Rafael Moreira – Página: 2

Crítica | Os Penetras

29 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Andrucha Waddington, marcelo adnet, mariana ximenes

Os penetras de direção e roteiro de Andrucha Waddington, além dos roteiristas Nina Crintzs, Rafael Dragaud e Marcelo Vindicato. Faz uma mescla de referências a diversas comédias de sucesso recente. Dentre as quais, filmes de penetras, como o próprio nome já diz. Desconhecidos que por acaso viverão uma aventura maluca. E coincidências que geram um grande problema e movimentam a história. Para assim contar a história de Beto (Eduardo Sterblitch), um inocente, que vem do interior para o Rio de Janeiro, afim de recuperar sua amada. E Marco Polo (Marcelo Adnet), um malandro carioca que leva a vida fazendo pequenos trambiques e golpes. Para manter seu padrão de bon vivant.

A ligação entre os dois, se dá por Laura (Mariana Ximenes). Uma garota de programa, e também golpista, que está aplicando sua cartada final num rico fazendeiro, Coelho (Luiz Gustavo). Mas que Marco Polo, ao tentar ajudar Beto a recuperá-la em troca de algumas vantagens da situação, acaba se apaixonando.

O plot do filme todo gira em torno disso, as situações cotidianas daqueles malandros entre uma festa e outra invadida. A obra tenta ainda, colocar todos os membros daquele círculo, seja o mais pé-de-chinelo, até a rainha do baile, como “farinha do mesmo saco”, basta apenas uma oportunidade para alguém aplicar um golpe, pular a cerca, ou enganar alguém. E a grande reviravolta da história, vem com o objetivo de dar um pano de fundo ao personagem Beto, e fazer graça com a situação toda, que tudo não passou de um mal entendido. Culminando então, em uma espécie de redenção para Marco Polo, que se solidariza com Beto, depois de tanto enganá-lo. Ao mesmo tempo que Beto se transforma num estalar de dedos, não mais no cara ingênuo, mas também um malandro, disposto a aproveitar a vida. Isso tudo porém, é explorado de maneira tão pueril, com um humor raso, que no maior esforço possível, no máximo consegue arrancar alguns sorrisos. Exceção seja feita, do curto período em que Xando Graça e Babu Santana aparecem em tela no papel de dois policiais, que estes sim, conseguem arrancar boas risadas, investindo em um humor do absurdo, mas ao mesmo tempo, não distante de se imaginar como realidade.

Quase todos os traços cômicos de Os Penetras, se baseia nos personagens já habituais de Adnet e Sterblitch. Com isso, o roteiro se torna pobre, que pouco cativa o espectador, tampouco faz rir. E esse acaba sendo o maior problema do filme. Por ser uma comédia, que não se propõe a quase nada além de fazer graça de situações cotidianas. Precisa de mais do que seu ator principal fazendo seu habitué ingenuo, dizendo palavras enroladas, gritando “Eu Mudei”, ou “Vamos botar para fuder” dito com todas as letras, como principal piada do filme. Ainda mais diante das possibilidades e liberdades criativas que um filme pode oferecer a esses comediantes, fora da TV.

É possível ainda que Os Penetras agrade àqueles que são muito fãs do trabalho rotineiro de Marcelo Adnet e Eduardo Sterblitch. Fora isso, o longa tem pouco a oferecer com seu roteiro insosso, e tentativas forçadas de criar bordões fadados ao esquecimento 20 minutos após a projeção.

Crítica | Os Infratores

26 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

filmes de máfia, Gary Oldman, Guy Pearce, jessica chastain, lei seca, máfia, mia wasikowska, nick cave, Shia LaBeouf, Tom Hardy, Western

Os Infratores (Lawless, 2012), filme dirigido por John Hilcoat (A Estrada), com roteiro de Nick Cave adaptado de um livro escrito por Matt Bondurant, neto de um dos personagens principais do longa, que é baseado em fatos reais.

O filme nos conta a história dos irmãos Bondurant, que vivem no Condado de Franklin, Virginia. Na década de 1930 durante a recessão americana e portanto, com o cenário da lei seca. Os irmãos são Jack (Shia Labeouf) o mais novo, que tem sempre de provar o seu valor aos outros. Forrest (Tom Hardy), o mais velho; chefe da família, e Howard (Jason Clarke), o mais temido dos três, muito por seu comportamento explosivo.

A família toca uma espécie de restaurante, posto de gasolina e base de operações para outros negócios, que agora com a lei seca, se resumem a fazer um Whisky clandestino de boa qualidade. Atividade que apesar de ilegal, é amplamente aceita e difundida entre as pessoas da região. O problema se inicia com a chegada do corrupto agente federal de Chicago, Charley Rakes (Guy Pearce), que deseja organizar o comércio de bebidas daqueles caipiras. Fazendo valer a sua autoridade sobre um xerife, que também não concorda com seus métodos.

Rakes é um personagem enjoado, que destoa de todo aquele universo em que está inserido. Com trejeitos afetados. Um penteado dividido que é mantido com obsessão e um exagero constante no uso de sua colônia. Guy Pearce faz um bom trabalho na construção desse papel, apesar da pouca exigência de um personagem linear, sem nuances e traços contraditórios. Que não deixa dúvidas, nem ao espectador mais desatento, que se trata do vilão da trama.

Somos apresentados também, a duas personagens femininas, Maggie Beaford (Jessica Chastain), uma dançarina da cidade que vai para o interior em busca de uma vida mais calma e acaba se tornando uma espécie de faz-tudo dos negócios dos Bondurant: garçonete, contadora, além de namorada de Forrest. A outra mulher da história é Bertha Minnix (Mia Wasikowska), filha de um pregador, que se apaixona por Jack, e acabam mantendo um romance proibido. Ambas as personagens pouco movimentam a história ou tem uma real importância naquilo que somos apresentados. Elas servem mais como um artificio para humanizar os heróis do filme, e de certa forma, transformar aquela história de crimes e violência, em uma história de família.

Apesar dos créditos iniciais de ‘Os Infratores’ nos dizer que se trata de uma história baseada em fatos reais, tudo no filme funciona como se fosse uma saga de um pescador e seu peixe de 100 quilos no lago, contado enquanto se passeia por algum reduto longe da cidade. Quase tudo tem um certo exagero, tanto na velocidade com que as coisas acontecem, a proporção que os fatos tomam, e principalmente, as cenas de ação e tiroteios, longe de qualquer veracidade do nosso mundo. Mas que nos deliciaria ao ser contada como um “causo” do interior, repleto de lendas e folclore em torno da misteriosa família Bonderant, tida como invencível por toda região.

Com homens da lei que agem por maneiras escusas. E transgressores honrados e corajosos, que não causam nenhum mal para aqueles que são bons. ‘Os infratores’ define muito bem quem é vilão e quem é herói. A única ambiguidade que vemos se dá na forma dos personagens Jack e Forrest, que são uma espécie de reflexo invertido. Enquanto o primeiro sempre foi um tipo avesso a violência, beirando a covardia, Forrest era o primeiro a se apresentar a ela. Em contrapartida, quando o assunto eram os negócios, Forrest era conservador, preferia manter sua vida tranquila, sem incomodar ninguém, para também não ser incomodado. Já Jack, era ambicioso, disposto a quase tudo pelo sucesso, venerando inclusive, o mafioso Floyd Banner (Gary Oldman) – que infelizmente faz um papel bem pequeno no filme e acredito que poderia ser melhor explorado.

Com uma bela fotografia de Benoît Delhomme; direção competente de Hilcoat, principalmente nas cenas de ação, sempre intercaladas com cenas cotidianas que aprofundam e nos fazem simpatizar por aqueles personagens. Além de retratar o espaço e o tempo que aquela história se passa. Somado também a uma leve mistura de gêneros como Western e Gangsters, ‘Os Infratores’ se mostra um bom filme sobre um “causo” passado adiante por vários contadores de história.

Review | Fez

24 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

indie game

FEZ, um jogo que passou por um desenvolvimento conturbado, cinco anos de produção – Isso já é muito para um jogo AAA, imagine um independente – Prêmios concedidos pelo conceito em 2008. Atrasos, e mais atrasos no lançamento. Para entender um pouco melhor, recomendo o documentário Indie Game: The Movie. Mas finalmente no início de 2012, FEZ veio a público, e eu poderia parar por aqui dizendo apenas uma coisa, é uma obra prima, e nada que eu disser vai fazer jus a experiência com o jogo.

FEZ, antes de mais nada, é um jogo de plataforma 2d, em um mundo 3d, em que a sua jogabilidade é sempre baseado em 2d, mas você rotaciona o mundo. Nada de novo até aqui, Paper Mario iniciou esse conceito, Crush fez um bom sucesso também e até um jogo em Flash, chamado Sky Island (http://www.newgrounds.com/portal/view/566594), já tinha feito isso. FEZ porém usa esses elementos de um modo tão único e criativo que dá uma roupagem completamente nova à essa jogabilidade. Torcendo cada vez mais suas noções de perspectiva, usando essa rotação do cenário, não apenas como um bônus. Mas sim, como se todo o jogo fosse baseado apenas nela. E o que veio depois foi apenas para completar o todo e fazê-lo um jogo único.

A história de FEZ é a seguinte: você controla o personagem Gomez, que vive em um mundo 2d. Há inclusive uma brincadeira, de louvor ao cubo, mas que alguns não acreditam que ele realmente exista. Até que um dia, Gomez conhece um misterioso artefato, o Hexaedro, que dá a ele um chapéu mágico – que é o que nomeia o jogo. E esse chapéu dá a Gomez a habilidade de percepção do mundo 3d. E agora ele terá que salvar esse artefato, capturando os cubos que o formam, para evitar o colapso do universo. Com um plot simples, FEZ não está muito interessado em lhe contar uma história, a história maior é a própria experiência com o jogo. É um game designer convidando você para dar um passeio naquele universo que ele criou, com todas as referências de outros jogos, e autorreferências que ele inclui. Um dos exemplos de autorreferência muito bem inseridos é que em determinados pontos, o jogo simula um crash, um computador religando e você começando na tela de início tudo de novo. Referência clara a primeira exposição do jogo no PAX.

Screenshot da primeira fase, acredite, é a menos complexa de todas.

O sistema de fases do jogo é bastante complexo. Em cada uma delas você pode ter um ou mais objetivos, mas você tem uma linha de grandes fases que dão acesso a outras menores, ou até algumas que são apenas uma sala. Em cada fase, você pode ter que coletar um fragmento de cubo. Um cubo em si. Ou resolver um “desafio secreto” dos quais falarei mais a frente. Essa estrutura de fases dentro de fases dá ao jogo uma sensação de profundidade cada vez maior. Até pelo fato de cada um dos grandes cenários terem um tema e um motivo próprio, todos seguindo a linha principal do jogo, o Pixel Art baseado em Tetris. Um ponto importante, com tantos níveis que podem ser acessados, o uso do mapa se faz essencial. E um dos poucos problemas que FEZ apresenta, é justamente no mapa. Ele tem problemas de perspectiva, alguns bugs, que fazem com que você fique perdido sobre qual ponto você está observando. Depois de perceber os problemas, você consegue contorná-los com alguma paciência. Mas para evitar as frustrações possíveis, é bom que o jogador se acostume cedo com os problemas do mapa, e consiga se ajustar.

Infelizmente, FEZ tem além do problema com o mapa, outro um pouco mais problemático, é um problema de performance e drop de framerate quando o jogo faz o salvamento automático. Do meio pra frente, é bem possível que você sinta engasgos, que comprometem um pouco da jogabilidade. Nada que tire os méritos do jogo, mas que deve ser destacado.

Aproveitando que falei de Pixel Art, toda a parte visual de FEZ é um ponto que merece quantos elogios forem necessários. Aqui temos a primeira imagem disponível de FEZ: http://forums.tigsource.com/index.php?topic=354.0. E podemos compará-la com o que aconteceu cinco anos depois de desenvolvimento. Tudo é pixel art, com um uso de cores fantástico. O jogo tem um tipo de passagem de tempo, que serve apenas para fins estéticos, e mudança de cores do background, simulando um poente, ou nascer do sol. Além da própria estética das construções, que tem um nível de detalhamento individual de cada ponto, na maioria das vezes baseada em peças de Tetris, que é muito fácil você se pegar parando por um tempo, só pra observar melhor os detalhes que foram ali inseridos.

Os detalhes do cenário são tão bem inseridos, que muitas vezes não tem apenas fins estéticos, e esse talvez seja um dos pontos mais inesperados e brilhantes de FEZ. Os desafios secretos que citei anteriormente, muitas vezes são baseados em um tipo de mix de criptografia e esteganografia (acalme-se, você não vai precisar ser um gênio da criptoanálise para concluir o jogo). O que acontece é o seguinte: espalhado pelo mundo, você tem dicas visuais sobre como resolver certos desafios. Logo no início, por exemplo, você tem um tipo de uma sala de aula, que explica, de modo vago e em nenhum momento didático, nem aos moldes de tutorial. Tudo sutil, como resolver ou decifrar certos enigmas. Apesar disso não ser absolutamente necessário para o cumprimento do objetivo inicial, de capturar 32 cubos, salvar o hexaedro e assim o universo. Caso você queira completar e coletar os 32 cubos e os 32 anti cubos existentes no jogo, você vai ter que quebrar a cabeça. Fazer anotações das pistas disponíveis, usar um celular pra decifrar um QR code. Até a trilha sonora do jogo, quando passada por um espectrograma, aparecem mais coisas escondidas, imagens, números, QR Codes. Enfim, FEZ é um jogo cheio de mistérios, que ao observamos o próprio processo de desenvolvimento do jogo, é fácil fazer uma conexão com o game designer que projetou tudo aquilo. Ou seja, é um jogo autoral, com muito do seu criador inserido nele.

Harry Truman, no espectrograma da música.

Sobre a trilha sonora, além dos seus mistérios escondidos que você pode conferir mais aqui: http://kotaku.com/5904168/fezs-soundtrack-is-full-of-mysteries-too. Ela foi desenvolvida por um artista de chiptune chamado Rich Vreeland, sob o codinome de Disasterpiece. Além de ser ótima como um aspecto isolado, e que cabe perfeitamente na sua biblioteca do iTunes, no jogo, o cuidado para compor a ambientação é tanto, que mesmo em um jogo tão leve como ele é, em uma fase passada em um cemitério, adquire um tom mais obscuro e tenso, chegando a causar alguns arrepios. E a trilha sonora é parte fundamental para isso.

Apesar de todos esses elogios, ainda assim é difícil de explicar porque FEZ agrada tanto, que me faz colocá-lo junto a outros clássicos como um dos jogos que mudaram um pouco do conceito que eu tenho dos jogos eletrônicos. Talvez seja uma mistura do lúdico com o desafio misterioso. Beleza visual e sonora. O poder do jogo te surpreender em uma situação simples, mas ao mesmo tempo impensável, brincando com todas as noções de perspectiva e retorcê-las cada vez mais. Talvez sejam todos os mistérios e enigmas aliados ao fato de ser um dos jogos mais autorais que pude apreciar. Cada um dos detalhes que dão a impressão de terem sido pensados exatamente para construir o todo. Talvez até o absurdo carismático que seja o Gomez, com seu chapéu, que te conquista logo de início apesar de nunca proferir uma palavra e ser um apanhado de Pixels. Ou talvez seja tudo isso junto. Essa união de pequenos detalhes que agrade tanto em FEZ e faça dele um dos melhores jogos dos últimos anos.

