Reviews – Página: 17 – Vortex Cultural

Review | Anos Rebeldes

1 de abril de 2014 by Filipe Pereira

cassio gabus mendes, Claudia Abreu, Ditadura, Ditadura Militar, golpe de 64, Malu Mader, Marcelo Serrado

O piloto do seriado, exibido em 1992, recebe o apelido de Anos Inocentes, ainda na época da possibilidade de posse de Jânio Quadros após a renúncia de Jango Goulart. Um grupo de quatro estudantes é formado por João Alfredo (Cassio Gabus Mendes), Edgar (Marcelo Serrado), Galeno (Pedro Cardoso) e Waldir (André Pimentel) que em aula discutem a rivalidade entre comunistas e capitalistas, e a paranoia a respeito da onda vermelha.

Há inúmeras demonstrações de que os militares ouviam “rumores” de uma invasão dos simpatizantes brasileiros com o socialismo. Como era de se esperar, os diálogos não são das melhores construções, especialmente quanto à veracidade dos fatos, mas também não destoam dos produtos da época. O mais engraçado é a Rede Globo fazer tal produção e obviamente não mencionar o apoio que prestou ao Regime à época, e que obviamente a impulsionou ao apogeu da hegemonia nas comunicações. Este mea culpa não aconteceu.

A ideia de João, líder dos estudantes e idealizador da maioria das ações entre os alunos, é convidar profissionais para palestrarem: todos profissionais de ponta, mas ligados à esquerda pensante do país, entre eles Orlando Damasceno (Geraldo Del Rey), pai de Maria Lúcia (Malu Mader). Mas o golpe realizado pelos milicos piora a situação por completo: perseguição aos comunistas. Os vermelhos tem de sair correndo para fora do país, e a caça às bruxas gradativamente cresce e evolui de algo brando até a coação de qualquer suspeito de ser ligado ao marxismo ou associado a qualquer prática que vá contra o conservadorismo, como a orientação sexual homossexual — “eles estão caçando comunas e bichas dentro do quartel”. A perseguição ocorre também dentro dos órgãos públicos oficiais.

A personagem de Suzana Vieira, Mariana, relata um depoimento que deu às autoridades, e que logo depois teve de repetir, em outra entrevista muita mais dura e cínica, em que afirma que sofreu agressões físicas unicamente por não ter as informações que procuravam. Tal fala atrapalha os planos de João publicar seu jornal estudantil junto com Damasceno, e toda a parafernália é movida para a casa do jornalista afim de rodar os folhetos ideológicos. A situação sentimental do casal de protagonistas é atravessada pelo engajamento dos rapazes. Toda a situação piora para os garotos, que resolvem protestar pichando muros com dizeres como “Abaixo a Repressão” e “Grêmios Livres”, exatamente como ocorria no ano de 1964.

O medo e o receio de serem pegos fazem com que alguns fugitivos tenham de se esgueirar e fazer contato com seus conhecidos em lugares secretos e pontos de encontro absolutamente seguros e completamente isentos da presença dos militares. Juarez, um personagem secundário, tem que pedir asilo e pular por cima do enorme muro da embaixada para não chamar a atenção da polícia repressora.

A personagem Heloísa (Cláudia Abreu) é uma menina jovem, mimada, filha de um empresário dos mais influentes da vida pública carioca — Fábio (Zé Wilker) — que decide pôr em prática uma vertente da rebeldia, que não a política, mas igualmente anti-conservadora: a jovem escolhe finalmente perder a virgindade antes de se casar, como num grito de revolta para a sua própria liberdade. Ela recebe uma reprimenda de suas amigas, ainda que estas sejam tão jovens quanto ela. A tentativa de romper com o tabu do corpo é freada até por seus pretendentes.

Os métodos da “diligência policial” deixam de ser meramente citados e passam a ser mostrados em tela, com toda a truculência típica das autoridades da época. O modus operandi grosseiro, invasivo e completamente desrespeitoso somente piora com o decorrer dos capítulos. Demonstrações da ignorância por parte do braço operante das autoridades são largamente mostradas, como a entrada forçada ao domicílio do professor Damasceno e consequente apreensão do livro A Capital de Eça de Queiroz, numa confusão com O Capital de Karl Marx. Outras anedotas, como o confisco de um livro sobre o cubismo, temendo a apologia ao governo de Castro, também são mostradas.

O romance entre João e Maria Lúcia é engraçado pelas idas e vindas, e pela semelhanças entre João e Damasceno. A impressão da garota é a de repetir toda a ladainha do pai neste relacionamento. A tentativa de fuga desta situação mostra a óbvia referência ao conceito de atração, pensado por Freud, que envolve a menina por seu pai. No entanto, mesmo com a recusa, a relação ganha ares de imponderabilidade e inexorabilidade do romance em questão. As coisas se agravam depois da prisão do professor esquerdista.

As partes registradas em preto e branco variam entre cenas históricas nacionais e internacionais, inclusive de embates ideológicos, mescladas com filmagens dramatizadas protagonizadas pela juventude da UNE resistindo ao regime à altura, ainda que com a instituição do AI-3. Mesmo com tom novelesco e caricatural da maior parte do roteiro, as imagens de apoio usadas ajudam o espectador a absorver toda a atitude e revolta dos ditos revolucionários, o que obviamente faz discutir a forma de agir da juventude atual ante as suas próprias reivindicações. Outro ponto interessante são as discussões por parte dos protestantes a respeito da resistência através da conscientização do cidadão incauto ou por meio da luta armada.

A segunda fase do seriado foi chamada de Anos de Chumbo, e já começava a toda velocidade, tornando a militância de João ainda mais ativa e muitíssimo mais perigosa. A discussão entre Edgar e João mostra um outro lado de quem resiste, pois o personagem de Marcelo Serrado não enxerga com bons olhos a luta armada, acreditando que tal postura piora a repressão — o que não deixa de ser uma verdade. Sua crítica também engloba o asco por ditaduras, sejam elas de direita ou esquerda. Mas o que realmente o preocupa são seus sentimentos por Maria Lúcia, pois vê-la sofrendo reabre a possibilidade da amizade dos dois se findar. O efeito disto ganha um capítulo importante com a promessa (não cumprida) de eles assistirem juntos à chegada do homem à Lua.

Os Anos de Chumbo são muitíssimos devastadores para o casal de protagonistas, especialmente quando Maria Lúcia tem um aborto devido a uma briga e depois é diagnosticada com depressão profunda. A opção pela clandestinidade dos guerrilheiros faz com que tudo piore; a cadeia de eventos e engajamentos faz com que João Alfredo tenha de abandonar a sua vida civil e se alocar no interior, em aparelhos dos quais só sairia para cometer suas ações. Para não magoar a sua amada, ele finge uma infidelidade com o objetivo de libertá-la do relacionamento e conseguir fugir sem que esta continue amando-o.

O entrave entre Heloísa e Fábio torna-se mais agressivo com o tempo após ela ser presa por ter sido confundida com uma das envolvidas com o sequestro do embaixador americano. A moça mostra as marcas de cigarro em sua pele e, ainda assim, seu pai não consegue entender o seu lado, tampouco seu ativismo, e a discussão entre os dois ganha troca de farpas e acusações das mais sérias, inclusive sobre a exploração de serviço em regime semi-escravo. A situação entre os dois se agrava ao ponto deles nem mais se falarem, graças, claro, à decisão da filha. A única vez em que eles rompem o silêncio não impede que as coisas acabem mal para Heloísa. Mais uma vez, Fábio opta por manter seus ideais retrógrados acima do bem estar de sua própria filha e essa parte da história tem um fim trágico.

Apesar da evolução de alguns dos personagens, como Maria Lúcia, que muda radicalmente de postura e de figurino ao casar-se com Edgar e finalmente tornando-se mulher, o modus operandi das células de subversivos é deveras infantil, sem qualquer preocupação em esconder a identidade dos sequestradores de um embaixador suíço. Algo entre o roteiro de Gilberto Braga e a direção de Dennis Carvalho se perdeu, talvez tal pecado seja devido a velha máxima de que o público noveleiro não engoliria uma trama tão rebuscada. Um dos poucos pontos que demonstram veracidade consiste na dúvida entre matar ou não o refém, após a desmoralizante recusa da soltura de algumas dezenas de presos entre os exigidos pelo grupo.

Alguns outros aspectos da época são mostrados de forma bem fiel, como a censura a programas midiáticos, utilizando um personagem como avatar da postura radical – Galeno seria escritor de uma novela, que sofreria mudanças drásticas nas falas e nas sinopses. Após a anistia, gritada a plenos pulmões para ser geral e irrestrita, os exilados voltaram finalmente à pátria, e entre eles, veio João a fim de dar um destino exato a sua relação com Maria Lúcia.

Após promessas feitas e depois de perceberem que ambos não mudariam seu modo ideológico de agir, o casal entende que é fútil a tentativa de domar um ao outro. João se vê sem sua alma gêmea e sem seu melhor amigo. As únicas coisas que lhe restam é a sua luta e sua marcha. Seu estilo de vida seria mantido mesmo com a abertura política, o que gera uma conclusão não ponderante. Seu DNA era de total contestação e não valia a pena demandar esforço para negar esta natureza.

Review | True Detective – 1ª Temporada

17 de março de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Reviews, Séries

Cary Joji Fukunaga, Matthew McConaughey, Michelle Monaghan, Nic Pizzolatto, series de detetive, séries policiais, Woody Harrelson

A escritora policial Dona Leon em seu primeiro romance, Morte No Teatro La Fenice, definiu semelhanças entre a função de um detetive investigador e a de um médico legista. Ambos partiriam de um mesmo elemento em comum – o crime – mas se movimentariam contrariamente. O médico legista, ao examinar o corpo, dá continuidade à ação natural. O exame à procura de indícios criminológicos é feito com base no cadáver, quando há um, ou em outras evidências forenses passíveis de análise. Em contrapartida, o detetive é aquele que parte do crime para resgatar momentos anteriores, reconstituindo a história com o máximo de indícios que a cena fornece e, a partir da construção do passado, busca a verdade.

O gênero policial é um estilo narrativo que ainda resiste às hibridizações ou fusões com outros. Ainda que, no decorrer na história, muitos autores produziram narrativas diferenciadas, o princípio fundamental permanece imutável. Há um crime ou outro elemento transgressor e uma investigação que busca elucidá-lo. Atividade que se inicia na reconstrução de fatos, no retorno a momentos anteriores, como ponderou Leon.

Há uma semana, a série True Detective encerrou sua primeira curta temporada. Manter o registro temporal é interessante para observarmos que sete dias foram suficientes para que uma quantidade considerável de informações, teorias e curiosidades sobre a série surgisse na rede a respeito de sua trama. São elementos que reforçam o bom enredo, teorizando-se sobre sua mitologia.

Desde sua criação, qualquer seriado da marca HBO é formatado de maneira diferenciada, justificando o conteúdo inédito que se paga para adquirir o canal. Normalmente, suas séries são apresentadas com uma quantidade menor de episódios, filmados e finalizados meses antes da estréia. Uma confiança genuína no trabalho competente da equipe e dos produtores. Afinal, como afirma o slogan, não é televisão, é HBO.

Além do “estofo” do canal, capaz de sempre atender à expectativa do público, dois nomes conhecidos no cenário cinematográfico são os produtores executivos da série. Atores que estão na indústria há longo tempo, conquistaram papéis importantes e buscam na televisão mais um motivo para fundamentar sua carreira numa época em que o cinema parece sofrer uma evasão de qualidade.

Ainda hoje, a personagem do detetive é uma das representações românticas mais tradicionalistas. Um dos poucos heróis que resistiram ao tempo e não perderam o viço moral ou o senso de justiça – ainda que o noir e o hard boiled tenham distorcido esta linha com vigor. Escolher o gênero policial como estilo narrativo é um trunfo que tem riqueza dramática e agrada aos espectadores.

Os detetives são personagens que vivem como resistência de um mundo caduco. Valendo-se do aprendizado da corporação e de uma sabedoria intrínseca para desvendar crimes, procuram restabelecer a balança entre o bem e o mal, devotados de uma causa invisível. O senso de justiça ou moral referido anteriormente faz parte de sua conduta, como se ser um agente da lei fosse maior do que uma profissão. Mas uma vocação amaldiçoada, próxima de um vício difícil de ser largado. Uma obrigação inerente por desejar a justiça, ainda mais quando se reconhece em si habilidades para tal.

São personagens que deixam a vida de lado em detrimento da profissão, vivem à margem de si mesmas e da família, porém respeitando o que consideram justo ou moral. Dentro de um universo desestruturado, a figura policial permanece como resistência romântica. A última guarda antes da falência da lei. Figuras dedicadas a uma causa maior.

Como bastiões desta causa, surgem as duas personagens centrais da trama. As duplas de detetives são um dos recursos mais tradicionais da narrativa policial pela capacidade de dar ao público dois personagens, diferentes entre si, que fazem parte de um único conjunto necessário. Sem dúvida, Sherlock Holmes e John H. Watson formam a dupla mais icônica que se completa em inteligência e emoção, respectivamente. Tal recurso nunca foi abandonado e ainda está presente em obras contemporâneas, como a de Denis Lehane, e os detetives Patrick Kenzie e Angie Gennaro; ou de Jeffery Deaver, com o paralítico Lincoln Rhyme e Amelia Donaghy.

Na série, Martin “Marty” Hart (Woody Harrelson) representa o policial tradicional que acredita em sua vocação e no senso de fazer o bem, tendo a religião como base moral. Crente na prosperidade da família, o detetive é o arquétipo comum que degusta rosquinhas quando chega ao trabalho, o que transforma a personagem de Rust Cohle (Matthew McConaughey) em um exemplo ainda mais estranho.

Mesmo que se evite tal afirmação, a espinha dorsal da série está em McConaughey. Cabe a ele desenvolver uma personagem acentuada que cause estranheza, simpatia e erudição ao mesmo tempo. Rust entra na lista de policiais enigmáticos da ficção, um homem mergulhado no niilismo e agarrado a uma percepção racional da vida. Um severo agente da lei que reconhece a vilania do mundo e ainda disposto a lutar contra o mal. Rust é a citada representação romântica policialesca. Equilibra sua profissão entre uma intuição natural e a sensação de carregar um fardo nas costas. É devido a sua obsessão pela história dos assassinatos que chegamos ao desfecho da trama.

