Douglas Olive – Página: 14

Resenha | Amor Sem Escalas – Walter Kirn

8 de novembro de 2018 by Douglas Olive

Editora Record, George Clooney, Jason Reitman

A premissa imediata e de fácil digestão de Amor Sem Escalas, tanto o livro quanto o filme de 2009, resume basicamente a de qualquer artista que decide narrar uma estória: Nos embarcar em uma aventura em um mundo de tempo próprio, mas que se parece com o nosso. Seja o tempo que leva para James Bond atravessar o globo, sejam os anos que passaram desde o retorno de Nárnia, o tempo assimilado por nós no decorrer de um conto é um fator essencial para nos situar sobre todos os elementos internos de uma narrativa – aos interessados, favor estudar sobre isso algumas páginas do clássico Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis; ótimo exemplo do grande artesão do tempo literário que este nos foi.

E é justamente este fator que muitos escritores, ensaístas, cronistas, ou seja lá como preferem ser chamados, não parecem se importar tanto no desenrolar de suas tramas, deixando leitores aliás confusos, com a sensação de desprendimento que nunca poderiam ter ao longo da conexão com um mundo decifrado por palavras. Atenção esta que Walter Kirn, apesar de não ser um grande artesão de nada, mas sim sobre o nada, parece ter do começo ao fim da obra, sendo tanto tempo quanto espaço as duas constantes prioritárias que esse seu best-seller, regularmente adaptado aos Cinemas por Jason Reitman e estrelado por George Clooney, nunca deixam de lado.

Contudo, nem só de prioridades vive algo – ou alguém. Se o único norte de Ryan Bingham é controlar seu tempo indo ajudar empresas a cortar gastos por meio de demissões, algo completamente rotineiro para esse homem cuja mala está sempre nas mãos, sapatos nos pés e pés nos check-ins dos aeroportos americanos, tão desprendido quanto uma águia do chão e de outras aves, é também difícil não reconhecer Up in the Air (o título original mais honesto sobre a natureza da história) como um romance fraco, e que nunca mergulha, de fato, em suas vias dramáticas em potencial que Kirn, seja por medo ou insensibilidade, parece estancar ao invés de explorá-las, como se espera.

Ironicamente, não demora (nem um pouco) para se perceber que o peso da leitura demonstra-se tão frívolo e com um drama existencial tão descartável quanto as nuvens que Ryan, cansado, observa da sua poltrona, com o lema “alguém precisa fazer o trabalho sujo” tatuado na testa, enquanto segue demitindo mais pessoas para garantir a sobrevivência de grandes corporações. Mas é óbvio que, para um agente da frivolidade do momento, tal um pássaro em voo livre, qualquer conflito que apareça no seu caminho é uma barreira, um obstáculo que só atrapalha sua trajetória, e Kirn sabe disso, fazendo de Amor Sem Escalas um romance que cria, alimenta e se apoia em suas conveniências desde as primeiras páginas para existir e transmitir suas mensagens, e isso não é nada bom.

Quais mensagens seriam essas? Elas ficam, na verdade, bastante claras lá pelo meio das suas páginas demoradas: Somos todos escravos da modernidade líquida de Zygmunt Bauman, diz o livro quando para de exclamar, mais alto ainda, que o caminho importa mais que o destino e por isso ele deve ser vivido da melhor forma possível. O caráter de autoajuda e otimismo exagerado típico das crises de meia-idade quase descamba pro explícito com a entrada de novas personagens, mas Kirn mantém a dignidade e impede isso por pouco, graças também às suas boas tiradas – principalmente no começo do romance, e sempre dentro das aeronaves onde seu protagonista, indeciso e espertinho, fica refletindo sobre a vida e os objetivos de cada tripulante. Nesse paralelo (um tanto forçado no livro) de um avião com os rumos da vida das pessoas, falta gasolina no motor de Kirn para explorar os recantos dessa realidade invariavelmente oca.

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Resenha | As Memórias do Livro – Geraldine Brooks

29 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Literatura, Resenhas

Globo Livros

O título acima serve a fundamentos literários pouco lembrados e muito menos difundidos na nossa contemporaneidade obtusa. Atua, sobretudo, como valioso e divertido lembrete prático de que nenhuma história, real ou não, possui apenas um lado de se contar, ou se apoia em apenas um ponto de vista para se desdobrar rumo a um clímax satisfatório – como não pode deixar de ser o caso, aqui. É justamente nessa falta de unilateralidade, que aprofunda e deixa qualquer escrita ampla e primorosa, baseando-se em fatos e passagens ficcionais (ou não), que a escritora vencedora do Pulitzer, a americana Geraldine Brooks, sensivelmente converte ambiguidades delirantes em forma de romance realista. Isso porque As Memórias do Livro, título clichê que certamente afasta boa parte dos leitores em potencial, certamente caminha nessa tênue faixa que promove a distração entre o verídico e o inventivo; um verdadeiro contraponto às inúmeras obras surreais de investigação cujo único propósito é entreter usando meia dúzia de verdades prontas.

Em certo momento, lá pelo meio do livro em questão, somos todos convidados a refletir sobre o modelo de vida que um professor, cientista, historiador, enfim, que um agente da realidade leva (e participa) graças a profissão na qual devota seu tempo e energia muitas vezes sacrificando suas relações, em prol de um objetivo, muitas vezes, atemporal, e ainda muito maior que sua mera vida pessoal. No tocante a nossa protagonista aqui, a jovem e muito competente restauradora literária Hanna Heath, temos uma persona tão devotada a seu ofício com as obras antigas que chegam em suas mãos profissionais quanto, afinal, a sua própria escritora laureada, e assim, de supetão, como num sonho da autora travestido numa trama de ficção, Hanna fica envolvida com a oportunidade de restaurar e analisar uma das obras mais raras e misteriosas da Terra: O sobrevivente livro Hagadá.

– […] Já tivemos livros queimados demais nesta cidade.

– Livros demais queimados no mundo.

Um diamante inestimável, e que abriga uma narrativa compilada acerca da saída dos judeus do Egito, incluindo sermões judaicos, canções e trechos milenares do Antigo Testamento. Valiosíssimo como deve ser, Hanna não perde tempo algum e aceita a responsabilidade exclusiva de se ver diante de séculos de informação organizada num manuscrito quase destruído por conflitos e bombardeios históricos, cuidando, restaurando e investigando os pormenores de uma joia literária neste que pode, muito bem, ser o trabalho da sua vida. No uso desta premissa de desvendar os segredos do Hagadá, supostamente perdido no tempo, e que agora nas mãos de Hanna começam a brotar dos seus pergaminhos ancestrais, Brooks se mostra uma escritora extremamente hábil e experiente ao inserir elementos imaginários e autorais em meio a uma narrativa que muitos não ousariam se distanciar, respeitosamente, do seu realismo e da sua dramaticidade quase que inevitáveis. Quase.

Longe da leitura séria que se pressupõe a um livro cujo MacGuffin são textos sagrados, mas que cada vez mais, e pouco a pouco, extrai de seus temas sérios pitadas de mistério e poesia existencial que podemos constatar em suas rápidas trezentas e poucas páginas, As Memórias do Livro é feito de reviravoltas oportunas e, acima de tudo, de desdobramentos. Pouco importa a paixão em que seus diálogos são escritos, ou seus inteligentes momentos de êxtase e frenesi: A direção que se toma a partir dos efeitos múltiplos de se mexer com o passado e revitalizá-lo, literalmente, com Hanna se aprofundando, postulando e resgatando cadências de outrora, faz afetar o presente de todos os envolvidos na trama arqueológica, e revelar aliás tramas paralelas que compõe uma história principal de uma forma coerente e prazerosa que pouco se testemunha, hoje, nos best-sellers ofensivos, anistóricos e assexuados de Dan Brown, e cia.

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Crítica | Ironweed

23 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

hector babenco, Jack Nicholson, Meryl Streep

“Onde não estamos é que estamos bem. Já não estamos no passado, e então ele nos parece belíssimo.” – Anton Tchekhov.

Se Hector Babenco, cineasta argentino falecido em 2016, pudesse abraçar forte o famoso escritor russo por essa citação que tão bem resume sua obra por inteira, de cabo a rabo, com certeza o faria. Babenco teve o dom, o vício e a necessidade de criar uma máquina do tempo através de seus filmes, suas alegorias ainda que atemporais só pra (re)alcançar e respirar mais uma vez idos, costumes e ideais que traduzem o DNA da sua perspectiva tanto sobre a vida, quanto a respeito de uma arte que se debruçou para fazer história dentro dela, pulsando uma visão nostálgica que jamais conseguiu deixar de sê-la exatamente como é, mesmo em seu melhor filme, Pixote, quando encena um de seus virtuosos pretéritos “fictícios” filmados sob os olhos de um detalhista, 100% desinteressado em fatores futuristas. Se o ontem já está pronto pra uso, é o ontem que Babenco fazia questão de usufruir – e lindamente, como poucos.

Sendo assim, não é de se espantar o apreço de Babenco para com uma história igual a de Ironweed, seu primeiro filme totalmente rodado em Hollywood e contando com um elenco de peso, após os enormes e inéditos sucessos de O Beijo da Mulher Aranha e o já mencionado Pixote; ambos chegaram ao Oscar e ao Globo de Ouro, chamando bastante atenção dos mandachuvas americanos e lhe abrindo portas para trabalhar com Meryl Streep, Jack Nicholson e o grande compositor John Morris (Dirty Dancing), adaptando o famoso e homônimo livro de William Kennedy sobre um casal extremamente complicado, alcoólatra e agressivo, que não consegue não reviver todas as agruras e cicatrizes que o passado lhes reserva, ainda hoje, como se o tempo para eles nunca tivesse passado desde então, servido senão para aprofundar as marcas que um deixa deliberadamente no outro, sem dó nem piedade.

Temos aqui um grande embate de uma consciência masculina e os mortos que carrega, e uma essência feminina que nunca soube lidar muito bem com a própria sensibilidade mais sofisticada do ser. Ambos se cortam entre palavras e olhares, gestos e intenções, encontrando na música e na bebida para reviver seus fantasmas (literalmente) a chance de sentir a nostalgia lenitiva a realidade dos fatos. É como se Babenco, novamente, citasse Anton Tchekhov na prática, entre relações traumatizantes de um casal nada saudável, e ainda assim irresistível de se ver. Quando a Helen de Streep entra num bar imundo, e com roupas tão fétidas quanto o ambiente, e se depara com o Francis de Nicholson, homem rude que cava sepulturas para ganhar míseros dólares e sobreviver, duas lendas do cinema mundial passam a mostrar a razão crítica de merecerem tal prestígio. Babenco deixa as brilhar, sim, mas não permite que esse duelo de atuações deixe a história de lado, levantando outras questões: Até que ponto um cidadão consegue viver seu passado sem deixar isso atrapalhar seu futuro?

Tanto Helen quanto Francis e seus colegas de bebedeira nunca tiveram essa oportunidade, fadados a sarjeta, a não saber aonde dormir na noite seguinte. Fantasmas vivos esperando a hora do último drink, do último prazer, já que nada mais consegue o mesmo efeito no mundo. Nesse afogar das mágoas e na impossibilidade total de se encarar o hoje e fazer algo de produtivo com ele, Ironweed representa a mais difícil das relações nostálgicas que Babenco já filmou, com zero glamour, zero resistência e zero esperanças guiando seus atores. Contudo, mesmo com um elenco de ponta, e um design de produção caprichado, o cineasta argentino radicalizado no Brasil fez um filme reflexivo, mas nada marcante, e até redundante para toda a filmografia de Babenco já baseada inteiramente nessas forças que movem os pretéritos latentes de cada um. Esse talvez seja o grande problema, aqui: Para um filme que cria e propõe asas para o passado, ele corre o grave risco de não conseguir decolar muito bem em nossa memória.

