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Akiyuki Shinbou, madoka magica, puella magi madoka magica

Image Comics, JM Ken Niimura, Joe Kelly, NewPop Editora

Bárbara é uma jovem estudante aficionada por RPG. Seu comportamento antissocial, somado às peculiares orelhinhas falsas, tornam Bárbara a típica esquisitona da região. Apesar do comportamento recluso, a garota tem personalidade forte e afirma com todas as letras que é uma matadora de gigantes. Assim começa Eu Mato Gigantes, escrito por Joe Kelly (X-Men, Deadpool, Liga da Justiça) e desenhado por JM Ken Niimura (Academia Gotham, Homem-Aranha).

É altamente recomendável que você leia este quadrinho com o mínimo de informações possível. O objetivo desta resenha é justamente isso: te dar um mínimo de informações para despertar seu interesse (ou não) pela obra.

O estilo visual trazido por Niimura é interessante. Traços simples, quase rabiscos em alguns quadros, alternam com cenas intensamente detalhadas. Toda a arte é feita em preto e branco, sendo colorida apenas com tons de cinza. A leitura se torna fluida e até esquecemos que a obra não possui outras cores. Méritos também do bom roteiro de Kelly, que é o ponto forte da obra.

Bárbara causa sentimentos diversos ao leitor. Em alguns momentos, se mostra quase uma sociopata arrogante, cabeça quente e desajustada. E momentos depois, estamos rindo dela e com ela, torcendo para que dê tudo certo. Afinal, é apenas uma criança.

OK, a revista se chama Eu Mato Gigantes. Temos aqui uma obra de fantasia? Sim e não. Bárbara vive no presente, mas é viciada em Dungeons & Dragons, o famoso RPG de mesa. Ao longo da história, ela se imagina rodeada de criaturas míticas e alimenta a ideia de que é matadora de gigantes. Isso tornaria a história banal se não fosse as ótimas sacadas de Kelly. Ele cria uma alegoria para que Bárbara, literalmente, fuja da realidade, algo bastante comum entre as crianças. Quem nunca se imaginou em um mundo de fantasia, seja lutando contra monstros ou viajando por lugares fantásticos? Kelly brinca com essas fantasias infantis para criar uma história reflexiva sobre assuntos bem profundos.

É satisfatório ler algo como Eu Mato Gigantes. Apesar de ser uma história simples, é muito bem trabalhada dentro de sua simplicidade. Diversos leitores poderão se identificar com a jovem Bárbara em diversos aspectos, e não somente por ela ser nerd. Sua aparência esguia, com óculos enormes e as famigeradas orelhinhas aleatórias dão muito carisma à pequena matadora de gigantes. Não espere uma fantasia medieval, e sim uma história que, apesar dos elementos fantásticos da narrativa, é mais real do que nunca. Um belo lançamento da NewPOP Editora em volume único, formato grande e papel brilhoso de excelente qualidade.

Compre: Eu Mato Gigantes.

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Review | Puella Magi Madoka Magica

30 de março de 2018 by Almighty

Reviews, Séries

Existe um gênero de animes/mangás chamado Mahou Shoujo, onde garotas comuns se tornam guerreiras com poderes especiais. São as Garotas Mágicas. Os títulos mais conhecidos aqui no Brasil foram Sailor Moon, Sakura Card Captors, dentre outros. Em 2011, uma obra do estúdio Shaft, com roteiro de Gen Urobuchi, direção de Akiyuki Shinbo, design de personagens de Ume Aoki e trilha sonora de Yuki Kajiura, subverteu diversos elementos desse gênero. É sobre ela que vamos falar hoje.

Puela Magi Madoka Magica, à primeira vista, parece mais um anime sobre garotinhas fofinhas que lutam contra o mal. Mas na primeira cena, já vemos um clima mais tenso, música pesada e um cenário apocalíptico. Mas era tudo um sonho (?) da jovem Madoka, essa linda garotinha de cabelo rosa.

Ao assistir pela primeira vez, talvez você não capte as nuances logo de início, mas temos aqui uma obra que desglorifica as garotas mágicas. E mais, vários episódios se passam e nada de Madoka se tornar uma. Existem outras garotas mágicas, porém elas não formam um grupo real. Às vezes existe cooperação, às vezes rivalidades, o tipo de armas usadas não é algo tão fofinho assim… “Tem algo diferente aqui”, você pensa. E sim, você tem razão.

Existem bruxas que matam pessoas. Cabe às garotas mágicas lutar contra esse mal. Para se tornar uma garota mágica, você faz um contrato com Kyubey, uma espécie de gato, e em troca dos serviços, ele te concede qualquer desejo. Parece um bom negócio, certo?

É justamente isso que o anime subverte: é realmente bom ser uma garota mágica? Há glamour em tudo isso? Jovens garotinhas lutando contra monstros terríveis? São coisas que, normalmente, não questionamos em outras obras de mahou shoujo. Simplesmente aceitamos que aquelas garotas vão lutar contra o mal arriscando suas vidas, e aparentemente elas gostam disso. Isso é vendido como algo nobre, algo legal, divertido.

O aspecto visual do anime é algo digno de nota. O contraste entre personagens bonitinhas e as situações mostradas causam impacto. A qualidade de animação é excelente. Os olhos possuem alguns riscos como se fosse os traços de um mangá, o contorno das personagens nem sempre é preto, tudo isso dá uma identidade visual bacana. O ponto forte são as batalhas contra as bruxas, onde o estilo de animação muda, tornando-se uma espécie de rabiscos e colagens, muito colorido e psicodélico, verdadeiras obras de arte animadas. Tudo isso aliado à trilha sonora que merece um destaque à parte.

A música é muito importante aqui. Todas são ótimas de forma separada, e ficam ainda melhores quando utilizadas no contexto. O anime brinca, inclusive, com a abertura e encerramento. A letra da música de abertura, com o passar dos episódios, ganha novo sentido, e as cenas fofinhas ficam um tanto melancólicas ao longo da série. Existe o cuidado, inclusive, de inserir a abertura em momentos distintos, dependendo do episódio, e isso ajuda na própria narrativa. O encerramento dos primeiros dois episódios tem uma música mais leve, enquanto que, a partir do terceiro, ela muda drasticamente para algo bem sombrio e pesado, inclusive no significado da letra, tendo em vista um acontecimento importante. O terceiro episódio é o grande ponto de virada da série, é ali que você saberá realmente o que é Madoka Magica.

A narrativa se desenvolve muito bem, os fatos vão se amarrando, as personagens ganham novas dimensões, e o final é bem satisfatório. Não é possível dizer se é totalmente feliz, vai depender da sua interpretação. Mas definitivamente, Madoka merece ser assistido, pois esbanja qualidade técnica e ótima história.

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Resenha | Coin Laundry Lady

23 de março de 2018 by Almighty

JBC, Mangás

Ao longo de sua carreira, o artista japonês Hiro Kiyohara, autor de Another, fez alguns capítulos bem curtos sobre uma garota que vivia numa lavanderia. Tudo isso foi compilado em Coin Laundry Lady, lançado no Brasil pela Editora JBC em volume único, incluindo páginas coloridas.

Primeiramente, parabéns pela coragem, JBC. Este é um mangá que tem um potencial gigantesco de ser odiado por grande parcela do público, e mesmo assim lançaram por aqui. Digo isso porque esta obra aposta em um tipo de humor muito peculiar, nitidamente voltado para o público japonês, sem muito apelo aos leitores de outras culturas. Explico.

Por se tratar de inúmeros capítulo curtos e fechados, inexiste uma sequência narrativa de uma história maior. Não há muita conexão entre os capítulos, a não ser os locais e personagens. Isso se justifica pela forma que o autor concebeu esta obra, fazendo capítulos esporadicamente. Me parece algo despretensioso, feito pela diversão, mas que deve ter agradado algumas pessoas, caso contrário não teria sido compilado em um volume único de quase 200 páginas.

No decorrer da leitura, fui atravessando os capítulos sem grandes esforços, sendo os belos traços de Kiyohara o ponto mais forte da obra. Quanto à história em si, nada mais é do que um compilado de loucuras aleatórias, sem muito sentido, mas que estavam minimamente divertidas. Os capítulos curtos ajudam a manter o ritmo de leitura. Não é o tipo de mangá que se lê de uma só vez, visto a falta de uma história central. Não há nada extremamente engraçado que arranque gargalhadas. Não me pareceu essa a intenção do autor. Por outro lado, as situações absurdas e aleatoriedades são engraçadinhas e renderam alguns sorrisos.

Sugiro cautela em relação a este mangá. Quem não é acostumado aos quadrinhos orientais tem 97,9% de chance de detestar Coin Laundry Lady. Vejo inclusive uma boa parcela de leitores assíduos de mangás que podem reprovar esta obra. Recomendo apenas para quem busca uma leitura casual, “desliga-cérebro”, que apenas quer ler algo bem desenhado sem grandes tramas ou narrativas. Este é aquele mangá que não pode ser levado a sério em momento algum e, no final das contas, é um passatempo mediano.

Compre: Coin Laundry Lady.

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Resenha | O Homem que Foge: Nigeru Otoko

16 de março de 2018 by Almighty

JBC, Mangás

Este mangá de volume único lançado pela Editora JBC é vendido como “um conto de fadas para adultos”. Tal definição é controversa e soa bem pretensiosa, muito semelhante à obra em si. A artista japonesa Natsume Ono aposta em um traço diferente da maioria dos mangás e numa narrativa com poucas falas. Por conta disso, O Homem que Foge não vai agradar todo mundo (e foi este o meu caso).