Os papéis fornecidos a Harrelson e McConaughey são duplamente ingratos. Sem um personagem representando com veracidade um policial comum como Marty, Rust perderia sua credibilidade. Parte da aceitação do público em compreender Rust vem do julgamento de Marty que, mesmo contra a corporação, confia na índole do excêntrico detetive texano. Ingrediente que fundamenta a antítese paradoxal e fundamental da trama.

Como policial comum, o polo dramático de Marty situa-se na disfunção entre as crenças que profere e os atos que comete, díspares entre si. Já Rust, um tipo que assusta e conquista, demonstra em uma personalidade extremada seu desgosto com a escuridão do mundo. A parceria produz o inevitável laço em equilíbrio: o tradicional em comum em contraponto com o obsessivo intuitivo. Uma combinação que não é inédita, mas sempre se destaca quando bem fundamentada.

A trama de True Detective é apresentada em três momentos temporais diferentes seguindo uma mesma linha narrativa. O período, notado pelo espectador no decorrer dos oito episódios, inicia-se em 2012 com depoimentos dos dois detetives – brigados – sobre uma investigação aberta a partir da descoberta de uma morte encenada (com provável intenção ritualística) de uma prostituta em uma plantação na Luisiana, em 1995. Em seguida, a série avança temporalmente para 2002, revelando o motivo que desencadeou a briga dos policiais e dando prosseguimento, dez anos depois, ao fim de parte da investigação.

Ao produzir em tempos distintos dois polos narrativos, criam-se dois focos de luz em uma escuridão narrativa iluminada – e consumida pelo público – pouco a pouco, no decorrer de cada episódio. Um recurso que aumenta o interesse do público, ávido por saber por que as personagens parecem tão diferentes das décadas passadas, e fornece ao roteirista e criador da série, Nic Pizzollato, maior manejo para manipular a história e apresentar somente o que deseja, promovendo os ganchos tradicionais vistos em diversas narrativas.

Além dos polos narrativos iluminando épocas específicas, ao fazer uso da memória como recurso, a trama sofre modificações do natural desgaste da lembrança. Afinal, a memória não é registrada da mesma maneira linear que se mede o tempo, mas construída por acontecimentos específicos, guardados em partes diferentes do cérebro – muitas vezes inconscientemente – e que podem trazer à tona lembranças que não necessariamente estavam ligadas. Dessa maneira, a história ganha maior obscuridade e elipse, intensificando o suspense, mesmo que o público acredite que tais personagens estão dizendo a verdade sobre o que investigaram.

A escolha de uma morte brutal para abrir a série é outro recurso que conquista o público. Ainda que, para ser eficiente, chocar e ser significativa para o argumento, deve ser feita com cuidado. Afinal, desde a retomada das séries americanas, muitas histórias se debruçaram na solução de crimes. A morte como início chama a atenção inicial, mas só se mantém com boa condução narrativa. No entanto, ela é feita de maneira exemplar, focando-se em um elemento que desperta curiosidade: o medo no ser humano. O contrato realista estabelecido permite ao público supor, desde o princípio, que a história terá uma explicação plausível e que até mesmo os elementos mais incômodos sejam explicados.

Sob tais aspectos mencionados, True Detective não se encaixaria como uma série brilhante se pressupormos que a palavra carrega uma inventividade inédita de alguma maneira. O público assíduo do gênero reconhecerá diversos recursos utilizados em cena. Porém, podemos afirmar que a série é exemplar, já que trabalha habilmente os recursos e clichês do gênero, dosando-os com cuidado para produzir uma história eficiente.

Pizzolato trabalha com três pontos de tensão para fundamentar sua narrativa. Três elementos que passam pelo público, intensificando o teor temático: o primeiro está nos crimes brutais, assustadores por sua natureza agressiva; o segundo elemento vem da violência contra a criança e a mulher, fato que não só se reflete no mundo real, como também faz o público imaginar a perversa continuidade criminosa do assassino do referido crime brutal; por fim, os objetos e signos denotam uma seita. Uma tríade plausível que faz com que o horror cresça no público.

A escolha da sulista Luisiana como palco dos crimes fornece o ambiente certo para desenvolver plenamente a tríade . A região é conhecida pelos elementos culturais diferenciados, o que deixa plausível um possível grupo ritualista. Devido a uma economia dedicada à agricultura, há muito espaço natural, deslocando a população e dando-nos a impressão de um local ainda não completamente civilizado em que a natureza engole os avanços humanos. Uma atmosfera obscura que potencializa o crime e dificulta a investigação.

Ao iniciar a trama na década de 90, em uma época sem muitos elementos forenses, vemos uma dupla de detetives que produz o caso com o próprio suor. Uma investigação à moda antiga em que policiais sentavam-se em salas gigantescas de arquivo à procura de evidências, e iam de casa em casa tentando identificar suspeitos e encontrar os fios que teciam o caso. Ao discorrer sua história por quase vinte anos, observamos como as pistas se perdem com o tempo e encontrá-las se torna um exercício de paciência, como um quebra-cabeça que nunca será inteiramente finalizado. As situações vão se recriando aos poucos e definindo os motivos que trouxeram a queda das personagens, muitos anos depois.

Com tais elementos apresentados até então, é perceptível que uma trama policial não siga as mesmas regras de um drama tradicional. Se muitas séries finalizam sua temporada fechando muitas pontas, às vezes munidos de um final feliz, narrativas policiais encerram-se na medida do possível. Isso é reflexo da funcionalidade das investigações que nem sempre encontram provas suficientes para acusar todos os envolvidos. Além disso, o decorrer natural do tempo que condensa lembranças deixa mortos pelo caminho e destrói arquivos e provas. Cabe ao público considerar se os elementos apresentados para a conclusão são falhos ou espaços em branco a serem preenchidos.

Os cartazes que divulgaram a série apresentam uma citação de que o homem é a mais cruel das criaturas. Durante a narrativa de oito episódios, o ambiente e sua trama sufocam pela agressividade real. Ecoa a natureza cruel e primitiva dos homens, maldição que toca qualquer homem em algum momento da vida. Como Marty destruindo a família por causa de prazeres carnais e Rust mencionando, de maneira lacunar, o acidente da filha, dando-nos a inferência de que, talvez, por conta de seu histórico de drogas e bebida, ele mesmo possa ter causado a destruição da família. Retratos de um gérmen cruel da humanidade, impossível de ser evitado, mas capaz de ser combatido.

Sobre o elemento sobrenatural ou ritualístico da série, Pizzollato novamente recorre à tradição policial para justificá-la. Criado pelo escritor Ambroise Bierce, Carcosa é uma antiga cidade destruída e misteriosa presente em um de seus contos de horror. A mesma cidade descrita por Robert W. Chambers, leitor de Bierce, no livro de contos O Rei Amarelo, em sintonia com a série. Nestas histórias, Carcosa é uma cidade amaldiçoada e, embora inferida muitas vezes como um espaço não pertencente à Terra, tornou-se sinônimo de um lugar desolado que carrega uma mística negativa, sendo citada em diversas outras obras ao lado do Rei Amarelo – a título de curiosidade, Carcosa também é nome de duas editoras voltadas para histórias de horror .

A Carcosa de True Detective se transforma em um templo de adoração. Um local em que residem os mortos sacrificados e seus despojos, sendo a figura central uma estátua feita de troncos de árvores, caveiras humanas e mantos amarelos. Apoiado na realidade, não há explicação sobrenatural, exceto a própria natureza humana.

Após o desfecho do crime, a personagem de Rust se abre pela primeira vez ao público e ao próprio amigo, Marty, desfecho definitivo que pondera explicitamente a funcionalidade da narrativa policial e do personagem detetive romântico. A luta eterna do bem contra o mal. A crença de que a luz, palavras de Rust, há muito ganha da escuridão.

Em seu audacioso projeto de contar uma nova história a cada temporada, Pizzolato produz uma espécie de antologia policial que vem das tradicionais fontes do gênero e se traduz em uma nova série com uma excelente primeira temporada. Ao finalizar o primeiro ano com a câmera registrando a vastidão do céu escuro em contraponto com as estrelas, o público estava conquistado e, sem dúvida, colocará a série como uma das melhores da temporada. Trabalho em dobro para o autor que, em seu segundo ano, terá de criar uma narrativa à altura da primeira e conceber personagens que nos façam esquecer, mesmo momentaneamente, a ótima dupla formada por Rust e Marty.

Review | Arquivo X – 1ª Temporada

17 de fevereiro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Reviews, Séries

arquivo x, Chris Carter, David Duchovny, Gillian Anderson, invasão alienígena, séries policiais

Lançada em setembro de 1993, Arquivo X foi testemunha ocular de uma década em que muitas séries televisivas foram consumidas pelo tempo enquanto poucas se tornaram fundamentais para uma nova era na década seguinte.

Até mesmo os fãs mais agressivos da série são capazes de admitir a queda da qualidade nas últimas temporadas e o desfecho mediano. Porém, é inegável a competência do início do seriado que, em pleno horário nobre, apresentou uma estrutura ousada cuja temática envolvia uma trama central de conspiração entre governo americano e extraterrestres. Além de explorar tudo o que parecia inexplicável, apoiava-se no estranho e no bizarro através de roteiros bem conduzidos.

Criado por Chris Carter – que nunca repetiu o mesmo sucesso – os arquivos do título são uma divisão do FBI alimentada pela crença de um único agente federal, Fox Mulder que, na infância, presenciou a abdução de sua irmã mais nova. Fato que modificou sua maneira de agir, transformando-o em um homem obsessivo em descobrir a verdade por trás de fenômenos inexplicáveis.

Arquivo X surgiu em época analógica e, mesmo assim, produziu uma gama de fãs que consumiam revistas especializadas, escreviam suas próprias histórias dos agentes federais e participavam de fóruns virtuais sobre a série. No Brasil, a revista Sci-Fi News foi uma de suas maiores fontes, ainda que o país sempre tenha assistido à série com atraso em relação aos Estados Unidos, com episódios dublados na Fox ou na Record. De qualquer maneira, não havia quem ficasse impassível diante dos casos semanais.

A trama tem início quando a agente Dana Scully é convocada para acompanhar Mulder nas investigações do Arquivo X. Uma tentativa dos superiores de reprimir os impulsos do agente, tentando introduzir uma agente federal que possuísse fundamentos científicos e que fosse além das teorias pouco ortodoxas do parceiro. A discrepância entre a dupla produziu um dos grandes casais icônicos da televisão, com uma impressionante química entre uma personagem irreparavelmente crente no impossível e outra cuja base é a ciência.

A primeira temporada introduz os elementos que consagraram a série. Os 24 episódios desta temporada equilibram-se na trama mitológica – que transforma o governo americano em uma máquina de produzir mentiras – e em investigações que, supostamente, não possuem solução. Episódios conduzidos com boas doses de mistério e investigação policial.

Vinte anos após seu lançamento, alguns argumentos, demasiadamente apoiados em temas da década de 90, perderam a força e sentido aparente. Tais situações não caem no completo ridículo devido à química do casal e aos bons diálogos. Por outro lado, tramas ainda funcionais no presente e roteiros bem fundamentados resultam em episódios primorosos que ainda hoje mantêm um frescor assustador.

A série se tornou tão grandiosa que, ainda hoje, mantém-se no ar com reprises em diversos canais pelo mundo. Tal é a sua importância que, das mãos de J. J. Abrams, originou-se Fringe, uma herdeira que bebe da fonte destas investigações e, a partir da segunda temporada, escancara suas homenagens ao original.

No país, a Fox foi responsável pelo lançamento das nove temporadas da série. Na época, a chegada de uma temporada completa era novidade para o mercado brasileiro. Infelizmente, algumas legendas eram recheadas de erros – concordância, digitação –, além de traduções que se modificavam no decorrer dos episódios e omissões nos textos que não situavam o local em que ocorriam as ações. Problema que impossibilita a compreensão total do público que não é fluente em inglês.

Apesar de tais erros, a primeira versão do box, que ilustra este texto, se tornou um belo lançamento de uma época em que não havia contenção de gastos, o que facilitava que boas edições especiais surgissem no país. O digipack com luva metálica cobrindo a embalagem não se compara com a edição atual, econômica, sem o disco de extras. Um incômodo para aqueles que, além do material, prezam também pelo conteúdo gráfico.

Boatos dizem que a série está nos futuros planos do estúdio para um lançamento em alta definição. Um merecido box para uma série cultuada.

Review | The Wire

29 de janeiro de 2014 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

David Simon, dennis lehane, Dominic West, HBO, Idris Elba, Michael K. Williams, séries policiais, series sobre trafico, the wire

Atenção, este review contém spoilers de toda a série. Siga por sua conta e risco.

Segundo o livro Homens Difíceis, de Brett Martin, The Wire entrou para o seleto grupo das cinco séries dramáticas que mudaram a televisão americana atual e a fizeram entrar em uma nova era de ouro. Ao lado de The Sopranos e Six Feet Under da HBO, e Breaking Bad e Mad Men da AMC, a série criada por David Simon, sem nenhum exagero, conseguiu atingir o nível de excelência de roteiro através dos seus 60 episódios divididos em 5 temporadas. Entretanto, com uma peculiaridade que se tornou uma das identidades da série e a diferenciam de todas as citadas: o realismo.

Sinopse: todas as possíveis ramificações do tráfico de drogas na cidade de Baltimore são mostradas tanto sob o ângulo dos vários traficantes e seus subordinados, quanto da polícia, principalmente da equipe especial de inteligência responsável pelos grampos.

Pela densidade do roteiro de uma hora que contém muitas informações, seguindo o padrão HBO de qualidade, The Wire pode ser considerada uma das melhores séries policiais de todos os tempos. As cinco temporadas se dividem entre os vários casos que vão surgindo e suas investigações decorrentes, conforme o tráfico de drogas vai se adequando as novas realidades, gerando uma interação curiosa entre os dois lados.

A primeira temporada consolida uma parte do elenco fixo da série, focando principalmente no detetive de homicídios Jimmy McNulty, e os policiais que farão parte da primeira equipe formada com o intuito de perseguir os traficantes sob a forma de grampos telefônicos, a Major Crimes Unit, chefiados pelo superior Cedric Daniels e liderados pelo principal investigador da equipe, Lester Freamon. Como os traficantes usam pagers para se comunicar, eles acabam percebendo o padrão utilizado pelos bandidos. É aqui também que se inicia também a investigação pelo dinheiro gerado pelo tráfico, para mostrar o quanto o comércio ilegal das drogas está intrínseco na sociedade, fato recorrente durante toda a série.

