Filmes Políticos – Página: 2

Crítica | Marcha Cega

28 de setembro de 2018 by Filipe Pereira

documentários políticos, Filmes Políticos

O filme de Gabriel Di Giacomo utiliza como ponto inicial de seu filme, Marcha Cega, a figura de Sergio Silva, um fotógrafo que ficou cego após um tiro da truculenta Polícia Militar de SP em meio a uma manifestação política que ele cobria. Antes mesmo de mostrar isso, há cenas da polícia desfilando, cantando o hino da Independência do Brasil e a promessa de proteger os entes do povo. Não foi o caso de Sergio, que perdeu o sentido que fazia sua profissão ser útil.

Os depoimentos de manifestantes políticos que foram (e são) perseguidos, os intelectuais e ex-membros políticos de secretárias de segurança falam sob um cenário negro, remetendo a obscuridade desses processos e da cegueira propriamente dita. A transição da maior parte das cenas é composta por uma tela preta que fica por alguns instantes, e isso normalmente é um recurso ruim quando usado em documentários, aqui há função narrativa, seja por imitar a perda da visão, no caso de Sergio, seja pela conversa que tem com os muitos casos de pessoas que tiveram seus olhos alvejados em trocas de tiro, seja de borracha ou mesmo os projéteis metálicos.

As falas denunciam os atos de abuso de autoridade, unido a algumas cenas onde descrições dos manuais das polícias, como coibir manifestantes e agir com a violência é bastante comum. O argumento da maior parte dos entrevistados é que a mídia alternativa é importante, pois sem ela a pauta dos grandes veículos de imprensa ocorreria basicamente culpando ao atos de protesto como mera oportunidade de vandalizar os bens públicos e espaços urbanos. Os veículos que mostram o povo apanhando são os que fazem com que as TVs e a grande imprensa passem a tratar o sujeito comum como vítima da ação truculenta do Estado, mostrando afinal que a violência normalmente vem de cima.

Ao final de Marcha Cega, aparecem letreiros que anunciam a tentativa de contato com as assessorias de Alexandre Moraes – ex-secretário de segurança e atualmente ministro do STF -, Geraldo Alckmin – governador de São Paulo à época -, e a direção de núcleos das polícias citadas ao longo dos 88 minutos de corte do documentário, e todos foram ignorados, alguns de maneira mais veemente outros de forma polida. A oportunidade de fala oficial foi dada e simplesmente ignorada, e a ironia mora aí, pois essa é a atitude normalmente utilizada pelas autoridades, que ignoram sumariamente os pedidos e exigências do povo, só respondendo quando lhe é conveniente.

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Crítica | Em Nome da América

7 de agosto de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, documentários políticos, Filmes Políticos

Em Nome da América é um exemplar documental do cinema de denúncia. Sua motivação é investigar os detalhes de um grupo de norte-americanos, que vieram ao Brasil como voluntários, através da organização Peace Corps (Corpos da Paz), e que chegaram ao Brasil em meio a década de 1960, durante o governo do democrata John F. Keneddy, enquanto por aqui o início do período militar estava em ebulição.

O diretor Fernando Weller usa depoimentos de estadunidenses, na atualidade, para mostrar a terrível situação que o povo sofria, e as contradições deles serem enviados para um país que buscava alternativas mais humanitárias mas que também não fez qualquer esforço para se manter o estado democrático de direito, acabando por depor um presidente democraticamente eleito com o apoio desse mesmo EUA. Levando em conta o lançamento nos cinemas de circuito, é curioso e até catártico o fato do filme vir à público pouco antes das revelações de documentos que comprovam que o governo Geisel torturou e matou boa parte de seus adversários.

Os Corpos da da Paz representavam uma parcela do governo de JFK que visava civilizar o continente da América Latina. As contradições entre a boa vontade dos jovens e as ações imperialistas são novamente analisadas aqui, como foi no documentário colombiano The Foreigners, filme esse que foi encomendado pelos voluntários da paz que estavam na Colômbia.

Tomando isso como ponto de partida, a maioria dos entrevistados explicita sem qualquer pudor que o golpe de 64 só conseguiu se firmar por conta da paranoia do governo dos Estados Unidos, de que poderia haver a partir do Brasil algumas células comunistas, daí fortalecer o poderio das igrejas locais era importante, pois seriam elas que bateriam de frente com as ligas camponesas que lutavam por melhores condições de trabalho no campo. Esse tipo de intervenção era comum em outros países, mas sempre foi encarada como teoria da conspiração por muitos brasileiros até pouco tempo atrás.

A leitura que Weller traz ao seu filme é bastante sóbria, sem medo de tomar partido, uma vez que é bem clara a intenção dos Estados Unidos de apoiar as ditaduras latinas, a fim de tentar frear a possibilidade do socialismo surgir em território latino americano, como aconteceu em Cuba, fato que claramente não faz sentido, visto todos os estudos feitos anteriores, inclusive em documentários como Jango, de Silvio Tendler, já que o governo de João Goulart nunca teve ou esboçou essa alternativa revolucionária. Em Nome da América traz um excelente estudo que complementa outros documentários realizados após a abertura do regime militar.

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Crítica | Utopia e Barbárie

25 de julho de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, Silvio Tendler

Alguns documentários nascem para especular. Outros, os melhores, brotam da necessidade investigativa de nos impressionar com a incredulidade que a realidade à vezes se apresenta. Utopia e Barbárie faz muito registro de domingo a noite por ai parecer piada: Na esteira dos grandes acontecimentos que antecederam e influenciaram a formação do século XXI, eis um amplo e coerente ponto de referência de investigações cosmopolitas de grandes eventos do século passado, e que merece muito mais fama e aclamação do que o olhar crítico do novo milênio já lhe deu, até aqui.

Com sua estreia premiada em 2005, e tendo uma segunda edição ainda mais enxuta sobre seu riquíssimo material exploratório lançada em 2009, Silvio Tendler se prova um grande contador de narrativas históricas em duas horas de ambiciosa projeção sobre os marcos inesquecíveis (e tantas vezes revisitados pela ficção) que viabilizaram a construção de um mundo contemporâneo. Assim, somos convidados a voltar meio século a partir de 1999, e rever as verdades e as consequências que o término da segunda grande guerra, os golpes de estado, as lutas pela independência das colônias mundo afora, e a lógica das ditaduras militares na América Latina (o que rende as melhores sequências comentadas do filme) contribuíram para as tentativas de novos sistemas sociais sob a égide de uma isonomia conquistada a ferro e fogo.

Abandonando qualquer inspiração didática de professor de história, Tendler constrói um panorama ultra coerente, interativo e irreverente. Um mosaico nababesco que levou quase vinte anos de produção para incorporar o peso, a urgência de eventos dos mais construtivos a respeito de um passado recente, cujas marolas ainda por nós são sentidas – e vivenciadas, algo que Utopia e Barbárie tão bem nos consegue racionalizar, como nos diversos relatos de jornalistas e outras personalidades sobre a soberania do protagonismo civil em tempos excludentes.

A importância das multidões subestimadas nos grandes movimentos de libertação ideológica contra a barbárie institucionalizada, no Chile, e no mundo, sendo aqui mais valorizada que nunca em depoimentos de grandes utopias bem sucedidas dentro de uma realidade política desmascarada, e a base de muita coragem que não poderia ser esquecida pelas gerações que estavam por vir. Um documentário que impulsa nosso intelecto a lembrar, caso alguns de nós corramos o risco de esquecer, da importância desse gênero cinematográfico para montar e desconstruir a realidade em prol de pendê-la no tempo e alimentá-la pela verdade resultante que se pretende enquadrar – tão bem conquistada, aqui, por Tendler, num misto de quadros de correlação histórica evidente.

A utopia nada mais é então, entre tantos relatos emocionados de quem viveu, ou tão bem entende as agruras e as revoluções de um anteontem ainda influenciador (quiçá, para sempre), que a eventualidade da esperança de brotar em cenários tão desafiadores a ela. Qual seria, hoje, a importância do ano de 1968 no Brasil e no mundo na constituição do contexto social global? Utopia e Barbárie remexe as raízes de um todo hoje globalizado e regido pelas possibilidades infinitas da tecnologia. É um convite aprofundado para quem se interessa a aprender e a sentir a experiência que foi lutar por essas possibilidades futuras ainda no século XX, e construir assim os fundamentos desse (ainda e semi) admirável mundo novo que se tornou o começo dos promissores anos 2000.

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Crítica | Auto de Resistência

9 de julho de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, Lula Carvalho

Documentário de Lula Carvalho e Natasha Neri, Auto de Resistência traz dura e, infelizmente, comum rotina de muitas famílias que moram nas favelas cariocas, denunciando a quantidade assustadora de homicídios causados pela polícia contra civis no Rio de Janeiro, em especial os que são alegados como legítima defesa. O montante de vítimas investigadas pelo filme são normalmente acusados de serem traficantes, e o filme se dedica a colocar frente a frente as versões dos julgamentos dos casos nas varas dos tribunais do juri.