É possível ler as 200 páginas em poucos minutos devido às poucas falas. A autora mantém um ritmo narrativo com muitos quadros mudos, o que dá muita agilidade e dinamismo à obra. No entanto, ainda que isso seja um de seus maiores méritos, talvez seja o seu maior defeito: o minimalismo não funcionou tão bem, tornando a história vazia e pueril durante boa parte de seu desenvolvimento.

Na trama, existe uma lenda em que um urso habita a floresta local e somente crianças podem vê-lo. Quem passar um dia inteiro com esse urso terá um desejo realizado. E o tal “homem que foge” está relacionado a esta lenda.

A história é voltada a um público adulto e mais maduro. A questão debatida aqui é a fuga dos problemas e o “eu contro o mundo”, e isso realmente é discutido de forma interessante. Entretanto, não há um grande desenvolvimento nesses temas e muitas coisas são deixadas em aberto. Algumas pessoas vão enxergar profundidade, introspecção e reflexão na história. Eu vejo uma tentativa de enganar o público, tal como alguns “jogos artísticos” ou filmes que não entregam nada e fingem ter discussões profundas quando, na verdade, te oferecem um fiapo de história que pode ser interpretado de infinitas formas. Assim fica fácil ter diversas interpretações.

Ao longo dos cinco capítulos, pouca coisa relevante é mostrada, e só há um desenvolvimento real nas últimas páginas. É muito estranho passar dezenas de páginas e não ter muito o que se discutir. O próprio estilo de arte remete a isso, traços finos e que parecem não ter qualquer arte-finalização, quase feito às pressas, repleto de rabiscos e traçados tremidos e bastante simplificados. Isso foi claramente proposital, basta ver a obra anterior de Ono, House of Five Leaves, onde os desenhos possuem melhor acabamento. De certa forma, as ilustrações “desleixadas” fazem sentido dentro do contexto do mangá, ainda que cause um certo incômodo e até mesmo artificialidade dentro da própria proposta da autora.

Recomendo esta obra com ressalvas. Por mais que existam sutilezas e aspectos interessantes — principalmente em sua conclusão —, O Homem que Foge promete muito e entrega pouco, soando bastante vazio no final das contas. A obra tenta fugir dos mangás convencionais, o que é um mérito, mas se mostra pretensiosa. Consigo ver pessoas gostando do mangá, mas definitivamente não é para todo mundo. Se tiver oportunidade, leia, tire suas próprias conclusões, vai demandar poucos minutos do seu tempo e, quem sabe, a história consiga falar algo pra você.

Compre: O Homem que Foge: Nigeru Otoko – Natsume Ono.

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Review | ID-0

15 de março de 2018 by Almighty

Reviews, Séries

mecha, Netflix, Yōsuke Kuroda

A humanidade descobre um minério estranho chamado Orichalt, que gera muita energia. Isso possibilita explorar locais mais distantes no espaço, inclusive para buscar novas fontes de Orichalt. Nesse contexto, criou-se a profissão de mineradores, que utilizam uma ferramenta bem peculiar: as I-Machines. O minerador transfere sua consciência para esses grandes robôs humanoides, possibilitando seu controle. As I-Machines são as únicas formas de explorar e minerar ambientes perigosos e extremos.

A jovem Maya Mikuri tem grande destaque na academia formadora de mineradores e já executa missões supervisionadas. Em uma dessas missões, ocorre um acidente que deixa sua I-Machine à deriva no espaço. Ela não consegue voltar a consciência para seu corpo.

Maya encontra um grupo de mineradores clandestinos e tem como única saída se juntar a eles até encontrar um jeito de recuperar seu corpo para retornar sua consciência a ele.

ID-0, dirigido Gorō Taniguchi e escrito por Yōsuke Kuroda, tinha potencial para ser um bom anime, mesmo sem grandes inovações ou história marcante. Porém, ele tenta ser algo maior do que devia.

A trupe de mineradores clandestinos, por um motivo explicado posteriormente, ficam em tempo integral nas I-Machines, exceto pela filha do líder. Cada um tem uma personalidade bem distinta, e mesmo que estereotipadas, atendem às necessidades da narrativa. Existe um mistério em relação a Ido, que não tem lembranças de seu passado e não sabe dizer por que vai atrás de Orichalt.

A princípio, a trama se desenvolve em torno da tripulação procurando Orichalt e sendo perseguida pelas autoridades, uma vez que fazem um trabalho clandestino. Não há grandes momentos, nem acontecimentos memoráveis, apenas o suficiente para se divertir, o que não é um grande problema. A questão vem a partir da segunda metade do anime, por volta do episódio 7.

Houve uma tentativa de trazer alguns elementos mais complexos à trama, e alguns são até interessantes, principalmente o passado de Ido. Porém, se nos primeiros episódios a trama era bem focada em aventura, agora ela caminha para teorias da conspiração e motivações loucas. Até certo ponto funciona, mas depois o foco muda bastante e a reta final é bem fraca, especialmente o desfecho largado. Tinha potencial, boas ideias, personagens legais, e infelizmente não atingiu um bom resultado. Foi mal desenvolvido. Pelo menos uma coisa é inegavelmente positiva: a qualidade de animação, que tem boa fluidez, muitos detalhes e cores vivas.

O universo criado em ID-0 é bacana, existia potencial, inclusive, para fazer histórias soltas no estilo de Cowboy Bebop . Mas sinceramente, após a essa fraquíssima primeira temporada, não me parece promissor continuar essa história. E se continuarem, por favor mudem a música de encerramento, que é muito ruim, chata e precisa ser suportada para conferir a pequena cena pós-crédito de todos os episódios. OK, o anime está na Netflix, podemos simplesmente pular, mas ainda assim somos obrigados a lembrar que aquela música existe. Enfim, não recomendo ID-0 a ninguém. Mesmo não sendo a pior coisa do mundo, foi uma boa ideia mal executada.

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Resenha | Creepshow

13 de março de 2018 by Almighty

Bernie Wrightson, darkside books, george romero, Stephen King

Creepshow foi um projeto que homenageou os quadrinhos de terror dos anos 1950, especialmente aqueles publicados pela EC Comics, como Contos da Cripta. O resultado foi o lançamento simultâneo de um filme (leia nossa crítica aqui) e um quadrinho, ambos com o mesmo nome e as mesmas cinco histórias. Apesar das semelhanças, cada obra merece atenção, pois carregam algumas particularidades.

Vamos falar da história em quadrinhos, publicada recentemente no Brasil pela DarkSide Books.

A obra traz cinco histórias curtas escritas pelo mestre Stephen King, que envolve temáticas variadas, mas sempre focada no terror. E tendo em vista que a intenção era homenagear os quadrinhos de terror de época, nada melhor que trazer artistas envolvidos com o gênero. A capa ficou a cargo de Jack Kamen — já conhecido por seu trabalho como desenhista de histórias de suspense, terror e ficção científica da EC Comics —, que faz referência ao filme, pois mostra o garoto com a revista em mãos. Já as histórias ficaram sob a responsabilidade de Bernie Wrightson, com uma carreira extensa e renomada nos quadrinhos, tendo trabalhado nas principais editoras americanas, inclusive cocriando o personagem Monstro do Pântano, ao lado de Len Wein, na DC Comics. Wrightson faz um traço realista e detalhado, que remete ao estilo dos quadrinhos de época da EC. As cenas são bem construídas, e algumas delas ficarão na sua memória por muito tempo. Uma pena que ambos os artistas já se foram.

Dia dos Pais, inicia o álbum e mostra uma senhora de idade que visita o túmulo de seu genitor todos os anos na referida data. O túmulo está na propriedade da família, e esta aproveita a ocasião para se reunir. Os fatos envolvendo a morte do pai são repugnantes e o desfecho é maravilhosamente trash.

A Solitária Morte de Jordy Verrill nos apresenta um caipira que vive imaginando as situações antes que elas aconteçam. É a típica pessoa que imagina todas as possibilidades antes de tomar uma atitude, e fica sonhando acordado. Certo dia, um pequeno meteorito cai em sua propriedade, localizada na zona rural. Mas a falta de cuidado de Jordy com o material alienígena trará consequências inesperadas.

A Caixa gira em torno de uma… caixa. Na verdade, uma grande caixa de madeira encontrada pelo zelador da universidade. Nela está escrito Expedição ao Ártico (seria uma referência indireta ao conto Nas Montanhas da Loucura, de H.P. Lovecraft?), e seu conteúdo permanece um mistério até que o professor Dexter Stanley é chamado para averiguar o objeto. O que tem dentro dela?

Indo com a Maré já se inicia com alguém enterrado numa praia, apenas com a cabeça exposta. Ele implora que o tirem dali. O responsável está diante dele, e não demonstra compaixão alguma. Por que ele está enterrado? Este, provavelmente, é o conto mais George Romero da obra.

E por fim, Vingança Barata revela um sujeito que tem sérios problemas com uma infestação de baratas. Se por um lado é a história menos interessante, por outro traz aspectos visuais bacanas que reforçam o traço fantástico de Wrightson, onde a enorme quantidade de baratas causa sentimentos de repulsa.

Interessante notar que o som tem um papel importante em vários seguimentos, onde as onomatopeias fluem pela arte sequencial, causando um efeito narrativo bem legal, uma espécie de agonia, com o som repetindo de novo e de novo enquanto as coisas acontecem. Quando o som é bem usado em uma mídia sem som, nota-se a qualidade dos artistas envolvidos.