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Crítica | A Época da Inocência

21 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

daniel day lewis, Martin Scorsese, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder

O cinema pomposo e aristocrático de A Época da inocência não deixou tantas marcas no seu realizador, mas na nossa própria concepção sobre o seu talento. Ainda mais quando sabemos, de antemão, que o universo dele não é exatamente o mesmo cosmos de elegância e cascatas de white people problems que o vemos mergulhando sua maestria em prol de uma boa história adaptada de um livro de 1920, pronta então a ser narrada intrínseca e inseparavelmente às cadências de suas formas e elementos burgueses, históricos e orgulhosamente ingleses, dando vasão e embalando, assim e ao mesmo tempo, um cenário perfeito e basilar para um conto de amor no maior estilo Madame Bovary, acerca da desconstrução natural (ou talvez ante natural) do mais poderoso dos sentimentos universais. Algo trabalhado aqui na linha imperiosa e consciente de um legítimo “romance dos romances”.

Curiosidade: Certa vez, ao ser indagado sobre Barry Lyndon, o gênio Stanley Kubrick não foi tão categórico assim, e afirmou que o Cinema oferece uma oportunidade melhor que qualquer outra forma de arte no que se refere a apresentar e emoldurar um tema histórico, seja lá qual seja este. De fato, Kubrick proporcionou essa experiência com a máxima exatidão e inserção possível nos anos 70, uma década depois de Luchino Visconti ter definido a visão acerca das aristocracias europeias em um dos maiores e melhores filmes da humanidade: O Leopardo, de 1963. Assim sendo, uma vez que o diretor de O Iluminado não conseguiu superar sua encenação ultra planejada, tornando Barry Lyndon algo belíssimo e gelado, Visconti atingiu com perfeição diamantífera uma sensação palpável de como é pertencer a um mundo de intrigas inescrutáveis, dinheiro, poder e desconfiança fartos a influenciar todas as suas relações, orgulhos e preconceitos.

Cortando para década de 90, temos o famoso Martin Scorsese abandonado a selvageria urbana de Nova York, e aventurando-se em mares desconhecidos que tentou traduzir, e transmitir as suas verdades, do livro para a tela que esse já conhecia muito bem. O charmoso A Época da Inocência vale principalmente por isso, sendo mais uma aula de cinema hollywoodiano pelas mãos de Scorsese, constante e quase sem sobressaltos como não é de se esperar dele, mas desta vez com muito menos paixão e envolvimento genuíno por conta do nosso realizador, tentando nos convencer estar por dentro da pompa que cerca e compõe costumes majestosos, guiados por posições sociais e baseados por um luxo que atinge as arrais do existencial entre bailes, óperas e tardes ensolaradas treinando arco e flecha em parques ingleses de impecável graça aos bem nascidos.

Enquanto o bon-vivant Newland Archer (Daniel Day-Lewis, sempre atuando com os olhos) se divide entre a segurança de sua adorável e sentimental noiva May Welland (Wynona Rider, a Joyce de Stranger Things), e a possibilidade inocente e quase irresistível de um novo amor mais maduro e mais difícil, e que faz girar o seu mundo de ponta a cabeça, como bem simboliza a linda cena do ensaio fotográfico (que o próprio cineasta faz uma ponta, atuando como o fotógrafo), o filme se revela não um estudo de inserção, mas de observação de um universo que o observador não faz parte, mas anseia por decifrar, cena após cena, conflito após conflito, e que, sob a regência de Scorsese e suas ótimas atuações (em especial a de Rider), se tornam deliciosamente reais, fortes, e calcados num drama tão quente e envolvente quanto os olhos cândidos de Newland encontrando sua amante, beijando seus pés de seda. Mais um homem refém do proibido.

Eis um filme caprichado em sua estilização, e sem ser afetado por ela ao longo de suas duas horas, como é importante frisar. A Época da Inocência conta com um dos mais belos trabalhos de figurino e direção de arte dos anos 90, junto de Titanic e o asiático Adeus Minha Concubina. É incrível sentir toda a nobreza da história também através dos seus bordados, cenários e guarda-chuvas cor de rosa, meticulosamente elaborados num trabalho original notável até para o mais leigo e acrítico dos espectadores. Mesmo assim, nem a mais bela das alegorias escondem o desafio que foi para Scorsese trocar o sangue amargo dos seus Os Bons Companheiros, pelo chá e os pés de seda de finas damas europeias. Contudo, mesmo sem negar agir como mero observador de uma burguesia deveras distante, eis um filme seguro de si, e que ainda acha espaço para admirar também um estilo de vida que se perdeu no tempo, e que, como Kubrick afirmou, o Cinema consegue eternizar melhor que qualquer outra invenção humana até então.

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Resenha | Carte Blanche – Jeffery Deaver

19 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Literatura, Resenhas

007, Ian Fleming, james bond

“Não havia, entretanto, nenhuma suspeita no olhar. Bond estava certo que não havia sido reconhecido.” – Cap. 35, pág. 225.

Como resistir, mesmo após tanto tempo, em um mundo de paranoias galopantes e onipresentes que, a cada novo dia, ou ainda, a cada momento, traz consigo novas desconfianças sobre todos e acerca de tudo? Ian Fleming, o criador de James Bond, nunca quis tornar as coisas mais fácil e explicar a maneira certa para isso, muito menos Jeffery Deaver, o escritor que assumiu o bastão de narrar as aventuras do espião britânico no lugar de seu clássico comunicador, já que, entregando-nos a chave para sobreviver em meio a desconfiança geral e basilar da vida de um agente secreto do governo, parte do fascínio pela figura engravatada e que atira, investiga (e atrai mulheres) melhor que qualquer um poderia muito bem ir embora pelo ralo. O não-dito também tem seu valor.

Abraçando o previsível, as aventuras de 007 são regidas pelo mistério, e nele todas se banham, integrando parte essencial deste fator para não deixar os nossos olhos descolarem das páginas a fio, uma vez que a missão dos envolvidos nesse mundo (não tão fictício assim) da espionagem internacional envolve sobretudo proteger suas fronteiras por quaisquer meios necessários, como é bem enfatizado na trama deste Carte Blanche, obra que pode ser facilmente encarada como a porta de entrada elegante e surpreendente de Bond, James Bond, adentro ao séc. XXI e seus temas mais relevantes – globalização, perda da privacidade individual, expansão tecnológica, etc.

Deaver, de O Colecionador de Ossos, sucesso dos anos 90, mostra-se hábil na escrita e constrói um suspense que entretém sem perder sua sagacidade e complexidade em diversos momentos em que tudo não depende da ação, e sim de uma boa narração contemplativa aos fatos. Fazendo-nos refletir sobre a perda das liberdades para quem mais precisa dela, quando Bond, um homem comum, bem treinado e experiente em constante movimento, perde a carta branca que tinha do governo para agir na Inglaterra da maneira que melhor lhe convém, o autor adapta todos os temas atuais já mencionados para compor, ironicamente, o contexto de uma vida que depende de esconderijos, dedicação e muita discrição em plena era dos drones, e das câmeras de celular.

Acuado, mas sem deixar de trabalhar no que melhor sabe fazer, Bond começa a rastrear um acidente explosivo na Sérvia que absolutamente não parece ter sido em vão, culminando em sinais de uma muito provável conspiração terrorista na África do Sul, envolvendo homens poderosos e a necessidade do agente de fazer o que for preciso para desmantelar criminosos milionários e garantir mais uma vez a paz do Reino Unido – e do jeitinho que ele adora fazer, livre no mundo. Em Carte Blanche, tudo é interligado como se cada peça de um quebra-cabeça investigativo formasse a própria alma da globalização, sendo que esta é tratada na história como a peça central para se conseguir decifrar um planeta cheio de conflitos, desarmonia e segundos (e terceiros) interesses entre as nações.

Certamente, não resta dúvidas que a força da mitologia de Bond nos embalando numa aventura pé no chão, sempre em busca de autenticidade com o mundo real, é tão a prova de balas quanto sua sorte em tiroteios e perseguições de altíssima periculosidade – contando inclusive com a ajuda de aliados reais e desleais para escapar das situações mais irreversíveis. Canetas explosivas, carros luxuosos sendo destruídos, femme fatales e muitos jantares em finos restaurantes, tudo está devidamente encaixado aqui, mas Deaver, como o bom articulador que é, não se apoia em simbologias apelativas em busca de reconhecimento imediato, e deixa a história fluir como se deve num legítimo conto de 300 páginas sobre o mais popular dos agentes secretos (?!).

Um romance equilibrado, em última instância, entre o seu dever de ser um best-seller e a possibilidade de ser mais que um mero suspense contemporâneo com a criação de Fleming habitando suas páginas. Contudo, há pouco em Carte Blanche de realmente memorável, em meio ao prazer de sua leitura fácil e descomplicada (para isso, também há um glossário com o significados das siglas das agências de segurança referidas na trama, algo bastante útil aos leitores mais curiosos). Justiça seja feita: ler Bond é sempre melhor que assistir Bond, por melhor que seja a trilha sonora de Monty Norman criada para uma Hollywood que se vende fácil para a ação, e pouca importância concede ao que realmente importa nesse mundo nada glamoroso das grandes paranoias governamentais: a paz.

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Crítica | Obrigado Por Fumar

19 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Aaron Eckhart, Jason Reitman, Maria Bello

Obrigado por Fumar é um exercício de ironização e despersonalização de um grave problema que mata, em média, mais de 480 mil americanos por ano, segundo institutos de pesquisa dos EUA – no Brasil, o número é de 200 mil óbitos anuais, de acordo com o Inca. Tentando transmitir a mesma jocosidade de um anúncio de hospital que nos informa, com um cigarrinho falante e feliz: “Hoje você me acende, amanhã eu te apago”, Jason Reitman dialoga a contradição que habita um exemplar pai de família, que ama seu filho mais que a si próprio, e cuja vida consiste em persuadir todos ao seu redor às garras de um vício tabagista sem volta para muitos – ou melhor, a maioria.

Um aproveitador capitalista nato e incorrigível como também são os grandes economistas e vendedores de hipotecas em tempos de crise, mas há algo de mais perverso ainda quando se vende uma dependência química em troca de sucesso profissional, ou bem-estar com o chefe ignorante. Para Reitman, o cineasta dos americanos comuns, sendo um diretor difícil de imaginar para comandar grandes projetos voltados ao mainstream universal que só dá de comer as bilheterias para ver grandes espetáculos, a ironia está na noção de que a América (e um mundo dominado pela cultura americana) é um grande shopping center, e essa é a única justificativa necessária para se vender de absolutamente tudo, etiquetando também o preço da alma das pessoas; qualquer uma.

Não que a alma dum cara como Nick Taylor vale alguma coisa, ou já tenha valido, sendo ele o porta-voz de uma companhia que conta com sua lábia para administrar mais e mais dependentes bastante lucrativos – um ciclo de carência que só para de render moedas quando a mão no caixão fica imóvel. Para Nick, as pessoas são instrumentos de consumo, em todas as formas aliás, e a vitrine precisa ser sempre irresistível para atrair moscas à luz. O eterno Harvey Dent de O Cavaleiro das Trevas, o ator Aaron Eckhart, encarna com cinismo e hipocrisia propositalmente irritantes um homem que vende a morte, e sabe disso, e nem por isso parece querer alterar o seu caminho um centímetro sequer – na cena do restaurante com Katie Holmes, entendemos bem o porquê.

