Resenhas – Página: 36 – Vortex Cultural

Resenha | Se a Vida Fosse Como a Internet

9 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Humor, independente, internet, tiras, Tirinhas

Se a Vida Fosse Como a Internet é uma HQ de autoria de Pablo Carranza, publicada pelo selo Beleléu, de quadrinhos independentes do Rio de Janeiro, em Julho de 2012, sob licença de Creative Commons (que por si só, já é uma atitude louvável). Ela usa metáforas e analogias, como seu próprio titulo sugere, para fazer graça e refletir sobre esse “novo mundo” digital, e como ele afeta nossas vidas.

Se a Vida Fosse Como a Internet é um álbum de tiras e algumas histórias curtas, que usa situações do nosso cotidiano – cada vez mais mixado entre o mundo real e o virtual – para extrapolar situações da vida real, e qual seria o resultado disso se agíssemos como na Internet. Tudo levado com um humor escrachado, e usando de absurdos, que nos levam a situações impensáveis e engraçadíssimas, como o submundo dos arquivos excluídos, em que um cara, querendo de volta uma foto de sua ex-namorada pelada, adentra a lixeira do seu computador, e é claro que por lá ele encontrará figuras de todos os tipos, em situações bizarras. Outro exemplo é a história em que Felix (um dos poucos personagens que tem um nome), vai para o Rehab internético, que além de criar o Facebook analógico para suprir seu vicio, entra em parafuso quando ouve a palavra Fax.

As situações usadas por Carranza, vai dos vícios com a internet, a falta de virgulas, os memes e piadas sem graça, quase todos os “hábitos” de internet são alvo de piada, e a cereja do bolo é uma dessas manias, que segue por todo o álbum e que culmina na história final, que são as citações fora de contexto e com autores trocados. Tanto a história final, quanto as citações me fizeram “rir litros kkkkkkkkkkk” sem deixar de pensar no que aquilo significa, e a crítica realizada.

O traço da HQ em tom descontraído, me faz arriscar a dizer que o artista tem grandes quadrinistas como referência, Robert Crumb por exemplo (nesse caso tanto na arte, como no tipo de humor). Além de uma influência das próprias tiras que fazem muito sucesso na internet, muito bem trabalhadas e bem executadas. A arte tem também muitos Easter Eggs, some a isso, o fato que vários dos personagens são “anônimos”, a obra então nos passa a impressão, é tanto parte, como fruto, daquilo que ela mesmo satiriza, que é o mundo digital. Outro aspecto que contribui para isso, é o trabalho gráfico de diagramação, feito por Stêvz, que usa as orelhas do livro como se fossem um menu iniciar do Windows. A primeira página tem uma “tela” de login e senha. E a fonte do prefácio é uma mono-espaçada típica de terminais ou MS-DOS. Entre outros exemplos.

Se a Vida Real Fosse Como a Internet é uma ótima HQ de humor adulto, realizada com o apoio do Programa Ação Cultural 2011, da Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo. Altamente recomendada, em todos os pontos que posso avaliar, arte, mensagem, humor. Está disponível para compra no site da Beleléu na versão impressa, autografada e com um poster. Ou a versão digital no site do Pablo Carranza via doação. Site este, também recomendado, com várias tiras relacionadas ou não, com a obra aqui citada.

Resenha | A Garagem Hermética

1 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Quadrinhos, Resenhas

Editora Nemo, Moebius, quadrinhos europeus

Uma das obras primas do quadrinista Moebius (Jean Giraud), falecido em 10 de março de 2012, A Garagem Hermética foi originalmente publicada na revista francesa Metal Hurlant entre 1976 e 1980 em episódios de duas a quatro páginas. Foi republicada no Brasil pela editora Nemo, com nova tradução e um belo trabalho editorial. Portanto, hora mais propícia para uma resenha de um dos maiores clássicos dos quadrinhos europeus provavelmente não haverá. Embarquemos, então, nessa viagem lisérgica de Moebius.

É uma tarefa árdua falar do plot de Garagem Hermética, tanto pela estrutura da história – com idas e vindas que saem do desconhecido e te levam para pontos que “desconhecido” não é o suficiente para definir – quanto porque, notadamente, talvez o último interesse do autor fosse realmente contar uma história quadrada, fechada, seguindo uma estrutura narrativa comum, com início, meio e fim. Ele próprio descreve um pouco do desenvolvimento da história de Garagem Hermética: “Todo mês eu tentaria recriar uma trama coerente, com os elementos já existentes na história. E então separaria tudo para me sentir inseguro novamente, e então no mês seguinte unir os pedaços pra começar tudo de novo”.

Com esse espírito de liberdade de desenhar e criar universos e deixar que o leitor os complete em sua própria experiência, Moebius continua a contar a história de Major Grubert – e digo “continua” pois era um personagem já existente em Major Fatal, e publicado pela primeira vez em A caçada ao francês de férias. Dessa vez, Major Grubert e seu antagonista, Lewis Carnelian, protagonizam uma trama transcendental, mística, em que adentram um planeta com diferentes níveis de realidade, cada vez mais complexos e distantes da nossa própria realidade, deixando o leitor sempre um passo atrás da compreensão de tudo aquilo que está acontecendo, mas ainda assim envolto e imerso naquele universo de nonsense, belas imagens e criatividade quase infinita.

Sobre a arte de Moebius: eu compararia sua arte e os planos que ele apresenta em Garagem Hermética ao Cinema Scope dos quadrinhos. Planos abertos, às vezes até ocupando uma página inteira, com detalhes suficientes para que o leitor dê uma pausa na leitura e na evolução da trama apenas para analisar cada trecho e minúcia desenhada. Observar e apreciar cada referência e inspiração que o quadrinista deixa ali em seu traço: por exemplo, uma cena em que Major e Lewis estão voando, o próprio autor cita como referência direta ao Homem de Ferro. Como se já não fosse o bastante, alguns dos ângulos de observação daqueles planos já seriam muito inovadores nos dias de hoje. Considerando então a época em que Garagem Hermética foi escrita e desenhada, podemos com certeza considerá-la um marco que viria a influenciar quase toda, se não toda, a produção de quadrinhos subsequente.

Fora que toda essa arte remete, é claro, ao nosso mundo real, mas ainda assim cria um universo próprio, com suas regras particulares, o que dá ainda mais liberdade e criatividade para suas criaturas, paisagens, construções, todas belíssimas e únicas. Os desenhos em preto e branco conferem ao leitor o uso da imaginação para que aquilo tudo se torne ainda mais vivo e real, sem perder, porém, um aspecto de sonho e imaginação que muitas obras em preto e branco sugerem.

A Garagem Hermética, mesmo que não agrade àqueles que preferem uma estrutura narrativa mais linear e fechada, com certeza vale por seu desenho.Em muitos momentos ele é a motivação para a continuidade na saga que, por suas idas e vindas, muitas vezes sem muito nexo e lógica, dá a impressão de que a história não sai do lugar, e que cairá para algo em que não há solução possível. Portanto um clássico como esse, quase uma experiência, é obrigatório para todos os fãs de histórias em quadrinhos, e também como uma introdução a esse mestre da nona arte, Moebius, junto com suas histórias iniciais do Major Grubert.

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Resenha | Os Passarinhos e Outros Bichos

26 de setembro de 2012 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

balão editorial, estevão ribeiro, tiras

Em 2009, o cartunista Estevão Ribeiro, enquanto aguardava pelo início de uma reunião, criou por acaso dois passarinhos em uma folha de papel. Com os personagens desenhados, o autor pensou que eles teriam potencial para boas histórias e, com o tempo, passou a publicar tiras com esses personagens em seu blog. O sucesso foi inevitável, e logo passou a publicá-las em formato impresso, na revista Mad.

Um ano depois, veio a proposta para publicar um livreto com suas tiras para a inauguração da Balão Editorial. Assim surgiu Hector e Afonso – Os Passarinhos. O livro foi um sucesso, esgotou, ganhou reimpressão com tiras inéditas e ainda foi indicado ao prêmio HQ-Mix de melhor publicação de tiras. Um ano depois, chegaria o segundo volume.

Os Passarinhos e Outros Bichos apresenta novos personagens do universo concebido por Estevão, não focando apenas nos protagonistas, Hector e Afonso. Além de contar com o retorno de Piu Gaiman, Paulo, o Coelho e outros, novos personagens são introduzidos, como Damião, um joão-de-barro pedreiro; Agatha Triste; Patrício, o pato pobre e muitas novidades.

Além disso tudo, o livro conta ainda com participações de grandes quadrinistas nacionais: Danilo Beyruth, Mario Cau, Lu e Vitor Cafaggi, Leo Finocchi são apenas alguns dos nomes que você encontrará neste segundo volume de Os Passarinhos.