FEZ foi criado e idealizado por Phil Fish, lançado pela Polytron em 13 de Abril de 2012. Distribuído pela Microsoft Games, e está disponível para Xbox 360 (XBLA).

Crítica | Curvas da Vida

22 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

amy adams, Clint Eastwood, john goodman, justin timberlake

Curvas da Vida é o primeiro filme dirigido por Robert Lorenz, parceiro de longa data de Clint Eastwood, tanto na produção como em assistência de direção em vários projetos. O filme traz o próprio Eastwood atuando em um filme que não dirige, coisa que não acontecia desde Na Linha de Fogo de 1993.

O longa conta a história de um veterano olheiro de baseball, Gus (Eastwood), que enfrenta problemas com a sua visão, que é parte fundamental para seu trabalho, em que observa bons jogadores em ligas menores para entrarem no Atlanta Braves. Gus vive de cidade em cidade, solitário, praticamente morando em hotéis baratos. Apesar das dificuldades, o personagem ama a vida que leva e, principalmente, o baseball. Klein (John Goodman) chefe e amigo de Gus percebe que seu principal olheiro está passando por problemas e pede para Mickey (Amy Adams), filha de Gus, para que o acompanhe nessa viagem para observar Bo Gentry, pois ele teme que esses problemas possa lhe custar o emprego e assim a própria vida de Gus.

Mickey é uma workaholic e ambiciosa advogada e se vê obrigada a acompanhar o pai, deixando em segundo plano um importante caso na empresa, que lhe renderia a sociedade. Obrigada porém por ela mesma no que ela define como algo que não deveria se preocupar e sim abandona-lo, como ele mesmo fez no passado. Porém, simplesmente não consegue. Temos ainda Johnny (Justin Timberlake), um ex arremessador descoberto por Gus, que ao sofrer uma lesão é obrigado a se aposentar prematuramente. Agora, Johnny trabalha como olheiro dos Red Sox e assim cruza novamente o caminho de Gus e, por consequencia, de Mickey.

Curvas da Vida nos trás um personagem recorrente de Clint Eastwood: O velho rabugento, resmungão, que de alguma forma está sendo colocado para escanteio e tem que provar o seu valor, não para si próprio, já que ele sabe do que é capaz, mas para aqueles que o acham ultrapassado. Ao mesmo tempo que Gus sabe a habilidade de um rebatedor apenas pelo som do contato entre a bola e o bastão, mal consegue usar uma máquina de escrever, quem dirá um computador. Dessa forma, corre o risco de ser substituído por um novato que se baseia apenas em estatísticas fornecidas por programas que nunca se sentou numa arquibancada para analisar a capacidade de um jogador. Nesse ponto específico do mundo do baseball, parece que vemos uma antítese do que nos foi mostrado em Moneyball de 2011.

Além desse conflito entre o valor do tradicional, os velhos métodos com os novos e o progresso inevitável. Há também o conflito entre pai e filha, em que o primeiro ao mesmo tempo que quer o melhor para a vida de sua filha, ou pelo menos o que ele considera ser o melhor para ela. Uma vida confortável que ele mesmo não pode ter em função do seu trabalho acaba por impedir que ela seja feliz ou realizada. O personagem de Timberlake nos ajuda a delinear o relacionamento entre pai e filha, pois o filme traça um paralelo entre a relação de Mickey e seu pai e como isso influencia em todos os outros aspectos de sua vida. Ao mesmo tempo que ela consegue alguma aproximação com o Gus, fazendo-o conversar, falar sobre o passado, por mais difícil que isso seja para o personagem de Eastwood, ela também se aproxima de Johnny e talvez pela primeira vez consegue cultivar um sentimento real e amoroso por alguém.

Curvas da Vida não é uma obra prima e tem seus problemas. O principal deles está em seu terceiro ato um pouco corrido para conseguir ligar todas as pontas soltas do filme a tempo. Além de uma história previsível em boa parte da projeção em que se algo diferente acontece quase sempre dá sinais de que servirá para um gancho futuro na história. Em contrapartida, é uma história muito bem contada. De forma leve, até despretensiosa. Com um elenco que funciona muito bem, desde Eastwood, e seu recorrente papel de um velho aparentemente ultrapassado pelo novo e que precisa provar que ainda tem algo a oferecer. Amy Adams, que ao mesmo tempo que pode ser doce e sensível, mas também é dura e corajosa. John Goodman e Justin Timberlake, com papéis menores, mas que encaixam perfeitamente e nos fazem nutrir simpatia por seus personagens.

Com um roteiro de Randy Brown que beira a inocência e belas tomadas de Robert Lorenz que remetem à própria direção de Eastwood. Uma ótima fotografia de Tom Stern, outro parceiro de vários projetos da dupla Eastwood e Lorenz. Curvas da Vida parece um oásis de paz, em um cinema com cada vez mais necessidades frenéticas, e com certeza fará o seu dia melhor.

Review | Saints Row: The Third

20 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

gta, Saints Row, sandbox

À primeira vista, Saints Row: The Third – que eu chamarei apenas de Saints Row daqui para frente, por brevidade – pode enganar um desavisado que não sabe bem do que se trata. Afinal, os elementos e semelhanças com GTA são tantas que o jogo pode parecer apenas uma cópia mal feita, aproveitando-se do intervalo de tempo entre dois lançamentos da franquia. Mas não: Saints Row, se encarado da maneira correta, pode render boas horas de diversão frenética e descerebrada.

Sinceramente, da primeira vez que joguei Saints Row, fiquei com o pé atrás. Em uma seção de pouco mais de uma hora, admito que não entendi a proposta do jogo, e realmente sai com aquela sensação de que era só mais uma cópia barata de GTA e que não valia a pena perder meu tempo. Porém, resolvi dar mais uma chance ao jogo e mudei de opinião quanto a isso. Explicando logo essa comparação entre os jogos: Saints Row usa o tempo todo elementos dos jogos Sandbox mais consagrados, GTA principalmente, como o celular, os mapas, o modo de direção e até algumas coisas que foram inseridas por meio de Mods, como o para-quedas. Mas não o considero um plágio simplesmente, pois ele me parece muito mais uma sátira desses jogos.

Aproveito então e digo: Saints Row não pode ser levado a sério em nenhum momento, tanto por sua trama absurda quanto pelos próprios modos de jogo e algumas missões que devem ser completadas. Muitas vezes me senti num filme de ação dos anos 80 com a roupagem dos anos 2000.

O conceito de exército de um homem só é quase que uníssono num jogo em que não existe sistema de cover; o tiroteio franco, você contra centenas, já deixa isso bem claro. Outros exemplos de absurdos são uma arma que você pode carregar, um dildo de 1 metro de comprimento e roxo, balangando de um lado pro outro, para matar pessoas aleatórias. Mais um ponto é uma missão em que você vai resgatar um companheiro de gangue e ele está participando de uma orgia sadomasoquista. Resultado: você sai pelas ruas em uma carruagem puxada por ele mesmo pelado, apenas com uma sela de cavalo, e é perseguido por outras carruagens, também conduzidas por tração humana, que estavam naquela orgia. Isso já dá um pouco o tom do jogo. Além disso, Zimo (o mais velho PIMP de Steelport), que é salvo nessa situação um pouco desagradável, carrega um microfone o tempo todo e só fala com voz de auto-tune.

Outro ponto interessante de Saints Row é sua utilização de referências não só dos jogos, mas também do cinema. Um exemplo é uma missão em que você deve invadir uma emissora de TV e o prédio e quase tudo da “cena” é baseado em V de Vingança. Outro caso é uma das gangues do jogo, os Deckers, com roupas e carros inspirados em TRON. Isso acaba proporcionando também algumas batalhas num tipo de realidade virtual, além de uma missão curtinha em que você tem que dirigir a icônica moto do filme. Só aí já é um ponto interessante, pode-se dizer que é o melhor jogo baseado no universo de TRON já criado. Outra coisa que me rendeu boas risadas é o prefeito de Steelport ser o Burt Reynolds.

Não me estenderei muito pelo plot do jogo, até pelo nível de galhofa comum. Mas basicamente, dando seguimento a Saints Row 2, sua gangue – os Saints – se transformou em um império midiático com brinquedos, energéticos, marcas de roupa, comerciais japoneses. Depois de um roubo a banco mal sucedido, você vai preso, porém é solto pelo suborno de uma organização criminosa chamada Syndicate, que é a união de três outras gangues: os Deckers, Morningstar e Luchadores, esta última um bando de mascarados da luta-livre mexicana. Seu líder chama-se Killbane. No fim das contas, esse pessoal do Syndicate quer tomar o controle das operações dos Saints e, é claro, o negócio não é fechado.

A partir daí se desencadeará a história com os Saints tentando retomar o controle da cidade de Steelport. Até que uma senadora conservadora, claramente inspirada na Sarah Palin (inclusive com cabelos e óculos parecidos) não admite uma gangue com tanto poder de influência, causando tanto estrago, e é enviada uma organização paramilitar STAG (Special Tactical Anti-Gang) para acabar com a festa. Essa STAG, inclusive, conta com armas e equipamentos ultra futuristas. Ao final do jogo, você tem também dois finais alternativos, um mais galhofa do que o outro. Ambos brincam com clichês de Hollywood e filmes B: inclusive, na missão final do jogo, “putaria desenfreada” não define a quantidade de tiros e matança. Só jogando mesmo pra entender.

Sobre os gráficos, nada demais, mas também nada que incomode. Para os personagens, o visual do jogo apela para um estilo puxado para o cartoon, um pouco do estilo de GTA IV, o que deve dar longevidade um pouco maior aos gráficos. Um ponto positivo é o visual da cidade em si. Vista de cima, com os edifícios e arranha-céus, foi feito um belíssimo trabalho; algumas vezes peguei algum helicóptero ou equivalente só para ver os grandes prédios e o design da cidade. O problema é que isso não se traduz na parte de baixo, em que há pedestres, motoristas aleatórios, porém não se tem a impressão de um cidade viva. Pouco se pode fazer no sentido de exploração de atividades que não tenham um objetivo claro, problema parecido com o que senti em Mafia II, por exemplo.

Agora vamos aos problemas do jogo. Por mais galhofa que seja um título, com objetivo apenas de diversão, algumas coisas são inaceitáveis. Bugs são um desses casos. Não há o que justifique tamanha quantidade de bugs, que atrapalham e muito a jogabilidade e principalmente o cumprimento das missões. Os bugs são dos mais variados, desde congelamento da ação por alguns segundos até outros de movimentação – muito comuns em jogos Sandbox, é verdade. Alguns carros e até mesmo edifícios só aparecem no momento em que você já bateu neles. Num momento de missão, numa perseguição, isso é bastante incômodo.

Faço uma ressalva aqui: a versão que joguei foi para PC e, ao que pude ler e obter informações, a versão de PC é a mais problemática de todas. Mesmo com os patches tentando resolver, alguma coisa acabou sobrando. E também já emendo a versão avaliada para dizer que é nítido que, para PC, o jogo foi só um porte, até mal acabado. Na troca de armas, na movimentação e até mesmo no sistema de mira, caso você esteja usando teclado e mouse, vai ter dificuldades. A sensibilidade vai ter que ser jogada lá pra baixo, deixando a troca de direção lenta às vezes. Sendo assim, o melhor para jogar Saints Row, mesmo no seu computador, é usando um controle: no meu caso usei o do Xbox 360 que melhorou sensivelmente a experiência. O que é uma pena, pois em shooters em geral eu dou preferência para o mouse, quando o jogo é pensado para usar um, é claro.

Um outro problema (é uma opinião particular minha, e sei que muitos não compartilham) é a inclusão de zumbis, apesar do nível de galhofa aceitar qualquer inclusão inesperada. Essa história de zumbis em todo tipo de jogo… Vamos a alguns exemplos recentes: Red Dead Redemption, Call of Duty, Gears of War 3, entre outros. Ainda quando isso é feito por DLC, compra quem quer e tudo bem. Mas quando é no meio da história, eu não consigo engolir mais. Virou caça níquel. Vamos colocar uns zumbis, só pra tentar vender alguma coisa mais, ou subir a nota, como curiosidade. Se fosse apenas uma referência sacaneando isso, eu teria gostado. Mas não. Foi realmente uma tentativa de colocar o modo zumbi no jogo. Em uma ilha separada. A sorte é que, como jogo no PC, depois de fechar a história, instalei um mod que me deixa refazer as missões e alterar o cenário de algumas delas. Apenas retirei do mapa o “modo zumbi”.

O parte sonora do jogo tem pontos altos e pontos baixíssimos, a trilha sonora tem músicas interessantes e variadas. No bom estilo da rádio do GTA, com breaking news inclusive. As dublagens são bem feitas, com vários estilos de vozes para os seus personagens, isso é tudo muito bom. Porém toda a parte de efeitos sonoros do jogo, teve pouquíssima atenção, pra não dizer nenhuma. O efeito sonoro dos tiros é ridículo, dos carros pior ainda. Todos praticamente com a mesma base. Enfim, faltou o mesmo cuidado com a dublagem para os efeitos sonoros.

Um último ponto é o fator humor do jogo. Apesar das boas piadas e referências, que te fazem rir pelo inesperado e absurdo – como derrotar um “boss” com um peido enlatado – algumas dessas piadas são legais na primeira vez, na segunda já não têm tanta graça, e na terceira você já está saturado daquilo. Isso acontece algumas vezes no jogo. É o caso do Zimo, que fala só com auto-tune: lá pela quinta ou sexta vez, você não quer mais ouvi-lo falando, ficou apenas chato.

Minha conclusão é que Saints Row: The Third vale a pena como diversão, e se encarado apenas como diversão pura e simples. Sem se levar a sério, o jogo leva missões inovadoras e tem um bom fator replay, pela grande quantidade de side missions. Eu, por exemplo, terminei a história com algo perto de 9 horas de jogo e ainda tinha pela frente muitas coisas para fazer pela cidade: colecionáveis a explorar, missões variadas. A dificuldade do jogo é bem tranquila, rendendo algum desafio, mas sem nunca exigir muito daquele que joga. Enfim, é um bom temporão entre GTA’s, que apesar da proposta diferente, tem sua jogabilidade similar.

Saints Row: The Third foi lançado em 15 de novembro de 2011 para os consoles Xbox 360 e Playstation 3, e para PC em 16 de dezembro de 201. Foi desenvolvido por Volition, Inc. Distribuído pela THQ.

