forma interessante. Entretanto, não há um grande desenvolvimento nesses temas e muitas coisas são deixadas em aberto. Algumas pessoas vão enxergar profundidade, introspecção e reflexão na história. Eu vejo uma tentativa de enganar o público, tal como alguns “jogos artísticos” ou filmes que não entregam nada e fingem ter discussões profundas quando, na verdade, te oferecem um fiapo de história que pode ser interpretado de infinitas formas. Assim fica fácil ter diversas interpretações.

Ao longo dos cinco capítulos, pouca coisa relevante é mostrada, e só há um desenvolvimento real nas últimas páginas. É muito estranho passar dezenas de páginas e não ter muito o que se discutir. O próprio estilo de arte remete a isso, traços finos e que parecem não ter qualquer arte-finalização, quase feito às pressas, repleto de rabiscos e traçados tremidos e bastante simplificados. Isso foi claramente proposital, basta ver a obra anterior de Ono, House of Five Leaves, onde os desenhos possuem melhor acabamento. De certa forma, as ilustrações “desleixadas” fazem sentido dentro do contexto do mangá, ainda que cause um certo incômodo e até mesmo artificialidade dentro da própria proposta da autora.

Recomendo esta obra com ressalvas. Por mais que existam sutilezas e aspectos interessantes — principalmente em sua conclusão —, O Homem que Foge promete muito e entrega pouco, soando bastante vazio no final das contas. A obra tenta fugir dos mangás convencionais, o que é um mérito, mas se mostra pretensiosa. Consigo ver pessoas gostando do mangá, mas definitivamente não é para todo mundo. Se tiver oportunidade, leia, tire suas próprias conclusões, vai demandar poucos minutos do seu tempo e, quem sabe, a história consiga falar algo pra você.

Compre: O Homem que Foge: Nigeru Otoko – Natsume Ono.

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Resenha | Creepshow

13 de março de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

Bernie Wrightson, darkside books, george romero, Stephen King

Creepshow foi um projeto que homenageou os quadrinhos de terror dos anos 1950, especialmente aqueles publicados pela EC Comics, como Contos da Cripta. O resultado foi o lançamento simultâneo de um filme (leia nossa crítica aqui) e um quadrinho, ambos com o mesmo nome e as mesmas cinco histórias. Apesar das semelhanças, cada obra merece atenção, pois carregam algumas particularidades.

Vamos falar da história em quadrinhos, publicada recentemente no Brasil pela DarkSide Books.

A obra traz cinco histórias curtas escritas pelo mestre Stephen King, que envolve temáticas variadas, mas sempre focada no terror. E tendo em vista que a intenção era homenagear os quadrinhos de terror de época, nada melhor que trazer artistas envolvidos com o gênero. A capa ficou a cargo de Jack Kamen — já conhecido por seu trabalho como desenhista de histórias de suspense, terror e ficção científica da EC Comics —, que faz referência ao filme, pois mostra o garoto com a revista em mãos. Já as histórias ficaram sob a responsabilidade de Bernie Wrightson, com uma carreira extensa e renomada nos quadrinhos, tendo trabalhado nas principais editoras americanas, inclusive cocriando o personagem Monstro do Pântano, ao lado de Len Wein, na DC Comics. Wrightson faz um traço realista e detalhado, que remete ao estilo dos quadrinhos de época da EC. As cenas são bem construídas, e algumas delas ficarão na sua memória por muito tempo. Uma pena que ambos os artistas já se foram.

Dia dos Pais, inicia o álbum e mostra uma senhora de idade que visita o túmulo de seu genitor todos os anos na referida data. O túmulo está na propriedade da família, e esta aproveita a ocasião para se reunir. Os fatos envolvendo a morte do pai são repugnantes e o desfecho é maravilhosamente trash.

A Solitária Morte de Jordy Verrill nos apresenta um caipira que vive imaginando as situações antes que elas aconteçam. É a típica pessoa que imagina todas as possibilidades antes de tomar uma atitude, e fica sonhando acordado. Certo dia, um pequeno meteorito cai em sua propriedade, localizada na zona rural. Mas a falta de cuidado de Jordy com o material alienígena trará consequências inesperadas.

A Caixa gira em torno de uma… caixa. Na verdade, uma grande caixa de madeira encontrada pelo zelador da universidade. Nela está escrito Expedição ao Ártico (seria uma referência indireta ao conto Nas Montanhas da Loucura, de H.P. Lovecraft?), e seu conteúdo permanece um mistério até que o professor Dexter Stanley é chamado para averiguar o objeto. O que tem dentro dela?