O trabalho de Estevão é brincar com as mais diversas situações do comportamento humano, mesclando o ar ingênuo de Hector com o sarcasmo de Afonso. Estevão ainda encontra espaço para fazer homenagens constantes à cultura pop e a outros quadrinistas, tudo isso num traço leve e descontraído. Altamente recomendada.

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Resenha | Wolverine Noir

22 de setembro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

C.P. Smith, Marvel Comics, Marvel Noir, noir, Panini, Stuart Moore, Wolverine

Chegou às bancas mais um lançamento do selo Marvel Noir. Depois de Homem-Aranha, X-Men e Homem de Ferro, a editora Panini traz agora ao Brasil a reinterpretação sombria do mutante mais famoso e casca-grossa dos quadrinhos. Wolverine Noir tem roteiros de Stuart Moore e desenhos de C.P. Smith e, ainda que tenha seus problemas, traz uma aventura que parece ter se encaixado melhor do que seus antecessores na proposta da linha.

Enquanto os autores das citadas histórias concentraram-se em transpor os elementos de cada herói para a estética noir (entre acertos e equívocos), aqui temos uma trama verdadeiramente desse gênero, na qual a presença de Wolverine e de seus coadjuvantes parece mera coincidência. Para isso, o roteiro parte dos clichês mais monumentais do estilo: Jim Logan é um detetive particular, sentado na escuridão de seu escritório tendo pensamentos melancólicos sobre esta droga de mundo e querendo matar seu parceiro, o grandalhão simplório chamado Cão. Quase dá pra ouvir sua narração com uma trilha de jazz ao fundo e sentir o cheiro da fumaça. Eis então que surge a femme fatale Mariko Yashida, que vai arrastar Logan para um caso em que as coisas definitivamente não são o que parecem.

A partir daí, a história se divide entre duas linhas temporais. Enquanto o presente incorpora diversos elementos das passagens de Wolverine no Japão, temos flashbacks de alguns anos antes que são uma adaptação fiel e bastante interessante da minissérie Origem. James é mostrado como um tímido filho de um pastor cujo tema preferido para sermões é o conflito do homem com seus instintos bestiais. Quem conhece um mínimo de Wolverine já imagina o quanto isso afeta o caráter do jovem James, consumido por uma sede de violência que não compreende, além de desejos pouco puros pela bela ruiva Rose. Ele aprende a controlar seus impulsos com as lições do jardineiro Smitty, que o instrui na técnica e filosofia dos samurais. Mas a presença de Cão desencadeia uma tragédia.

A opção por contar duas histórias em uma tem um resultado ambíguo. O passado acaba engolindo o presente, torna-se mais interessante. Embora isso possibilite um bom desenvolvimento do personagem Logan e do conflito interno que o move (ou o impede de se mover na vida), a trama no presente se torna rápida e apressada demais no espaço que lhe é dedicado. Não há uma investigação aprofundada, um grande trabalho detetivesco. As coisas simplesmente acontecem e pronto, com direito inclusive a sub-aproveitamento do vilão Creed (pra quem não sabe, o Dentes de Sabre, arqui-inimigo do herói) e do inusitado plot de ninjas agindo na New York dos anos 1930.

Pode-se dizer que temos um conto noir no lugar de um romance, algo não necessariamente ruim, mas que poderia ter rendido mais. Vale ressaltar, porém, que a fidelidade à proposta é mantida com louvor: o tom é pessimista e profundamente amargo do início ao fim. Sobre a arte, houve uma certa inconstância. Alguns momentos são brilhantes dentro dos já citados clichês, ao trabalhar muito bem luz e sombra (ou sombra e sombra), focando apenas nas silhuetas. Mas em outros o artista apresenta um traço “sujo” burocrático, chegado a ser feio e com anatomias questionáveis. Reflexo talvez da variação do próprio roteiro. No saldo final, Wolverine Noir não é uma obra magnífica, mas tem qualidades que a fazem merecer ser lida.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Resenha | Habibi

21 de setembro de 2012 by Amilton Brandão

Quadrinhos, Resenhas

As Mil e uma Noites, blankets, craig thompson, retalhos

Habibi é o trabalho mais audacioso de Craig Thompson desde que ele começou a nos deleitar com Graphic Novels que são verdadeiras obras de arte.

Depois de seu último trabalho em 2004, Craig encarou uma jornada de 7 anos de pesquisas e experiências no mundo árabe para conceber Habibi e nos transbordar com muito conteúdo histórico, mítico, religioso, filosófico e sobretudo humano.

Acompanhamos aqui a história de dois escravos, Dodola e Zam, unidos por circunstâncias nada aprazíveis para ambos. Estes são os pilares da nossa viagem e servem de base para Craig explorar os variados temas aqui abordados. A história se passa nos tempos atuais, em uma cidade mítica de origem arábica, mas isso pouco importa, pois grande parte da obra tem um tom muito mais mágico e antigo, remetendo a sabedoria oriental e as práticas antigas que muitas vezes fará você se perguntar realmente em que época a história se encontra.

Uma das marcas em suas obras são as belíssimas metáforas casando perfeitamente o seu texto com os desenhos. E aqui a influência da cultura arábica se mescla sem igual, pois os intrincados mosaicos, caligrafia oriental e os belíssimos textos fluem em uma cadência de páginas e mais páginas muitas vezes deixando o leitor em transe com tamanha sensibilidade.

Sempre com uma relação bem comedida entre o racional e o intangível, como por exemplo, as diversas conexões entre a milenar matemática oriental e a sua simbologia dentro da cultura islâmica.

Outra particularidade interessantíssima de Habibi, a influência islâmica. Encontramos aqui muito do Corão e da “obra das histórias”, As Mil e uma Noites. Um dos grandes prazeres ao se ler Habibi é justamente esse, histórias dentro de histórias. Isso abre um leque de opções ao autor e o faz passear pelos variados temas aqui tratados, além de não seguir uma linha narrativa linear com os protagonistas, algo que já havíamos experienciado em Retalhos. Em tempos onde o extremismo sobre os árabes se destaca e apenas a visão reduzida e maniqueísta tem lugar, Craig volta às origens dos principais mitos dos três grandes livros (Torá, Bíblia e Corão) para mostrar a beleza poética ou narrativa de muitas de suas histórias.

A sexualidade está bastante presente na obra e se alguns críticos torceram o nariz para o fato das metáforas muitas vezes associando o desejo sexual a algo pecaminoso, vale notar que em outros momentos encontramos também a visão mais hedonista, simples e bela de como lidamos com a nossa sexualidade. Para quem leu Retalhos (obra autobiográfica), sabemos o quão complicado foi a questão do erotismo acoplados a sentimentos de culpa durante o crescimento de Craig.

O mais impressionante quando se lê Habibi é o modo como a consumimos. Os desenhos são muitas vezes absorvidos além de uma compreensão que possa ser colocada em palavras, ou mesmo dentro de um “contexto consciente”. Sua arte é inebriante, suas formas, linhas e “cores” parecem forjadas para serem impressas em nossas mentes e ao mesmo tempo tocar o nosso cerne. As imagens formam uma linguagem ininteligível, mas ao mesmo tempo completamente compreensível de alguma forma quase que metafísica. Os diversos momentos nos quais ele flerta com a caligrafia arábica e seu intrincado desenho, associando as palavras ao âmago dos sentimentos primordiais, à natureza e a nossa relação com ela. Sim, há espaço na obra para também se discutir como a nossa insaciável luxúria se alimenta do que o planeta pode nos entregar.

No fim, fica claro que as 672 páginas parecem pouco para a magnitude das histórias aqui contadas, para os sentimentos aqui sentidos e para os pensamentos aqui refletidos. Você com certeza revisitará as histórias de Dodola e Zam e notará os detalhes despercebidos em uma primeira leitura, ou mudar de opinião ao refletir mais sobre os muitos temas de Habibi. Afinal somos também mutáveis e parte da água que flui como as letras de uma bela caligrafia, das ondulações que acompanham o inspirar e expirar rítmico, do sexo e do amor que queima, e do poder das histórias que nos eleva da terra.

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Texto de autoria de Amilton Brandão.

Resenha | One-Piece

12 de setembro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas, Reviews, Séries

Animes, Eiichiro Oda, Frank, Mangás, One-Piece, robin, shonen

Em um mundo em que praticamente 90% dele é água, navios se tornam muito importantes, e onde a maior parte dos transportes é feita de navio, é claro que haveriam piratas, e é neste mundo que se passa One-Piece.

Mangá e Anime criado por Eichiro Oda, mangaká já premiado antes por Wanted, conta a história de Luffy, O Pirata de Chapéu de Palha, começando sua vida como pirata, sonhando ser o rei dos piratas. A motivação é bem simples, houve um homem que recebeu o titulo de “Rei dos Piratas”, chamado Gol D. Roger, quando finalmente capturado pela marinha, esta achando que isso poria um fim na era dos piratas, ele sorri embaixo da guilhotina e diz: “No final da Grand Line eu escondi o maior tesouro do mundo, o One-Piece, ele está lá e será de quem chegar primeiro”, e isso dá inicio a uma nova era de piratas.

