Tag: Denis Villeneuve

  • Crítica | Duna

    Crítica | Duna

    Minhas expectativas para Duna estavam em xeque, não li a série de livros do Frank Herbert, tampouco sou um admirador da adaptação cinematográfica de 1984. Não tenho qualquer valor afetivo pelo material, aliás, não tinha, pois o novo longa de Denis Villeneuve me deixou esfaimado por mais. Isso seria bom se o próximo filme já estivesse confirmado, mas é uma estratégia arriscada quando a progressão da história depende de seu sucesso financeiro. Duna (que começa com o subtítulo parte um) é maravilhoso, mas perde o sentido se não tivermos direito a uma continuação.

    Não vejo problema em dividir uma obra em duas ou três partes, mas é preciso uma cautela narrativa em relação à codependência das histórias, pois cada filme precisa funcionar individualmente. Peguemos como exemplo o final de Kill Bill: Volume 1. Todos sabemos que a jornada da personagem de Uma Thurman não acabou, ela quer matar Bill, e precisaremos de mais um filme para isso. Funciona porque a épica batalha contra os crazy 88, e o confronto com O-Ren Isshii dão ao espectador algum senso de desfecho, pelo menos a nível estrutural. A história vai continuar, mas o filme tem um ato final, e isso não acontece com Duna, que abruptamente acaba.

    Nosso protagonista é um jovem duque que vem lidando com sonhos premonitórios, super poderes de persuasão, e que pode ou não ser “o escolhido” de acordo a uma profecia. Ele acompanha seu pai até ao planeta Arrakis (Duna), que possui a cobiçada substância “spice” (funciona basicamente como magia), além de minhocas gigantes e areia. O que segue é um drama político sci-fi grandioso que me fez coçar a cabeça lá e cá. Muitos conceitos são tangencialmente abordados, gestos ou menções que presumem um conhecimento que pode desorientar a quem está explorando esse universo pela primeira vez. Da iconografia meticulosamente criada, às diretrizes culturais do figurino, à fantástica e plausível mitologia, há tanto para explorar aqui que me senti um pouco extraviado, mas não a ponto de perder o foco do conflito central que, como sempre, é motivado pela fortuna (invasão de um planeta para extração um recurso precioso, yada yada yada…).

    Villeneuve não gosta de economizar planos, é um diretor paciente, que exige o mesmo do seu público, e o recompensa com incansáveis ostentações composicionais. É como se ele competisse com ele mesmo a cada corte pelo melhor ângulo, pelo enquadramento perfeito, pela simetria sublime, e ele costuma vencer. Pra melhorar, ele tem Hans Zimmer fazendo a música, que cria um climão de guerra com a percussão (a cinematografia ajuda a compor essa atmosfera, e notam-se as homenagens a clássicos como Apocalypse Now e Lawrence da Arábia). Há uma ou outra batida onde a melodia quis me levar na marra, mas é uma trilha lamuriosa e ao mesmo tempo berrante. A gaita de fole não rolou pra mim, mas lembrei de Coração Valente, então ficou tudo bem.

    Tudo é desbundante em Duna, mesmo sendo todo cinza ou bege. Tecnicamente o filme é perfeito, mas a eutimia narrativa do diretor continua sendo um gosto adquirido. Se Blade Runner 2049 te pôs pra dormir, aqui provavelmente não será diferente. E não é um estilo que favorece as sequências de ação, que apesar de muito vistosas, precisavam de uma energia que quebrasse a melancolia subjacente. As minhoconas, por exemplo, prometem mais do que cumprem.

    Os efeitos visuais são perfeitamente integrados aos práticos, a criação de mundo é um barato (adorei os helicópteros insectóides), e eu preciso enaltecer o simples e eficiente uso do escudo com o contraste azul x vermelho, e como é satisfatório vê-lo no lugar daquela aberração de 84.

    Timothée Chalamet tem carisma de sobra. Ele se porta exatamente como um duque em construção, deixando transparecer a insegurança de quem carrega uma série de incertezas. E o diretor sabe que ele é um fofo, abusando dos close-ups do nosso herói contemplando sobre a vida com seu cabelo formidável. Rebecca Ferguson tem uma intensidade fortíssima nos olhos, o elemento de sua angústia materna é responsável pelas cenas mais emocionalmente carregadas do filme. A comunicação dela com o filho é bem trabalhada, e as camadas da dinâmica desse relacionamento estão apenas começando a cair. Oscar Isaac não atrapalha, mas não parece completamente confortável com o personagem. Ainda assim, uma de suas cenas certamente será lembrada. Jason Momoa tem uma das piadas do filme, é engraçadinha. Ele traz uma energia necessária ao ritmo remansoso, e sua ausência é frequentemente sentida. A outra piada é do Javier Bardem, ele não tem muito mais pra fazer, mas a cena é, de novo, engraçadinha. Há uma baixa dose de humor aqui, suficiente para pequenas descontrações sem afetar o tom austero predominante. A personagem de Sharon Duncan-Brewster é subdesenvolvida, Josh Brolin funciona (seus diálogos não ajudam), e Dave Bautista não. Ele não parece ter um lugar nesse universo, é apenas um bruto que é grandão porque sim, e a cena em que ele precisa demonstrar indignação é difícil de assistir. Stellan Skarsgård faz um vilão excepcionalmente grotesco e genuinamente ameaçador. Quero distância total desse cara, eca! Zendaya está no filme para soltar um trocadilho bem bolado e estimular o público com a possibilidade de mais tempo com sua presença celeste no filme seguinte.

    Duna pode parecer derivado, mas é justamente o contrário. O material fonte é tão influente que se tornou vítima das futuras criações que inspirou. Quando vi o elemento da Voz, lembrei imediatamente de Obi-Wan Kenobi usando a Força em 77, e não me pareceu justo. Mad Max, Alien, Blade Runner… muitos clássicos beberam alguma dose dessa fonte, preciso criar vergonha na cara e ler o primeiro livro.

    Nota: 8.9

  • 10 Grandes Cenas de Ação na Água

    10 Grandes Cenas de Ação na Água

    James Wan conseguiu um milagre, dentro do hall de deuses da DC Comics: Aquaman, o épico mitológico com Jason Momoa, já faz parte das vinte maiores bilheterias do mundo, em março de 2019. Até então, filmes com grandes e longas cenas subaquáticas exigiam um nível de aprimoramento técnico muito difícil de ser alcançado, transformando o espetáculo cinematográfico em algo falho, e por consequência, não aclamado pelo público – com duas exceções modernas, apenas: Titanic, e a franquia Piratas do Caribe.