Vale dizer que a obra se aproxima mais do “terrir” do que do terror, como acontecia com diversas publicações do gênero. O próprio narrador, exclusivo da versão em quadrinhos, deixa bem claro que a obra não se leva a sério ao se dirigir ao leitor, em uma quebra da quarta parede e utilizar uma linguagem sarcástica e bem humorada ao comentar os acontecimentos de cada uma das cinco histórias. Os diálogos dos personagens também optam pela linguagem coloquial, cheio de gírias e palavras propositalmente erradas para caracterizar alguns personagens (por exemplo, o zelador chamar o professor de “dotor”). Tudo isso gera uma atmosfera mais descontraída à obra.

Em suma, um quadrinho que não vai te aterrorizar, mas sim divertir. Algumas cenas são perturbadoras, sim, e ficarão cravadas na memória, mas nada que irá te traumatizar. Tudo isso, aliada à excelente qualidade do material (capa dura com verniz localizado, tamanho grande, boa impressão e papel grosso) fazem de Creepshow um belo lançamento da DarkSide. Recomendado aos fãs de histórias pulp de terror e o cinema trash e, claro, a todos que gostaram da versão cinematográfica dirigida pelo mestre George Romero ou são fãs de Stephen King e Bernie Wrightson.

Compre: Creepshow.

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Crítica | Creepshow

12 de março de 2018 by Almighty

george romero, Stephen King, Tom Savini

Creepshow foi o projeto que lançou simultaneamente um filme e uma história em quadrinhos. A obra cinematográfica foi dirigida por George Romero e roteirizada por outro grande mestre, Stephen King, além de ter como um dos produtores Richard Rubinstein. Interessante notar que este é um dos pouquíssimos casos em que Romero dirige sem roteirizar. Mesmo assim, a dupla Romero-King funcionou muitíssimo bem.

O filme começa mostrando um pai repreendendo o filho (Joe King, filho de Stephen) que está lendo uma revista em quadrinhos de conteúdo duvidoso. Essa revista é, adivinhem, Creepshow, que mostra cinco histórias de terror com muita violência e bizarrice. O pai joga a revista no lixo, e a partir daí, o filme começa a mostrar as cinco histórias. Vários clássicos do terror seguiram esse formato de contar várias histórias num único filme, como por exemplo Black Sabbath, do saudoso mestre italiano Mario Bava. E não é pra menos, Creepshow referencia, principalmente, os quadrinhos de terror dos anos 1950, em especial aqueles publicados pela EC Comics. Tanto que a revista em quadrinhos foi desenhada por um artista da editora. A decisão de publicar o quadrinho mostrado no filme foi uma sacada genial, e vale muito a pena conferir as duas obras, pois cada uma tem seu charme macabro e algumas diferenças.

Conforme já dito anteriormente, o filme conta as cinco histórias do quadrinho, Creepshow. Cada segmento é desenvolvido separadamente, não havendo qualquer ligação entre eles. Podemos considerar cada história um episódio de uma série. Para o formato quadrinhos, essa estrutura funcionou um pouco melhor, pois cinco histórias em um único filme, por mais que sejam bons, perde-se o dinamismo da obra e torna-se cansativo ao final. Se este for o seu caso, basta assistir um ou dois segmentos por dia, e tudo se resolve.

A primeira história, Father’s Day (“Dia dos Pais”), mostra uma senhora (Viveca Lindfors) que, na referida data, visita o túmulo do pai às quatro horas da tarde, todos os anos, desde a morte do genitor. Ao longo da narrativa, descobrimos a causa da morte do pai e, ao final, somos brindados com momentos de terror clássico. Destaque para os efeitos práticos e para a maquiagem sempre fantástica de Tom Savini.

O segmento The Lonesome Death of Jordy Verrill (“A Solitária Morte de Jordy Verrill”) tem uma abordagem mais cômica que resulta em uma desgraça ao personagem. Tudo começa quando um pequeno meteorito cai na propriedade de Jordy. Ele não toma os cuidados necessários ao manipular o material alienígena e acaba assinando seu atestado de óbito. Destaque para a atuação horrenda, porém divertida, de King, que consegue dar um ar de boboca e inocente a Jordy.

A seguir, Something to Tide You Over (“Indo com a Maré” na tradução dos quadrinhos), já possui algo interessante no título original, que pode ser traduzido de inúmeras formas. É um jogo de palavras divertidamente mórbido, onde “tide” pode significar “maré”, mas a expressão “tide you over” seria algo como “sobreviver mais um pouco”, “passar por uma dificuldade”, ou ao pé da letra, “ser encoberto pela maré”,o que faz muito sentido no contexto do segmento. O grande destaque aqui é Leslie Nielsen, que vive um marido traído buscando uma forma extremamente sórdida de vingança: enterrar a esposa e seu amante na areia da praia, apenas com a cabeça exposta, e esperar a maré dar conta dos dois. Mas tratando-se de Romero e King, sabemos que a história não irá terminar por aí.

The Crate (“A Caixa”) traz o seguimento mais longo e com maior desenvolvimento de personagens. O zelador da universidade (Don Keefer) descobre, por acaso, uma caixa guardada embaixo de uma escada protegida com uma grade. Ele chama o professor Dexter Stanley (Fritz Weaver) para ajudá-lo a tirar a grade de proteção e tomar posse daquela caixa. Nela, está escrito “Expedição ao Ártico” com data do século XIX. O que uma caixa está fazendo guardada ali por mais de um século? Aqui teremos belas cenas de gore utilizando uma iluminação bem exagerada para causar o clima de horror, o que foi reproduzido na história em quadrinhos. Efeitos práticos e muito sangue ilustram este segmento e vai agradar todos os amantes do terror clássico e do trash.

O quinto segmento, They’re Creeping Up On You (algo como “Estão rastejando em Você”, ou ainda “Elas vão te Aterrorizar”), é o único levemente chato, pois a história e personagens, apesar de trazer ideias interessantes, mostrando o pior lado do ser humano, não tem um ritmo muito bom. Entretanto, o protagonista do segmento, vivido pelo saudoso E.G. Marshall, é detestável e consegue de forma efetiva causar repúdio ao espectador. Além do que, teremos as cenas mais memoráveis de todo o filme: baratas. Sim, milhares de insetos repugnantes dão vida aos momentos de grande aflição do personagem. São milhares de baratas reais, efeitos práticos sensacionais, sons asquerosos e a cena final, com certeza, é uma das coisas mais fantásticas já feitas no cinema de horror.

Entre os segmentos há animações bem legais, o que aproxima o filme da obra em quadrinhos. Além disso, várias cenas possuem elementos de histórias em quadrinhos, seja desenhos ou até os quadrinhos em si. Ao término dos segmentos, voltamos à “realidade” para mostrar novamente a família do jovem garoto. Teremos uma brincadeira com as propagandas contidas no quadrinho e um desfecho sinistro e trash devido a uma atitude peculiar do jovem garoto. Por mais que cinco histórias possam cansar um pouco, o resultado final é uma belíssima homenagem não só a EC Comics, mas também aos quadrinhos e cinema clássico de terror.

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Crítica | Your Name

1 de fevereiro de 2018 by Almighty

Animes, makoto shinkai, Your Name.

Your Name, escrito e dirigido por Makoto Shinkai, teve a façanha de alcançar o posto de animação mais rentável dos cinemas japoneses. Após assisti-lo, é possível entender o porquê. Além de tecnicamente perfeito, traz uma história aparentemente clichê, mas que esbanja sensibilidade e, principalmente, uma narrativa muito bem construída.

Elogiar a parte visual de uma obra de Shinkai é chover no molhado. O diretor já é conhecido pela qualidade altíssima de suas animações, com muitos detalhes e cenas vivas. Your Name não é exceção e apresenta takes belíssimos, não só pelos traços, mas pelo uso de ângulos interessantes e construções de cena impecáveis. Um ponto que chama a atenção são aquelas cenas corriqueiras, que vão de uma simples panela cozinhando alimentos até as folhas flutuando na água do rio. O cuidado aos detalhes é assustador, e ajudam a dar o clima narrativo.

A história mostra dois jovens: Mitsuha (Mone Kamishiraishi), uma garota que vive em uma pequena cidade do interior do Japão, e Taki (Ryûnosuke Kamiki), um rapaz de Tóquio. Sem entenderem o motivo, eles trocam de corpo várias vezes, e aqui se inicia a maravilhosa habilidade narrativa de Shinkai. O filme já começa com Mitsuha se comportando de forma estranha, e aos poucos vamos descobrindo que há essas trocas de corpo. As reações dos personagens são bem humanas. O filme entrega os detalhes aos poucos, e você descobre tudo junto com os personagens.

É claro que essa troca vai ocasionar em situações divertidas. Mitsuha não conhece os amigos de Taki, se perde ao ir para a escola e nem sabe onde ele trabalha (tudo isso quando ela está no corpo dele). O mesmo ocorre com Taki, mas no contexto da pacata vida de Mitsuha. Falando assim, parece uma historinha banal. Mas aí as coisas vão se desenvolvendo e…

Tudo se torna bem intrigante. Felizmente, o diretor não se preocupa em dar explicações detalhadas do motivo dessa troca de corpo, nem tenta ser realista ou científico. Mesmo assim, o desenvolvimento da trama e dos personagens é muito rico. Vamos descobrindo novos detalhes da relação entre eles, e no final tudo se encaixa.

Se por um lado o filme traz diversos elementos de ficção científica, Shinkai consegue deixá-los totalmente em segundo plano. Eles são apenas as ferramentas que ele utiliza para contar o que importa: a história de Mitsuha e Taki. Tais elementos ajudam a criar uma trama mais grandiosa e complexa, confundindo o espectador de forma bem controlada. A narrativa segue fora de cronologia, mas tudo vai se encaixando de forma orgânica, inclusive repetindo alguns trechos de cenas passadas. Tudo é muito bem explicado sem quebrar o ritmo da narrativa.