O estilo da narrativa muda um pouco ao longo da história, começa um tanto quanto infantil e tende a evoluir para mais juvenil, e embora às vezes pareça que vai caminhar para um lado mais sombrio, acaba não indo muito.

Antes de falar de personagens é necessário falar das Akuma no Mi, as frutas do demônio. Frutas que ao serem comidas dão poderes específicos, porém o custo desses incríveis poderes é o fato de que você não pode ficar com água acima do joelho ou entrará em estado de choque. Alguns dizem que não é um poder muito útil para um pirata, mas tem gente que corre atrás desses poderes. Luffy foi um que comeu uma dessas, a Gomu Gomu no Mi, a fruta da borracha e se tornou um homem feito de borracha. Entre outros usuários de Akuma no Mi famosos temos Smoker, cujo nome é seu poder, um homem fumaça, “FireFist” Ace, homem fogo, e por aí vai. Não há limite para o que pode surgir, já apareceram poderes loucos e alguns comuns, a única coisa igual é a fraqueza a água e a “seastone”, que é uma pedra que desativa os poderes.

E agora podemos falar dos personagens, a tripulação do Chapéu-de-Palha são os personagens principais do mangá: Luffy, Zoro, Nami, Usopp, Sanji e outros que vão aparecendo ao longo da jornada são personagens simples e caricatos. Não são personagens “reais”, porém tem suas motivações bem trabalhadas, até porque geralmente cada adesão a tripulação é acompanhada de um arco ligado ao passado do membro e assim sua motivação para se juntar ao Luffy. Porém vale citar, durante muito tempo eu achei que Luffy ia ser um personagem que sofreria do efeito Goku, não importa quanto tempo passasse ele não teria evolução, seria sempre o mesmo psicologicamente. Felizmente isso não ocorreu, embora pareça que não houve mudança, nos últimos capítulos dá pra notar a diferença de suas ações e pensamento, embora não muito.

O traço é infantil, redondo e o que é comumente ligado a arte de Anime, mas não chega a incomodar e com o tempo ele melhora, nas ultimas edições do mangá ele tem saído limpo, sem rabiscos e com bastante detalhes.

Como disse antes, o tom da narrativa muda depois de certo tempo, mais precisamente depois do arco de Skypeia, no arco chamado Water Seven que tem uma das cenas mais emblemáticas do mangá/anime. Então se vai ver/ler recomendo que leia pelo menos até aí, embora até ai já seja bastante coisa.

One-Piece é uma história aclamada por fãs e crítica, situada há muito tempo no top 5 de vendas e audiência no Japão, tanto sucesso não vem por nada. Uma excelente história de aventura, não tenha medo de embarcar nessa (essa não podia faltar).

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Texto de autoria de André Kirano.

Resenha | Whiteout: Morte no Gelo

11 de setembro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Devir, greg rucka, Steve Lieber

Quando saiu o filme Whiteout (2009, Dominic Sena), traduzido aqui (e não menos problemático por isso) como Terror na Antártida, o filme me conquistou simplesmente pelo local onde se desenvolvia a premissa: a Antártida. Isso mesmo, você não leu errado, o filme se passa na Antártida. Eu nunca tinha visto nenhum filme policial se passar por lá e explorar tudo de inóspito que o ambiente em particular tem a oferecer.

Infelizmente, o roteiro do filme é falho, e a direção insegura aliada à atuação fraca dos atores contribuiu para que o filme fosse fraco. Felizmente acabei descobrindo tempo depois que o filme era baseado na Graphic Novel de Greg Rucka (história) e Steve Lieber (arte). Acabei conseguindo ler o material que saiu por aqui pela Devir sob o nome (menos problemático, mas ainda correto) de Morte no Gelo (tradução: Kleber de Souza), que me surpreendeu bastante. Vamos a ela.

Curta sinopse: vivendo na Antártida, na base americana de Amundsen-Scott, a agente americana Carrie Stetko começa a investigar uma série de assassinatos junto da agente inglesa Lily Sharpe.

O roteiro de Greg Rucka consegue ambientar e dar credibilidade ao seu enredo policial fora dos centros urbanos, tão comuns em enredos do gênero, e seu ponto forte é explorar toda a peculiaridade que existe na Antártida e que tanto atrapalha a protagonista, incluindo aí o “whiteout” que dá nome à obra (espécie de nevasca absurda provocada por ventos de mais de 300 km/h, que levanta o gelo acabando com qualquer tipo de visibilidade).

Outra grande sacada é a protagonista: Carrie Stekto não é uma agente comum, atormentada pelo seu passado e com as suas idiossincrasias que a tornam tão real quanto qualquer um de nós. Rucka também não teve medo de fazer sua heroína sofrer, e isto, em época de publicações como Guerra dos Tronos por aqui, é admirável.

Steve Lieber consegue retratar os interiores, principalmente das instalações militares, com boa composição de imagens: seu traço se torna mais descritivo, porém usando sempre as sombras a seu favor. Quando retrata os exteriores, a descrição dá um pouco de espaço ao contraste entre o céu e a neve. Já quando retrata exclusivamente o gelo, ele é livre, dando ênfase a tudo que não for branco, creio eu para dar a sensação de se estar perdido, de “falta de chão”. Seu ponto alto é a composição nos “whiteouts” e também durante as lutas, conseguindo dar personalidade a cada cena com seu traço.

Por fim, a sábia escolha do preto e branco em um ambiente como a Antártida retrata com competência toda a premissa da obra: como sair de um labirinto sem enxergar direito?

O único ponto negativo que eu destacaria é que a trama de inovadora tem pouco, principalmente em relação aos enredos policiais, chegando a ser previsível em alguns momentos. Mas nada que impeça uma boa apreciação aos amantes do gênero.

Louvável o esforço da Devir em trazer para o Brasil uma Graphic Novel de alta qualidade, tanto de impressão quanto de material artístico.

Vale a leitura? Sim, principalmente se você quiser fugir um pouco dos quadrinhos de super heróis e ler algo diferenciado e bem retratado em um ambiente natural que estamos tão pouco acostumados a ver em qualquer mídia, ainda menos nos quadrinhos.

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Texto de autoria de Pablo Grilo.

Resenha | Morte no Bronx (Vertigo Crime)

7 de setembro de 2012 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Peter Milligan, Vertigo

Criado em 2009 como extensão do selo com mesmo nome, Vertigo Crime é direcionado ao universo das histórias policiais de crimes e investigações. Publicadas em preto e branco, em histórias completas e fechadas, o selo reúne talentosos escritores e desenhistas, lhes dando maior possibilidade de produzir um enredo inédito sem amarras de cronologia.

O selo é uma evidente homenagem as histórias pulp americanas. Surgido em meados de 1930, o novo gênero da literatura policial conhecido como noir – negro, em francês – encontrou na América decadente de Tio Sam o espaço necessário para se desenvolver e se popularizar. Foi a época em que detetives famosos surgiram nas mãos de grandes escritores, entre eles Dashiel Hammett e Raymond Chandler, compostos de maneira diferentes daqueles vistos em história de enigma. Eram homens marginalizados, presos a moral por um fio cambiante que nunca deixavam os vícios de lado: bebida, cigarro ou mulheres.

A New Pop Editora coloca no mercado brasileiro duas dessas histórias, além de confirmar mais quatro – das treze existentes – para lançamento futuro. Escrito por Peter Milligan (“Alvo Humano” e “Greek Street”), presente na Vertigo desde sua criação, e desenhado por James Romberger (“Seven Miles a Second”), o escolhido para estrear o selo no país foi Morte no Bronx.

A trama gira em torno de gerações da família Keane, compostas por policiais e marcada pela morte de um deles e o desaparecimento de um membro da família. Decepcionando as gerações anteriores, Martin Keane é um escritor que vive em crise com seu trabalho, devido a má recepção de seu segundo romance. Quando sua esposa, Erin, desaparece, Martin desmorona e se volta ao passado descobrindo que os segredos da família podem ser responsáveis pelo desaparecimento de sua mulher.

Durante a leitura acompanhamos duas jornadas distintas. A investigação de Martin sobre seu passado e a reconstrução de sua força como escritor. Alternando entre a investigação própria e o romance que desenvolve a partir dela. O diferencial deste enredo é que a graphic novel é entrecortada por capítulos narrativos do livro que escreve. Promovendo um diálogo explícito com a própria narrativa policial.

A divisão entre prosa e quadrinhos é composta para criar a tensão necessária entre cada foco de visão, alternando-as em momentos chaves da história, conduzindo com talento o elemento oculto da história que se revela somente no final.