    Mas desde o início do Cinema, a imensidão dos setes mares fascina os seus cineastas, e agora, a sétima-arte ganha o aval de se aventurar no oceano com grande excelência técnica, cinquenta anos após se aventurar com realismo inédito no espaço com 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. Chegamos antes nas nuvens, para depois descermos aos corais mais abissais, e registrá-los, em mil contextos diferentes. A seguir, dez grandes cenas de ação com o fator aquático dando o tom na situação.

    O Furacão (John Ford, 1937)

    A cena em que o homônimo furacão finalmente ataca uma cidade, a beira-mar, precisa ser reconhecida pelas plateias do século XXI. Sem contar com CGI, e apenas efeitos práticos, a força dos ventos e das ondas, e das imagens que fazem uma vila ser engolida pelo mar, tornam o tsunami visto nesse antigo filme um absurdo inacreditável, merecidamente reconhecido no Oscar, ainda nos primeiros anos do prêmio. A cena dura longos minutos, é gigantesca, e o nosso queixo demora o triplo para voltar ao normal quando tudo acaba. Inesquecível.

    20.000 Léguas Submarinas (Richard Fleischer, 1954)

    Longe do conforto das marés de uma praia virgem, o capitão Nemo e sua tripulação arredia enfrentam um monstro no coração dos oceanos, num grande uso (na época, pioneiro) de efeitos especiais. Evidenciando o carisma dos grandes mitos que surgem dos mares, a luta de meia-dúzia de homens em cima de um submarino contra os tentáculos de um Kraken diverte e nos assombra, dado o rigor técnico da cena. É o homem tentando se sobressair diante das forças da natureza, desconhecidas, vindas de uma fosse oceânica qualquer para nos prender a atenção.

    Ben-Hur (William Wyler, 1959)

    Muitos críticos e espectadores mais saudosos consideram a batalha naval entre exércitos, em alto-mar, uma das maiores cenas de ação já feitas no Cinema, respeitando assim não só os limites técnicos quebrados pelo grande filme na época, mas a própria potência atemporal do embate flamejante. Aqui, o ataque de navios supera, com facilidade, o espanto que foi a mesma batalha em 1925, na primeira versão do colosso americano e religioso, vencedor de 11 Oscars, anos depois, e tornou-se insuperável pela nova versão de 2016 da obra – e que ninguém prestou atenção, é claro.

    Tubarão (Steven Spielberg, 1975)

    Na primeira aparição pública do monstrão de Steven Spielberg, a morte que espreita a distância e cheira o sangue das vítimas, sob a alcunha sonora do mestre John Willians, nasce então parte da essência sugestiva, ousada e grandiloquente do cinema blockbuster que norteia os grandes espetáculos, até hoje – em tempos de monopólio de super-heróis, de robôs gigantes que só fazem guerrear. O tubarão branco irrefreável usa da água como o assassino que usa da faca tal sua ferramenta, e assim, faz deste o elemento intrínseco a sua sobrevivência, predatória por natureza.

    Titanic (James Cameron, 1997)

    O icônico naufrágio do histórico transatlântico dura quase uma hora, com os ratos animais abandonando o bote antes dos ratos humanos, até que a construção faraônica racha como uma laranja, e o que sobra, são bolhas na superfície gelada do mar, antes dos primeiros mortos começarem a subir, e boiar. É o poder de Poseidon e o seu reino fazendo submergir a ganância imperiosa do homem, transformando tudo em nada. Nisso, James Cameron, o cineasta da síndrome de Deus, conseguiu o impossível: filmou a megalomania de um romance em toda as suas formas mais belas e trágicas, e com isso, reinventou em alto-mar o poder dramático de uma cena, no caso, de ação.

    O Resgate do Soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998)

    O dia D, considerado por muitos historiadores como o mais importante da Segunda Guerra Mundial, foi o lendário desembarque das tropas aliadas a Normandia, entre soldados americanos, belgas, canadenses e até neozelandeses, contra a Alemanha nazista. No clássico filme de Steven Spielberg, a comemorar vinte anos em 2019, o momento exato da maior invasão por mar da história é retratado, numa verdadeira ode aos efeitos sonoros e visuais que uma cena aquática pode ter. A imersão é impecável, enquanto soldados são abatidos e fogem como podem, enquanto a experiência audiovisual se torna inesquecível.

    O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel (Peter Jackson, 2001)

    Quando Frodo, o puro Hobbit do condado, é ferido, a belíssima elfa Arwen se encarrega de curá-lo, mas é perseguida por espíritos malignos até um riacho, o mais normal que se pode encontrar da Terra-Média. As figuras negras em seus cavalos tentam pegá-la, e ela invoca espíritos do rio que os abatem, em ondas gigantes que fazem engolir o inimigo. Simbólica a própria essência fantástica da mitologia de O Senhor dos Anéis, a cena é de uma beleza descomunal, sendo uma das pequenas grandes cenas de ação da trilogia de Peter Jackson.

    Piratas do Caribe: No Fim do Mundo (Gore Verbinsky, 2007)

    Jack Sparrow, David Jones e toda a sua trupe de piratas e monstros que os seguem em pé de guerra, dentro de um redemoinho incomensurável, no meio do nada, com as duas pontas do horizonte unindo a tempestuosa e megalomaníaca cena, exagerada até o talo. Eis o ápice da divertida e cafona trilogia dos Piratas da Disney, com canhões, espadas e juras de amor regando a fúria e a loucura do grande clímax da aventura, enquanto, é claro, o mundo explode em fogo, água e trovões.

    Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017)

    Temos aqui uma grande cena de luta física, neste mundo frio e distópico de Blade Runner, filmada pelo deus das lentes, Roger Deakins. Tentando defender o já velho e cansado Rick Deckard, o mais famoso caçador de androides ainda vivo, das mãos de sua sequestradora, o forte e jovem androide K luta com outra de sua espécie, a letal agente Luv, num belíssimo jogo de luzes entre as ondas. Se antes as lágrimas se juntavam com a chuva, aqui é o sangue falso de um robô se mistura com a maré. Eles foram programados para não falhar em nada que os humanos fazem, e não é o peso da água que os fará perder, um para o outro. Grande luta.

    Aquaman (James Wan, 2018)

    Quando o herói atlante e sua rainha, a poderosa Mera, se encontram no meio do oceano, perdidos em meio a uma fortíssima tempestade, em um pequeno barco pesqueiro, são atacados por criaturas humanoides em forma de piranha. Mortais e agressivas em seu ataque, o casal tenta escapar delas como pode, usando e abusando de seus poderes, e rendendo uma das mais formosas cenas em alto mar já produzidas. O espetáculo visual impressiona, esnobado do Oscar de efeitos especiais como atestado de loucura da Academia, sendo um momento marcante em uma tela gigantesca de Cinema.