Então este filme realmente é a melhor animação japonesa já feita? Mereceu desbancar o sucesso de A Viagem de Chihiro? Sinceramente, essa discussão é pobre e não vale a pena. “Melhor” é muito relativo. Depende do seu gosto e da sua sensibilidade. Até porque são filmes completamente diferentes, com propostas bem distintas. Uma coisa é certa: Your Name tem muita qualidade e merece todo o sucesso que recebeu. Talvez não agrade os mais jovens ou quem prefere obras voltadas para ação e aventura. Para quem aprecia uma boa narrativa e belas animações, não tem erro, é um prato cheio e com certeza vai ficar na memória por muito tempo. Principalmente ao descobrir o peso do significado do título.

https://www.youtube.com/watch?v=hRfHcp2GjVI

Review | Pokémon Ultra Sun & Moon

30 de janeiro de 2018 by Almighty

jrpg, nintendo, nintendo 3ds, pokémon, RPG

E lá vamos nós para mais um jogo de Pokémon. Este será o último lançado no Nintendo 3DS, então tem um peso ainda maior. Pokémon Ultra Sun & Ultra Moon são versões atualizadas dos já lançados Pokémon Sun & Moon, com vários conteúdos adicionais e história um pouco diferente.

A diferença entre Ultra Sun e Ultra Moon é basicamente os monstrinhos exclusivos de cada uma, incentivando a troca entre jogadores. Outra diferença interessante diz respeito ao ciclo de dia e noite. Desde as versões Gold & Silver, os jogos possuem um relógio interno que acompanha as horas do mundo real. Se você joga durante o dia, será dia no jogo. Essa regra se mantém na versão Ultra Sun, mas é invertida em Ultra Moon. Portanto, se você jogar Ultra Moon durante o dia, será noite no jogo, e vice-versa. No geral, os jogos são iguais.

A parte visual é linda. Os desenvolvedores extraíram muito da capacidade do 3DS, entregando um jogo muito bonito com visual anime em cel-shading. Os personagens têm proporções mais reais, diferente da maioria dos títulos anteriores, que seguiam aquele formato “cabeçudinhos”. Cenários bonitos, animações de batalha bem próximas a um desenho animado, não há o que criticar. As músicas e efeitos sonoros também são ótimos.

Foi implementado o V-Power, que possibilita golpes muito fortes que podem ser utilizados uma vez por batalha. Os ginásios foram substituídos por Desafios (Trials), que no final das contas são batalhas. Cada Trial terá uma batalha final contra um Pokémon Totem, um monstrinho bem forte envolvido pelo V-Power. Os Pokémon selvagens podem chamar ajuda, criando batalhas contra mais de um oponente simultâneo. No geral, houveram poucas mudanças significativas nas batalhas.

É possível cuidar de seus Pokémon após as batalhas. Caso esteja, sujos, molhados ou com os pelos desgrenhados, há ferramentas para cuidar disso, utilizando animações bem simpáticas. Isso aumenta a felicidade dos monstrinhos. A maior vantagem dessa nova mecânica é o fato de poder curar os status negativos após a batalha (veneno, paralisia etc), eliminando a necessidade de usar itens para estes fins.

Infelizmente, este jogo não conseguiu trazer novidades suficientes para continuar usando aquela fórmula já desgastada. A intenção de focar na história foi um dos maiores erros. O enredo dos jogos de Pokémon nunca foram primorosos, tampouco fascinantes. Sempre mantiveram aquela atmosfera simples de aventura, coisa que Dragon Quest sempre fez com maestria. Era a fórmula que funcionava melhor, bastava um enredo simples para justificar sua aventura ao redor do mundo enfrentando toneladas de treinadores e capturando os monstrinhos. Gostávamos de jogar por jogar, jogar para se divertir, jogar para ver os monstrinhos. Ultra Sun & Moon tentou desenvolver uma trama mais elaborada e resultou em algo chatíssimo e irritante. Você dá dois passos e tem uns dois minutos de diálogos. Mais cinco passos, mais diálogos. Diálogos infantis, chatos, longos. Se houvessem vozes, talvez (eu disse TALVEZ) a coisa seria um pouco mais suportável. Eu não jogo Pokémon pra ler toneladas de diálogos ou pra ver inúmeras cutscenes. Pokémon não é Metal Gear, não é Final Fantasy, nem Dragon Quest. Pokémon é uma aventura focada em batalhas e capturar bichinhos. Ponto.

“Ah, mas o público de Pokémon cresceu, eles querem algo mais elaborado”. Sim, boa parte do público que ainda joga acompanha a franquia desde os anos 1990. Eu mesmo comecei lá no Red & Blue, acompanhei mais duas gerações, e só voltei no X & Y. Ainda assim, arrisco dizer que os jogos são focados no público mais infantil, o que não é nenhum problema.

A história desinteressante e o excesso de partes não jogáveis quebraram muito o ritmo do jogo e nas últimas 15 horas que joguei, me senti fazendo uma obrigação, e não diversão. Insisti o máximo que pude, pouco mais de 30 horas, cheguei muito próximo ao final (aparentemente), mas do nada acontece um baita salto de dificuldade que iria me obrigar a fazer um grinding que, até aquele ponto, não era exigido. Com certa tristeza, larguei o jogo ali mesmo. Já estava insuportável continuar, e obrigar um grinding repentino é motivo suficiente para largar o jogo e partir para outro. Não vale a pena investir ainda mais tempo nele (não sei como passei das 30 horas, sinceramente).

Pokémon Ultra Sun & Moon tentou aumentar o escopo da franquia e falhou. Houve um certo esforço para trazer novidades, porém eles focaram nos pontos errados. Ao menos eles tentaram, o que já é digno de nota. O resultado final não me agradou, preferi largar o jogo próximo do final e não me diverti o suficiente para recomendá-lo. Uma pena que a despedida de Pokémon no 3DS seja tão decepcionante.

Crítica | Artista do Desastre

26 de janeiro de 2018 by Almighty

Alison Brie, bryan cranston, Dave Franco, greg sestero, J. J. Abrams, James Franco, judd apatow, kevin smith, Seth Rogen, the room

Era uma vez Tommy Wiseau, um sujeito bem peculiar, sotaque diferente e fortuna de origem desconhecida. Fazia aulas de atuação nos Estados Unidos, e foi aí que sua vida se cruzou com outro aspirante a ator: Greg Sestero. Os dois cultivaram uma amizade forte, porém estranha, visto que Tommy se negava a conversar sobre sua própria vida (origem, idade etc). O tempo foi passando, os dois tentaram a sorte em Los Angeles mas sem grandes resultados. Desta forma, obstinado por seu grande sonho, Tommy resolve fazer ele mesmo um filme. O resultado foi o bizarro The Room, considerado um dos piores filmes já feitos.

Os bastidores de The Room e a relação entre Wiseau e Sestero foram relatados por este no livro The Disaster Artist. A falta de talento e noção do realizador, aliado a diversos outros fatores, resultaram na atrocidade cinematográfica chamada The Room, mas rendeu belas histórias. A partir do livro, temos o filme Artista do Desastre, onde James Franco é o diretor e interpreta Wiseau.

Logo de cara, temos que destacar a atuação de Franco. Ele conseguiu, de forma surpreendente, incorporar os trejeitos, sotaque, personalidade e o timbre da voz do realizador. Até a aparência física se aproxima com o ser humano original. O resultado é uma atuação excelente e muito divertida.

Vários atores estão bem parecidos com os reais. Além do próprio Franco, podemos destacar Dave Franco, que interpretou Sestero, e Zac Efron, que viveu o traficante Chris-R, personagem do filme. Outros nomes conhecidos interpretaram personagens, como Alison Brie, Seth Rogen e Judd Apatow, enquanto outros aparecem sendo eles mesmos: Bryan Cranston, Kevin Smith, J. J. Abrams e Kristen Bell.

O filme se apoiou bastante nos relatos do livro, mas também adicionou outros elementos. Houve uma tentativa maior de humanizar o diretor, só que acabou fazendo com que ele duvidasse dele próprio em alguns momentos, algo que destoa bastante do que é mostrado em grande parte do filme. Wiseau é megalomaníaco e tem uma autoconfiança extrema, beirando ao ridículo, e esses momentos de “Será que eu consigo? Será que sou capaz?” não faz jus à personalidade dele.

O roteiro consegue mostrar bem as decisões erradas do realizador, que vão desde a compra de duas câmeras até a decisão de filmar em sets toscos ao invés de locações externas reais. O ponto mais interessante de Artista do Desastre é o fato de que ele trouxe ao grande público a existência de The Room, sendo que este voltou aos cinemas catorze anos após seu lançamento. Demorou, mas Wiseau finalmente realizou seu grande sonho de ver seu filme sendo passado além daquela única sala em 2003.

Artista do Desastre é divertido, bem feito e certamente fará com que muitas pessoas corram atrás de The Room. Aliás, o filme será muito melhor aproveitado se você assisti-lo antes. Eles refilmaram diversas cenas, e se você conhecer o filme original, as coisas ficam bem mais interessantes. Não importa em qual ordem você assistirá, confira ambos que vale muito a pena. E por favor, assista à cena pós-créditos.

https://www.youtube.com/watch?v=UtzsorjuK-o

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Resenha | The Disaster Artist – Greg Sestero e Tom Bissell

19 de janeiro de 2018 by Almighty

Literatura, Resenhas

greg sestero, the room, tom bissell, tommy wiseau

O filme The Room é taxado como um dos piores já feitos. Por trás desta cômica atrocidade cinematográfica existem histórias de bastidores que valem muito a pena conhecer. Felizmente, tivemos esse privilégio por conta de um dos atores do filme, Greg Sestero, juntamente com Tom Bissell, no livro The Disaster Artist: My Life Inside the Room, the Greatest Bad Movie Ever Made (em tradução livre, O Artista do Desastre: Minha Vida Dentro de The Room, o Melhor Filme Ruim Já Feito).