Forjado em oportunismo e alimentado por uma auto-irreverência que conquista compradores durante o dia, e lindas jornalistas no final da noite, Nick é o típico executivo americano que sabe dos malefícios da Coca-Cola, e mesmo assim vende felicidade ao invés de um líquido preto borbulhante. Não obstante, Jason Reitman reconhece os malefícios que moram em seu país em um único homem branco, resumindo-os com diálogos fracos em uma figura limpa de terno e gravata e que jura ter um coração, mas que só bate por seu filho e olhe lá. Eis um filme então sobre uma grande mentira, mas que não consegue esconder ser outra – Reitman fez dois filmes realmente relevantes no currículo: Juno e Amor sem Escalas, e mesmo assim são títulos que dividem uma boa parte da crítica especializada, e com certa razão.

Pouco expressivo na sua visão, e encenação das suas obras, lembro bem da cara do jovem diretor quando perdeu o Oscar em 2010, ficando à míngua (talvez porque a Academia lembrou dessa paródia boba de O Informante, filmaço de verdade sobre a indústria do tabagismo). Obrigado Por Fumar é vazio, qualificando-se com orgulho como uma comédia de humor negro enquanto se afasta do que realmente importa sobre o tema complicado que satiriza, tentando extrair graça da desgraça mas com pouquíssimo sinal de êxito legítimo. Paga e assume o preço pela seriedade do que tenta tornar divertido, e nada além disso.

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Crítica | O Amante Duplo

15 de outubro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Cinema Francês, François Ozon

François Ozon, agora em seu décimo sétimo filme em vinte anos de carreira, é um grande observador francês incorrigível da vida cotidiana dos seres humanos, deixados a mercê de suas relações sempre conflitantes, e por vezes, como mais interessa ao Cinema e a outras expressões, catastróficas. Voyeur assumido, seus dramas são sempre uma ode à observação elegante e bem calculada, orquestrada sem pompa mas com um requinte rítmico e essencial que nem mesmo quem assiste as suas crias sabe explicar parte daquele charme e a sensação de análise existencial que fez seu melhor filme, O Tempo Que Resta, alçar Ozon a um merecido reconhecimento, festivais mundo agora.

Agora, sob o pretexto de Chloé (Marine Vacth), uma jovem moça cujos problemas psiquiátricos, que podem estar ocasionando dores em seu ventre, a levam a conhecer um psicanalista e se envolver muito, mas muito mais que na mera esfera profissional do contato entre ela, e ele, homem sereno e sensato em seu consultório, Ozon reflete com a calmaria e o equilíbrio de um mestre sobre a verdade que pode existir (ou não) entre duas ou mais pessoas recém conhecidas num contexto urbano. Bom ouvinte e observador tal qual o cineasta francês, o doutor Paul Meyer (Jérémie Renier) tampouco se apressa a deixar sua máscara cair, e aos poucos também desnuda sua personalidade a frágil moça de olhos de esmeralda, e rosto de boneca.

É delicioso acompanhar Ozon usando e abusando de técnicas de montagem e fotografia que nunca perdem seu requinte, mesmo num simples ambiente como um consultório, um museu ou um apartamento lavados por uma luz ambiente rotineira, sendo um tanto exagerado (ou melhor: apaixonado) nesse compromisso narrativo com o espectador, ainda que persista a manter nosso interesse pela imagem de forma invejável inclusive para outros cineastas franceses, como o irritante Xavier Dolan, criador de caricaturas desarmoniosas e de péssimo gosto das suas próprias ideias imaturas – e não tem nada demais nisso quando se tem um bom diretor no comando de uma alegoria, seja ela aquilo que a mesma acabe por ser.

No caso deste O Amante Duplo, há muito a se admirar para quem não conhece o trabalho de Ozon, e também para quem já segue os bons filmes contemporâneos do cara, como o ótimo Dentro de Casa, de 2012, e o simpático Potiche, de 2015, filme este com Catherine Deneuve, nossa eterna bela da tarde. Como um estudo de personagem, todavia, eis aqui um filme de 2017 ainda mais inescrupuloso que os já mencionados no que se refere a sexualidade humana, um tema aqui usado para enlaçar um universo de puros desabafos, memórias, meias verdades e manipulação, enfim, que só o gato negro de olhos laranja de Paul parece ver, nitidamente.

Os rostos falam mais que mãos e pés, como já pregava Eduardo Coutinho em suas entrevistas antes da morte, e aqui, o semblante do psicanalista Paul encarando a meiga Chloé, como no embate entre corpos nus na sala de estar já evidencia, cada vez mais remete a alma misteriosa de um De Olhos Bem Fechados, clássico sombrio de Stanley Kubrick, uma vez que o sexo nesse universo de caos crescente não deve ser negado, irrompendo como uma força bruta e recíproca da natureza numa modernidade de cores frias, feito flor colorida no asfalto duro. A mente humana é tanto uma armadilha quanto uma arma, tal qual tantas relações iniciadas e acabadas no caos ruminado por dois.

Típico thriller de cortinas fechadas e dizeres por dizer, sussurrados senão através de intenções sexuais no desdobramento alucinante de um jogo eletrizante de perseguição, e paranoia, O Amante Duplo confirma com firmeza e prazer retóricos François Ozon como um realizador muito subestimado pela grande fatia do público que, a cada filme do francês, ganha uma nova chance de apreciá-lo aonde se deve: no escuro duma sala de cinema, até que as imagens que a fazem viver deixem de ser projetadas, e sua tela, novamente sem movimento, seja, por fim, “estilhaçada”.

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Crítica | Boa Noite e Boa Sorte

30 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Filmes Políticos, George Clooney, jeff daniels, Matt Ross, Patricia Clarkson, Robert Downey Jr.

Vamos lá: Em Embriaguez do Sucesso, soberba película de 1957, nós acompanhamos uma trama aparentemente simples: dois homens de negócios no coliseu da fama, um lutando para retornar ao topo dos tabloides, enquanto o outro ousa não cair no nível do primeiro; uma roleta-russa filmada com enorme precisão, com alguns dos mais retumbantes diálogos que um roteiro já expressou – fato. Não é à toa, e não só por isso, que a estrutura básica d’outro clássico mais recente, O Informante, com Al Pacino e Russel Crowe, remete a isso, sendo mais sólida que concreto no sol de quarenta graus.

Isso porque em 1999, o cineasta Michael Mann captou o cheiro fétido e o sabor azedo de uma história midiática através não só de imagens, mas da relação entre elas, como se nossos olhos degustassem e sentissem o poder que existe na transição entre películas. Em parte por conta da classe provada na condução do diretor, afinal a potência do conjunto redondo da obra é magistral. O Informante, tal qual Embriaguez do Sucesso, é uma aula fílmica moderna de peso e com pouca rivalidade dada a maestria na qual ambos se amparam. E agora, vamos ao real norte desta crítica, em questão.

Mas não se enganem: Boa Noite e Boa Sorte, de George Clooney, é um wanna be movie; filmes que querem ser o que as influências fazem-nos querer ser. Tal um homem de estatura média subindo na cabeça dos gigantes do passado, em busca da visão do Eldorado, Clooney se dá por satisfeito nessa empreitada vertical e assim realizou, em 2005, um thriller político todo sério, breve e nada memorável com uma história muito boa, sobre a moral do jornalismo posta à prova, e a pressão que os guardiões das notícias na televisão sofrem quando essa é eclipsada por interesses além da básica responsabilidade social que a profissão carrega, com orgulho.

Informação é poder, por todo o sempre, e esse bom roteiro original nos transmite esse imperialismo pela boca dos atores (esplêndidos, em cena, e esse parece o êxito verdadeiro de Clooney na direção: extrair ótimas atuações dos homens e mulheres que manipula na tela), deixando transparecer o jogo de prudência e a falta dela na conduta pela veracidade das notícias na rede CBS, em plenos anos cinquenta. O ator, sentado na cadeira de cineasta, quer tecer uma ode à influência da televisão na sociedade, mas não parece sentir direito para onde a história deve fluir pra alcançar isso, e de close em close, na mais absoluta confiança no seu elenco de peso, deixa o filme acontecer.

No contexto de 2018, pode-se perceber o quanto Boa Noite e Boa Sorte remete a esses idos brasileiros do “Vai pra Cuba”, antipetismo e paneladas da classe-média alta, já que, segundo a experiência do veterano repórter e âncora de telejornal Edward R. Murrow (David Strathaim), e a dos seus companheiros de luta, o público está sempre à mercê do incomensurável poder da mídia (mesmo na época de mídias digitais), e nem sempre deve ouvir só aquilo que deseja. Dessa forma, caso a época demande alguns debates históricos contra acusações infundadas de políticos intoxicando a opinião popular, é exatamente isso o que um jornalismo sério deve fazer: Investigar, discutir e elucidar os fatos. Custe o que custar.

Se de posse de uma premissa tão forte, acerca de um jornalismo que digladia contra verdades repletas de intolerância política, e com atores em ponto de bala encenando mil conflitos entre si, por que a sensação é de distanciamento e superficialidade? Nota-se, respondendo a isso, que Clooney é um estrategista contemporâneo do tipo Christopher Nolan, que não consegue pensar no filme todo, mas em artimanha atrás de artimanha até chegar ao fim. E mesmo sendo muito melhor com atores que Nolan, Clooney não extrai (ironicamente) veracidade de um universo que aqui chega as vias do perturbador e do sinistro, tamanha a dificuldade que pode surgir a um repórter que não concorda em veicular o veneno da injustiça.

Para o filme, o ator/diretor emprega todo o seu charme natural de galã para as cenas em geral, tornando sua alegoria do começo ao fim um verdadeiro desfile de elegância que nunca desce do salto, mesmo em sequências mais fortes – para isso, conta com uma câmera tremida bem incômoda. Já o roteiro, enquanto a benção que é, garante momentos que dificilmente poderiam ser estragados por um cineasta, como toda a vez que Strathaim, em atuação impressionante, discursa para a câmera, duro e moralmente inquebrável como um jornalista incorruptível no auge da profissão, delegando ao seu público o seu “boa noite”, mas antes a verdade e nada mais do que isso. Na memória, ficam sobretudo essas cenas, muito mais que a obra por inteiro.

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Crítica | Cabo do Medo

29 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Juliette Lewis, Martin Scorsese, nick nolte, Robert De Niro, robert mitchum

Remakes são um perigo. A probabilidade de atacar o material original é gigante, mas ninguém melhor que o cara que produziu o melhor remake dos anos 2000 (Os Infiltrados, pra quem tinha dúvida de qual seria) para, no auge da fama e glória que conquistou após tantos clássicos dos anos 70 e 80, rodar em 1991 a trajetória sangrenta de Max, um assassino implacável que volta da prisão para infernizar, quase que literalmente, a vida da família do advogado Sam, homem honesto mas que o faz passar 14 anos enjaulado após perder o seu caso no júri.

O psicopata interpretado por Robert De Niro volta com tudo, sangue nos olhos e faca na boca, e levando até as últimas consequências dos seus atos, Max coloca Sam, esposa e filha numa espiral (isso sim, literalmente falando) de tormentos físicos e psicológicos que para sempre vão estar no DNA daquela família. Mas Cabo do Medo vai além de bons sustos e uma direção forte em torno de uma história de vingança; eu diria, muito além disso.

