Quadrinhos – Página: 17 – Vortex Cultural

Resenha | A Morte de Batman: O Filme

12 de julho de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Batman, Chuck Dixon, DC Comics, Editora Abril Jovem, Graham Nolan

Há certo tempo, os quadrinhos da DC Comics – bem como da Marvel – se desenvolvem em histórias seriadas, normalmente, dividas em sagas com desdobramentos e sub-tramas. Após a saga A Queda do Morcego, responsável pela literal destruição do Cavaleiro das Trevas, o arco A Cruzada marcou a fase de um novo Batman, Jean Paul Valley, um personagem mais violento e agressivo que o morcego original. Tanto essa saga quanto A Morte do Superman foram lançadas na mesma época, demonstrando a intenção do estúdio em movimentar o mercado editorial com severas modificações em seus principais heróis.

Lançado na era do formatinho na revista Super Powers 36, A Morte do Batman – O Filme introduz o Coringa em conflito com esse novo Homem-Morcego. Mesmo situado dentro do segundo ato da Queda, a trama funciona mais como um respiro dentro da longa saga, trazendo em cena uma das personificações desse vilão definitivo. A ação se centraliza no desejo de Coringa em assassinar Batman, produzindo in loco um filme sobre o feito.

A faceta do vilão é apoiada mais em sua composição galhofeira e nonsense. Sem intenção de conectar essa história ao arco central, o roteirista Chuck Dixon opta por uma trama apoiada em referências cinematográficas e em um Coringa menos ensandecido, mais cômico do que violento. O humor ridículo do vilão se alia a um estilo mais hippie nos desenhos de Graham Nolan, demonstrando como a década de 90 também se marcou pela errônea tentativa de revitalizar personagens modificando-o pequenos detalhes de seus traços, fato que, posteriormente, só destacou a estranheza que essa época foi para os quadrinhos.

Se a dinâmica entre Batman e Coringa sempre funcionou como um certo respeito entre arqui-inimigo, essa trama demonstra que a tônica não se estrutura da mesma forma com Jean Paul Valley. Demonstrando-se um morcego mais violento e menos racional, o novo Batman deseja mata-lo de uma vez por todas e, claro, é impedido pela polícia de Gotham. O leitor sabe que a intenção é somente um conflito superficial, que proporciona as diferenças de um herói a outro e serve, apenas, para preservar o vilão para outro embate.

Mesmo sendo funcional como história fechada, ainda mais devido a presença do vilão definitivo do personagem, A Morte do Batman – O Filme não se destaca como uma história significativa. Talvez na época de seu lançamento, funcionasse para desenvolver melhor o novo morcego. Vista com distanciamento, como não interfere na saga em si, se pauta somente como uma leitura divertida pela veia mais cômica do vilão e com as diversas referências ao universo cinematográfico.

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Resenha | Variante: Requiem For The World

9 de julho de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Mangás

Lançado pela Nova Sampa em dezembro de 2014 a julho de 2015, em um projeto para ampliar a circulação e oferta de títulos no país, Variante: Requiem For The World é um mangá de terror escrito e desenhado por Iqura Sugimoto. Desenvolvendo o horror a partir de seres monstruosos que vem assolando o Japão, a trama acompanha a história da garota Hosho Aiko, uma sobrevivente de um desses ataques brutais.

Composto por apenas 4 volumes, mesmo que o mangá seja catalogado como terror, a narrativa utiliza apenas o aspecto dos monstros, chamados na trama de Quimeras, para estruturar apenas parcialmente o ambiente. Na verdade, a trama aborda dois personagens centrais: a garota sobrevivente, enviada para um laboratório para ser analisada e um misterioso investigador da mesma empresa, Atheos, responsável por identificar os ataques das Quimeras.

Inicialmente, o enfoque se mantém na dinâmica entre os dois personagens centrais. Aiko possivelmente sobreviveu ao ataque devido a uma estrutura genética singular, enquanto é estudada, sem saber ao certo o motivo de sua sobrevivência, recebe apoio de Sudo, um homem gentil que deseja ajuda-la além do trabalho. Aos poucos, a trama vai apresentando uma conspiração maior, seguindo uma leve tônica investigativa nos dois primeiros volumes.

Porém, mesmo em uma narrativa em quatro partes, há excessos que poderiam ser evitados. No terceiro volume, há um flashback sobre Sudo que causa conflito estrutura na obra. O personagem já havia vivenciado uma experiência similar a da garota quando mais jovem, um ato forte suficiente para definir seu caráter. Porém, ainda assim, ele não soube ligar os fatos entre um momento e outro. Uma ação inverossímil.

Embora a história tenha uma boa ambientação justamente por não explorar o terror como gênero, mas apenas situá-lo na parte monstruosa das Quimeras, o enredo se prolonga em excesso. Antes mesmo das revelações serem expostas, os leitores deduziram de antemão o que está por vir. A procura de prolongar os ganchos, Variante perde a força, rendendo-se parcialmente a formulas comuns do mangá, recorrendo a apelos dramáticos excessivos e a viradas narrativas exageradas. Fosse mais enxuto, talvez causasse mais impacto. É um material divertido enquanto lido mas que apresenta pouca novidade e, consequentemente, permanece no mais do mesmo.

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Resenha | Prophecy

5 de julho de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

JBC, Mangás

Prophecy mostra a relação entre a sociedade e a internet. Muito mais do que uma simples ferramenta, é um ambiente em que qualquer um pode expor suas opiniões. Algo que pode ser usado tanto para o bem quanto para o mal, principalmente sabendo da facilidade do anonimato. Do simples comentário à disseminação de ódio e idolatria de atos cruéis, tudo pode ser glorificado pelos corajosos anônimos por detrás do monitor.

Eis que um sujeito com máscara de jornal posta vídeos na internet dizendo que vai punir determinadas pessoas ou entidades. O motivo? Fazer justiça, talvez. Uma justiça torta ou justificável? Impossível não lembrar das convicções ideológicas de Light Yagami, o protagonista de Death Note, mas em menor proporção, afinal, mesmo cumprindo suas punições, se restringe a pouquíssimas “vítimas”.

A trama se desenrola basicamente em dois núcleos: o vilão, apelidado de Homem-Jornal (ou simplesmente Jornal) e a divisão da polícia que investiga crimes cibernéticos. A narrativa é dinâmica, não há muita enrolação e, ao longo dos três volumes publicados pela Editora JBC, os detalhes e motivações vão sendo revelados pouco a pouco. Podemos dizer que há um bom desenvolvimento dos personagens, o que não significa algo extremamente profundo. São personagens que cumprem seu papel na história, mas nenhum deles irá marcar o leitor e ser lembrado posteriormente. Talvez a figura do Jornal.

Um ponto interessante é a expressa referência às mídias sociais reais. Além do que, em diversos momentos são mostrados a reação do público em relação aos atos do Jornal, e a tradução tomou o cuidado de manter uma linguagem típica da internet, com abreviações, palavrões e sequências de letras simulando risadas. São elementos que aproximam a história da nossa realidade e nos faz lembrar de nossas próprias experiências na internet.

A narrativa é eficiente e consegue manter o interesse do leitor até o fim, mesmo que o desfecho não seja apoteótico ou memorável. Talvez não tenha sido essa a intenção do autor Tetsuya Tsutsui, mas de forma geral, conseguiu montar uma história verossímil. A sobriedade se reflete no traço firme do autor, que procura não utilizar um viés mais caricato, típico de alguns mangás. As suas escolhas de enquadramentos buscam o tempo inteiro dizer algo para além da trama e de seus personagens, demonstrando bastante maturidade, ao menos do ponto de vista gráfico. Para quem procura um mangá mais pé-no-chão, terá uma leitura agradável.

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Resenha | Blues

3 de julho de 2018 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

blues, Conrad, contracultura, Robert Crumb

Uma das influências para os quadrinhos alternativos que Robert Crumb sempre fez eram os músicos que ele tanto adorava, e em Blues ele pôde prestar uma pequena reverência a esses artistas. Robert Johnson, Charles Patton, Jelly Roll Morton, Jimi Hendrix e tantos outros que estão presentes no álbum Blues, uma grande homenagem de Crumb a muitos de seus heróis.

A primeira história do encadernado da Conrad mostra uma retrospectiva sobre Patton, brincando inclusive dom o sobrenome homônimo do famoso general americano da Segunda Guerra Mundial, usando a coincidência como pontapé inicial da análise da carreira do músico pouco conhecido. A história vai desde quando ele era muito moço, escravizado em campos do algodão, onde tocava viola de maneira única, até às caminhadas dele já alforriado, à procura de novos ritmos como o ragtime com a The Chatmon Family. O roteiro também comenta sua inspiração e a proximidade de Henry Sloan, motivada pelo ritmo que o músico fazia, e claro, pela vida amorosa devassa que levava, interrompida por lampejos de conversão ao protestantismo evangélico, sendo assim um símbolo dos arquétipos envolvendo o blues, já que grande parte do pano de fundo das lendas da música passam também pelo movimento gospel.