A edição brasileira tem bom acabamento e tamanho, remetendo-se também no elemento físico aos livros de bolso do gênero que, nos Estados Unidos, foram fonte de muitos autores policiais. Há raros erros que passaram pelo revisor e o preço é convidativo, sendo uma boa opção para quem gosta de quadrinhos, mas não acompanha séries mensais, e admira a literatura policial.

Além de Morte no Bronx, a editora lançou Cidade da Neblina, de Andersen Gabrych e Brad Rader.

Resenha | Death Note: Another Note – O Caso dos Assassinatos em Los Angeles

3 de agosto de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

death note, JBC, Ryohgo Narita

Um aspecto interessante da vertente virtual do atual mercado de entretenimento é a aproximação entre produtores e consumidores, sobretudo por meio das redes sociais. Os comentários lançado no Twitter de um autor de nosso agrado, por exemplo, tende a revelar traços desconhecidos de sua personalidade. Em especial, é interessante descobrir que, como nós, esses realizadores são também consumidores que admiram determinadas pessoas e se inspiram em determinadas obras. No mundo dos animes e mangás, é bastante comum que autores citem e comentem obras de terceiros, seja na mídia impressa, “oficialmente”, ou no meio digital, de modo mais pessoal.

O aclamado novelista Ryohgo Narita, autor dos sucessos Baccano! e Durarara!! é um exemplo apropriado, não apenas por comentar regularmente séries que acompanha, como Fate/Zero e Bleach, em seu Twitter (@ryohgo_narita), mas principalmente por ir um pouco além em sua apreciação, deixando de ser um mero consumidor para tornar-se criador. Em suma, Narita, além de idealizador de seus próprios títulos, é também um autor de fanfics (fan fiction, ficção de fãs), ou seja, alguém que escreve estórias se apropriando de outro universo ficcional, podendo ou não usar personagens já estabelecidos. Entretanto, por ser um autor de renome – embora a qualidade de seus contos, poucas vezes encontrada nesse tipo de escrito, não deva ser ignorada –, Narita consegue o que para a maioria dos fãs é um mero sonho: publicar oficialmente essas estórias. Suas light novels Toaru Jihanki no Fanfare, que se passa no amplo cenário da franquia To Aru Majutsu No Index, e Spirits Are Forever With You, uma side-story do sucesso mundial Bleach, receberam elogios, apoio e colaboração dos criadores originais, Kazuma Kamachi e Kubo Tite, respectivamente, e alcançaram o feito de serem canonizadas, ou seja, tornarem-se parte oficial desses universos. E este é apenas um entre inúmeros casos. O notório novelista Nisio Isin (NisiOisiN) foi igualmente feliz ao publicar, em 2006, Death Note – Another Note: O Caso dos Assassinatos em Los Angeles, intrigante história ambientada no realístico mundo de um dos mais populares mangás da década passada, Death Note, de Tsugumi Ohba e Takeshi Obata.

Narrado em forma de notas por Mihael Keehl, o Mello, um dos mais importantes personagens da por muitos odiada segunda fase da história original, o livro consiste num relato informal sobre um evento citado uma única vez pelos idealizadores de Death Note. Embasado na afirmação feita no segundo volume do mangá por Naomi Misora, agente reformada do FBI que protagoniza uma das mais interessantes passagens do roteiro de Ohba, que diz já ter trabalhado com o misterioso L, o maior detetive do mundo, anos antes do maníaco Kira começar a agir (informação aparentemente irrelevante, esquecida ou simplesmente relevado por muitos leitores), o autor criar um thriller policial nos moldes clássicos, desafiador e imprevisível, destrinchando o caso em que L e Misora trabalharam juntos para deter o metódico serial killer conhecido como Beyond Birthday, o Caso dos Assassinatos em Los Angeles.

A premissa, extraída de uma minúscula brecha deixada no material original, já demonstra a criatividade e habilidade textual de Nisio Isin, atestada a cada frase e parágrafo de (quase) todo o livro. Deixando de lado os ostensivos diálogos de muitas camadas, que perduram por páginas a fio e caracterizam seus maiores sucessos, com destaque para a série Monogatari (da qual já forma adaptados televisivamente os volumes de Bakemonogatari e Nisemonogatari, tendo Kizumonogatari sido anunciado como longa-metragem com previsão de estreia ainda para 2012), nesta obra temos um Isin bastante descritivo, que se certifica de expor em detalhes os cenários e ocorridos, soltando pistas para que, como em qualquer bom livro detetivesco, o leitor reúna em sua mente as peças do quebra-cabeça e, caso capaz, desvende-o antes do término das 173 páginas que compõem o romance.

Engenhoso nos assassinatos e cenas de crimes, o autor desenvolve um sagaz e obscuro jogo intelectual entre o assassino e os detetives, esporadicamente aliviado por pitadas de humor negro e sarcasmo do onisciente narrador, e diálogos afiadíssimos, quase embates verbais entre dupla, ou melhor, trio de personagens que preenche a narração. Deixando-nos cientes das regras e perto das respostas (mas nunca perto o bastante) o romance se mantém interessante até a conclusão. Mas, infelizmente, apenas até a conclusão do caso em si, sucedida por um verborrágico e desnecessário epílogo, que destoa por completo do restante deste belo suspense.

Embora não seja impecável, Death Note: Another Note – O Caso dos Assassinatos em Los Angeles é, em meio a tantas iniciativas infelizes que infestam os mundos do cinema e dos quadrinhos, um excelente prelúdio do mangá, recomendado a todos os seus fãs. Com um preço nada amigável (R$ 29,90), o livro foi lançado em nossas terras pela Editora JBC. E mesmo que a edição não faça valer o valor exibido na capa, o conteúdo certamente o faz.

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Texto de autoria de Alexandre “Noots” Oliveira.

Resenha | Scott Pilgrim Contra o Mundo

11 de julho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Bryan Lee O’Malley, Scott Pilgrim

Scott Pilgrim é um jovem roqueiro de Toronto, meio lesado, desempregado por opção e que mora com um amigo gay – os dois dormem na mesma cama, pois só têm uma. Sua rotina consiste em jogar video game, ensaiar com sua banda horrível, namorar uma colegial porque isso é simples (um namoro em que nem pegar na mão rola) e basicamente não fazer nada. Scott está satisfeito com sua preciosa vidinha. As coisas mudam quando ele se apaixona pela misteriosa americana Ramona Flowers: pra ficar com ela, Pilgrim terá que derrotar os sete membros da Liga dos Ex-Namorados do Mal de Ramona.

A maluquice acima é a sinopse de Scott Pilgrim Contra o Mundo, lançamento da editora Quadrinhos na Cia. para livrarias e comic shops. A edição reúne os dois primeiros volumes da série, de um total de seis. Trata-se de uma criação do cartunista canadense Bryan Lee O’Malley, e de obra independente e underground rapidamente se tornou cult, aclamada e premiada. E como não poderia deixar de ser, virou filme. Dirigido por Edgar Wright (de Todo Mundo Quase Morto e Chumbo Grosso) e estrelado pelo onipresente Michael Cera e a coisinha linda que papai do céu botou na terra, Mary Elizabeth Winstead.

Mas qual é a dessa hq, afinal? É até meio difícil descrever, pois é algo diferente de tudo. Uma coisa única. Acho que Scott Pilgrim, no fim das contas, é como as cebolas e os ogros: tem camadas. A primeira, mais visível, é uma comédia romântica. Engraçadinha, bonitinha… e completamente viciante, por conta do carisma dos personagens. O traço, aliás, causa um certo choque à primeira vista, por ser MUITO caricato, tosco até. Mas em pouco tempo você se acostuma e percebe que o autor consegue passar uma expressividade absurda com um desenho tão simples.

A segunda camada é a da diversão non sense. O clima de história realista é quebrado quando chega a hora da pancadaria: superpoderes, elementos de games (os inimigos são derrotados e deixam moedas e itens!), além de um humor insano e incompreensível as vezes… creio seja humor canadense, sei lá. Também há referências mil à cultura pop em geral (quadrinhos, games, música, cinema, etc.) e uma certa metalinguagem, quando alguém pergunta algo do passado e Scott diz “deixa isso pro próximo volume”.

E por fim, mais uma camada, essa nas entrelinhas: o retrato social de uma geração. Aí reside a genialidade de O’Malley, e é o que diferencia as OBRAS-PRIMAS do resto no mundo do entretenimento, a capacidade ser profundo e simples ao mesmo tempo. Scott e aqueles que o cercam estão na fase da vida que alguns chamam de pós-adolescência, vinte e tantos anos. Quando as pessoas estão começando a enfrentar as responsabilidades (e chatices) da vida adulta, com a síndrome de Peter Pan batendo forte. Medo do que vem pela frente, vontade de mandar um f*da-se pro mundo e só se divertir. Fala sério, quem não se identifica com isso? Nosso herói Scott atravessa essa jornada de crescimento e amadurecimento, seja psicológico, emocional, financeiro… HUMANO.