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  • VortCast 55 | Melhores Filmes de 2017

    VortCast 55 | Melhores Filmes de 2017

    Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira), Filipe Pereira (@filipepereiral) e Rafael Moreira (@_rmc) recebem o ouvinte e podcaster Cliff Rodrigo Silva para comentar sobre a lista publicada no site sobre os melhores filmes lançados em 2017 no Brasil.

    Duração: 111 min.
    Edição: Julio Assano Junior
    Trilha Sonora: Flávio Vieira
    Arte do Banner: 
    Bruno Gaspar

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    Piores Filmes de 2017

    Lista Completa dos Melhores Filmes de 2017
    Crítica Mãe!
    Crítica T2 Trainspotting
    Crítica Manchester à Beira-Mar
    Crítica Em Ritmo de Fuga
    Crítica It: A Coisa
    Crítica A Qualquer Custo
    Crítica Planeta dos Macacos: A Guerra
    Crítica Star Wars: Os Últimos Jedi
    Crítica Blade Runner 2049
    Crítica Corra!
    Crítica Logan

    Comentados na Edição

    Lista Piores Filmes de 2017
    VortCast 54 | Piores Filmes de 2017
    VortCast 02 | Darren Aronofsky
    VortCast 45 | Pós-Oscar 2017
    VortCast 08 | Planeta dos Macacos
    VortCast 50 | Star Wars: Os Últimos Jedi
    VortCast 51 | Star Wars e as Polêmicas do Novo Filme
    VortCast 05 | Filmes Marvel
    VortCast 44 | Piores Filmes de 2016
    VortCast 46 | Melhores Filmes de 2016
    Overdrive #17 Androides sonham com ovelhas elétricas?

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  • Melhores Filmes de 2017

    Melhores Filmes de 2017

    Assim como no ano passado, realizamos uma lista coletiva dos melhores filmes do ano a partir da seleção pessoal de cada redator do site. Dessa forma, é natural que, numa equipe heterogênea formada por diversos profissionais e com visões diferenciadas sobre a crítica cinematográfica, uma lista como essa abarque diversos gêneros e estilos. Motivo mais do que necessário para não justificarmos as razões que esse ou aquele filme não integraram a lista final. Espero que gostem do resultado.

    (confira também nossa lista de Piores Filmes de 2017).

    10. Mãe! (Darren Aronofsky, 2017) – Por Felipe Freitas

    Darren Aronofsky talvez tenha sido o maior obstáculo de seu próprio projeto. Quando Mãe! estava próximo de chegar aos cinemas, o diretor já estava dissecando os conceitos do filme em qualquer entrevista que ele tinha oportunidade. Acabou que um dos melhores longas do ano ficou manchado pela fama de prepotência de quem o concebeu e por conta disso não teve o reconhecimento merecido. E bota merecido nisso!

    Jennifer Lawrence atua no melhor papel de sua carreira e carrega o filme nas costas quase que literalmente, já que 70% dele são planos fechados na atriz, seja em seu rosto ou em suas costas. É um trabalho difícil e cada segundo no filme nos dá a impressão disso. Mas Lawrence não está sozinha: Javier Bardem e Michelle Pfeiffer também estão em alto nível.

    Darren leva adiante suas personagens e sua grande alegoria com muito controle e um clima tão crescente que faz do terceiro ato do longa-metragem um dos mais megalomaníacos e fortes dos últimos anos, com primor técnico e carregado de significados — sejam eles frutos do ego do diretor ou não.

    9. T2 Trainspotting (Danny Boyle, 2017) – Por Flávio Vieira

    Há mais de 20 anos atrás, Danny Boyle adaptou o romance do escocês Irvine Welsh e apresentou Trainspotting (compre aqui) ao mundo. Na trama, acompanhávamos um grupo de jovens absortos em um universo de drogas, e também toda uma toxicidade social que os fazia repudiar o establishment. Por conta disso, apesar de toda ausência de compasso moral existente no filme, era óbvia a conexão do espectador (principalmente os mais jovens) com esses personagens. Somado a isso, Boyle se utiliza de uma subversão do modo de fazer cinema ao utilizar uma direção clássica e instrumental, interconectividades entre cenas aliados a registros visuais fortes, enquadramentos inconvencionais e alegorias oníricas e surreais.

    Em 2002, Welsh escreveu uma continuação para esses personagens em um novo romance: Pornô (compre aqui) — os adictos à heroína agora estavam envolvidos na indústria da pornografia. Apesar do material promissor, Boyle não conseguiu transformar o romance em algo bom o suficiente, mas apenas mais uma continuação comercial como tantas outras. O projeto foi abandonado e engavetado por cerca de dez anos para que finalmente o cineasta encontrasse sua história para Renton (Ewan McGregor) e companhia.

    O longa de 2017 possui um sabor nostálgico evidente, não só pelos personagens, mas também pelo fato dele a todo momento defrontar o seu passado e olhar para trás, some-se a isso ao sarcasmo, as inevitáveis tragédias, jogo de câmera embriagado e os correlatos visuais com o seu antecessor. Contudo, assim como os espectadores cresceram ao longo dessas mais de duas décadas, a evolução acontece com o novo filme. A maneira como o longa o tempo todo nos faz olhar o passado e o presente com outros olhos é um sinal de amadurecimento, ainda que escancare como não somente os personagens perderam muito de suas rebeldias e transgressões, o mesmo acontece conosco. T2 Trainspotting dá continuidade ao retrato cínico de uma geração, suas consequências e seus arrependimentos. Muito além de um retorno ao passado. Destaque para o monólogo de Renton revisitado e o diálogo-desabafo entre ele e Sick Boy (Jonny Lee Miller).

    8. Manchester à Beira-Mar (Kenneth Lonergan, 2016) – Por Fábio Z. Candioto

    Manchester à Beira-Mar foi uma das principais surpresas do ano passado. Inovador por ser uma distribuição da Amazon Studios (de um filme de qualidade, o contrário do que a Netflix vem fazendo) nos grandes cinemas e concorrendo a um grande prêmio, colocando ainda mais lenha na fogueira da discussão “cinema versus streaming”. Curioso também por ter sido realizado apenas pela ajuda financeira e emocional de Matt Damon ao endividado diretor Kenneth Lonergan e também polemico, por ter dado o Oscar de melhor ator a Casey Affleck em meio a acusações de assédio sexual, tudo isso antes do caso Harvey Weinstein e Kevin Spacey.