Greg iniciou sua trajetória no cinema desde o inicio da vida adulta. Nas inúmeras tentativas e erros, conheceu várias pessoas, entre elas um sujeito bem peculiar com sotaque diferente: Tommy Wiseau. Os dois criaram uma boa amizade e, em dado momento, Tommy convida Greg para participar de um filme de sua autoria. O nome do projeto era The Room.

Em uma narrativa bem solta, sem palavreado rebuscado ou tentativas de formalidade, o livro se desenvolve de maneira bem fluida, onde Greg conta vários detalhes sobre a produção do filme e, ainda, de sua amizade com Tommy.

Wiseau realmente é um ser humano fascinante. Algumas coisas ali contadas são difíceis de acreditar, mas fazem muito sentido quando assistimos a The Room. O filme é um reflexo pleno da personalidade e mentalidade de Wiseau, o que é assustador. O livro deixa bem claro que algumas coisas são floreadas para deixar a narrativa mais legal, porém acredito que a maioria do que é contado ali seja real.

Um ponto interessante é a origem desconhecida do diretor, bem como de sua fortuna. Entre os bastidores de The Room e a própria trajetória profissional de Greg Sestero, temos algumas especulações sobre a origem misteriosa de Tommy, sua idade real, dentre outras coisas.

Um exercício interessante é assistir a The Room, ler este livro e depois reassistir ao filme. Com isso, The Room ficará dez vezes mais divertido.

Tommy Wiseau comete diversas atrocidades técnicas na produção do filme. A primeira é ousar atuar, escrever e produzir o filme. Ao invés de alugar, ele comprou duas câmeras, sendo cada uma de filme 35mm e outra HD. Tommy quis gravar com as duas simultaneamente e tornar isso um fato inédito na indústria do cinema. No final das contas, a filmagem em HD sequer foi utilizada.

Não bastasse a falta de talento, Wiseau se mostrava um tremendo ditador durante as filmagens. Fazia todo o elenco estar no set de filmagens o tempo todo, mesmo que não houvesse cena programada envolvendo aqueles atores. São aleatoriedades que apenas a mente estranha do realizador é capaz de produzir. Outro bom exemplo é ter nomeado o próprio Greg Sestero para ser o Line Producer do filme, mesmo que Greg confesse não fazer ideia do que é isso.

O livro é um relato bem descontraído sobre a carreira de Greg, sua amizade com Tommy e as desventuras das filmagens de The Room, embora alguns trechos não sejam tão interessantes assim. Se você curte cinema, vale muito a pena conferir este livro, e claro, assista ao filme antes de ler. Por enquanto, o livro não possui tradução para o português brasileiro, entretanto, se você tem um inglês razoável, vale a pena arriscar. A melhor parte de ler em inglês é a facilidade de imaginar Tommy Wiseau dizendo aquelas palavras. Uma fonte inesgotável de sorrisos.

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Crítica | Battle Royale

11 de janeiro de 2018 by Almighty

Battle Royale, Kinji Fukasaku, Takeshi Kitano

O Japão se tornou um país totalitário. De tempos em tempos, o governo seleciona uma turma de estudantes para se matarem em uma espécie de jogo.Os jovens são levados a um local isolado, recebem suprimentos mínimos, uma arma aleatória e só. Apenas um poderá sobrar no final, caso contrário todos morrem. Isto é Battle Royale.

Toda essa loucura foi adaptada de um livro homônimo lançado um ano antes, em 1999, e que impactou todo o Japão. A trama extremamente violenta envolvendo adolescentes realmente não é recomendada para todos os públicos.

A direção ficou a cargo do experiente Kinji Fukasaku, sendo este um dos últimos filmes de sua carreira, uma vez que faleceu em 2003. No elenco temos bons talentos. Tatsuya Fujiwara ficou conhecido recentemente por encarnar Light Yagami nas adaptações em live action do anime Death Note, bem como interpretou o vilão Makoto Shishio em dois filmes de Samurai X. O veterano Takeshi Kitano já foi o espadachim cego em Zaitochi. No geral, as atuações são um pouco exageradas e caricatas, algo até comum em filmes japoneses. O tom do filme se manteve mais na ação e humor negro, enquanto que o livro gera um clima muito mais tenso e perturbador.

A enorme quantidade de personagens impossibilita o desenvolvimento da maioria deles. Foi um acerto escolherem um núcleo de personagens para terem um desenvolvimento maior, inclusive com flashbacks. Mesmo assim, ainda é um desenvolvimento superficial, fazendo com que as mortes causem muito menos impacto. Reparem, causam menos impacto, não significa que são leves. O gore do filme é intenso, agravando-se pelo fato de serem adolescentes. Várias mortes descambam pro trash, o que seria quase inevitável, tendo em vista a brutalidade excessiva de algumas mortes. A cada morte, é mostrado o nome da vítima e quantos estudantes restam.

As duas horas de filme tem um ritmo muito bom, sempre está acontecendo algo. No final das contas, o filme é uma bela compilação de mortes brutais com um subtexto interessante, mas que o pouco tempo de tela não permitem aprofundar tanto. Mesmo assim, temas como pedofilia e suicídio estão ali. E por incrível que pareça, o filme não se leva tão a sério quanto deveria, o que não é um defeito. Talvez o maior problema seja a excessiva quantidade de mortes em pouco tempo de filme, o que as tornam um pouco banais e, mais uma vez, diminuem seus impactos.

Interessante notar que os personagens são bem humanizados. Talvez muitas pessoas esperariam que todos os estudantes sairiam matando feito loucos, porém não é isso que acontece. Alguns se negam a “jogar”, outros ficam perdidos sem saber o que fazer e, claro, existem aqueles que vão matar sem dó nem piedade.

Analisando separadamente, Battle Royale é um bom filme de ação, e vai agradar os amanes de gore e violência. Comparado ao livro, obviamente é uma obra mais rasa, sem o clima de tensão e horror. A grande quantidade de personagens impede um grande desenvolvimento de todos, e desta forma não criamos empatia com a maioria deles. De uma forma geral, é uma adaptação decente, que funciona bem independente da obra original, mesmo que ambos tenham muitas semelhanças. Mas fica a recomendação: se puder, leia o livro, de preferência antes do filme, e já fique avisado (de novo) que ambas as obras são muito violentas.

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Crítica | The Room

10 de janeiro de 2018 by Almighty

Battle Royale, Globo Livros, Koushun Takami

greg sestero, the room, tommy wiseau

The Room é um caso a ser estudado. Dentre milhares de filmes ruins e mal feitos, ele se destaca por ser horrivelmente bom. E não significa qualidade, muito pelo contrário. O longa é um caso onde todos os planetas se alinharam para fazer o pior filme possível, entretanto o resultado foi uma comédia involuntária, e não o drama planejado.

O responsável por cometer esta obra é Tommy Wiseau, um cidadão americano proveniente de algum lugar da Europa (?), sotaque estranho e fortuna de origem desconhecida. O sonho de Tommy era ser ator, então decide produzir, dirigir, escrever e atuar seu próprio filme. Acontece que ele está mais próximo de Ed Wood do que de Orson Welles. Eis que surge The Room.

Os bastidores de produção são tão interessantes quanto a obra em si. Quando mais se sabe dos bastidores, mais legal o filme se torna, pois você assistirá notando cada bizarrice e sabendo “Ah, esta parte foi inserida depois, e ficou muito pior do que deveria”.

Para início de conversa, Wiseau é um péssimo ator, um péssimo diretor, péssimo roteirista e não tem/tinha noção alguma de como produzir um filme. Ele gastou pequenas fortunas ao prolongar desnecessariamente as filmagens, comprou duas câmeras ao invés de alugar, modificava cenas de forma completamente aleatória, exigia que todo o elenco estivesse presente nas filmagens de todas as cenas, raramente ouvia opiniões dos outros, dentre outros desastres. É inacreditável como o resultado final tenha ficado tão ruim, e por isso tão divertido.

Podemos notar problemas até no poster do filme, onde temos a bela face de Tommy Wiseau com cabelos mais curtos, sendo que no filme ele tem cabelos longos. Mas existe uma justificativa plausível: esse foi o poster de divulgação do filme, que permaneceu em uma grande placa cinco anos antes da estréia do filme, ou seja, ele deixou o cabelo crescer até o início das filmagens. E o aluguel dessa placa custou milhares de dólares por mês. Isso mesmo, cinco anos antes da estréia. Quando as filmagens estavam longe de começar.

A ideia do filme seria um drama sobre Johnny (Wiseau), um cidadão americano médio, relativamente bem sucedido, que estava prestes a se casar com sua amada Lisa (Juliette Danielle). Porém, Lisa inicia um caso amoroso com o melhor amigo de Johnny, Mark (Greg Sestero), e tudo isso culmina em um desfecho trágico. A história é simples, nada especial, poderia ser contada em cinco minutos. Porém, o roteiro de Wiseau tentou desenvolver os personagens, fazer o público criar empatia com Johnny e apresentar um drama bem forte. Ao invés disso, 95% do filme é um amontoado de cenas que não agregam nada, absolutamente nada, à trama. Personagens aparecem e somem do nada, situações que serão completamente ignoradas no minuto seguinte, mudanças de comportamento repentinas, nada dá certo. E por causa de todos esses absurdos é que o filme se torna tão engraçado!