A Major Crimes Unit

Stringer Bell e Avon Barksdale

É aqui que vemos também toda a politicagem nos bastidores dos mais diversos escalões de poder da polícia, que dificultam ou ajudam a formação da equipe, com os coronéis, tenentes e outros chefes tentando subir na hierarquia a qualquer custo. Em toda a temporada da série algum chefe de polícia se destaca, nesta primeira é o caso do comandante Burrell e do Major Raws.

A outra parte do elenco fixo se centra no outro lado, a rua, e, claro, as drogas. O traficante Avon Barksdale, junto com seu braço direito Stringer Bell e seu sobrinho atrapalhado D’Angelo com seus vários subordinados, se tornam o alvo da investigação policial. Todas as séries costumam ter um personagem que se torna especial de alguma forma, seja pelo carisma do ator ou pelo roteiro que lhe permite essa possibilidade. Em Deadwood é Al Swarengen e em The Wire é o caso de Omar Little, o bandido que rouba outros bandidos. Ele aparece de vez em quando durante a série, e proporciona os pontos altos dos episódios.

Michael K. Williams como Omar Little

D’Angelo Barksdale com os seus soldados

Na segunda temporada há um novo caso para ser investigado. O porto de Baltimore é dominado por imigrantes poloneses, chefiados pelo líder sindical Frank Sobotka. Eles encobrem seus esquemas ilegais operando dentro da lei, se diferenciando do tráfico nas ruas a céu aberto. Nesta temporada o superior da polícia que se destaca é o Major Valchek, também descendente de poloneses e adversário de Sobotka. É ele quem age nos bastidores para o retorno da equipe de investigação com o objetivo de ir atrás de seu desafeto. Não demora muito para que a Major Crimes Unit, agora uma unidade fixa dentro da polícia, descubra o padrão utilizado pelo sindicato dos estivadores.

Como a investigação mudou de rumo, há um novo olhar sobre o tráfico, agora internacional. O sistema operado no porto permite a entrada de matéria prima para a fabricação da droga fornecida pelo Grego para o traficante Proposition Joe, adversário de Barksdale. Continuamos a ver o que aconteceu a Avon e seu sobrinho D’Angelo na prisão, e Stringer Bell operando seu esquema do lado de fora. Stringer, sem conseguir manter a área conquistada com tanto custo por ele e Avon com um produto de baixa qualidade, mas com uma força ainda grande, começa a maquinar uma espécie de parceria com Prop Joe.

Frank Sobotka e seu sobrinho Nick

Na terceira temporada acontece um fato extraordinário. A princípio instigado em abaixar as estatísticas de assassinato no Distrito do Oeste, o Major Colvin opta por tentar combater o tráfico de uma maneira diferente. Colvin faz com “Hamsterdam”, o que se torna um ensaio sócio-econômico-político-cultural sobre o que aconteceria se o tráfico de drogas fosse legalizado em uma grande cidade dos Estados Unidos. É, de longe, uma das maiores contribuições da série para o debate a cerca do tema.

Em paralelo, há uma espécie de retorno à primeira temporada, pois a unidade de escuta de grampo volta as atenções para os traficantes na rua. Eles agora vão atrás de Stringer Bell e Prop Joe, mas a princípio não conseguem nada. Se os pagers antes eram a base para o grampo, o foco muda para os celulares pré-pagos descartáveis. Também vemos a formação de uma Cooperativa. Liderados por Stringer e Joe, os traficantes percebem que se não há corpos nas ruas, diminui o risco do negócio com menos investigações policiais. Marlo Stanfield e sua gangue também surgem nesta temporada; ele declina participar na Cooperativa em função da sua própria força e poder, e o seu estranhamento com Avon gera uma das melhores guerras de tráfico da série.

Marlo Stanfield e sua gangue

Ainda na terceira temporada, David Simon nos apresenta mais um foco de debate na guerra ao tráfico: os políticos. Se antes as maquinações se atinha aos bastidores nas esferas do poder policial, agora com a nomeação de Burrell como comissário, chegamos diretamente ao prefeito Clarence Royce e o ambicioso líder da câmara dos vereadores Thomas Cercetti.

Na penúltima temporada quase não há escuta. Por ser ano eleitoral, todas as grandes investigações cessam em função da disputa pela prefeitura, principalmente as que iam atrás do dinheiro sujo. Agora, Baltimore vai decidir entre o atual prefeito, o negro Royce ou o branco Cercetti. As discussões que surgem em torno da questão racial, além do uso político da polícia são mais uma visão sobre os problemas do tráfico de drogas que David Simon nos fornece. No final, a vitória de Cercetti mostra que um novo horizonte se abre para a polícia, pois o novo prefeito quer mostrar serviço.

The Wire consegue nos fornecer ainda outro foco sobre a questão: o momento anterior da ida dos traficantes para as ruas, a sua infância. Durante toda a temporada acompanhamos, ao lado do ex-Major Colvin, um estudo sociológico sobre um grupo de pré-adolescentes que um dia vão se tornar traficantes. Além de discutir a falta de perspectivas sobre o seu futuro e a veneração que as ruas geram pelo poder do tráfico, também vemos a politicagem dentro da própria escola com as notas dos alunos, provando que qualquer sistema público que vive em função de estatísticas para eleger ou reeleger políticos é cruel.

Se o objetivo da Cooperativa era evitar mortes entre os traficantes para não atrair investigação policial, Marlo Stanfield resolve isto nesta quarta temporada de uma forma curiosa: deixando os cadáveres em casas vazias e abandonadas pela cidade. É aqui que o escritor policial Dennis Lehane começa a participar do roteiro da série.

Os futuros traficantes

Na última temporada não há mais escuta, porque o novo prefeito eleito optou por cortar muito da verba da polícia em função da educação. Como estava muito próximo de conseguir pegar Stanfield, Lester e McNulty decidem arriscar a volta da escuta realizando algo extraordinário como no arco de Hamsterdam da terceira temporada. É aqui que novamente há uma quebra do realismo da série, ainda que tentando manter o máximo de plausibilidade para o espectador.

Esta quinta temporada opta por mostrar agora um dos últimos ângulos que faltava: a mídia. Agora a redação do Baltimore Sun entra em destaque para fornecer novos debates sobre o tráfico que só enriquecem a discussão, além de dar mais sustentação ao evento curioso que ocorre nesta última parte. Este evento, inclusive, acaba dando um final digno para a série, e vemos como terminou a história de cada personagem.

O Major ‘Bunny’ Colvin, interpretado por Robert Wisdom, responsável por Hamsterdam

Uma característica é a presença maciça de atores negros na série. Baltimore, como é dito algumas vezes durante os episódios, é uma cidade americana com 75% da população afro-descendente. Além de conferir mais realismo, felizmente não há a utilização pelo autor de premissas com enfoque racial. O que existe é simplesmente uma adequação ao real: em uma cidade onde a maioria da população pertence a uma etnia, esta mesma etnia domina todas as formas de representação social. Existem detetives, chefes de polícia, traficantes, advogados, repórteres, políticos e professores negros e brancos. É diferente de uma certa novela brasileira ambientada na cidade de São Paulo em que boa parte da população é negra, mas no hospital só há médicos brancos por “decisão artística”, porém, quando um casal gay decide adotar um menino cuja a mãe morreu por causa de crack, ela é negra.

A redação do Baltimore Sun, retratada na quinta temporada

Diferente de Breaking Bad, que apresentou vários episódios muito bem dirigidos e fotografados, com câmeras POV e ótimas decupagens, o principal em The Wire é o roteiro, e tudo acaba ficando em segundo plano, desde a edição e a fotografia, até o som e a direção. A direção, inclusive, é padronizada, com planos médios, americanos e closes comuns, que não acrescentam muito na dramaticidade da série. O enquadramento pode causar estranheza nas televisões de tela plana de hoje em dia, já que a série usou o tempo todo o 4 x 3 padrão das TVs de tubo da época. Entretanto, o roteiro não é igual a The Sopranos, que inovou ao criar situações cotidianas das mais variadas possíveis para os mafiosos, ou Deadwood que permitiu a reconstrução de personagens históricos no velho oeste, o diferencial em The Wire é primar pelo realismo. E o realismo na série é tanto que algumas vezes chega a quebrar o clímax construído nos episódios anteriores, se distanciando assim de uma dramaturgia tradicional como Breaking Bad ou Dexter. David Simon, inclusive, era conhecido como “non-fiction man” na HBO por reclamar que algumas situações se distanciavam da realidade por causa da dramaturgia.

Outra marca da série são as epígrafes no início de cada episódio

O que também ajuda a manter o realismo na série é a falta de música. Só a abertura e os créditos finais são musicados. Outro momento em que aparece música são nos clipes no final dos episódios que fecham cada temporada, dando um resumo visual do que aconteceu. Sobre a falta de música na série tem uma discussão interessante aqui.

Todas as entradas da série, que mudavam a cada temporada

A atuação em The Wire é outro ponto forte da série. Como não é dramaturgia tradicional, os atores estão mais soltos com pouca ou nenhuma marcação de cena, e já que a ideia de David Simon é primar pelo realismo, o improviso se torna praticamente uma regra para criar a mise-en-scene nas locações. Michael K. Williams cria o melhor personagem da série, Omar Little; Idris Elba encarna de forma fantástica o estrategista Stringer Bell; Dominic West é o detetive caótico descendente de irlandeses Jimmy McNulty; Wendell Pierce atua magistralmente como o detetive ‘Bunk‘ Moreland, seu melhor amigo; Clarke Peters interpreta a mente por trás da Major Crimes Unit Lester Freamon; Wood Harris personifica o traficante Avon Barksdale; Sonja Sohn se torna a detetive ‘Kima’ Greggs; Andre Royo é o viciado Bubbles, outro ótimo personagem; Lance Reddick vive o tenente Cedric Daniels; Deirdre Lovejoy é a assistente da promotoria Rhonda Pearlman; Jim True-Frost interpreta o detetive e professor maluco Roland ‘Prez’ Pryzbylewski; Hassan Johnson se torna um dos tenentes de Avon, Wee-Bee; Lawrence Gilliard Jr é o sobrinho maluco D’Angelo Barksdale; J.D. Williams como Bodie, um dos seus soldados; Chris Bauer dá vida ao líder sindical Frank Sobotka; James Ransone é Chester ‘Ziggy’ Sobotka, seu filho porra-louca; Pablo Schreiber vive Nick Sobotka, seu sobrinho e também um dos estivadores; o limitado Jamie Hector é o traficante sedento por poder Marlo Stanfield; Gbenga Akinnagbe vira Chris Partlow, seu braço direito; Felicia Person é Snoop, o outro braço direito de Marlo; Robert Chew interpretou o traficante Proposition ‘Prop’ Joe; Anwan Glover como o tenente do tráfico ‘Slim’ Charles; Glynn Turman é o prefeito Clarence Royce; Aiden Gillen, o mindinho de Game of Thrones, magistralmente interpreta o vereador Thomas Cercetti; Frankie Faison dá show quando encarna o comissário Ervin Burell; John Doman vive o chefe de polícia Bill Rawls; Al Brown é o Major Valchek; Tristan Wilds é Michael Lee, a criança que mais se destaca da quarta temporada; Jarmaine Crawford se torna Duquan, um dos seus melhores amigos; Maestro Harell vive Randy Wagstaff; Julito McCullum é Namond Brice, filho de Wee-Bee e outra criança que também se destaca; Robert Wisdom dá vida ao controverso Major ‘Bunny’ Colvin; Domenick Lombardozzi encarna Herc; Seth Gilliam é o detetive Carver, seu parceiro na polícia; Reg Cathey como Norman, o assistente de Cercetti; Clark Johnson, que dirigiu alguns episódios da série, é o editor do Baltimore Sun, Gus Haynes; Thomas McCarthy encarna o repórter ambicioso e atrapalhado Scott Templeton; David Costabile, o Gale Boetticher de Breaking Bad, é Thomas Blebanow, editor chefe do Baltimore Sun. Ainda vale uma menção a Isiah Whitlock, que compôs o Senador Clay ‘Sheeeet’ Davis; o rapper Method Man que deu vida ao traficante Cheese, sobrinho de Proposition Joe; além de Michael Kostroff, que se tornou Maurice Levy, o advogado preferido dos traficantes.

Uma das melhores definições para os personagens da série

The Wire merece ser vista, não só porque se encontra no distinto grupo das séries que revolucionaram a televisão americana moderna, mas também para quem quiser ver uma boa história contada de forma magistral. Para aqueles consumidores que sempre criticam clichês e a estrutura narrativa, o realismo da série é outro incentivo. Quem quiser também pode se aventurar pela wiki da série.

–

Texto de autoria de Pablo Grilo.

Review | Mortal Kombat Legacy II

28 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

mortal kombat

A proposta de Mortal Kombat Legacy era muito interessante, a Machinima produziu episódios bem curtos para a web contando suas próprias versões da origem dos personagens clássicos de MK. Sonya Blade, Jax, Johny Cage, Scorpion, Sub-Zero entre outros, algumas vezes se valendo de atores “famosos” como Jeri Ryan, Michael Jai White etc. A proposta de não linearidade e tramas espaçadas funcionou, caiu nas graças do público e a Warner comprou os direitos de distribuição digital do material, produzindo uma segunda temporada, exibida em 2013.

As coisas mudaram um pouco, o foco nos primeiros episódios é o de introduzir Liu Kang, (Brian Tee) e Kung Lao (Marc Dacascos), mostrando os motivos que fizeram Liu abandonar a ordem dos monges e se revoltar contra seus antigos irmãos. Fora as risíveis vestimentas do porteiro preferido de Hollywood, como um monge multicolorido, pouco há que se reclamar destes episódios – a história seria retomada mais tarde.

Sem muita enrolação, o portentoso deus do trovão Rayden, interpretado pelo inexpressivo David Lee McInnis (que faz sentir saudades de Christopher Lambert) é mostrado explicando a alguns lutadores como funciona o torneio – a sucessão de frases feitas e show off de poder é digna de um tela class de Hermes e Renato. O pior disto tudo é o fato dos produtores terem simplesmente ignorado a versão da primeira temporada, feita por Ryan Robbins, em que mostravam um sujeito pirotécnico num manicômio, preso por falar sandices, e que só fora libertado após reaver seus poderes do raio.