10 atores que poderiam ter sido James Bond

16 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Artigos

007, Adam West, Cary Grant, Hugh Jackman, Idris Elba, james bond, James Brolin, James Purefoy, Mel Gibson, Michael Billington, Paulo César Pereio, Richard Burton, Sam Neill

Com o sucesso de Skyfall, nada melhor do que algumas notícias, matérias e curiosidades sobre o agente secreto mais famoso do mundo. Dessa vez, uma singela lista de 10 nomes que em algum momento foram cogitados para interpretar 007 nas telonas.

10. Richard Burton

Richard Burton, ator galês que atuou em clássicos como Cleópatra e tem sete indicações ao Oscar, entre melhor ator e ator coadjuvante (apesar de não ter vencido nenhum). Também fez o papel de O’Brien no filme 1984. Pois bem, o criador da série de livros de James Bond, Ian Fleming, foi quem indicou Richard Burton como o seu preferido para o papel quando a primeira adaptação ao cinema foi sugerida, no final dos anos 50. Em uma carta escrita por Fleming em 1959, ele declara que Burton seria de longe o melhor James Bond.

9. Cary Grant

Cary Grant, ator inglês, com um currículo de mais de 70 filmes na carreira, além de duas indicações ao Oscar e de um Oscar honorário. Foi considerado para o papel de James Bond para o primeiro filme da série. 007 Contra o Satânico Dr. No. O ator, porém, não queria assinar com os Cubby Broccoli e Harry Saltzman para várias sequências do personagem. Com isso, tivemos o icônico Sean Connery, como o primeiro – e melhor – agente 007.

8. Adam West

Santo Batman, dentre todos dessa lista, o que me deixou mais chateado por não ter sido um Bond foi o Adam West. Imagine se tivéssemos dois personagens icônicos com um só ator. West foi considerado para dar continuidade ao 007 depois de 007 – Os diamantes são eternos, substituindo Sean Connery. E, caso você não saiba, Adam West é quem dava vida ao Batman na clássica série dos anos 1960. Agora imagine a situação que poderíamos ter, um crossover entre feira da fruta e Viva e deixe morrer – prefiro nem me arriscar a algum trocadilho óbvio fazendo sacanagem com o nome.

7. Michael Billington

O ator britânico mais conhecido pela série de ficção científica dos anos 1970, UFO, é o ator com mais testes para filmes do James Bond até hoje, com testes para os seguintes: Viva e deixe morrer (1973), 007 contra o Foguete da Morte (1979), Somente para Seus Olhos (1981) e 007 Contra Octopussy (1983). Ele ainda fez uma participação como um agente soviético que James Bond mata no início de O Espião que Me Amava (1977). Eu não tenho certeza, mas acho que Michael Billington deve encarar o Roger Moore como o seu grande nêmesis da vida.

6. James Brolin

Pai do ator Josh Brolin, fez tester para interpretar Bond em 007 Contra Octopussy, que acabou tendo o retorno de Roger Moore para o papel. Porém, os testes feitos por James Brolin podem ser vistos nos extras da coleção recentemente lançada, Bond 50.

5. Sam Neill

O norte-irlandês Sam Neill, mais conhecido pelo seu trabalho em Jurassic Park, já interpretou um espião na série de TV Reilly, Ace of Spies. Por seu papel nessa minissérie, foi cotado para interpretar 007 no cinema. Neill falou em outubro de 2012 ao Belfast Telegraph sobre o assunto: “Felizmente, não me ofereceram o papel. Havia muitas outras pessoas que seriam melhores para ele, e eu não teria gostado de atuar como James Bond.”

4. Mel Gibson

De acordo com o roteirista de Viva e Deixe Morrer, Tom Mankiewicz, era forte a ideia de Mel Gibson para interpretar Bond dentro da produtora United Artists. Mankiewicz disse em 2009: “Alguém me disse o seguinte, ‘Fale para Cubby Broccoli (produtor da franquia) que o Mel Gibson seria ótimo para o papel’. Então, ao conversar com Cubby, ele me disse, ‘Eu não quero fazer um filme do Mel Gibson, quero fazer um filme de James Bond’.”

Se Adam West foi o que mais me gerou decepção ao saber desses possíveis Bond’s, Mel Gibson com certeza é o segundo colocado. Consigo até imaginar James Bond com a cara do Mel Gibson, em algum deserto asiático, perseguindo um soviético vestido apenas de tanguinha e se autoproclamando o aiatolá dos vermelhos.

3. Hugh Jackman

O eterno Wolverine Hugh Jackman foi cotado para substituir Pierce Brosnan depois de Um Outro Dia Para Morrer. Mas ele saiu do páreo justamente por estar interpretando Wolverine. “Eu recebi uma ligação do meu agente dizendo, ‘Há um possível interesse para você interpretar James Bond, o que acha?’ No momento eu não tinha interesse, estava para começar as filmagens de X-Men 2 e o Wolverine já marcaria demais minha carreira. Eu não queria fazer dois personagens tão icônicos ao mesmo tempo”, disse Hugh Jackman para a Press Association em 2011.

Eu acho que Hugh Jackman seria uma boa escolha para o Bond, ainda mais se houvesse alguma possibilidade de crossover de papéis. Imagine só, 007 sacando suas garras de adamantium para enfrentar um vilão de 3 metros de altura e dentes de aço. Tenho a impressão que seria uma galhofa inacreditavelmente boa.

2. James Purefoy

O ator que depois viria a interpretar Marco Antonio na série Roma, James Purefoy, foi um entre tantos os atores que os rumores envolviam para representar James Bond depois de Pierce Brosnan. Alguns outros nomes eram Jude Law, Heath Ledger, Eric Bana e até Orlando Bloom (uma risada longa e exagerada, pelo nome de Orlando Bloom como Bond). Voltando ao ator em questão, Purefoy, no programa Good Morning America em 2004, quando perguntado se ele praticava a atuação para James Bond em frente ao espelho, respondeu: “Apenas quando estou sozinho em casa”. Funny Guy esse James não é. Mas no fim das contas, o que aconteceu é que, no treinamento do MI6, o Daniel Craig sentou a porrada em todo mundo, e só para ele foi concedida a licença para matar. Tomar martinis batidos, não mexidos. E algumas Bond Girls.

1. Idris Elba

A estrela de Skyfall, Naomie Harris, recentemente disse que Idris Elba conversou com a produtora da série, Barbara Broccoli, sobre a possibilidade de atuar como 007. Elba, no entanto, disse que são apenas rumores. Mas também disse que ser o primeiro Bond negro seria uma grande honra.

0,5. Paulo César Pereio

Mas e se houvesse uma versão à brasileira de James Bond? Quem seria o mais indicado para o papel? Eu votaria com certeza em Paulo César Pereio. Um Bond decadente, gordo, desgostoso com a vida. De bar em bar, no centro de São Paulo tomando cachaça pura porque acabou o dinheiro pros martinis. Lembrando de seus bons tempos, com alguma Bond Girl de respeito – Sonia Braga, Matilde Mastrangi, Helena Ramos. Ou até mesmo quando era expulso das surubas por mau comportamento. Não sei se seria um bom filme de ação, muito menos um filme de 007. Mas provavelmente seria uma ótima pornochanchada. E se tivesse alguma frase narrada pelo próprio Pereio, concorreria a filme do ano.

Crítica | Contato

12 de novembro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

carl sagan, Ficção Científica, Jodie Foster, Matthew McConaughey, Robert Zemeckis

Contato (1997) é a adaptação, dirigido por Robert Zemeckis, do livro homônimo de Carl Sagan. É uma obra de ficção científica e um bom exemplo de uma grande produção, que tem mais a dizer que apenas um belo espetáculo visual.

O filme nos conta a história de Ellie (Jodie Foster), uma pesquisadora de física astronômica que desde a infância, incentivada por seu pai, nutre um fascínio pelo cosmo e, depois de formada com louvores no MIT, declina o convite para ocupar uma cadeira no corpo docente de Harvard para trabalhar com rádio astronomia em um projeto de busca por inteligência extra terrestre (SETI) em Porto Rico e depois consegue financiamento para assumir o Very Large Array (VLA), no Novo México.

Contato brinca em vários momentos com essa mistura de ficção e realidade, com observatórios reais e discursos reais do presidente dos EUA, Bill Clinton, colocados no contexto do filme (ele não atuou, foram usadas imagens pré existentes), além de âncoras reais da CNN, – esses sim trabalhando para o filme. Zemecks usaria esses mesmo recursos novamente em Forrest Gump. Em Contato, temos uma aproximação maior daquelas situações que são exploradas no filme e que, dados os fatos, seriam de certa forma plausíveis caso viessem a acontecer.

Antes de mais nada, o filme é um espetáculo visual, apesar de não ser apenas isso. Com um início belíssimo, de uma tomada como se a câmera estivesse na estação espacial, o filme inicia se afastando da terra, do sistema solar, da via láctea e da galáxia. Belas representações, tanto do céu, quanto de galáxias inteiras são abusadas no filme, o que me lembrou dos melhores momentos da série Cosmos, do próprio Carl Sagan, porém aqui com um orçamento muito maior e, por consequência, muito mais trabalhado esteticamente.

Além de tudo isso, Contato é um filme corajoso pelos temas que aborda. A começar por sua protagonista, uma cientista brilhante, que é a grande responsável por uma das maiores descobertas da humanidade e que se vê em conflito em diversos momentos pelo fato de ser uma mulher enfrentando o mundo machista da própria ciência e também por seus posicionamentos políticos e religiosos. Além da própria Jodie Foster contribuir muito com a credibilidade passada para o papel.

É corajoso também por seus temas e suas críticas, muito delas herdadas de toda a obra de Carl Sagan. Para entender um pouco melhor essa crítica, busco falar um pouco do plot, que segue com Ellie e seu projeto SETI, o qual está prestes a perder o apoio do governo. É quando eles encontram um sinal de rádio, que não parece ser um alarme falso. Não é um pulsar, uma interferência ou estática, mas sim uma inteligência tentando estabelecer contato, tentando passar uma mensagem. Primeiramente só são detectados alguns números inicias da mensagem, números primos, que segundo Ellie seriam a prova de uma inteligência alien e não algo da natureza.

Ellie, enquanto cientista, começou a espalhar a palavra mundo afora, já o governo, através do departamento de defesa americano, começou a sentir a necessidade de manter aquilo em sigilo. E instaurou a ameaça de militarizar suas pesquisas, mesmo sendo uma atividade civil.

O que eles descobrem, além dos números primos, é que os aliens estavam mandando a primeira transmissão televisiva que a humanidade enviou pelo ar, que foi o discurso de abertura das olimpíadas de 1936, na Alemanha, por Hitler. Neste ponto temos mais uma crítica a nossa sociedade como um todo. Hitler é um produto da nossa sociedade, onde qualquer ser pensante não se orgulha de compartilhar a mesma estrutura de cromossomos que ele, portanto, uma crítica a nossas atitudes como seres humanos, que por mais que superemos tal situação ruim, por mais que uma ideia seja derrotada, ela deixará eternamente uma marca, um risco na nossa história.

Seguindo, havia ainda uma terceira camada de informações, essa sim que mudaria o rumo da humanidade: Um conjunto de dados, criptografados, que estabeleciam um padrão, mas ninguém conseguia encontrá-lo. A partir disso o filme tenta traduzir no momento Eureka de Ellie o sentimento da descoberta científica. De algo que estava ali o tempo todo e que era tão simples. Só era necessário um passo a mais de compreensão, um olhar distorcido para que o avanço fosse possível.

A partir desse momento, descobre-se que esses dados eram projetos, plantas, de uma máquina da qual ninguém sabe o real objetivo. Apenas decidem construí-la, afinal, era possível, – mais um dos momentos de exaltação da ciência. Daqui pra frente, se continuar estragarei a experiência com o filme. O que posso dizer, é que há o envolvimento amoroso de Ellie com Palmer Joss (Matthew McConaughey), que também levará a questionamentos sobre fé e Deus, e como isso pode “justificar injustiças”, além do personagem David Drumlin (Tom Skerritt), que é uma espécie de antagonista da história, um homem sem muitos escrúpulos para atingir seus objetivos, numa representação clara da ambição e suas consequências.

Fato é que o filme, tem seus furos de roteiro e seus clichês. Algumas situações são resolvidas rápidas demais e outras fogem um pouco do da lógica do restante do filme, como o fato de Palmer Joss ser um assessor da presidência americana para assuntos sobre religião, sendo apenas um escritor de livros que criticam a tecnologia e ciência que nos levam a uma sociedade mecanicista.

Esses furos, porém, são muito pequenos e não atrapalham o que deve ser observado como foco principal, que são todas as críticas sociais que Contato trás consigo. Sua crítica a religião e a fé cega, juntamente com a política e os modos com que a política se conduz ou deseja conduzir a sociedade, dando crédito a grupos extremos calcados apenas em fé e descreditando aqueles baseados em pesquisa, ciência, em busca da verdade. Apenas pelo fato de que o grupo que crê, constitui uma maioria. Se voltarmos rapidamente à Hitler, este também, em dado momento foi apoiado por uma maioria.

Contato, além de sua crítica, é um filme que exalta a ciência, o pensamento cientifico, o ceticismo e a busca pela verdade. E acima de tudo trata-se de uma homenagem a Carl Sagan, com billions and billions de suas citações adaptadas nas frases ou às situações dos personagens. Sagan, que apesar de não ter um trabalho científico tão notável, foi importantíssimo para toda uma geração, influenciada por seu trabalho de divulgação científica, não só no aspecto técnico e acadêmico – até por ter sido alguém que fugia dos padrões da academia. Mas também pelo incentivo a criatividade e seu modo de enxergar a nossa sociedade.

Crítica | Polissia

22 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

Cinema Francês, Emmanuelle Bercot

Polissia (Polisse), filme francês de 2011, dirigido por Maïwenn Le Besco, roteiro também de Maïwenn em parceria com Emmanuelle Bercot, traz uma série de histórias baseadas na observação da própria diretora, ao departamento de crimes contra a criança, da polícia francesa.

O filme tem um tom documental. Com a câmera sempre na mão e sem uma linha narrativa principal, Polissia alterna entre casos policiais, infelizmente tão comuns – basta ligar qualquer noticiário pinga sangue, para constatar isso. E cenas cotidianas da vida daqueles agentes de polícia, tanto com suas famílias, quanto entre eles próprios.

Um dos grandes méritos do longa é o seu distanciamento daqueles casos escabrosos a que somos apresentados. Uma investigação de abuso sexual infantil, abordada de forma relativamente fria, sem tomar posição, apenas colocando os fatos, deixando com que o espectador forme sua opinião sobre aquilo que vê, apenas pelo fato em si. Sem forçar o tom. Sem um pré julgamento moral sobre quem está certo ou quem está errado. Isso é reforçado, por uma das vitimas de abuso, ao ser informada que o criminoso será preso. Faz uma pergunta simples: mas se ele é doente, porque vai para a cadeia e não para um hospital? Com isso, além de reforçar sua proposta de levantar questões ao público, o filme traz também um novo questionamento: quem realmente precisa ser salvo?