Mesmo quando a mãe de Lisa diz, do nada, que tem câncer, Lisa reage da forma mais indiferente possível, e tal informação nunca mais é citada. O jovem Denny (Philip Haldiman), além de se mostrar um amante do voyeurismo, diz que ama Lisa, e na frase seguinte diz que ama outra pessoa e que deseja se casar com ela. Johnny pede conselho para seu amigo psicólogo Peter (Kyle Vogt), e na mesma cena, quando Peter dá um conselho, Johnny fica nervoso porque o amigo “vive bancando o psicólogo”. Incongruências de roteiro, frases extremamente artificiais, tudo isso reflete o talento patético do diretor.

Menção honrosa para as várias cenas de sexo longas, chatas e que, obviamente, não agregam nada ao roteiro.

As atuações são um show de horrores à parte. Grande destaque ao próprio Wiseau, com suas caras e bocas, entonações péssimas, desenvoltura inexistente e, claro, o jeito de falar bem peculiar. É o pior ator do filme, com folga. Para agravar ainda mais as péssimas atuações, os diálogos não funcionam, são mal escritos e utilizam palavras e expressões que são corriqueiras apenas na mente dele mesmo. Quem assiste ao resultado final deve pensar que o filme foi gravado em 2 dias. Ledo engano. Algumas cenas de poucos segundos demoraram horas devido à incapacidade de Wiseau decorar falas simples, ou até de querer regravar algumas cenas pelo simples fato de querer. O famigerado chroma key do terraço daria um texto à parte. Por que não gravar num terraço real? Porque não.

Não se limite a assistir compilações de “melhores” cenas no Youtube. Ignore as notas baixas (e altas) que estão pela internet. Assista a esta obra na íntegra e ria de cada momento que transborda falta de aptidão cinematográfica. Diferente de vários filmes trash, este tentou ser de alta qualidade, gastou cerca de seis milhões de dólares para ser produzido e o resultado é simplesmente uma das maiores obras de comédia involuntária da história. Tommy Wiseau prova, de uma vez por todas, que não basta ter uma câmera na mão e uma ideia na cabeça. Ele tinha duas câmeras, alguns milhões de dólares, muitas ideias e nenhum talento. Agora pare de ler este texto e faça um favor a si mesmo: assista The Room.

PS.: o trailer abaixo é oficial. Confira no site do filme caso duvide.

https://www.youtube.com/watch?v=EE6RQ8rC8hc

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Resenha | Battle Royale – Koushun Takami

4 de janeiro de 2018 by Almighty

Literatura, Resenhas

Koushun Takami chegou à final do Japan Grand Prix Horror Novel com seu primeiro livro, Battle Royale. O ano era 1997. Takami não saiu vencedor dali, mas sua obra impactou todo o país ao ser publicada dois anos depois. A partir daí, quase que imediatamente, Battle Royale ganhou adaptações para o cinema e mangá.

Dizem as más línguas que o júri do Japan Grand Prix Horror Novel não deu o prêmio a Takami devido ao conteúdo extremamente pesado e controverso do livro. Essa derrota não impediu que Battle Royale vendesse mais de um milhão de cópias no Japão e se tornasse parte da cultura pop mundial, inclusive a franquia de sucesso Jogos Vorazes.

Mas afinal de contas, do que se trata Battle Royale? A trama se passa numa espécie de Japão totalitário onde, de tempos em tempos, o governo escolhe uma turma de alunos para se matarem em um local isolado até que sobre apenas um sobrevivente. Uma história leve e feliz, ideal para toda a família.

Takami consegue, ao longo das mais de 650 páginas, narrar de forma detalhada toda a trajetória daqueles 42 estudantes até a fatídica ilha onde o “jogo maravilhoso” acontecerá. O ponto mais incrível é que a narrativa de Takami, embora lenta e detalhada, não é cansativa. Pelo contrário, é extremamente viciante. Ele não tem pressa de mostrar diálogos ou descrever as situações. Porém, a escrita de Takami é tão fluida que, além de ser agradável de ler, te permite criar um filme em sua mente sem grandes dificuldades. Méritos para a excelente tradução de Jefferson José Teixeira, que traduziu direto do original japonês e conseguiu adaptar perfeitamente ao português toda aquela trama macabra.

O ponto mais perturbador do livro é o fato de serem adolescentes na faixa de 15 anos se matando. Eles são da mesma turma da escola. Eles conviveram quase todos os dias até ali. Muitos deles são grandes amigos ou até namorados. As primeiras 70 páginas mostram esses jovens alunos interagindo uns com os outros antes de serem colocados naquele cenário de matança. E a regra é clara: só pode restar um, caso contrário todos morrem no final.

De início, temos acesso à lista de nome dos 42 alunos. Confesso que fiquei preocupado com isso. Será que o autor vai conseguir desenvolver tantos personagens? E mais, será que vou conseguir lembrar de tantos nomes, e pior, nomes japoneses? Takami conseguiu, e isso é assustador. Ele consegue criar diversos núcleos de personagens, e com isso o leitor terá um maior contato com os nomes, aos poucos. E se lembrará de como eles foram assassinados miseravelmente.

No final de cada capítulo, temos um lembrete [RESTAM X ESTUDANTES], o que gera uma tensão absurda: “Quando esse número vai mudar?”

Por mais que as mortes sejam constantes, Takami dá muita importância a elas. Não temos aqui uma história de assassinos seriais que matam toneladas de pessoas com métodos até engraçados, como vários filmes trash. São adolescentes com uniformes de escola matando seus colegas (e amigos) de classe. As atitudes descritas são muito críveis, onde nem todos estão plenamente dispostos a sair matando geral. Os personagens são bem humanizados, e as mortes realmente impactam. À medida que a metade do livro que está na sua mão esquerda vai ficando mais grossa, o número de estudantes remanescentes vai diminuindo e as páginas vão sendo viradas cada vez mais rápido. Seu maior desafio será ler apenas um capítulo por vez, ou algumas poucas páginas. É praticamente impossível. Queremos saber onde essa loucura vai terminar.

A quantidade de páginas talvez assuste os leitores menos assíduos, mas a verdade é que, ao terminar, você vai querer mais. É aquele livro que não dá vontade de parar de ler, mesmo que as situações violentas não sejam as mais agradáveis possíveis. Um livro extenso que pode facilmente ser devorado em poucos dias. Leitura fluida, perturbadora e de altíssimo entretenimento. Uma pena que o autor nunca mais escreveu nada após Battle Royale.

A edição lançada pela Globo Livros é excelente, papel de ótima qualidade e capa bonita, um belo produto.

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Review | Killer Instinct

2 de janeiro de 2018 by Almighty

Killer Instinct, pc, xbox one

A franquia Killer Instinct surgiu em meados dos anos 1990 e fez um enorme sucesso. Em meio a grandes títulos de jogos de luta, tal como Street Fighter II e Mortal Kombat, a nova franquia da Rare trazia mecânicas diferenciadas e visual impressionante para a época. Porém, a série morreu cedo, ganhando pouquíssimos novos jogos, e se manteve no limbo por muitos anos.

Mais de uma década se passou e finalmente Killer Instinct foi revivida pelo estúdio Iron Galaxy, sendo um dos primeiros títulos exclusivos do Xbox One. Posteriormente, o jogo foi lançado no PC na plataforma Windows Store e, recentemente, no Steam, ambas as versões muito bem otimizadas.

O jogo apostou em um modelo diferente: você baixa o jogo de graça, tem um personagem disponível para testar e conhecer as mecânicas e, se gostar, pode comprar mais conteúdo de forma separada. Novos conteúdos foram sendo disponibilizados em forma de temporadas. De início, o jogo veio com pouco conteúdo, mas agora, na terceira temporada, já são 29 personagens e diversos modos de jogo. A recente versão do Steam não traz a opção de baixar o jogo de graça para testar, ele já vem completo com todas as temporadas por um preço excelente. Já no Xbox One e Windows Store, esse modelo gratuito ainda prevalece.

A primeira coisa que chama a atenção são os personagens. Killer Instinct possui uma variedade de lutadores com aparências agradavelmente destoantes uns dos outros. Robôs, monge, vampira, bárbaro, esqueleto, dinossauro… no final das contas, o que importa é a diversão. E a variedade vai muito além da aparência. Cada lutador tem uma boa variedade de golpes, muito distintos entre eles. Para entender cada personagem, é necessário um mínimo de dedicação. A lista de golpes é bem completa, com descrições dos golpes e informações bem avançadas, como a frame data. São 29 personagens muito diferentes, o que garante dezenas de horas simplesmente para conhecer a fundo cada um deles.

Vários lutadores do elenco clássico estão de volta (Jago, Orchid, TJ Combo), além de novos personagens (Mira, Sadira) e participantes de outras franquias (Rash de Battletoads, Arbiter de Halo). Existem várias opções de personalizar a aparência de cada um, que não se limita apenas à mudança de cor das roupas. Cada parte da vestimenta pode ser mudada, possibilitando um carnaval bizarro.

A base das mecânicas do jogo são focadas nos combos. É relativamente fácil montar as sequências de golpes mais simples, pois elas seguem uma estrutura lógica muito bem explicada nos tutoriais. Mas, diferente da maioria dos jogos de luta, encaixar o primeiro golpe do combo não significa aceitar calado o dano vindouro. Killer Instinct é famoso pelo COMBO BREAKER, comando que interrompe a sequência de golpes do adversário. O comando é muito simples de fazer: basta apertar um soco e um chute da mesma intensidade de força (por exemplo, soco e chute fracos). Para ter êxito no Combo Breaker, é necessário utilizar botões da mesma força do golpe que deseja interromper. Se você errar um Combo Breaker, aparecerá um X acima do seu personagem durante 3 segundos, tempo que ficará impossibilitado de aplicar um novo Combo Breaker. Parece pouco, mas 3 segundos é tempo suficiente para o adversário encaixar os golpes mais fortes e potencializar o dano sem se preocupar.