Indo com a Maré já se inicia com alguém enterrado numa praia, apenas com a cabeça exposta. Ele implora que o tirem dali. O responsável está diante dele, e não demonstra compaixão alguma. Por que ele está enterrado? Este, provavelmente, é o conto mais George Romero da obra.

E por fim, Vingança Barata revela um sujeito que tem sérios problemas com uma infestação de baratas. Se por um lado é a história menos interessante, por outro traz aspectos visuais bacanas que reforçam o traço fantástico de Wrightson, onde a enorme quantidade de baratas causa sentimentos de repulsa.

Interessante notar que o som tem um papel importante em vários seguimentos, onde as onomatopeias fluem pela arte sequencial, causando um efeito narrativo bem legal, uma espécie de agonia, com o som repetindo de novo e de novo enquanto as coisas acontecem. Quando o som é bem usado em uma mídia sem som, nota-se a qualidade dos artistas envolvidos.

Vale dizer que a obra se aproxima mais do “terrir” do que do terror, como acontecia com diversas publicações do gênero. O próprio narrador, exclusivo da versão em quadrinhos, deixa bem claro que a obra não se leva a sério ao se dirigir ao leitor, em uma quebra da quarta parede e utilizar uma linguagem sarcástica e bem humorada ao comentar os acontecimentos de cada uma das cinco histórias. Os diálogos dos personagens também optam pela linguagem coloquial, cheio de gírias e palavras propositalmente erradas para caracterizar alguns personagens (por exemplo, o zelador chamar o professor de “dotor”). Tudo isso gera uma atmosfera mais descontraída à obra.

Em suma, um quadrinho que não vai te aterrorizar, mas sim divertir. Algumas cenas são perturbadoras, sim, e ficarão cravadas na memória, mas nada que irá te traumatizar. Tudo isso, aliada à excelente qualidade do material (capa dura com verniz localizado, tamanho grande, boa impressão e papel grosso) fazem de Creepshow um belo lançamento da DarkSide. Recomendado aos fãs de histórias pulp de terror e o cinema trash e, claro, a todos que gostaram da versão cinematográfica dirigida pelo mestre George Romero ou são fãs de Stephen King e Bernie Wrightson.

Compre: Creepshow.

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Resenha | Uma Vida Chinesa – III. O Tempo do Dinheiro

12 de março de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

editora WMF, Editora Wmf Martins Fontes, Li Kunwu, Mao-Tse Tung, Philippe Ôtié, revolução chinesa, Wmf Martins Fontes

Philippe Ôtié, parceiro criativo de Li Kunwu na autobiografia Uma Vida Chinesa, menciona no prefácio da derradeira edição, O Tempo do Dinheiro, a mudança da concepção da obra no decorrer de sua finalização. Enquanto estudavam uma maneira de apresentar uma história de um homem comum que, ao mesmo tempo, representasse a evolução da China no último século, os traços de Kunwu ganharam novas formas, bem como a abordagem procurou um meio-termo sem agredir a própria História.

Lançado pela WMF Martins Fontes em 2017, o terceiro volume é o desfecho da trama iniciada em I. O Tempo do Pai. Mesmo sendo uma obra única em três volumes, cada edição foi trabalhada em um ritmo próprio. A primeira configurava com mais detalhes o panorama chinês que marcou a libertação, forma pela qual os chineses se referem ao levante comunista. Em II. O Tempo do Partido, a obra transita entre a evolução do personagem central, que se aproximou do Partido Comunista, desenvolvendo sua carreira como desenhista, como nas próprias modificações da China após a morte de Mao-Tsé Tung, o Grande Timoneiro. No terceiro volume, a trama reflete o ritmo acelerado do crescimento do país, inserindo diversos acontecimentos de maneira rápida, dando maior dinamismo a história.

Os autores optaram por utilizar pouco a narrativa em off no último volume. Inicialmente, selecionaram dois momentos temporais, o final dá década de 80 e o ano de 2010, para apresentar duas etapas no amadurecimento de Xiao Li, uma delas registrando o encontro dos autores que resultou na graphic novel. Um processo semelhante ao segundo volume do clássico Maus de Art Spiegelman, quando o volume um da obra recebia grande recepção crítica e tal fato foi registrado na trama.