No prefácio de Rosane Pavan, se destaca que Crumb é o historiador confiável da América, uma vez que suas histórias, apesar da aura fantástica, jamais se livra do senso crítico e ácido de um homem que analisa todo o movimento artístico com um olhar próprio. A análise dessa e de suas outras obras só tem chance de ser minimamente acertada se levar em conta esse conceito, já que a alma e modo do desenhista de olhar o cenário tanto sobre o mapa de pobreza do país, quanto a forma de se fazer arte.

O escritor usa seus personagens para diferenciar as sensações, como quando se aprecia músicas falando sobre os hits que não deixam a lembrança do ouvinte em paz, como também aqueles que mexem com o imaginário, fazendo-o fantasiar por muitos momentos com as palavras e acordes harmônicos ali estabelecidos. Blues é pródigo nisso, não só como ritmo, mas também como parte dessa compilação que busca traçar um cenário sobre o movimento como um todo, sendo fácil de compreender mesmo para um leigo.

Há muitas historias diferentes no encadernado, algumas bem indiferentes e não tão dignas de notas, mas até as mais simples tem algo a acrescentar dentro do mapa que Crumb procura traçar, e por mais que essa não seja a revista mais inspirada do autor, certamente é uma das que ele mais derrama sua alma e sua devoção, e apreciar o que o autor considera seminal é obviamente proveitoso.

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Resenha | Hellsing

2 de julho de 2018 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

hellsing, JBC, Kouta Hirano, Mangás, Nazismo, Vampiros

Dinâmico, gráfico e um dos responsáveis pela mudança na narrativa do seu gênero, Hellsing é um mangá de ação publicado originalmente em 1997, escrito e ilustrado por Kouta Hirano. Publicado no Brasil pela editora JBC, a compilação de 10 volumes seguiu o modelo de tankôbon já publicado pelo autor, formato em que cada volume conta com diversos capítulos e serve como uma publicação independente. Os volumes contam com bastante qualidade gráfica e reproduzem com fidelidade o material elaborado por Kouta. Além disso, é preciso elogiar os extras em cada edição, que não apenas contam com comentários e piadas do próprio criador, mas também trazem histórias adicionais do mesmo universo, produzidas antes que ele tivesse mais coesão.

O foco da história é na Ordem Real dos Cavaleiros Protestantes, a Hellsing, organização secreta fundada por Abraham Van Helsing, o mesmo personagem do livro do Bram Stoker. O principal objetivo da organização é a defesa da Inglaterra de forças sobrenaturais, atuando onde o exército tradicional não consegue. A sua principal arma é um vampiro, Alucard, que serve fielmente a Integra Hellsing, herdeira da organização. Posteriormente, outras organizações aparecem, como a Iscariot, divisão do Vaticano com os mesmos fins, e a Millenium, uma divisão sobrenatural de soldados nazistas que conseguiram fugir da guerra e procuram estabelecer uma guerra eterna.

A principal qualidade do mangá é a forma com que ele consegue desenvolver a história. O seu ritmo, baseado nos filmes de ação da época, funciona bem em conjunto com a ação frenética e desenfreada. Diferente de outros mangás, o autor não se preocupa em explicar minuciosamente todos os elementos ou estabelecer um sistema verossímil de poderes. O importante não é como o universo funciona, mas sim o que está acontecendo nele. Essa acaba sendo a principal contribuição de Hellsing para os mangás: trazer uma narrativa ocidentalizada e mais dinâmica para o gênero. Outro aspecto interessante é que, apesar do autor falar que Hellsing teve início como um mangá erótico, a única dica disso é na tensão sexual presente entre alguns personagens, sem necessariamente ser retratada graficamente. A única parte visual que se faz questão é a violência, tendo direito a empalamentos, decapitações e outros elementos que são os principais motivos para o mangá ser indicado para maiores de idade.

Dos problemas, o principal é a exaltação aos nazistas, muito mais presente nas partes extras do que necessariamente na história. O autor em alguns momentos faz alguns comentários e desenhos desnecessários de suásticas que poderiam ser encarados como preocupantes, apesar do tom de piada. Os traços também podem gerar alguma confusão, principalmente nos momentos em que muito elementos aparecem na página, mas não é algo que está presente em todos os momentos do mangá.

É importante falar que Hellsing é um produto da sua época e vários elementos gritam isso. O traço utilizado pode ser encontrado em diversas produções contemporâneas, algo que o próprio autor deixa claro ao compará-lo com Trigun, lançado dois anos antes. Além disso, a temática utilizada, de um universo sombrio povoado por criaturas sobrenaturais era lugar comum na década de noventa. Não à toa que Buffy: A Caça-Vampiros, O Corvo e Entrevista com o Vampiro são produções lançadas nesse mesmo período. Até mesmo o nome dos capítulos pode acabar datando o período de produção, já que são baseados em jogos da época, e incluem claras referências para o autor. Como é o caso de Castlevania, que não apenas divide a temática de criaturas sobrenaturais, como o próprio nome do personagem principal do mangá é o mesmo que o de um dos personagens do jogo, sendo Drácula escrito ao contrário.

Pelas características já faladas, Hellsing é um mangá de leitura fácil e descomplicada. Acaba sendo uma ótima opção para uma leitura depois do trabalho, já que não precisa de muito raciocínio pra ser compreendido, tal qual os filmes blockbusters de onde vem a inspiração para o seu ritmo. A única diferença é que eu não recomendaria pedir uma pizza e se entreter, já que a gordura pode acabar estragando as páginas.

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Texto de autoria de Caio Amorim.

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Resenha | Your lie in April #1

25 de junho de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

Mangás, Naoshi Arakawa, Panini

Kousei Arima é um pianista prodígio que, logo jovem, ganhou concursos musicais e se destacou bastante no meio clássico. O garoto tinha um futuro promissor, mas de repente, no meio de uma apresentação, simplesmente parou de tocar sem maiores explicações. O público não entendeu a atitude de Kousei e, a partir daí, ele afastou-se dos recitais. Parou definitivamente de tocar piano. Mas por quê?

Na verdade, Kousei era fortemente influenciado por sua mãe, que o impunha treinamentos rígidos no piano. O jovem seguia à risca todos os pedidos dela, e com isso tornou-se um excelente músico. Mas quando ela falece, Arima se vê perdido. Afinal, ele tocava piano por imposição, mas por outro lado, é praticamente a única coisa em que ele é realmente bom. Daí passou a sofrer de uma espécie de bloqueio que não o permite tocar de forma plena.

Até a bela Kaori aparecer em sua vida. Ou não?

Kaori é uma excelente violinista que subverte a fórmula das músicas clássicas, onde se exige execução precisa e fiel às partituras. Uma das cenas mais legais deste primeiro volume é quando Kaori, ao participar de um concurso de violino, toca uma peça clássica à sua maneira, o que soa como um sacrilégio por alguns dos jurados. E aqui já temos um ponto fraco da obra: a ausência de música.

Tudo bem, estamos falando de mangá, papel e tinta, é óbvio que não há música, o que torna a crítica injusta. Mas estamos falando de uma história onde a música tem papel essencial, e sua ausência prejudica a experiência. Quem assistiu ao anime sabe muito bem do que estou falando.

Mesmo assim, Naoshi Arakawa consegue passar, na medida do possível, os sentimentos despertados pelas músicas ali tocadas. Seu belíssimo traço ajuda neste tarefa. Destaque para os detalhes nos instrumentos musicais.

Ao longo das páginas, temos um ótimo desenvolvimento da história e personagens, especialmente os dois já citados, Kousei e Kaori, e seus amigos Watari e Tsubaki, todos muito carismáticos. Apesar de Kousei ter um ar mais sério e triste, aos poucos vamos entendendo os conflitos internos do garoto, e provavelmente você terá empatia por ele.

Este primeiro volume é um bom aperitivo da história que virá em seguida. Por mais que tenham momentos engraçados e divertidos, a obra traz momentos sérios e bem comoventes. Mesmo com a ausência de som, é possível aproveitar bastante este excelente mangá, publicado no Brasil pela Panini Comics.

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Resenha | As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol. 2

14 de junho de 2018 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

futebol, mauricio de sousa, Pelé, Pelezinho, Quadrinhos Nacionais

Com os personagens da Turma do Pelezinho já consolidados no primeiro volume, As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol 2 nos mostra uma expansão das possibilidades de piadas sobre futebol, mas também um pouco mais da personalidade de cada integrante da turminha. Obviamente, um ou outro ganha mais destaque que o restante (que seriam mais explorados na revista mensal que começou a ser publicada pouco depois da estreia nas tiras de jornais), e nesse volume vemos muitas histórias com o personagem Frangão. A princípio apenas o goleiro da turminha, Frangão se aventura também como árbitro dos jogos em várias histórias, revezando sua função em campo e sendo bem incompetente em ambas. Óbvio que, tanto como árbitro ou goleiro, as situações que surgem são tão inusitadas quanto engraçadas, e vemos que mesmo apesar de sua inabilidade, Frangão nunca desiste e seu maior sonho é defender um gol do Pelé.