Na teoria é simples, na prática nem tanto. Isso porque os combos são rápidos e podem alternar entre golpes fortes, médios ou fracos. E mais, é possível fugir da estrutura básica dos combos, tornando-os mais complexos, e com isso mais difíceis de serem quebrados. Esta é a grande sacada de Killer Instinct: quanto mais você dominar um personagem, você será capaz de executar combos maiores, mais sofisticados e mais difíceis de quebrar. Isso é crucial para ser competitivo. Jogadores experientes conseguem quebrar combos simples com muita facilidade, por isso é importante variar o máximo possível. Golpes fortes aplicam mais dano, porém são mais lentos, e consequentemente mais fáceis de serem quebrados. É preciso ter esses detalhes em mente quando iniciar um combo.

Interessante pensar que o momento de maior atenção e adrenalina do jogo é aquele em que você está apanhando. É importante conhecer os golpes de cada lutador para que seja mais fácil identificar quais são os golpes fracos, médios e fortes, possibilitando o Combo Breaker. E as coisas não param por aí.

Além do Combo Breaker, existem outras mecânicas interessantes: Shadow Counter e Counter Breaker. Não se preocupe, é mais fácil do que parece. Vamos lá.

Shadow Counter utiliza um nível da barra especial (Sombra), fazendo com que você assuma uma postura de contra-ataque logo após uma defesa. Se o oponente te acertar algum golpe durante essa postura, você aplicará um contra-ataque sombrio, que seria algo parecido com os golpes EX do Street Fighter. Golpes sombrios aplicados normalmente durante a luta também consomem um nível de barra Sombria, deixando o golpe mais forte, mais rápido e/ou com alguma propriedade especial.

Já o Counter Breaker é a mecânica mais cruel do jogo. Ele basicamente quebra o Combo Breaker. Sim, nem o Combo Breaker é uma garantia de evitar o dano. Caso seja aplicado com sucesso, o Counter Breaker deixará o oponente travado por 4 segundos, ou seja, 4 segundos sem poder aplicar um Combo Breaker. É claro que a maior recompensa vem com um maior risco. Ao executar o Counter Breaker, o jogador interrompe o próprio combo. Caso o adversário não caia na armadilha, o combo estará interrompido e o jogador ainda ficará alguns instantes vulnerável. Geralmente os jogadores criam armadilhas mentais para que o adversário caia no Counter Breaker. Jogue online contra adversários experientes e veja que é possível cair em 3 Counter Breakers no mesmo combo (experiência própria). Imagina a quantidade de dano…

Para auxiliar o lutador, existe a barra de Instinto, que é preenchida ao longo da batalha. Quando cheia, é possível ativá-la para gerar efeitos que variam de personagem para personagem. Na maioria das vezes, o lutador fica mais rápido, mais forte ou aplica um golpe especial. Ela também permite cancelar golpes no meio de suas execuções, algo parecido com o FADC do Street Fighter IV ou mesmo os V-Trigger do Street Fighter V.

Killer Instinct é um jogo bem sólido e, na medida do possível, balanceado. Entretanto, algumas coisas incomodam bastante.

Por exemplo, é possível ser derrotado com chip damage (o dano recebido ao defender os golpes). Muitos personagens possuem golpes que atingem o oponente com muita facilidade e que tem alcance absurdo. Com isso, basta “farofar” esse golpe para garantir a vitória sobre o oponente que está com um fio de vida.

Alguns golpes permanecem muito tempo na tela, encurralando o adversário com muita facilidade. Esse problema, além de dificultar muito a vida de personagens com pouca mobilidade, também potencializam o defeito mencionado no parágrafo anterior. Por vezes, alguns golpes ficam quase impossíveis de serem evitados, pois se você pular da magia, o adversário te aplica algum outro golpe.

Além disso, algumas vezes o jogo exagera nos efeitos visuais. A tela fica muito poluída com faíscas e brilhos que por vezes atrapalham a visualização detalhada de alguns golpes. General Raam (personagem convidado da franquia Gears of War)consegue encher a tela com criaturas pretas que praticamente cobrem a visão de tudo, e conseguir entender plenamente o que está acontecendo se torna um verdadeiro inferno. E este é apenas um exemplo.

Por mais que o jogo tenha alguns defeitos, o saldo final é positivo. Killer Instinct é bem feito, tem mecânicas sólidas e interessantes, personagens legais, parte sonora excelente e jogabilidade viciante. É possível que seja um dos jogos mais difíceis de dominar, pois é necessário conhecer a fundo todos os personagens para não ser massacrado nas partidas online. Alguns personagens fazem combos bem complicados de se quebrar, resultando em quantidades monstruosas de dano. Mas toda essa tensão de querer aplicar um Combo Breaker, ficar atento para não aplicar golpes aleatórios e cair no Shadow Counter, ou mesmo ficar esperto para não ser vítima do Counter Breaker, Killer Instinct te deixará ligado a cada segundo da partida. Para quem gosta de jogar offline, há vários modos de jogo e um tutorial excelente para explicar as mecânicas do jogo. Aos jogadores mais competitivos, felizmente existe uma boa comunidade online ativa, e ainda crossplay entre PC e Xbox One, aumentando bastante a quantidade de adversários disponíveis. O netcode é fantástico e permite jogar sem lag com desafiantes de outros países. Um jogo único e com muita personalidade.

Review | Dragon Quest VIII: Journey of the Cursed King

26 de dezembro de 2017 by Almighty

Akira Toriyama, dragon quest, enix, jrpg, Koichi Sugiyama, square, Square Enix, Yuji Horii

Três anos após o lançamento de Dragon Quest VII em 2001, no Playstation, a franquia embarcaria agora no Playstation 2, trazendo um dos jogos mais queridos pelos fãs. A primeira diferença drástica está no visual, agora totalmente em 3D, com personagens e cenários modelados em cel shading, fazendo com que você se sinta jogando um belo anime.

Até poucos anos atrás, o jogo ficou restrito aos donos do Playstation 2. Felizmente, o título foi lançado para dispositivos móveis Android e iOS, apesar dessas versões não terem as vozes dos personagens e rodarem abaixo dos 30 frames por segundo. Em 2017, Dragon Quest VIII ganharia uma excelente versão no portátil Nintendo 3DS, inclusive com novidades. Este review tomará como base a versão do 3DS.

A versão lançada no portátil da Nintendo possui elementos diferentes. Alguns exemplos mais notórios:

As batalhas não são aleatórias. Você pode ver o monstro e só entrará em batalha se encostar nele, possibilitando uma exploração mais rápida dos cenários e a possibilidade de escolher os momentos em que irá se dedicar ao necessário grinding de experiência;
aumentar velocidade da batalha (a velocidade original é leeeeeenta de dor);
existem dois novos personagens jogáveis(não direi quem são para evitar spoilers);
é possível tirar fotos, cuja principal utilidade é ganhar alguns benefícios no jogo, como se fossem achievments;

A história é simples e não tem ligação direta com os jogos anteriores. A jornada é muito longa, mais de 60 horas, e seria ainda maior caso o sistema de encontros aleatórios com inimigos tivesse sido mantido.

Diversos elementos da franquia estão de volta, tais como monstros clássicos, mini medals escondidas pelo mundo, batalhas em turnos, efeitos sonoros clássicos e enorme variedade de equipamentos. Não há grandes novidades neste ponto. Uma pequena diferença está no sistema de classes. Criado em Dragon Quest III e utilizado inclusive no jogo anterior, Dragon Quest VII, aqui temos um sistema mais brando. A classe de seu personagem já está definida. Cabe a você escolher apenas as habilidades relacionadas a determinado tipo de arma. Por exemplo, se você quiser que Yangus seja mais eficaz ao utilizar machados, evolua a skill de machado, garantindo maior dano e habilidades exclusivas ao utilizar esse tipo de arma.

A progressão da jornada é bem lenta, podendo incomodar quem não está acostumado aos JRPG mais clássicos. Diversas missões se desenrolam em outras menores, e no final das contas, para adquirir um item que dará acesso ao local X, será necessário ir ao local Y para conseguir um item Z que dará acesso ao local M para adquirir o item B que, aí sim, permitirá conseguir o item para acessar o local X. A estrutura do jogo é bem simples, mas esta é uma das características mais agradáveis da franquia. História simples, objetivos simples, tudo se juntando numa grande aventura. E neste jogo, a sensação de “grande aventura” é constante. O mundo é gigantesco, com inúmeras cidades e locais interessantes a serem visitados.

Um dos problemas do jogo é justamente a longa duração. Apesar de eu ter me divertido ao longo das mais de 60 horas, em alguns momentos você deseja apenas que a história ande um pouco mais rápido. Algumas missões são menos divertidas, e as horas finais do jogo realmente incomodam. Não é apenas uma reta final extremamente difícil como Dragon Quest II, é simplesmente chato… e difícil também.

A última “dungeon” é longa com mapeamento complexo, e neste ponto o desejo de terminar o jogo já estava gigantesco. Nela, já temos a impressão de que a aventura está caminhando para os finalmentes. Porém, ao vencer os chefes dela e sair, ainda temos uma outra missão chatíssima para, aí sim, enfrentar o último chefe que traz um salto de dificuldade muito grande. Enquanto que o penúltimo chefe não traz dificuldade alguma, o último é extremamente forte, te mata com um ou dois golpes e não tem um padrão de ordem de ataque (não sabemos se ele, no próximo turno, vai atacar primeiro ou depois de você, dificultando muito a estratégia a ser aplicada).