A história da disputa entre Kenshi e Ermac é bem contada. A história de Kitana e Mileena pouco acrescenta ao que já fora mostrado na primeira leva, no entanto a de Scorpion e Sub-Zero é bem legal, pois em pouquíssimo tempo é possível entender a rivalidade entre os dois, a questão familiar que envolve os dois lados, a antiga amizade sendo encurtada por uma tola tradição de rivalidade, e uma trégua que durou muito pouco. O mashup com os episódios mais antigos funciona neste exemplar, ao contrário dos outros. No entanto algumas questões primordiais ficam em aberto, mas o desfecho da historieta é sensacional.

O segmento dos shaolins é o que mais difere do cânone. As motivações que fizeram Liu Kang sair do templo não são ruins, a velha historinha de amor que termina de forma trágica já era esperada. O que torce o nariz dos fãs é o modo como ele se permite seduzir por Shang Tsung, supostamente se aliando ao vilão e ao lado de Outworld. Destaque para o retorno de Cary–Hiroyuki Tagawa ao papel do feiticeiro milenar.

Dado o orçamento paupérrimo é natural que a produção ganhe ares de trash – especialmente com a escolha de Dacascos para o elenco. No entanto, mesmo comparada a primeira temporada, esta perde muito, o que é uma pena. Uma terceira tentativa será realizada, com o retorno de Jeri Ryan e possivelmente de outros atores, a expectativa é que Kevin Tancharoen, o realizador, consiga o êxito que esta season não teve.

Review | Boardwalk Empire – 4ª Temporada

22 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Boardwalk Empire, Martin Scorsese, series de máfia, series hbo, Steve Buscemi, Terence WInter

Os finais de temporada de Boardwalk Empire são sempre surpreendentes, repletos de mortes de personagens importantes e sem qualquer concessão quanto a violência e ao amoralismo. A Season 3 só não foi mais drástica que a segunda – onde Jim Darmody, personagem de Michael Pitt fora assassinado por seu antigo protetor – repleta de destinos aos personagens chaves que eram, em primeira análise, irreparáveis e irreversíveis. Mais uma vez os roteiristas da série provam seu valor como arquitetos de boas reviravoltas e de decisões de destino surpreendentes. Nelson Van Alden (Michael Shannon) – com a alcunha de George Muller – só reaparece no segundo episódio, tornando-se o braço forte de um criminoso chamado Mr. O’ Bannion. Fora de ação, ele é inseguro, sequer permite-se comprar móveis decentes para o seu novo lar, por receio e vontade de sair daquele estado em que se encontra – como um fora da lei.

A questão dos negros prossegue, e torna-se um dos eventos mais importantes do ano. Como prometido por Nuck Thompson (Steve Buscemi), Chalky White (Michael Kenneth Williams) abre o seu clube no calçadão, mas graças a uma temível série de eventos ele ganha um rival. Valentin Narcisse (Jeffrey Wright) é tudo que White não é: culto, uma figura inspiradora, exímio negociador, um cavalheiro completo, que se comporta como o homem branco “domesticado” mas que fala com estes de igual pra igual, inclusive desafiando-os na altivez quando necessário. O ataque afoito de Chalky White a Narcisse mostra o porque deles serem tão subalternos quando comparados aos irlandeses e italianos, sua passionalidade faz com que sua afronta ao inimigo seja cega e com as consequências mal avaliadas.

O clima de novelão prossegue, com desdobramentos de dramas radicais para personagens secundários. A fórmula já era usada assim em outra série da HBO – True Blood – mas diferente desta, aqui é bem construída. A questão de Gilliam Darmody (Gretchen Mol, ainda deliciosa) é surreal e insana, Jim morreu há duas temporadas, no entanto sua presença ainda afeta muito sua mãe e Mister Harrow (Jack Huston), acirrando ainda mais os ânimos relativos a custódia do pequeno Tommy. Arnold Rothstein (Michael Stuhlbarg) aos poucos vai se isolando, gerando antipatia em Nuck e perdendo a parceria com Masseria, e qual não é sua surpresa quando se depara com Margaret (Kelly Macdonald) por acaso, onde vê a possibilidade de sua questão com o traficante irlandês possivelmente ganhar contornos mais sérios, claro, adiando-os para a quinta temporada.

A morte de Frank Capone faz Alphonse (Stephen Graham) se revoltar com a polícia de Chicago, inclusive matando um guarda a céu aberto, a ideia de mostrar seu mal gênio é interessante, mas ele ainda é um bruto do que seria o grande gangster de Chicago. Esta crise desperta dos mortos outro personagem, justificando até a mudança de lado deste. Apesar de bem urdida visto que os motivos para esta metamorfose acontecer são plausíveis, não ignora o fato das investigações por parte dos federais ter perdido muito de sua graça com a saída de Nelson. O opositor legal tornou-se totalmente descartável e subalterno sem o fiscal duro na queda mesmo com as mudanças internas, incluindo até Edgar Hoover ao esquete. No nono episódio o quadro mudou para o personagem, pois finalmente Nelson parece ter saído da letargia que o acometia, dando fim aos seus antigos colegas que vieram atormentá-lo. Seu estouro com O’Bannion dá uma pequena mostra do quanto ele poderia ser psicótico e o põe na mira dos futuros poderosos da cidade. Alden permanece imprevisível e talvez agora faça jus à expectativa que se criou pelo personagem.

A atuação de Shea Wigham é esplendorosa, papéis como o dele são largamente usados nos filmes de máfia, especialmente como na situação em que ele se põe, mas geralmente a reação ou é melodramática quando descobre-se sua culpabilidade ou de conduta extremamente moralista, de “estou fazendo o correto”, no entanto, Eli Thompson difere disto, efetivamente aparentando fazer um jogo duplo, ao contrário dos seus “pares semelhantes”. A coisa toda quase toda vai abaixo, mas as consequências de seus atos são bem piores do que o que poderia ter ocorrido com a sua vida – mas nada disso é mais arrebatador do que seu embate com o Agente Knox (Brian Geraghty). A situação se agiganta, suas proporções são alargadas de uma forma inimaginável.

É uma fase de definições, de assentamentos para a temporada final – a ser exibida ainda em 2014. Os fatos históricos apresentados ganham cada vez mais importância, exemplo disso é a ascensão de Alphonse Capone em Chicago. Nuck é impedido de concluir sua jornada conforme sua vontade, os “ares de Michael Corleone” sopram a sua vida em diversas situações. A vida pede o seu sangue, o caminho que ele escolheu não permite muitas alternativas não belicosas e ele parece até ter aceito isto de uma forma tranquila e resignada.

O sonho de Richard Harrow fecha a temporada poeticamente, num devaneio de um dos personagens mais ricos apresentados pela série. Se a experiência careceu em surpresas, sobrou expectativa para a quinta e derradeira parte de Boardwalk Empire.

Review | Sherlock S02 E03 – The Reichenbach Fall

4 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Andrew Scott, bbc, Benedict Cumberbatch, Martin Freeman, series bbc, series britanicas, series de detetives, Sherlock, Sherlock Holmes

A 1ª referência é óbvia, pois o guião tem em seu esqueleto a estrutura narrativa presente em O Problema Final. Watson volta ao cenário visto somente em A Study in Pink – o consultório da psicanalista. John tem enorme dificuldade em verbalizar o fato que o levou a procurar de novo a ajuda da doutora. A direção da obra ficou a cargo de Toby Haynes, pródigo em reger episódios de séries, entre elas, Doctor Who, Being Human, etc.

A figura do Detetive ganhara muita fama, graças ao caso denominado Reichenbach, ultrapassando os limites da web, sendo noticiado nos grandes jornais e revistas impressas e nas redes de televisão. Os feitos de Holmes ganharam o público, e o público tornou-o uma figura popular, para desespero do recluso herói.

Jim Moriarty se mostra um exibicionista, seu ego se eleva tanto que ele precisa ser espalhafatoso, hackeando a ponte de Londres, arrombando o museu de Londres para roubar as joias da coroa e claro, tomar seu “lugar de direito” no trono britânico, antes claro, mandando uma mensagem para Holmes, tornando-o parte integrante de seus “lunáticos” planos.

O julgamento do criminoso é semelhante ao mostrado na peça Sherlock Holmes, de William Gillette, mas obviamente atualizada. As causas são diferentes, Moriarty quer um embate na frente de todos, por vaidade, e busca também a comprovação de qual dos dois é superior em intelecto, planejamento, raciocínio e dedução. Até o chá após o veredicto de inocência é semelhante ao mostrado no espetáculo teatral, demonstrando que apesar da rivalidade, os dois senhores são impecáveis cavalheiros.

Andrew Scott é brilhante em sua atuação, e rouba a cena toda vez que a câmera o enquadra. Seu vilão egocêntrico é cômico, sem apelar para piadas, e consegue ser sexy sem afetação ou menção a nudez, muito por causa dos seus trejeitos andrógenos. Para o público, é impossível não simpatizar com ele, vide a decisão do júri. Ele é genial, inteligente, influente: em suma, o resumo do que todo ser humano gostaria de ser.

A personagem Molly evidencia com toda a sua típica simplicidade como Sherlock está temeroso ao sentir que o seu fim está próximo. As coisas só pioram com a reação de uma das crianças sequestradas pelos capangas de Jim. A possibilidade dele estar envolvido com o rapto dos menores leva as autoridades superiores a Lestrade efetuarem o cárcere do investigador amador. Ao tentar defender a honra do amigo, John vai às vias de fato com um chefe da inteligência britânica, para logo após isso, fugir dos policiais com Sherlock a tira colo.

A manobra Richard Brooks é um ardil perfeito: inverter o jogo para culpar Sherlock é brilhante. A possibilidade de envolvimento de Mycroft torna tudo ainda mais dramático. Sherlock não tem medo de se sujar, e afirma veementemente a Moriarty que, mesmo estando do lado dos anjos, ele não é um deles. A despedida de John ao amigo e cúmplice é a mais emocionante já registrada em vídeo de toda a historiografia audiovisual da dupla Holmes/Watson. É arrepiante, carregada de sentimento, e tem em si um desfecho fascinante, para poucos instantes antes dos créditos finais, apresentar um fio de esperança.

Review | The Walking Dead – 4ª Temporada (Parte 1)

3 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

robert kirkman, series de zumbis, The Walking Dead, Walking Dead, Zumbis

Depois do fatídico término da terceira temporada, The Walking Dead volta para tentar apagar a péssima impressão que deixara. O primeiro episodio é dirigido por Greg Nicotero, o que explica a forma competente e repleta de violência plástica ao filmar os zumbis. A cena em que chove mortos vivos dentro do armazém é muito goire, e faz lembrar o modo como formigas fazem para devorar um inseto maior.

Apesar do começo de qualidade razoável, a série não sustenta a boa pegada, e já no segundo capítulo o espectador é lembrado que o seriado é sentimentalóide, e isso só piora com o decorrer da história. A doença que acomete alguns faz com que os enfermos cuspam sangue, tornando-os em seres quase tão imundos quanto os mortos.

Em determinado momento Tyrese (Chad L. Coleman) finalmente age como o verdadeiro Tyrese, mesmo que isso dure pouco tempo, para logo depois ele voltar a ser o capacho que fora no resto dos episódios, inclusive levando uma sova de Rick (Andrew Lincoln), e não mostrando brio nenhum após isso – ao menos é demonstrado que os produtores preocupam-se em destransformar o personagem da figura de bucha que exerce.

Alguém – mais tarde fica evidente que é mais de um indivíduo – está matando as pessoas, alimentando os errantes e gerando o caos, semelhante ao que ocorreu nos quadrinhos, e essa até então é a única novidade interessante, a separação de Carol (Melissa McBride) do grupo também é um ponto interessante, por explorar o quão louca uma situação pode ficar com o decorrer do apocalipse.

Os que não se adequam tem de ser excluídos, pouco importa a sua trajetória até então. As passagens de tempo são bastante confusas, e a praga que acomete alguns dos personagens se mostra uma alternativa interessante de drama, mas que pouco acrescenta ao produto final, pois as mortes que acontecem só ocorrem com personagens feitos sob encomenda para morrer. Outro bom ponto no roteiro é a hesitação de Hershel (Scott Wilson), com relação aos “assassinatos” que é obrigado a cometer, mesmo sendo este um sujeito religioso, seu conflito moral-religioso é crível e muito bem construído.

Rick parece estar cada vez mais deslocado e menos afeito ao seu posto de lider. Demonstra insegurança e acusa o duro golpe que recebeu após a morte da sua esposa, Lincoln até convence em seu estado de depressão e nas decisões que seu personagem a obrigado a tomar

Do sexto episódio em diante, o foco muda, para o antigo Governador (David Morrisey). A câmera de Michael Upendahl tenta dar significância ao drama dele e também fodacidade, com vistas panorâmicas sobre a destruição que ele impôs aos lugares por onde passou, para depois tornar-se o cão arrependido. A depressão vai e volta, em alguns momentos o personagem mal se afasta dos zumbis e no seguinte ele morre de medo em entrar numa casa vazia, com receio de topar com um errante.

A redenção de Snake Plisken é bastante extensa, mas a violência do mundo retorna a si, quando ele pensa estar fora é puxado de volta. Toda a construção a respeito da figura paterna de “Brian” com Meghan (Meyrick Murphy) quase vai a ruína com a zumbificação do avô e sua morte na frente das mulheres da família. Seu personagem sofre uma mudança drástica, o modo como ele se agarra a vida de novo e luta ferozmente contra os errantes de mãos nuas é revigorante e até emocionante e mostra que ele tem novas motivações, pessoas por quem lutar. O novo núcleo se alista junto aos antigos aliados do personagem, apesar de “Brian” aceitar a condição de subalterno de Martinez(Jose Pablo Cantillo), quando eles estão em ação, é ele quem concentra a responsabilidade. Ele tenta sepultar o passado, mas sua natureza o assombra e o faz agir como antes, como o Governador agiria.

O Midseason finale é aterrador para o espectador que jamais tocou em uma hq de Robert Kirkman, mas para quem conhece a obra original nada é surpresa, na verdade tudo é suavizado. É óbvio que não há como pôr todo o torpor dos quadrinhos em tela, até por TWD ser uma série bastante popular, mas ainda assim faltou um pouco de coragem da parte dos produtores, toda a (boa) construção do novo background do Governador foi por terra em menos de um episódio, todo o arrependimento não serviu de nada, a prerrogativa de que a natureza sempre vem a tona é explorada de forma muito pobre. Ao menos as expectativas para o resto da temporada foram restauradas por parte do grande público, especialmente para saber para que lado irão cada um dos personagens do núcleo principal.