    Porém o filme não se sustenta por suas polêmicas, mas por sua brutal honestidade e sensibilidade ao lidar com perda, luto, tristeza e uma família destruída por mortes, trágicas ou não. Lee Chandler (Affleck) precisa juntar os cacos do que sobrou de si após a morte de seus filhos para ajudar o sobrinho que perde o pai, seu irmão Kyle Chandler (Joe Chandler). Sem entregar a história de primeira e alternando um feliz e normal ao depressivo e apático Lee Chandler, Kenneth nos guia de forma magistral até o momento que nos mostra a razão pela qual ele é assim, quase nos fazendo ter vergonha de ter sentido raiva do personagem. A partir daí, vários são os momentos que nos conectam cada vez mais àquela história, sem soluções mirabolantes, sem viradas repentinas e sem golpes de roteiro. Apenas pessoas normais tentando sobreviver.

    Talvez aí resida o fato de que o filme, ao mesmo tempo que fez sucesso na crítica, passou desapercebido do grande público. As nossas tragédias já são grandes demais para alguém nos fazer sentir tão fielmente a dos outros.

    7. Em Ritmo de Fuga (Edgar Wright, 2017) – Por Bernardo Mazzei

    A trilha sonora de um filme é uma parte muito grande de toda a experiência. Algumas trilhas são tão grandiosas, que costumam transformar um filme mediano em um filme empolgante. Mas o que dizer de um filme que foi idealizado para se encaixar perfeitamente com a trilha? Edgar Wright nos responde essa questão com o sensacional Em Ritmo de Fuga, um dos mais divertidos filmes de ação dos últimos tempos.

    Wright escreveu o filme para que tudo fosse perfeitamente sincronizado, com o preciosismo de encaixar até mesmo os barulhos dos tiros e das batidas de carro com a música de fundo. O resultado é impressionante. Pesam também a favor do filme o roteiro coeso, o ótimo elenco (com destaque especial pros vilões Jamie Foxx e Jon Hamm) e as cenas de ação que, por mais elaboradas que sejam, são tão bem filmadas que não deixam em nenhum momento o espectador perdido, pelo contrário, conseguem o situar perfeitamente dentro da ação.

    6. Empate

    It: A Coisa (Andy Muschietti, 2017) – Por Dan Cruz

    Remakes de filmes de terror das décadas de 80 e 90 nem sempre são sinônimos de sucesso. Franquias que arrebatavam fãs para salas de cinema no fim do século passado parecem não apresentar o mesmo fôlego nos dias de hoje para gerar continuações rentáveis financeiramente. Assim, as novas versões de Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo ficaram apenas no primeiro filme mesmo, enquanto as novas versões de Chucky, o Brinquedo Assassino nem mesmo chegaram a ser exibidas nos cinemas.

    Não é o caso de It: A Coisa. O filme baseado no romance homônimo de Stephen King (compre aqui) não só fez bonito nos cinemas como já deixou garantida a sua continuação para setembro de 2019, além de bater o recorde de bilheteria para filmes de terror nos Estados Unidos (anteriormente pertencente a O Exorcista, de 1973). Sabiamente, o diretor argentino Andy Muschietti filmou apenas a parte da história que conta a infância do grupo de protagonistas, o que gera uma história mais fluida, sem os flashbacks da versão original, além da garantia de uma sequência.

    No filme, acompanhamos o paradeiro de um grupo de pré-adolescentes assolados por terríveis alucinações causadas pelo assustador palhaço dançarino Pennywise numa cidadezinha do Maine onde os adultos não parecem se importar muito com suas crianças. Se no telefilme (lançado em VHS no Brasil) os personagens eram crianças nos anos 50, o roteiro adapta a história para algo mais próximo do espectador atual, situando-os no final dos anos 80. Além de preparar o próximo capítulo para os dias de hoje, It: A Coisa aproveita o clima de nostalgia oitentista de sucessos atuais, como Stranger Things. Além de garantir bons sustos, temos uma história envolvente e intrigante, com personagens cativantes que nos fazem querer saber mais sobre a vida de cada um. Talvez o filme não chegue ao status de “obra-prima do medo” – como o presunçoso subtítulo  brasileiro da versão anterior afirmava – mas certamente merece um lugar de destaque entre os filmes de terror modernos.

    A Qualquer Custo (David Mackenzie, 2016) – Por Flávio Vieira

    É bastante comum no subgênero western ter como um de seus temas a reação violenta de um personagem sobre a sociedade que o impinge. A Qualquer Custo, ainda que se apresente como um western moderno, não é diferente de outros tantos exemplares do gênero. O longa — por mais que tenha em seu cerne a história de dois irmãos assaltantes de bancos, que moram no Texas, e passam a ser perseguidos por policiais — vai muito além da sinopse que o descreve.

    Essas camadas se dão de forma sutil, ora nos diálogos existentes entre a dupla de policiais Marcus Hamilton (Jeff Bridges) e Alberto Parker (Gil Birmingham), um deles branco, enquanto o outro possui origens mexicanas e indígenas, restando claro a ironia e a contradição existente que os tornam parceiros, dado o genocídio aplicado aos povos indígenas desde a colonização dos EUA e agora a constante perseguição aos mexicanos e outros imigrantes pela elite branca.

    Esse é só um dos estratos desenvolvidos no filme de David Mackenzie, e isso fica claro no desenvolvimento dos irmãos Toby (Chris Pine) e Tanner Howard (Ben Foster), pertencentes às classes massacradas pelo 1% que detém a riqueza no mundo, sendo o Estado apenas um instrumento que garantirá essa exclusão, o que deixa claro na própria figura dos policiais que vão referendar as ações do pessoal do andar de cima, ainda que estes sequer façam parte desse mesmo ambiente. Mackenzie cria um filme envolvente, intenso, com um claro caráter de classe e repleto de camadas sobre a origem de nossa miséria e de nossos futuros cada vez mais incertos. Tudo isso aliado à trilha melancólica de Nick Cave e Warren Ellis.

    5. Planeta dos Macacos: A Guerra (Matt Reeves, 2017) – Por David Matheus Nunes

    Quem diria que um despretensioso reboot faria tanto sucesso? A trilogia de Planeta dos Macacos foi o resultado do comprometimento do diretor Matt Reeves, que assinou os dois últimos filmes, com o amor pela atuação em captura de movimentos de Andy Serkis, aliado à absurda tecnologia que o cinema pode desfrutar hoje em dia.