Cientes de que quanto mais se aproximam do presente mais difícil fica uma análise dos fatos, a terceira parte desenvolve um mergulho maior na personagem, evitando a abordagem da vida chinesa em alguns capítulos. Um dos momentos mais significativos e controversos da China, o protesto da Praça da Paz Celestial (Tian’anmen) em 1989 é evitado. O protesto contra o PC Chinês foi suprimido pelo governo pela força, causando grande número de baixas civis. Como o narrador estava distante dos fatos, preferiu se abster de qualquer comentário como se, nessa parte, deixasse o julgamento para o leitor. Se muitas obras falham pela parcialidade, Ôtié e Kunwu encontraram uma boa saída ao explicitar a dificuldade objetiva de analisar o momento. Como o Partido Comunista Chinês ganhava poucas críticas explícitas da população, é coerente a timidez em abordar um momento difícil no país.

Ao mesmo tempo, ao evitar mostrar tal fato, a obra demonstra como há diversas Chinas dentro de uma, com parte de seus cidadãos descontentes com a abertura econômica e outros grupos, distantes dos centros, vivendo em harmonia, focado nas próprias vidas sem grande envolvimento político. Evidente que a ausência do tema pode causar discussão mas, tratando-se de uma biografia, a saída encontrada foi honesta.

Enquanto a personagem central amadurece, termina seu casamento e obtém maior sucesso como desenhista a frente do periódico chinês, observamos uma China dividida entre a ideologia comunista e a inserção do capitalismo como um meio para preservar o socialismo. Embora não explicite nenhuma contradição nesse discurso, a trama apresenta cenas de contraste, demonstrando como a inserção do capital privado modificou parte do pensamento chinês, com grupos tentando concentrar se em grandes cidades – mesmo com os censos que evitavam o êxodo rural – e realizando ações desproporcionais que, mesmo tutelados pelo estado, traziam benefícios próprios aos envolvidos. Uma reflexão que nos faz imaginar que independente do sistema político, a corrupção é possível (a corrupção já havia sido denunciada no volume anterior, em cenas com soldados do Partido Comunista).

Outro exemplo da abordagem econômica da China, é vista pela personagem de Lili. Apresentada em um dos capítulos e dividida entre os benefícios do estado e a possibilidade de subir na vida ao investir no capital privado. Uma boa inserção na trama para explicar as tensões da época. Como a história registrada aborda um longo período de tempo, é perceptível que a população jovem desconhece parte da própria trajetória do país, sendo que somente os mais velhos mencionam sobre o período em que Tse-Tung governou, sem nenhuma abertura econômica. Demonstrando como, mesmo que se procure uma sequência natural da trajetória chinesa, o país é dividido por momentos conflitantes entre si.

A narrativa de Uma Vida Chinesa termina em 2010, no ano novo chinês. Na época, Xiao já havia ido para o exterior, exibido seus desenhos na França e a graphic novel estava em desenvolvimento. Em uma das reflexões finais, o autor-personagem analisa a trajetória da China e a análise da própria vida diante da autobiografia em quadrinhos. A obra consegue realizar um eficiente registro histórico a partir de um homem comum, um chinês simples que reconhece erros e acertos de seu povo, mantendo sempre o patriotismo em alta diante de um pais que, independente de tais fatos, é seu lar.

Compre: Uma Vida Chinesa – III. O Tempo do Dinheiro.

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Resenha | Tio Patinhas e Pato Donald: “O Filho do Sol” – Biblioteca Don Rosa

9 de março de 2018 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Don Rosa, Editora Abril Jovem, Pato Donald, Quadrinhos Disney, Tio Patinhas

Quadrinhos Disney costumam ser vistos pelo grande público como uma forma de escapismo simples e divertida, sem grandes nuances e, por vezes, até meio ingênua. Vez ou outra surge algum grande artista que resolve colocar um pouco mais de esforço em suas histórias e se dedica a trazer algo além do mero escapismo. Foi o caso de Carl Barks, nos anos de 1940 em diante, que criou grande parte do que conhecemos hoje nas histórias do Pato Donald e marcou gerações de leitores. Seguindo sua linha de narrativa e explorando os personagens desenvolvidos por Barks, nos anos de 1980 desponta aquele que seria aclamado pelo público como seu “sucessor espiritual” nas revistas dos patos. Keno Don Rosa era fã de quadrinhos desde criança, e afirmava ter se preparado a vida inteira para escrever uma única história do Tio Patinhas. Em julho de 1987 essa história foi publicada, e claramente não foi a única: muitas vieram depois e Rosa consagrou-se como um dos grandes artistas Disney!