Estamos falando sobre a exploração bem-vinda, construtiva e talhada de um gênero, um tanto desgastado nos anos 90 e revivido em especial pelo sucesso de O Sexto Sentido, de M. Night Shyamalan. Martin Scorsese, o cineasta que nunca descansa tal qual sua famosa cidade de Nova York, revive elementos nesse remake de Círculo do Medo e recicla-os com maestria e força bem típica da sua visão, adotando na película a intensidade do assassino para traduzir, da maneira mais marcante e dramática possível o assombro que a família do advogado passa a viver, todos pagando pelo erro do pai.

Da mesma forma como Max brinca com a filha de Sam, manipulando-a num jogo de sedução e pedofilia subjetiva, Scorsese nos instiga sobre os próximos passos que o vilão irá tomar, imprevisível e visceral, bem no estilo ‘doe a quem doer’. Sem baldes de sangue ou mortes icônicas, há aqui a curiosidade de um detetive cinematográfico debruçado sobre as possibilidades que a boa e velha tensão agrega a uma história dessas, e Scorsese faz isso com um prazer gigantesco e um tesão pelo suspense irresistível – a cena do ursinho é melhor que o “universo” de Invocação do Mal inteiro.

Difícil lembrar de algum filme que o mestre de Touro Indomável ou Táxi Driver não tenha feito com toda a paixão e zelo do mundo pelo projeto, o que explica a barriga que suas histórias ganham, muitas vezes sendo mais longas que o necessário, mas se fosse para escolher algum entre tantos, o parente de Cabo do Medo poderia ganhar o título. A Ilha do Medo, com Leonardo DiCaprio, é quase tudo o que esse ótimo filme dos anos 90 nunca foi projetado para ser, felizmente: apático, distante, e portador duma atmosfera tão frágil que, se soprar, estilhaça.

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Resenha | Saco de Ossos – Stephen King

28 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Literatura, Resenhas

literatura de terror, Stephen King, suma de letras

Stephen King é o tipo de escritor que cria histórias completas, de cabo a rabo. O gosto ao terminar um dos seus romances, pelo menos a maioria deles, é exatamente esse: algo deveras poderoso, amplo, e de que terminamos de acompanhar um longo conto onde tudo é extremamente bem amarrado, e todas as possibilidades foram jogadas na mesa de forma divertida, e desenvolvidas com a inteligência de quem escreve dramaticamente sobre o suspense, e o medo, com regularidades típicas. Algo bem perceptível nas diversas obras de King, hoje cultuado feito o mestre americano que merece, por fim, ser chamado.

Já eu costumo afirmar sem titubeio algum que O Caso de Charles Dexter, do deus H.P. Lovecraft, é o livro mais perturbador que pode habitar uma biblioteca, traduzindo em poucas páginas iniciais uma perturbação psicológica muito maior que obras-primas do Cinema como O Lamento, de 2016, tentam com afinco transmitir, e nem elas atingem o nível doentio que Lovecraft alcançou com seu texto soberbo, magistral como poucos. Ao que parece, a rápida leitura de Saco de Ossos, publicado pela Suma de Letras, chega perto desse desconforto e dessa tensão literária, e isso meu leitor, por si só, já lhe bastaria de sobra como um enorme elogio em prol de qualquer modernidade do mundo das letras.

A grosso modo, ou nem tanto assim, temos aqui um plot recorrente na obra de vários autores do gênero: um homem perde a mulher e não saber o que fazer da vida que lhe resta, com um cadáver ocupando sua mente numa rotina invariavelmente nostálgica. A dor que o escritor Mike Noonan ganha não tem parâmetros tangíveis, e esse é o elemento que rege boa parte do início das 380 páginas de um romance acerca do lugar que o passado aluga nas nossas vidas, por vezes até de forma definitiva. Destaque supremo aqui para como a história se divide bem entre o ontem, e as possibilidades do amanhã, num drama realista que respira no terreno do surreal, e exemplarmente equilibrado dentre suas potências, e ousadias.

Transtornado, fato é que Noonam começa ao longo dos anos a adentrar num grave bloqueio criativo para o desespero severo do seu agente literário, chegando ao ponto de recusar uma oferta milionária pois não conseguia achar motivação para a criação de mundos que tanto estruturou em seu Word 6.0 – como o livro gosta de destacar. Nisso, King parece oferecer com detalhes como é a sensação disso para alguém que carece de imaginação como um professor precisa de alunos, tendo no sobrenatural que brota pouco a pouco dos pesadelos de Mike a chave para um imaginar bastante perturbador, e que cruelmente se torna real. Estava na hora de procurar novos ares, uma nova casa.

Mas para Mike, o novo estava guardado e esperando por ele num porão de memórias semimortas. King nunca teve piedade dos seus personagens, pelo contrário, vide a pobre Carrie e a família Creed, de O Cemitério Maldito, contudo aqui há indícios de uma certa redenção por parte do masoquismo expresso pelo autor. O tormento aqui é oriundo de um pretérito tão desgraçado quanto o horror que habitava as covas de outrora – no caso, as águas que fazem margem à casa onde Mike retorna para morar, tentando reviver um ontem que, junto de novos problemas e paixões, o assombra, mas da forma mais diabólica e inglória possível até para o pensar de um homem que, como Oscar Wilde deve ter dito sobre os escritores, ensinou sua mente a se comportar muito mal.

O cenário do livro então se transporta para o de uma propriedade cujo lago é tão imundo quanto nosso saudoso rio Tietê, ainda que mais chocante por sua história, reputação e o que se esconde debaixo de sua tona. Cada um dos personagens é legítimo alimento para um suspense que cresce em terror até explodir num clímax elegante, e nada exagerado; imperial em seus sentidos mais eloquentes, enfim. A qualidade de Saco de Ossos, que começa fazendo referência a condição catatônica de Mike após o óbito de sua amada esposa, e que termina sendo literalmente uma metáfora sobre o sinistro lago Dark Score, é justamente o ritmo de sua narrativa, costurada em torno de seus eventos como poucas e com grande graça, e paciência. Isso porque Stephen King, que sempre reveste seus demônios com lágrimas e outros recursos, nunca tem pressa para nos surpreender, e aqui não poderia ser diferente de forma alguma.

Sem perder o ritmo constante pelo qual ganhou merecida notoriedade entre os tantos autores do gênero na modernidade dos títulos que são publicados todos os anos, suas palavras vão serpenteando episódio por episódio, dado por dado, tensão atrás de tensão rumo as verdades que Mike nem nós podemos suportar sem sentir o impacto que o destino traz a uma mente e um coração já desconstruído pelo temor noturno e soturno que um imprevisível amanhã pode trazer a quem só tem a perder sua vida, e ainda vê algum valor nesse difícil viver das dificuldades humanas, mas isso é pleonasmo… Saco de Ossos é definitivamente uma leitura acima da média, sob a alcunha de ser um exemplar honroso da nobre herança dos escritores de terror e suspense do passado.

Compre: Saco de Ossos – Stephen King.

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Crítica | Você Nunca Esteve Realmente Aqui

27 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

joaquin Phoenix, Lynne Ramsay

Precisamos falar sobre influências, e o quanto filmes como Drive moldam uma década no Cinema – sem força, a princípio, para ir além de um espaço decenário desses. A estilização da violência urbana que Nicolas Winding Refn emprega em seus filmes-artifício foi bonita e divertida demais em 2011 para ser despercebida e desperdiçada pela indústria sedenta por qualquer (qualquer) sinal de ponto de vista minimamente diferente. Qualquer naturalismo por um momento pareceu superado por uma linguagem de videoclipe hipnótica, feita para vender trailers e para os GIFs da internet. Sete anos depois, sobrou só seus admiradores, adoradores de um cineasta que estiliza a base de neon e sangue um nada existencial de proporções abissais, uma vez que Refn é atirador de um tiro só, feito a roteirista Diablo Cody e seu Juno, no “distante” 2007.

Dez anos depois, Lynne Ramsay, a diretora que narrou a psicologia da psicopatia juvenil em Precisamos Falar Sobre Kevin, filme hoje cultuado e desprezado anos atrás nas premiações volta para falar sobre a violência que habita o oculto das cidades e seus habitantes. Não por trás dos olhos de um garoto bem criado que resolve entrar numa escola com uma metralhadora, e sem apostar numa estilização recompensadora e fácil, mas pelos passos de Joe, um homem simples que mora com a mãe – um ótimo filho e que quando não a está ajudando a tomar banho e se deitar, ganha a vida sendo contratado para salvar garotas presas em cativeiros imundos, escravas sexuais que tem seu calvário terminado pelas mãos de Joe; um fantasma, uma sombra que, nessa altura do campeonato, precisa manter sua existência em segredo para proteger o seu único elo emocional, sempre de camisolas.

Você Nunca Esteve Realmente Aqui pegou de assalto o festival de Cannes com duas coisas: primeiro pela força da história e os rumos que o roteiro de Ramsay toma a partir de sua segunda metade, achando na violência que baseia e começa a exalar dos caminhos de Joe um ninho perfeito para observar, e propor reflexão acerca da influência de um homem na vida de pessoas totalmente alheias a ele que, devido suas condições de abuso, jamais o agradecem por sua salvação tão inglória. E segundo por Joaquin Phoenix, o que mais seria? Aqui, e sempre imerso nos seus papéis, o ator encarna um anti-herói de aluguel da forma visceral de sempre, sem medo de cogitar chegar nos limites de uma atuação, o famoso overacting, em cenas pesadíssimas por vezes embaladas por uma bela trilha-sonora que desafiam tanto os nervos do ator, quanto os do seu espectador.

Nunca acreditamos na salvação de Joe pois o passado o condena sem piedade, traumatizando-o e corroendo sua sanidade mental num nível absurdo de auto flagelação, sendo que as vezes nem é possível cobrá-lo, ou exterminá-lo – lembremos aqui da cena do quarto, quando o choro do justiceiro é enorme e ecoa em suas paredes. Temos aqui, portanto, um estudo de personagem intenso e dos mais resumidos acerca de seu potencial, ainda que de boa forma, sendo objetivo até não poder mais. Tudo o que importa, mirando alguma posteridade aqui, é que Hollywood finalmente está percebendo o vasto potencial de Phoenix em papéis mais dark, tal esse caçador de recompensas bem ao estilo Travis Bickle, de Taxi Driver. Um dos melhores momentos do ator; é dele o filme.

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10 Grandes Filmes do Cinema LGBTQ+

24 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Artigos, Cinema

Abdellatif Kechiche, Barry Jenkins, cinema lgbt, nicholas ray, Pedro Almodovar, todd haynes, Vincente Minnelli

“Eles nunca terminam em final feliz.”, é o que mais se ouve dessa temática que quando atinge o interesse do grande público, como no caso de Azul é a Cor Mais Quente, não pela qualidade do filme mas pela polêmica que provocou no festival de Cannes, em 2013, é algo bem raro. Os festivais o adoram, mas o cinema mainstream tem medo dele, sempre procurando a segurança de um beijo hétero para garantir uma ampla identificação lucrativa. Mas no cinema também há espaço para a figura lésbica, gay, bissexual, transexual, queer, ontem e hoje, a favor da representação e da visibilidade de quem foge dos padrões normativos. Talvez, um dia, um blockbuster com uma super-heroína drag queen alcance um bilhão nas bilheterias, e enquanto isso não vira realidade, por isso, o Vortex Cultural separou dez títulos para (re)assistirmos e celebrar a diversidade.