As ações policiais são intercaladas quase sempre com cenas descontraídas das pessoas por trás da farda, seja dançando, contando piadas, ou em algum momento com a família. O objetivo com isso talvez seja mostrar como a exposição àquele tipo de violência, que gera revolta em qualquer pessoa, pode também nos tornar indiferente a ela. Indiferente, não no sentido de estar imune a ela, e não aflorar sentimentos com aquilo que acontece. Pois os policiais sentem, se envolvem. Mas sim, no sentido, de que para conseguir levar as suas próprias vidas adiante. Eles não podem se deixar envolver. Eles precisam esquecer daquilo que faz parte de suas rotinas, caso contrário não conseguirão ter uma vida realmente digna.

Outro ponto a se ressaltar do longa, é quanto ao sentimento de injustiça, dentro da própria força policial. Algo tão importante como é a proteção à criança, muitas vezes é negligenciado, tratado como um departamento de menor importância. Um exemplo é quando precisam de um carro para salvar uma criança, mas este foi cedido para a divisão antidrogas. Ou até mesmo quando um abusador confesso, que tem conexões, contatos, faz pouco caso do seu crime, pois sabe que será absolvido. Isso nos traz um novo questionamento: tal negligência a esse departamento, seria apenas um reflexo da nossa sociedade? Ou também, seria esse pouco caso com os menores, um dos motivos de tanta violência futura? Afinal, sem uma proteção adequada a eles, quais os traumas que eles sofrerão e os impactos disso na sociedade como um todo? Mas novamente, o filme não toma uma posição, cabe a você refletir sobre o assunto. E sobre essa crítica aos valores da nossa sociedade.

Além de seus temas, os personagens são outro ponto muito positivo de Polissia. Todos com uma personalidade desenvolvida, apesar do pouco tempo dedicado a cada um deles individualmente. Méritos para os atores, tanto os infantes quanto os adultos, com ótimas atuações. E méritos também para o roteiro, quase todo baseado em diálogos rápidos, que com pouco dito, conferem grande profundidade sobre os personagens.

Outro ponto a se destacar, é a presença da própria diretora, atuando em Polissia. Ela interpreta uma fotógrafa, que está acompanhando aquele departamento de polícia. A personagem inicialmente tem distanciamento da equipe de policiais e de tudo aquilo que acompanha. Mas com o decorrer do filme, ela não consegue sair ilesa de tudo aquilo, e também acaba por se envolver. Isso claramente serve a dois propósitos, um deles é uma autorreferência de sua observação dos casos na polícia de verdade. E também de levantar como essa violência afeta àquelas pessoas que lidam com isso diariamente, e dizer que não há como não tomar posição sobre isso. Isso no contexto do filme, porém, não me pareceu uma escolha acertada. É uma das personagens menos desenvolvidas na trama, e com um pano de fundo que pouco acrescenta a tudo que é discutido e aos temas do próprio filme. Nada que torne o resultado final ruim, mas é um ponto a ser ressaltado.

Polissia é um ótimo filme, humano, crítico. Tocante por seus temas, e não pela sua forma, que deixa que aquele que assiste desenvolva suas próprias emoções pelo que pensa da situação, e não por apenas exagerar no tom e levar o público para a direção que quer. E tratando ainda de temas tão delicados e de certa forma, revoltantes, como ele trata, é um mérito maior ainda, não cair pelo caminho fácil e barato de conquistar o espectador através do drama exagerado que não se faz necessário.

Review | BIT.TRIP.RUNNER

19 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

humble bundle, indie game, MAC, plataforma, steam, wii

BIT.TRIP.RUNNER fará você chorar sangue, ou lágrimas de unicórnio. Tudo vai depender se você conseguiu ou não passar da fase. O quarto jogo da saga BIT.TRIP é o primeiro em que você controla o Commander Video. Num jogo em que a dificuldade e a repetição serão levados a níveis extremos, mas que no final renderá aquela felicidade e sensação de dever cumprido, por bater uma fase depois de 150 tentativas.

BIT.TRIP.RUNNER é um jogo de plataforma, side scroller, on-rails, rítmico (esses gêneros estão cada vez mais complexos). Com a jogabilidade parecida com Canabalt, de iOS e a com a versão gratuita em flash (http://www.adamatomic.com/canabalt/). O funcionamento é basicamente um cenário que vai passando em uma velocidade rápida com alguns obstáculos, dependendo de qual for esse obstáculo, você tem que pular, agachar, chutar ou, ser arremessado por uma mola. Além dos obstáculos, você tem barras de ouro espalhadas e, para fazer 100% da fase, deve pegar todas. A velocidade da passagem da fase (sidescrolling) é bem rápida, porém constante. E exige do jogador reflexos e raciocínio muito rápido.

Se em BIT.TRIP.BEAT a referência e a releitura era total de Pong, nesse aqui os jogos de plataforma clássicos até a era 8-bits são a bola da vez. Com destaque maior para Pitfall, e não por acaso, ao completar uma fase pegando todas as barras de ouro, você joga um bônus round retrô. O cenário moderno, 2.5D pixelado dá lugar a floresta com gráfico 2D total, do clássico de Atari. Até uma barra inferior idêntica às telas de apresentação dos jogos de Atari eles incluíram.

Os três jogos anteriores da série BIT.TRIP tinham uma estrutura de fases parecida, apenas três mapas, mas com duração bem extensa em cada um deles. Para não tornar um jogo praticamente impossível de ser batido por um ser humano com vida além do video-game, RUNNER tem três cenários cada um com 11 fases e um chefe final.

A trilha sonora, como de praxe na série, é ótima, desenvolvida pela própria produtora mas com algumas inclusões da banda especializada em chiptune Anamanaguchi, ela funciona perfeitamente pra dar todo o tema retrô moderno que o jogo se propõe, com a combinação de 8-bits com eletrônico contemporâneo. Além disso, o ritmo é fundamental, não diretamente no gameplay, mas está muito mais ligado ao acompanhamento do que você faz. Um salto sobre um obstáculo tocará uma nota, uma barra de ouro, outra nota e assim por diante. Além disso, as músicas começam bem simples no início de cada fase, e vão ganhando complexidade conforme você pega algo que parece uma peça de tetris que ficam espalhadas pela fase. Esse power-up também tem influencia na pontuação do level.

Sobre os gráficos, com elementos 2.5D todo em pixel art, são absurdamente belos, e tal como a trilha e efeitos sonoros, combinam perfeitamente para criar essa atmosfera new retrô que o jogo quer nos passar. Um fã de Pixel Art e jogos vintage, com certeza irá gostar só por esse apelo. Porém, o visual pode trazer um problema. Com o ritmo rápido da rolagem da tela, e dependendo do monitor em que você está jogando, você pode ficar com aquele tipo de sombra na vista, e que irá causar tonturas ou até náusea. Portanto se você já teve algum desses problemas, fique ligado.

Pixel art moderna, de primeira.

Agora o que pode ser o ponto mais alto ou mais baixo de BIT.TRIP RUNNER, dependendo do ponto de vista, é a jogabilidade e a dificuldade. Eu disse anteriormente que as fases não eram tão longas. Mas ainda assim, para um jogo sem nenhum checkpoint, algumas delas são muito longas. Sem checkpoint significa que você deve ser perfeito ou algo próximo disso, e o tempo todo vai ser exigido de você essa perfeição. Errou no último momento da fase, ou do chefe (que também seguem a mesma estrutura), começo da fase, tudo de novo.

Eu dei o exemplo de Canabalt para especificar o tipo de jogo, porém aqui as fases não são randômicas, ou seja, dependendo da dificuldade da fase, é bem provável que você tenha que tentar tantas vezes, chegando a decorar cada movimento, e ação a ser feita. Alguns defendem que um jogo desse deveria ter algum tipo de jogo desses deveria ter checkpoints em pontos chaves da fase. Eu discordo e muito, acredito que isso quebraria toda a proposta de RUNNER.

É claro que todo esse desafio tem seu lado bom e seu lado ruim. O ruim, obviamente é a frustração, e acredite, esse jogo vai te dar. Vontade de jogar o controle na parede, raiva, crise de choro, é exatamente isso que ele quer fazer com você, lembrando e muito os próprios jogos que ele faz referencia, em que facilidade não era a proposta. O lado bom de tudo isso, é que depois de 1297 tentativas, 314 delas que você tinha prometido que era a última se não passasse. Vem junto aquela felicidade de desafio cumprido, uma sensação de derrotar o game designer, que sinto falta em muitos jogos atuais. Ainda relacionado a dificuldade do jogo, por mais alta que ela seja, existe uma curva de aprendizado muito bem desenvolvida, que faz com o que jogador aprenda todas as habilidades que o jogo requer naturalmente. E que mesmo assim não o torna fácil.

Commander Video o tempo todo na tela

Considerando tudo isso, se o que você quer é apenas diversão com um jogo, BIT.TRIP RUNNER não é pra você. Porém, se o que você procura é um jogo desafiante, com diversos elementos clássicos, com uma parte visual e sonora incrível, com certeza é um jogo mais do que indicado.

BIT.TRIP RUNNER é desenvolvido pela Gaijin Games, distribuído pela Aksys Games. Foi lançado em 14 de Maio de 2010 para Wii via WiiWare. E está disponível para Nintendo 3DS, Windows, Mac e Linux, por compra direta ou Steam.

Review | The Tiny Bang Story

18 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

indie game, point and click

The Tiny Bang Story é um jogo casual, independente, curto, simples e despretensioso. Ao mesmo tempo é bonito, bem trabalhado, fazendo um jogo de quebra-cabeças, que usam realmente quebra-cabeças (daqueles de peças que montávamos com a família), além de elementos visuais para compor os desafios do jogo.

O jogo não tem algo que podemos chamar de história, apenas o chamado Tiny Planet é atingido por um “meteoro”, e você vai tem que salvar os habitantes, resolver os puzzles, e assim, consertar máquinas e mecanismos para que a vida volte ao normal. Ele é divididos em 5 capítulos e perto de 30 mini-games, que variam desde coletar bolas, que ficam muito bem escondidas no cenário, até jogar um tipo de mini-game retrô, a lá River Raid, para que um avião chegue até você.

Todos os cenários e personagens são desenhados a mão, numa arte que remete inspirações claras de Braid. Tudo muito bonito, bem feito e detalhado, que dá vontade de parar por algum tempo e apenas observar a arte do cenário. O cenário inclusive, é parte quase sempre dos próprios quebra-cabeças, que são baseados na maioria das vezes em coletar itens escondidos, ou espalhados pelo mundo, e com os itens, um mini-game final para consertar as máquinas.

A trilha sonora é composta por 10 músicas instrumentais, calmas, que fazem um bom trabalho ao compor a atmosfera do jogo, ajudando na concentração para resolver os desafios. Não é uma trilha grandiosa, mas cumpre bem a proposta do jogo, e pode ser baixada de graça, no site oficial.

O nível do desafio é bem “casual”. Em sua maioria, simples, mas que não tira o interesse do jogador, por ser fácil demais. Claramente aqui o objetivo é fazer um jogo para todas as idades, muito mais focado nesse aspecto de atmosfera e visual que o jogo cria, do que fazer o último dos jogos de puzzle. Pensando por esse lado, é satisfatório. Mas para quem procura algo mais difícil, com brain teasers de verdade, não é a melhor opção.

Sem um personagem fixo em tela que você controle, talvez por uma escolha buscando a simplicidade de controles, em que apenas clica no que vê. Ou também, para deixar o foco todo para os belos cenários. Mesmo assim, o jogo se torna um pouco genérico, com pouco para se identificar a não ser a arte. E com isso o fator replay beira a 0, afinal o jogo não traz nenhum apelo para que retome os puzzles já completados anteriormente.

Para concluir, The Tiny Bang Story é um jogo que cumpre sua proposta: um jogo adventure, de puzzles e casual. Com algum desafio, mas nada que marcará época. Quase nenhum incentivo para que o jogador retorne depois de finalizar a história, a não ser pela bela arte do jogo. E um gameplay entre 3 a 4 horas. Tudo isso me faz pensar que o preço do jogo para PC é exagerado (10 dólares, via Steam no momento da publicação), talvez um preço de 3 dólares (preço do jogo na App Store), me fariam recomendá-lo. Outro ponto, é que enxergo Tiny Bang Story como um jogo que se enquadra melhor, jogado a partir de um tablet, do que no PC, até pelo seu tom mais casual.

The Tiny Bang Story é desenvolvido pela Colibri Games. Foi lançado em Abril de 2011. Está disponível para as plataformas: PC (Steam), Mac (Mac App Store), e iPad.

Review | Counter-Strike: Global Offensive

12 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

Counter Strike

Counter-Strike: Global Offensive é a sequencia do talvez mais clássico e influente FPS depois de Doom. O que mudar num jogo tão consagrado, que mesmo 12 anos após o seu lançamento continua sendo um dos mais jogados do mundo, sem desapontar os fãs e ao mesmo tempo trazer algum ar de novidade? Era essa a dura tarefa que a Valve e a Hidden Path tinham pela frente. E já adianto, eles conseguiram.

Counter-Strike: Global Offensive, como nos anteriores, é um jogo absolutamente simples. Não há história, não existe motivação de personagens, não há sequer personagens. Apenas algumas skins para cada um dos times, que são apenas dois, terroristas e contra-terroristas. Existe um modo de jogo offline, mas que pouco deve ser levado em conta, porque ele nada mais é, que a mesma experiência online, só que ao invés de jogar contra players humanos, joga-se contra Bots.

O modo clássico de jogo de Counter Strike são os dois times, “CT e Terror”, podendo ser jogado em dois tipos principais de mapa, defuse, que consiste no time terrorista tendo que “plantar” a bomba, e os CT, tentando impedir. Outro modo é chamado de CS, que são mapas em que o time terrorista tem reféns em seu poder, e o time contra-terrorista deve resgatá-los. Nos dois casos, se um dos times for eliminado antes de se cumprir o objetivo principal, o outro time é o vencedor. O jogo é baseado em rounds, se um jogador morre, tem que esperar pelo próximo round para jogar novamente.

Ao início de cada rodada, há o período de compra de armas e equipamentos. Isso é importante, porque o dinheiro disponível está diretamente relacionado com o seu desempenho, e do seu time, nas rodadas anteriores, pois o time vencedor recebe uma quantia maior de dinheiro ao fim do round. Você também recebe bônus de dinheiro por feitos, como matar um oponente, fazer uma assistência, ou resgatar um refém. Interessante notar que a assistência, ou assist-kill, é uma inclusão de CS: GO, tornando um pouco menos injusto os famosos “roubos de frag”, em que você tira boa parte da vida do oponente, mas o tiro de misericórdia é dado por outro. Além da assistência foram importados de jogos mais recentes, como Team Fortress 2, outros conceitos para CS: GO, que são: nemesis, revenge e MVP. O primeiro acontece quando você mata várias vezes seguidas o mesmo jogador. Revenge é quando você consegue matar o seu nemesis, obtendo uma vingança. MVP (Most Valuable Player), por sua vez é dado para o melhor da rodada, com mais pontos. Verdade também, que muitos servidores modificados de Counter Strike clássico, já existiam esses conceitos, que eram mais conhecidos como Multi Kill, Dominating, etc. Ainda assim, é uma boa inclusão ao score do jogo.