    Em Planeta dos Macacos: A Guerra, podemos acompanhar o lindo e justo desfecho da história do macaco Caesar (Serkis), o líder da comunidade símio, que agora enfrenta o que talvez seja o último front militar, liderado por um coronel, vivido pelo ótimo Woody Harrelson. O filme desde seu início prende a atenção daquele que assiste e mostra o quanto os macacos evoluíram ao longo dos anos. Sem contar que temos pela primeira vez um alívio cômico: um divertido chimpanzé (Steve Zahn) que atravessa o caminho de Caesar. É, também, o filme mais dotado de cargas dramáticas e emocionais da trilogia, o que faz com que o expectador experimente diversas sensações durante o transcorrer da fita, sendo o destaque, novamente, para a atuação de Serkis, que desde o filme anterior merecia uma indicação ao Oscar pelo papel de Caesar.

    4. Star Wars: Os Últimos Jedi (Rian Johnson, 2017) – Por Pedro Lobato

    Star Wars: Os Últimos Jedi é um divisor de águas e de opiniões. Ao mesmo tempo em que o filme abraça tudo o que a franquia cinematográfica construiu em toda a sua história, leva o universo Star Wars para novos e inesperados lugares.

    Precisa-se de coragem para tomar as decisões do diretor e roteirista Rian Johnson quando se trata de Star Wars. Encontrar um Luke Skywalker (Mark Hamill) que foge do arquétipo clássico do herói construído na trilogia clássica é ousado e eriça os fãs que ainda não aceitaram a morte do universo expandido da franquia. Porém, mesmo sendo o maior jedi do universo, explora-se os lados mais humanos do personagem, além de dar espaço para uma nova geração de heróis e antagonistas. Rey (Daisy Ridley) e Kylo Ren (Adam Driver) ganham maior destaque e profundidade emocional, além de contracenarem a melhor cena de combate de sabres do filme (cena que, diga-se de passagem, tem uma fotografia memorável).

    Star Wars não se trata apenas de um filme blockbuster. A série de filmes angaria cada vez mais pessoas à sua legião de fãs com uma história empolgante e moderna. Agora só nos resta esperar ansiosamente pela conclusão da trilogia em 2019.

    3. Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017) – Por Rafael Moreira

    Blade Runner 2049 é um animal diferente do seu filme antecessor. Se esse animal é elétrico ou real, um sapo ou uma ovelha, fica pra lista de dúvidas que Blade Runner (compre aqui) nos deixa. Independente disso, é um grande filme mais ligado aos temas da sociedade presente, tal como o livro que dá origem a tudo isso. Enquanto no filme original tínhamos a busca e a destruição do Criador — em função da angústia que a própria existência, e o fim dela, proporciona —, temos aqui a busca da identidade, tema que também era presente no seu antecessor, mas agora menos ambígua no sentido do que de fato somos, e querendo ressaltar o contraste da projeção daquilo que gostaríamos de ser. Outros temas, como a luta pela liberdade que o filme aborda, não me parecem exatamente uma reflexão, mas talvez algo como exposição da luta natural dos seres por ela, sejam humanos ou replicantes. A reflexão do tema fica por conta do que nos dá esse direito a liberdade.

    Se nos temas notamos diferenças consideráveis, a estética é Blade Runner até a alma, comparável a uma grande coruja de carne e osso. A trilha sonora, que era um dos pontos que mais me preocupava, foi uma grata surpresa que, apesar de não contar com Vangelis, ela segue muito bem na linha do que foi feito por ele no filme do Ridley Scott, e tem toques contemporâneos que a modernizaram na medida certa. A direção de arte do filme junto dos efeitos e a trilha sonora criam a atmosfera perfeita que é o coração da série. Os equipamentos eletrônicos e os comerciais nos telões digitais não são mais da Panasonic e sim da Sony, mas pelo menos o Black Label do Deckard foi mantido até com o mesmo copo.

    2. Corra! (Jordan Peele, 2017) – Por Marcos Paulo Oliveira

    Um suspense, com algo de comédia/paródia, com algo de ficção científica. Corra! é uma estranheza em si, um filme que se nega a se enquadrar nas expectativas dos gêneros cinematográficos, fazendo com que quem o assista esteja constantemente desarmado. Embora o filme de suspense se pronunciasse logo no começo, antes mesmo de sermos apresentados ao protagonista do filme, Chris (Daniel Kaluuya), nossas expectativas são constantemente confirmadas à partir da voz de Rod, seu melhor amigo e um cético agente da agência de segurança de transportes, e outrora contestadas na docilidade e forma apaixonada com que a namorada Rose (Alisson Willians) trata seu amado.

    Um dos grandes favoritos do público na premiação da academia, talvez a grande inovação aqui seja a forma inesperada com que se busca tratar do tema do racismo, trazendo para tela não o caipira bronco e tipicamente racista, numa espécie de estereótipo do eleitor de Trump, mas o típico eleitor de Obama. Um filme político mostrando o quão políticas são as relações quando se trata daqueles que consideramos diferentes, em que cada um possui seu próprio “token” para protegê-lo da pecha de racista, afinal toda gente branca tem um amigo negro, normalmente só um mesmo, e para completar o escudo, é fã de Kanye West e foi assistir Pantera Negra na estreia. Ou seja, todas formas de antecipar a proteção às suas ações, mas que ainda vê em primeira instância a cor da pele, se apropriando daquilo que faz a cultura negra ser admirável, mas jogando fora aquilo que faz da pessoa negra ser humano.

    Traduzido para o cotidiano, é a “ficcionalização” daquele reflexo de se colocar revoltosamente contra cada notícia de exposição de racismo e violência contra etnias, mas no dia seguinte mudar de calçada tão logo aviste um representante perfeito daquele mesmo estereótipo, em um reflexo tão imediato quanto o anterior, na suposição do caráter por trás do corpo pele escura. Numa espécie de nova roupa para a escravidão que tantas vezes se apropriou dos corpos das pessoas negras construindo impérios sobre seus esqueletos, a política de agora exige mais sutileza, tornando possível apropriar-se da cultura, da voz, da força e dos talentos das pessoas negras contanto que no fundo no fundo, exista uma pessoa branca no comando.

    Toda essa profunda percepção da política e do racismo, e a capacidade de alternar as peles nas quais nos colocamos coloca Corra! como um dos melhores filmes de 2017, tomando, acertadamente, o lugar dos tradicionais filmes nas premiações e na representação social.