Cana Braba também tem sua personalidade explorada, e seu temperamento explosivo é ainda mais visível nesse volume. Muitas piadas giram em torno do robusto garoto arrumando briga em campo, não sabendo perder e falando muitos palavrões – devidamente representados pelas cobrinhas e caveiras nos balões, como de costume na época. Já as personagens femininas continuam com os papéis relegados às mulheres nesse período histórico: não entendem nada de futebol, servindo apenas como torcida ou atrapalhando o jogo, além de piadas de teor sexual envolvendo Bonga e gags de cozinha com os terríveis quitutes de Samira.

Ao personagem-título, ficam as piadas envolvendo seu ultra-potente chute e a capacidade de fazer embaixadinhas com absolutamente qualquer objeto. O carisma do personagem aumenta ainda mais nesse volume, principalmente através dos traços mais “fofinhos” e com as cenas representadas por ângulos diferenciados. Infelizmente, ainda não era costume creditar os artistas devidamente nessa época, sendo tudo considerado apenas obra do Mauricio.

O final do livro apresenta, novamente, um glossário com os termos usados no futebol, notas contextualizando a época em que foram produzidas as tiras e os termos que não são mais usados nas histórias de hoje por serem politicamente incorretos. Essa segunda edição foi a última das tiras clássicas, que infelizmente não teve mais continuação, deixando muito material ainda sem o devido cuidado gráfico da Panini.

Compre: As Tiras Clássicas do Pelezinho – Vol 2.

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Resenha | Hideout

8 de junho de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Masasumi Kakizaki, Panini

Lançado em outubro de 2014 pela Panini Comics (Planet Mangá), Hideout foi a primeira obra de Masasumi Kakizaki lançada no país. Composta por um único volume, fato que facilita a leitura sem nenhum prolongamento ou sequência futura, a obra explora a vertente do terror equilibrando homenagens a clássicos autores do gênero, como Stephen King, e mantendo uma boa atmosfera.

A trama é narrado pelo personagem Siichi Kirishima, um mangaká que, após problemas no casamento, viaja com a esposa para uma ilha paradisíaca a procura de reconciliação. Traumatizado com o passado, o homem decide matar a esposa para recomeçar de novo. Em fuga, a mulher encontra uma caverna habitada por alguém ainda mais monstruoso que o marido.

Ainda que a transcrição do enredo soe pálida diante da obra, a trama não estabelece nenhum conceito sobrenatural como argumento. Parte da loucura de um homem comum para marcar sua ruptura com a realidade. Alternando momentos do presente – pautado pelo terror – e do passado do casal – destacado com felicidade – o leitor acompanha os fatos que antecederam a trágicos momentos que destruíam a sanidade da família.

A loucura é bem desenvolvida mesmo que de maneira simples. O autor traz em cena algumas situações clássicas do terror, como contrapor um homem brutal ao espaço paradisíaco, uma violência que gera horror pela grotesca natureza humana. Mesmo que não exista nenhuma novidade na trama, a tensão e o medo crescem a cada página pela boa composição da narrativa.

Os desenhos de Kakizaki impressionam pelos detalhes, bem como pelo uso apurado das tonalidades de cinza em cada quadro. Como parte da ação se passa no interior de uma caverna, o cinza e a cor branca se destacam para fundamentar detalhes, revelando o local bem como marcando com maior qualidade cenas grotescas sem que com isso se perca o dinamismo da trama.

Como a história é composta em apenas um único volume, cada capítulo é bem dosado e equilibrado, resultando em uma narrativa ágil como uma bom filme de terror, e breve o suficiente para causar medo.

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Resenha | Kung Fu Ganja – Volume 1

5 de junho de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

Davi Calil, Quadrinhos Nacionais

Eis aqui uma grata surpresa entre quadrinhos nacionais. Kung Fu Ganja foi idealizado graças a um financiamento coletivo no Catarse, e temos aqui o primeiro volume desta saga. A capa faz referência a uma imagem clássica de Dragon Ball onde Goku está montado no dragão Shenlong. Ao invés de Goku, temos o jovem perneta Juan montado em seu fiel amigo Azulão. Não estranhe os nomes, estamos diante de uma aventura envolvendo o universo do kung fu chinês com uma verdadeira mistura cultural, principalmente, brasileira.

Um ponto interessante é a linguagem utilizada, coloquial ao extremo, com gírias e xingamentos, tornando a obra bastante irreverente. Existem muitas referências a drogas e sátiras religiosas, às vezes um pouco excessivas, mas sempre divertidas. Caso você se ofenda com esse tipo de conteúdo, melhor evitar a leitura.

A trama se passa num contexto de guerra entre China e Mongólia. A dinastia Song quer eliminar os inimigos mongóis e, para isso, aparentemente vão se valer de poderes desconhecidos. Davi Calil, autor de Uma Noite em L’Enfer, tem uma narrativa coesa e divertida, fazendo deste primeiro volume uma apresentação de personagens e do ponto central da história. A arte também ficou a cargo do roteirista, que aposta em um estilo mais cartunesco, com nítidas influências dos mangás. Os quadros foram coloridos com a ajuda de Thomas Giurno Destro, apostando em cores mais sóbrias e vivas, deixando a maior parte do sombreado a cargo das hachuras.

Há toques de fantasia e, claro, lutas exageradas e mirabolantes. Os quadros são bem construídos, alguns deles dignos de ser apreciados por longos momentos devido à quantidade de detalhes e elementos em cena. A linguagem narrativa dos mangás é bastante presente, seja pela forma de contar a história, seja por elementos visuais.

É curioso que o protagonista Juan aparece relativamente pouco, mas sua importância é notória. O personagem esbanja carisma e tem aquela burrice/inocência/ingenuidade e bondade que, inevitavelmente, nos remete ao Goku criança. Juan é obstinado na preservação da floresta que pode ser destruída pelo desvio de um rio ocasionado pela dinastia Song.

Apesar de inúmeras referências a outras obras e à cultura pop em geral, Kung Fu Ganja tem identidade própria e se mostra um quadrinho genuinamente brasileiro. O primeiro volume mostrou bastante qualidade e empolga o suficiente para querer buscar as próximas aventuras de Juan e Azulão pelas terras chinesas.

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Resenha | Pokémon: Red Green Blue

4 de junho de 2018 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Hidenori Kusaka, Panini, pokémon

Lançado originalmente em 1997, com roteiro de Hidenori Kusaka e arte de Mato, Pokémon Adventures (Pocket Monsters Special no Japão), conta em seus primeiros três volumes, intitulados Pokémon: Red Green Blue, a estória de Red, um jovem da cidade de Pallet que tem como sonho se tornar um grande mestre Pokémon. Pokémon Adventures tem como base os acontecimentos do Jogo Pokémon Red e Green (posteriormente foi lançado a versão Blue) lançado para o Game Boy, a plataforma portátil da Nintendo, em 1996. Diferente da animação adaptada para televisão no mesmo ano, o mangá possui uma estória bem linear com acontecimentos que se entrelaçam com o tempo, mesmo não seguindo a estória exata do jogo.

Durante uma caçada Pokémon, Red se encontra com Blue e se tornam automaticamente rivais. Red decide se tornar mais forte e para isso se envolve numa jornada de se tornar um mestre Pokémon. Assim, procura a ajuda do Professor Carvalho, um velho cientista recluso em sua cidade natal, e que Red mais tarde vem a descobrir ser o avô de Blue.

Com a ajuda do Professor, Red começa sua viagem pelo continente de Kanto para coletar todas as oito insígnias Pokémon que irão permitir que ele entre na grande Liga Pokémon, desafie os maiores mestres de todos os tempos e assim se torne o maior Mestre Pokémon de Kanto. Red também terá que se juntar a novos aliados para combater a terrível Equipe Rocket, uma organização maligna que está atrás do uso de Pokémons para fins ilícitos.

No decorrer das aventuras do protagonista, as semelhanças das estórias comparadas ao jogo são mais ou menos as mesmas, mas com algumas variações. A cada cidade, Red tem que resolver um problema relacionado a um personagem chave para garantir sua contenda com o líder do Ginásio Pokémon local para conseguir sua insígnia, ou apenas para atrapalhar os planos da terrível Equipe Rocket. Porém, dessa vez, os líderes de Ginásio Brock e Misty não se juntam a Red como no anime, e nada de Jessie e James nem Meowth nesse mangá, e sim uma segunda protagonista feminina, a treinadora Green, se junta a Red e Blue para combater os vilões.

Mesmo sendo apenas três volumes, a estória não se torna corrida. Não que os personagens secundários sejam bem explorados e desenvolvidos. Algumas páginas até utilizam caixas de texto excessivas para explicar alguns acontecimentos, mas considerando se tratar de uma aventura básica de ação, não chega a atrapalhar a trama. Os cenários estão sempre em movimento com a jornada de Red, e alguns outros personagens estão sempre retornando para ajudá-lo em alguma coisa, diferente do conteúdo original, onde essas aparições são mais raras.

A arte do mangá de Mato é bastante parecida com a arte utilizada para divulgação dos jogos, o que torna o mangá um pouco mais próximo da fonte original se comparado com o anime, que possui um visual próprio, trazendo tanto os Pokémons quanto os personagens humanos mais próximos ao que vemos no jogo. As cenas de combate são bem elaboradas e dinâmicas, sendo divertidas de visualizar, além de algumas rápidas referências que vêm de jogos subsequentes ao qual este mangá se baseia.