Review | Sherlock S02 E02 – The Hounds of Baskerville

28 de dezembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

bbc, Benedict Cumberbatch, Mark Gatiss, Martin Freeman, Paul McGuigan, series bbc, series britanicas, series de detetives, Sherlock, Sherlock Holmes

O episódio inicia grandioso, dando mostras em flashback do passado do clã ligado à figura canina, remetendo aí início do clássico primeiro filme de Basil Rathbone. A direção de Paul McGuigan varia entre o reverencial e o absolutamente novo e atual. Quando pressionado, Sherlock solta verdades e impropérios nada agradáveis relacionados quase sempre aos parceiros sexuais dos seus chegados, o que levanta para eles, a possibilidade de o Detetive nunca estar bem com a própria sexualidade, um equívoco enorme da parte deles, visto que Holmes faz questão de não ter quase nada de libido ativa, ao menos a olhos vistos.

A reportagem documental, substituindo o relato escrito do manuscrito original, é um artifício interessante e explicativo, sem apelar para o didatismo forçado. Sherlock resolve destrinchar o perfil do cliente, Henry Knight (Russell Tovey) e John o reprime, pedindo para que não se exibisse, e de pronto é respondido por ele: “É isso que nós fazemos”.

Martin Freeman melhora cada vez mais, sem ele a boa atuação de Benedict Cumberbatch jamais seria notada, ele é pó autêntico “Boswell”. Sherlock fisga Fletcher, um guia turístico local que vira o grande cão, através do orgulho bobo do rapaz, desmerecendo seu discurso, e o menino prontamente mostra o gesso com a marca da enorme pegada como prova factual. A dupla efetua um sem número de carteiradas para adentrar a base experimental Baskerville. Os paralelos e reinvenções dos personagens da novela são muito curiosos e interessantes: Stapleton, Mortimer, Barrymore, cada um tem grande significância na mensagem final.

O roteiro de Mark Gatiss cobre inclusive os pontos óbvios do romance, tornando a história mais crível e diferenciada das outras versões. A temeridade que acomete Holmes após ver a criatura é impressionante, especialmente pelo fato dele ter descartado o impossível, e assim, ter encontrado a verdade. Sherlock que sempre se manteve afastado dos sentimentos, como o medo, treme ao falar do monstro. A possibilidade de ele estar sob efeito de alguma droga é descartado, a esta altura evidentemente, com uma demonstração dos seus dotes detetivescos, afiados mesmo nesse momento difícil.

Tudo no episódio remete aos signos de um filme de terror: o suspense, as vítimas ensaguentadas, a criatura misteriosa. O contraste entre a modernidade dos laboratórios, sempre asseados, e a figura bestial medieval compõem um cenário perfeito. A verdadeira monstruosidade se manifesta como uma arma química, apropriação intelectual esta das mais bem pensadas, que tornam todo o conto em algo realmente temível. O trauma infantil impingido a Henry evolui e causa uma repressão nas memórias do jovem contratante, alterando seu discurso para algo fantasioso. A alucinação da névoa faz Sherlock enxergar no vilão o rosto de Jim Moriarty, o que já prepara o campo para o episódio final evidenciando quais são os reais temores do detetive consultor.

Review | Sherlock S02 E01 – A Scandal in Belgravia

25 de dezembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Paul McGuigan, series bbc, series britanicas, series de detetives, Sherlock, Sherlock Holmes

De súbito o perigo apresentado no último episódio desaparece, através de uma ligação feita por uma pessoa misteriosa. O episódio é mais uma vez dirigido por Paul McGuigan, e se utiliza dos nomes originais dos contos para fazer piadas, como The Geek Interpreter, The Speckled Blonde, etc, o que demonstra que o humor está mais presente, a temática fica mais leve apesar de toda a violência sugerida, e a comicidade em si aumenta com o fato de Sherlock ter se convertido em uma web-celebridade.

As observações do Detetive ganharam assinaturas ao lado das imagens observadas por ele, seu método se expande e agora pratica a onipresença, estando em mais de um lugar ao mesmo tempo se utilizando de um software de ligação a distância. O rumo da “fama” faz com que Sherlock e John ganhem notoriedade, e por isso, eles foram chamados ao Palácio de Buckingham a fim de solucionar um caso aparentemente simples, mas que envolvia o futuro do império – mas na cena em que eles estão no salão nobre, todos os motivos tornam-se secundários, a fim de que a rivalidade entre os dois irmão seja grafada, Sherlock e Mycroft brigam como dois infantes pela atenção dos pais.

A abordagem escolhida para Irene Adler – de dominatrix e prostituta de luxo é ótima, pois é sedutora, atual, sexual ao extremo, influente em diversos campos. A personagem se envolve em jogos de poder, chantagens a nobreza entre outras contravenções nada convencionais. A belíssima Laura Pulver encarna magistralmente A Mulher – a cena em que ela se apresenta a Sherlock é absolutamente surpreendente e no mínimo, de tirar o fôlego, tanto que faz o espectador esquecer da atuação debochada do Detetive minutos antes. Uma fala sua demonstra toda a essência dela: “Pensar é o novo sexy” – o flerte entre ela e o protagonista é inevitável, mesmo que ambos neguem qualquer atração um pelo outro, nota-se que até a negação faz parte do fetiche e essa relação é a melhor coisa do episódio.

Para Watson, a fila continua andando, pois ele apresenta uma nova namorada na festa natalina, o que obviamente gera algumas piadas da parte de Sherlock, que diz confundir esta com algumas das anteriores – o que acaba se repetindo com John em alguns minutos de exibição mais para frente. Jeanette (Oona Chaplin) a namorada em questão, destaca algo importante, a questão de que jamais conseguiria competir com Holmes, e ela não poderia estar mais correta ao comparar os dois amigos a um casal – assim como Irene faz em diversas oportunidades.

A perda da Mulher faz com que Holmes aceite um cigarro, como um retorno ao vício, sua personalidade muda e ele torna-se uma pessoa melancólica, quase depressiva, nunca acusara tanto o golpe quanto neste momento. O “relacionamento” entre os dois é repleto de mentiras, armadilhas, esconderijos e subterfúgios, um nunca é totalmente sincero com o outro através das palavras, mas nenhum deles consegue mentir para o outro através da expressão corporal, pois o par conhece o outro tão bem que consegue efetuar o flagrante na inverdade. Em última análise, todas essas características apontam para o básico do que uma relação amorosa deve ser, mesmo que esta seja totalmente alimentada por um relacionamento platônico – o que torna a dominatrix em um ser passivo diante do único homem que ela realmente quer “dominar”.

O clichê de Caim e Abel se repete ao final, mas as conseqüências dessa intriga tomam proporções catastróficas, o que faz com que os dois irmãos tenham que se unir, a favor da Coroa. A influência de Adler é fundamental para que a balança penda para o lado de Holmes, apesar de todos os pesares – e até de uma rejeição por parte dela – o Detetive vence a disputa com ela, ao contrário do que foi narrado em Encândalo na Bohemia. Na fala de Sherlock, John vê ódio, ao se referir a Mulher, enquanto Mycroft – que o conhece desde sempre – verifica reverência em suas palavras, talvez esteja aí o único momento de prostração a que o Detetive se permitiu – que é recompensada com a despedida de sua amada, num final que não poderia ser melhor urdido do que este.

Review | Sherlock S01 E03 – The Great Game

8 de dezembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Andrew Scott, Arthur Conan Doyle, Mark Gatiss, Paul McGuigan, series bbc, series britanicas, series de detetives, Sherlock, Sherlock Holmes

Dirigido mais uma vez por Paul McGuigan, o season finale da primeira temporada começa mostrando pela primeira vez uma menção a escrita de Watson, fato que obviamente irrita Sherlock e o deixa possesso, piorando o seu estado de tédio absoluto. O herói usa a analogia da comparação entre a sua mente e um sótão de uma forma mais atual, referindo-se ao seu sistema nervoso como semelhante a um HD. A Strand Magazine vira um site, substituído pelo blog onde Watson publica os contos.

Baseado a priori em Os Planos de Bruce Partington, em virtude dos tiros proferidos por Sherlock à parede do apartamento, ao tédio modorrento e claro, a presença de Mycroft Holmes – feito pelo showrunner Mark Gatiss – tem em si algumas reminiscências de Um Estudo em Vermelho e Um Escândalo na Bohemia, em especial pela ótima piada a respeito do desconhecimento astronômico do Detetive, que declara não saber que a Terra girava em torno do sol. Sherlock ainda utiliza outra fala canônica modificada, chamando Watson para a aventura, afirmando jocosamente: “ficaria perdido sem o meu blogger”. O roteiro contém em si também elementos de As Cinco Sementes de Laranja. O antagonista misterioso é um homem bomba, mas que obriga os reféns a serem os hospedeiros explosivos.

O comportamento de Sherlock é absolutamente anti-social. Quando concentrado, qualquer inferência por parte de outro ser humano é prontamente ignorada, como se a pessoa sequer existisse. A falta de tato ao expor a Molly Hooper (Louise Beasley) que seu parceiro é gay é uma ótima demonstração de seus dotes cínicos. O blog The Science of Deduction atrai ao seu administrador uma grande atenção por parte da “organização incógnita”, primeiro em Study in Pink, e também neste episódio. A encenação do Detetive é de uma desfaçatez muito particular, explorado nesta produção como nunca fora antes.

Os adesivos de nicotina mostram que Holmes parece ter se conscientizado dos malefícios de seus vícios, ainda que a cocaína não tenha sido uma possibilidade totalmente descartada – na verdade é até sugerido algo no piloto, mas nada que comprove o problema. Watson permanece sempre alguns passos atrás do Detetive, suas conclusões são interessantes, mas nem de longe atingem a perspicácia das resoluções do protagonista.

Sherlock parece ter prazer em explanar a melancolia alheia, seja esta da ordem que for, inclusive as que envolvem sentimentos intensos, como perdas familiares – a busca pela solução do mistério proposta supera até o bem-estar da sociedade em geral, para ele a civilização é entediante e o crime chama mais atenção do que a vida em si.

O desespero das perseguições elevam o suspense a enésima potência. Moriarty é mesmo o maior comandante de crimes do Reino Unido, pondo na tela pela primeira vez de fato, toda a influência maléfica anunciada em O Problema Final – o êxito nessa demonstração é inédito até esta produção, e o feito é único, fazendo da série talvez a mais emblemática das encarnações audiovisuais do mito de Conan Doyle. Jim Moriarty, feito pelo afetado e tresloucado Andrew Scott, é o gêmeo mal de Sherlock, um consultor do crime, e em um plot twist, revela a fonte principal do roteiro: O Problema Final. A teatralidade do seu personagem o torna tão carismático quanto o herói, e o desfecho deixa em suspenso o destino dos personagens, trazendo uma enorme expectativa para si.

Review | Sherlock S01 E02 – The Blind Banker

5 de dezembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Benedict Cumberbatch, series bbc, series britanicas, series de detetive, Sherlock, Sherlock Holmes

Dirigido por Euros Lyn, que tem no currículo, a direção de episódios de Doctor Who, Cutting It, Casuality e inúmeras outras séries. A observação estilística de Sherlock prossegue, bastante semelhante a um “pinball mental” com desenhos pulando na tela, demonstrando o quanto o raciocínio do protagonista é diferenciado dos ditos normais.

Benedict Cumberbatch consegue passar como ninguém os dotes dramatúrgicos de Sherlock Holmes e sem precisar lançar mão de disfarces, máscaras ou outros artifícios pitorescos típicos do teatro exagerado exercido pelo Detetive. Nada no roteiro é injustificado. O modo como ele avança nas investigações demonstra um padrão difícil de notar caso o espectador não esteja afeito ao personagem, apesar da difícil visualização, o método é evidentemente identificável – a coleta das pistas de forma desordenada mostra o quão caótico é o seu modo de ver o mundo.

Há referências ao conto Os Dançarinos, no que toca a utilização de um código, mostrado em pichações, mas há também a temática da organização criminosa no encalço de um “ex-adepto”, na tentativa de um acerto de contas, como em Círculo Vermelho, onde a organização dos Carbonari persegue um membro antigo, como a máfia chinesa faz neste episódio.

Holmes é uma máquina, segundo ele, a digestão atrapalha seu ativo trabalho e dormir parece estar sempre fora de cogitação. Quando concentrado, ele demonstra poucas necessidades, mesmo as fisiológicas, e seu ritmo é difícil de ser alcançado até pelos mais próximos, que dirá Watson, que adormece no novo hospital em que começara a clinicar. O modo atrapalhado com que leva sua profissão não o impede de flertar com a doutora Sarah (Zoe Telford), o que demonstra sua característica de galanteador, adjetivo quase nunca presente nos filmes e séries sobre a dupla de Baker Street.

Involuntariamente, Sherlock preparou uma armadilha para seu amigo – sorte dele que os vilões eram deveras inábeis, mais uma vez Sherlock resolve um caso em que beneficiaria um casal, ainda que os amantes não pudessem ficar juntos ao final. Outro vilão aparece associado ao misterioso “M”, o que faz o espectador e o herói se perguntarem até onde vão os tentáculos do vilão.

Review | Sherlock S01 E01 – A Study in Pink

2 de dezembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Arthur Conan Doyle, Benedict Cumberbatch, Martin Freeman, series britanicas, series de detetive, Sherlock, Sherlock Holmes, Steven Moffat

Watson (Martin Freeman) acorda de um pesadelo, relembrando a guerra do Afeganistão onde servira. O personagem logo de início mostra uma enorme dificuldade em se adaptar a vida civil, e sugerido por sua psicanalista, deveria utilizar seu blog para exorcizar-se. O piloto é dirigido por Paul McGuigan (realizador de Xeque Mate e Um Crime de Paixão, entre outros) e a série foi criada por Steven Moffat – roteirista do filme de Spielberg, As Aventuras de Tintim, da série Doctor Who – e Mark Gatiss – roteirista também em Doctor Who, Poirot e inúmeras outras produções e ainda faz as vezes de ator – que reutilizam muitos tópicos canônicos em seus roteiros.

Benedict Cumberbatch faz um Sherlock levemente desajustado, tresloucado e muito agitado. A preferência por mensagens de texto remete ao problema do Detetive com telefones, evidenciado nos contos de Conan Doyle. O 1° encontro entre os dois amigos é absurdamente fiel ao mostrado em Um Estudo em Vermelho. A personalidade de Holmes é ácida e irônica na medida certa, de forma até tímida, mas muito pontual. O apartamento de Baker Street lembra muito a arquitetura de sua “contraparte” na série Adventures of Sherlock Holmes com um tom de modernidade maior, como tudo na série. A câmera persegue o Detetive como olhos ávidos pelo mistério e pela saída do lugar comum.