Boa parte dos bastidores das ações policiais são mostrados, esses com imagens de baixa qualidade, pois são câmeras de vigilância dentro dos veículos ou nos locais das ocorrências, quando não através das câmeras dos celulares das próprias pessoas alvejadas, ou de seus amigos, e esses vídeos servem como importantes relatos dentro do estudo que o longa traz.

O filme tem semelhanças enormes com os de Maria Augusta Ramos, em especial O Processo e o dueto Justiça e Juízo, não só por mostrar o quão frios são os processos jurídicos envolvendo os que são acusados de matar os jovens, mas também por acompanhar de perto os envolvidos no processo legal. Em alguns pontos, mostram-se políticos que são conhecidos do cidadão comum, tanto os que defendem os que morreram, como Marielle Franco e Marcelo Freixo, assim como alguns que desdenham tanto da luta por direitos humanos como também tratam a maioria dos vitimados com deboche e generalizações tolas, exemplificados pelo deputado estadual Flávio Bolsonaro. Esse tipo de postura bizarramente casa bem com a recusa de alguns policiais em deixar que pudessem ter suas imagens aparecerem nas filmagens que Carvalho e Neri faziam, talvez por receio da repercussão, ou talvez por não quererem estar em um filme que claramente escolhe um lado, o dos homens pobres que tiveram suas vidas brutalmente tiradas.

Os detalhes dos julgamentos passam por discursos semi prontas, em especial os que defendem as forças policiais, normalmente apelando para um moralismo pueril, quando não usando argumentos lugar comum de que os direitos humanos só assistem os bandidos, e não os policiais. É absolutamente lamentável que por parte de homens e mulheres que argumentam a favor da legalidade se usem de argumentos tão baixos e fracos para defender um sistema que claramente é falido e corrupto desde as instancias maiores, como os políticos executivos, até seus secretários, generais e chefes de batalhões.

Infelizmente, boa parte dos pontos que Auto de Resistência defende são tão alardeados e pedidos tradicionalmente que já não são novidade. Denuncias contra o genocídio de jovens negros nas favelas, o livre trânsito de policiais militares com somados números de homicídios claramente sem a falácia de que era “auto de resistência” e os choros das mães e de familiares são ainda freqüentes, e muito distantes de serem justificados minimamente. É lastimável que o filme de Carvalho e Neri ainda retrate uma realidade tão tangível, e é extremamente necessário que ele seja exibido, apreciado e discutido, pois em toda a simplicidade dos autores e em toda simplicidade da fala dos que protagonizam o protesto, se verifica um emocionado e realista discurso, que não se perde e que não se permite ser outra coisa senão um pedido ignorado por socorro, pelas autoridades e algumas vezes pela sociedade.

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Crítica | Amores de Chumbo

27 de junho de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Filmes Políticos, Juliana Carneiro da Cunha

Filmes sobre a época da Ditadura Militar normalmente servem para fazer comentários políticos contundentes. Exemplos disso não faltam, desde Eles Não Usam Black Tie que lida com questões trabalhistas e sindicais, até O Que É Isso Companheiro?, um thriller fantasioso de Bruno Barreto. Em Amores de Chumbo, Tuca Siqueira traz uma história sobre relacionamentos não resolvidos, apresentando um triângulo amoroso que deixou essa configuração de lado, por muitos anos, graças a uma mentira contada no passado.

A trama acompanha o aniversário do longevo casamento entre Miguel (Aderbal Freire Filho) e Lucia (Augusta Ferraz). Ambos se conheceram na época da repressão e estão juntos desde que o primeiro saiu da prisão política que lhe foi imposta. Após décadas, a escritora Maria Eugenia (Juliana Carneiro da Cunha) volta ao Brasil, depois de ter passado anos na França, para rever seus antigos amigos e aparar arestas com o passado. Maria e Miguel tiveram uma paixão avassaladora, interrompida pela prisão do homem, que acreditava ter sido abandonado por sua amada graças ao relato de Lucia. A grande questão é que essa situação é absolutamente discutível, uma vez que sua futura esposa guardava as cartas que Maria Eugenia mandava. Então, o marido busca resgatar os fatos ocorridos nos anos de chumbo.

Em um primeiro momento, Miguel e Maria revivem todo o ardor da paixão que deixaram represado por anos, dando vazão não só ao desejo que tinham um pelo outro, mas evidenciando a paixão que claramente não se apagou mesmo com o passar dos dias. Além disso, o claro envelhecimento dos seus corpos, a utilização dos nus dos personagens é feita de uma maneira quase poética, não hiperssexualizando em momento algum. Por dentro, o professor de sociologia ainda se acha jovem, revolucionário e pronto para enfrentar o sistema, mas aos poucos percebe que essa não é a mesma época de efervescência e luta política que ocorria quando era estudante. De certa forma, o pragmatismo do cotidiano o mudou e ele reflete boa parte do comportamento dos que antes se julgavam revolucionários e que ao envelhecerem se tornaram mais amenos e pragmáticos, mesmo que boa parte dessas decisões não tenham sido escolhidas por si, seu comportamento é bem menos incisivo do que antes.

Tuca mistura as temáticas de seus dois filmes anteriores, Vou Contar Para os Meus Filhos e Mesa Vermelha, no sentido de que estabelece uma historia que precisa da memória para ser viva, ao mesmo tempo em que trata de personagens com espectro político muito bem estabelecidos. Não à toa, o nome do filho do casal que começa o filme juntos chama-se Ernesto. Alias, o papel de Rodrigo Riszla brinca inclusive com as paixões adolescentes e com o discurso político, uma vez que é ele próprio que verbaliza o quão enfadonha pode ser toda a discussão política em torno da causa dos antigos militantes políticos na época da ditadura militar.

A historia por traz de Amores de Chumbo é de rara singeleza e ternura, e mostra como uma fantasia pode ser revivida mas sem descuidar do cotidiano do homem comum, do sujeito que claramente já não tem mais pique e saúde para viver os dias do passado. Seu desfecho é razoável e condizente com a realidade que aflige todos os brasileiros que viveram aquela época, e certamente acaba sendo um reflexo sentimental da vida política brasileira, em especial para quem brigou nos anos sessenta pela volta da democracia, depois de toda a movimentação política atual, que parece visar sempre tirar os poucos direitos que os trabalhadores têm.

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Crítica | Entre Os Homens de Bem

17 de junho de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

documentários políticos, Filmes Políticos, jair bolsonaro, lgbt

De Caio Cavechini e Carlos Juliano Barros, antes mesmo de mostrar o conteúdo do longa há um anúncio de que o filme não possui qualquer traço de verba pública ou mesmo de captação semelhante. Entre os Homens de Bem é focado na figura do deputado federal eleito pelo Partido Socialismo e Liberdade – PSOL, do Estado do Rio de Janeiro, Jean Willys.

Antes mesmo do discurso do biografado, é mostrado um ritual ligado as religiões afro-brasileiras, em meio a alguns discursos de políticos conservadores e de extrema direita, bradando basicamente contra a orientação sexual LGBT, vista em Jean e em alguns outros parlamentares. Em meio a crise política do Brasil em 2018, analisar esse tipo de discurso, que foi gravado na época antes de 2015, 2016, com as falas inflamadas de pastores, de dentro do parlamento e até de fora, uma vez que não aparecem somente Marco Feliciano, mas também Silas Malafaia, em um discurso preconceituoso, prepotente, arrogante e carregado de uma fala que foge demais a ideia de um estado laico, que se agrava principalmente por essa fala ocorrer dentro da casa da lei.

Os documentaristas usam as filmagens da edição do Big Brother Brasil em que Willys foi o campeão, para mostrar uma escalada de vitorias dele sobre preconceito, embora o fato dele ter sido alvo da panela que tentou eliminar ele precocemente do programa fosse contestável à época. Essa parte como um todo força um pouco a barra, ainda mais quando tenta dar uma legitimidade ao prêmio de vencedor ao professor como se fosse um sinônimo de que o Brasil realmente luta contra preconceitos homofóbicos, até porque pouco tempo depois um dos vencedores do reality show foi um sujeito claramente anti-gay.

O filme e o deputado são bastante didáticos, no sentido de explicar onde exatamente o discurso pró família tradicional está errado e onde ele começa a perseguir as minorias, como se seus direitos fossem maiores que os dos outros. Jean lê uma historia de um medico gay, que ao não conseguir mais reprimir sua sexualidade, se assume e é tratado como endemoniado e possesso pelo diabo. Para quem já está acostumado com esse tipo de discurso, tal situação é extremamente banal, mas para quem não está situado no ambiente alienatório de quem condena a homo afetividade só por condenar ou por supostas leis espirituais, isso é assustador, ainda mais em se tratando do Brasil, que é uma pátria multi cultural e de diversidade religiosa muito difundida.

O culto semanal acontece tradicionalmente dentro do Congresso, no entanto, há uma falácia dentro da conversa, em especial de Marcos Feliciano, de que os homossexuais querem privilégios, quando quem os tem é a bancada evangélica. Também se gasta um tempo discutindo a falácia que boa parte dos leigos, que encara pedofilia com homossexualidade, discussão essa já amplamente discutida entre juntas médicas e refutada cientificamente, mas ainda levantada por parte de alguns fundamentalistas desonestos.