Comparado ao jogo, Pokémon continua sendo uma história rasa e superficial. Não que este necessite de uma densidade maior de roteiro, porém, comparada ao conteúdo que se baseia e ao público direcionado, possui uma trama interessante, fluida e curiosa o suficiente para manter uma leitura periódica.

Compre: Pokémon RGB.

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Texto de Bruno Gaspar.

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Resenha | Jeremias: Pele

1 de junho de 2018 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Emicida, graphic msp, mauricio de sousa, sidney gusman

Normalmente quando escrevo para ao site busco manter uma estrutura com uma breve introdução, sinopse, discussão sobre o quadrinho e por fim uma avaliação se vale a pena ou não a leitura da HQ. Tal como o quadrinho de Rafael Calça (roteiro) e Jefferson Costa (arte) vamos mudar tudo e fazer algo diferente: leia, simplesmente leia esse quadrinho. Que me desculpe os outros autores que participaram da MSP, e muitos com grandes histórias, mas Jeremias – Pele é, em minha opinião, o melhor título lançado pelo selo até então.

O primeiro ponto para sustentar essa minha afirmação é que esse quadrinho transcende os seus objetivos primários, não se trata apenas de entretenimento ou mesmo de arte se levarmos a discussão para esse campo, mas de uma abordagem que faz com que a história se embrenhe por questões sociais extremamente relevantes para o nosso país, nesse caso o racismo. Não se trata aqui de falso moralismo, mas o quadrinho toca onde a ferida dói, em nossos preconceitos básicos, de enxergar o negro em funções consideradas menores dentro de uma divisão social do trabalho, de considerar que uma pessoa negra não possa ser bem sucedida a não ser em profissões pré-estabelecidas e muitas vezes caricatas.

Pele aborda também o bullying que esse grupo social sofre diretamente, como mostrado pelos colegas de turma do Jeremias e outros de maneira indireta (num típico exemplo de racismo velado), como é o caso da professora do protagonista que distribui profissões aos seus alunos para um trabalho escolar. Se isso não fosse o bastante, o quadrinhos também destaca pontos que nos fazem refletir: por que o negro ou o pobre não tem o direito de sonhar? Por que não se pode concede a essas pessoas a possibilidade de ao menos almejarem uma melhor situação na sociedade? São questionamentos são apresentados durante a história tanto de forma direta quanto indireta.

Não se pode esquecer também de alguns personagens coadjuvantes, principalmente os pais de Jeremias. O inconformismo do pai não se trata de raiva devido aos problemas do filho, mas uma questão geracional que ele passou e vê seu filho em uma estrutura social muito parecida, o que faz entender a explosão de nervos e como a embalagem do preconceito pode mudar, mas não o seu conteúdo. O mesmo se pode dizer da mãe e o seu relato sobre sua infância e seus cabelos e como ela passou por um processo de aceitação para ter o visual dos dias de hoje.

Enfim, uma HQ sensacional, de uma importância tremenda para os nossos dias e que certamente, tendo em vista o alcance de Maurício de Sousa, fará um belo trabalho educacional desde a mais tenra idade até os mais marmanjos. Destaque para o trabalho de arte de Costa, que possui um traço dinâmico, e utiliza as cores em prol da narrativa, além de diversas referências espalhadas ao universo da Turma da Mônica, e claro, ao movimento negro. O álbum ainda conta com um belo texto de quarta capa do rapper Emicida. Como dito anteriormente, Jeremias – Pele transcende a própria mídia e vai além pela crítica e pelo posicionamento. Aliás, deve-se louvar uma leva de artistas e quadrinhos nacionais que tratam de questões sociais e realizam uma justa e necessária crítica ao nosso contexto atual.

Compre: Jeremias – Pele.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

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Resenha | Star Wars: Lando

31 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alex Maleev, Star Wars, Star Wars Cânone

Como parte da iniciativa de introduzir quadrinhos com histórias dos personagens clássicos de Guerra nas Estrelas, Star Wars – Lando é executada pela dupla Charles Soule nos roteiros e Alex Maleev na arte. O ponto de partida da história mostra o trambiqueiro se envolvendo carnalmente com uma governadora imperial, uma moff, em um ambiente que faz lembrar o cenário aéreo de Bespin, introduzido junto com o personagem em Império Contra-Ataca.

Diferente do especial Han Solo, de Marjorie Liu e Mark Brooks, essa é uma história um pouco menos genérica, e apesar do caráter episódico, mostrando um dos últimos trambiques do personagem antes de se tornar um empresário do ramo de gás, há charme e alma nessa trama. Além, obviamente de focar em Lando, a revista também mostra Lobot, o ciborgue que o acompanha nos filmes, e que aqui, o ajuda no ofício de caçador de recompensas.

Lando intercepta um artefato precioso, que o faz ser perseguido por pessoas poderosas, entre elas o Imperador Palpatine, que põe sua guarda, chamada Guarda Imperial de Elite para persegui-lo, o que consiste em um belo fan service. O ritmo da aventura é um pouco rápido demais, fato que mata um pouco do impacto da história, mas o acréscimo da caçadora de recompensas Chanath Cha, enviada pessoalmente em busca da nave roubada pelo protagonista — que a roubou sem saber que se tratava de um veículo do Império.

O conjunto de personagens periféricos novos é bastante diversificado e se eles não são muito desenvolvidos dramaticamente, ao menos são visualmente marcantes, como os gêmeos felinos Aleksin e Pavol; Sava Korin Pers, que inclusive parece ter saído de alguma dos spin-offs de Jornada na Estrelas, em especial os visuais de Deep Space Nine.

Se o roteiro é bastante normativo, o mesmo não se pode dizer da arte. Maleev dá uma bela versão de Lando, dos personagens antigos e ainda capricha nos que aqui são introduzidos. As lutas são muito bem desenhadas, extremamente fluidas, e as páginas duplas também são de encher os olhos, compondo quadros que deixam o trabalho final grandioso em boa parte dos momentos.

No final, ao salvar seu antigo companheiro Lobot, ele responde a indagação de que ele não usaria blaster, para defender a sua vida e a dos seus. A história é repleta de pequenos detalhes que tornam a revista uma pequena pérola, com uma tramaa simples, certeira e que acerta demais na caracterização do malandro clássico que era o personagem de Billy Dee Williams.

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Resenha | Dinastia M

30 de maio de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Brian Michael Bendis, Marvel Comics, Panini, Vingadores, X-Men

Quando Brian Michael Bendis assumiu o título dos Vingadores em 2004, havia a intenção de trazer um novo vigor para Os Maiores Heróis da Terra. Ao invés de reestruturar aos poucos cada elemento que considerava dissonante, fez da saga A Queda uma mudança radical para a equipe, promovendo a dissolução do grupo.

Conforme compunha sua fase, o roteirista selecionou diversos heróis do panteão da Marvel para se tornarem representantes chaves em suas tramas. Na revista Os Novos Vingadores, como no primeiro arco, Motim, selecionou tanto pesos pesados queridos do público, como Wolverine e Homem Aranha, como heróis que realizavam pequenas participações especiais em poucos arcos, como Luke Cage e Sentinela. Com liberdade criativa tanto em seu título quanto para fundamentar uma linha narrativa em parceria com outros roteiristas, parte do Universo Marvel se alinhava em boas tramas.

Dinastia M foi a primeira saga do autor ao envolver o universo como um todo. A motivação da trama segue os acontecimentos da saga A Queda que revelou uma desequilibrada Feiticeira Escarlate como a responsável pelo pior dia dos Vingadores, e também pelo fim do grupo. Levada pelo pai, Magneto, a Genosha para que Charles Xavier ajude-a a retomar o equilíbrio mental. Até que o próprio Professor X desaparece e uma equipe formada tanto por X-Men como Vingadores vão até o local investigar.

Abordar a Feiticeira Escarlate, seus poderes mutantes de manipular a realidade e sua instabilidade emocional não é um fato inédito em sua trajetória. Composta com uma infância traumática, nascida como vilã na Irmandade de Mutantes e decidida a fazer o bem ao lado dos Vingadores, a heroína já havia manipulado a realidade para dar origem a dois filhos gêmeos que se revelaram fragmentos da alma do demônio Mephisto. Devido ao trauma, teve a mente apagada para não lembrar desse fato e, por isso, sempre teve períodos de instabilidade mental. Ao se descontrolar na saga A Queda, surgia uma nova preocupação para os heróis: como lidar com uma heroína poderosa mas instável?

A trama de Dinastia M parte de um universo em que a realidade foi reconstruída. Mesmo que o tema tenha sido abordado em outras histórias, principalmente nos X-Men com o incrível Dias de um Futuro Esquecido ou no massavéio A Era do Apocalipse, a trama evita apresenta um O Que Seria Se… situando os heróis em um mundo diferente mas que reconhecem que há algo errado.