Ainda sobre os modos de jogo, CS: GO traz duas bem-vindas inclusões, os modos Arms Race e Demolition. Arms Race nada mais é que um DeathMatch, em que não há tempo de respawn do jogador. Assim que é morto, ele renasce em um ponto determinado da fase. Nesse modo, o sistema de compra de armas também é deixado de lado, evoluindo automaticamente a cada kill na rodada. Começando com uma submetralhadora, chegando até as melhores armas do jogo, como AK-47, AWP, e depois decaindo a qualidade, com pistolas, até o último frag, que deve ser feito de faca.

Já o Demolition é uma mistura dos dois conceitos, rounds, com a evolução, ou melhor dizendo involução, das armas, já que você começa com as melhores, e conforme pontua, chega as piores. Mas a troca aqui é feita round a round, e não a cada kill, como no Arms Race. Os dois modos são muito divertidos, e uma ótima adição ao jogo. Não são uma grande inovação porque, novamente, já existiam esses modos de jogo em servidores modificados. Assim mesmo, são boas adições oficiais, que antes eram até complicadas de achar vaga em um servidor com esse tipo, pois costumavam ser bastante concorridos.

Um último ponto sobre os modos de jogo, foram definidos dois como clássicos, casual e competitivo. No primeiro, algumas facilidades como capacete e colete à prova de balas, já são padrão, não há colisão de jogadores, mais dinheiro é ganho. E não há fogo amigo, o famoso TK. Já no competitivo, é tudo na situação normal: Friendly Fire, colisão, menos dinheiro.

Os gráficos de Counter-Strike: Global Offensive são apenas competentes, baseados na Engine Source, melhorados é claro, da versão anterior (CS Source), porém não é algo de encher os olhos, e fazer bonito na próxima exibição da placa de vídeo mais potente do mercado.

Na parte dos sons, a mesma coisa. Inclusive, muita coisa original foi mantida nesse aspecto. Armas como AWP e seu som de tiro característico, continuam o mesmo. Alguns foram modificados, até para melhorar algo que já era bem datado, como por exemplo os tiros da AK-47. Nada foi realmente mudado, apenas melhorado.

Os mapas padrão de Counter-Strike: Global Offensive, com exceção dos modos Arms Race e Demolition, são os mesmos de antes, Dust, Dust II, Aztec, Italy, etc. Com os cenários muito melhorados, alguns inclusive, me fizeram ter uma surpresa. Nunca tinha feito a associação, que Dust era um mapa, que se passava no oriente médio. Fizeram também algumas pequenas alterações em alguns mapas, talvez tentando balancear a dificuldade mais justa entre os times.

Os mapas oficiais, são apenas 9 no modo clássico, mais 3 em Arms Race, também 3 em Demolition. Porém como já é de costume, os servidores da comunidade podem adicionar mapas customizados, além de modos de jogos. Você pode ver nesse site por exemplo: http://gamebanana.com/csgo/maps, várias opções dos mapas, feitos por jogadores. Esse tipo de liberdade que a Valve sempre deixou, é um ponto adicional com certeza. Afinal de contas, o próprio CS provavelmente não existira, não fossem os Mods de Half-life.

Um ponto importante sobre Counter-Strike: GO, são as suas armas, afinal, desconheço jogo multiplayer que tenha um balanceamento tão eficiente quanto CS e com tantas opções de escolha. Isso felizmente se manteve, com algumas adições e outras retiradas. No caso da retirada, uma ótima escolha, como o riot shield, e adicionar por exemplo um taser, de apenas um tiro, e alguns tipos de shotgun, SMG, enfim, vale a pena conferir as armas novas. Mas o mais importante, o balanceamento, continuou tão bom quanto antes. É interessante notar que CS à primeira vista pode parecer que falha nisso, afinal temos armas poderosas como AWP, competindo com fraquíssimas submetralhadoras. Porém o custo da arma é uma variável, o quanto ela limita seus movimentos em função do peso. A própria ausência de mira, quando não está em modo scope, da AWP, também faz parte disso. Outro exemplo é AK-47 contra a antiga M4A1, e agora M4A4. Enquanto a AK é mais barata, e tem um tiro levemente mais potente, a M4A4 dá menos tranco, podendo disparar mais tiros em sequência sem sair da mira.

Ainda sobre as armas, todas foram remodeladas, e estão mais bonitas do que nunca. Não temos mais apenas aquele retângulo, apenas “pintado” com alguns detalhes, nada que vá mudar muito na jogabilidade. Mas com certeza dá um novo ânimo a pelo menos conhecer o jogo, mesmo que os gráficos não sejam os melhores que se podem encontrar hoje. Agora, quanto a um design específico da M4A4, não é algo que seja um problema, porém, não entendi o porque da retirada dos silenciadores, tanto dessa, quanto todas as armas de CT. Era algo interessante, que alterava o próprio funcionamento da arma, tanto em mira, quanto em força. Enfim, achei uma pisada na bola.

Toda essa simplicidade de Counter-Strike, mantida também em CS: GO, aliado com um gameplay totalmente baseado em Player vs Player, e um dos melhores balanceamentos de armas, o fazem um jogo único, em que praticamente só depende do jogador, o que ele pode e quer fazer. Afinal você pode tomar várias estratégias, agindo em equipe, “camperando”, “rushando”. Depende apenas de qual estilo se adequa a você, ao mapa, à sua equipe e adversários. Cada morte sofrida em CS é um aprendizado, ao se auto criticar no que errou, e observar o que os companheiros de equipe estão fazendo, e assim adotar uma nova estratégia para o round seguinte. Suas habilidades com a própria mira, o recuo da arma, a arma que funciona melhor para seu estilo, conferem um aprendizado round a round para o jogador que, acredito eu, poucos jogos dão essa experiência.

Os fãs de Battlefield costumam dizer que CS é muito centrado no jogador, e pouco no trabalho em equipe, o que pode ser verdade até certo ponto, na maioria dos servidores. Mas ao jogar com amigos, adotando uma estratégia para o time, dá a Counter-Strike um tom totalmente diferente, em que faz total diferença a colaboração para o objetivo da equipe. E é nisso que está o maior valor de CS e que é mantido em CS: GO. O jogador faz o seu jogo, dentro das suas possibilidades.

Counter-Strike, por mais que que alguns se recusem a reconhecer seus méritos, é um dos jogos mais importantes de FPS, que no Brasil, principalmente, teve uma forte influência na cultura dos jovens na década passada. Foi até um impulsionador de todo um modelo de negócios por nossas terras, que foram as Lan Houses. E é até hoje, um dos jogos com mais pessoas ativas (é só observar as estatísticas do Steam http://store.steampowered.com/stats/). Nada mal para um jogo de 1999, que nasceu de um MOD de Half-life e tomou vida por si só.

Fato é que Global Offensive é o mesmo CS de 12 anos atrás, com boas adições, som e gráficos melhorados. Pode-se reclamar de pouca inovação, mas pelo lado bom, que essa não alterou o cerne do jogo. Também porque, quase tudo em que se inovou, me parece claramente, feito por observação da própria comunidade que movimenta o jogo até hoje. Tudo isso justifica a confiança depositada na Valve por tantos jogadores. Some tudo isso a um preço bastante camarada. É um jogo que deve figurar na sua coleção.

Uma última observação, é que esse review foi todo baseado para a versão de PC e Mac, jogado com mouse e teclado. Pelo simples motivo que eu não vejo a menor possibilidade de jogar Counter-Strike em um gamepad.

Counter-Strike: Global Offensive, foi lançado em 21 de Agosto de 2012. Está disponível para Windows, Mac, Xbox 360 (XBLA) e PS3 (PSN). E foi desenvolvido pela Hidden Path Entertainment em parceria com a Valve, que também publica e distribui o jogo, por meio do Steam.

Review | Dustforce

10 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

humble bundle, indie game

Você quer ficar furioso? Dustforce é o jogo para você, mas isso não significa que o jogo é ruim, ele é ótimo, mas se prepare para frustrações, agonia, choro, controle na parede, desafio ao seu ego de jogador experimentado, porque o jogo é tão bom e envolvente, que você vai gostar de passar por todos esses percalços, e se sentir melhor no fim da jornada.

Dustforce, é um jogo de plataforma 2D, em que o seu objetivo é com uma vassoura, aspirador ou espanador, limpar toda a sujeira do mapa, sujeira essa que pode ser: folhas, poeira da cidade, resíduos químicos ou até mesmo poeira de fantasmas, e é claro tentar limpar tudo no menor tempo e com o combo mais alto possível.

A jogabilidade, que nesse caso se resume à movimentação do seu personagem, é o ponto técnico mais alto. Senti fortes influencias de Kid Chameleon, o clássico do Mega Drive, na maneira como o personagem se movimenta e como se desenrola a fluidez disso. E o resultado é que funciona muito bem, exigindo muitas vezes do jogador de movimentos inusitados, ágeis, e de certa forma dificeis, mas não no sentido frustrante, que é necessário um malabarismo de movimentos, completamente impensáveis. Mas sim, que desafiam, ao exigir raciocínio rápido e habilidade nos comandos. Dito isso, um ponto importante é que apesar de ser um jogo para PC, e ser possível jogar no teclado, recomendo altamente o uso de um controle. No teclado perde-se muito da fluidez necessária para completar certos desafios, tornando aí sim, uma experiência frustrante.

Dustforce também é um tipo de jogo que não está muito preocupado com quem o joga. Digo isso porque o jogo apresenta um pequeno tutorial com o gameplay básico para você não ficar completamente perdido. Depois disso, você está completamente por sua conta. Na primeira vez que joguei, fiquei talvez por 5 minutos pra encontrar como começava uma fase. Outro ponto que corrobora com isso, é o fato de se ter 4 personagens disponíveis para o jogo, que à primeira vista parecem não alterar a jogabilidade, alterando apenas o Skin. Mas não, existem diferenças sutis entre seus movimentos, que podem fazer com que sejam melhores ou piores para o estilo do jogador/fase. E tudo isso é você que deve descobrir, não há uma tabela de habilidades, por exemplo, informando se o personagem é melhor em velocidade, ou salto, ou o que equivalha. Novamente, você está por sua conta.

Agora voltando para a fúria que esse jogo te proporcionará, está ligada a própria dinâmica do jogo, que lhe apresenta alguns níveis iniciais, porém para liberar todas as fases do jogo, você deve conseguir chaves. E para conseguir essas chaves prepare-se, você tem que fazer a pontuação perfeita da fase, ou pelo menos perto disso. E para ser perfeito, você deve limpar toda a sujeira do cenário, sem perder o seu combo nenhuma vez. E por combo, não imagine jogos como Sonic, em que você só perde suas moedas, caso algum bicho te ataque, aqui em Dustforce, você tem que, além de escapar de possíveis ataques – o maior problema nem é esse, já que inimigos que dão hit, são infinita minoria – você tem um limite de tempo, entre os pontos de sujeira que você limpou. E esse tempo é bastante curto.

Com essa dinâmica de sempre procurar o combo perfeito, é inevitável que para chegar no objetivo final, você tenha que passar por cada fase várias vezes, conhecê-la bem, fazer uma rota que seja a melhor possível (sim, as fases também não são lineares, você pode ir por mais de um caminho). Fazendo sua estratégia, se esforçar ao máximo, pra conseguir fechar aquele level. E é ai que entra a raiva, o choro, o ataque de pelanca. Porque ele vai mexer com o seu ego de jogador, quando você estiver atingindo a quase perfeição no último segundo, e errar um movimento. Porém, ao terminar e cumprir a missão, e observar o seu ranking no leaderboard, a confiança será reestabelecida, pois poderá dizer, sou melhor do que todos esses que estão abaixo de mim.

Outro ponto a se ressaltar é o próprio leaderboard, que em todo level, você pode acompanhar o replay dos 10 jogadores melhor colocados. E ao ver esse replay, invariavelmente você vai ter aquela sensação, poxa, como não pensei nisso antes.

Um último ponto, depois de várias horas jogando, descobri que existe um modo multiplayer no jogo, mas é apenas local, nos moldes de videogame antigo, podendo jogar até quatro ao mesmo tempo. Com certeza não é algo que eu vá utilizar muito, eu diria que talvez nunca. Mas ele está lá.

Para concluir, é um must-play do cenário Indie, um ótimo jogo de plataforma, que proporciona um bom desafio e várias horas de diversão. Os aspectos técnicos do jogo como visual e trilha sonora são bem competentes, e a jogabilidade, desde que se esteja jogando com um gamepad, é muito boa, trazendo consigo diversas influencias dos clássicos do genêro, mas fazendo uma experiência original.

Resenha | Se a Vida Fosse Como a Internet

9 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Quadrinhos, Resenhas

Humor, independente, internet, tiras, Tirinhas

Se a Vida Fosse Como a Internet é uma HQ de autoria de Pablo Carranza, publicada pelo selo Beleléu, de quadrinhos independentes do Rio de Janeiro, em Julho de 2012, sob licença de Creative Commons (que por si só, já é uma atitude louvável). Ela usa metáforas e analogias, como seu próprio titulo sugere, para fazer graça e refletir sobre esse “novo mundo” digital, e como ele afeta nossas vidas.

Se a Vida Fosse Como a Internet é um álbum de tiras e algumas histórias curtas, que usa situações do nosso cotidiano – cada vez mais mixado entre o mundo real e o virtual – para extrapolar situações da vida real, e qual seria o resultado disso se agíssemos como na Internet. Tudo levado com um humor escrachado, e usando de absurdos, que nos levam a situações impensáveis e engraçadíssimas, como o submundo dos arquivos excluídos, em que um cara, querendo de volta uma foto de sua ex-namorada pelada, adentra a lixeira do seu computador, e é claro que por lá ele encontrará figuras de todos os tipos, em situações bizarras. Outro exemplo é a história em que Felix (um dos poucos personagens que tem um nome), vai para o Rehab internético, que além de criar o Facebook analógico para suprir seu vicio, entra em parafuso quando ouve a palavra Fax.

As situações usadas por Carranza, vai dos vícios com a internet, a falta de virgulas, os memes e piadas sem graça, quase todos os “hábitos” de internet são alvo de piada, e a cereja do bolo é uma dessas manias, que segue por todo o álbum e que culmina na história final, que são as citações fora de contexto e com autores trocados. Tanto a história final, quanto as citações me fizeram “rir litros kkkkkkkkkkk” sem deixar de pensar no que aquilo significa, e a crítica realizada.