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Juventude Transviada (Nicholas Ray, 1955)

O melhor filme LGBTQ+ sem ser um filme LGBTQ+. A relação de Jim Stark (a lenda James Dean) com o garoto John, interpretado por Sal Mineo, invoca um sentido dúbio que, se não claramente romântico, é ultra sugestivo a algo a mais que uma amizade masculina. Dos olhares ás intenções no filme do mestre Nicholas Ray (“Posso ficar na sua casa hoje, Jim?”), o clássico que usa as cores e o brilho do cinemascope de forma revolucionária evita a todo custo ser o Brokeback Mountain de meio século atrás, mas para bom entendedor, meia intenção já basta.

Chá e Simpatia (Vincente Minnelli, 1956)

Retrato do que era o bullying nos anos 50 antes de ser chamado de bullying, quando um jovem de classe média enfrenta todo tipo de dificuldade por fugir dos arquétipos padrões; por sua sexualidade cada vez mais aparente e controversa a dos seus “amigos” da escola, contando assim com o apoio de uma mulher mais velha e que acaba mudando sua vida. Apesar do absurdo final heteronormativo ao contexto mais ousado da história, Chá e Simpatia representa com perfeição, muita sutileza e um tanto além do seu tempo o quão difícil é ser diferente, ao invés de se tentar ser diferente, como ainda se julga, em uma sociedade intolerante.

Tabu (Nagisa Oshima, 1999)

Dois samurais, símbolos da masculinidade (seja lá o que isso quer dizer), interessados cada vez mais um pelo outro a cada cena que passa. A sabedoria do grande cineasta japonês Nagisa Oshima pode ser medida em pequenos detalhes conforme o tempo avança, como na tensão sexual metaforizada pela câmera tremida, nas reviravoltas e no suspense geral que verte dessa tensão que domina as cores, movimento e o ritmo da produção, como um todo. Um dos grandes romances da década de noventa.

Má Educação (Pedro Almodóvar, 2004)

No drama em torno de dois meninos separados na infância pela igreja católica, e no seu reencontro a partir de circunstâncias completamente diferentes na vida adulta, a narrativa que Pedro Almodóvar cria ao redor dos fatos verídicos e às vezes enganosos dessa história de reconciliação, e interesses dos mais variados é fantástica, fluindo um delicioso e instigante clima de imprevisibilidade, e mistério. Um filme corajoso por sua temática e inteligente na sua condução, possivelmente sendo o melhor do realizador espanhol.

Mal dos Trópicos (Apichatpong Weerasethakul, 2004)

O homem entregue sem limites para o desconhecido dos seus instintos. Para onde isso nos levaria num cenário propício e inconsequente para isso? Mal dos Trópicos é uma odisseia por essa possibilidade com o foco na atração passional entre dois filipinos, jovens e encarando com a maior naturalidade do mundo a sua paixão mútua, culminando na surrealista metamorfose de um deles em um animal e deixando a natureza decidir por eles o que é certo, e o que é errado. Clássico contemporâneo do impronunciável diretor asiático Apichatpong Weerasethakul. Eu falei.

Como Diz a Bíblia (Daniel G. Karslake, 2007)

O documentário que melhor explora no Cinema os dois lados da mesma moeda: O atacado e quem ataca, e o que melhor deixa claro o quanto esses dois valores se “enfrentam” com medo mútuo, além ou aquém do respeito pela humanidade do próximo. Surfando através de momentos e depoimentos emocionantes a respeito de igualdade, conservadorismo, liberdade, ignorância, respeito, família e aceitação, se muitos acham os filmes de Michael Moore grandes exercícios de investigação, Como Diz a Bíblia por pouco não os faz parecer amadores. Algo intensamente verdadeiro, provocador, reflexivo, chocante às vezes e sempre honesto.

Além da Fronteira (Michael Mayer, 2012)

Entre Romeu e Julieta havia um conflito, e entre Nimer e Roy também. Dois amantes separados por um impasse ideológico praticamente inextrincável – um é palestino, o outro israelense. Ambos tentando se enganar e viver da melhor forma possível o que sentem, à medida que a realidade que existe entre as fronteiras começa a cobrar um preço mais do que alto. O desafio era grande, e o drama é invariavelmente pesado para nos fazer sentir pelo menos 1% da dificuldade da situação. Diferente de todos os títulos dessa lista, Além da Fronteira nos lembra que não há amor sem as suas doses de dor, e sacrifício. Não neste mundo.

Azul é a Cor Mais Quente (Abdellatif Kechiche, 2013)

A partir de um encontro desencontrado de Adéle com Emma numa faixa de pedestres movimentada de Paris, o filme sela dois compromissos com a gente, um simples e um nada fácil: Responder a razão da cor da maioria das calças jeans no mundo merecer ser admirada (e desejada) como a mais efervescente que há, e como as paixões adolescentes podem ser adaptadas para o Cinema com toda a potência que elas nascem e porventura se mantém, e de uma forma ainda nunca vista até então, com o universo explodindo para isso em prazer, risos, lágrimas e matizes de ciano até o fim.

Carol (Todd Haynes, 2015)

Eleito o melhor filme LGBTQ+ pelo Instituto Britânico de Cinema, em 2015, Carol é uma grande homenagem aos grandes romances do passado, atemporais, revitalizados aqui por duas divas da Hollywood atual, Cate Blanchett e Rooney Mara, e pela visão magnifica do diretor Todd Haynes, sempre esnobado pelo Oscar. Defendendo a ideia de que arte é amor, e que amor é arte, e um não existe sem o outro, Haynes conjurou um filme-poesia numa das mais respeitosas obras cinematográficas desse século.

Moonlight: Sob a Luz do Luar (Barry Jenkins, 2016)

A jornada de Chiron, negro, pobre e gay pelas fases da sua vida dura é um triunfo semi obtido de tornar Cinema, por simples gestos minimalistas ou olhares de sensibilidade abismal, inúmeras noções e verdades inconvenientes ironicamente minoritárias dentro do que a sociedade já inferioriza, ou ignora. Moonlight é silencioso e todo contido em si, não poderia deixar de ser, e carrega consigo um gosto muito bom de ineditismo e de sucesso representativo oriundos de um autor tão novato, quanto Barry Jenkins.

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Crítica | Um Dia Para Viver

19 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Ethan Hawke

Não se enganem: Quando Hollywood quer ser original, ela é. Inventa novas regras, reinventa expectativas, acha novos talentos dentro e fora da indústria americana, enfim, ela se vira. Como bem falava o finado educador brasileiro Rubem Alves, ‘ostra feliz não produz pérola’. É preciso algum impulso para querer o novo em meio ao comodismo das fórmulas de sempre, mesmo num gênero tão carente de renovação como o da ação, cada vez mais dividida entre o fiscalizar dos seus elementos, como no caso dos filmes recentes do John Wick, e a plasticidade tecnológica que diretores como Zack Snyder e J.J. Abrams tanto se apoiam para explorar seus mundos de aventuras exageradas.

O negócio aqui, contudo, é pé no chão e ação física mesmo. Um Dia Para Viver jorra testosterona até no olho do gato, abusando de mil golpes entre machos, emboscadas violentas, reviravoltas inesperadas e fajutas e outros arquétipos clássicos de qualquer filme do Super Cine com Van Damme, ou Stallone. A diferença, aqui? Nenhuma, sendo a reciclagem que é, a não ser pelo mergulho frenético que o ex-coordenador de dublês, Brian Smrz, aqui bancando o cineasta, nos proporciona dentro da ação desmedida e um tanto bem coreografada (é Hollywood, não Coréia do Sul) no desenrolar minimamente dramático das loucas horas de Travis Conrad, um ex-assassino mercenário que, sendo finalmente capturado e “morto” em missão, é revivido por ter informações valiosas demais para ir embora com elas.

“Você é uma arma dos infernos”, diz o chefe da organização que o traz de volta dos mortos só para despachá-lo em seguida, sem saber que ele e seu exército de capangas iriam penar para exterminar o mais novo zumbi do mundo do crime. No seu pulso, brilha sob a pele a contagem regressiva para a droga parar de fazer efeito, e suas 24 horas de fuga e corre-corre entre contêineres, e prédios lotados de homens letais é o que vamos acompanhando. Só que Brian Smrz não é Paul Greengrass, e na tentativa de “enxugar” a trama para deixá-la o mais simples possível e poder entrar de cabeça na ação brutal e sanguinolenta, também é enxugado parte do nosso interesse pelo dia mais longo da “vida” de Travis, num filme que significativamente quer dizer muito pouco, e no fim, apenas entreter.

Ethan Hawke, quando não está brigando com a esposa nos filmes de Richard Linklater é uma boa figura do gênero, e convence sendo o casca-grossa com sangue nos olhos, e que atira com uma mão só. É fácil, todavia, dizer que seu Travis Conrad é uma inspiração direta do John Wick de Keanu Reeves, mas há mais comparações plausíveis com o Travis Bickle de Robert de Niro, do clássico Taxi Driver, que ao matador de aluguel vingativo e apaixonado por cachorros. Ambos os Travis, cujo nome em comum não é uma coincidência, são homens absolutamente sem futuro, amargurados até o talo, intimamente ligados aos seus ambientes mas que ainda têm alguém, alguma pessoa no mundo para lutar e enxergar algum resquício de felicidade; um resto sequer de esperança.

Isso porque o Travis de Hawke tem um filho, e se é ele o que motiva o assassino a não aceitar sua morte até o fim das 24 horas que lhe restam, é também a presença do garoto o grande calcanhar de Aquiles desse Um Dia Para Viver. Esperamos então que Brian, dirigindo emoções reais e não apenas piruetas de dublês, não aposte tanto no drama familiar no seu próximo filme, já que o cara não tem a mínima ideia de como filmar uma lágrima, sendo perito nas cenas de lutas e tiroteios, resultando num filme desequilibrado e tão frenético que se perde entre suas intenções primárias, e o entretenimento que bastava por si só no começo, de repente fica chato (também por conta da montagem ruim), e logo queremos que as 24 horas dele acabem rápido. Mas não se enganem, mais uma vez: O verdadeiro John Wick ia chutar o traseiro desse Travis fácil, fácil.

https://www.youtube.com/watch?v=erPdfUY-cf8

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Resenha | Memória do Fogo – Vol. 3: O Século do Vento

11 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

America Latina, Eduardo Galeano, l&pm

O mundo não acabou! Continuou, tipo pedra roliça ocupando dois planos diferentes, para cima, para baixo… Talvez os que viram e lembram-se da virada dos anos 2000 atinam-se ao sentimento de mudança e revolução coletiva que um momento como esse pode causar. Novos ventos para as mesmas cortinas de sempre. A tecnologia não mudou o ser humano, e a parte latina das Américas continua a ser o mesmo ‘arquipélago de pátrias’ submetidas a um poder maior. Chove para baixo, e a cultura latino-americana tenta fazer da chuva uma garoa que não nos molha demais. Mas é difícil, já que os irmãos Wright tiveram mais publicidade que Santos Dumont para serem eleitos os “verdadeiros” pais da aviação. Eis um livro desbravador das verdades de ontem e que não tem medo de ser honesto, e que faz esse ontem parecer o hoje, dada a delícia de uma prosa que ostenta, em ágeis trezentas páginas, uma pura condensação histórica.