    1. Logan (James Mangold, 2017) – Por Thiago Augusto Corrêa

    Desde a estreia de X-Men nos cinemas, em um longínquo ano 2000, o cinema pipoca se curvou às histórias em quadrinhos. O sucesso garantiu uma fórmula que foi seguida, em maior ou menor grau, pela maioria das adaptações. Com a Disney/Marvel representando grande parte das e, inevitavelmente, produzindo tramas com estruturas similares, a Fox tentou manter em alta sua franquia heroica — os X-Men e seus derivados — procurando novas maneiras de abordar um tema que se tornou tão rentável ao ponto de ser transformado em um sub-gênero.

    Por dois anos consecutivos, o estúdio foi responsável pelo melhor filme de quadrinhos do ano. Em 2016, Deadpool ria das próprias fórmulas criadas nas narrativas fundamentadas nesses mais de dez anos. No ano passado, Logan procurou expandir o gênero ao evitar a repetição da fórmula, procurando construir não um filme de super-herói, mas com super heróis. Adaptando parcialmente O Velho Logan, de Mark Millar e Steven McNiven, a presença de Wolverine na trama é apenas um dos fatores que abrilhantam o roteiro, bem sustentado por um drama situado em um mundo destruído com um personagem central resignado.

    Com a classificação etária restrita para menores, a produção entrega toda a violência do mutante, característica fundamental de sua criação,  ao mesmo tempo em que apresentava um forte desfecho ao personagem interpretado pelo sempre bom Hugh Jackman, em sua última atuação como Wolverine (ao menos, é o que tudo indica). Se entre críticas profissionais e o entusiamos do público o filme tem se destacado como um marco, com uma narrativa diferente da habitual responsável por uma indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, Logan deverá ser visto no futuro como uma das poucas obras de qualidade da época em que o cinema descobriu as histórias em quadrinhos. Se considerarmos que trata-se de um dos personagens mais populares da Marvel, não poderia ser diferente.

    Participaram dessa votação: Bernardo Mazzei, Cristine Tellier, Dan Cruz, David Matheus Nunes, Doug Olive, Fábio Z. Candioto, Felipe Freitas, Filipe Pereira, Flávio Vieira, Jackson Good, José Fontenele, Marcos Paulo Oliveira, Pablo Grilo, Pedro Lobato e Tiago Lopes.

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  • VortCast 45 | Pós-Oscar 2017

    VortCast 45 | Pós-Oscar 2017

    Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira), Filipe Pereira, Carlos Brito e Mario Abbade (@fanaticc) se reúnem, com o atraso habitual, para comentar sobre a cerimônia do Oscar, os principais filmes indicados, as polêmicas e o futuro da premiação mais importante de Hollywood.

    Duração: 108 min.
    Edição: Flávio Vieira
    Trilha Sonora: Flávio Vieira
    Arte do Banner: 
    Bruno Gaspar

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    Filmes comentados

    Crítica Estrelas Além do Tempo
    Crítica Até o Último Homem
    Crítica Manchester à Beira-Mar
    Crítica Moonlight: Sob a Luz do Luar
    Crítica Lion: Uma Jornada para Casa
    Crítica Um Limite Entre Nós
    Crítica A Qualquer Custo
    Crítica A Chegada
    Crítica La La Land: Cantando Estações

    Comentados nesta edição

    Oscar 2017 – Indicados e Vencedores
    Agenda Cultural 40 – Hugo, Drive, O Artista e tudo mais
    VortCast 18: James Dean

    Monólogo Jimmy Kimmel

    Tweets de Jimmy Kimmel à Donald Trump

    Discurso Gael Garcia Bernal

    https://www.youtube.com/watch?v=ykpXwPEKTzM

    Leitura da carta-protesto de Asghar Farhadi no recebimento do Oscar de melhor filme estrangeiro 

    Anúncio de melhor filme e toda a confusão envolvida

    Montagem – Referências de La La Land

  • Melhores Filmes de  2016

    Melhores Filmes de 2016

    Ano passado fizemos nossa primeira lista coletiva de melhores filmes do ano, a partir da seleção pessoal de cada crítico do site. Uma lista que representava, mesmo que em um pequeno grupo, o melhor dos melhores. O sucesso nos fez repetir essa fórmula ainda que uma lista sempre tenha comentários a favor e contra.

    Nada mais junto se considerarmos uma equipe heterogênica, formada por diferentes estilos de crítica, cada um com uma tendência cinematográfica diferente. O resultado sempre é positivo, ainda que alguns leitores se perguntem porque este ou aquele filme não está presente.

    Em nossa lista dos melhor dos melhores, é perceptível que o grande filão atual de Hollywood, os filmes baseados em quadrinhos, vem sofrendo uma queda. Se as bilheterias ainda mantém uma fatia gorda do mercado, o mesmo não se pode dizer da qualidade, fator com que dividiu as produções de quadrinhos na lista dos piores e com apenas um representante na de melhores (particularmente, eu acrescentaria mais duas produções nessa lista, mas, apesar de estarem em minha lista pessoal, não foram bem pontuados na lista geral, desculpe Strange e Rogers).  A lista talvez não seja surpreendente ressaltando alguma grande obra ignorada pela crítica em geral, mas demonstra o quanto é possível realizar um bom cinema tanto em facetas autorais como no mais básico – e bacana – cinema pipoca de explosões, sangue e, se possível, quartas paredes quebradas.

    A lista, enfim.

    10. A Grande Aposta (Adam McKay, 2015) – Por Fábio Candioto

    A Grande Aposta apareceu nos cinemas de 2016 quase como uma surpresa. Adam McKay, responsável pelo filme, era mais conhecido pelos filmes de Ron Burgundy, como O Âncora, mas nesta produção indicada ao Oscar de melhor filme do ano passado, o passo dado adiante é gigantesco, ao contar a história de como alguns economistas americanos conseguiram observar e prever a crise imobiliária e financeira de 2008. Contando com grande elenco e um tom misturando comédia e sarcasmo (devido ao nível do absurdo de como as operações financeiras eram realizadas), A Grande Aposta traz um excelente e didático filme, que consegue entreter com seus personagens, diálogos e principalmente uma narrativa que poderia ser embromada e confusa devido ao tema, mas flui naturalmente tanto para interessados quanto para leigos no tema.