O traço da HQ em tom descontraído, me faz arriscar a dizer que o artista tem grandes quadrinistas como referência, Robert Crumb por exemplo (nesse caso tanto na arte, como no tipo de humor). Além de uma influência das próprias tiras que fazem muito sucesso na internet, muito bem trabalhadas e bem executadas. A arte tem também muitos Easter Eggs, some a isso, o fato que vários dos personagens são “anônimos”, a obra então nos passa a impressão, é tanto parte, como fruto, daquilo que ela mesmo satiriza, que é o mundo digital. Outro aspecto que contribui para isso, é o trabalho gráfico de diagramação, feito por Stêvz, que usa as orelhas do livro como se fossem um menu iniciar do Windows. A primeira página tem uma “tela” de login e senha. E a fonte do prefácio é uma mono-espaçada típica de terminais ou MS-DOS. Entre outros exemplos.

Se a Vida Real Fosse Como a Internet é uma ótima HQ de humor adulto, realizada com o apoio do Programa Ação Cultural 2011, da Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo. Altamente recomendada, em todos os pontos que posso avaliar, arte, mensagem, humor. Está disponível para compra no site da Beleléu na versão impressa, autografada e com um poster. Ou a versão digital no site do Pablo Carranza via doação. Site este, também recomendado, com várias tiras relacionadas ou não, com a obra aqui citada.

Review | Shatter

7 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

humble bundle, indie game

Me arrisco a dizer que Shatter é o melhor jogo de “breakout” já feito. Breakout style, ou Breakout-clone, para quem não sabe, é o estilo de Arkanoid, presente desde o inicio dos videogames. Nesse estilo, objetivo é quebrar todos os blocos da tela, rebatendo um objeto com um tipo de base ou plataforma.

Shatter traz inovações a um gênero consolidado, e que nos últimos tempos tem recebido apenas jogos que são mais do mesmo, sem grandes inovações além de gráficos bonitos, e adições que são interessantes nos primeiros minutos, mas que perdem a força quando se percebe que está jogando a mesma coisa que era possível fazer já na década de 1970.

Uma dessas inovações, é o sistema de “sopro” e “sucção”, que alteram a trajetória da sua “bola”. Mas não está só limitado a ela. Alguns blocos que você tem que destruir, também são afetados pelo empurrar e puxar, fazendo com que você, além de afetar a trajetória do projétil, afete também o cenário e o objetivo do jogo. Em algumas fases por exemplo, você pode ter a estratégia de sugar alguns dos blocos errantes, para que eles sejam destruídos ao passar pela “linha de fundo” – o lugar que você protege com a sua plataforma, para que o projétil não caia e você perca uma vida. – Além disso, você tem uma barra de energia que vai completando conforme você marca pontos, e você pode usar essa energia, para habilitar uma espécie de campo de força na plataforma, que faz com que quebre os blocos que passam por perto da sua plataforma.

Ainda sobre a barra de energia, ela vai enchendo conforme você vai marcando pontos, rebatendo bolas e coletando fragmentos, que desprendem dos blocos quebrados. Para coletar esses fragmentos, você deve sugá-los, e muitas vezes vem o dilema, se eu sugar, vai mudar completamente o cenário, e é bem capaz de eu perder uma vida. Fazendo com que você tenha que adotar estratégias no tempo de jogo. Um último feature dessa barra, é que quando completa, você pode desferir um “especial”, que solta uma saraivada de tiros, destruindo vários blocos, com controle total de onde você está atirando, e em slow motion.

Outro ponto inovador é a possibilidade de você soltar vários projéteis no mesmo cenário, sempre limitados ao seu número de vidas. Como a hora de soltar o projétil, é quando você tem mais controle sobre ele, isso pode ser a chave para, por exemplo, derrotar um big boss, que te obriga a quebrar um bloco na parte de cima do cenário, e logo depois dar um hit na parte de baixo, em um pequeno intervalo de tempo.

Os power ups, também são um extra a se destacar, eles fogem óbvio, de plataforma maior, vida extra e multiplicador de pontos. Você tem power ups, por exemplo, que alteram o poder de manobra do seu projetil, com a sucção ou sopro, outro que aumenta os fragmentos, outro que faz com que o projetil ao quebrar o bloco, não seja rebatido, mas que continue na trajetória. Aliando isso a tipos especiais de blocos, que por exemplo explodem vários no seu entorno. Outros que repelem a bolinha, ou que funcionam no estilo de um foguetinho buscapé, dão ainda mais dinâmica pro jogo, fazendo você chegar a níveis insanos, para conseguir lidar com tudo que está acontecendo na tela.

Os cenários do jogo, vão além do estilo retangular, vertical ou horizontal consagrado nesse estilo. Há cenários circulares por exemplo, que aliados a habilidade de sugar e empurrar, conferem uma jogabilidade completamente nova, que torce quase que por completo o conceito que você tem desse tipo de jogo. Além dos “big bosses”, que te obrigam novamente a pensar diferente, e usar um mix das estratégias usadas nos últimos cenários para conseguir derrotá-los.

Exemplo de cenário circular

Além dos cenários diferentes, temos vários modos de jogo, o modo história, que segue uma sequência lógica de fases, com um nível de dificuldade crescente. O modo Endless, que como o próprio nome sugere, você vai jogando até perder todas as suas vidas. Time Attack, em que o objetivo é se manter no jogo até o fim do tempo corrido. Bonus mode, em que o objetivo não é quebrar blocos, mas rebater o maior número possível de vezes três projéteis que estão na tela. E Boss Rush, aberto depois que se completa o modo história, em que você vai passando por todos os big bosses, do jogo. Além de tudo isso, você tem os modos co-op, para Time Attack e Endless, que são apenas locais, uma pena, jogá-los online seria uma grande adição ao jogo, mas que não tira todos os seus outros méritos.

A escalada de dificuldade de Shatter, é outro ponto positivo, muito bem planejada, nos dando a impressão que conforme o jogo avança ela se mantém a mesma. Mas depois de passar por um nível avançado, e jogar um dos iniciais, é nítido o quanto o jogo ficou mais complexo, ao mesmo tempo que você também ganhou a habilidade pra passá-los com mais pontos e mais facilidade.

Um cenário “comum” de shatter

E chegamos então à cereja do bolo, a trilha sonora, que é simplesmente fantástica. Composta por Jeramiah “Module” Ross, ela traz elementos clássicos dos jogos 8 bits, top gear, solos de guitarra e baixo, até o Glam Rock está ali presente, tudo remixado pra um ritmo eletrônico, sintetizado, moderno, com influências claras de Daft Punk. Combinando perfeitamente com o jogo, ela concede uma atmosfera futurista, espacial e até calma, trazendo uma experiência sensorial incrível, ao combinar aquela quantidade de elementos visuais, com a música em sinergia perfeita. Toda a composição sonora do jogo, rivaliza com a jogabilidade como ponto mais alto de Shatter. E veja, isso é muita coisa, depois de tudo que foi explicado sobre a jogabilidade, previamente.

Finalizando, é incrível como um jogo com uma premissa tão simples e de um gênero tão recorrente, nos últimos tempos diria até cansativo e repetitivo, pode gerar uma análise tão extensa, com tantos elementos a serem explorados. Shatter com certeza é uma surpresa para quem espera ver apenas mais um jogo de quebrar blocos. Sendo assim um Must Play, sem dúvida alguma.

Lançado em 2009 para PS3, pela PSN, chegou em 2010 ao windows, e em setembro de 2012, para Mac Os e Linux, junto com o Humble Indie Bundle 6. Shatter foi criado pela Sidhe Interactive, desenvolvedora independente, e seus Designers são: Alan bell, Antony Blackett, James Everett e Jonathan Brown.

Review | New Star Soccer 5

5 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

fifa, futebol, indie game

New Star Soccer 5 é quase uma raridade, pois jogos independentes de esportes em geral já são poucos, e os que têm uma base de jogadores são menos ainda. O fato é que New Star Soccer 5 não pretende ser o novo Fifa ou PES, apenas traz alguns elementos interessantes pra um gênero que pouco inova, a não ser em gráficos melhores e física melhor. Mas os objetivos pouco mudam.

O primeiro sentimento que eu tive com o jogo foi uma espécie de volta ao passado. Algo como voltar a 1994 e jogar o primeiro Fifa Soccer ou Soccer Shootout do SNES. Afinal, os gráficos são comparáveis a esses: uma visão geral do campo, com os personagens desenhados com sprites. A própria movimentação dos jogadores, o domínio de bola e a jogabilidade em si também têm grandes semelhanças. Tudo muito simples. Os uniformes, em sua maioria, são apenas uma ou duas cores sólidas com alguns pequenos detalhes, por exemplo a faixa transversal do uniforme do Vasco. Portanto, se para você o que conta é a fidelidade de um jogo ao tentar se aproximar da realidade, passe longe de New Star Soccer 5.

Agora um ponto bastante negativo do jogo, independente de qual era o seu real intento com relação aos gráficos, fica por conta da resolução. Nem tanto das partidas em si, que realmente ocupam a tela inteira do computador na resolução correta. Mas toda a parte de menus e simulação do jogo é envolta em uma moldura para ocupar a tela toda em fullscreen, e as letras e todas as informações ficam centralizadas na tela, tudo muito pequeno, tendo que em momentos me aproximar para conseguir ler o que estava escrito.

Um pouco da estrutura do jogo, para depois destacar alguns pontos: New Star Soccer 5 é um jogo de futebol em que você não controla o time todo, apenas um jogador, e deve seguir a carreira ludopédica dele. Além disso, os times não são formados pelos jogadores atuais da equipe de que você participa, e sim por outros jogadores reais – mas que não jogam ao mesmo tempo, são usadas apenas as estatísticas deles, ou seja, é completamente single player.

Outro ponto são todas as atividades que ocorrem no entorno da partida em si. Uma delas são os treinamentos, que desenvolvem diversas habilidades do seu personagem e que influenciarão na partida. Esses treinamentos, são interessantes, porém têm problemas sérios. O maior deles, a meu ver, é o nível de dificuldade: enquanto alguns treinos são simples e fáceis (velocidade e drible, por exemplo), outros beiram o impossível de completar todos os níveis, como chute, desarme e cabeceio. Você vai ter que recorrer, se quiser completá-los, não ao jogo natural, mas sim a mamatas e estratégias pré estabelecidas. Quando digo mamata, não falo de cheats, mas de pequenos macetes. No fim das contas o modo de treinamento, que prometia ser algo interessante e alguma inovação, acaba se tornando apenas frustrante.

Outra atividade paralela à partida são os relacionamentos. Você tem vários tipos de relacionamentos, com seu treinador, com seus companheiros de equipe, amigos, namoradas, patrocinador. Enfim, é outro caso que é uma adição interessante, porém mal executada a meu ver. Para você aumentar o nível, você tem que fazer mini-games de jogo da memória, cassino, corridas de cavalo. Depois de aprender como gerenciar para deixar todos os relacionamentos em alta, você simplesmente deixa de dar importância para eles. Uma pena, pois esses relacionamentos influenciam o seu nível de felicidade, e este influencia o seu desempenho durante o jogo. Ou seja, se está infeliz, tem mais chance de errar um chute e por aí vai.

Além disso ainda existem alguns outros elementos, como nível de fama, gerenciamento do seu contrato, o seu valor de mercado (que define também o seu ranking dentre todos os jogadores reais), transferências, apelo com os fãs, estilo de vida (em que você pode comprar carros, casas etc.)… Tudo muito legal nas primeiras horas de jogo, mas no momento em que não são mais novidade perdem o apelo, e com isso a graça.

Agora um pouco da jogabilidade do ludopédio. Por ser extremamente simples, é muito divertida. Praticamente uma volta aos velhos jogos, como Super Star Soccer Deluxe (Inclusive o nome é bem inspirado nisso), Fifa 94, entre outros. Existem dois modos de jogo: o simples e o “avançado”. No simples apenas um botão faz tudo, chuta, passa, pede bola, dá carrinho. No avançado, as coisas ficam mais próximas dos jogos a que estamos acostumados, mas com 3 botões apenas, além do direcional: chute, passe e cruzamento. Não há dribles mirabolantes, chute de bicicleta, voleio, nada disso. Apenas um jogo de futebol muleque, pé descalço, que pode render boas horas de diversão, se o que você busca é essa simplicidade.

No geral, New Star Soccer 5 tem um apanhado de boas ideias, mas que na maioria das vezes são mal executadas e acabam deixando o jogo enjoativo ou frustrante em um curto espaço de tempo. Ainda que eu tenha me divertido por algumas horas com as partidas simples e despretensiosas de New Star Soccer 5, não acredito que ele mereça uma indicação sem ressalvas, principalmente pelo fato de que fazemos grandes concessões no quesito gráficos e produção, para jogos independentes, justamente para que haja uma jogabilidade interessante e criativa – mas nesse caso, é quase uma volta aos jogos do passado com algumas pitadas de criatividade “importada” de jogos mais recentes e de outros gêneros, ainda com um agravante: um eventual bug, que simplesmente fecha o jogo do nada, e me ocorreu diversas vezes.

Apesar de não indicar o jogo de imediato, ele tem um modo grátis, em que você tem 5 partidas iniciais e depois 2 partidas por dia para jogar sem pagar nada. Vale a pena criar sua conta, baixar e testar se o apelo do jogo é o suficiente para você gostar. Caso goste, uma dica válida: o Steam vende o jogo mais barato do que o site oficial.

New Star Soccer 5 é desenvolvido pela New Star Games e está disponível para PC, por Steam ou compra direta.

Crítica | O Ditador

2 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

anna farris, ben kingsley, John C. Reilly, sacha baron cohen

Ao começar O Ditador com a dedicatória “À memória do querido de Kim Jong-il”, Sacha Baron Cohen mostra novamente a que veio. Dessa vez ele deixa de lado as situações pseudo-reais dos anteriores, Brüno e Borat, mas novamente coloca um estrangeiro nos EUA fazendo piadas machistas, escatológicas e politicamente incorretas com o objetivo de fazer graça da nossa sociedade, modo de vida, governo e hipocrisia com alguma crítica social entre uma piada e outra.

Sacha Baron Cohen interpreta o líder supremo, Aladeen, da república de Wadiya – nome que em português ficou ainda melhor. Somos introduzidos às excentricidades de seu general, como reduzir o dicionário de Wadiya e introduzir vários significados para a palavra Aladeen (uma referência clara a 1984 e à novilíngua), trazendo uma piada instantânea, com um médico dizendo que a um paciente que ele é HIV-Aladeen, e este em dúvida se chora ou se ri. Além disso, carros folheados a ouro, jardins esculpidos com a face do líder e um próprio discurso em que o general não consegue conter a risada ao dizer que seu programa nuclear será usado apenas para fins pacíficos e medicinais.

Dirigido por Larry Charles, o filme tem roteiro do próprio Sacha Baron Cohen, além de Alec Berg, David Mandel e Jeff Schaffer. A maior parte do filme se passa nos EUA, onde Aladeen pretende discusar para a ONU, “colocando-os em seu lugar”, mas acaba caindo em uma conspiração para tirá-lo do poder, organizada por seu tio e conselheiro, Tamir (Ben Kingsley). Este o entrega para um agente americano interpretado por John C. Reilly (que não é creditado no filme), e ambos protagonizam uma cena hilária na qual, além de cortar a “barba sagrada” do opressor supremo, passam por uma discussão sobre os equipamentos de tortura ultrapassados do agente.