O fato de terem eliminado os encontros aleatórios com inimigos (exceto quando você está andando de barco), o jogo poderia ter diminuido a necessidade do grinding. Ou adaptar o nível dos inimigos ao seu nível atual. Mas este é um elemento já clássico em JRPG. Aparentemente é algo que os jogadores japoneses realmente gostam, só que ao meu ver é uma forma preguiçosa de inflar a duração do jogo.

Após terminar o jogo, existem algumas coisas que podem ser feitas, ampliando ainda mais a duração do jogo. Sinceramente, não senti vontade alguma de prosseguir. O jogo é demasiado longo, e na reta final já não estava com muita vontade de jogar mais. O trecho pós-último chefe vai exigir muito mais grinding. Boa sorte para quem se dispuser a isso.

Dragon Quest VIII pode ser recomendado para os fãs da franquia ou para adoradores de JRPG clássicos. Quem detesta esse tipo de jogo vai continuar detestando após jogá-lo. Não deixa de ser uma ótima porta de entrada aos que desejam conhecer esta série que é tão amada no Japão. A identidade trazida por Yuji Horii (criador), Akira Toriyama (design dos personagens, criador de Dragon Ball) e Koichi Sugiyama (música) criam aquela “atmosfera mágica” que é difícil explicar, e é justamente isso que me faz gostar tanto da franquia. Apesar da reta final ter sido mais chata e cansativa, isso não exclui a diversão das dezenas de horas anteriores. Vale a pena conferir, será um bom aquecimento antes de Dragon Quest XI ser lançado no ocidente.

Crítica | Natal Sangrento

22 de dezembro de 2017 by Almighty

filmes de natal, Papai Noel, Terror

O pequeno Billy, junto de seus pais e irmão, visita o avô em um hospital psiquiátrico. Debilitado, o velhinho não consegue falar. Mas quando apenas o pequeno Billy está na sala, ele, de repente, começa a falar. Diz coisas sobre o Papai Noel, que ele fará coisas terríveis com as crianças que forem travessas (no original, “naughty”, palavra muito recorrente neste filme). E convenientemente, ao viajarem de volta para casa, à noite, encontram um carro parado no meio da estrada. Papai Noel! Billy diz para seguirem em frente, mas o pai acaba parando carro para ver se o homem vestido de Bom Velhinho precisa de ajuda. Ele puxa uma arma e aponta para o pai. Imediatamente, acelera o carro tentando fugir, mas o “Papai Noel” acerta um tiro e mata o pai.

O carro sai da pista e pára. O bandido também mata a mãe após resistir à tentativa de estupro. Billy corre e se esconde. Seu irmão, um bebê, permanece no carro. Billy vê Papai Noel segurando um canivete com o sangue de sua mãe, e aquela imagem marcará sua vida para sempre. Ele e seu irmão são levados a um orfanato, e esse fantasma do passado irá assombrar Billy da pior forma possível.

Natal Sangrento (Silent Night, Deadly Night, no original) é um filme slasher de 1984 onde o assassino é o protagonista. Na primeira metade do filme, vemos Billy em três momentos de sua vida: aos cinco anos (quando presencia o assassinato dos pais), aos oito anos no orfanato e aos dezoito anos em seu emprego. É interessante salientar que o filme se esforça para demonizar ao máximo a figura de Papai Noel, o Natal em si e as tradições religiosas. O orfanato é liderado por freiras, onde a Madre Superior é mostrada como uma tirana. Não bastasse mostrar símbolos de Natal numa ótica sinistra, o filme ainda mostra uma freira fazendo sexo. O tom blasfemo do filme é, talvez, seu ponto mais forte.

Na segunda metade do filme, vemos como Billy se tornará um assassino serial devido a seu trauma de infância. Se por um lado ele é mostrado como uma pessoa muito boa, suas perturbações acabam o levando para o caminho da psicopatia. E claro, de forma bem súbita, sem grandes aprofundamentos no psicológico de Billy, afinal estamos falando de um belo exemplar do cinema trash.

Billy vira uma máquina de matar, com andar e fala robóticos, repetindo à exaustão “naughty” e “punish”, e a péssima atuação de Robert Brian Wilson contribui para o fator diversão. É caricato, é bobo, é divertido. Afinal, quem espera seriedade num filme destes precisa rever seus conceitos. A sucessão de mortes são gore e bem esdrúxulas, aumentando a boa-baixa qualidade de Natal Sangrento.

Não há muito o que destacar na parte técnica do filme. Este é o segundo trabalho de Charles E. Sellier Jr. e fez algo bom dentro da qualidade que se propõe. O elenco é de mediano pra baixo e o roteiro… é essa coisa descrita acima.

Natal Sangrento é um bom filme para passar o tempo. Nada muito extraordinário, apesar de algumas boas ideias, como mostrar o protagonista-assassino em três idades diferentes, a ótica macabra dos elementos natalinos e algumas mortes criativas. Se quiser uma sugestão, ao invés de assistir a este filme, assista à sequência, Natal Sangrento 2, que, da maneira mais trapaceira possível, gasta metade de seu tempo contando e mostrando cenas deste primeiro filme. Só que sua continuação é uma versão muito mais trash, com momentos épicos de canalhice, mortes babacas e atuações deliciosamente ruins. Você poupa seu tempo e se diverte em dobro!

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Crítica | Vozes de uma Estrela Distante

13 de dezembro de 2017 by Almighty

Animes, makoto shinkai

Esta curta animação do diretor japonês Makoto Shinkai usa um cenário sci-fi como pano de fundo para contar uma história extremamente cotidiana: o relacionamento à distância de dois jovens. Noboru e Mikako se conhecem desde a escola, mas ela ingressa numa espécie de exército espacial da ONU para combater forças alienígenas. A animação se passa em meados do século XXI.

O grande foco narrativo se dá com a dificuldade de comunicação entre os jovens. Mikako se afasta cada vez mais da Terra, e com isso as mensagens entre eles, trocadas via celular, demoram cada vez mais para chegar. Isso cria uma distância não só física, mas temporal entre eles.

Noboru leva sua vida comum na Terra e espera ansiosamente pelas mensagens de Mikako. Com o passar dos anos, ele começa a perceber que, talvez, o melhor caminho seria seguir em frente e não apostar na volta da amada.

Um elemento interessante é que Mikako pilota um robô gigante e trava batalhas violentas contra os alienígenas, porém ainda veste a roupa de colegial. Talvez o diretor quis mostrar que ela ainda possui um vínculo com a Terra, ou até uma maneira visual de representar que seus pensamentos ainda estão aprisionados naquela longínqua época que convivia com Noboru.

A parte visual é muito bonita, o que é corriqueiro nas obras de Shinkai. Os momentos de batalha são muito interessantes, mas em momento algum isso ganha o foco da história. Tudo gira em torno da saudade do casal, progredindo da forma mais melancólica possível.

Vozes de uma Estrela Distante é uma obra singela, até simples, mas esbanja bom gosto e sensibilidade. É uma excelente porta de entrada para as obras de Shinkai, que geralmente aborda temas cotidianos e comuns de maneiras interessantes e menos óbvias que a esmagadora maioria do audiovisual.

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Review | Super Mario 3D Land

11 de dezembro de 2017 by Almighty

nintendo 3ds, super mario

Super Mario 3D Land mesclou o que há de melhor em Super Mario 64 e Super Mario Bros 3. O jogo é um plataforma 3D, mas que em vários momentos dá a impressão de ser um clássico em jogabilidade 2D. As fases relativamente curtas e bem construídas trazem um bom nível de desafio, poucas com níveis muito elevados de dificuldade.

Existe uma grande variedade de cenários, que vão de campos verdejantes até mansões assombradas. A trilha sonora mantém a habitual qualidade da franquia, apostando em novos temas e clássicos repaginados. Alguns signos sonoros estão pontualmente colocados, despertando a nostalgia nos marmanjos que jogam Mario há décadas.

A estrutura do jogo não traz grandes novidades. As fases são divididas em mundos, e Mario andará em um mapa percorrendo cada uma delas, tal como Super Mario 3 e Super Mario World, porém num design bem mais simples. Cada mundo é apenas uma linha reta com as fases representadas em miniaturas.

Mario terá diversos poderes ao longo da aventura: o cogumelo, a flor de fogo, a folhinha do tanuki, a estrelinha… todos já conhecidos. Algumas fases poderão ser vencidas mais facilmente com determinados poderes, o que mostra o cuidado no level design.

Ao decorrer da jornada, você só poderá seguir em frente se tiver um determinado número de moedas especiais. Essas moedas estão espalhadas nas fases. Cada fase possui três. É possível conseguir algumas em outras situações. De qualquer forma, o jogo de incentiva a explorar cada fase e conseguir, pelo menos, uma ou duas moedas. Não é necessária uma exploração tão rígida na primeira jornada. Após finalizar o jogo, você terá acesso a mundos especiais e a um novo personagem (um boné verde pra quem adivinhar). Aí sim, o jogo exigirá que você explore bem as novas fases, e até as anteriores, buscando o máximo de moedas possível, caso contrário não será possível ter acesso às fases seguintes.

Super Mario 3D Land foi um dos jogos de estreia do portátil Nintendo 3DS, em 2011, e se mantém ótimo até hoje. Visual simpático, fases elaboradas, músicas bacanas, tudo que se espera de um bom jogo do Mario está aqui. Em alguns momentos o level design dá alguns tropeços, mas no geral, é um jogo muito legal pra curtir no seu portátil. Um dos jogos obrigatórios para os donos de Nintendo 3DS.

Review | Pokémon X & Y

17 de novembro de 2017 by Almighty