Por tudo isso, é uma obra recomendadíssima para todos, sem ressalvas. Esqueça qualquer preconceito e curta essa viagem. Quer você aproveite só uma, duas ou as três camadas, sem dúvida vai valer a pena.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Resenha | Mixtape

10 de julho de 2012 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

lu cafaggi

Confesso não saber como começar este texto, mas não poderia deixar de indicar este quadrinho independente. Pois bem, tentarei ser direto nesta resenha, assim como Mixtape é em sua leitura (apesar de possuir uma série de nuances).

Idealizado, escrito e desenhada por Lu Cafaggi, Mixtape possui algumas curiosidades, uma das mais interessantes é a forma de impressão e publicação escolhida pela autora. O design da hq remete diretamente ao formato de uma fita k7, criando um sentimento nostálgico imediato com quem chegou a utilizar essa mídia. O impresso é dividido em quatro livrinhos, no formato de 7×10 cm, onde todos se encaixam numa pequena caixa, representando assim uma fita k7.

Cada um dos quatro livrinhos narra uma história da relação de um personagem com a música. A sensibilidade de Cafaggi beira o lúdico, tamanha a delicadeza da autora em seu traço leve e suave, o mesmo pode-se dizer das cores, sugerindo um clima convidativo e saudosista, como uma boa balada dedilhada em um violão. O texto apesar de mínimo se mostra sutil e sem soar pretensioso, como alguns trabalhos independentes costumam ser.

Mixtape é pequeno apenas no tamanho, pois dentro dele possui um grande trabalho que se agiganta a cada página, seja por seu desenho delicado, suas cores suaves ou a sutileza de sua narrativa. Lu Cafaggi entrega uma trilha sonora pessoal de histórias aos seus leitores repletas de simplicidade e elegância, que tinha tudo para ter ares de pretensão, mas que na realidade soa realmente como fita k7 de canções escolhidas a dedo por você mesmo. Não deixem de prestigiar.

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Resenha | Sandman Apresenta – Os Caçadores de Sonhos

8 de julho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

hayao miyazaki, Joe Kubert, Mike Mignola, Neil Gaiman, Paul Pope, sandman

Não sei se foi você que veio a mim ou eu que fui até você. Nem se foi realidade ou se foi sonho, adormecido ou desperto. Estou perdido nas trevas de um coração abatido. Se foi sonho ou realidade, que decidamos nesta noite.”

Digo desde já que as chances de eu ser imparcial falando de Neil Gaiman são remotas. É com certeza um dos escritores que mais me influenciaram; admiro-o com todo o respeito e sempre fico empolgado quando vejo um livro ou quadrinho que foi roteirizado pelo mesmo. Não foi à toa que não demorei cinco minutos para comprar Sandman – Os Caçadores de Sonhos quando vi em uma livraria.

Primeiramente, esta obra foi lançada em formato de livro, em comemoração ao décimo aniversário de Sandman. À época, Gaiman transcrevia para o inglês os diálogos de filmes de Hayao Miyazaki, o que o fez estudar sobre mitologia japonesa. Foi da leitura do conto A Raposa, o Monge e o Mikado dos Sonhos que surgiu a inspiração para a adaptação da história para o mundo de Sandman, pois havia enxergado uma grande semelhança com o universo do seu personagem. Juntou-se ao artista Yoshitaka Amano e concluiu um trabalho que foi recebido de braços abertos por todos os fãs. Dez anos se passaram e P. Craig Russell resolve adaptar a obra literária de Gaiman para uma história em quadrinhos. Felizmente, o resultado deste trabalho grandioso se encontra em minhas mãos.

Os Caçadores de Sonhos conta a história de um Japão antigo em que criaturas mitológicas e lendas viviam entre os humanos. Certo dia, uma raposa apostou que faria um humilde monge perder a guarda de seu templo, porém acabou se apaixonando por ele. Um maldoso senhor, que dominava as artes de magia demoníaca, cobiçou a força interior do monge e a queria roubar para si a qualquer custo. O Rei dos Sonhos se vê em favor de um amor que nunca deveria ter acontecido.

Não é necessário dizer mais nada sobre a história. A sinopse acima é o suficiente para ilustrá-la na imaginação virgem de quem ainda não a leu e atiçar a curiosidade.

P. Craig Russell faz um trabalho grandiosíssimo adaptando com delicadeza para a linguagem dos quadrinhos uma história que já havia feito bastante sucesso. Consegue transpor em imagens todos os elementos e a atmosfera presentes nas histórias de Neil Gaiman. Se aproximando ainda mais do universo em que se passa o conto, o artista, juntamente com o colorista Lovern Kindzierski, mistura a beleza da arte asiática e técnicas da art nouveau europeia, para assim criar um padrão de proximidade da arte com aquilo que o leitor está lendo. Os traços de Russell, juntamente com as cores de Lovern, são simples, porém ricos em detalhes, sempre valorando os elementos importantes de cada quadro que se vislumbra.

Para aqueles que já conhecem as histórias de Sandman, este livro é uma obrigação, pois ainda podemos contar com ilustrações lindíssimas de vários artistas diferentes (como Mike Mignola, Yuko Shimizu, Paul Pope, Joe Kubert e do próprio Russell) nos extras do encadernado.

Falar mais sobre este lançamento apenas seria continuar insistindo no óbvio. Minha intenção inclusive não é dar spoilers, longe disso, pois estaria incorrendo em um erro gravíssimo para aqueles que leem as obras de Gaiman. Meu objetivo, porém, é incentivar a leitura e a experimentação (porque é assim que visualizo a leitura deste, como uma experiência) desta belíssima obra.

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Texto de autoria de Pedro Lobato.

Resenha | Deadman Wonderland

28 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Berserk, Mangás, One-Piece

10 anos após um grande, mas realmente grande, terremoto no Japão (e essa história foi criada antes do terremoto lá) o país está se reconstruído, e uma das medidas para isso é a construção de uma prisão: Deadman Wonderland.

Deadman Wonderland não é um mangá simples, criado por Jinsei Kataoka e Kazuma Kondou, que também escreveram o mangá de Eureka Seven. Ele conta a história de Ganta Igarashi, um jovem que vê todos seus amigos serem mortos por um homem vestido de vermelho que está voando pela janela, é culpado pelo assassinato e vai parar na prisão de Deadman Wonderland.

Deadman Wonderland não é uma prisão simples, ela foi feita para parecer um parque de diversão macabro onde os presos seriam a atração principal, todo dia teriam atrações, como corridas, lutas e outros, para satisfazer a vontade de sangue dos expectadores, que acham que tudo não passa de um show. Como o nome já diz, a prisão só tem presos sentenciados à morte, e para assegurar o bom estado lá dentro há algumas regras:

– No máximo a cada 3 dias um preso deve comer algo que eles chamam de “Doce”, um pequeno antídoto pra um veneno que é injetado via coleiras mecânicas, se não tomarem eles morrem.

– Ganhar a corrida, ou mesmo sobreviver, lhe dá créditos, que são quase um dinheiro dentro da prisão, com isso você pode comprar quase tudo, indicam que você também pode comprar sua liberdade por um preço muito alto.

A vida nessa prisão já não seria tão fácil assim, junte isso a descobrir que você tem um poder esquisito, você controla seu próprio sangue, no caso do Ganta ele atira balas de sangue. Com isso ele vira uma aberração e é maltratado. Mas ai é que o mangá começa, pois vamos para o setor secreto da prisão, aonde acontece o Carnival Corpse (eu não curto a tradução “Carnaval de Corpos”), a batalha dos reais Deadman, pessoas infectadas com o Ramo do Pecado (essa eu concordo, para Branch of Sin) que é a habilidade de controlar o sangue, só que em cada uma isso acontece de forma diferente.

Em termos de poderes uma coisa que eu gosto é que, embora não seja uma Sci-Fy, eles tentam explicar o que acontece e os efeitos dos poderes. O Ganta ao atirar muito fica anêmico por falta de sangue, uma faz uma luva de sangue que fica dura por causa do Carbono… E por ai vai, algumas explicações são um tanto quanto fantasiosas, mas dentro da lógica DELES faz sentido.

Os traços não incomodam nem são bagunçados, mas eu também não acho genial, existe mangás com traços melhores por ai (Blade of the Immortal que o diga) mas não atrapalha, não vi pessoas dizendo por ai que não leriam por não gostarem do traço, como já vi falando de One-Piece e Berserk. Mas deve se ressaltar, há imagens violentas, não são gore pesado, cheio de tripas como em Berserk, mas ainda assim tem umas cenas mais pesadas.