Em outubro de 2017 a Editora Abril publicou pela primeira vez no Brasil o primeiro volume da série que se propõe a compilar cronologicamente todas as histórias Disney em que Don Rosa trabalhou. Tio Patinhas e Pato Donald: “O Filho do Sol” – Biblioteca Don Rosa é um álbum luxuoso não só para os padrões de quadrinhos Disney publicados mensalmente no país, mas para o mercado de graphic novels como um todo. O livro apresenta histórias de julho de 1987 a agosto de 1988, com notas do autor e a primeira parte de sua autobiografia. A primeira história é a que dá nome ao volume (O Filho do Sol), e é uma releitura de uma hq que Rosa tinha produzido para um fanzine em sua juventude. A história traz tudo que uma aventura dos patos deve ter: ação, aventura, comédia, uma civilização perdida, tesouros… E um vilão que, nas mãos de Don Rosa, ficou realmente assustador: Pão-Duro MacMônei, que não só usa suas artimanhas e trapaças para ludibriar a equipe do Tio Patinhas como claramente ameça assassiná-los em determinado momento. A cena em que o vilão aponta uma arma para seus rivais em um avião em pleno voo passa uma emoção ímpar aos leitores, e realmente tememos pelas vidas dos protagonistas emplumados.

Rosa segue à risca a cartilha de Barks, tratando os personagens não como patos verdadeiros, mas como uma representação da condição humana. Sua arte, muito detalhista e um tanto fora dos padrões Disney, dá o tom mais sério das histórias quando necessário. Em suas 200 e poucas páginas, vemos o autor explorar várias nuances de histórias clássicas do Tio Patinhas e Pato Donald, tanto nas histórias longas, nas curtas e nas piadas de duas páginas. Elementos clássicos como o carro 313, os Escoteiros Mirins, o vizinho rabugento Silva e o primo sortudo e presunçoso Gastão ganham o mais próximo de uma versão “definitiva” nas mãos talentosas do quadrinista. Embora esse primeiro volume ainda não apresente uma continuação direta de alguma história de Carl Barks, existem vários elementos do Homem dos Patos apresentados como homenagem, assim como a dedicatória que Don Rosa procurava esconder na maioria das suas histórias (D.U.C.K., sigla em inglês para “Dedicado ao Tio Carl, por Keno”). A preocupação com a continuidade das histórias, como num universo coeso cronologicamente, faz com que todas elas sejam ambientadas aproximadamente na década de 1950, o que se reflete nos hábitos e costumes dos personagens e na tecnologia que é por eles utilizadas – não há computadores ou celulares por perto!

O último trenó para Dawson é a mais tocante das histórias. Nela, vemos um pouco do passado do pato quaquilionário e sua juventude vibrante, que contrasta muito com a sua personalidade sovina adquirida na velhice. Essa história faz uma ponte com A Saga do Tio Patinhas, épico de Don Rosa que será republicada na coleção.

O álbum foi editado de forma muito parecida com a versão original, o que deve ter sido um árduo trabalho de negociação com o próprio Keno Don Rosa – que nunca estivera antes satisfeito com a forma que suas histórias eram publicadas. Todas as notas sobre todas as histórias, o prefácio e a biografia do autor foram escritas pelo próprio artista. O trabalho de tradução e letreiramento estão realmente muito bons, embora, por ser uma edição que se propõe definitiva, talvez algumas decisões editoriais como traduzir a moeda americana para “pataca” ou o sobrenome do velho tio para “MacPatinhas” ao invés de McPato (popularizado pela série de TV DuckTales) pudessem ter sido evitadas, como a Panini tem feito com personagens DC que tiveram nomes adaptados no passado. Mas esses são pequenos detalhes que, de forma alguma, alteram a grandiosidade da obra e a importância de sua publicação em terras brasileiras.

Compre: Tio Patinhas e Pato Donald: “O Filho do Sol”.

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Resenha | Penadinho: Vida

7 de março de 2018 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

graphic msp, mauricio de sousa, penadinho, sidney gusman

A iniciativa Graphic MSP idealizada pelo editor Sidney Gusman tem como proposta a releitura dos personagens de Maurício de Sousa, cada artista teria uma certa liberdade para tratar de determinados personagens, garantindo novos olhares e possibilidades de abordagem dos mesmos.

Nesta linha que foi lançado Penadinho – Vida, de Cristina Eiko e Paulo Crumbim. Os autores, que além de quadrinistas também trabalham com animação, se destacaram, principalmente, com o projeto Quadrinhos A2, no qual chegaram a ganhar um prêmio HQ Mix de “melhor publicação independente de autor”.