Embora a narrativa se contenha na própria mini-série, lançada na época em sete edições e depois relançada em encadernado, tanto pela Panini Comics como na Coleção Marvel Graphic Novels da Salvat, algumas revistas mensais apresentaram uma história nesse mundo reconstruído em que os heróis vivem seu mundo dos sonhos. Mesmo que a temática seja repetida, devido a tensão desde o fim dos Vingadores, é notável como cada divergência em cena causa uma tensão maior. Acontecimentos que culminariam em um futuro próximo na saga Guerra Civil.

Como fator comum em muitas sagas ou mega sagas dos heróis, há dois acontecimentos reveladores nesta série. O primeiro se apresenta ao descobrirmos quem foi que incentivou Wanda a manipular a realidade para esta projeção perfeita. A segunda, diante da tensão da Feiticeira e de todo o ódio com a humanidade, promove mais uma modificação no universo quando a Feiticeira decide que o mundo não precisa mais de mutantes, deixando apenas 118 deles ilesos ainda com seu gene X. Possibilitando que as revistas do X-Men discutam sobre a própria sobrevivência mutante.

Mesmo trabalhando um tema visto em tramas anteriores, a série apresenta mais um passo estrutural de condução da Marvel na época, tanto iniciando novas fases para grupos distintos como apresentando as tensões de herói contra herói que pontuou a tônica de reconstrução do Universo Marvel a partir de Bendis e seus Vingadores nesse primeiro momento.

Compre: Dinastia M (Marvel Deluxe).

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Resenha | Aleister Crowley

29 de maio de 2018 by Bernardo Mazzei

Quadrinhos, Resenhas

Aleister Crowley, Editora Veneta, ocultismo

Em algum momento da sua vida você já ouviu esse nome: Aleister Crowley. Seja na música de Ozzy Osbourne; na capa de Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles; nos quadrinhos de Neil Gaiman ou Grant Morrison; ou ainda no Brasil, no trabalho do escritor Paulo Coelho e do músico Raul Seixas, Crowley é frequentemente lembrado pela cultura pop. Ocultista, poeta, escritor, entusiasta do amor livre e das drogas, o ocultista ganha aqui uma biografia em quadrinhos, talvez a única mídia capaz de retratar com liberdade os eventos de sua vida.

Em uma edição belíssima da Editora Veneta, somos apresentados aos primórdios do “homem mais perverso do mundo”, desde sua penosa infância e adolescência em escolas da aristocracia inglesa até o momento em que resolve se embrenhar pelo terreno da magia e do ocultismo. A história narra ainda como Crowley combatia os preceitos burgueses e sua vida de escândalos, que o fizeram com que se tornasse alvo predileto dos tablóides ingleses na época.

A narrativa gráfica do quadrinho é bastante intrigante. Logo em seu início, somos apresentados à frase “Essa é uma ficção… baseada em fatos reais”. De fato, o roteiro de Martin Hayes tem alguns momentos delirantes, mas que sempre procura manter o pé no chão. De modo que, soa bastante interessante a forma como ele inseriu comentários reais sobre Crowley entrecortando cada capítulo com algumas frases famosas sobre o mago. De depoimentos do diretor da escola onde estudou a falas do próprio mago e ocultista inglês, além de trechos de artigos escritos sobre ele, a obra só faz aumentar o mito em torno do fundador da doutrina Thelema. A arte de RH Stewart é uma grande aliada da narrativa, pois seu traço por muitas vezes delirante ajuda na imersão do leitor na rica história.

Além de esteticamente linda, a edição é bastante completa, contando com um belo prefácio de Richard Kaczynski, além de anotações do próprio roteirista Martin Hayes, tornando a leitura ainda mais rica.

Compre: Aleister Crowley.

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Resenha | O Cão de Caça e Outras Histórias

28 de maio de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

H.P. Lovecraft, JBC

Um dos pilares do terror e horror ao lado de Edgar Alan Poe, H. P. Lovecraft sempre instigou a imaginação de seus leitores. Com uma predileção pelo horror sobrenatural, em narrativas sempre marcadas por personagens-observadores diante de assombros, o autor se consolidou como um dos mestre do gênero e ainda hoje é reverenciado em diversas publicações em editoras diversas.

Como é comum a grandes autores, suas narrativas também ganham outros formatos demonstrando a queda de barreira de interpretações artísticas. Lançado pela JBC em dezembro de 2015, O Cão de Caça e Outras Histórias foi o primeiro e único lançamento de Gou Tanabe no país. A obra reúne três histórias de Lovecraft, desenhadas e adaptadas pelo mangaká.

A primeira dificuldade enfrentada pela adaptação é transformar uma narrativa subjetiva em uma versão objetiva dos fatos. Muitos contos do autor são escritos em primeira pessoa, relatos de um observador parcial que compartilha com o leitor sua experiência. Dessa forma, o horror é construído parcialmente no texto e completado pela imaginação do público. Embora as descrições configurem as formas, é o leitor que cria o espetáculo visual em sua próprio imaginação. Transpor uma narrativa desse estilo para desenhos, inicialmente, diminuem o escopo de interpretação. Consequentemente, as histórias também perdem impacto.

Para o leitor que a partir desse mangá descobre Lovecraft, será possível ponderar alguns temas em comum de sua obra como a loucura dos homens, o universo desconhecido como algo assustador e outras manifestações sempre aliadas a impressões parciais, responsáveis por atingir o leitor em cheio. As três histórias apresentadas na edição, O Templo, O Cão de Caça e A Cidade Sem Nome transitam por esses polos de maneira respeitosa e correta com a obra. Mas estão longe de causar o impacto necessário para reverenciar com qualidade um dos grandes autores do gênero.

Ainda que se reconheça um bom potencial nas tramas, bem como situações que hoje são exploradas em excesso por filmes de terror americano, O Cão de Caça e Outras Histórias é uma daquelas adaptações formais em excesso, funcional pelo valor que a obra original possui, mas quase sem nenhum valor próprio extra além da homenagem.

Compre: O Cão de Caça e Outras Histórias.

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Resenha | Super Popeye

25 de maio de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Elzie Crisier Segar, IDW, pixel editora, Popeye, Roger Langridge

Presente na lista do TV Guide que elegeu os 50 Melhores Personagens de Desenhos Animados de Todos os Tempos, o marinheiro Popeye foi uma presença constante na vida daquelas que nasceram na década de 80 e nas anteriores. Criado por Elzie Crisier Segar em 1929 como um personagem coadjuvante na tira Thible Theatle, aos poucos, o marinheiro ganhou popularidade e se tornou a estrela principal do autor. A partir de uma série de curtas metragens inspirados em suas tiras, Popeye se consagrou como um icônico personagem.

Conhecido como um super-herói antes do tempo, devido ao espinafre que lhe dá superforça, o público atual pouco conhece suas aventuras. As últimas animações lançadas foram no final de 1988. Salvo alguma reprise televisiva e o resgate em algum canal televisivo ou no YouTube, há informações de que a Sony desenvolve um longa-metragem animado com o marujo desde 2010.

Por outro lado, nos quadrinhos, a personagem ganhou uma nova série recente pela IDW, seguindo a tônica de outros personagens clássicos como O Sombra ou The Spirit que foram revisitados por outros autores, mesmo sem o sucesso de outrora. Lançado no país pela Pixel Media, Super Popeye reúne as cinco primeiras histórias dessa nova versão produzida pela IDW e lançada em 2012.

Ao contrário de muitas novas versões que intendam dar uma nova roupagem para a personagem, os roteiros de Roger Langridge são propositadamente nostálgicos, apoiando-se nos elementos clássicos e, a partir deles, narrando novas histórias. Como um misto de humor non sense, as tramas apresentam situações pontuais que se expandem para absurdos engraçados enquanto apresentam o panteão de personagens conhecidos como a namorada Olivia Palito, o inimigo Blutus, bem como o fanático por hambúrgueres, Dudu.

Como personagem, Popeye representa o clássico homem bruto de bom coração. Embora seja um sujeito simples, tem um carater sólido ainda que, as vezes, o lado correto se revele pela força dos próprios punhos. Aliado a um discurso sobre a importância da boa alimentação, principalmente a dos vegetais, o espinafre se tornou um aliado sempre constante nas tramas, garantindo na época do lançamento do marinheiro uma alta nas vendas de espinafre e que hoje se mantém como um de suas características fundamentais.

Diante de uma personalidade bem definida e carismática, cada história desenvolve um humor de situação, sempre com inimigos que desejam ou destruí-lo ou algo que prejudique outros e seus fieis amigos que mais atrapalham do que ajudam. O humor em cena é bem desenvolvido, natural diante do universo de personagens, sem que a leitura soe como datada ou como uma homenagem pontual.

Ainda que a edição tenha a intenção de conquistar um novo público, são os leitores antigos que devem se divertir mais ainda com a leitura, recordando-se de um grande personagem de sua infância. A Pixel fez um bom trabalhado nesta edição composta em papel brilhante e acrescida de uma pequena introdução sobre a personagem, bem como uma explicação do porquê o famoso inimigo de Popeye se chama Bluto e não Brutus como ficou conhecido no desenho. Há erros pontuais em algumas cenas, com as falas de alguns personagens mal diagramadas no balão, nada que atrapalhe a leitura, porém. Infelizmente, este compilado foi o único número lançado dessa nova fase. O número dois foi dedicado ao Popeye Clássico.