    9. Carol (Todd Haynes, 2015) – Por Filipe Pereira

    Todd Haynes executa um filme sucinto e tocante, que menciona temas de ternura e amor através de manifestações puras. O drama de Carol carrega semelhanças com outra produção de sua filmografia, Longe do Paraíso, ainda que que sejam diferentes em destalhes cruciais. Além de conter uma fotografia que faz abrilhantar ainda mais o incisivo roteiro, o filme ainda conta com uma atuação inspirada de Cate Blanchett, que faz uma mulher forte e decidida, que não se dobra diante da vontade masculina e conservadora que predomina no restante da humanidade. Rooney Mara executa também um trabalho brilhante que dialoga com perfeição ao de Blanchett, mesmo que seu personagem seja completamente diferente de Carol. As trocas de olhares falam muito e tornam a interação entre o casal principal em algo profundo e sentimental, denunciando a inevitabilidade do destino de ambas, explicitando o quão profundo era o laço emocional que as unia.

    8. Capitão Fantástico (Matt Ross, 2016) – Por Amilton Brandão

    Não é por acaso que o novato diretor Matt Ross inicia seu filme com um ritual de iniciação primitivo. O ritual tem sua valia tanto para Bo (George Mckay), filho primogênito de Ben (Viggo Mortensen) quanto para o espectador. A crueza e intensidade da cena serve como preparação para o conjunto de valores e idéias que serão apresentados e discutidos ao longo do filme.

    Ben vive com seus seis filhos em uma floresta reclusa, longe de praticamente todas influências da sociedade moderna como a conhecemos. Nesse pequeno refúgio eles cultivam uma vida de acordo com os valores da contracultura, onde discussões literárias ao redor da fogueira são casuais e incentivadas, assim como a música e artes em geral. Essa quebra do antiquíssimo modelo da família nuclear por si só traz uma reflexão necessária em tempos onde o moralismo e o conservadorismo ainda ameaçam qualquer vertente filosófica que desafie o status quo. Sempre entregando qualidade em sua atuação, Mortensen demonstra o quão difícil e conflituoso pode ser uma vida na qual um pai realmente têm que ouvir seus filhos argumentando e usando as ferramentas intelectuais que ele mesmo os ensinou para fazer valer suas próprias vontades.

    O roteiro demonstra maturidade ao deixar claro as vantagens e as desvantagens desse estilo de vida. Os filhos de Ben são poliglotas, versados em literatura clássica e até física avançada. Seu pai é o próprio responsável por grande parte dessa educação e o mesmo estimula seus filhos a realmente pensar, analisar, refletir e argumentar suas idéias. Quando uma de suas filhas tenta usar a palavra “interessante” para descrever o livro que estava lendo no momento (Lolita), Ben replica dizendo que isso é uma “não-palavra”’ e pede que ela analise e discorra sobre sua visão da obra. Até os mais jovens, são capazes de um questionamentos sócio-político sagaz. O filme nos apresenta essas situações de maneira criativa e descontraída, casando com o tom do primeiro ato. Ao mesmo tempo deixando claro que a ausência da mãe começa a pesar cada vez mais sobre toda a família.

    7. Os Oito Odiados (Quentin Tarantino, 2016) – Por Jackson Good

    Certa vez definiram Quentin Tarantino como “o mais cool dos cineastas cult” – seja lá o que isso signifique exatamente. O fato é que diretor sempre transita entre as alas de quem curte analisar sub-textos e metalinguagens e daqueles interessados simplesmente numa diversão sanguinolenta. Ainda que sua imagem de ídolo “alternativão” construída pré-Kill Bill venha sendo contestada a cada novo filme lançado, é gratificante vê-lo solto e despreocupado, fazendo claramente o que quer no seu último longa, intitulado Os Oito Odiados.

    Mais uma vez ambientando-se no Velho Oeste, assumidamente um dos seus gêneros preferidos, Tarantino naturalmente homenageia clássicos, começando pela trilha sonora do mito Enio Morricone. Há também espaço para auto-referências bastante claras, como uma releitura de Cães De Aluguel e o uso de seus atores-fetiche Kurt Russell, Tim Roth, Cristoph Waltz e Samuel L. Jackson (fantástico, aliás). Se você quiser dar pontos pela sátira/crítica à sociedade norte-americana e sua formação baseada em violência, misoginia, paranoia e imoralidades afins, tudo bem. Mas a impressão é de que o plot (diferentes personagens presos em uma estação de diligências durante uma nevasca, todos com segredos e interesses obscuros) é apenas uma desculpa para o velho Quentin se divertir com suas homenagens, cenas longas com diálogos expositivos onde os atores brilham, reviravoltas regadas a alguns litros de sangue, e outros de seus brinquedos habituais. E nem precisa de mais do que isso para ser um dos destaques do ano.

    6. Deadpool (Tim Miller, 2016) – Por David Matheus

    Se existe um exemplo de que a internet pode mover montanhas, esse exemplo é Deadpool. O filme solo do mercenário tagarela ficou anos no papel e só ganhou notoriedade graças à rede mundial de computadores. Há poucos anos, Hollywood tinha uma espécie de costume em que filmes para maiores de idade não faziam dinheiro algum, uma vez que se limitava a quantidade de público que iria ao cinema. Com isso, diversos personagens que mereciam ter suas histórias contadas de forma justa ganharam adaptações bizarras para as telonas para que todos as pessoas pudessem assistir. Wolverine é um caso recorrente e Deadpool, coitado, teve seu projeto enfiado debaixo dos tapetes após a bizarrice vista no filme solo do carcaju. Mas o astro Ryan Reynolds e o diretor Tim Miller seguiram em frente e gravaram apenas uma cena para convencer os executivos de que Deadpool merecia um filme à altura do personagem. “Não”, eles disseram. Então, porque não “vazar” a cena e ver o que o mundo acha? E o resultado foi estrondoso e a dupla Reynolds e Miller ganharam sinal verde para o que quisessem fazer, mas com um orçamento limitado. Deadpool não perdoa ninguém. Não perdoa o espectador, não perdoa o Lanterna Verde. Não perdoa a Marvel, não perdoa as celebridades e não perdoa nem a sua casa, a Fox, levando ao chão as super (e as vezes desastrosas) produções dos X-Men. O filme em si não é uma maravilha, mas está entre os melhores filmes do ano não por ser “violento e divertido” e trazer justiça para o personagem, mas sim por ser corajoso e por quebrar paradigmas e quartas paredes que foram levantadas ao longo dos anos em Hollywood.