A obra retrata um dilema vivido pelo personagem principal Penadinho, que recebe a notícia que o seu amor Alminha irá reencarnar e, portanto, o romance vivido pelos dois chegará ao fim. Essa trama básica demonstra uma interessante alteração do princípio de “até que a morte os separe” para “até que a vida os separe”. Mas, passado essa questão bacana, há outras questões a serem observadas no quadrinho.

Em primeiro lugar se trata de uma trama bastante simples, uma aventura da Turma do Penadinho como outra qualquer. Para ficarmos em uma comparação dentro do mesmo projeto MSP, os irmãos Vitor e Lu Cafaggi ao produzirem Turma da Mônica – Laços também narram uma aventura simples da Turma da Mônica, porém, o fazem com personagens carismáticos em uma história emotiva e com um certo tom nostálgico, o que não pode ser dito sobre Penadinho.

A leitura deixa sempre a sensação de que falta algo, é tudo muito normal, ordinário. E, contribuindo com essa sensação, se destaca a personagem Alminha, que é fundamental para a trama, mas em momento algum consegue transparecer qualquer carisma, o que me levou a pensar em um dado momento se o Penadinho não merecia alguém melhor para passar a eternidade.

Mas, se a trama deixa um pouco a desejar, o mesmo não pode ser dito da arte, que é sensacional. As cores utilizadas e o próprio design de personagens é incrível, realmente digno de elogios, mostrando toda a capacidade e competência dos autores no aspecto arte sequencial. Percebe se uma fluidez no traço que agrada durante toda a leitura. Outro ponto interessante são as referências utilizadas pelos autores ao longo da narrativa, desde clássicos do cinema de terror, como também outras obras do Mauricio.

Bem, não se trata dos melhores lançamentos da minha Graphic MSP, mas também não se enquadra entre os piores. Muitas das vezes geramos muita expectativa em relação a um determinado produto e quando essa sensação não é correspondida acaba por gerar uma certa frustração. Enfim, devido aos autores esperava um pouco mais desse trabalho, o que de modo algum signifique dizer que não se deve ler o quadrinho, apenas que não vá com muita sede ao pote.

Compre: Penadinho – Vida.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

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Resenha | Guia Culinário do Falido

6 de março de 2018 by Bernardo Mazzei

Quadrinhos, Resenhas

balão editorial, Leo Finocchi, Quadrinhos Nacionais

Idealizado por Felipe 5Horas, Léo Finocchi, Fernanda Chiella, Samanta Flôor e Marília Bruno, e publicado pela Balão Editorial, o Guia Culinário do Falido é composto de divertidas narrativas sobre culinária. Assim como é dito na contracapa, cozinhar não é um ato dos mais populares, mas confesso que me senti retratado em vários momentos pelas histórias, principalmente no Yakimeshi Surpresa de Felipe 5Horas, afinal, cozinhar de cuecas é um ato que pode ser considerado extremamente terapêutico (mesmo que você não esteja sozinho em casa).

Todas as histórias (receitas) são narradas de forma bastante divertida e em alguns momentos afiados de humor. Os traços dos artistas ajudam a imprimir agilidade à narrativa e contribuem para que a leitura seja extremamente prazerosa. Confesso que aproveitei uma aventura culinária minha para poder ler o quadrinho e quase acabei fazendo como a primeira história narrada por Finocchi. Ah, a receita do bolo de caneca me salvou recentemente.

Composto de histórias e receitas deliciosas, esse Guia Culinário do Falido é uma leitura divertidíssima para aqueles momentos em que você se sente uma espécie de chef de cozinha e resolve se aventurar pelo misterioso e saboroso mundo da culinária do improviso.

Compre: Guia Culinário do Falido.

Resenha | As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol. 1

2 de março de 2018 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

futebol, mauricio de sousa, Panini, Pelé, Pelezinho, Quadrinhos Nacionais

Em agosto de 2012 a editora Panini lançou As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol. 1, seguindo o mesmo formato de livros em que publicou as primeiras historinhas da Turma da Mônica quatro anos antes. No mesmo mês, as bancas brasileiras veriam a revista As Melhores Histórias do Pelezinho, republicando mensalmente conteúdo publicado 40 anos antes pela Editora Abril. A proximidade com a Copa do Mundo de 2014, sediada no Brasil, pode ter sido o motivo para que Pelezinho – a adaptação para os quadrinhos do mais famoso jogador de futebol do mundo – voltasse dos anos 70 em pleno século 21!