Compre: Super Popeye.

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Resenha | Star Wars: Han Solo

24 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Han Solo, lee bermejo, Star Wars, Star Wars Cânone

Minissérie em cinco edições, Star Wars – Han Solo, tal qual Star Wars da Marvel e a primeira versão canônica da revista de Darth Vader se passa entre as aventuras dos filmes Uma Nova Esperança e O Império Contra Ataca. A capa da primeira edição é feita por Lee Bermejo e o roteiro Marjorie Liu, que já fez algumas historias dos X-Men, da X-23 e a série de livros Hunter Kiss, além de contar com a arte de Mark Brooks, conhecido por seu trabalho em Cable e Deadpool.

A história mostra Han negando sua vocação rebelde, se esgueirando na questão de contrabandista, fato que conversa bem com seu destino em O Despertar da Força, mostrando que essa é uma questão cíclica em sua vida. Aqui, Han e Chewbacca são chamados por parte da liderança dos rebeldes, incluindo um militar e a Princesa Leia. A autoridade do exército não o quer fazendo a missão secreta para os rebeldes, já a nobre de Alderaan quer que ele vá e depois de muito deliberar ele aceita. O estranho nessa história é que ela se passa muito próxima da revista Star Wars, da Marvel, e faz contradizer de certa forma alguns desses dramas e dessas tramas.

A missão consiste em sua participação em uma corrida, fato que poria à prova suas capacidades como exímio piloto que sempre se declarou. Esses elementos conversam bastante com quase todos os produtos do universo expandido, onde conhecemos Solo agindo em alguns de seus papéis como contrabandista, embora aqui ele esteja seja como um espião disfarçado. Apesar do anti-herói estar acompanhado de Chewie, o wookie quase não aparece, aliás, na chamada competição O Vácuo do Dragão mostra mais elementos de A Ameaça Fantasma do que de outros episódios, em atenção à corrida de pods que Anakin ainda criança venceu, sobre Sepulba, que aliás, tem um personagem de sua raça aparecendo aqui.

É no mínimo estranho que, logo na história que chama apenas Star Wars – Han Solo seja tão genérica e episódica a trama deste especial em cinco partes. A história é tão usual que faria mais sentido ser parte da revista mensal da saga, e não de um arco que foi lançado exatamente após o anúncio da morte do personagem nos cinemas. Mesmo os ganchos existentes soam oportunistas, não tem grande impacto sequer na edição posterior da revista. Além dessa falta de impacto, também pesa contra o especial o fato de que qualquer caçador de recompensas poderia ser a figura central da história de Liu.

Os balões de diálogo frisam que essa é uma emocionante e inesperada corrida em mil anos, e isso não se traduz realmente em algo palpável, ao contrário, para quem lê é mais esperado os eventos entre as ultrapassagens e não a competitividade ligada a velocidade e astúcia dos pilotos. Quase tudo que envolve essa pequena publicação é bastante genérica, e serve quase que só para no final mostrar uma aproximação afetiva de Leia e Solo que está sendo negada por ambos, e isso é muito pouco, até porque há pouca demonstração dos dois no mesmo quadro, sendo assim, o quadrinho, infelizmente, não foge muito do ordinário ou do medíocre, sendo fraca até em comparação com outras revistas de Star Wars do cânone recente.

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Resenha | The Wedding Eve: A Véspera do Casamento e Outras Histórias

23 de maio de 2018 by Almighty

Quadrinhos, Resenhas

Mangás, Panini

Existem mangás complexos com histórias mirabolantes e finais megalomaníacos. Em contrapartida, temos aqueles mais cotidianos, relatando histórias absolutamente comuns. Eis aqui um belíssimo exemplo de como fazer histórias simples com narrativa refinada: The Weddind Eve: A Véspera do Casamento e Outras Histórias, da artista japonesa Hozumi, publicada pela Panini Comics.

A obra esbanja sensibilidade ao longo das seis histórias de curta duração. Hozumi junta seu excelente traço à notável habilidade de contar uma história da forma mais fluida e cativante possível. Não temos aqui reviravoltas malucas ou questões absurdamente complexas. Pelo contrário, tudo é muito simples, e contado de forma inteligente. São pequenas questões com pequenas reviravoltas que, ao final de cada história, deixa algum tipo de reflexão sobre questões e atitudes que, às vezes, não paramos para refletir. Repito, não espere tramas complexas. É tudo muito simples, mas feito com esmero e muito bom gosto.

A primeira história, A Véspera do Casamento, mostra como um casal (?) está lidando com a proximidade desta data tão importante. Reencontro em Azusa n.º 2 esbanja sensibilidade com a relação entre pai e filha, com uma bela surpresa no final. Irmãos Monocromáticos já traz a ideia bem clara no título: dois irmãos com personalidades opostas, mas que, no final das contas, são “os amigos que não puderam escolher”. Esta temática se estende à próxima história, O Espantalho que Sonha, a mais longa de todas, dividida em duas partes, mostrando como um irmão e uma irmã lidam com a vida adulta, e mais, um poço de nostalgia ao relembrarem da infância, nostalgia esta não tão agradável assim.

O Pequeno Jardim de Outubro relata o bloqueio criativo de um escritor que é importunado por uma jovem garota. Existe uma leve semelhança temática com alguma das histórias anteriores, mas não vamos estragar a surpresa. E Então…temos o último conto, onde a narrativa vem do ponto de vista de um personagem, digamos, inusitado, encerrando a obra de maneira leve e divertida.

Esta coletânea de histórias foi o primeiro grande trabalho da artista, e certamente é um ótimo começo. Consigo ver esta obra agradando de jovens adultos para cima. Definitivamente, não é voltada ao público infanto-juvenil. Na verdade, é um enorme contraponto aos “Dragon Balls” e “One Pieces” da vida. Esta é uma daquelas obras onde o menos é mais, que a simplicidade muitas vezes funciona, basta saber trabalhar em cima disso. Se quiser fugir um pouco dos poderes, monstros e bizarrices, The Wedding Eve será uma leitura agradável e satisfatória. Principalmente quando você olhar para a capa, reconhecer todos os personagens ali retratados e relembrar a história de cada um. Obrigado, Hozumi.

Compre: The Wedding Eve.

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Deapool 2 | Quem é Quem nos Quadrinhos e no Cinema?

22 de maio de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema, Quadrinhos

Cable, Deadpool, X-Men

Nos filmes que adaptaram as histórias em quadrinhos dos mutantes, pontualmente, ocorrem aparições de outros personagens, algumas vezes de forma gratuita, outras não. Deadpool 2 não seria uma exceção, e obviamente, o número de aparições no filme do mercenário tagarela é enorme. O objetivo é falarmos um pouco de cada uma delas, com suas respectivas versões nos quadrinhos, e também de alguns personagens-spoilers no final da postagem, devidamente notificado para não pegar nenhum desavisado. Vamos a cada um deles!

Deadpool

Nome civil: Wade Wilson
Intérprete: Ryan Reynolds
Poderes e Habilidades: Fator de Cura Aprimorado
Primeira Aparição: New Mutants #98 (1991)
História: Criado por Rob Liefeld e Fabian Nicieza, o mercenário tagarela é um sujeito desbocado, cômico e que sofreu muito para chegar até aqui. Ele foi um vilão secundário que apareceu primeiro cem Novos Mutantes, para só depois se tornar um anti-herói e ganhar sua revista solo. Ele teve um câncer terminal e para se curar aceitou que injetassem nele o fator de cura de Wolverine. Curiosamente, Reynolds estreou como o personagem em X-Men Origens: Wolverine e sete anos depois em seu filme solo, Deadpool. A curiosidade de suas histórias onde o personagem quebra a quarta parede também foi inserida nessa versão cinematográfica.

Copycat

Nome Civil: Vanessa Carlysle
Intérprete: Morena Baccarin
Poderes e Habilidades: Metamorfose em nível celular
Primeira Aparição: The New Mutants # 98 (1991)
História: Assim como Deadpool, foi criada por Fabian Nicieza junto a Greg Capullo. Vanessa nos quadrinhos é bem diferente da dócil e linda Morena Baccarin. Ela é uma mercenária, de pele azul e que usa suas habilidades de transformação para se tornar incógnita quando necessário. Ela era namorada de Wade antes do câncer e ficou sentida quando ele a abandonou, tem um passado de prostituição, tal qual no primeiro filme.

Míssil Adolescente Megassônico

Nome Civil: Ellie Phimister
Intérprete: Brianna Hildebrand
Poderes e Habilidades: Telepatia, premonição, detonação telecinética
Primeira Aparição: New X-Men #115 (2001)
História: A jovem que acompanha Colossus nos dois filmes é uma das alunas de Emma Frost, e foi introduzida nas histórias de 2001, criada por Grant Morrison e Frank Quitely. A coisa mais digna de nota dentro dos quadrinhos foram sonhos premonitórios envolvendo Genosha e uma tragédia que lá ocorreu.