O interesse de Sherlock pelos crimes bizarros gera na visão do corpo policial uma expectativa ruim relacionada a si, não só por sua postura arrogante – plenamente justificável – como a de uma possível propensão ao crime. Quando um desafeto o chama de psicopata, ele prontamente responde: “Sou um sociopata funcional, é diferente”. Lestrade (Rupert Graves) diz que Sherlock é um grande homem, e talvez um dia, seja um dos bons, reforçando o argumento doyliano de que Londres teve sorte dele não voltar-se para o crime. No entanto, sua mente é inescrutável e de difícil compreensão para as pessoas ordinárias.

Watson não teme a guerra, na verdade ele a persegue e é por isso que ele se interessa pela ação de Sherlock. A identidade do “arqui-inimigo” do investigador é um segredo no começo, e o médico recebe dele uma proposta para espionar o detetive consultor, mas não o faz. John enxerga em Sherlock uma grande semelhança consigo mesmo – a predileção pelo perigo.

Há um artifício utilizado no roteiro que é bastante significativo, por demonstrar em tela uma enorme superação: o esquecimento da bengala por parte do ex-soldado, que acontece em dois momentos durante o episódio, o que constitui em si um signo para a cura de seu maior medo de não se adaptar a este novo modo de vida.

A edição é repleta de cortes secos e rápidos contrastando com as cores fortes e objetos “estourando” na tela que dão uma sensação de dinâmica rápida e atraente mesmo ao público mais jovem, que provavelmente não se interessaria pela literatura da era vitoriana. O desfecho revelando o envolvimento com a misteriosa organização e a utilização de um serial killer é uma apropriação perfeita de um tema ainda em voga. Nos últimos momentos de exibição, John mostra que entendeu Sherlock, o definindo como um idiota, mas que chega às difíceis conclusões de forma brilhante.

Review | Strike Back

19 de outubro de 2013 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Cinemax

Estou sempre em busca de algo diferente para assistir. Se esse algo diferente for divertido e exigir pouco do meu cérebro, melhor ainda, afinal hoje vivemos na ditadura das séries inteligentes demais e assistir Game of Thrones, Boardwalk Empire, Breaking Bad, Mad Men e Sons of Anarchy consomem muito do intelecto de uma pessoa.

Numa procura por algo mais de ação, no estilo Duro de Matar ou 24 Horas me deparei com essa ótima série do canal britânico Sky1 chamada Strike Back, que em sua segunda temporada ganhou a co-produção do canal americano Cinemax, que a transmite no Brasil. A série está em sua quarta temporada, mas o canal americano não reconhece a primeira temporada, estando a série então em sua terceira temporada nos EUA.

Adaptação da obra de Chris Ryan, soldado das forças especiais do exército britânico (SAS) e único membro de uma equipe de oito soldados a sobreviver à missão Bravo Two Zero durante a Guerra do Golfo em 1991, a série estreou como minissérie em 2010 apresentando a vida de John Porter (Richard Armitage, o Thorin Escudo de carvalho de O Hobbit: Uma Jornarda Inesperada), um soldado/espião britânico que trabalha para a seção 20 do MI6 enfrentando terroristas.

Já na segunda temporada, estreada em 2011, a série foca no ex-agente americano da DELTA Force Damien Scott (Sullivan Stapleton), e do agente britânico da Seção 20 Michael Stonebridge (Philip Winchester, de Fringe e Crusoe), agente britânico da Seção 20, que se unem quando Porter é feito prisioneiro por um grupo internacional de terroristas. Na terceira e quarta temporadas temos novos integrantes na Seção 20, além de Scott e Stonebridge.

Falando o que importa, a série é uma ótima opção para quem procura ação no estilo Trilogia Bourne, com muitos tiros e explosões. Destaque para as locações das filmagens que variam entre Inglaterra, Hungria, Africa do Sul, Colômbia, além de Afeganistão, Somália, Síria, Russia e Iraque (essas certamente de mentirinha).

Stonebridge e Scott proporcionam ótimas piadas além de muita ação, que sempre se desenvolvem com intrincadas relações entre grupos terroristas como a Al Qaeda e IRA juntamente com grupos mafiosos como o russo Vory v Zakone e obscuros grupos separatistas como nigeriano Movimento de Emancipação do Delta do Níger (Mend) ou o somali Al Shabaab. A seção 20 sempre atua “atrás das linhas inimigas”, com pouca gente e grande aparato tecnológico, mas que nunca dispensa seus integrantes de levarem algumas porradas ou tiros em campo.

É impressionante o número de referências militares que a série aborda em relação a armas, estratégias, grupos especiais como o Mossad ou o KFOR (força da ONU que atua em Kosovo) e fica evidente de como uma série dessa temática tem a ganhar quando é baseada em uma obra ou tem como um ex-militar que entende do que será mostrado na série.

Todos os elementos juntos como as locações, grupos e enredos diferentes dão à série muito dinamismo e diversão. Com certeza é uma das melhores séries para se assistir sem esboçar nenhum bocejo pelo tanto de ação que proporciona.

–

Texto de autoria de Robson Rossi.

O Último Respiro de Breaking Bad

2 de outubro de 2013 by Rafael Moreira

Artigos, Reviews, Séries

breaking bad, bryan cranston, series sobre trafico, Vince Gilligan

Tentei deixar um texto final com o mínimo de spoilers possível, para ser uma leitura tanto para quem já viu, como quem não viu a série.

Então, todas as coisas ruins chegam ao fim, certo? As boas também, e chegou a hora de Breaking Bad. Pretendo aqui analisar a série como um todo, e não apenas a última temporada, ou a impressão final, apesar de como algo termina sempre ter um peso maior do que o resto.

Se você já conhece a série pode pular para o próximo parágrafo, pois não me pergunte porque, eu colocarei uma breve sinopse aqui: BB trata de Walter White, um professor de química da High School, frustrado por várias razões, é um gênio da química, mas que pulou fora de uma empresa bilionária, quando ela não valia nada. Frustrado porque está com câncer, não tem grana pra pagar o seu tratamento, e o seu ego não permite que ninguém à sua volta o ajude. Ele então resolve que sua única saída para poder pagar o tratamento do câncer e ainda deixar uma grana pra família, quando ele morrer, é começar a cozinhar meta-anfetamina.

Ok, mas porque uma série com um plot tão absurdo, e num primeiro olhar, inverossímil, afinal de contas, um professor frustrado? De onde ele vai tirar coragem pra fazer tudo que é necessário para se tornar um traficante? Como ele vai conseguir se desvencilhar de todas essas amarras que uma pessoa de classe média padrão tem para se tornar o temido Heisenberg. E acredito que o grande trunfo e acerto de Breaking Bad, está justamente nisso: usar essa capa de violência, tráfico, mortes e tudo de ruim em que Walt vai se transformando, para nos mostrar que na verdade, aquilo tudo sempre esteve com ele, de uma forma inerente, ele sempre foi capaz de fazer tudo que o fez, só precisava de uma centelha, precisou se encontrar em uma situação fatal, uma situação em que tudo, a não ser um pouco que restava da sua dignidade já estava perdido, portanto, se já não resta mais nada, porque não arriscar? Isso toma ainda mais corpo, quando no episódio final, em seu último encontro com Skyler, ele finalmente admite, que ele não fez tudo aquilo pela família, ele fez por ele mesmo, para se sentir vivo, para poder fazer algo que ele realmente era bom. Afinal, se fosse pela família, ele teria aceitado a grana do pessoal da Grey Matter pra fazer o tratamento, e a série não existiria. hehehe

Breaking Bad tem vários pontos altos, sua fotografia, trabalho de edição e colorização, montagem, escolha de trilha sonora, a maioria das atuações durante toda a série também são magníficas, mas pra mim o grande estouro da série, maior do que todo o resto, é o roteiro. Principalmente por um motivo recorrente da série em que ao mesmo tempo que estamos vendo cenas de violência brutal, tráfico, assassinatos a sangue frio, enfim, todo tipo de situação ruim, que sabemos que existe, mas que não faz parte do nosso dia-a-dia. Toda essa brutalidade era vivida por Walt, que apesar de alguns deslizes e desvios de percurso, na maior parte do tempo vivia uma vida dupla, sendo o criminoso Heisenberg, e também Walter White, um cara meio esquisito, mas gente boa, que trata bem os filhos, faz um churrasquinho no fim de semana com os amigos, enfim, um cara normal. Com essa dualidade, é muito fácil você se colocar no lugar de Walter White, e muitas vezes se perguntar, o que seria necessário para mim, para que eu fizesse o meu próprio “Breaking Bad” (usado aqui como a expressão linguística que da nome à serie), o que pra mim seria o meu limite pra finalmente chutar o balde? Largar minha vida mediana, e partir pra uma jornada de loucura como Walt fez? Visto que, loucura aqui não precisa ser necessariamente traficar drogas e matar meio mundo. Digo isso num sentido mais amplo, como quebrar de uma vez a rotina, pra fazer algo que queremos e gostamos, mas que num primeiro momento nos parece impossível, ou fora de qualquer padrão?

Para mim, o grande tema de Breaking Bad, é justamente esse, qual é o limite que cada um chegaria pra alcançar algo que quer. Ou ainda mais, esse limite seria diretamente proporcional a situação ruim que você se encontrava para mandar tudo pro alto de uma vez? Ou é algo inerente a cada pessoa, seja por qualquer motivo, e o limite de cada um já seria “pré-estabelecido”?

Tentando fazer um recap mental da série, dos temas que ela pretende abordar, e os assuntos que estão colocados por ali, principalmente puxando a última temporada. Você facilmente percebe, que dentre os personagens apenas um importa, Walt/Heisenberg, todo o resto gira apenas em torno dele, têm o destino selado e definido por ele, seja a paz, o esquecimento, ou o caixão. O que não faz com que os secundários sejam menos interessantes, como o meu favorito, Hank, por justamente ser o completo oposto do Mr. White. Ele é um oficial do DEA, que funciona quase como um paladino da justiça, mas em nenhum momento deixando de ser humano, com falhas. É como se o fazer justiça, e caçar traficantes, resolver casos complexos, tudo isso que o Hank faz, sempre me passou a impressão de ser quase que pelos mesmos motivos do Walter. Hank não é um agente por que ficar do lado da lei é “a coisa certa a se fazer”, mas sim porque ele sabe que é bom nisso, e de certa forma aquilo o mantém vivo, aquilo preenche e massageia o ego dele.

Tudo isso fica claro, quando acidentado ele começa a colecionar minerais, deitado na cama, como se esperando pela morte, numa vida que não mais valia a pena. E apenas quando seus amigos do DEA trazem trabalho para ele, é que ele volta a se sentir com força e vontade de sair da situação que se encontra. Ou até mesmo para o final em que sua mulher, Marie, tenta convencê-lo a contar ao DEA o que ele descobriu sobre o Walt, para pelo menos salvar a carreira dele que estava a perigo caso tudo viesse à tona. E ele simplesmente não o faz, preferindo correr o risco de ficar sem nada seguindo em sua caçada “low profile”, do que simplesmente dar tudo como perdido, ou deixar aquilo correr como se deve, já que ele não mais era um agente de campo, e sim coordenador do DEA. E esse espelho entre os cunhados, sempre foi meu ponto favorito da série.

Não sou adepto dos exageros, não gosto dos rótulos mesmo antes de terminar, como a de melhor série já feita, ou que nunca mais veremos algo tão bom, etc, etc. Até porque a série, a meu ver, tem seus pontos negativos, como o arco dramático sempre seguindo uma estrutura muito parecida entre as temporadas, em algo como: cozinhar, dar uma merda violenta pra conseguir vender e se safar, ganhar a grana, perder tudo. Sempre escalando no nível de violência, volume e profissionalismo do tráfico conforme a série avança. Outro ponto bastante negativo para mim foi o foco total no Walter ao fim da série, mesmo sabendo que era ele que importava, ele era a “estrela principal do show”, muitos personagens foram subaproveitados ao fim da trama, principalmente Jesse Pinkman, que ao final da história me deixou com a impressão de um ratinho acoado, que estando ali, ou não, não faria grande diferença para a história, virando uma peça para girar o roteiro e não mais ser explorado pela história. Principalmente porque até a quarta temporada, ele sempre foi peça chave, e junto com o Hank formavam meus personagens preferidos. Gostaria de um final mais digno para ele.

Apesar dessas falhas, o resultado final é muito positivo, tanto por toda a sua qualidade técnica, as grandes atuações, e novamente pelo seu roteiro, tratando de personagens humanos, multifacetados, que abordam temas complexos e aplicáveis a nós mesmos, apenas sem o seu invólucro de sangue, e drogas. Trazendo também vários temas e questionamentos ao espectador, às vezes mais implícitos, outros claramente abertos, para nos colocarmos na situação dos personagens e talvez se perguntar, eu faria tal coisa nessa condição, ou meu limite já teria sido ultrapassado? Muitas vezes esse tipo de pergunta, com sinceridade, nos surpreende, assim como Walter White, professor de química do High School, inofensivo, com câncer inoperável, surpreendeu a todos ao se tornar Heisenberg.

Review | Dead Set

29 de setembro de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

series de zumbis, Zumbis

Dead Set é uma mini-série britânica, ambientada nos anos 2000 e tem a pretensão de mostrar realisticamente como seria uma infestação zumbi. A ideia não é nova, mas poucas vezes foi tão bem executada como neste escrete. A história começa nos bastidores de uma rede de televisão, mostrando os bastidores do Reality Big Brother. Quase todas as analogias e mensagens nas entrelinhas passam pelo cotidiano de participantes destes programas.

É noite de eliminação, mas algo deixa a audiência em polvorosa. A “calamidade” afeta a população, os sinais de celular caem, os meios de comunicação deixam de funcionar, mas quem está dentro do show – sejam os guerreiros da nave ou a equipe de produção – mal sabe o que está acontecendo. Com o decorrer do programa, um dos infectados invade o canal e espalha a “doença” – nada diferente dos inúmeros sub-produtos do gênero, não fosse é claro o nível da produção.