Um dos principais alvos do filme é destacar a visão limitada da relação sexual que muitos dos opositores do biografado tem, normalmente declarando que estas são feitas para e tão somente procriação, o que é obviamente uma mentira, além disso, há a denuncia do discurso que propaga que o PT investe na luta entre classes políticas, de gêneros e afins para justificar seu plano de poder. Essa ultima sentença vem da boca de Jair Bolsonaro, atual presidenciável. Parte da preocupação do deputado reeleito do PSOL, era com a quantidade exorbitante de votos de Bolsonaro, e os minutos finais de Entre Os Homens de Bem, destaca não só a rivalidade entre os dois plenários, mas também o crescimento da popularidade do militar de reserva eleito no Rio de Janeiro. Esse viés de denuncia talvez seja o argumento mais inteligente, apesar de hoje parecer previsível, pois já havia sido feita antes mesmo de se declarar mais categoricamente a chapa presidencial do personagem deplorável que é Bolsonaro.

Cavechini e Barros não tem qualquer receio em parecer ou não parecerem parciais, e todas as bandeiras levantadas por Willys no decorrer dos 104 minutos do longa são justas e igualitárias, e apesar de alguns tropeços do político, ao falar a respeito do cenário da esquerda atual, e de algumas leituras bastante ingênuas na época da eleição – como por exemplo, a reclamação dele a aproximação de Dilma Roussef a Katia Abreu – seus mandatos tem sido preconizados por pautas muito corretas e progressistas, tanto em votação como em proposição de projetos, e o filme registra isso a maestria, misturando bem momentos de imagens inéditas muito intimas com videotapes de sessões da câmara, para muito além até das declarações do deputado que contradizem em algum modo sua militância progressista, do que está no filme, não há qualquer reprimenda ou crítica negativa a postura dele como representante do povo.

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Crítica | A Morte de Stalin

7 de junho de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, Jason Isaacs, Jeffrey Tambor, Olga Kurylenko, Steve Buscemi

Lançado em 2017, ano do centenário da Revolução Russa, A Morte de Stalin é uma comédia, comandada por Armando Iannucci que mostra os últimos dias do político que governou a URSS após a morte de Vladimir Lênin. Curiosamente parte da premissa lembra a de A Queda, filme que mostra os últimos momentos de Adolf Hitler, outra das principais lideranças nacionais da Segunda Guerra Mundial.

Iannucci já havia feito um comentário jocoso parecido em um filme antigo seu, Conversa Truncada, onde ele traz uma história em que Estados Unidos e Inglaterra tem um conflito muito alardeado pela imprensa americana. Depois disso, ele foi um dos principais diretores da comédia política Veep, protagonizada por Julia Louis-Dreyfus. A questão é que neste novo empreendimento há uma necessidade de em absolutamente qualquer momento desdenhar das figuras que compuseram a vida política soviética em alto escalão

Essa sensação de deboche puro e simples ocorre com um elenco de peso, formado por Olga Kurylenko, Jeffrey Tambor, Steve Buscemi, Tom Brooke, Jason Isaacs, etc. Algumas das piadas funcionam muito bem, com um bocado de influência do humor britânico, como por exemplo quando um dos subalternos de Josef Stalin (Adrian McLoughlin) tenta passar informações através de uma pasta por uma janela, de maneira pitoresca e atrapalhada, mas em outro, pouco tempo depois, se faz piadas escatológicas, com urina. Além disso, os que envolvem Stalin são retratados como homens idiotas, em uma abordagem parecida com a que Seth Rogen e Evan Goldberg fizeram em A Entrevista.

Em determinado ponto se percebe que não há interesse em se discutir quaisquer caminhos ou meandros políticos soviéticos, e sim fazer graça com os personagens famosos do regime, normalmente com comportamentos estereotipados gratuitamente, em eventos que não tem muita graça. É como se esse fosse uma esquete de Monty Python onde os filósofos gregos jogam futebol, mas sem qualquer ironia mais inteligente ou comentário político minimamente embasado. O comentário social é tão distante do real que se dilui demais, quase ao ponto de não fazer qualquer sentido na direção de uma comparação entre realidade e ficção.

O filme, baseado no quadrinho homônimo de Fabien Nury e Thierry Robin não acerta muito em seu humor, uma vez que faz pouco rir e também causa pouca ou nenhuma reflexão sobre os personagens analisados, ao contrário, soam como uma comédia vazia e sem discussões inteligentes.

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Crítica | Marcos Medeiros, Codinome: Vampiro

12 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Filmes Políticos

De Vicente Duque Estrada, o documentário Marcos Medeiros – Codinome Vampiro é um filme biográfico sobre o personagem titulo, tratado como um dos líderes do movimento universitário em meio a época da Ditadura Militar. Estudante de Filosofia da UFRJ (Universidade Federal do Rio de Janeiro), ele participava de muitas passeatas e organizava comícios com outras lideranças estudantis como Vladimir Palmeira, e outras resistências da época, como Cid Benjamin.

Marcos é tido como uma liderança muito forte, sempre articulado e claro, com pinta de galã — Medeiros era um sujeito bonito e carismático. O personagem investigado sempre foi muito visto em fotos da época, mas poucas vezes era citado como uma das lideranças dessas resistências. Também se destaca sua carreira como colaborador de cinema e cineasta underground, desde suas participações como pesquisador,= quanto co-autor, com expoentes do cinema como Glauber Rocha, além da proximidade que teve outras tantas figuras do Cinema Novo, e até mesmo cineastas internacionais como Costa-Gravas.

O final do filme cai em uma abordagem bastante emocional, com o lamento do final de vida que Marcos teve, acompanhando o modo melancólico como ele lidou com a situação precária em que viveu seus últimos dias. O personagem titulo parecia triste, impedido de viver todos os prazeres que sempre usufruiu, muito graças a perseguição pós volta do exílio, que o impediu de trabalhar normalmente, fato que ocorreu não só consigo, mas com outras pessoas que voltavam da perseguição.

A maior riqueza do documentário certamente é a narração dos textos e pensamentos de Medeiros, lidos de maneira ímpar pelo dublador Ricardo Schnetzer, que traz um fôlego novo as palavras do ativista revolucionário. Seu pensamento contra cultura é muito bem flagrado pela câmera, pelas imagens de arquivo e principalmente por essa interpretação dramática das falas do personagem central do drama, e Marcos Medeiros – Codinome Vampiro consegue enquadrar isso tudo de maneira muito bela e informativa, com esses dois eventos na medida.

https://www.youtube.com/watch?v=pJnmArmE0zk

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Crítica | Juízo

5 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Documentário, Filmes Políticos, Maria Augusta Ramos, sistema carcerário

No inicio do documentário de Maria Augusta Ramos, sobre menores infratores, há um aviso de que as imagens utilizadas dos tais menores de idade, são dramatizadas pois a justiça brasileira não permite o uso da imagem de julgados com menos de 18 anos. Juízo se parece demais com Justiça, filme anterior da diretora, com os julgadores sendo extremamente severos com os réus, quando não falando em tom professoral, em tom de bronca, com postura semelhante ao de uma mãe dando lição de moral em seus filhos.

A paciência dos juízes é ligeiramente maior do que o que se assiste em Justiça, isso é “culpa” evidentemente da baixa idade dos investigados. Repara-se facilmente na baixa escolaridade da maioria dele e a escolha por dramatizar as situações com esses menores ajuda a aproximar o espectador das barbáries que ocorrem dentro e fora do ambiente de julgamento, seja pelos maus tratos da promotoria e juiz, ou pelos crimes cometidos, que em alguns momentos recaem sobre crimes pesados, como assassinato após maus tratos ao acusado.

A juíza que normalmente verifica as situações é extremamente grosseira e impaciente. A empáfia que é vista nos personagens de Justiça aqui é extremamente amplificada. A postura é tão passivo agressiva que, mesmo quando o menor sai da sala com uma sentença favorável a si, se retirar do local com as mãos para trás, como se estivesse manietado, preso em corda imaginárias.

O exercício feito em Juízo tem muito a ver com os elementos vistos em seu predecessor, mas em momento nenhum ele soa redundante ou repetitivo, ao contrário, há uma clara evolução de narrativa e de estudo sobre como se julgam as pessoas no Brasil, em especial as camadas mais populares e de pouca instrução, não chegando ao ponto de vitimizar os personagens documentados, mas sim mostrando o quão crua e direta pode ser a lei com esses que não tem muitos recursos para recorrer.

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Critica | Justiça

1 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Documentário, Filmes Políticos, sistema carcerário

O documentário de Maria Augusto Ramos mostra pessoas sendo julgadas em um ambiente impessoal, com a câmera flagrando a conversa entre réu e a autoridade judiciária, onde acontece normalmente uma conversa bastante isenta de maiores sentimentos, especialmente pelos juízes, em confronto com palavras francas e simples do que se defendem. Justiça visa mostrar o quão complicado e distante é a relação do Estado com a massa carcerária, e consequentemente, com o pobre sendo julgado.