A partir daí, Aladeen é obrigado a se passar por um qualquer, já que não é reconhecido sem sua barba, e é quando conhece Zoey (Anna Farris): uma ativista vegetariana, feminista e completo oposto do ditador, mas que o completará e, mesmo sem saber, o ajudará a retomar o poder. Além disso, ela e sua loja de produtos orgânicos são o estopim de uma quantidade imensa de piadas machistas e politicamente incorretas, que atingem em cheio defensores de ecologia, feministas, entre outros grupos. E tudo isso funciona, muito por todos esses estereótipos e o sarro tirado serem em função do próprio humor e uma crítica aos seus exageros, e não apenas por agressão banal a um grupo determinado.

Além de Zoey, outro personagem importante é Omar (Sayed Badreya), um físico nuclear exilado de Wadyia que, nos EUA, trabalha como Apple Genius. Juntos eles farão planos mirabolantes para que o ditador volte ao poder, e assim ele terminará seu projeto nuclear “pacífico”.

O roteiro tem seus problemas, seus furos, não é original – afinal, a mesma estrutura do estrangeiro deslocado já foi usada tanto em Borat quanto Brüno -, mas é aceitável, tanto pelo nonsense do que vemos na tela como por ele cumprir exatamente o que se propõe: fazer o espectador rir, por mais escabrosa que seja a situação representada.

Outro ponto positivo para O Ditador é a trilha sonora com várias músicas de sucesso regravadas em arábe, como Everybody Hurts, do R.E.M., ou The Next Episode. As versões muito bem inseridas no filme já são motivo de riso imediato.

O Ditador finaliza, então, com aquela figura infantil, mimada pelo poder e completamente deslocada da nossa própria realidade, que é Aladeen, fazendo um discurso contra a democracia e a favor de sua ditadura, usando argumentos que são justamente a realidade que vivemos em nossas democracias modernas: 1% do povo com toda a riqueza, a mídia manipuladora e controlada por apenas uma pessoa e suas famílias, entre outras. A cena me parece uma homenagem ao estilo Sacha ou até mesmo uma antítese do clássico de Charles Chaplin, O Grande Ditador, de 1940, que nos levanta o questionamento: mesmo tantos anos depois, talvez os nossos problemas continuem sendo os mesmos, apenas com outras figuras e uma nova roupagem.

Não espere, é claro, o filme mais engajado e político dos últimos tempos. Ele é apenas uma comédia com um bônus bem-vindo que é sua crítica social, e que muitas vezes espera que o próprio espectador se sinta culpado por achar aquilo tão engraçado. Vale lembrar que Sacha é judeu e algumas das melhores piadas do filme são justamente anti-semitas.

Resenha | A Garagem Hermética

1 de outubro de 2012 by Rafael Moreira

Quadrinhos, Resenhas

Editora Nemo, Moebius, quadrinhos europeus

Uma das obras primas do quadrinista Moebius (Jean Giraud), falecido em 10 de março de 2012, A Garagem Hermética foi originalmente publicada na revista francesa Metal Hurlant entre 1976 e 1980 em episódios de duas a quatro páginas. Foi republicada no Brasil pela editora Nemo, com nova tradução e um belo trabalho editorial. Portanto, hora mais propícia para uma resenha de um dos maiores clássicos dos quadrinhos europeus provavelmente não haverá. Embarquemos, então, nessa viagem lisérgica de Moebius.

É uma tarefa árdua falar do plot de Garagem Hermética, tanto pela estrutura da história – com idas e vindas que saem do desconhecido e te levam para pontos que “desconhecido” não é o suficiente para definir – quanto porque, notadamente, talvez o último interesse do autor fosse realmente contar uma história quadrada, fechada, seguindo uma estrutura narrativa comum, com início, meio e fim. Ele próprio descreve um pouco do desenvolvimento da história de Garagem Hermética: “Todo mês eu tentaria recriar uma trama coerente, com os elementos já existentes na história. E então separaria tudo para me sentir inseguro novamente, e então no mês seguinte unir os pedaços pra começar tudo de novo”.

Com esse espírito de liberdade de desenhar e criar universos e deixar que o leitor os complete em sua própria experiência, Moebius continua a contar a história de Major Grubert – e digo “continua” pois era um personagem já existente em Major Fatal, e publicado pela primeira vez em A caçada ao francês de férias. Dessa vez, Major Grubert e seu antagonista, Lewis Carnelian, protagonizam uma trama transcendental, mística, em que adentram um planeta com diferentes níveis de realidade, cada vez mais complexos e distantes da nossa própria realidade, deixando o leitor sempre um passo atrás da compreensão de tudo aquilo que está acontecendo, mas ainda assim envolto e imerso naquele universo de nonsense, belas imagens e criatividade quase infinita.

Sobre a arte de Moebius: eu compararia sua arte e os planos que ele apresenta em Garagem Hermética ao Cinema Scope dos quadrinhos. Planos abertos, às vezes até ocupando uma página inteira, com detalhes suficientes para que o leitor dê uma pausa na leitura e na evolução da trama apenas para analisar cada trecho e minúcia desenhada. Observar e apreciar cada referência e inspiração que o quadrinista deixa ali em seu traço: por exemplo, uma cena em que Major e Lewis estão voando, o próprio autor cita como referência direta ao Homem de Ferro. Como se já não fosse o bastante, alguns dos ângulos de observação daqueles planos já seriam muito inovadores nos dias de hoje. Considerando então a época em que Garagem Hermética foi escrita e desenhada, podemos com certeza considerá-la um marco que viria a influenciar quase toda, se não toda, a produção de quadrinhos subsequente.

Fora que toda essa arte remete, é claro, ao nosso mundo real, mas ainda assim cria um universo próprio, com suas regras particulares, o que dá ainda mais liberdade e criatividade para suas criaturas, paisagens, construções, todas belíssimas e únicas. Os desenhos em preto e branco conferem ao leitor o uso da imaginação para que aquilo tudo se torne ainda mais vivo e real, sem perder, porém, um aspecto de sonho e imaginação que muitas obras em preto e branco sugerem.

A Garagem Hermética, mesmo que não agrade àqueles que preferem uma estrutura narrativa mais linear e fechada, com certeza vale por seu desenho.Em muitos momentos ele é a motivação para a continuidade na saga que, por suas idas e vindas, muitas vezes sem muito nexo e lógica, dá a impressão de que a história não sai do lugar, e que cairá para algo em que não há solução possível. Portanto um clássico como esse, quase uma experiência, é obrigatório para todos os fãs de histórias em quadrinhos, e também como uma introdução a esse mestre da nona arte, Moebius, junto com suas histórias iniciais do Major Grubert.

Compre aqui.

Crítica | Indie Game: The Movie

29 de setembro de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

Documentário

Indie Game: The Movie, é um premiado documentário (Sundance 2012), criado, produzido, dirigido, filmado, fotografado, editado e escrito por apenas duas pessoas, James Swirsky e Lisanne Pajot. Ou seja, bem ao padrão de uma produção independente. O filme foi financiado por dois projetos no kickstarter, o primeiro em maio de 2010, levantando os fundos necessários (U$ 15.000) em 24 horas e atingindo 23.341,00 ao final do funding. O segundo “financiamento”, para finalizar o filme, com objetivo de (U$ 35.000), conseguiu quase 200% de sua meta inicial, atingindo mais de 71 mil dólares. Provas de que a comunidade de games independentes, apoiam uns aos outros não faltam. Essa foi só mais uma.

O filme não cai na fácil armadilha da comparação, colocando a indústria de games triple-A como vilões, e o pessoal do independente como os salvadores da cultura gamer. Pelo contrário, aqui o foco é total nos independentes e de seus valores por eles próprios, e não pela análise comparativa.

O documentário tem entrevistas com Jonathan Blow, criador de Braid, Edmund McMillen e Tommy Refenes, criadores de Super Meat Boy e Phil Fish, criador de FEZ. Além de algumas outras participações menores, todos relacionados a cena indie. Além de uma série de extras, como a entrevista com Alec Holowka, da Infinite Ammo, que foi a centelha inicial do filme. Algumas pequenas entrevistas com outros desenvolvedores. Além de adicionais sobre a própria produção do documentário, entre outras coisas. Todas usadas como material de divulgação entre o período de produção e financiamento do projeto.

Com Jonathan Blow, o documentário explora a veia mais filosófica e artística dele próprio, tentando trazer à tona o que motiva, e o que é em sua essência o desenvolvimento de games, que não tem uma forte pressão de estúdios e a necessidade de vender milhões de cópias. Já com os outros participantes principais é mais explorada a motivação e a condição deles próprios, como desenvolvedores independentes.

Os produtores tentam nos mostrar, que aquilo que está sendo produzido não é apenas um jogo, feito apenas para diversão pueril e nada mais. A obra produzida é um reflexo das pessoas nela envolvidas. É a forma que eles melhor têm pra se expressar. Dizer algo para o mundo, algo que representa eles próprios. O próprio Jonathan, em dado momento fala o seguinte (em tradução livre):

Parte de tudo isso, é sobre não ser profissional. Muita gente vem pros jogos indies, tentando ser uma grande empresa. E o que essas empresas fazem, é criar produtos muito polidos, que atendem ao maior número de pessoas possível. Removendo todas as imperfeições possíveis. Se há um canto afiado, você confere se esse canto não vai ferir ninguém, ninguém irá se machucar com o seu produto. Criar esses produtos, polidos e comerciais é o oposto de se criar algo pessoal. O que é pessoal tem falhas, vulnerabilidades. Se você não vê a vulnerabilidade de alguém, você provavelmente não conhece essa pessoa o suficiente, ou de uma maneira verdadeiramente pessoal. É a mesma coisa com o Game Design, em que fazê-lo, é pegar minhas próprias falhas e vulnebilidades mais profundas, colocá-las no jogo, e ver o que acontece.

Além disso, o documentário investe uma carga bastante dramática, sobre o que tudo aquilo representa pra vida desses desenvolvedores e também para aqueles que estão no seu entorno. O que significa aquela realização, e tudo que foi deixado de lado na busca por esse sonho.

Um outro ponto muito interessante, é que o documentário acerta em cheio com as escolhas daqueles que serão entrevistados e acompanhados no desenvolvimento, diria até que foi uma jogada de sorte, já que as filmagens começaram antes do lançamento dos jogos em questão. E o contraponto foi excelente, ao pegar o Team Meat (Super Meat Boy), um sucesso estrondoso de crítica e vendas, e FEZ, um jogo que passou quase 5 anos em desenvolvimento, prometia ser um dos maiores, mas que acabou perdendo muito da força, quase por um abandono da base de fãs que havia conseguido, que desistiram da espera.

Enfim, Indie Game: The Movie, deve ser assistido, gostando você ou não de jogos de videogame. Porque além de sua ótima construção, também defende essa forma de expressão artística que muitos ainda teimam em desqualificar, considerando apenas como uma forma menor de entretenimento, muito porque não consegue enxergar o que está por trás do “apertar botões”, e entender o significado, o objetivo, que o game designer quis passar com aquela experiência.

Resenha | Cantando um Blues – Isaac Soares de Souza

26 de setembro de 2012 by Rafael Moreira

Literatura, Resenhas

editora estronho, Eric Clapton

Cantando um blues, livro de Isaac Soares de Souza, autor de Zé Ramalho: o poeta do terceiro milênio, poeta e letrista, se apresenta como um amigo pessoal de Raul Seixas, e isso terá muita influência nessa obra.

O livro traz uma breve introdução ao ritmo negro do sul dos Estados Unidos, destacando suas origens – como a música dos escravos, com o objetivo de amenizar o sofrimento por sua condição, que tornou-se posteriormente algo como a voz dos oprimidos em busca da igualdade, voz essa melancólica e boêmia. Nas palavras do autor: “O Blues é tudo aquilo que a alma humana almeja: Liberdade, igualdade e fraternidade”.

O livro traça também um histórico do ritmo com essa introdução, colocando suas origens geográficas, as vertentes e os rumos que tomou ao se espalhar pela América e pelo mundo e, com isso, toda a influência na cultura musical que o Blues exerceu e exerce até hoje.

A partir daí, o livro traz uma série de mini-biografias, dividas em três categorias: “A origem”, “O blues e o Rock’n Roll” e “O Blues no Brasil”. É por meio dessas curtas passagens sobre a vida daqueles que são os personagens principais do Blues, as próprias pessoas, que o autor conduz a história do som do Delta do Mississipi, indo de Charley Patton, Koko Taylor, passando por Muddy Waters até Bob Dylan, Janis Joplin, Eric Clapton e muitos outros.

Esse modo de conduzir o livro é interessante, pois podermos conhecer nomes importantes para a música que nem sempre são conhecidos do grande público. O autor, inclusive, parece-me tentar mesclar um pouco disso, colocando nomes altamente expressivos ao lado de figuras menos conhecidas. Além disso, fazer um livro dessa forma já o torna interativo quase que automaticamente: assim que lemos sobre um determinado músico, instantaneamente vamos à internet conhecer pelo menos um pouco de sua obra, buscar mais informações, fazendo com a leitura fique ainda mais dinâmica e prazerosa.

Essa estrutura de pequenas biografias tem dois problemas que não tornam o resultado final ruim, mas que devem ser destacados. O primeiro deles, é que em alguns músicos, pouco é falado da obra em si, focando apenas em alguns aspectos da vida daquele personagem, deixando a obra em segundo plano. Não é o que se espera quando se lê algo sobre expressões artísticas em geral, mas é plenamente compreensível, por questões práticas e limitações de espaço, que sejam feitas algumas escolhas em detrimento de outras. O segundo problema é o questionamento das escolhas do autor. Isso porque ele não deixa claro, em nenhum momento, qual é o critério utilizado para colocar em sua obra determinado músico, talvez de menor expressão, e deixar de fora, por exemplo, um gigante do Blues como B.B. King, que é naturalmente citado diversas vezes no decorrer do livro, tal qual Muddy Waters – mas este segundo tendo o seu “verbete” exclusivo, enquanto B.B. King não. Outro questionamento desse tipo levo no cenário brasileiro, com a inclusão de Raul Seixas, mas deixando Celso Blues Boy de fora. Porém, esse assunto retomarei à frente.

Um outro ponto altamente positivo do livro é o grafismo e a diagramação de Cantando um blues. Diversos blueseiros contam com a sua caricatura nas páginas – desenhadas por Walter Tierno e Thiago Ivanildo Lima –, todas muito bem desenhadas, que dão um toque de humor e leveza à obra. Além disso, várias páginas contam com um plano de fundo com notas ou instrumentos musicais, feitos com bastante cuidado, o que dá um visual especial para o livro, mas sem comprometer a leitura. Outro ponto ainda ligado ao grafismo são as páginas “especiais”: páginas pretas com letras de músicas icônicas do Blues, ou poemas e letras do próprio autor. Some tudo isso à capa, e até mesmo aos marcadores de página, tudo de extremo bom gosto. Temos um dos livros com um trabalho visual mais belos que já tive em mãos.