O século XX foi um cenário tanto para incríveis ineditismos quanto para continuações de todo modo, e o escritor Eduardo Galeano teve todo o cuidado do mundo para expressar isso em forma de relatos que formam um mural de eventos tão determinantes, quanto fascinantes para qualquer curioso incurável sobre as engrenagens ancestrais de quem fez e faz o mundo. Presos na nossa ainda recente memória, os resquícios da ditadura militar no Brasil ainda não sumiram por completo, junto da poeira de Hiroshima, lá longe, e são nessas páginas que nós podemos sentir os porquês de tudo isso. Como o foco é a nossa área, cheia de sotaques espanhóis e portugueses, tudo parece mais resumido, ou melhor, encapsulado em um único continente que ao longo do tempo, foi sendo ensinado, desde sua colonização europeia, a se sentir impotente, rebaixado, e a alto degradar os seus próprios valores únicos, em contraponto da velha nobreza que vem lá de cima.

E é claro que a partir da década de 40, com o grande desenvolver e implantação da segunda guerra, o episódio merece um parágrafo a parte com a visão sul-americana dando o tom não das causas e das consequências do conflito, mas do que nutriu grande parte do arsenal bélico dos EUA. Servimos aos irmãos do norte como a mãe que cede utensílios ao filho que vai morar sozinho. Neste caso, mandando até peões (soldados), comida e matéria prima barata, e valiosa. Pagamos parte da conta do espetáculo mundial pelo poder, mas não necessariamente rachamos a conta, certo? Nossa consideração por isso vem justamente pelo Cinema, pelos papéis amigáveis e engraçadinhos que os latinos faziam nas aventuras norte-americanas em Hollywood, e foi essa a real gratidão deles com a gente: Latinos são nossos amigos, e os japoneses, os amarelos, o próprio diabo a ser combatido.

Hollywood assim começou a testar seu imenso soft-power, vendendo ilusões para desviar o inferno que os jornais denunciavam, até culminar, através da maioria da sua publicidade tipo exportação, nos blockbusters que nos divertem, de Tubarão aos filmes da Marvel, reforçando os valores, os ideais e as perspectivas socioculturais deles. Tudo foi pensado, e a América Latina sempre foi o mais dócil dos quintais. Os primos pobres e que ainda assim merecem mais atenção que os países africanos que nada aos primos ricos nunca tiveram a oferecer, além de alguns diamantes sujos de lama, é claro, e a certeza de serem animais inferiores para os políticos, ditadores aqui e ali, e os midiáticos homens brancos que excitaram (e excitam) o ódio para manter sua soberania, de geração em geração, envernizando tudo para que os tempos e as novas tecnologias não mudem seus custosos poderes.

O Século do Vento ilustra cem anos aonde os problemas mais profundos da humanidade, como a intolerância por exemplo, expandiram sua escala ao invés de começarem a sumir, rumo a um novo milênio. Longe de típicos pessimismos, ou de um realismo duro e cruel, Galeano continua a prática que já refinou nos dois outros volumes dessa trilogia Memória do Fogo, que como já foi citado anteriormente na crítica de As Caras e as Máscaras, são memórias cujo ardor é tão enraizado e marcante que não nos deixa esquecê-las. Galeano sabia disso, e num trabalho hercúleo, compilou bases documentadas e fez juntar inúmeros trechos imprescindíveis sobre a história que, se tanto moldou o mundo, também afetou por inteiro as trajetórias de uma América sempre eclipsada e subestimada pelo país que se auto intitula a América inteira, e com letra maiúscula.

Havia começado então o século do poder do Mickey Mouse sobre o Zé Carioca, o Goku, e qualquer outro símbolo estrangeiro. Eles são o espetáculo, e todos devem assistir, contudo, nem tudo entre 1900 e 1999 foram Eles. Entre grandes personalidades que adiantaram e atrasaram o mundo, e as invasões de território, entre índios contra índios e países versus grandes nações que, ao invés de se juntarem para exterminar a fome e a guerra nesse globo ocupado por nossas lutas, o instinto de ambição e pura ganância dos seus comandantes engravatados fez criar suas bombas e leis internacionais, uma nova lógica se formou. A escravidão dos outros séculos persistiu de modo silencioso, agora, feito o encosto fantasmagórico que é, insuflando o brilhante discurso de Mártir Luther King no gramado que fez de palanque, enquanto no Brasil outro negro, Pelé, brilhava no palanque que fez de gramado, e também entrou para história das coisas.

Com O Século do Vento, que termina já na véspera da era (em construção) da pós-verdade e das tecnologias onipresentes, Galeano faz por merecer todos os louros de quaisquer leitores(as) por duas razões tão óbvias, quanto inquestionáveis: Seu foco em resumir um século inteiro sem perder o peso dos principais esplendores e vicissitudes do mesmo, e por não apelar nessa odisseia pelo tempo/espaço para a facilidade de um lamento, ou de um sentimentalismo fácil diante da crise de 1929, do holocausto, da chegada à Lua e de outros marcos inerentes aos idos que emoldura, páginas a fio e que chegam a alojar, brilhantemente bem, duas décadas a cabo de dois parágrafos rápidos, mas suficientes, a tanto. Seu interesse, perfeitamente ritmado numa leitura de um fôlego só, é estimular através da imparcialidade, feito um bom e velho jornalista prosaico, o espírito desbravador dos olhos que leem sua fabulosa trilogia literária; genuinamente épica.

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Crítica | Fahrenheit 451

8 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Cinema Francês, Distopia, Ray Bradbury

A adaptação do livro de Ray Bradbury pelo mestre François Truffaut é, no mínimo, estranha. Excêntrica como deveria ser, dada a natureza da história, mas estranha. Truffaut, que junto de Jean-Luc Godard são eternamente os sinônimos da nouvelle vague francesa, é um grande esteta da imagem; e de fato é, sendo suas obras muito mais longínquas que a reles existência do homem. O diretor produziu inúmeras obras-primas reverenciadas na história da sétima arte, entre as quais os inesquecíveis Atirem no Pianista, Os Incompreendidos e Jules e Jim se destacam fácil na trajetória do artista que revolucionou o Cinema, indo de crítico a cineasta; de analista, a operário. O exercício sempre o seduziu, como bem nos é exposto em livros sobre Truffaut, sempre tentando ir além da cartilha e do senso comum produzidos nas veredas hollywoodianas desde os tempos de Frank Capra, King Vidor e Charles Chaplin.

E quem não gosta de uma distopia, tipo Mad Max e O Livro de Eli (esse último sendo um sucesso inexplicável no Brasil desde seu lançamento, em 2010)? Brincando com o pessimismo como se o mesmo fosse inevitável de se alcançar, essa não-utopia vê no horizonte algo não tão brilhante para nós, enquanto humanidade e coletivo que somos. Sendo assim, poucas coisas tão bem simbolizam a decadência da sociedade como a queima de livros contra a informação, e a verdade, algo extremamente característico dos tempos ditatoriais na Europa e na América Latina nos séculos passados. É claro que muitas publicações merecem ser queimadas (ou melhor, não publicadas dada sua qualidade questionável), contudo se a verdade liberta, eis a verdadeira vontade do poder: atear fogo na raiz do problema, a 451 graus na escala fahrenheit de temperatura, tão usada nos EUA como o célsius é usado no Brasil.

E qual profissão é mais emblemática ao fogo para dar início a essa caça aos livros, fadados às cinzas ao invés de condenados às traças? Bombeiros, é claro, que devotos ao fogo e não mais as mangueiras que o combatem, atiram suas chamas às bibliotecas da mesma forma que João Dória atira água nos grafites de São Paulo. Truffaut observa o ridículo e o absurdo de situações como essas do começo, ao fim, e através das mensagens oriundas do ótimo livro de Bradbury transmite com seus atores e mise-en-scène um simples recado, ainda na década de 60, quando a TV já era uma realidade: a verdade deve ser combatida, omitida, perseguida e desencorajada. A toda hora, chamados são ouvidos no quartel dos vermelhos, e a toda hora, pessoas num parque público são revistadas por aqueles que as querem alienadas, presas a um controle onde tudo está bem, e qualquer pensamento mais ousado é contra a normalidade e merece ter a vergonha de ser subversivo, e sumariamente repreendido.

Chegando ao cúmulo de queimarem uma casa que, como numa infestação de ratos estava infestada de livros clássicos, e preciosos em demasia, é bem esperado aos espectadores mais experientes que surjam certos conflitos nessa trama de total repreensão ideológica institucionalizada bem contextuais a trama, como o agente público cada vez mais enlouquecido que ajuda a propagar, e que se relaciona com uma moça que enxerga o quão inacreditável tudo isso é, ou o bombeiro tão viciado em intimidar o povo, a ponto de fazer o mesmo com seus colegas, ou seja: conexões simples entre personagens e piamente desenvolvidas, aqui. Abraçando assim pela primeira vez na carreira o Cinema do entretenimento, quase que puro e simples, apesar das óbvias analogias alarmantes que uma distopia pode agregar, Truffaut decepciona quem conhece o que ele foi capaz de fazer, e faz com que Fahrenheit 451 não seja nada marcante, por mais divertido que certamente seja.

Divertido pode ser mesmo o principal atributo do filme em questão, cheio de situações e conclusões bacanas, e que do começo ao fim rende momentos que mais parecem oriundos demais (devido a ambientação colorida e plastificada que a história se encontra) aos deliciosos filmes de Jacques Tati, de Tempo de Diversão. Apostando nesse universo criado em estúdio, tal como em Uma Noite Americana, Truffaut não tem vergonha de empregar cores vivas e saturadas num mundo ditatorial onde a ignorância precisa ser uma benção, de qualquer forma. Assim, os próprios fundamentos de uma distopia são regularmente reformulados, pois temos um futuro decadente visto graças a uma encenação proposta de uma forma linda, e bela. Ironia, claro, tornando o filme um exercício de adaptação dos mais desafiadores, mas sempre aquém do enorme talento que o diretor já expressou antes, e muito melhor. Seja como for, Fahrenheit 451 traz um final tão gostoso que quase seduz a percepção.

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Crítica | Em Pedaços

5 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

cinema alemão, Diane Kruger

“O povo é o mito da burguesia”, disse certa vez Glauber Rocha referindo-se aos lugares sociais que cada um de nós ocupamos, o que isso implica na nossa vivência e, por consequência, o peso das nossas ideologias amigas ou não formuladas a partir de qual classe econômica pertencemos, fatalmente falando. Pra começo de conversa, é cruel e muito direto reconhecer um estudo de personagem e situação como Em Pedaços, filme alemão com uma atriz muito reconhecida em Hollywood após Bastardos Inglórios, a ótima e expressiva Diane Kruger, se baseando na importância da ‘casta’ popular de uma cidadã europeia posta numa condição limite, uma vez que essa perde marido e filho pequeno numa explosão aparentemente sem explicação alguma.

Um ataque de cunho xenofóbico e/ou terrorista talvez, ninguém sabe, uma vez que a família estava longe de ser burguesa ou estrangeira, com a violência irrompendo de forma cada vez mais niilista ao redor do mundo – quando a normalidade implode, os mais pobres são sempre os primeiros a sentir. O drama então se torna real na vida de Katia Sekerci, aqui na pele de Kruger num show de atuação ignorada pelas badaladas e narcisistas premiações americanas – típico. Sua vida após o choque inicial se transforma, e como presenciávamos essa metamorfose psicológica em primeira pessoa, acompanhamos seus passos numa investigação própria, rumo a chave do seu sofrimento. Encarnamos pouco a pouco os fragmentos de uma mãe e esposa em luto e que se recusa a não vestir um trabalho detetivesco ao invés de encarar o conformismo que apenas cultiva uma dor muito grande ao coração oceânico de uma mãe.