A estética que Maria Augusta utiliza é fundamentada demais no naturalismo. Quando não está em sessões jurídicas ou em aulas direito — onde os personagens estão obviamente microfonados — a maior parte dos outros momentos tem apenas o som direto como base. O barulho das engrenagens das cadeias e o burburinho dos detentos transbordam verdade e veracidade, mostrando uma realidade elitista e hipócrita.

Há perfis variados entre os juízes flagrados pela câmera de Ramos, mas um especial chama muita atenção pela empáfia ao conversar com o réu e demonstrar seu enorme desprezo por esses, algumas vezes agindo inclusive com grosseria, talvez evocando a sua opinião já formada de que estaria ali lidando com criminosos incorrigíveis.

A visão que o documental de Maria Augusta Ramos tem sobre o judiciário em geral é bem clara, enxergando os que julgam os mais simples como entidades conservadoras, reacionárias e que se julgam acima das camadas sociais em que habitam esses infratores ou supostos infratores. Das denúncias que faz, a mais forte certamente é a desumanização com que são tratados os julgados, e nisso, Justiça acerta em cheio, pois mostra o quão frios são os tratamentos aos mais humildes.

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Crítica | Entreatos

10 de abril de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, João Moreira Salles, Lula

O filme que João Moreira Salles planejou trazer a luz era para ele, no início do projeto, um mar quase infinito de possibilidades. Uma das idéias que o próprio aventou recentemente, era de que seria um filme sobre as campanhas presidenciais de PT e PSDB, à época, encabeçada na parte tucana por José Serra. Entreatos no entanto amadureceu como as cenas dos bastidores da campanha vencedora de Luiz Inácio da Silva, em uma eleição que por muito pouco, segundo as pesquisas de opinião e intenção de voto, não aconteceu ainda no primeiro turno.

A intimidade do diretor com seu biografado é tamanha que Salles passeia de avião com o então presidenciável, tendo de legendas as falas dele a fim de tornar fácil de entender as conversas de Lula com Antonio Palocci e outros companheiros políticos.

Assistir Entreatos nos dias de hoje tem contornos assustadores, principalmente pela quantidade de pessoas que a época estavam no PT, desde pessoas que se afastaram até de campos progressistas, como Martha Suplicy e Fernando Gabeira; aqueles que permanecem à esquerda mas estão distantes do PT hoje, como Luiza Erundina, Luciana Genro; falecidos, como o saudoso Luiz Gushiken e a ex Primeira-Dama Marisa Letícia; e por fim, aqueles que hoje estão impedidos de exercer cargos por problemas judiciais (para se falar o mínimo), como o já citado Palocci e José Dirceu, sempre mostrado como um homem muito próximo do futuro presidente, assim como Duda Mendonça, que foi o mentor de sua publicidade em campanha, responsável em partes pela postura Lulinha, Paz e Amor.

Walter Carvalho assina a fotografia do longa, que varia muito de qualidade de imagem, uma vez que não é fácil captar cenas de intimidade em meio a uma campanha eleitoral super corrida. A ideia de humanizar o ícone que se formava nos meados de 2002 é muito bem construída, as anedotas que Lula conta são carregadas de carisma, personalidade e graça, mesmo ao falar de passagens que poderiam soar trágicas, há uma carga de comédia embutida típica das falas de pessoas que conseguem ser o centro das atenções onde quer que estejam. Toda vez que a oratória de Lula é posta à prova, ele obtém êxito enorme, uma vez que consegue ser entendido por pessoas de classes econômicas distintas, a despeito até do conhecimento dessas mesmas pessoas, fato que demonstra bem o quão universal é seu discurso e o quanto foi singular a união que aconteceu naquele ano em 2002, união essa que jamais se repetiria tão exitosa quanto aqui.

https://www.youtube.com/watch?v=M8LFNoky5eQ

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Crítica | ABC da Greve

9 de abril de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Ferreira Gullar, Filmes Políticos, Leon Hirszman, Lula

Leon Hirzman é um dos diretores que fundamentou um dos grandes momentos do cinema brasileiro. Quando terminou de filmar Eles Não Usam Black Tie, Hirzman começou a fazer um documentário que permaneceu inacabado até depois de sua morte, em 1987. Em noventa, com ajuda de restauradores, e de algumas imagens inéditas, que substituíram as que foram perdidas nos negativos, vinha a luz finalmente ABC da Greve, que mostra em detalhes o cotidiano dos metalúrgicos grevistas, nos anos setenta na região paulista do ABC — Santo Andre, São Bernardo e São Caetano — núcleo este que obviamente estava bastante relacionada com o longa ficcional protagonizado por Gianfrancesco Guarnieri.

Em um momento bastante singelo do filme, um dos peões grevistas, sujeito simples e calvo, conversa com uma autoridade militar fardada, praticamente implorando para que ele e seus companheiros não fossem presos, beirando o absurdo pensarmos em trabalhadores terem de pedir autorização para reclamar por seus direitos.

Apesar de já lidar com a imagem do líder Luiz Inácio da Silva, o Lula, como um dos centros do movimento grevista do ABC, é só com 24 minutos de filme que Hirzman apresenta um perfil do sujeito, utilizando o segundo terço do filme para falar de sua vida pessoal e como foi sua trajetória rumo a presidência do Sindicato dos Metalúrgicos do ABC. Lula grita, em cima do palanque, para que os grevistas tenham cuidado, evitem andarem sozinhos durante e depois dos atos, sugerindo que esses vão para suas casas assim que acabar o manifesto. Apesar da liderança popular que tem, já é possível verificar o perfil conciliador de Lula, muito distante de qualquer traço revolucionário em suas ações ou que evoque qualquer enfrentamento para além do comumente estabelecido em movimentos grevistas. Todo o discurso é sim de conciliação.

O final do filme indica o quão o Estado é benevolente com as empresas, que concederam algumas das exigências dos grevistas — não todas, aliás bem longe disso — e ainda tiveram esses prejuízos bancados pelo caixa federal, em uma manobra que de certa forma, explica muito da motivação da ditadura empresarial-militar — algo que pode ser visto em outros filmes desta época como Pra Frente, Brasil e Cidadão Boilesen. Para variar, o Estado à direita favorece o empresariado em detrimento dos direitos dos menos abastados.

Hirzman jamais conseguiu terminar seu filme, e é irônico como o retrato de um movimento popular como o que ele pinta, termina sem uma vitória categórica, como havia sido anunciado no início da revolta, no entanto, o resultado colhido tem bastante semelhanças com as a forma de governar em um futuro próximo dos objetos que foram analisados em ABC da Greve, onde o que preponderava, era a tentativa de equilibrar a inclusão dos mais necessitados, sem infringir diretamente nos interesses dos poderosos. É evidente que essa análise ainda não daria para ser feita em 1990 no lançamento do filme, mas é curioso como a obra já dispõe de elementos que profetizam boa parte do modus operandi de Lula enquanto líder, denotando inclusive qualidades e defeitos que ajudariam a montar o quadro politico complexo que ocorre no Brasil nessa segunda metade de década de 2010.

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10 Filmes Sobre a Ditadura Militar Brasileira

31 de março de 2018 by Douglas Olive

Artigos, Cinema

Bruno Barreto, Camilo Tavares, Chaim Litewski, cinema político, Ditadura Militar, Filmes Políticos, golpe de 64, Hilton Lacerda, Isa Grinspum Ferraz, Paulo Caldas, Silvio Tendler

A tradução, pelo cinema, dos anos de chumbo, pelos militares.

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Jango (Silvio Tendler, 1984)

Já no campo presidencial, retratando a vida política brasileira desses anos através da ascensão e queda do saudoso presidente João Goulart, somos expostos então a um material foto jornalístico e documental de grande apuro sobre o período, em questão. Com certa pompa típica aos documentários da época, e com notável precisão, conseguimos estudar pela voz de José Wilker as engrenagens, por mais de duas décadas, que levaram o presidente Jango a ser deposto no (atual) golpe de 1964 por interesses ocultos que a história foi tratando de iluminar.

Baile Perfumado (Lírio Ferreira e Paulo Caldas, 1997)

E como seria, ainda no Nordeste no mais profundo agora do seu sertão, e sendo o oposto de Tatuagem, ter de lidar com o impedimento como se manda o figurino? Na tentativa de se fazer um filme sobre o rei do cangaço, o imortal Lampião e a sua tropa, um cineasta se vê atado ideológica e formalmente de rodar seu filme pernambucano sendo considerado subversivo – ou seja, alguém que pensa por si próprio, podendo atrapalhar o famoso sistema de intolerâncias. Das ficções a emblemar o tema da ditadura e suas agruras, talvez seja essa a mais icônica.

O Que é Isso, Companheiro? (Bruno Barreto, 1997)

Um dos filmes nacionais mais famosos, no mundo, na ficção de Bruno Barreto, o evento político que marcou os nossos anos oitenta se desdobra como pano de fundo de uma narrativa multiplot investigativa, e um tanto aventuresca, cujas personagens norteiam o espectador pela tensão coexistente na época através do sequestro por estudantes militantes do embaixador americano na época (Alan Arkin), num Rio de Janeiro tão ditatorial quando o já anunciado de 2018.