A trama acompanha Ganta aprendendo a usar o poder e tendo uma série de crises, embora seja o personagem principal eu não consigo realmente gostar dele, é muito cheio de mimimi e com muitas crises à toa, é como se fosse uma pessoa que gosta de sofrer por nada. Tudo bem, é um adolescente, mas ainda assim há certas horas que chega a ser irritante o drama que ele faz por nada. Mas após as crises, você vê o que há realmente por trás de Deadman Wonderland, o que tecnicamente originou o ramo do pecado, quem é o Wretched Egg (eu não sei se é Ovo Miserável que foi chamado na tradução) e outros grandes mistérios daquele mundo ali, incluindo o terremoto. Pois todos os que são infectados com o ramo do pecado tem uma historia significativa com o terremoto.

E quanto a personagens, embora o principal deixe a desejar temos uma gama de personagens muito melhores e divertidos, a começar por Shiro, que é uma garota louca que tecnicamente não se machuca e é simplesmente feliz. Senji que é o Cool Guy do mangá e cumpre MUITO bem esse papel, e até uma Drag chamada Masaru. Os personagens secundários valem mais a pena e são melhores do que o personagem principal, mas a escada que eles fazem para o Ganta acaba funcionando muito bem.

No final, Deadman Wonderland é um mangá de traço mediano, com uma excelente história que acaba surpreendendo, bons personagens secundários e uma excelente trama com mistérios e reviravoltas que não deixam a desejar. E um mangá sem coragem de tentar apostar na epicidade e conseguir algum lucro disso. Pra quem curte uma história um pouco mais sombria, vale à pena.

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Texto de autoria de André Kirano.

Resenha | Mundo Fantasma

14 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

gal editora

Mundo Fantasma, HQ de Daniel Clowes que ganhou uma tradução brasileira ano passado, não conta exatamente uma história, é mais um apanhado de narrativas curtas ambientadas no estranho mundo de Enid e Rebecca.

As duas são melhores amigas recém-formadas no ensino médio, irônicas e inteligentes elas navegam entre seu mundinho particular e um desinteresse geral por todo o resto. Ao longo das histórias, as duas tentam se ajustar com a nova condição de “adultas” e como consequência acabam se separando: Rebecca arranja um emprego em uma cafeteria e um namorado e Enid, depois de não conseguir entrar na faculdade, pega um ônibus para qualquer lugar, sem saber bem o que quer fazer, mas com a eterna sensação de não se encaixar.

Um dos elogios feitos frequentemente a Clowes é o como um homem de 30 anos consegue capturar com precisão o universo de duas meninas adolescentes e eu vi ali, em cada uma, mas principalmente na relação entre elas, muito da minha própria adolescência. Há uma concorrência sutil entre Enid e Becky (elas disputam principalmente a atenção de Josh, um amigo de quem ambas gostam sem admitir) que não nasce por competitividade e sim por insegurança. Além disso ele retrata muito bem o incômodo entre querer a atenção de garotos e ao mesmo tempo não querer ser a menina que se esforça para isso, ou acha-los idiotas e ainda assim querer que eles te achem interessante.

Talvez, independente do sexo, essas sejam as ambiguidades de qualquer adolescente e é isso que Clowes traz tão sensivelmente nas suas histórias e no seu traço. “Mundo Fantasma” é sobre os incomodos e as mudanças necessárias para se achar seu lugar no mundo e também sobre como as vezes encontrar esse lugar demora bem mais do que se esperava.

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Texto de autoria de Isadora Sinay.

Resenha | Assassin’s Creed: A Queda

12 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Assassin's Creed

Saiu há pouco tempo aqui nas bancas brasileiras Assassin’s Creed – A Queda eu naturalmente tenho um certo preconceito com qualquer quadrinho licenciado à algum jogo, mas AC – A Queda me surpreendeu, a trama foi muito bem construída em cima do universo do jogo.

A premissa é bem interessante. O viciado que está sob tratamento, Daniel Cross têm desde pequeno visões perturbadoras com cavalos, flechas, facas e muita, muita morte. Até então diagnosticado com esquizofrenia, Daniel recusa usar as medicações no que culmina numa quase tentativa de assassinato num bar, nessa ocasião ele conhece uma misteriosa jovem chamada Hannah, e então ele é apresentado à Ordem dos Assassinos.

As visões de Daniel são referentes ao seu antepassado, Nikolai Orelov, um grande assassino que viveu na época da Revolução Russa e ao entrar em combate direto com os templários descobre um artefato que pode mudar o rumo da história. Daniel encontra um proposito em sua vida após um turbilhão de visões: encontrar o Mentor da Ordem.

Você de alguma forma precisa estar familiarizado com o universo dos jogos, não posso te garantir, mas provavelmente se você não souber nada, ficará perdido. Por isso que essa hq, tanto como os livros lançados, têm que ser vistos como spin-offs da série, uma forma de aumentar o entendimento daquele universo.

Mas mesmo que você não esteja familiarizado com a história, a trama te envolve do início ao fim. Uma das principais causas disso é o recurso histórico tão usado nos jogos e histórias paralelas.

O que os roteiristas dos jogos costumam fazer é, pegar um momento de grande mudança na história da humanidade e explicar de uma forma que aquilo tenha ocorrido por causa das questões referentes ao universo do jogo. Por exemplo: No primeiro jogo foram as Cruzadas, no segundo uma trama envolvendo os Bórgia e agora no terceiro (que lança em Outubro) a Independência dos E.U.A.

Karl Kerschl e Cameron Stewart usaram essa mesma fórmula e dessa vez abordaram a Revolução Russa, momento histórico onde se passa o plot de Orelov. Outras referências históricas são explicadas nas páginas depois do fim da história, como o Projeto da Torre de Wardenclyffe, de Nikola Tesla, o evento de Tugunska, ocorrido em 1908 e a própria figura do Czar Alexandre III.

Como disse, todos esse personagens históricos, locais e eventos têm uma ligação direta com o universo abordado, e alguns detalhes que aparecem na história nos são explicados nas páginas finais da revista.

A história também conta com uma incrível reviravolta no final, enfim, Assassin’s Creed – A Queda vale a pena ser lido. O traço de Nadine Thomas é impecável, com direito a algumas concept arts nas páginas finais. E antes que esqueça, a revista ainda vêm com um código para liberar um DLC exclusiva de Assassin’s Creed Revelations para Xbox 360.

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Texto de autoria de Raphael Wisnesky.

Resenha | Astral Project: Sob a Luz da Lua

11 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Panini

O mercado brasileiro de mangás encontra-se há muito estagnado. Seja pelo pouco interesse das editoras em sair de sua rentável zona de conforto ou pela mudez do consumidor, é inegável que a situação atual pouco diverge de dez, onze, doze anos atrás, nos primórdios desse mercado. É triste constatar que, passado tanto tempo, ainda não se estabeleceu dialogo entre publico e corpo editorial. O colecionador vê-se preso a um segmentado catalogo de títulos, podendo pouco ou nada fazer para expandi-lo. Por essas e outras, é raro ver algo que fuja dos padrões do mercado chegar às bancas. Qualquer obra pouco conhecida ou de proposta atípica é uma aposta que, vez ou outra, as editoras dão-se ao luxo de fazer. Astral Project – Tsuki no Hikari, lançado pela editora Panini no primeiro semestre de 2011 com o título Astral Project: Sob a Luz da Lua, é uma dessas apostas sazonais. E, para deleite dos leitores ávidos por bons títulos, a aposta mostrou-se acertadíssima.

Um jovem que sobrevive em Tóquio prestando serviços para a Yakuza, atuando principalmente como motorista e segurança de prostitutas de luxo, repentinamente descobre que sua irmã foi encontrada morta no interior do Japão. De volta às origens, o protagonista, Masahiko, evitando contato com a família a qual odeia, apanha no quarto da falecida, como lembrança, um misterioso CD. Este disco, provavelmente o ultimo por ela apreciado, consiste numa coletânea de faixas de jazz. Ao ouvi-lo pela primeira vez, Masahiko é tragado para fora de seu corpo, e, através desse estranho fenômeno de projeção astral, uma nova e perturbadora realidade surge diante de seus olhos.

Suspeitando que sua irmã não tenha morrido, mas deixado o corpo por meio do obscuro CD e não retornado, o protagonista parte em busca da verdade. Adentrando mais e mais no meio underground da área urbana mais populosa do mundo, permeado por mentiras e enigmas, Masahiko descobre, ao longo dos quatro volumes em que narra sua jornada, que esse mistério está ligado a um projeto bélico de proporções inimagináveis, intitulado Astral Project. Porém, mais importantes que a conspiração global desenvolvida, é a introspecção por ela ocasionada, que leva o protagonista a redescobrir sua natureza.