Mas antes de falar sobre a edição em si, vamos tirar o elefante da sala de estar: muito conteúdo desse material seria impensável nos dias de hoje, por conter elementos hoje considerados politicamente incorretos e estereótipos racistas e sexistas. Não que as histórias sejam preconceituosas em si, mas tanto a representação do personagem principal quanto dos seus amigos coadjuvantes negros, estão hoje bastante datados e podem soar até mesmo ofensivos. Logo na primeira página de quadrinhos vemos a expressão “a conversa ainda não chegou na cozinha”. Em outras tirinhas, piadas com os lábios de personagens negros, com meninas que não entendem de futebol, crianças falando palavrões, pessoas armadas, e gags baseadas em características físicas dos personagens (baixinho, gordo, etc.). A própria representação do rosto do personagem Pelezinho – sem nariz e com um círculo ao redor da boca para representar lábios grossos – foi abolida pela Mauricio de Sousa Produções a partir de dezembro de 2013, quando essas características foram redesenhadas nas republicações. Mas é importante lembrar que essas tirinhas são produtos de uma época e, mesmo apresentando tais estereótipos, foi significativo por ter em bancas durante muito tempo histórias em quadrinhos com um protagonista negro (ainda que Pelezinho e sua turma não interagissem com os personagens de Mauricio do Bairro do Limoeiro). Ressalte-se que, ao fim da edição existe um trabalho de contextualização. Dito isso, sigamos para a análise das histórias.

Pelezinho é retratado como um garoto de sete anos que ama futebol e tem um chute muito potente. É interessante notar o quanto o tema futebol é abrangente o suficiente para se fazer diversas tirinhas humorísticas sem se tornar algo cansativo. Mesmo com a repetição de situações (recurso comum no humor), cada tirinha tem seu jeito peculiar, sua graça, sua beleza e leveza. Pelezinho comemora seus gols (e de outros jogadores, quando ouve a narração em um radinho de pilha colado ao ouvido) com seu famoso pulinho socando o ar. Esse simples gesto gera várias piadas, nas quais o pulo alça cada vez maiores alturas, ou o “soquinho” no ar acerta algo inadivertidamente. O mesmo vale para seus poderosos chutes, que quebram não apenas vidraças, mas muros, paredes, e derrubam até aviões! O chute do Pelé (como ele é chamado nas primeiras tiras, com o tempo mudando para o diminutivo) rivaliza em potência com uma coelhada da Mônica!

O elenco coadjuvante vai, aos poucos, demonstrando suas características e, lá pelo meio do volume, já sabemos o que esperar de cada um. Frangão, um garoto mais alto e magro que o resto da turma, é o goleiro que nunca consegue segurar uma bola chutada por Pelezinho, e vez por outra é também o árbitro das partidas. Cana Braba é o garoto rústico e um tanto lento para entender as coisas ao seu redor, que fala muito palavrão e leva tudo ao pé da letra. A voluptuosa Bonga é uma garota com corpo um tanto desenvolvido para a sua idade, que chama a atenção dos meninos do bairro com sua aparência sem perceber. Rex é o cachorro semi-antropomórfico e um dos poucos personagens cujas histórias se permitem fugir do tema futebol (geralmente caindo no cliché do cão que foge da carrocinha).

As tirinhas não apresentam data de publicação, mas é possível perceber a evolução do traço dos personagens, que começam com as famosas bochechas “pontudas” e passam a ter traços mais arredondados ao fim do volume. É possível perceber, perto do fim, a contribuição de diferentes desenhistas – principalmente nas tirinhas que apresentam personagens mais “fofinhos” e com tomadas de cena em ângulos diferentes, típicos do final dos anos 70. Infelizmente, à época da publicação, a MSP não creditava seus artistas em cada história como tem sido feito hoje em dia nas revistas mensais. O prefácio é escrito pelo próprio Pelé, e conta como foi se tornar um personagem de quadrinhos na época. Além disso, há notas explicativas ao fim do volume (poucas, mas necessárias).

As Tiras Clássicas do Pelezinho é um ótimo material, mas pode precisar de alguma contextualização, principalmente para os leitores mais jovens. Afinal, existem gírias e expressões de sua época, bem como termos e jargões do futebol – e da “pelada” de rua – que podem soar estranhas hoje em dia. Os diálogos foram reeditados para as normas atuais da língua portuguesa, e o trabalho de diagramação não deixa nada a desejar. O álbum tem potencial para agradar fãs de quadrinhos e de futebol de todas as idades!

Compre: As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol. 1.