Colossus

Nome Civil: Piotr Rasputin
Intérprete: Stefan Kapičić
Poderes e Habilidades: Muda a estrutura de seu corpo para aço orgânico, além de possuir força sobre-humana
Primeira Aparição: Giant-Size X-Men #1 (1975)
História: O personagem que nos filmes é cômico, nas HQs sempre foi muito sério e poderoso. Ele veio da Rússia, da época da União Soviética, e foi introduzido em uma fase em que os X-Men se tornaram personagens de uma equipe internacional, onde tinha alunos de origem alemã (Noturno), canadense (Wolverine), egípcia (Tempestade), entre outros. Colossus foi criado por Len Wein e Dave Cockrum e também já havia aparecido nos filmes antigos dos X-Men, interpretado de maneira séria por Daniel Cudmore.

Fuinha

Nome Civil: Jack Hammer
Intérprete: T. J. Miller
Poderes e Habilidades: Hacker especialista e inventor, Intelecto de nível genial e Conhecimento de armamento
Primeira Aparição: Cable #3 (1993)
História: É um personagem amigo de Deadpool, tem pouco destaque nas HQs e sempre ajuda o mercenário em suas aventuras. Já reanimou Cable depois que este brigou com o Surfista prateado. Foi criado por Fabian Nicieza e Klaus Janson, e está nos quadrinhos desde 1993.

Dominó

Nome Civil: Neena Thurman
Intérprete: Zazie Beetz
Poder: Dar sorte para si e azar para os adversários.
Primeira Aparição: X-Force # 8 (1992)
História: Dominó nos quadrinhos é uma mercenária, que utiliza seu poder de ter sorte para conseguir realizar seus feitos. No filme ela é muito bem encaixada dentro da trama, brincando sempre com as probabilidades, em uma atuação que parece – guardadas as devidas proporções – com as da Feiticeira Escarlate, num grau menor de poder. Beetz manda muito bem e é extremamente carismática. Tal qual Deadpool, foi criada por Rob Liefeld e não é uma “mutante natural”, sua mãe Beatrice sofreu um experimento que fez com a sua filha nascesse com o gene X manipulado.

Cable

Nome Civil: Nathan Summers
Intérprete: Josh Brolin
Poderes e Habilidades: Telepatia, Telecinese, Atirador especialista, combatente corpo-a-corpo, líder militar
Primeira Aparição: Como Nathan Summers em The Uncanny X-Men # 201 (1986), e como Cable em The New Mutants # 87 (1990)
História: Cable é filho de Scott Summers, o Ciclope, e Madelyne Pryor (um clone de Jean Grey). Sua origem é bastante confusa, sendo ele criado pelo Sr. Sinistro como uma arma contra Apocalipse. O vilão por sua vez o infectou ainda garoto com um vírus tecnorgânico, e ele foi mandado para o futuro com a esperança de ser curado. Depois disso, Cable foi mandado de volta para o presente para impedir a ascensão de Apocalipse. Seu olho brilhante é uma referência ao poder de seu pai. Cable foi criado por Rob Liefeld, mas seu background foi desenvolvido por Louise Simonson e Fabian Nicieza. Nathan Summers e Cable não eram a mesma pessoa no início, e Nathan foi introduzido por Chris Claremont e Rick Leonardi em Uncanny X-Men #201, em 1986. Durante muito tempo não se sabia muito bem quais eram os poderes mutantes de Cable. Para muitos, ele era só um brucutu com muitos bolsos, pochetes e trabucos. Houve uma época em que o personagem usava a telecinese para mover seu braço, que era basicamente uma prótese imóvel. Atualmente, os roteiristas tem trabalhado melhor a questão dos poderes de Cable, sabendo ser um mutante poderosíssimo, mas que por conta do vírus existente em seu corpo, não pode usar em sua totalidade, mantendo boa parte dele para o próprio controle da doença. No Brasil, ele ficou bastante famoso depois de aparecer no desenho animado dos X-Men durante anos 1990.

Yukio

Nome Civil: Yukio (sobrenome desconhecido)
Intérprete: Shioli Kutsuna
Poderes e Habilidades: Ela era humana, uma ninja com capacidades sobre humanas.
Primeira Aparição: Wolverine # 1 (1982)
História: A Yukio de Deadpool 2 ao que tudo indica é uma amálgama da personagem Yukio, ninja e artista marcial que era coadjuvante nas histórias solo de Wolverine, com Surge, uma personagem também asiática, de nome Noriko “Nori” Ashida, que manipula energia elétrica. De resto, fora o nome e compleição física, a Yukio do filme não se parece com a dos quadrinhos, tendo essa aparecido em Wolverine Imortal, vivida por Rila Fukushima. No entanto, mesmo com toda essa confusão, a personagem ficou famosa por formar um casal junto a personagem Míssil Adolescente Megassônico, fato raro em meio a filmes de super-heróis, mesmo na Marvel Studios.

Zeitgeist

Nome Civil: Axel Cluney
Intérprete: Bill Skarsgård
Poderes e Habilidades: Cuspe de Vômito Ácido
Primeira Aparição: X-Force # 116 (2001)
História: Introduzido nas histórias da X-Force, encarnação do grupo que antes era chamado de X-Táticos (X-Tatics, uma piada com estáticos, que era o estado das revistas, sem qualquer menção de movimento entre os quadros). Foi criado por Peter Milligan e Mike Allred, dupla que também foi responsável por trazer esse grupo mutante a ribalta das revistas mutantes. Há uma coincidência entre suas versões de filme e quadrinhos, que é o fato de também nos quadrinhos toda a equipe da X-Force morrer já na primeira aventura com Zeitgeist.

Bedlam

Nome Civil: Jesse Aaronson
Intérprete: Terry Crews
Poderes e Habilidades: Capacidade de desativar qualquer equipamento alimentado por energia elétrica, escanear e perceber campos de energia existentes, embaralhar a química neural do cérebro humano
Primeira Aparição: Factor X #1 (1995)
História: Membro da antiga X-Force (dos tempos de Cable), tem habilidade de criar energias e produzir um campo bioelétrco. Criado por John Francis Moore e Steve Epting, o personagem sempre foi um coadjuvante, e infelizmente no filme não teve muito espaço para seu intérprete Terry Crews brilhar.

Shatterstar

Nome Civil: Gaveedra-Seven/Benjamin Russell
Intérprete: Lewis Tan
Poderes e Habilidades: Atributos físicos sobre-humanos e fator de cura acelerado, cognição aprimorada, capacidade de gerar ondas de choque vibratórias e criar portais de teletransporte através de suas espadas
Primeira Aparição: The New Mutants # 99 (1991)
História: Um espadachim que veio do mundo de Mojo – que aliás, combinaria muito em uma historia futura de Deadpool, dada a viagem e lisergia desse ambiente – foi criado por Fabian Nicieza e Rob Liefeld. É um personagem cujo background é muito vasto, ele era um gladiador no Mojoverso, e veio do futuro desse universo, ganhando mais notoriedade quando entrou no X-Factor, após o roteirista Peter David assumir o título. Foi nessa época em que ele se assumiu pansexual. Shatterstar é capaz de conduzir ondas de choque vibratórias pelas suas espadas. Esse é seu poder principal, mas ele dificilmente o utiliza pois isso o deixa exaurido. Quase todos esses detalhes não são muito explorados no filme.

Black Tom Cassidy

Nome Civil: Thomas Samuel Eamon Cassidy
Intérprete: Jack Kesy
Poderes e Habilidades: Explosões concussivas, manipulação de plantas e imunidade aos poderes de Banshee
Primeira Aparição: X-Men # 99 (1976 )
História: O personagem tem ascendência irlandesa, o que não é utilizado no filme, e ele sempre anda com uma bengala, pois pode soltar rajadas de poder através da madeira. Tem um parentesco com Banshee, e foi criado por Chris Claremont e David Cockrum. Nos quadrinhos tem uma ligação com Fanático, tendo enfrentado os X-Men ao lado do irmão de Xavier, aliás, existem até algumas piadas com isso. Existe uma ligação entre Deadpool e Tom nas HQs, com o vilão querendo o fator de cura do mercenário para tentar deter o vírus que toma seu corpo, mas isso também não é abordado no filme, sendo esse só um vilão genérico.

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A partir daqui, não leia se não quiser spoiler

Firefist (ou Rusty Collins)

Nome civil: Russell Collins
Intérprete: Julian Dennison
Poderes e Habilidades: Pirocinese
Primeira Aparição: X-Factor #01 (1986)
História: Nos quadrinhos ele é um personagem do grupo X-Factor, que já foi até dos Novos Mutantes, sua versão cinematográfica é bem diferente e ele tem uma versão maligna bem poderosa no futuro. O garoto Julian Dennison dá uma importância grande ao personagem, mesmo tão diferente dos quadrinhos. Sua personalidade, poderes e complexos de inferioridade fazem dele bastante simpático ao espectador, mesmo com a pouca idade.