Cidadão Boilesen (Chaim Litewski, 2009)

Outra investigação pouco conhecida pelo povo brasileiro, e negligenciada pela mídia jornalística do país, e que o próprio Cinema tratou de desenrolar os fatos, é de onde veio parte do financiamento para toda a repressão violenta, e a tortura, no Brasil dos anos 60. As ligações do empresário Henning Boilesen, um dinamarquês naturalizado no país, com o setor privado, buscando nele fundos para estruturar a violenta Operação Bandeirantes, um centro de informações montado pelo governo do Estado de São Paulo e pelo Exército no combate às organizações de esquerda, são expostas neste documentário implacável e um tanto didático, mas com entrevistas chocantes e comoventes, principalmente pelo filho de Henning que não acredita que seu pai, tido como alegre e amável, tenha sido um cara de diversas facetas, até o fim.

Utopia e Barbárie (Silvio Tendler, 2009)

E se este não for o melhor documentário nacional a prestar contas ao nosso regime militar, longe ele certamente não fica. Tratando não só dos anos de chumbo brasileiros, mas de inúmeros fatos polêmicos e de grande valia para o que o século XX veio a se tornar, historicamente, Utopia e Barbárie consegue ir muito além do trato para com um tema só no pós-Segunda Guerra Mundial, em vários países aonde se sonhou utopias em meio as barbáries cometidas contra nós mesmos. Um amplo e coerente ponto de referência de investigações cosmopolitas de grandes eventos, e que merece muito mais fama e aclamação do que já passamos a lhe dar, aqui.

O Dia que Durou 21 Anos (Camilo Tavares, 2012)

A derradeira frase desta investigação é: tudo isso foi feito com fins democráticos. “Tudo isso”, em outras singelas palavras, referindo-se diretamente ao massacre intolerante que durou vinte anos no Brasil para estender o major monopólio estadunidense, na maior potência latino-americana. Quando o país se deu conta que o território, até então nas mãos de João Goulart, não iria trocar alianças de fino trato com os interesses do Tio Sam, no dia 1° de abril de 1964 o Brasil deixou de ser a humilde terra da banana para ser mais uma extensão da ambição dos “donos do ocidente”, como eles ainda se fazem ser.

Os Dias com Ele (Maria Clara Escobar, 2012)

Quando uma cineasta busca entender sua própria história, e a do seu pai, integrando suas vidas aos tempos da ditadura, sem apenas constituir um esbarro narrativo ao período. Maria Clara Escobar então discursa sobre o nosso país e o seu pai, Carlos Henrique Escobar, um dos intelectuais paulistas mais provocativos dos anos 60, e 70, preso e torturado como bem nos relata a ótima biografia Os Dias Com Ele. Eleito melhor filme na 16ª Mostra de Cinema de Tiradentes, em 2013, é uma inteligente cadência de relatos sobre uma pessoa, e a importância e o peso inseparáveis da história sobre a vida desta.

Marighella (Isa Grinspum Ferraz, 2012)

História de figura importantíssima do Brasil, Carlos Marighella, parlamentar e comunista, foi vítima de prisões e torturas considerado como o inimigo número Um da ditadura militar, e, como se não bastasse, foi o maior nome da militância de esquerda no Brasil dos anos 60. Viveu sob resistência, e junto, sua própria família. Em 1969, foi assassinado nas ruas de SP, com o documentário homônimo de 2012 resgatando, pelos cuidados de sua sobrinha, o que eles enfrentaram pelo caminho, construindo uma boa base de reflexão em prol de debate oriundos.

Cara ou Coroa (Ugo Giorgetti, 2012)

Saem os estudantes que chegam a sequestrar políticos, entra-nos o povo comum, de cada dia, tentando estabelecer um plano de vida digamos estabelecido, diante de um sistema totalmente contrário à sua sobrevivência – por mais que a elite econômica ache o oposto disso. Cara ou Coroa gira em torno de dois irmãos apaixonados por teatro e presos em uma dúvida: Seguir a profissão de ator, ou trilhar o mesmo caminho muito mais arriscado dos revolucionários jovens de 1971. Filme entre a veracidade do período e uma visão mais fantasiosa e encenada sobre os seus desenlaces, é uma boa pedida para a releitura mais aventuresca e bem-humorada dos fatos.

Tatuagem (Hilton Lacerda, 2013)

No território do que acontecia paralelo à ditadura, sobre quem ainda acreditava no colorido e nos ritmos musicais de um Brasil liberal e até mesmo anárquico, Tatuagem ocupa então o que restou da liberdade de expressão num período autoritário. Filmado na efervescência do fogo constante de quem resiste a padrões ou aos mais variados impedimentos políticos, é propositalmente escrachado. Um esforço válido, imprevisível e provocativo a honrar diversos quadros do cinema brasileiro, como o próprio movimento do cinema marginal.

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Crítica | Era o Hotel Cambridge

28 de março de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, José Dumont, Suely Franco

Dentre as diversas declarações realizadas por Eliane Caffé nas diversas coletivas de promoção de seu filme, em São Paulo, Era o Hotel Cambridge delineia aquilo que o Cinema quando precisa faz tão bem: a quebra do individualismo, ou seja, de reiteração do poder do coletivo em prol de uma ação que interessa a um grupo. No palco das atuações, num cortiço de onomatopeias ambulantes, é lá aonde Caffé encontra o amparo dos contornos de uma ficção construtiva para fortalecer o retrato e o relato de pessoas que tem muito mais a informar, do que meramente a comunicar seus pontos de vista. Aqui, é a arte que se vê embutida nas significações da realidade, ambas na harmonia cinematográfica que se espera deste casamento de fruições tão descortinantes, e pulsantes.

Isso se dá por esse acolhimento do sociopolítico à arte, do socioeconômico visto não por mera presença capitalista, mas por intermédio da relevância da invasão humanitária de corpos onipresentes num hotel, bem no centro conturbado de uma megalópole latino-americana, cuja presença corpórea é conflituosa com os poderes excludentes que regem a nossa sociedade. Políticas públicas de moradia que só percebem esses homens e mulheres que não participam do jogo do capital bancários e consumista na hora de expulsá-los de quaisquer recantos que possam servir de alojamento não-oficial, e mesmo que temporal àquela gama de famílias e compadres, sempre à beira de uma reintegração de posse na calada da noite. Gente de todo tipo, raça e valores culturais, sempre tidos pela mídia como bárbaros, ou dignos de uma investigação rumo ao cerne da problemática. Porque o hotel está lá, infinito entre seus andares, amparando as ocupações de quem sempre mereceu um documento audiovisual de suas lutas, e pelo menos isso podem se dar ao luxo de terem conquistado, efetivamente falando.

Não apenas no detrimento do individualismo, que muitas vezes cria intolerâncias e exclusões que assombram o social do Brasil, e de qualquer país judicialmente arbitrário e classicista como o nosso, mas é pelas esteiras da dramaturgia, de uma encenação corajosa, livre e realista que a enorme luta da coordenadora geral do MSTC, Carmen Silva e de uma grande companhia lado a lado com ela, ganha o prazer de ser imortalizada no Cinema brasileiro pela ótica franca e reveladora de Caffé, e produção. Nada em Hotel Cambridge é falso, forçado ou soa como tal – em absoluto. Um cosmos engarrafado não só pelo edifício onde tudo se dá, mas ampliado pelas personagens adoráveis que, como em tantos outros grandes filmes, literaturas e documentários da história, representam cada aspecto, cada fatia aparente ou subjetiva de um conflito que se resiste em conjunto. Entre concordâncias e desentendimentos, é lá que eles tentam sobreviver, onde os fracos não têm vez, na verdade; um por todos, e todos por um, afinal.

A quem nunca adentrou uma ocupação, seja no centro de uma cidade ou numa tentativa de demarcação de terra indígena, o filme fartamente inspira essa ação de solidariedade a quem mais precisa de atenção, de ouvidos que escutam e não apenas ouvem o sentido do barulho que suas invasões provocam a quem, aparentemente, não tem nada a ver com isso. O espectador inclusive pode vir a elucubrar, aliás, como existem grandes pequenas batalhas rolando ao nosso redor em constância plena, sem que a nossa percepção seja afetada por isso, tamanho o individualismo que o sistema econômico atual nos presenteia – e afirma-se aqui como isso não poderia ser mais anormal, caso realmente sejamos Um, ativos na mesma luta, ainda que sob codinomes distintos. Porque se você estiver parado(a) na plataforma da estação da Luz, em São Paulo, e por um momento olhar para um dos prédios ao redor da estação, vai notar a seguinte frase que emblema tudo que o belíssimo filme de Caffé nos explicita: Quem não luta, está morto.