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Resenha | Homem de Ferro Comanda a Força-Tarefa

28 de fevereiro de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Abnett, Editora Abril Jovem, Homem de Ferro

Um dos fatores mais interessantes nas histórias em quadrinhos das duas grandes editoras americanas, Marvel e DC Comics, é que não há nenhuma estabilidade constante para seus personagens. O conflito é parte primordial das tramas, motivo que justifica mortes, renascimentos e outras ações costumeiras ao universo de super-heróis. O tempo se torna responsável por registrar quais mudanças foram bem realizadas, bem como quais ideias se tornaram presentes em outras histórias e quais foram esquecidas.

Em 1994, a equipe dos Vingadores, mais uma vez, encontrava-se em crise. Após a dissolução do grupo, Homem de Ferro reúne uma nova equipe. Criado por Dan Abnett e Andy Lanning, a Força-Tarefa é a nova equipe de Tony Stark. Porém, basta observar que a série mensal durou apenas 22 números para concluir que o novo grupo não vingou (perdão pelo trocadilho).

Na trama inicial, publicada no país na trimestral Grandes Heróis Marvel da Editora Abril, em março de 1997, o grupo recém formado por Feticeira Escarlate, Magnum, Mulher-Aranha e Agente Americano tem de lidar com uma invasão Kree. Em apenas três edições, os roteiristas provocam um excesso de informação.

Parte dos vilões da trama foram criados especialmente para essa história. Dessa forma, há muita novidade na leitura sem nenhuma base narrativa coerente. Mesmo que consideremos que a dissolução dos Vingadores possibilitaria o surgimento de novos vilões, não há equilíbrio na história pela presença exagerada de novos personagens aliados a vilões antigos. Além do excesso, os novos personagens são semelhantes a outros vistos como, por exemplo, o Registrador, um observador Kree que age de maneira idêntica ao Vigia, um personagem cósmico que sempre surge em ameaças iminentes.

O lançamento de uma nova revista sempre necessita de atenção especial. O primeiro número tem potencial para se tornar uma boa novidade. Porém, o que se lê nesta história é uma narrativa que exagera nos vilões e na ação para mascarar a falta de sustentação do roteiro. Aliado a personagens pouco conhecidos do público, salvo exceção de Stark e a Feiticeira, falta harmonia e carisma para esse início.

Lembrado somente em uma história da saga Guerra Civil, a Força-Tarefa foi uma das tentativas da Marvel em promover mudanças breves em seus personagens, dentro do citado ciclo de instabilidade e conflitos constantes para os super-heróis. Nesse caso, falhou, figurando como um exemplo quase esquecido do público.

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Resenha | X-Factor: Dentes-de-Sabre Livre Para Matar!

26 de fevereiro de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Abril Jovem, X-Men

Lançado pela Editora Abril entre 1983 a 1999, a revista Grandes Heróis Marvel foi uma publicação trimestral sem um mix fixo. Conforme se desejava explorar sagas específicas ou trazer um novo material além dos títulos mais conhecidos, bem como adiantar a cronologia de alguma publicação atrasada, a editora utilizava essa revista para o lançamento. Embora tenha lançado boas sagas como Vingadores: A Busca Pelo Visão ou Arma X, não havia nenhum critério aparente para que uma história figurasse da revista.

A edição nº 64 se dedica ao grupo X-Factor, na época, vivendo sua segunda formação quando respondia diretamente ao governo. Publicada sempre em X-Men ou Wolverine, a editora concentrou quatro números da revista utilizando o vilão Dentes-de-Sabre como um chamariz para atrair o público. Na trama, o X-Factor acaba de se tornar clandestino e simular sua própria queda. Em um momento não revelado pela revista, Dentes-de-Sabre foi recrutado pela equipe, subjugado a obedecer devido a um colar inibidor de poderes. Até que, como informado na capa, o grupo perde o controle do vilão.

Observando a edição com distanciamento de quase 20 anos, é evidente que o X-Factor da Marvel situava-se de maneira semelhante ao Esquadrão Suicida da DC Comics. Parte da trama discute brevemente a representatividade dos humanos, mas o enfoque é a ação e a ideia de um grupo marginal realizando missões difíceis.

Como a edição compila quatro números do original e faz parte de uma trama maior, é necessário pressupor alguns acontecimentos. Nas duas primeiras edições focadas na fuga de Dentes-de-Sabre há maior divertimento devido ao cool da personagem, composta pela violência quase descerebrada. Os dois números que encerram e edição focam na busca pelo personagem em tramas paralelas: trazendo à tona uma nova a Irmandade dos Mutantes, comandada por Destrutor, antigo líder da X-Factor; e acompanhando Mística tentando se vingar do ataque do vilão.