Headmaster

Nome vilanesco: Aparentemente se trata do Sr. Sinistro (no caso, Nathaniel Essex)
Intérprete: Eddie Marsan
Poderes e Habilidades: Aparentemente nenhum
História: Eddie Marsan interpreta um fanático religioso que tortura e faz experiências com crianças, molestando-as sem dó. Aparentemente, ele tem o background parecido com os do reverendo Stryker, que era um pastor que pregava contra mutantes e que nos cinemas, se tornou um cientista da Arma X. Mas a casa onde recebe os jovens tem o nome ESSEX, que é parte do sobrenome do Sr Sinistro, homem que clonou Jean Grey e fez o clone engravidar de Ciclope, dando luz assim a Cable. Provavelmente ele não é o personagem, e só uma piada do roteiro, mas possui alguma ligação com o temível vilão dos X-Men, que prometia estar em Logan e na próxima produção X, Fênix Negra, ambas sem confirmação de sua presença.

Deadpool X-Force

História: Aqui na verdade é mais um easter egg. Nos quadrinhos, o mercenário usa uma roupa cinza quado entra na X-Force e David Leitch pôs o personagem coberto de poeira para aparentar estar desse jeito nos instantes finais do longa.

Vanisher

Nome civil: Telford Porter
Intérprete: Brad Pitt
Poder: Teletransporte
Primeira Aparição: X-Men #2 (1963)
História: Para variar, é uma grande piada. Brad Pitt foi cotado para ser o Cable, mas não pode participar por questões de agenda, daí ele faz uma participação de luxo, aparecendo como o mutante invisível pouco antes de morrer. Nos quadrinhos ele é um dos vilões dos X-Men, e o filme se deu a liberdade de mudar seus poderes, trocando teletransporte por invisibilidade. O personagem é uma criação de Jack Kirby e Stan Lee.

Fanático

Nome civil: Cain Marko
Intérprete: ainda desconhecido
Poder: Super-força, resistência, invulnerável, imune a ataques mentais (com seu elmo)
Primeira Aparição: X-Men 12 (1965)
História: Segundo mais antigo entre os personagens do filme (o primeiro é Vanisher), Fanático faz uma aparição surpresa, e é bem melhor transposto em tela do que em X-Men 3. Nos quadrinhos ele é meio-irmão de Charles Xavier, e isso é referenciado no filme, em uma piada evidentemente. Já mudou de lado, esteve com os X-Men, mas é essencialmente um vilão. Com o rubi de cytorrak ele ganha seus poderes, ou seja, não é um mutante. No filme ele é imponente e poderosíssimo, e talvez seja o personagem mais acertado entre os vilões recentes dos filmes dos mutantes.

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Resenha | Homem-Aranha Superior: Venom Superior

21 de maio de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Slott, Homem-Aranha, Humberto Ramos, Javier Rodriguez, Marvel Comics, Panini

Em sequência à série de encadernados da Nova Marvel, Homem-Aranha Superior: Venom Superior é o 6º volume da fase em que Otto Octavius incorpora Peter Parker. Ao contrário das edições anteriores, com um padrão narrativa focado em histórias breves, o argumento apresentado trabalha, ao mesmo tempo, tramas diversas, configurando acontecimentos para a última grande trama envolvendo o Duende Verde.

Além das edições mensais, o encadernado inclui também a edição anual de Superior Spider Man em uma trama nada inédita aos leitores: o sequestro de Tia May. Porém, como boa parte desta fase, Dan Slott estrutura a narrativa para, além de apresentar uma história breve, justifica-la em um próximo número (Nesse caso, Tia May presencia a violência exagerada de Homem-Aranha contra seu agressor).

Além dessa trama, a história A Hora Mais Sombria é outro exemplo de uma narrativa mediana que se salva por ser justificava em uma ação posterior. Escrita em parceria com Christos N. Gage, a trama coloca o novo Venom (reestruturado após a saga O Cerco, quando Flash Thompson é convidado pelo governo para se tornar o Agente Venom) contra o novo Homem-Aranha. Como Venom sempre foi um personagem mais visual do que um vilão bem desenvolvido, a história tem pouca qualidade, contrapondo Otto Octavius ao poder do simbionte. Uma situação que não causa muito impacto além do visual.

Porém, a presença do simbionte funciona como gatilho para reintroduzir o espectro de Peter Parker que, como o leitor sabia desde o início, não foi destruído por completo na boa história Mente Conturbada. Como a presença de Venom é um alerta para problemas maiores, Os Vingadores também retornam em cena, novamente em dúvida sobre a nova personalidade de Peter Parker. Ao mesmo tempo, Slott introduz o vilão que tem certo carinho do público e mantém a integridade narrativa com o envolvimento do grupo heroico refazendo os testes no Aracnídeo que ainda usa o simbionte como desculpa para sua mudança de personalidade.

A saída é crível para a cena, justificando o intelecto de Oquinho, bem como mantendo certo suspense no ar se o herói será ou não desmascarado. Até então, somente a ex-namorada Carlie Cooper tinha dúvidas sobre o novo Peter Parker, uma boa trama paralela que foi parcialmente finalizada nesse encadernado. Sequestrada por capangas do Duende Verde, a moça é transformada pelo soro do duende, tornando-se uma nova vilã. Uma saída qualquer para um bom personagem de apoio de Peter Parker.

Finalizando as estruturas para o último grande ato, Duende Macabro e Duende Verde promovem uma guerra para lutar pelo submundo do crime. Uma ação desenvolvida desde o princípio da fase Superior, estruturada em paralelo as tramas principais de cada aventura, demonstrando, como ressaltado nas críticas dos volumes anteriores, a boa condução do roteirista para esse improvável novo momento do teioso.

Homem Aranha Superior: Venom Superior funciona como ponte para o final derradeiro. Investindo em uma abordagem diferente das histórias até então para que o último ato seja certeiro e concentrado. O Duende Verde está prestes a retornar, bem como o querido Peter Parker, o original.

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Resenha | Chico Bento: Pavor Espaciar

18 de maio de 2018 by Flávio Vieira

Quadrinhos, Resenhas

graphic msp, gustavo duarte, mauricio de sousa, Panini

Tendo como pontapé inicial o projeto MSP 50 – Mauricio de Sousa Por 50 Artistas — que propunha uma reinterpretação dos personagens clássicos de Mauricio por 50 artistas diferentes —, as graphics novels MSP ganharam forma três anos depois com o anúncio de quatro álbuns: Astronauta – Magnetar, Turma da Mônica – Laços, Chico Bento – Pavor Espaciar e Piteco – Ingá, todos publicados pela Panini Comics. A intenção do projeto era compor um álbum inteiro dedicado a cada personagem, formato bastante familiar com publicações europeias como Spirou, que teve uma série de histórias produzidas por diferentes quadrinistas, cada um deles utilizando um estilo e abordagem diferente daquele pensado por seus criadores (essa coleção tem sido publicada no Brasil pela SESI-SP Editora).

Depois de um início arrebatador com uma história no espaço repleta de elementos ficção científica em Magnetar (roteiro e arte de Danilo Beyruth e cores de Cris Peter), e, posteriormente, uma aventura nostálgica e emotiva em Laços (texto e traços dos irmãos Vitor e Lu Cafaggi), foi a vez de Gustavo Duarte fazer sua releitura do caipira mais simpático da Vila Abobrinha: Chico Bento. Tarefa nada fácil, principalmente para um personagem tão querido, bem como para aqueles leitores que podem chegar completamente desavisados na obra do autor. Explico. A obra do quadrinista tem um caráter autoral, seja pelo seu traço característico, como também pela narrativa gráfica própria, que pouco se vale de texto para compor seus quadros.

Pavor Espaciar aborda uma história de humor onde Chico Bento, Zé Lelé, o porco Torresmo e a galinha Giserda acabam sendo abduzidos por alienígenas. O nonsense e o humor do autor permanecem presentes, compondo uma história divertida, repleta de referências à cultura pop como ao milharal de Sinais, filme de M. Night Shyamalan; o apresentador Giorgio Tsoukalos, do programa Alienígenas do Passado, do canal History Channel; um sabre de luz de Star Wars pendurado ao lado de instrumentos de abate e corte de animais; e ainda um Michael Jackson em uma câmara criogênica; entre outros.

Mas nem tudo são flores, Duarte parece inicialmente desconfortável. Se um dos pontos altos de sua obra é seu dinamismo, transformando os personagens em seres que parecem se movimentar quadro a quadro – quase como uma animação -, aqui em alguns momentos a narrativa sequencial parece truncada, com a ação, que deveria ser eletrizante, quase desconectada da proposta da própria história. Talvez as poucas páginas tenham prejudicado o resultado final, e isso fica claro em algumas concessões feitas para desenvolver a narrativa, como a utilização de balões de textos, algo não muito comum em seus quadrinhos com tramas mudas.

Apesar disso, Pavor Espaciar é uma história divertida, destacada pelo traço limpo e funcional de Duarte com o acréscimo de ainda ser colorizado, diferentemente de alguns de seus quadrinhos independentes. Alem da trama, o álbum possui um texto de abertura de Mauricio de Sousa — assim como acontece em todas as graphics — e ainda um texto de quarta capa de Roger Moreira, vocalista da banda Ultraje a Rigor.

Longe de ser um álbum tão bem realizado e comentado quanto os trabalhos anteriores em Astronauta e Turma da Mônica, ou mesmo Piteco, pelo paraibano Shiko, Chico Bento – Pavor Espaciar é bastante subestimado pelos seus leitores, mas que no geral, tem muitos mais pontos positivos do que o contrário.

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