Contudo, ao mesmo tempo que sentimos a cada segundo a urgência e o pesar da situação, Em Pedaços é um filme que claramente se beneficiaria de vários elementos mais ricos e mais profundos e objetivos do neorrealismo italiano, aquele movimento cinematográfico dos anos 40 e 50 repleto de grandes figuras maternas a formar um mural de dramatização sobre questões muito semelhantes que Katia, sua família e agentes policiais precisam enfrentar em busca de uma solução – e principalmente, de culpados! O filme de Fatih Akin busca um naturalismo e a discussão sobre justiça e uso de drogas de forma muito focada e deveras intensa, sempre usando de closes como se investigasse nessas faces o segredo do universo. O longa de fato alcança suas presunções seja através de cenas interessantes de tribunal (quase documentais), seja através de mil e um diálogos conservados por uma iluminação, ambientação e performances absolutamente reais em sua encenação clara, e solta.

Eis aqui um suspense dramático que não se envergonha de carregar o máximo de naturalidades possíveis, e que se revela da metade ao fim não apenas um exercício dramático bem maduro e autoconsciente, mas uma desconstrução minuciosa do quadro psicológico de uma mulher abalada por um acidente que a afeta como um trem descarrilhado e que, para tentar juntar a lógica das coisas que foi espatifada nos trilhos da sua vida, Katia começa a duvidar se vale mesmo quase tudo. É bacana afinal, se valendo muito do talento de Kruger pra isso, o quanto Akin gera e aborda circunstâncias que vão revelando uma personalidade que ainda não conhecíamos de uma mulher tão normal no início, e que jogada aos extremos pode criar e desenvolver aspectos impressionantes para que seu luto não seja em vão.

Em Pedaços se vale dessa justifica acima de tudo e segue construindo de forma semi hipnótica seu discurso sobre justiça e xenofobia até o seu ótimo e conclusivo final, evitando discutir política propriamente dita e construir polêmicas fajutas sem nunca apelar tampouco para sentimentalismos, ou abstracionismos baratos, esse último sendo a arma dos diretores que não tem capacidade ou coragem melhor dizendo de realizar grandes obras a habitar a nossa seletiva memória afetiva.

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Crítica | No Intenso Agora

4 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

documentários políticos, João Moreira Salles

“Nem sempre a gente sabe o que tá filmado…”

É engraçado como João Moreira Salles soa o filme inteiro como se estivesse pedindo licença para adentrar na realidade, registrá-la e investigá-la, feito um jornalista não temeroso mas ainda desacostumado com a sua profissão. O cineasta carioca não parece decifrar com tranquilidade fotos em movimento com atores e situações reais de um Brasil, de uma Europa, de uma Ásia ancestrais. Poetizando tempos distintos ao nosso momento atual, Salles promove uma viagem pelo tempo e faz um filme-hipnose, e metódico, como melhor deve ser chamado No Intenso Agora. A intensidade, na verdade, não mora em nenhum dos seus relatos acerca de eventos que moldaram a história da humanidade, como hoje em 2018 já se pode perceber, mas consta na ganância especulativa de Salles em torno de fatos dignos de interpretações de caráter extremamente dúbio, e abismal.

A história é feita de controvérsia, aonde quer que se olhe em seus registros e impressões decorrentes. Para nós, seria injusto ter sobrado apenas uma nostalgia irreparável de tempos remotos e recentes? Eis um documentário que tenta ser original não escapando da nostalgia familiar do começo da sua narração (onipresente e que quase nunca deixa as imagens falarem por si só), para se debulhar em questões paralelas e nacionalistas que equilibram os seus temas, o tempo todo. O forte teor político de No Intenso Agora, que consegue ser um pouco mais que um poço de desejos e lembranças do seu diretor, anda de mãos dadas com uma visão caseira e basilar que parece sair de um documentário do saudosista português Manoel de Oliveira, e é esse o verdadeiro núcleo essencial de uma obra que une tantas ocorrências da década de 60, para culminar num mesmo propósito nobre para todos nós: seus desdobramentos posteriores constatados no povo, e para o povo.

E é isso que o diretor do espetacular Santiago, de 2007, está mais interessado: O que acontece de periférico na existência de um fato, o que rola em suas beiradas e como isso afeta a todos. Como ele mesmo fala, é mesmo difícil prever o futuro, e por isso talvez tenhamos tanta sede em revirar o passado, como sentem com mais força os mais conservadores de opinião. Numa teia de acontecimentos, o povo carioca velava em 1968 o estudante Edson Luis, morto pela polícia, e a democracia ainda era mito no Brasil. Na França, o povo francês lutava na rua por liberdade, felicidade e mais direitos em março do mesmo anos, mas qual era a opinião dessa gente, aqui e acolá? E qual o valor da rua quando pronunciamentos presidenciáveis são filmados pela TV, e não diante do próprio palanque? O filme de Salles tenta estimular respostas a essas perguntas, para a dimensão humana das tragédias, mas se perde em excesso de relatos e registros que, por mais valiosos que sejam, faz o documentário perder o foco e ser engolido pelo ego considerável do seu diretor.

A alegria e a tristeza do povo (europeu, chinês, brasileiro) não é debatida em eventos de grande potência, mas pincelada e almejada como bem se entende na frase de um estudante francês: ‘Cada segundo tem a espessura da eternidade’. Se antes havia mais local que polêmica num fato controverso, hoje há mais controvérsia que peso regional num fato, dada a nossa globalização. O mundo já foi regulado, e hoje parece seguir feito uma criança sem os pais para engatinhar em seus tropeços históricos. No Intenso Agora é um Utopia e Barbárie menor, mais pessoal com o que lida e debate, muito mais poético e mais excessivo no seu vasto escopo histórico. A partir dos caminhos de uma família de classe média, conhecemos os víeis conflitantes e marcantes de um outrora não tão distante da nossa contemporaneidade líquida, e conectada. Mas a questão que fica, agora, é a seguinte: O quanto nosso passado importa à maioria das pessoas, agora? Se depender desse documentário, tudo.

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Resenha | Memória do Fogo – Vol. 2: As Caras e as Máscaras

3 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Literatura, Resenhas

America Latina, Eduardo Galeano, l&pm

Existem livros, não necessariamente gigantes na extensão do seu calhamaço, cuja riqueza de seu conteúdo adaptado para o cinema ou para a televisão renderia mais que todas as temporadas juntas de Os Simpsons, ou se preferir, todas as novelas da TV Globo produzidas desde o ano 2000 – em termos qualitativos, pelo menos, isso sem dúvida. Eis então um belo exemplar disso, e ele vem com nome, e autor, muito além de interesses puramente acadêmicos e/ou servindo a historiadores de plantão.

Dividido em episódios que evidenciam o quanto o continente americano (com grande ênfase substancial a América Latina) foi conquistado e colonizado a bel prazer dos europeus, e como a resistência nativa foi importante para não perdemos nossa essência regional nessa parte do mundo, Eduardo Galeano apresenta As Caras e as Máscaras, conjurando-se no delinear e nas resoluções da obra como o típico escritor latino universalmente recomendado e reconhecido pelo seu poder de constante hipnose e criação literária – página atrás de página, palavra atrás de palavra.

E veja bem, caro(a) leitor(a), o emprego de uma delas. Galeano tece sem luvas e muito menos papas na língua uma narrativa de vias cronicais, e fabulescas, a respeito de uma veracidade consagrada que se encontra tão presente no período colonial dessas terras sulistas e acaloradas, e ainda por cima, sem jamais perder parte de um encanto épico inebriante, ainda que dramático e trágico, a embalar a alma de célebres menções e desventuras da epopeia americana do tempos dos descobrimentos marítimos.

Neste segundo volume de sua ambiciosa trilogia Memória do Fogo, grande saga do escritor rumo a alma do nosso passado legítimo, e a mitologia própria que nele reside, nota-se como a América nunca foi derradeira em nenhum sentido, mas sim um meio e um fim nela mesma, e o livro apenas embeleza e refina o seu sagrado percurso lendário, uma vez que, para Galeano, a luta inicial dos índios, dos jesuítas e de todos os personagens e deuses e signos e batalhas é tão ou mais valiosa que os grandes arcos gregos, ou os eventos egípcios que fascinam a todos, incluindo a nós, latino-americanos. Muito mais que nossas próprias marcas, e cicatrizes.

Por que não tratar, ou pior, tratar com certo distanciamento retumbante, facetas extremamente factuais de um Brasil, de uma Bolívia ou de um Uruguai que não se perderam no tempo e ainda encontram eco, de fato, na lógica latina de hoje em dia? Galeano, uruguaio, malabariza o realismo necessário com uma ficção tão leve que só se percebe na poética da coisa e se mostra sobretudo um grande historiador, estilista por excelência de vários aspectos de sua própria escrita, saborosamente rítmica, concentrando épocas em episódios de uma ou duas páginas, e dispersando a linha histórica dos eventos em rápidas duzentas, ou trezentas delas.

Falo aqui diretamente a você, mais uma vez, ao retratar nossa estadia no alto da montanha que Brás Cubas, em suas memórias delirantes, foi levado a ver o desfile impressionante dos séculos. Pois os saltos temporais em As Caras e as Máscaras, vasculhando as características de uma América ainda virgem de tudo dão o tom da empreitada de forma quase que imperceptível, numa verdadeira aula de coerência literária rítmica que muito tem a ver com os romances do colombiano Gabriel Garcia Márquez, ou do brasileiro Machado de Assis, famosos por enxergar nos seus livros palcos solenes, e desapropriados, à espera do emanar de suas minuciosas construções artísticas.

A cabo de uma leitura elucidativa, entendemos então que a América se fez viva, ativa e operante enquanto um continente consignado, e abusado pelas mais diversas influências estrangeiras, e natais também. Unida senão pelas fronteiras que separam seus povos, as suas línguas, seus credos e as suas culturas que inevitavelmente evoluem e se tornam algo muito diferente em um par de séculos de mutações regionais graças a inquietude e a criatividade da humanidade que (quase) sempre se faz presente. Foram estes fatores que nos fizeram sobreviver às ordens dos colonos, aos chicotes do eurocêntrico e aos aspectos do solo lunar; memórias cujo ardor é tão enraizado que não nos deixa esquecê-las.

Galeano constrói um manifesto de lembranças vitais com esse segundo volume dessa trilogia vibrante e simbólica ao extremo, pois enquanto ingleses e portugueses riam de nossos costumes primitivos, os deuses dos índios do Brasil, Paraguai ou dos Estados Unidos (já que o livro também dá espaço para a mitologia histórica e complementar dos vizinhos lá de cima) teimavam em ficar e brilhar, mesmo que hoje habitem apenas as páginas dos livros; reservados ao imaginário popular latino-americano, posto que este seja bastante influenciado em tempos globalizados por um norte mais sedutor e mais rico, séculos após a poeira das grandes guerras locais entre os povos de lá, e de cá, ainda não ter abaixado completamente. Longe disso, diriam muitos. Longe disso.

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Crítica | Os Estados Unidos x John Lennon

2 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Angela Davis, John Lennon, Yoko Ono

Se você algum dia já precisou remar contra a maré, conforme bem se refere essa expressão antiga ao fato de algumas vezes não podermos ser cordiais com algo predominante, seja lá o que for, você com certeza sabe o que John Lennon e Yoko Ono sentiram aos serem perseguidos pelo FBI, durante a conturbada década americana de 60. Aos mais desavisados, foi nesses idos que qualquer um que ousasse gritar “Não faça guerra, faça amor!”, nas terras governadas por Richard Nixon, não era bem-vindo por lá – de acordo com as palavras do próprio diretor do Escritório Federal de Investigações dos EUA, o polêmico J. Edgar Hoover. Nada mais atual.