Utilizar-se da alienação dos participantes para desacreditar que o fim do mundo chegou é uma sacada fenomenal. As batalhas são sangrentas e demora a aparecer alguém munido de armas de fogo – são pessoas normais, na maioria civis sem o menor preparo que estão diante de um estado insano. A direção de arte é primorosa, principalmente no que tange o visual das criaturas. A fotografia e filmagem também são um show a parte, com câmeras em primeira pessoa dando maior dinâmica às perseguições, visual escuro nas cenas após a “tomada” dos mortos. Há nudez feminina – muito boa por sinal, enfim.

O ponto alto da série são as pessoas e o que elas são obrigadas a fazer para sobreviver e como cada uma agiria diante da pressão crescente por permanecer vivo a qualquer custo. Um dos personagens mais emblemáticos é Patrick (Andy Nyman) produto do programa, individualista, preconceituoso, egoísta, desprezível e arrogante – que não cai em nenhuma armadilha moral. Ele é escroto do começo ao fim e faz questão de humilhar qualquer um que se ponha em seu caminho. Outra boa caracterização é a da pseudo-heroína Kelly (Jaime Winstone), que começa a série como uma reles estagiária com serviço maçante e sem futuro, envolvida em um triângulo amoroso – de novo não dando ao espectador concessões morais – e que evolui com o decorrer da história, passando a ser líder do grupo de sobreviventes.

A discussão no seriado toca temas como arrogância da parte dos líderes de grupo, mudanças no estado de vida dito normal, rejeição por parte dos seus semelhantes e negação de fatos óbvios como a evolução dos temores humanos – tudo isso utilizando-se de arquétipos típicos de participantes do Big Brother.

As cenas finais se encaixam perfeitamente na ideia geral de Dead Set. As metáforas demonstram que mesmo esse tipo de programa – sem conteúdo ou substância alguma – ainda representa muito da realidade do grande público, que permanece inerte e paralisado diante de todos os acontecimentos fora de seu mundinho particular.

Dexter: O Fim do Passageiro Sombrio

23 de setembro de 2013 by Thiago Augusto Corrêa

Artigos, Reviews, Séries

Dexter, michael c. hall, Serial Killer, showtime

Atenção: o artigo a seguir contêm spoilers do final da série.

O despertar cotidiano transformado dubiamente em cenas agressivas foi o primeiro encontro do público com Dexter, série do canal Showtime, programa este que, após oito temporadas, chega ao seu derradeiro fim.

Desde a retomada das séries americanas, há pouco mais de dez anos, Dexter foi – perdoem o trocadilho – uma das mais viscerais dos últimos tempos. Poucas causaram uma comoção tão grande em seu público, muitas vezes mascarando um roteiro mal executado dos últimos anos da série.

Em diversos episódios, durante estes oito anos, o público permaneceu fiel, prendendo o fôlego a cada revelação, e, tomado pela catarse. A incredulidade por se reconhecer em uma personagem que, embora com um desvio perturbador, refletia dúvidas existenciais presentes em qualquer ser humano.

A oitava temporada da série foi composta com a percepção de que seria a última. Porém, desde a quarta temporada, Dexter perdeu a excelência unânime após oscilar em histórias ou desfechos que não conseguiram se sustentar como o público esperava (a morte de Rita no final da quarta temporada foi um excelente gancho, mas o desenrolar desta trama não foi bem sustentado pelos roteiristas).

O último ano da série utiliza-se de um interessante argumento que, resgatando o passado da personagem, teria potencial para se tornar um excelente desfecho. Introduzir a doutora Evelyn Vogel como a segunda idealizadora do Código criado por Harry Morgan, aproximava Dexter de uma análise psicológica, finalizando o ciclo de sua trajetória que se iniciou com a quebra de seu sistema autômato, reconhecendo em si não um monstro, mas vislumbrando um ser humano e, por consequência, a noção dos sentimentos.

Tentando esconder as reais intenções da doutora para promover um dos ganchos da temporada, a personagem de Vogel parece estranha a princípio. Não há uma intenção declarada além de fazer de Dexter um objeto de estudo. Sua mentora ganha maior profundidade – e posteriormente um também profundo corte no pescoço – quando fala de sua família, da psicopatia de um de seus filhos que, por competição, assassinou seu próprio irmão, e do elemento traumático que o acontecimento se tornou em sua vida.

A presença da Dr. Vogel seria melhor executada se focasse na concepção do Código e de como a doutora e Harry condicionaram Dexter a um caminho específico por medo de que o garoto não conseguisse adquirir qualquer sociabilidade – elemento possível que o público reconhece temporada a temporada. Ao ser colocado dentro de um sistema pré-estabelecido, o garoto Dexter intensifica sua índole psicopata que se transforma nestes últimos oito anos.

Como há a necessidade de um mistério, um criminoso a ser perseguido, a trama explora um assassino que retira parte da massa encefálica das vítimas e um possível sucessor do Código de Harry. Além disso tudo, há ainda os desdobramentos naturais da relação Dexter / Debra na temporada.

Como série prestes a se finalizar, é questionável o porquê de abrir um leque tão amplo de histórias em vez de focar em fechar as tramas de maneira satisfatória. Se o assassino neurocirgião revela-se filho da Dr. Vogal e este elemento torna-se importante para o desfecho, o mesmo não pode ser dito de Zack, o possível pupilo.

A relação de Dexter e Debra volta aos trilhos mas, como na temporada anterior, comete cenas desnecessárias. Primeiro, é necessário refletir se havia a necessidade, na sexta temporada, de Debra se apaixonar por Dexter. Não seria o amor fraterno suficiente para que ela protegesse o irmão ao descobrir que ele era um assassino em série? A história surge de maneira tão agressiva ao público e ao mesmo tempo é menosprezada tão rapidamente que, no sétimo ano, mal é mencionada. Explicitando a relação de irmãos sem nenhum elemento sexual.

Se tais histórias no cerne da narrativa poderiam ser melhores estruturadas, retirando seus excessos, a sub-trama de Masuka parece um subterfúgio para dar destaque, no último momento, a uma personagem que sempre foi o alívio cômico. A trama ocupa parte de alguns episódios e, assim como a história de Zack, não leva a lugar algum. Masuka sempre foi o companheiro de Dexter no trabalho, nunca o enfoque. Mas, como se para não esquecê-lo, os roteiristas decidiram dar-lhe uma pequena história quando poderiam focar melhor em todos os desfechos necessários (Quinn se torna um interessante personagem que nem é lembrado para chorar a morte de Debra).

Após metade da temporada, Hannah retorna como era esperado e anunciado desde o início da produção do último ano. Sua presença dá um pouco de fôlego à trama, inserindo em Dexter a camada de um amor pleno, já que ela reconhece ambos os lados da personagem: pai e serial killer.

E será este mundo duplo a tensão do desfecho. Dexter tentando fugir com Hanna e Harrison-filho enquanto Oliver Saxxon / Daniel Vogel mata a própria mãe e, posteriomente, deseja matar Debra.

O antes sistemático serial killer se apresenta vulnerável ao expor o filho e se aventurar em uma fuga com uma mulher procurada pela justiça. Evidenciou-se o amor pleno que o casal tem entre si. Escolher a família em vez da pulsão assassina é mais uma transformação de Dexter que, desde a temporada anterior, ao jogar sua coleção-troféu de lâminas de sangue, nega seus rituais assassinos embora não cesse de matar (até o modus operandi muda ao evitar cerrar os mortos que são jogados ao mar).

Como exigência do público, e certo padrão narrativo errático, é necessário que o desfecho tenha ou um final feliz ou uma morte trágica que obrigatoriamente promova a emoção. Assim, Debra, que leva um tiro no penúltimo episódio, mesmo após uma breve recuperação, sofre um AVC que a deixará para sempre em coma.

O último episódio marca a jornada final da personagem e coloca um ponto final nesta trilha dupla entre a família residente (a irmã) e a fuga apaixonada (com Hannah e Harrison-filho).

A necessidade de símbolos e cenas finais épicas faz com que Dexter roube o corpo da irmã, após desligar seus aparelhos respiratórios, para realizar um último ritual de cuidado em pleno mar. Mesmo que a princípio pareça inverossímil, o ritual da água como transformação para a morte é um elemento presente na vida da personagem. Como irmão mais velho que sempre cuidou da irmã, há a necessidade de manter cuidado até o final. Por isso o ritual de que o corpo da irmã seja embebido pelo oceano.

Reconhecendo na morte de Debra uma das perdas mais importantes da sua vida, Dexter assume seu potencial destrutivo e, de maneira racional, abandona o próprio filho e a futura mulher, ciente de que sua natureza só desperta a dor e, assim, fechando a cena simbólica da morte, caminha em encontro à tempestade, como se enfrentasse a própria fúria.

Matar Dexter seria um daqueles desfechos que o público espera, como se sua morte expiasse a dor causada. A morte seria solução fácil para quem reconhece o próprio potencial destrutivo. A maior pena para o serial killer é permanecer vivo, vivendo a culpa por ter destruído todos a quem amou, Harrison pai, Rita, Hannah, Debra, seu próprio filho, e ainda ter deixado no caminho um rastro de desolação e decepção.

A cena final em que Dexter senta à mesa com um rosto impassível nos dá a sensação de que a personagem viverá o resto da vida mais isolado do que antes, vivendo da culpa dos próprios atos que destruíram aquilo que não só conheceu como amou de fato.

Uma reportagem em um portal americano mencionou que boa parte da rentabilidade de Dexter como série se devia ao seu início muito bem executado e as boas personagens que fizeram o público, mesmo em momentos ruins, acompanhá-las.

Adiciono a esta afirmação a sensação de que, em parte, a identificação do público ajudava a manter a fidelidade com a série. Reconhecendo nos passageiros sombrios de cada um certo senso de justiça em um serial killer responsável por retirar o lixo da sociedade. Além do próprio dilema de se ver na personagem principal com suas diversas descobertas emotivas e psicológicas que desestabilizaram aquilo que conhecia como si próprio. Um reconhecimento mordaz, sem dúvida, mas que justifica também o fascínio pela série, pela cumplicidade com que o público reconhece em Dexter uma figura moralmente ruim, mas dotada de sentimentos como qualquer pessoa comum.

Mesmo com oscilações, o desfecho final da série não é tão infeliz quanto se previra, até porque o desfecho é um detalhe que muitas vezes não agrada à maioria do público. Porém, fica a impressão de que gastou-se tempo demais no início da temporada desenvolvendo uma trama não significativa e depois deixaram desfechos que poderiam ser possíveis (Quinn, como citado, e Hanna / Harrison). Resultando em um final fraco mas esperado em uma temporada com poucos bons elementos.

Como série, Dexter demonstrou que há vida em outros canais fechados além da HBO e demonstrou ao máximo o talento dramático de Michael C. Hall, grande responsável pela dubiedade que tanto incomodou o público. Destacando-se em muitas cenas em que deu vazão ao drama, bem como em momentos furiosos em seu ritual de morte.

Porém, compreender a total potência da série é ainda impossível. Caberá ao tempo observar como a série será vista daqui a cinco, dez anos. Por enquanto, é válido afirmar que, enquanto exibida, Dexter foi um grande sucesso. Fica a torcida para que Michael C. Hall não caia no esquecimento e consiga ainda maiores papéis de destaque em uma promissora carreira.

A lua de Miami não mais sangra.

Review | Deadwood

16 de setembro de 2013 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

breaking bad, David Milch, deadwood, HBO, ian mcshane, Timothy Olyphant, Western

Atenção, este review contém alguns spoilers da série.

Infelizmente, Deadwood não é tão conhecida na internet pelos adoradores de séries, talvez por ser de época e ter como cenário o velho oeste americano ou mesmo por ter sido cancelada pela HBO após a terceira temporada devido aos altos custos de produção. Seja como for, a série criada por David Milch (também criador de Nova York Contra o Crime), mesmo com os 36 episódios, conseguiu de forma magistral recriar a cidade de Deadwood com seu clima instável de território livre, os mistérios do garimpo do ouro e, principalmente, os personagens históricos que a habitaram.

Sinopse: durante a turbulenta década de 1870, acompanhamos o período antes, durante e depois da anexação da cidade livre de Deadwood pelo estado da Dakota do Sul, transformando-se em território norte-americano.

As três temporadas se dividem quase que exatamente entre estas três fases: a primeira é a anterior à anexação e apresenta o clima clássico de velho oeste americano, de uma cidade sem lei que está em guerra eterna com os índios perto dali. Consolidando o elenco principal, ela se foca em mostrar basicamente a vida no local, que alternava entre o bar e as firulagens de Al Swearengen e as disputas dos garimpos de ouro das regiões em volta.

Ian McShane é o fucking c**ksu**er Al Swearengen.

Timothy Olyphant é o xerife durão Seth Bullock.

A série começa com a chegada na cidade de uma caravana, liderada pelo protagonista Seth Bullock e seu sócio na loja de ferragens Sol Star. No mesmo comboio estão Wild Bill Hickock com Charlie Utter e Calamity Jane, em uma cidade já dominada pelo dono do bar/saloon The Gem, Al Swearengen, que tem como comparsas Dan Dority e Johnny Burns, além do dono de hotel E.B Farnum e do médico Doc Cochran.

É logo no começo da série que vemos o clichê do gênero com a figura do lendário atirador Wild Bill Hickcok e a sua repercussão local. Porém, este clichê logo é superado nos primeiros episódios, principalmente ao focar nos dois protagonistas que se transformam em adversários: Seth Bullock e Al Swearengen.

A segunda temporada ganha com a chegada de um competidor à altura de Al, Cy Tolliver, que monta o seu próprio bar/saloon/puteiro Bella Union com sua ajudante e cafetina Jonnie Stubbs. Além disso, passa-se a mostrar para o espectador todo o processo de negociação com os delegados e juízes estaduais para ver qual estado anexaria a cidade, sempre liderados por Swearengen. É muito curioso ver todos os trâmites legais da época, além, é claro, da repercussão que isso irá gerar sobre todos os envolvidos, principalmente os que possuem negócio, como o jornalista A.W. Merrick, Al e Cy com os bares/saloons/puteiros, e, óbvio, os donos dos terrenos que estão procurando ouro.

É nesta metade que também se insere a figura de Francis Walcott, o procurador de George Hearst (pai de William Handolph Hearst, em que Orson Welles se baseou para criar o Cidadão Kane), que deseja comprar todo o garimpo de ouro, e toda a mudança que Hearst trará para a cidade na última temporada. Nesta metade insere-se a figura da cunhada de Seth Bullock, interpretada por Anna Gunn, a esposa de Walter White na “impecável” Breaking Bad.