A preparação de terreno para a agradável surpresa que é ler esse título começa já na capa, onde nomes que compõem uma dupla completamente desconhecida encontram-se registrados. O traço estilizado de Syuji Takeya, artista que tem no curriculum apenas essa obra, pode incomodar alguns; abusando do uso de sombras e feições obscuras, o ilustrador novato constrói habilmente o soturno cenário contemporâneo em que a trama se desenrola. No entanto, o instigante roteiro formulado por marginal, que prende o leitor da primeira a ultima página, é o grande trunfo de Astral Project. Tão surpreendente quanto as boas arte e história é descobrir que por trás do incomum pseudônimo do roteirista encontra-se Garon Tsuchiya, renomado autor de quadrinhos adultos responsável por Oldboy, que originou o cultuado filme homônimo do sul-coreano Park Chan-Wook, e venceu o Eisner Award na categoria “Melhor Edição Americana de Material Internacional” no ano de 2007.

O trabalho reflete a atração e inegável habilidade de Tsuchiya com histórias detetivescas, tal qual seu gosto musical – representado pelo genial e incógnito saxofonista Albert Ayler, o “espirito santo” do free jazz, figura de suma importância para o desenrolar dos fatos. Em uma trama intrincada, beirando o confuso em certos pontos, Astral Project: Sob a Luz da Lua é um suspense competente, que, embora deixe algumas dúvidas, revela-se, ao lado do arrebatador Homunculus, de Hideo Yamamoto, como uma das mais acuradas escolhas já feitas pela editora Panini em sua trajetória pelo mundo dos mangás.

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Texto de autoria de Alexandre “Noots” Oliveira.

Resenha | Reino dos Malditos

6 de junho de 2012 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

literatura fantástica, psicanálise

À primeira vista, Reino dos Malditos, escrita por Ian Edginton e desenhada por D’Israeli é uma história infantil comum, sem grandes novidades para apresentar. Como disse, à primeira vista…

A HQ conta a estória de Christopher Grahame, um renomado escritor de livros infantis, uma espécia de J. K. Rowling e Neil Gaiman, que é fenômeno no mundo editorial. Não demora muito para que os grandes estúdios de cinema procurem-no para adaptar suas obras. Contudo, Grahame passa a sofrer desmaios e dores de cabeças constantes, e em meio a esses desmaios, passa a sonhar com Castrovalva, o mundo que criou quando era uma criança solitária. Enquanto seu médico insiste que esses sonhos são frutos do estresse que o escritor tem vivido, Grahame por sua vez, passa a acreditar cada vez mais que esses sonhos são reais.

Ocorre que, Castrovalva já não é mais o mesmo mundo que Grahame deixou quando era uma criança doente e solitária, após seu abandono, o lugar foi tomado por um ditador e o que antes parecia saído de um cenário de uma fábula dos desenhos da Disney ou dos livros de C.S. Lewis, agora parece um misto das obras de Tim Burton e Guilhermo Del Toro. Toda Castrovalva se tornou um imenso campo de batalha, os seus poucos amigos de infância sofrem em uma guerra, da qual não têm condições reais de vitória.

A premissa por si só já denota um grande potencial, no entanto, o autor vai muito além disso, já que o principal tema abordado é o mal que reside dentro de todos nós. Essa dualidade que existe em cada um é exposta, de forma simplista, mas extremamente competente. Todos temos bondade e maldade guardados, mas escolhemos qual desejamos que venha à tona. Escolhas que fazemos cotidianamente, determinadas por conceitos morais, sociais, religiosos que nos guiam. Mas apenas nós mesmos sabemos o que guardamos em nosso íntimo.

O roteiro de Edginton é repleto de metáforas sobre o estudo da personalidade humana com elementos da psicanálise, além de inúmeras referências a literatura fantástica. A arte de D’Israeli é interessantíssima ao mesclar um traço bruto e psicodélico com muita violência, tudo isso com personagens que parecem ter saído de uma loja de ursinhos de pelúcia.

Ao terminar a leitura de Reino dos Malditos fica a sensação de que está estória não foi feita para qualquer pessoa, mas todas deveriam lê-la.

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Resenha | Mágico Vento

1 de junho de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Gianfranco Manfredi, Sergio Bonelli Editore, Western

Hoje irei inovar um pouco e falar sobre um quadrinho excelente, que poucos conhecem: Mágico Vento.

Trata-se de um fumetti, ou seja, HQ italiana. Alguns podem ter ouvido falar do Tex, também conhecido como “gibizinho preto e branco de faroeste do tempo do meu avô”. Publicado até hoje, e muito bom, aliás. Mágico Vento é da mesma linha, só que mais recente. A série começou na Itália nos anos 90 e a editora Mythos trouxe pro Brasil em 2002.

Mas de que trata essa série, afinal? Também é um faroeste, mas muito mais profundo, maduro, adulto e etc. O protagonista é Ned Ellis, soldado que foi ferido na explosão de um trem. Com uma farpa de metal cravada no cérebro, ele perde todas as memórias, mas ganha o dom de ter visões e premonições. Salvo da morte por um velho xamã índio, Ned recebe o nome de Mágico Vento e se torna aprendiz de feiticeiro (hehe) e membro da tribo Sioux. Seu amigo e parceiro de aventuras é Poe, um jornalista alcoólatra sósia de Edgar Alan Poe.

A partir daí, a série se desenvolve cada vez mais, e aborda muitos temas: cultura indígena, com costumes, lendas e tal; terror, com as criaturas mais bizarras enfrentando o herói. História, mostrando com realismo absurdo como foi o Velho Oeste americano, inclusive aparecendo personagens reais (General Custer, Touro Sentado e vários outros); política, com Ned envolvido com intrigas governamentais em tramas dignas dos melhores filmes de espionagem. Tudo isso com muita ação típica do Western, com tiroteios a rodo.

Um dos detalhes mais interessantes é que aos poucos vão sendo revelados detalhes do passado de Mágico Vento. O leitor descobre as coisas junto com o herói, uma fórmula que nunca falha. Cada edição tem uma história específica, que pode ser lida separadamente, mas há um plot central que vai aos poucos se desenhando. E é de explodir cabeças.

O criador e roteirista da série é o genial Gianfranco Manfredi. Na Itália ele é um famoso roteirista de cinema, TV, livros e claro, quadrinhos. Seus roteiros em Mágico Vento são embasados em muita pesquisa, o que garante uma verdadeira aula a cada edição. A equipe de desenhistas conta com vários artistas espetaculares, um dos melhores é o croata Goran Parlov. Alguns aí devem ter visto o trabalho dele em Justiceiro MAX, nas histórias com o Barracuda. O traço do cara ficou legal colorido, mas em P/B ele simplesmente HUMILHA.

Enfim, eu poderia escrever páginas e mais páginas sobre essa série fantástica, mas fica a dica. Se alguém tem preconceito contra faroeste, gibis preto e branco ou o que for, Mágico Vento merece o benefício da dúvida. Pode ser a porta para um mundo novo, um estilo bem diferente de HQ, que infelizmente é bem menos conhecido do que comics e mangás.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Resenha | Kick-Ass

17 de maio de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

john romita jr., Kick-Ass, Mark Millar

Super heróis no mundo real. Você já deve ter ouvido essa premissa um milhão de vezes. (Como seria se, visão realista, bla bla bla. Inclusive Watchmen, obra máxima do gênero, se baseia nisso)

Porém, ao contrário do que possa parecer, não é um tema esgotado, pois pode ser abordado por diferentes perspectivas. Que tal uma comédia escrachada de humor negro, cuja proposta é ESCROTIZAR os super heróis, e mais ainda, seus fãs? Prazer, Kick-Ass.

Publicada em 2008 pela Marvel Comics (sob o selo adulto Icon), a série em 8 edições conta a história de Dave Lizewski, um colegial de New York. Um garoto comum, vivendo uma vida comum, sem nada especial. Exceto por ele ser viciado em quadrinhos de heróis. Provando que essas coisas fazem mal às crianças (atenção, pais), um belo dia o maluco se pergunta por que ninguém nunca tentou ser um super-herói no mundo real. Tipo, com tantos gibis, filmes e tudo mais, como é possível que ninguém tenha pensado nisso? Seus amigos igualmente nerds acham que o cara que tentasse, teria sua bunda chutada. Mas Dave não concorda: faz um uniforme em segredo, arranja um par de bastões, se exercita um pouquinho e resolve partir pra ignorância.

Em sua primeira missão, nosso herói leva um cacete medonho de três delinqüentes, é esfaqueado, e atropelado por um carro. Por sorte consegue esconder o uniforme antes dos médicos chegarem, evitando a humilhação. Várias cirurgias, alguns pinos pelo corpo, uma placa de metal na cabeça e meses de fisioterapia e acompanhamento psicológico depois, o que ele faz: exatamente, tenta de novo. E consegue! Salva um cara de uns assaltantes, leva porrada mas também bate, e assim afugenta os marginais. Algum transeunte filma a ação com o celular, joga no YouTube e pronto, temos o novo fenômeno da Internet.