O medo nacional (lê-se: governamental) de perder a guerra do Vietnã era iminente, e o comitê político de Nixon não fazia questão alguma de esconder isso. O pânico institucional de ter vozes populares dentro do país incitando a população a não apoiar a guerra, e sim a harmonia na consciência civil do país e nas suas relações internacionais com o mundo todo era gigantesco, pois enfraqueceria as verdades do governo, revelando a mentira escondida em sua encenação de voz grossa, e pronunciamentos acalorados. A América não estava apenas contra o compositor da doce canção ‘Imagine’; a América estava numa guerra explícita com qualquer tipo de passividade que pudesse brotar naquela terra.

Os Estados Unidos x John Lennon, de David Leaf e John Scheinfeld, é extremamente revelador e debatível não apenas sobre aquele cenário contraditório dos valores de um homem e sua voz, em paralelo à imoralidade de um desgoverno que quer jogar sua nação em choque com outros hinos, mas como essa lógica separatista e conflituosa em nada perdeu sua intensidade hoje em dia, e em nada ganhou elucidação sobre os malefícios de manipular a opinião pública sem escrúpulos algum em nome da soberania de uma causa política, ou partidária. Esse foi o egoísmo e a vilania de Nixon, repetido por Trump desde 2016 em terras americanas e nas suas relações destrutivas com o México e, praticamente, com qualquer outro país que não tenha inglês como sua língua mãe.

Através de depoimentos e entrevistas inestimáveis, nota-se o quanto o espírito de Lennon seria necessário hoje em dia, principalmente nos EUA. Perseguido, examinado e pressionado direta e indiretamente para sair do país (“A América não precisa de almas tímidas que acreditam na paz!”, segundo uma declaração do próprio Hoover), o músico e sua eterna companheira protagonizaram e personificaram, sempre juntos e incansáveis, apesar de temorosos como qualquer um na situação deles, a resistência diante de um caos que eles se sentiram responsáveis e poderosos o bastante para desconstruírem com as bandeiras do amor, da união, da esperança, da fraternidade. Mais do que nunca, esse ideias foram revolucionárias e precisavam ressuscitar, e o documentário as elenca de forma divertida, e amplamente enriquecedora, tanto acerca da irresistível personalidade de Lennon e Ono, quanto á uma faceta bem sombria da história desse governo.

Felizmente, o povo começou a perceber as mensagens ativistas a ecoar como símbolos de emergência, logo acima do desespero crescente dos chefes eleitos da nação. Entre mil encontros do mais famoso casal da música com jornalistas e outros grandes artistas da época, essa alma de esperança política começou a contornar intensamente a violência do governo não só externa, mas cada vez mais assolando o espaço interno dos Estados Unidos, criando revoltas e gerando, claro, mais retaliação. Os Estados Unidos x John Lennon explora com propriedade a filosofia de uma paz construtiva e muito mais poderosa que qualquer manipulação que venha do Estado possa ter, e traça um panorama bastante honesto sobre a real importância de um cidadão numa sociedade regida por leões que só pensam, ontem e hoje, no bem-estar da sua própria jaula.

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Crítica | O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus

1 de setembro de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

andrew garfield, Christopher Plummer, colin farrell, heath ledger, johnny depp, Jude Law, terry gilliam

Não deixa de ser curioso um artista fazer um O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus. Todo cineasta tem um complexo de Deus bem forte norteando suas criações, de cabo a rabo, e Terry Gilliam, por mais maluco que possam ser suas crias, nunca foi louco o bastante pra negar isso. Apesar do seu filme de 2009 ter ganho fama pela morte de Heath Ledger durante as suas filmagens, e três atores terem entrado (de repente) no elenco para tapar o buraco que o astro deixou (no filme e na indústria americana, até hoje), é muito forte a necessidade de se construir um jogo simbólico que Gilliam extravasa em suas histórias, sempre habitando e se refugiando em universos paralelos e numa excentricidade muito própria, semi-organizada, semi-luxuosa e que pode muito bem estimular a paixão dos espectadores pelo onipotente mundo das artes.

Contudo, não foi este o caso em 2009. Tínhamos um diretor aqui que adora mistificar seu ponto de vista em nítidos exercícios de fabulação com aparente total falta de responsabilidade com o real, e o factual. Uma parte técnica impecável (a direção de arte e os figurinos saltam aos olhos) e um elenco dos mais respeitáveis possíveis, numa orgia de surrealismo, brilho e cacofonia dos mais cafonas e bregas dos últimos dez anos. Um bom exemplo de pirotecnia moderna que deu certo? Across the Universe, um musical que justifica suas epifanias e todas as suas loucuras visuais com um bom senso e um bom gosto que Gilliam parece ter absoluta dificuldade em reproduzir, aqui. Isso vindo da mente de quem produziu Monty Python em Busca do Cálice Sagrado, um verdadeiro marco da comédia dos anos 70, e o ótimo Os Doze Macacos, talvez o seu melhor.

Mas por quê? Crise criativa, talvez, ou apenas um projeto ambicioso demais e fora de hora de quem batalhou tanto pra adaptar Dom Quixote nas telas e se contentou no momento com isso. Uma pena! Gilliam é o típico arquiteto de grandes espetáculos que não decola em quase nada que propõe ultimamente, mesmo tendo uma visão corajosa mas sempre exagerando na plasticidade e na histeria acachapante para com o conteúdo e o visual das suas fábulas tão amalucadas. Aqui, temos um circo chefiado pelo misterioso Dr. Parnassus e que cuja grande atração merece o adjetivo: Um espelho, dos mais comuns, mas que permite enxergar e participar de outras dimensões “incríveis” adentrando num simples móvel de vidragem mágica.

Todos os conflitos do filme giram, obviamente, em torno deste objeto e das inúmeras possibilidades que ele carrega em sua existência, mas o problema é um só: Gilliam não se chama Michael Powell. Aos que não o conhecem, Powell foi o que Gilliam, Tim Burton, Guillermo Del Toro e tantos outros de hoje em dia tanto querem ser, e nem com o avanço da tecnologia atual a seu favor conseguem: um legítimo mago da fantasia, capaz de unir inúmeras realidades e os mais diversos e belos sentimentos através do balé de uma bailarina púrpura, ou de uma escada banhada de sol que liga a Terra, ao céu. Nos clássicos do maestro inglês, a magia não é gratuita porque é profundamente acalentadora e sabiamente expressiva, enquanto que no filme de 2009, comanda-se os limites e as direções de uma fantasia colorida e sem sentido como quem comanda uma criança frenética perdida numa loja de doces, ou o Hulk durante um dos seus surtos urbanos devastadores.

Nisso, tem-se uma imaginação concretizada na tela e regida pela vontade de explorar a loucura que reside na mente humana – tudo é válido, ao mesmo tempo que tudo é falso. O espectador comum pode até dizer que nem o país das maravilhas é tão caótico quanto esse imaginário que cabe no limiar de um espelho, e ele está certo! Arcando com o preço da incoerência de uma fábula que se desenrola aos tropeços, e que tenta ser um épico feito o maravilhoso Neste Mundo e No Outro, grande obra de 1946, tudo em O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus não passa disso: Escapismo furado e dos mais baratos e banais que o Cinema americano pode oferecer, entre suas ilusões milionárias. Fica a lição que, por mais que um autor mistifique os seus mundos e se ache apto a malabarizar seus elementos simbólicos e contextuais, criando inclusive novos e revitalizando sua assinatura de delírios imagéticos de filme em filme, toda megalomania suprema precisa e deve justificar sua essência e a sua razão de existir.

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Crítica | O Beijo da Mulher-Aranha

26 de agosto de 2018 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

hector babenco, raul julia, sonia braga, William Hurt

Dos filmes que não têm óbito, muitos são brasileiros e a maioria, desconhecidos pelo próprio acervo cultural do país, vulgo nômade de uma miscelânea de culturas que quase nunca conseguiu se inserir nas formalidades europeias. Como se formalidades no Brasil fossem sinônimos de redução – monocromia – ao sentido das cores e contradições da nação. A maioria dos diretores brazucas descobre essa informalidade generalizada, esse jeitinho brasileiro de dar bom dia às artes, antes ou durante a compreensão de que todo artista verde e amarelo é um complexado, em geral pela carência nacional de seriedade em certas regências e, em alguns casos, pelo complexo de não conseguir traduzir em longo prazo a essência do que e de quem estimula essa terra a ser o embalado de poucos filmes capazes (indiscutivelmente brasileiros, ainda que universais na digestão das mensagens) de condensar delírios nacionais de dimensões continentais.

Fica irônico então mencionar um argentino chamado Hector Babenco como responsável por vários dos mais reconhecidos filmes modernos brasileiros, mundo afora. Mas eis o fato. O diretor de O Beijo da Mulher-Aranha, um dos pontos altos da sua carreira logo após a arquitetura do seu maior filme, Pixote: A Lei do Mais Fraco, assume de vez seu fetiche por celas nesse drama psicológico e todo excêntrico (de dar gosto) entre dois prisioneiros opostos e complementares, fadados ao quadrante que lhes é permitido num espaço de descobertas. Nesse palco de experiências humanas e mais do que humanas, um foi preso por ser LGBT. O outro por ser subversivo também, mas em termos políticos mais típicos dos anos oitenta, no Brasil. Nesta cela suja e imunda, onde os imorais da sociedade moral e de bons costumes são jogados, Luis e Valentim provam tanto da repressão que os une, quanto das diferenças chocantes entre ambos. Dos costumes distintos de um jornalista caribenho que falou demais, e de um americano cujo único crime foi ser homem de menos, num show de atuações de Raul Julia e William Hurt, esse último vencedor de um Oscar por sua atuação aqui mais do que impecável.

Dentre as temáticas aqui debatidas, ais quais se destacam as diferenças entre dois prisioneiros (num calabouço que parece suspenso no tempo), e o escapismo existencial que pode se criar no encarceramento, a impressão que dá é que Babenco, o cosmopolita sem fronteiras, constrói e reforça a cada cena um filme genuinamente realista e estranho, mas irresistivelmente sedutor e emocionante – um dos melhores da década de 80, aliás. Aqui, a essência ilusória e sonhadora do Cinema entre na cela dos condenados feito a planta fresca cortando o asfalto cru, enquanto Luis alimenta seus sonhos irreais para não deixar a realidade sufocar sua identidade sensível, no contraponto a Valentim, sempre preocupado com a constante promessa de ter sua cabeça levada a guilhotina. Sob o realismo cinza, crescem as cores das oportunidades que a vida lhes (nos) reserva, mesmo em cenários de grande retidão e desolação humana.

Uma história que dialoga tanto às ditaduras latino-americanas, e que remete (e muito) ao fantástico Acorrentados, de 1958 – filmaço americano cuja força do roteiro é maior que qualquer outra coluna da produção, com o ranço e outras questões psicológicas que a escravidão e o seu fim, ainda recente na época, trouxeram a luta de raças sendo fisicalizadas ali por uma simples e emblemática algema entre um negro, e um branco, soltos por ai. Aqui, em O Beijo da Mulher-Aranha, dada a condição de penitência, a América Latina explode em cores e sotaques, mas além disso, a liberdade está no sonho, e se desdobra no surreal, na promessa não da guilhotina ao jornalista, ou da violência ao gay, mas de uma possível liberdade além das grades para poderem ser o que quiserem. Todo o resto, evidencia o filme, merece e deve ser enfrentado. O ser humano nasceu para a liberdade afim de se manter são e salvo. E a quem não sente falta de Babenco no Cinema nacional, sente sem perceber.

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