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Crítica | Martírio

21 de março de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Documentário, Filmes Políticos, Luiz Bolognesi

Na edição 2018 do Festival de Cinema de Berlim, logo após a sessão do documentário Ex-Pajé, um manifesto escrito por lideranças indígenas, que o cineasta Luiz Bolognesi fez questão de ler, contra o etnocídio, ou seja, o genocídio étnico da população indígena no Brasil, sempre submetida a ganância das indústrias, empresas e ao desprezo das legislações brasileiras sobre seu povo e a demarcação de terras. E é justamente pela urgência do tema que Martírio se leva tão a sério.

Um documento de anos literais em busca de fatos, relatos e outras cadências a formar as condições que vivem um dos ícones de maior relevância quanto aos problemas e ranços estruturais da sociedade brasileira desde sua formação: A intolerância e o desdém dos engravatados e seus alienados urbanos pela ancestralidade e a humanidade, propriamente dita, daqueles que provaram o gosto e sentiram a textura das veredas de um Brasil descampado e virginal quanto aos impulsos animalescos dos homens brancos, sempre com a desculpa de progresso civilizatório para serem deliberadamente predatórios. Aqui, o cineasta Vincent Carelli — o longa ainda é codirigido por Ernesto de Carvalho e Tatiana Almeida — faz provavelmente o filme da sua carreira, pautado por quase três horas de denúncia, e resistência.

Resistência. Martírio, com o impacto de um trem na consciência humana que nos resta, a cada sequência nos deixa claro o que as notícias dos jornais nos anuviam: Não está tudo bem, não para todos nós – na verdade, para uma minoria seleta de nós, e mesmo nos domínios do senhorio ainda há turbulência, quase sempre causada por fatores internos. Não que os novos donos do país, antes usando bandeirantes, agora uma caneta a promover a matança da mais nobre identidade brasileira, sejam incapazes em suas togas e privilégios de controlar seus problemas e nisso, esqueçam dos outros, mas como nos é claro ao longo da projeção, a exclusão de direitos e as circunstâncias onde a exclusão se forma precisam ter sua fundações reforçadas, dia após dia, num minucioso e escandaloso processo que pode ser chamado de desbrasilização do Brasil.

Resistência. Acontece que a desumanização em cima do índio, em cima da população LGBT, cujos atentados ainda não foram criminalizados para podermos chamá-los de crimes, do jovem negro que a cada vinte e três minutos é exterminado de novo, e mais uma vez, no Brasil de sempre, necessita da banalização diária dos fatos. O quanto é injusto a nossa terra ser exclusivamente deles, sendo esta injustiça, seu fedor, que impulsionou um grupo de indígenas devidamente representados, ostentando sua identidade visual mais notória antes da mesma desaparecer, a ostentar imagens modernas da sua entrada do Congresso Nacional, vista pela mídia não como revolta, mas como “invasão”, como perturbação infundada da normalidade, em 2013, numa casa que diz-se de todos, mas que para entrar sem conflito você vai precisar ser homem, branco, eurocêntrico ou, no mínimo, um(a) estudante curioso(a).

Resistência. Àqueles que não entram, mas invadem simplesmente pela sua presença no local – lembrei-me dos rolezinhos na Casa Grande, de quem não aceita a senzala. Qual outro documentário contemporâneo da filmografia nacional infere criticamente, dada a força e propriedade de fala aqui atestadas, dilemas sem prazos de solução e tão engessados no social tupiniquim senão Martírio, de 2016? Por isso que, a um dos grandes filmes da década, brasileiro ou não, que elucida ao estrangeiro o que acontece nessas fronteiras, mas que dialoga sobretudo aos anais dum povo que se declara profundamente religioso, conservador ao poder das suas igrejas, mas que se recusa com veemência a preservar o que de mais sagrado (ainda) habita a nossa cultura, nossa identidade se alguém hoje se importa com essa dama de verde-e-amarelo, e nossa humanidade enquanto brasileiros, a esse documento fílmico e sobre o que e quem ele vem a tratar na tela: Glorificação, e resistência. Fantástico.

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Crítica | Eu Não Sou Seu Negro

22 de janeiro de 2018 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

documentários políticos, Filmes Políticos, James Baldwin, martin luther king, Política, Racismo, Raoul Peck, Samuel L. Jackson

“A história dos negros na América é a história da América. E não é uma história bonita”. Essa é uma das frases que James Baldwin, famoso escritor americano, profere no documentário Eu Não Sou Seu Negro, de Raoul Peck. Além dessa, existem várias outras frases, citações, textos, palestras e conversas onde ele expõe de forma nua e crua as relações raciais nos EUA, com a qual podemos traçar alguns paralelos em relação ao Brasil. O difícil mesmo é escolher quais citações usar, pois a cada minuto Baldwin nos joga na cara, com uma lucidez dolorosa, a forma como os EUA foram construídos em cima de um projeto de separação racial e exploração da população negra trazida da África. E como não dá mais para ignorar isso.

O filme Eu Não Sou Seu Negro é um projeto do cineasta (com narração de Samuel L. Jackson), utilizando como base o livro não concluído de Baldwin, Remember this House, onde o escritor iria contar a história dos EUA a partir dos assassinatos de três dos principais líderes negros da história: Medgar Evers, Malcolm X e Martin Luther King, durante o movimento pelos direitos civis.

No início e final do filme, Baldwin cita a necessidade tanto de ter saído dos EUA (com a paranoia real de a cada esquina poder ser morto por alguém), até viver em Paris por tanto tempo que passou a sentir falta dos EUA. Mas, como ele deixa claro, não dos ícones da cultura americana, como a comida ou os esportes, mas sim o seu povo. Mesmo deixando também claro que nunca se sentiu conectado com nenhum movimento em particular (Os Panteras Negras, a NAACP, ou as congregações cristãs), ele queria estar ali, circulando entre eles, observando a história acontecer. Enquanto escrevia sobre ela.

É morto Medgar Evers.

A todo o tempo no filme, Baldwin cita a relação e o diálogo na época com os brancos (sociedade em geral e também representantes do governo dos Kennedy) e a frustração com não só a incapacidade deles de entenderem o real problema, mas também de entender que havia um problema ali. Os brancos acreditavam firmemente que os EUA eram um projeto que deu certo, e a escravidão e violência eram um desvio de caráter, não um traço fundador do país.

A divisão no país, entre brancos e negros, não é só econômica. Há uma barreira quase intransponível que mesmo os brancos liberais e antirracistas não conseguem ver ou mesmo entender como ela opera no seu cotidiano. Ao citar amplamente sua infância e seu início de aprendizagem e formação psicológica, Baldwin mostra, utilizando-se como exemplo, como o negro nos EUA cresce com outros referenciais de beleza, de postura, de atitude, de crenças, e de oportunidades, e como se dá o choque ao saber que tudo aquilo que lhe foi vendido, não foi feito para ele.

É morto Malcom X.

Discordando-se ou não de sua postura (como havia discordâncias, as vezes ferozes, mesmo dentro do movimento negro), Malcom foi um porta-voz ativo de uma mensagem que precisava ser ouvida. A da raiva acumulada por séculos, e de que o negro americano nunca foi pacífico ou que aceitou a condição que lhe foi imposta. E que agora essa raiva iria retornar na mesma medida a sociedade que lhes impôs tudo isso. E essa atitude iria custar uma repressão enorme do aparato estatal, já que o “Revolucionário branco quando se arma é aplaudido. O negro é tratado como criminoso.”

É morto Martin Luther King.

Toda a estrutura social, econômica, política e especialmente militar dos EUA, toda a base do “sonho americano”, foi construída em cima de uma noção de país que só serve para uma pequena minoria, que desfruta de todo essa qualidade de vida ao custo da mão-de-obra barata dos negros desde a escravidão.

A ignorância do branco em relação a todas essas questões se reflete na discussão com o professor de filosofia de Yale, Paul Weiss, cuja frase marcante “a cor não deveria ser o foco do debate” é o típico argumento do branco, quando se é negro nos EUA ou no Brasil a principal preocupação do negro antes de tudo é sobreviver ao dia-a-dia. A ameaça de morte está em cada pessoa e em cada figura de autoridade. Todo o histórico de violência do país é o retrato dessa divisão, e o argumento principal de Baldwin é que isso tem um custo. O vazio emocional dos EUA é tão grande que se tenta preencher isso com uma avalanche de bens materiais. Cada americano, violento ou ignorante, tem uma parcela de responsabilidade enquanto não assume a situação do país. E isso se reflete na violência das instituições, da população contra si mesma, os tiroteios em massa, a paranoia com segurança e o “invasor externo”, etc, afinal “Você não pode me linchar e me manter nos guetos sem se transformar em algo monstruoso”.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

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Crítica | Real: O Plano Por Trás da História

1 de junho de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Emilio Orciollo Neto, Fernando Henrique Cardoso, Filmes Políticos, Juliano Cazarré, Mariana Lima, PT

Filme de humor involuntário que mira a qualidade de thriller político, Real: O Plano Por Trás da História é o longa-metragem de Rodrigo Bittencourt (Totalmente Inocentes) que pretende discorrer sobre a implantação de um novo plano econômico e uma nova moeda em território brasileiro, dado a crise inflacionária vivida à epoca, traçando um paralelo com a ascensão de Fernando Henrique Cardoso e seus partidários, desde a época em que foi ministro da Fazenda de Itamar Franco, até a presidência da república. O filme é contado através de uma entrevista do economista Gustavo Franco (Emilio Orciollo Neto) para a jornalista Valéria Villela (Cássia Kiss Magro), antes de uma CPI que ocorreria em 2003, no primeiro ano de mandato de Luiz Inácio Lula da Silva.