Como toda modinha, Dave (ou Kick-Ass) inspira uma legião de imitadores. A maioria simplesmente curte se fantasiar e se exibir pros miguxos (cosplay, alguém?), alguns inclusive partindo pra um lado mais, digamos, pervertido. Outros, porém, resolvem de fato combater o crime: o maconheiro Red Mist, e a dupla Big Daddy e Hit-Girl. Esses, porém, não estão pra brincadeira: atacam e matam mafiosos. A menina, aliás, é a melhor coisa da história. Imagine uma versão infantil da Noiva, de Kill Bill. Ou como dizem na hq, “John Rambo encontra Polly Pocket”.

A partir daí a história vai se superando em violência e humor MUITO politicamente incorreto. O escritor é o escocês insano e fanfarrão Mark Millar (de Guerra Civil e Os Supremos), e os desenhos são do amado e odiado John Romita Jr. Millar é um autor que abraçou com gosto a onda de filmes de super-heróis; vem se dedicando a projetos autorais cujos direitos pro cinema vendem antes mesmo de finalizar o roteiro dos quadrinhos. Foi assim com O Procurado e agora com Kick-Ass. Obra que gerou polêmica, muitos a acusando de ser gratuita, vazia e etc. Não que não seja, mas os detratores esquecem do fator DIVERSÃO. E Kick-Ass é isso, um produto assumidamente pop, comercial, que honestamente propõe e entrega diversão descerebrada. Millar brinca habilmente com os clichês do gênero, com as expectativas dos leitores, que obviamente se identificam com o protagonista. Você se empolga, torce, acha que Dave finalmente vai se dar bem, e… NOT! O autor joga na nossa cara o quanto somos losers, e que tudo não passa de uma grande sátira a esse universo.

A indicação fica pra quem tem mente aberta, sabe relaxar e curtir um blockbuster sem grandes pretensões ou conteúdo profundo.

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Texto de autoria de Jackson Good.

Resenha | Valente para Sempre

10 de março de 2012 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

vitor cafaggi

Valente Para Sempre me fez relembrar alguns sentimentos que só tive em minha adolescência e que hoje em dia sinto até falta. Ao ler a história de Vitor Cafaggi, me senti como em um mergulho nostálgico em minha juventude, relembrando paixões, amores não correspondidos, frustrações, alegria, inseguranças, amizades sinceras que mantenho até hoje, e aquele mar de sensações que você só tem aos 15 anos de idade (ou não).

Cafaggi é um autor independente que teve reconhecimento merecido após sua participação no MSP50, uma coletânea de 50 autores diferentes que retratam os personagens criados por Maurício de Sousa, cuja contribuição certamente consta entre as três melhores histórias do álbum. Em 2011, publicou Valente Para Sempre, quadrinho que conta a história de um cachorro sonhador, Valente, que se apaixona pela gatinha Dama em uma de suas viagens rotineiras de ônibus. Desse sentimento surge uma série de situações tragicômicas impossíveis de não se identificar.

Valente para Sempre traz uma história bastante comum e que todo mundo certamente já ouviu, ou, mais provavelmente, já sentiu na pele. No entanto, é essa simplicidade que torna a história surpreendentemente sensível e realista. A sensibilidade, que é um dos traços mais marcantes do autor em seus trabalhos, alia-se a uma narrativa leve, cheia de humor e extremamente intensa.

O traço de Cafaggi é todo expressão, conferindo uma dinâmica narrativa e carisma aos seus personagens. Sua escolha em antropomorfizar os personagens em animais é perfeita para a narrativa visual, possibilitando ao autor demonstrar sentimentos básicos de maneira singela, como quando Valente expressa sua tristeza andando com orelhas baixas, ou feliz, abanando o rabo. Escolhas simples que resolvem um problema de sequência narrativa em um único quadro.

Contudo, o ponto forte da obra é, sem dúvida, o roteiro. Cafaggi o desenvolve naturalmente, cheio de ótimos diálogos, bom humor e drama na pitada certa, transmitindo ao leitor uma avalanche de emoções. Difícil não se identificar com as frustrações, empolgações, inseguranças e decepções do protagonista. Tudo isso sem soar piegas em momento algum.

Valente Para Sempre conta a história de uma fase da vida de todos nós (desafio aos leitores a não pensarem em momento algum “isso já aconteceu comigo” em qualquer trecho do quadrinho), principalmente nós, homens. Uma história comum sobre sentimentos reais. Como é a vida, afinal.

Uma das melhores publicações de 2011.

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Resenha | Hunter X Hunter

13 de fevereiro de 2012 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas, Reviews, Séries

Animes, Mangás, shonen, Yoshihiro Togashi, Yu-Yu-Hakusho

“Animais monstruosos, espécies raras, riquezas enterradas, tesouros escondidos, a palavra “desconhecido” parece mágica, e alguns homens são atraídos por essa força.. Eles são chamados “Hunters””

Hunter x Hunter é um mangá e anime de Yoshihiro Togashi, mesmo criador de Yu-Yu-Hakusho. Hunters são profissionais capazes de grandes feitos, em qualquer área. Hunter em si não é uma profissão e sim um título. E é sobre como este título afeta pessoas que a história deste mangá começa.

Gon é um garoto que mora com sua tia, não possui nem mãe nem pai, e quer de qualquer maneira passar no “Exame Hunter” e ter o título de Hunter, titulo que seu pai “Gin” também tinha (Gin e Gon… ao menos a estória compensa esta falta de criatividade dos nomes). E temos o início da aventura, o primeiro arco da estória. É simples em todos os sentidos, o personagem principal é uma faz jus a todos os aspectos do termo criança: inocente, impetuoso e desconhece quase tudo que o cerca.

A motivação, para a estória continuar, é básica: a busca pelo título. Gon prova sua inocência já nas primeiras cenas, em que aparece com sua fiel vara de pescar (não, essa vara não é magica e não cresce), ao pegar o maior peixe que havia perto de sua vila e correr para casa com o peixe na mão sorrindo, pois havia sido a promessa de sua tia de se ele pegasse o peixe liberaria sua ida ao exame.

Seguindo de barco para o primeiro local designado ao exame, afinal ele mora em uma ilha, ele encontra mais vários outros candidatos ao exame. Durante o trajeto, uma tempestade atinge o navio e o comandante coloca todos para trabalhar, neste ponto ele encontra outros 2 que vão prestar o exame, Leorio e Kurapika (e este tira o prêmio que eu dei ao Pikachu de “o personagem de anime com nome mais dubio”) e cria um início de amizade com estes. E após o exame “começar” ele conhece Killua com quem se identifica logo de cara. Este quarteto é o “principal” da história. Também é neste arco que nós conhecemos nosso principal antagonista: Hisoka.

Com uma excelente de história em andamento, o primeiro arco apresenta os personagens e o mundo, o segundo apresenta os poderes deste mundo, já que uma história do mesmo criador de Yu-Yu-Hakusho não ficaria sem poderes espirituais, que são os Nens. Após este arco, todas as lutas e outros afins serão tidas pelo Nens das pessoas, que permite desde telecinésia a correntes-de-andrômeda melhoradas. Porém, ao contrário do trabalho anterior o poder em HxH é extremamente explicado criando uma verosimilhança extremamente forte.

O terceiro arco começa com o gancho do quarto: a busca por algo. Chamado de “York Shin” este arco é presenciado extremamente por usuários de Nen e conta a evolução dos principais à utilizá-la, principalmente Kurapika.

Após este arco se resolver, chegamos ao quarto arco: Greed Island. Para mim o melhor arco da história. Onde nós já conhecemos o mundo, os personagens e os poderes. O arco te prende com uma história extremamente interessante, sem apresentar quase nada de novo ao mix.

E finalmente o quinto arco: Formigas Quimera. Saga atual tanto no Japão quanto aqui no Brasil. Onde nós vemos uma evolução psicológica maior que de poderes, o que eu acho extremamente necessário para quando se tem um personagem principal “inocente”. Além de neste arco aparecer um clone do Kuwabara.

Em termos de história o mangá se resolve perfeitamente, é um conjunto de partes que se completam, pouca coisa fica de fora e o que está de fora você sabe que vai ser respondido mais pra frente. Em termos de personagem você acompanha Gon e seus amigos desde o inicio de suas jornadas, os vê crescendo, não só em termos de poder como psicologicamente, eles sofrem e isso muda sua personalidade. As lutas são empolgantes e HunterxHunter é um grande baú de poderes interessantes e diferentes, já que nen é algo extremamente espiritual e alguns tem que ter “eventos gatilhos” para funcionar perfeitamente. Para os que gostaram de Yu-Yu-Hakusho, vale pelo autor, para os que não gostaram vale porque não tem realmente nada a ver e a história cresce de maneira completamente diferente.

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Texto de autoria de André Kirano.