Uma das melhores cenas da série.

A terceira temporada e o período pós-anexação prefere focar na legalidade da cidade. Como se transformou em território americano, Deadwood agora precisa de xerife, prefeito, banco e outros cargos/necessidades públicos. É aí que esta última temporada tem um ganho substancial, pois mostra como a corrupção é intrínseca à cidade, e agora ela se torna institucionalizada. Outra enorme adição é finalmente a chegada de George Hearst. Poder e corrupção agora se elevam a um nível nunca visto antes por uma pequena e simples comunidade.

A linda abertura da série.

A última temporada também apresenta o arco dramático e a relação entre Calamity Jane e Joanie Stubbs. O amor das duas é apresentado de uma forma natural por causa da Joanie, que já mostrava indícios de sentir atração por outras mulheres, e da Calamity Jane, por ser o tipo pessoa agressiva que sempre espantava qualquer um que se aproximasse dela, principalmente homens. O envolvimento entre ambas não deixou de ser surpreendente, e a forma como isso aconteceu foi um dos grandes trunfos da série. Outro destaque é mostrar como George Hearst se tornou um adversário à altura de Al Swarengen e Seth Bullock, que terminaram por se unir contra o magnata.

Calamity Jane, interpretada por Robin Weigert, um dos melhores personagens da série.

A atuação é outra questão a ser ressaltada. Apesar de alguns atores limitados, os personagens principais baseados em personagens históricos estão muito bem representados. O dono de bar/saloon Al Swearengen interpretado magistralmente pelo inglês Ian Macshane pode entrar para a história da televisão moderna como um dos melhores personagens de todos os tempos; o limitado, porém esforçado Timothy Olyphant dá rosto e voz ao xerife Seth Bullock; a igualmente limitada Molly Parker encara Alma Garret, esposa de um interessado em procurar ouro na região; o excelente Brad Dourif, o Grima Língua de Cobra da trilogia Senhor dos Anéis, encarna Doc Cochran em um dos melhores papéis da sua vida; o ótimo ator John Hawkes é Sol Star, o sócio de Seth Bullock na loja de ferragens; Paula Malcomson, a mãe de Katniss Everdeen ~~no plágio de Battle Royale~~ em Jogos Vorazes, é a prostituta Trixie; Dayton Callie é Charlie Utter, o melhor amigo de Wild Bill Hickcock; William Sanderson consegue criar o dono de hotel E.B. Farnum, um dos mais interessantes personagens da série; o pouco expressivo Powers Boothe encarna Cy Tolliver; Robin Weigert é a bêbada Calamity Jane, um dos melhores papéis em Deadwood; Kim Dickens é a cafetina Joanie Stubs; e Gerald McRaney é o inigualável George Hearst.

George Hearst, interpretado por Gerald McRaney.

Deadwood é o tipo de série que envolve o espectador logo de cara pela excelência do roteiro. Diferente da “impecável” Breaking Bad, aqui não há golpes de roteiro aparentes, os furos existentes são pequenos, e, da mesma forma que em The Sopranos, não existe encheção de linguiça – não há um detetive que passa uma série inteira sem saber que seu cunhado fabricava drogas, por exemplo. As situações de tensão e os vários dramas são apresentados, e seus personagens, logo postos à prova. Cada episódio de uma hora em média costuma ter tanta informação que pode ser difícil fazer maratona para quem gosta do tipo.

A fotografia da série mantém o padrão HBO de qualidade, com o diferencial de adaptar um período histórico riquíssimo. Filtros e tons de marrom são escolhidos o tempo todo por causa da terra batida, das casas e móveis de madeira, além de alguns figurinos. A edição dos episódios segue o padrão televisivo HBO de qualidade, focando no roteiro e na atuação. A direção de arte também merece destaque, pois foi primorosa ao reconstruir de forma crível todos os cenários e figurinos da época.

Se o seu receio é o cancelamento da série após a terceira temporada, fique tranquilo, pois no final dela se fecha uma espécie de ciclo na história. Portanto, não há motivos para não assistir Deadwood.

Sem exageros, Deadwood pode ser considerada uma das poucas obras da dramaturgia televisiva moderna que conseguiu atingir a excelência no roteiro, e figura ao lado de The Sopranos e The Wire como as séries que mudaram o roteiro da televisão moderna e a percepção dos espectadores sobre elas. Foram estas três séries que, por exemplo, abriram espaço para que Game of Thrones, Breaking Bad e Mad Men pudessem ser feitas e hoje figurarem nas listas de melhores séries da atual era de ouro da televisão norte-americana.

–

Texto de autoria de Pablo Grilo.

Os Maiores Golpes de Roteiro de Breaking Bad

9 de setembro de 2013 by Vortex Cultural

Artigos, Reviews, Séries

breaking bad, series sobre trafico, Vince Gilligan

Atenção: contém spoilers de toda a série. Siga por sua conta e risco.

De forma merecida, Breaking Bad entrou para o seleto grupo de séries da considerada atual era de ouro da televisão americana. A esta lista, em que também figuram Sopranos, Mad Men, The Wire e A Sete Palmos, eu acrescentaria ainda a pouco comentada Deadwood da HBO, que, apesar de ter sido cancelada após a terceira temporada, em 2006, continua sendo uma das séries mais bem escritas até hoje.

No entanto, algumas pessoas creditam a ótima série criada por Vince Gilligan para o canal pago AMC como a melhor série de todos os tempos, que dividiu a televisão entre antes e depois, e que Breaking Bad é um exemplo Impecável da televisão como forma de arte. Não sei se chega a tanto, já que ela tem problemas narrativos perceptíveis, entre eles muitos “golpe de roteiro”. Golpe de roteiro é quando o roteirista e/ou diretor resolvem forçar uma situação não natural entre os personagens para que se crie uma tensão entre eles. Quando bem feita, tudo passa desapercebido e o roteiro chega ao nível de excelência de Sopranos e Deadwood; agora, quando não é, quebra a quarta parede e tira o espectador da história.

Como desconstruir é muito mais interessante do que construir, sem mais delongas, vamos a elas:

01 – Episódio “Sunset” (6º epi/3a temp): Hank deixa o ferro-velho onde está encurralando Jesse e Walt no trailer e segue correndo para o hospital depois de receber uma ligação informando que Marie está internada.

Golpe de roteiro: encontrar uma solução para livrar Hank de quase prender Walt e Jesse.

Forçada de barra: entende-se que o personagem pode entrar em choque ao receber uma notícia do tipo, mas não é do feitio do melhor agente investigativo do DEA não checar e confirmar a veracidade de qualquer informação que receba, ainda mais um que lide com chefões do crime organizado.

02 – Episódio “Sunset” (6º epi/3a temp): Walt ignora o aviso de Badger sobre avisar Jesse de que mudariam o trailer de lugar, mesmo sabendo que Hank o estava seguindo.

Golpe de roteiro: fazer com que Hank quase prenda Jesse e Walt por causa do trailer.

Forçada de barra: o sempre cuidadoso Walter White não o foi dessa vez por conveniência do roteiro.

03 – Episódio “4 Days Out” (9º epi/2ª temp): Jesse “esquece” a chave do trailer ligado durante todo o final de semana, arriando a bateria.

Golpe de roteiro: deixar os dois protagonistas à revelia no meio do deserto.

Forçada de barra: eles sempre passaram dias cozinhando no meio do deserto e nada nunca aconteceu, somente quando os roteiristas quiseram.

04 – Episódio “ABQ” (13º epi/2ª temp): Sob o efeito da anestesia, Walter revela o segundo celular para Skyler.

Golpe de roteiro: além da grande revelação bombástica, iniciar o arco de decaída do protagonista ao mostrar o começo da ruptura familiar, a falta de apoio de Skyler e Jr.

Forçada de barra: mesmo tendo falado “sem querer” e sob o efeito do anestésico, nada justifica o descaso do roteiro, jogando a informação sem mais nem menos, com o único propósito já dito acima.

05 – Episódio “Half Measure” (12º epi/3ª temp): Tomás, o irmão da namorada de Jesse, aparece morto mesmo depois de Gus Fring fazer os traficantes prometerem não usar mais meninos.

Golpe de roteiro: fazer com que Jesse busque vingança do modo mais desesperado possível, a ponto de uma catástrofe em potencial surgir.

Forçada de barra: mesmo sendo inconsequente durante boa parte da série, Jesse já havia tido o seu momento estúpido minutos antes do encontro com Fring, ao tentar envenenar os traficantes ao lado da prostituta. Fring sempre foi conhecido como um homem de negócios razoável e que sempre cumpriu a sua palavra, portanto, não é justificável o acontecido com o menino.

06 – Episódio “Say My Name” (07º epi/5ª temp): Walter mata Mike para pegar os nomes dos comparsas de Mike que estavam na prisão.

Golpe de roteiro: matar um dos personagens mais carismáticos da série.

Forçada de barra: para evitar que o roteiro fosse criticado como um grande furo, o roteirista tratou de colocar que o próprio Walter “se lembrou” de que Lydia tinha a lista.

07 – Episódio “Gliding Over All” (08º epi/5ª temp): Hank finalmente descobre que Walter é Heisenberg.

Golpe de roteiro: promover uma das maiores revelações da série e iniciar o último arco da história.

Forçada de barra: assim, do nada, enquanto está cagando, Hank percebe que Walter é Heisenberg por causa da dedicatória WW, sendo que é algo que “o maior investigador da DEA” poderia ter deduzido uma temporada e meia atrás. Então tá, né.

Antes que algum leitor apele para a “humanidade” dos personagens como justificativa para seus atos falhos nestes exemplos citados aqui, lembro que a humanidade emBreaking Bad é mostrada de forma exemplar quando Walter aos poucos vai se transformando no Heisenberg durante toda a história, Skyler traindo o Walt com o Ted Beneke, Jesse tendo suas recaídas de drogas e se sentindo deprimido de vez em quando, Hank tendo sua crise de pânico e a difícil recuperação do hospital, além de Marie tendo o seu dia de cleptomaníaca.

–

Texto de autoria de Pablo Grilo.

Review | The Walking Dead: Cold Storage

7 de junho de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

series de zumbis, The Walking Dead

Mais uma vez Greg Nicotero dirige uma web serie derivada de TWD. Cold Storage, assim como Torn Apart, também mostra outras pessoas sobrevivendo num país sitiado por mortos vivos.

Os personagens mostrados logo de início não têm nenhuma conexão aparente com os protagonistas das séries de TV – apesar de conter uma pequena citação à família de Rick Grimes. Dois sujeitos tentam entrar num armazém e são emboscados pelos “mordedores”, até que ocorre uma interferência externa, pouco amigável a princípio, mas que logo aceita a convivência pacífica – mais uma vez o tema de ajuda mútua é tocado.

Neste curta é levantada a possibilidade da China estar ainda estruturada, mas um dos personagens mostra-se cético, e praticamente descarta qualquer chance de resgate deles aos EUA – esta discussão traz à tona algumas indagações, primeiro com relação à sua cronologia paralela a série, pois não fica claro se é antes ou depois da terceira temporada. A outra dúvida ainda maior que se propõe é a da possibilidade da infestação ter ocorrido apenas nos Estados Unidos ou no continente americano, e de como as outras nações agiriam para socorrer o país, contudo a probabilidade disso tudo ser apenas boato dentro do universo ficcional é mais crível.

Cold Storage trata de temas ainda mais espinhosos que a web serie anterior, e parece ter bem mais coragem de explorar algumas polêmicas vistas nas HQs de Robert Kirkman, mas que não caberiam numa série para TV. Estupro, sequestro, isolamento e condições mínimas de sobrevivência são alguns dos temas abordados, além é claro da reação do ser humano ao “fim do mundo”, mostrando o quanto o homem pode optar por medidas extremas e tomar tudo o que quer a força. É feito um paralelo com o conceito de “sociedade de controle”, através de um dos personagens que está sempre monitorando tudo que acontece no galpão através de câmeras de vigilância. As cenas finais narradas a partir desses compartimentos de segurança e o plot twist são sensacionais e muito icônicos.

The Walking Dead Cold Storage teve 4 episódios, com duração que variava entre 4 e 9 minutos, e tem uma temática muito mais agressiva que o seriado da AMC.

Review | The Walking Dead: Torn Apart

5 de junho de 2013 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

series de zumbis, The Walking Dead, Zumbis

Dirigida por Greg Nicotero, que é produtor executivo da série da AMC, além de ter uma vasta experiência no departamento de Make-up e Efeitos Especiais de inúmeros filmes de zumbis – Planeta Terror, Uma Noite Alucinante, A Noiva do Re-Animator – trabalhou inclusive com o Mestre George A. Romero em muitas ocasiões. Nicotero também dirigiu alguns episódios do seriado.

Torn Apart foi feita para a web e tinha como proposta mostrar outras pessoas em meio à contaminação que tomou os EUA. Teve 6 episódios com duração aproximada de 2 a 5 minutos.

A história começa com uma mulher que acorda em seu carro, com a cabeça ensaguentada, os vidros estão estilhaçados e as portas abertas. Ao recobrar a consciência ela logo procura seus filhos que sumiram. Ao sair na rua percebe que as pessoas agem de modo estranho e assassino, e logo ela é resgatada por um homem – seu ex-marido, pai de seus filhos. Logo de cara é mostrado um drama familiar implícito, pois ela não aceita muito bem a ajuda dele, e com o decorrer da narrativa percebe que não há mais como recusar qualquer tipo de auxílio.

A infestação é mostrada bem no início, e os eventos são cronologicamente anteriores a primeira temporada – aqui as transmissões de TV ainda funcionam, e aventa-se a possibilidade da contaminação ser fruto de Terrorismo. Os sobreviventes ainda cometem erros banais, como se deixar morder, não atirar na cabeça dos “mortos andantes”, etc, o que dá a série um caráter mais verossímil e realista.

Temas como suicídio, homicídio e abandono de entes queridos também são abordados. Um helicóptero passa por cima da família de sobreviventes e avisa que todos devem ir ao centro de Atlanta, onde teria uma instalação segura – essa é uma das principais conexões com os eventos mostradas na série principal.

A cena final deste curta é emocionante, o sacrifício da mãe por seus filhos é mostrado de uma forma visceral, sangrenta e nada piegas, e pior das expectativas é que não dá esperanças de dias melhores nem mesmo aos personagens que sobrevivem. Impressionante como esta mini-série acerta muito mais que quase toda a segunda temporada de TWD, talvez até por ter um caráter de maior objetividade.