O tom jocoso se dá principalmente graças as caricaturas dos personagens políticos do filme, em especial com Norival Rizzo fazendo FHC, em uma postura pouco parecida com a apresentada pelo sociólogo; de Bemvindo Siqueira, fazendo um Itamar histriônico e cheio de indagações sem respostas; e claro, o José Serra de Arthur Kohl – que claramente imita o político do PSDB – além é claro do senador (fictício) petista Gonçalves, interpretado por Juliano Cazarré que emprega três sotaques diferentes (mineiro, paulista do ABC e um nordestino genérico horrível) no decorrer do filme, mostrando uma imaturidade tremenda na composição de sua personagem.

Parte dos elogios de algumas críticas – a maioria bastante pontual e parcial – é referente ao filme não utilizar em demasiado o linguajar dos economistas. Se por um lado há uma universalização de linguagem, por outro há também um esvaziamento de discurso. Há como se falar de um assunto tão complicado para o público leigo como os meandros da economia de um país sem tornar tudo enfadonho, A Grande Aposta fez isso e com um clima leve, Margin Call: O Dia Antes do Fim era mais pesado e mesmo com seus defeitos sabia passar a mensagem, e O Lobo de Wall Street apesar de ser um conto debochado, consegue traduzir muito melhor as questões financeiras importantes levantadas em seu roteiro, Real não passa perto disso.

Muito se falou a respeito desse ser um filme anti-petista ou reacionário, e a realidade é que ele não é um e nem outro. Claro que há uma glorificação de figuras típicas do cenário tucano, em especial Fernando Henrique, que é visto como um homem acima dos outros, sendo esse o único a não sofrer a ira ou ingratidão de Franco, além de ser mostrado como uma pessoa distante de seus asseclas, como se os erros e trapalhadas em torno da implantação da moeda não fossem de sua responsabilidade. O curioso é que esse aspecto, de certa forma, revitaliza o argumento por muitas vezes associado à falácia, quando se tratava de uma defesa a não-ciência que eventualmente ocorria com os ex-presidentes Lula e Dilma Rousseff.

O texto sofre com um maniqueísmo que torna todo o drama em algo imaturo, proposta que obviamente não parecia ser a inicial deste longa. Apesar de não tão ter nos personagens mais novos um tom tão parodial quanto com Itamar, FHC e Serra, há ainda uma construção muito rasa e arquetípica dos heróis da jornada, em especial de Gustavo Franco, que é um sujeito indócil, incorrigível e incapaz de apresentar qualquer nuance fora disso. Chega a ser estranho inclusive irônico que um acadêmico tão avesso ao socialismo possa ter uma admiração tão grande por um político que em seu passado, tinha tantas afinidades com a social-democracia, e é ainda mais risível uma quantidade de atitudes, como o uso do óculos de Franco para dar-lhe um tom despojado ao deixar o mesmo cair sobre seu rosto, assim como é escandalosamente boba a atitude dele invadindo um protesto em frente ao Banco Central, sendo esta uma bela versão em live-action de uma fanfic de direita. Outro momento constrangedor se dá quando ele ao ser recusado em um cargo que queria, joga para o alto um tabuleiro de xadrez de madeira, em uma cena que deveria parecer grave, mas que demonstra apenas a figura infantil do personagem.

A personagem de Mariana Lima, Denise, também soa engraçada em alguns pontos, em especial graças a maquiagem carregada que ostenta, fazendo se assemelhar demais ao Coringa de Heath Ledger (Batman: O Cavaleiro das Trevas). Incrivelmente esta é uma das poucas personagens que tem uma mínima profundidade e apreço com a realidade, apesar de toda caracterização que lhe deram.

Em última análise, a personalidade de Franco reflete demais a de muitos reacionários que vociferam opiniões intransigentes nas redes sociais, sem dar direito a qualquer outro argumentar contrariamente. Por isso, há por parte do público uma possível idolatria por esta versão do economista, e chama-se versão por que nem mesmo o Gustavo Franco original é tão teimoso e mimado quanto o representado por Orciollo Neto.

Real: O Plano Por Trás da História tem uma dificuldade de identidade enorme, variando entre a comédia rasgada, graças ao deboche das figuras do cenário político brasileiro, variando entre o humor voluntário e involuntário, tornando difícil inclusive entender quais são as piadas propositais, visto que o roteiro de Mikael de Albuquerque não é claro quanto a isso. A meta de ser um thriller político também não é alcançada e o conjunto de músicas é até engraçado, com composições em sua maioria feitas por Maycon Ananinas e pelo próprio diretor, (com pérolas como Baila FHC, Exu Reunion, etc) ainda que não sejam mal executadas em tela. Bittencourt abusa de cortes rápidos, que em alguns momentos cansam seu espectador mas em outros aumentam a aura de tensão em torno dele. Claramente o diretor amadureceu desde Totalmente Inocentes, sendo este menos equivocado no geral que o anterior, mas claramente seu cinema não parece maduro o suficiente para algo tão grandioso e ambicioso quanto a transposição da literatura de Guilherme Fiuza (3000 dias no Bunker) quanto para contar uma história política tão densa e com discussões tão fortes como as propostas por um filme que pretende remontar a origem deste Plano Real.

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Crítica | Neruda

2 de maio de 2017 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, Gael García Bernal, Luis Gnecco, Pablo Larraín, Pablo Neruda

Pablo Larraín vem se consolidando como um dos diretores mais expressivos desta década. Na bagagem, carrega filmes importantes como NO, O Clube e Jackie. Em Neruda ele da um passo a mais, ousando em contar a história do poeta e político chileno Pablo Neruda (Luis Gnecco), através dos olhos do personagem fictício Oscar Peluchoneau (Gael García Bernal), um policial obcecado em prender Neruda, por ser membro do Partido Comunista no final dos anos 40.

Porém, o que poderia ser uma típica história policial de gato e rato, nas mãos de Larraín se torna um retrato poético e complexo de um período da história do poeta. Complexo, pois o diretor tenta (e consegue) transportar para o cinema o estilo literário do escritor. E isto é dificílimo, afinal, como contar uma poesia através da linguagem cinematográfica? O diretor vai fundo na profundidade dos personagens, deixando claro que existe uma admiração mutua entre perseguido (Neruda) e perseguidor (Peluchoneau), passando longe de uma tradicional cinebiografia, ao se preocupar mais com o que o personagem principal pensa e representa, do que com fatos históricos.

Claro que o filme tem um conteúdo político, mas o mesmo é tratado de uma forma peculiar,que seria a visão de Neruda sobre o tema. Apesar da clara posição à esquerda de Neruda, o roteiro possui imparcialidade, ao trazer por exemplo, uma bela cena em que uma trabalhadora pobre comunista, que apesar de admirá-lo, o questiona se um dia todos terão acesso à vida burguesa que ele leva.

Aliás, são vários os personagens secundários interessantes que aparecem na tela, formada por ótimos atores habituais de trabalhos anteriores do diretor, como o incrível Roberto Farías (de “O Clube”), que aqui interpreta um cantor de bordelque entende a essência da arte.

Apesar de muitas qualidades, inclusive esteticamente, o filme pode ser considerado um pouco cansativo devido ao ritmo lento. Por fim, Neruda consegue o mérito do que se propõe a fazer, poesia, mesmo que cansativa, mas uma bela poesia.

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Texto de autoria de Marcelo Palermo.

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Crítica | Fogo no Mar

22 de fevereiro de 2017 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

documentários políticos, Filmes Políticos, refugiados

Ao ganhar o Urso de Ouro de melhor filme no festival de Berlim de 2016, o diretor italiano Gianfranco Rosi afirmou esperar que “este filme sirva para fazer as pessoas tomarem consciência de que as pessoas não podem continuar morrendo no mar para fugir de uma tragédia”. Com frase de tamanho impacto, um espectador mais incauto poderia achar que o filme teria mensagens políticas dignas do ativismo de um Oliver Stone ou um Michael Moore. Mas quem se deixasse levar por essa ideia estaria redondamente enganado. Rosi e seu novo longa, agora indicado ao Oscar de melhor documentário, Fogo no Mar retrata a dura jornada não só da viagem dos imigrantes africanos e do oriente médio para a pequena ilha de Lampedusa no sul da Itália, mas também a vida dos habitantes locais.

Também mostrado no filme está o garoto Samuele Pucillo, um morador infantil da ilha que vive com sua família e tem na tela retratada parte do seu cotidiano, enquanto recebe todo o cuidado e atenção médica, carinho e dedicação. A ideia de Rosi é contrastar todo o estilo de vida europeu com a tragédia humanitária dos imigrantes, com o parco tratamento que recebem ao chegarem na Europa, ao lidarem também com funcionários esgotados que veem aquele cenário frequentemente.