Os traços de Jeff Matsuda são um dos exemplos que definem a época do lançamento da edição. Época em que a HQ não havia sido invadida por traços mais realistas. Em alguns quadros, as personagens chegam a beirar a caricatura, principalmente pelo uso exagerado de músculos. Assim como o padrão dos traços foi modificado, a narrativa também cresceu. Se hoje os próprios personagens narram a maioria das tramas, aqui ela segue de maneira mais tradicional, com um narrador externo.

Há alguns momentos em que algumas cenas são desenvolvidas com extrema rapidez. Porém, considerando a época e a edição em formatinho, beira a dúvida se a trama foi composta dessa maneira ou enxugada pela Abril. Mesmo que a história seja apenas um breve divertimento, é um interessante exercício a leitura de edições antigas sem nenhum destaque ou grande saga. Aos leitores de quadrinhos, qualquer edição traz certo divertimento e, além disso, é uma demonstração prática de como a narrativa se modifica com o tempo, bem como revela a época de sua composição.

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Resenha | Universo DC Renascimento: Aquaman – Volume 1

23 de fevereiro de 2018 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Aquaman, Dan Abnett, DC Comics, DC Renascimento, Panini, Rebirth

Após o conturbado reboot do Universo DC batizado de Novos 52, a editora das lendas iniciou uma nova empreitada para corrigir desvios que ocorreram no meio do caminho e trazer de volta o clima heroico das histórias de seus personagens. Assim surgiu a linha Universo DC: Renascimento (cuja análise dos primeiros números você pode ler aqui e aqui), trazendo novos ares para os principais personagens da casa sem, contudo, reiniciar tudo novamente. Novas séries mensais foram lançadas para trazer de volta os leitores que se afastaram nos cinco anos de Novos 52. Aqui no Brasil, a editora Panini concentrou suas publicações mensais nos títulos do Batman e do Superman (cada um tendo, agora, dois títulos mensais com a metade do conteúdo das revistas anteriores), enquanto outros personagens tiveram suas histórias lançadas em encadernados contendo o correspondente a seis ou sete edições americanas. É o caso de Aquaman: Volume 01, que traz a primeira parte do arco O afogamento, de Dan Abnett.

Aquaman – ou Arthur Curry – é retratado como rei de Atlântida nesse arco, onde vemos ressaltado o seu lado outsider em todos os sentidos: os seres da superfície o temem, os atlantes nutrem certa desconfiança e seus colegas da Liga da Justiça não lhe dão o devido valor (“E nem mesmo os peixes falam com ele”, diria o narrador da primeira história). Apesar disso, tenta exercer seu poder monárquico de forma diplomática ao estreitar os laços com o governo dos Estados Unidos, fundando uma embaixada atlante em solo americano. Claro que a desconfiança do governo norte-americano com as intenções do soberano dos mares (unida a um atentado terrorista na embaixada) não iria deixar que a diplomacia de Curry durasse muito tempo. Aquaman se vê em meio a um incidente diplomático de proporções épicas, que pode levar a uma terrível guerra.

Abnett não foge das questões políticas na história, inclusive retratando o governo americano de forma bastante cínica e prepotente. As histórias anteriores ao Renascimento ainda valem, mas é possível entender a edição sem ter lido a fase anterior – afinal, é feita para ser um novo ponto de início para novos leitores. Toda informação relevante sobre os últimos cinco anos de cronologia é didaticamente explicado, seja em diálogos (como a “catástrofe de 2013”, da saga O trono de Atlântida) ou em flashbacks (como a questão da rivalidade entre Aquaman e Arraia Negra). O relacionamento de Arthur e Mera é um dos pontos fortes do arco: ambos se vêem como iguais, se amam, e ainda assim mantém diferenças políticas na forma de resolver os conflitos.

Claro que uma ou outra piada de peixe surge aqui e ali, mas no momento certo, sem exageros e, principalmente, sem desmerecer o protagonista. Aquaman é um verdadeiro herói, páreo até mesmo para o Superman (que faz uma ponta necessária no enredo) e sua obstinação em unir seus dois mundos é o mote da hq. A edição da Panini segue os moldes da reedição encadernada americana, e contém apenas a primeira parte do arco – que continua no volume 02. A história tem envergadura o suficiente para segurar um possível título mensal do herói, caso sua popularidade cresça no país com o lançamento de seu filme solo no fim do ano. Enquanto isso, podemos esperar por mais encadernados de periodicidade eventual como esse, que faz justiça ao super-herói mais ridicularizado pelos bazingueiros nos últimos tempos (e pela própria Warner, com as recorrentes piadas em The Big Bang Theory).

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