Cantando um blues funciona como uma boa introdução a esse gênero musical importantíssimo não só para a música, mas para toda a cultura ocidental moderna. Porém, isso não quer dizer que está livre de problemas. Então vamos a eles.

O primeiro problema de Cantando um blues, é uma certa necessidade especulativa do autor. Explico. Quando falando de Bob Dylan, o autor faz comparações entre ele e Raul Seixas, dizendo que o primeiro só é superado pelo segundo. Ele coloca então que Dylan só é mais cultuado que Raul por ser americano, enquanto Raul é um brasileiro, baiano, portanto relegado à condição de sucesso apenas no Brasil. Em fazer comparações eu não vejo problema nenhum, é algo natural. O problema que eu percebo são as bases que você usa para fazer essa comparação. Nesse caso, a base não foi musical ou alguma análise crítica do trabalho artístico, mas uma percepção particular, ou suposição, do próprio Isaac, ligado muito mais a uma questão de fé, ou crença, ou até mesmo devoção pelo próprio amigo (Raul Seixas), do que a uma questão racional lógica.

Outro problema, infelizmente também ligado ao próprio Raul Seixas: por mais que o autor defenda que este era um fã do Blues, e sua música tenha um quê desse ritmo, sabemos também que esse genero têm influência em praticamente toda a música moderna, o que não faz com que toda música moderna seja Blues. Portanto, evocar em demasia um artista cuja obra definitivamente não se caracteriza pelo ritmo do Blues, agravando-se ainda o público alvo, desejando uma introdução ao que é esse ritmo, me parece uma tentativa de imputar algo que não condiz com a verdade.

Não me entendam mal, gosto muito de Raul Seixas, acho sua obra inestimável para a música nacional. Porém, não o considero um expoente do Blues, pelo simples motivo de que ele não o é. Também não acredito que o autor o faça de má fé. O que penso apenas é que ele deixa extravasar sua amizade com Raul Seixas para suas palavras, para o papel, prejudicando assim a própria qualidade do trabalho – que seria mais completo, e mais condizente com a realidade, incluindo outros nomes do Blues nacional, como o já previamente citado Celso Blues Boy (que começou sua carreira com o próprio Raul Seixas), ou Blues Etílicos, entre outros, estes sim verdadeiros expoentes do Blues brasileiro.

Um último problema que vejo em Cantando um Blues é o texto referente J. J. Jackson. O texto destoa, e muito, do restante do livro. O estilo passional e vibrante do autor dá lugar a um texto frio, distante, com aspectos publicitários até. Ao final vejo uma nota dizendo que realmente a autoria do trecho é de Esmeralda Nascimento e não de Isaac Soares de Souza. Fui à internet saber um pouco do tal J. J. Jackson, que, de acordo com o texto, seria um dos maiores estouros musicais do Brasil. Eu já tinha ouvido falar dele por sua regravação de Stand By Me, mas nada além de ouvir falar. E qual não foi a minha surpresa ao ver que o texto era uma reprodução idêntica da página do músico. Segue o link: http://www.jjjackson.com.br/historia.html. Eu não entendi os possíveis motivos de uma inclusão como essa. O fato de ser escrita por um terceiro não é o problema, o problema é que sai completamente do tom do autor e do livro, causa estranheza imediata, tanto que me motivou a buscar e encontrar a fonte original do texto. Ou teria o site do músico transcrito integralmente o trecho do livro? Não sei, mas é algo que gostaria de esclarecer.

Exceptuando esse problema com J. J. Jackson explicado no último parágrafo, eu diria que, apesar de alguns deslizes aqui e ali, ainda assim é uma leitura introdutória bem interessante para aqueles que gostam ou querem conhecer um pouco sobre esse ritmo de doze compassos marcantes e envolventes que é o Blues. Gênero esse que, segundo Clint Eastwood, juntamente com o Jazz, é o único estilo musical verdadeiramente americano. Cantando um blues conta ainda com um bônus primoroso que é o trabalho gráfico impecável. Somando ainda a escassez de obras sobre o tema na nossa língua, com certeza é um livro a se indicar.

Atualização: Minhas ressalvas anteriores sobre a indicação do livro, que se davam à inclusão de um texto do músico J.J. Jackson, em tom oposto ao restante da obra foram esclarecidas no segundo comentário da postagem, pelo próprio autor do livro. Peço então que ao final da leitura, seja lido também o comentário do próprio Isaac Soares de Souza, em que ele reconhece meu apontamento. Com isso, retiro minha ressalva anterior em que questionava a indicação do livro, e agradeço a transparência do próprio autor e editora, que se dispuseram a esclarecer o assunto.

Review | Humble Bundle Para Android 3

20 de agosto de 2012 by Rafael Moreira

Games, Reviews

android, humble bundle, indie game

Humble Bundle é um sucesso inegável. Explicando por alto, é um pacote de jogos, que você paga exatamente o que quiser por ele, e recebe seus jogos, totalmente livres de DRM e multi plataforma. Caso queira mais informações, no post Humble Bundle para Android 2, eu dou mais explicações sobre como funciona melhor todo o projeto.

Aqui o objetivo é fazer um mini review de cada um dos jogos para esse Humble Bundle para Android 3. O Bundle é voltado para os dispositivos mobile, porém, dessa vez, todos os jogos tem boa jogabilidade em nada prejudicada estando num computador, ao invés de um tablet ou celular, isso é uma diferença boa para o anterior, em que alguns dos jogos, só faziam sentido realmente, sendo jogados em dispositivos móveis.

Fieldrunners

Fieldrunners é um tower defense clássico, em que o objetivo é impedir, com as suas torres de tiro, que o inimigo alcance a sua base. Cada modo de jogo dispõe de uma variedade de torres de ataque diferente. O básico, tem a torre de tiro normal, a torre que deixa os inimigos mais lentos, mísseis, e a Tesla Tower, que é a torre de raios elétricos. Nada de novo por aqui, certo? A quantidade de torres diferentes de ataque, que são 12 ao total, são um atrativo. Além de 7 modos de jogos: Clássico, 100 rounds; Extended, a mesma coisa do clássico, mas ao invés de 4 variedades de torre, são 6; Endless, sem fim. Até acabar suas 20 vidas, ou 20 inimigos que infiltram a base. Além disso, temos Sudden Death, ou morte súbita, o primeiro inimigo que passar a barreira, é game over. Time Trial, Tower Combo 1 e 2, que são basicamente o modo clássico com mais torres.

Outro aspecto interessante do jogo, são os tipos de mapas disponíveis. O padrão, como todo bom tower defense, é uma entrada e a saída do lado oposto. Existem mapas, com 2, 3 e até 4 entradas de inimigos e a sua base no centro. Enfim, é bem versátil, com vários estilos do mesmo tipo de jogo.

Os gráficos do jogo, são interessantes, com um visual cell shading, cartunesco, com claras inspirações em Team Fortress 2.

No mais, se você gosta de tower defense, com certeza é uma boa pedida, e vai render várias horas de diversão, e nos níveis mais difíceis, um desafio e tanto também. Se eu tenho alguma crítica ao jogo, é a quantidade de rounds por partida, que são 100 nos primeiros níveis, e 50 nos posteriores. 100 rounds torna o jogo muito mais longo do que eu gostaria e até um pouco cansativo, já que nos últimos, com a estratégia montada, pouco você têm a fazer a não ser observar o jogo terminar. O melhor dos mundos nesse aspecto, seria que o jogador pudesse escolher a quantidade que mais lhe agrada.

BIT.TRIP BEAT

BIT.TRIP BEAT não é nenhuma novidade no cenário indie game, que veio na onda de jogos de ritmo. Ele nada mais é que uma releitura do antigo Pong, com elementos modernos. Variando os alvos que você tem que defender, de acordo com o ritmo da batida do tom principal que está tocando.

O grande problema desse tipo de jogo, é que os considero repetitivos e enjoativos. Depois de meia hora, nada de novo é apresentado, ficando apenas numa mesmice, de rebater o pixel de algumas maneiras diferentes. Sem ter uma história, objetivo ou algum desafio final por trás – que na verdade, até existe, se você considerar que habilitar todos as músicas é um desafio, que irão repetir o seu gameplay anterior – o jogo se mostra sem nenhuma força para que seja retomado para um replay.

Outro ponto, pra mim negativo, para BIT.TRIP BEAT, é a poluição visual presente na tela. Se você tiver algum problema com “Motion Sickness”, passe longe. Como todo bom jogo Old School, o nível de dificuldade é bem grande, chegando em alguns momentos a ser até desanimador, e pra realmente “fechar” o jogo, você vai ter que repetir dezenas de vezes o level, pra conseguir memorizar e atingir um bom desempenho, e isso leva a um outro problema na minha opinião. O jogo é composto por três músicas, todas são excessivamente longas. Somando isso aos excessos visuais da tela, e a própria música, que apesar de boa, tem um aspecto repetitivo, o jogo se torna maçante em pouco tempo.

Spirits

Se em BIT.TRIP BEAT tivemos uma releitura de Pong, aqui temos uma releitura de um outro clássico: Lemmings. Só que ao invés dos pigmeus de cabelinho verde, temos espíritos ou fantasmas. Com uma mecânica simples, mas extremamente desafiador, caso queira completar todos os níveis com pontuação perfeita. Spirits é absolutamente competente no que se propõe. No controle dos fantasmas, você tem opções, como cavar em várias direções, transformar o fantasma numa nuvem que sopra vento e carrega os outros espíritos, uma plantinha pra formar plataformas, enfim, elementos para que você vença os obstáculos do nível e atinja o objetivo.

Dois pontos super positivos do game são: Estética e Som. O cuidado e a atenção a cada um dos detalhes nesses dois quesitos são tão marcantes, que após terminar todas as missões, você tem vontade de passar tudo de novo, não só pra conseguir um score melhor, mas para apreciar a beleza artística que o jogo proporciona. Esses cuidados me lembraram muito Flower e Braid, apesar de objetivos e jogabilidades totalmente diferentes, tudo funciona numa sinergia quase perfeita, que são marcos nesse quesito.

Uplink

Uplink é um jogo antigo, foi lançado em 2001. Portado para todas as plataformas, e que gerou diversos descendentes pelo mundo, como Hacker Evolution, o jogo é um simulador Hacker, em que você é contratado por uma empresa chamada Uplink, e recebe missões, para invadir servidores, roubar dados, etc, etc. Tudo que um hacker de Hollywood deve fazer.

O jogo é interessante, no momento em que ele pega o estereótipo de “serviço” Hacker muito explorado por filmes, e pela mídia em geral, e constrói uma mecânica de simulação diferente e inovadora, pra época em que foi lançado. Além disso, é um jogo bem cru, que não faz questão de deixar o jogador confortável, com tutorais extensivos e explicando cada detalhe do jogo. Ao contrário, você tem uma pequena introdução da missão inicial, que é facílima, e o tutorial termina com a frase: Agora é por sua conta.

Uplink é um clássico, que foi ultrapassado por seus sucessores, mas ainda assim, rende alguma diversão. E isso num dispositivo mobile, me parece ficar ainda mais interessante.

SpaceChem

SpaceChem é um puzzle de movimentação, ou puzzle de trilhos. Um estilo clássico, em que muda-se a temática, o modo de atingir ao objetivo, mas o cerne é mantido, em que deve se traçar uma rota para que algo atinja um objetivo.

E nesse caso, você é um cientista, trabalhando para a SpaceChem, combinando átomos e moléculas num reator. E o objetivo é o padrão, traçar a rota que atinja o fim, no mínimo de tempo possível. Nos estágios iniciais parece fácil, mas os puzzles ganham um nível de dificuldade bastante elevado com o passar da história, fazendo com que você realmente ponha a cabeça pra pensar pra passar de certos níveis.

Além disso o jogo conta com um pano de fundo, pra localizar esse reator em que você trabalha dentro da história. Apesar de não passar de algumas telas com texto escrito, engraçado até, achei interessante essa inserção de mais informações num jogo que definitivamente não exigiria isso.

Enfim SpacheChem é um bom passatempo, e que vai agradar bastante àqueles que gostam de jogos de quebra-cabeças.

Crítica | Following

28 de julho de 2012 by Rafael Moreira

Cinema, Críticas

Batman, christopher nolan

Following, filme de 1998, primeiro longa de Chistopher Nolan, trata de um jovem desempregado, creditado apenas como the young man (Jeremy Theobald), apesar de se apresentar como Bill, em dado momento da história. Este deseja se tornar escritor, mas nunca fez nada relevante. Tem uma vida solitária e sem grandes perspectivas para nada. Para suprir o seu vazio e solidão, passa a seguir pessoas aleatórias pela rua. Com um pretexto inicial de encontrar inspiração para suas histórias, porém isso passa a ser motivado por um desejo de se sentir parte de algo, conhecer pessoas, nem que seja por uma via única, preenchendo seu vazio interior.

Entre suas “perseguições”, ele conhece, Cobb (Alex Haw), veja você. Um habilidoso ladrão de residências. E também uma mulher (Lucy Russel), creditada apenas como, the blond. No caso de Cobb, é impossível não fazer um paralelo com A Origem, e assim notar, que mesmo utilizando de outros meios, a idéia central abordada, sobre o consciente e inconsciente, o que é realidade o que não é para aqueles personagens, dentro de seu espectro limitado de conhecimento sobre o todo.

Outro tema que também viria a se tornar recorrente, na obra de Christopher Nolan, que são as amarguras dos seus personagens, buscando uma resolução, um recomeço, e que acabam por se afundar ainda em seus próprios problemas e fraquezas nessa busca. Tudo isso já está presente em Following, talvez de uma maneira mais leve, e implicita. Mas que já faziam parte da assinatura, desse que viria a se tornar um dos maiores diretores, dessa nova geração de Hollywood.

Além disso, o filme é um neo-noir passado em Londres, com elementos clássicos do gênero, como a loira fatal. Ambientes escuros e “sujos”. As roupas usadas pelos personagens. Ser filmado todo em preto e branco, contribui ainda mais.

A edição não linear, que veríamos ser usada com maestria em Memento. Também marca presença aqui, sendo inclusive artifício para que o espectador se sinta perdido, dentro de um mundo complexo e que não se pode compreender sem antes saber do todo, justamente como se sente o jovem escritor.

No mais, um último ponto a se ressaltar, não tem uma ligação direta com o filme por si só. Mas sim, como é semelhante o início de carreira do Nolan, e de Daren Aronofsky. Following e Pi, são de 1998. Os dois filmados em preto e branco. Obviamente por uma questão de custo, mas que os diretores, brilhantes diga-se de passagem, viram essa dificuldade em seu favor. No caso de following, optando por um filme noir. Pi, com aspectos de sonho e pesadelo. Os dois lidam com temas, apesar de diferentes que tem ligação entre si. Aronofsky com sua obsessão pela obsessão, já bastante marcada. Nolan, aqui um pouco mais contido em comparação com o outro, mas já impondo suas assinaturas, traçando a linha entre realidade e imaginação. A trilha sonora dos dois filmes, também tem uma boa semelhança.

rafael-j

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