Se geralmente documentários caem no vício da narração em off para descrever oralmente tudo o que já estamos vendo, Rosi não comete este erro ao nos deixar plenamente a vontade para tomarmos nossas próprias decisões sobre o que estamos vendo. A câmera só fica lá parada nos mostrando as paisagens, os resgates, os rostos desamparados, a desumanidade crua, os abrigos dos imigrantes, os seus pequenos escapes diários em um jogo de futebol e o desabafo de um médico italiano que tenta ajudar, mas acaba sentindo o ônus emocional de tal fardo em suas costas.

Enquanto retrata a questão dos imigrantes, o documentário se mantém atrativo, informativo e prende a atenção do espectador. Porém, ao se focar por vezes demais no cotidiano de Samuele e sua família italiana, o documentário perde o ritmo e a mensagem que deveria ser de comparação entre aqueles mundos distantes que foram aproximados tragicamente acaba ficando em segundo plano. Neste aspecto, o tempo de tela de cada um dos dramas retratados acaba sendo mal planejado, o que também ressoa na duração do documentário, de quase duas horas. Um vício no cinema moderno que parece não ter fim é justamente esse, o de excesso de informações que arrastam um filme de 90 minutos a muitas vezes mais de duas horas, diluindo uma potencial experiência transformadora em uma experiência tediosa e arrastada.

Tal tema é extremamente necessário ser mostrado para o maior número possível de pessoas, mas por causa das escolhas narrativas e temáticas de Rosi, a mensagem fica demasiada escondida atrás de um filme que ganhará o estigma de filme “europeu” ou de “arte” afastando talvez potenciais espectadores. O objetivo de Rosi provavelmente não passou por isso, mas ao tratar de um tema tão sensível, talvez ele deveria se perguntar o que um dos imigrantes retirados dos barcos clandestinos acharia ao ver seu filme.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

Crítica | A 13ª Emenda

8 de fevereiro de 2017 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Angela Davis, ava duvernay, Barack Obama, donald trump, Filmes Políticos, Racismo

Um dos indicados ao Oscar de melhor documentário em 2017, A 13ª Emenda traz novamente Ava DuVernay à famosa premiação, e novamente com a questão negra nos EUA. Se em seu badalado filme anterior Selma ela contou a história de uma pequena parte da luta de Martin Luther King pelo direito ao voto dos negros segregados, agora ela amplia o foco e se volta à questão do encarceramento em massa da mesma população negra nos EUA.

O documentário é extremamente atual e necessário em tempos de criminalidade em alta, juntamente da desigualdade social e do crescimento de discursos extremistas, que geralmente se associam as narrativas construídas pela mídia para culpar as minorias étnicas, que geralmente já sofrem diariamente as chagas da extrema pobreza, e também precisam arcar com a responsabilidade da “onda de criminalidade”. Não a toa grande parte do que é tratado no documentário se aplica perfeitamente ao Brasil, pois copiamos com detalhes a política de guerra as drogas e combate a criminalidade com a militarização da polícia e o discurso “anti-bandido”.

Com a ajuda de diversos intelectuais e ativistas, entre eles Angela Davis, DuVernay traça um excelente pano de fundo histórico na questão negra dos EUA, desde o final da escravidão, o caos econômico que isso gerou, e como os estados do sul se readaptaram a nova condição, ao se utilizar de uma dúbia frase da 13ª emenda da constituição americana, que acabou com a escravidão, para continuarem utilizando o trabalho barato dos negros pobres americanos, mas agora sob a ótica da criminalização desta população. A 13ª emenda diz que “Não haverá, nos Estados Unidos ou em qualquer lugar sujeito a sua jurisdição, nem escravidão, nem trabalhos forçados, salvo como punição de um crime pelo qual o réu tenha sido devidamente condenado.” Ou seja, era necessário achar justificativas para prender a população negra. Primeiro foram às leis de vadiagem, segregação, depois o combate ao tráfico de drogas e a suposta criminalidade, juntamente com todo o aparato midiático criado para fortalecer o imaginário coletivo de que o homem negro era mais propenso ao crime. A utilização do filme O Nascimento de uma Nação, de D.W. Griffith e o posterior ressurgimento da KKK são imprescindíveis para se entender este contexto.

Extensivamente amparado em dados, o documentário mostra o crescimento da população carcerária dos EUA aliado também a claros interesses corporativos na privatização das cadeias e no fornecimento de serviços como manutenção e alimentação para os presídios, pago com dinheiro público. Corporações essas que auxiliavam congressistas em leis que aumentavam as formas de encarceramento e penas mais duras, numa espiral perversa tendo como alvo a população negra e posteriormente latina dos EUA. Os dados são assustadores: Os EUA possuem a maior população carcerária do mundo, e a população negra masculina dos EUA é de pouco mais de 6% enquanto é mais de 40% da população carcerária, e também já existem mais negros presos hoje do que haviam negros escravizados no século XIX.

Porém, aqui os mesmos problemas de Selma se repetem, e também uma tendência entre documentaristas ativistas. A vontade de se enfatizar a mensagem é tão grande que apenas mostrar os dados não é suficiente. Em uma mistura de Christopher Nolan, Michael Moore e Oliver Stone, DuVernay coloca trechos de rap sobre a situação do negro nos EUA com montagens visuais um tanto distrativas e que fogem da seriedade do documentário. Outras montagens, com discursos de campanha claramente racistas de Donald Trump de fundo com imagens de negros sendo abusados nos anos 50, esfregam na cara do espectador de forma desnecessária o que o documentário por si só já deixa bem claro. Também faltou uma crítica a administração Barack Obama, que manteve e reforçou as políticas encarceradoras de seus antecessores, mas que nem é citado no documentário, como se ele não tivesse a menor responsabilidade sobre o que foi realizado em seu mandato.

De qualquer forma, mesmo com problemas, A 13ª Emenda é um documentário essencial para se entender a questão negra, a questão criminal e racial da chamada “Guerra as drogas” e principalmente, entender o contexto político não só dos EUA, mas também do Brasil e do mundo.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

Crítica | 12 Horas Para Sobreviver: O Ano da Eleição

4 de fevereiro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, Frank Grillo, James DeMonaco, The Purge, Uma Noite de Crime

A franquia Uma Noite de Crime de James DeMonaco ganha mais uma sequência, dessa vez, revitalizada ao deixar o suspense de lado como em Uma Noite de Crime. Seguindo a vertente de Uma Noite de Crime: Anarquia em que se esboçava uma análise sobre a sociedade e a função da nova lei do Expurgo, 12 Horas Para Sobreviver: Dia da Eleição se aprofunda neste tema e mantém a eficiência através de cenas de ação.

O título brasileiro demonstra a vontade de adequar um novo público, descolando a história do formato de suspense / terror da produção com Ethan Hawke no elenco. Desde esta primeira trama, havia um potencial dramático a ser explorado, demonstrando a divisão da sociedade e do quanto uma lei radical como a do Expurgo deixaria grande parte da população a margem da violência, incapaz de se proteger devido à falta de recursos.

O universo da franquia sempre teve esse potencial para explorar o fator social e a nova sequência reflete este aspecto sem deixar de lado a ação inevitável de grupos sobrevivendo ao expurgo. Em parte, o roteiro reflete o embate da política americana, principalmente devido a forte polarização nas demandas dos candidatos à presidência na eleição do ano anterior. O roteiro estrutura com qualidade o grupo de políticos responsáveis pela lei do expurgo e a resistência à lei. Se no filme anterior, o público analisava parte da população que fazia resistência ativa contra a lei, nesta nova produção surge em cena uma senadora, candidata a presidência, cuja campanha se pauta na revogação do expurgo.

Das três histórias lançadas, é a produção mais equilibrada, capaz de explorar a vertente social com bons personagens e trocando o suspense banal por cenas de ação do grupo central (cujo bom personagem do anterior, Leo Barnes, retorna) fugindo das movimentações locais. Ainda que existam diversas cenas plásticas mostrando a violência da lei, são momentos breves que servem apenas para marcar o registro narrativo anterior. Ao enfocar o topo da pirâmide desta sociedade distópica, as semelhanças com o presente tornam-se claras, resumindo que a política sempre será configurada por grandes homens a procura de seus intentos próprios e não a favor, necessariamente, de adequar uma democracia geral.

Mesmo valendo-se de um futuro provável em que o conceito de distópico é a maneira mais fácil de defini-lo, a história composta por DeMonaco (que também dirige a produção) demonstra-se mais efetivo do que as populares distopias que invadiram o cinema nos últimos anos. Seguindo um viés mais popular de um filme de ação e suspense, o roteirista / diretor foi capaz de inserir elementos de análise do movimento presente, ao mesmo tempo em que produziu um bom filme. Evidentemente, o sucesso não terminará aqui e já há outra sequencia programada, dessa vez, focada na motivação que levou a fundamentar a lei do Expurgo. Quem sabe seja um passo anterior e densamente dramático que faça com que a história cresça ainda mais.

filmes-politicos

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