    5. Spotlight: Segredos Revelados (Tom McCarthy, 2015) – Por Bernardo Mazzei

    Principal vencedor do Oscar do ano passado, Spotlight: Segredos Revelados poderia ter facilmente caído no melodrama barato ou no sensacionalismo, uma vez que lida com uma questão extremamente delicada. Entretanto, o diretor Tom McCarthy conduz o filme de forma segura e brilhante, conseguindo grandes atuações de todo o elenco, principalmente de Mark Ruffalo. Spotlight é um filme que se preocupa em contar bem uma história, mas é nas relações humanas em que se destaca. Todos os personagens tem nuances próprias e fogem dos arquétipos do gênero. Mais que isso, não há nenhuma forma de maniqueísmo. Executado de forma simples e direta, Spotlight é um excelente longa que fez por merecer a estatueta de melhor filme.

    4. A Bruxa (Robert Eggers, 2015) – Por Flávio Vieira

    O gênero de Terror parece ter se reinventado na última década, ainda que essa reinvenção seja questionável, já que a maioria dos bons filmes que têm saído nesses últimos anos ainda utilize seus principais nomes como referência, entre eles, William Friedkin, John Carpenter, Wes Craven, Tobe Hooper, entre outros. A Bruxa, de Robert Eggers, vai além do momento fértil que o cinema de terror vive e sabe como trabalhar suas influências e transmitir medo.

    Na cena de abertura, acompanhamos o chefe de uma família sendo levado perante um conselho de seus concidadãos, sendo acusado e sentenciado ao banimento da colônia, tendo de sair com sua família e todas as suas posses para a floresta. Não sabemos qual o crime cometido, mas segundo o pai “ele apenas praticou o evangelho do Senhor”. O deserto e a escuridão os espera, como uma forma de provação, assim como Jesus foi provado. Os resultados não serão os mesmos, aqui remetem muito mais ao destino de Caim, após ser expulso do Éden. Um horror que não pode ser diminuído aguarda por cada membro da família, e esse horror, de maneira psicológica, é transmitido aos telespectadores.

    A Bruxa relembra até mesmo os incrédulos que há momentos onde a racionalidade não tem lugar, neste momento não se pode varrer as cinzas ou apaziguar a maldade que existe dentro de cada um de nós.

    3. Elle (Paul Verhoeven, 2015) – Por Rafael W. Oliveira

    Se o cinema de Paul Verhoeven é marcado por subversões, satirizações, sensualidade desmedida e uma visão bastante ampla em suas particularidades sobre a análise de temas corriqueiros do cotidiano, Elle pode ser uma síntese tanto quanto foi Instinto Selvagem, RoboCop, Tropas Estelares ou Showgirls. E é nisso que olhamos para um destes filmes e dizemos: é puro Verhoeven. O “puro” define um cineasta cujo cinema sempre fora recebido com tamanho carinho pelo próprio, mesmo em seus projetos mais revistos por estúdios. Elle, lançado tanto tempo após o último longa de Verhoeven, é mais uma obra de sensibilidade singular sobre a banalidade das discussões em temas corriqueiros do cotidiano. E também sobre a força que o Cinema têm de nos fazer desafiar e reavaliar nossas próprias questões de moralidade.

    Pois enquanto Elle faz uma sátira impiedosa sobre uma gama de tempos, em uma experiência extremamente prazerosa ao senti-los no decorrer da narrativa, Verhoeven também chega diante do caos do mundo e nos entrega um filme sobre o controle, podendo isso ser entendido como quisermos. E em uma Isabelle Huppert sólida, magnética e dona de uma presença de imposição assombrosa, o diretor encontra sua nova catarse sobre o cotidiano, o mundano, o banal, o sujo e o amoral. E levando-o a uma definição banal e ainda pouco representativa para tal, Elle é uma obra-prima.

    2. Creed: Nascido Para Lutar (Ryan Coogler, 2015) – Por Rafael Moreira

    Creed: Nascido Para Lutar é a retomada em grande estilo de uma das maiores mitologias do cinema. Continuando com Rocky passando o bastão de protagonista para o filho de seu grande amigo dos tempos áureos, Apolo Creed. Depois de uma boa retomada da franquia em Rocky Balboa que tirou o gosto amargo que o quinto filme tinha deixado com os fãs, Creed nos leva de volta a origem da série. Tanto em qualidade como nas próprias metáforas para a vida que o Sly sempre faz questão de colocar.  Além disso, seja por mérito do diretor ou do próprio Stallone, essa é possivelmente sua melhor atuação.

    Enfim, Creed é a história de uma vida. De um ator. De um lutador. Seja no ringue ou fora dele. Que luta tanto por si próprio quanto por quem está a sua volta. Podemos dizer que Creed é a materialização em forma de arte da melhor frase do cinema brucutu. “Não importa o quanto você bate. Mas sim o quanto aguenta apanhar e continuar. O quanto pode suportar e seguir em frente. É assim que se ganha”. Ah, Rocky. Que saudades que estávamos de você.

    1. A Chegada (Denis Villeneuve, 2016) – Por Thiago Augusto Corrêa

    Dennis Villeneuve se mantém como um dos diretores mais interessantes na ativa. Suas obras são capazes de integrar o roteiro e a imagem sem medo que a narrativa se torne parcialmente subjetiva. Baseado no conto de Ted Chiang, A Chegada mantém o estilo do diretor em uma potente história apoiada na tradição da ficção científica para destacar a falta de comunicação entre as comunidades. A transmissão da linguagem se transforma no conectivo de compreensão entre os povos, retomando simbolicamente o necessário uso da expressão e da palavra como transmissor de conhecimento.

    A ficção científica na história marca o desconhecido, potencializa a mensagem principal da produção em um roteiro reflexivo que exige do público uma parcela de análise e comprensão, tanto em sua mensagem quanto no paradoxo exibido em cena. Enquanto outros diretores cedem ao caminho mais fácil, Villeneuve mantém a confiança no público para que seus filmes adquiram um significado completo.

    Confira também nossa lista dos Piores Filmes de 2016.

    Participaram desta votação: Flávio Vieira, Rafael Moreira, Thiago Augusto Corrêa, Filipe Pereira, Amilton Brandão, Jackson Good, André Kirano, Pablo Grilo, Bernardo Mazzei, David Matheus, Douglas Olive, Marcos Paulo Oliveira, Fábio Candioto, Halan Everson, Dan Cruz, Leonardo Amaral, Cristine Tellier, Marlon Faria e Rafael W. Oliveira.

  • Crítica | Sicário: Terra de Ninguém

    Crítica | Sicário: Terra de Ninguém

    sicario

    O talentoso diretor canadense Denis Villeneuve retorna ao circuito estadunidense após executar seu belo O Homem Duplicado em sua terra, para executar o badalado Sicario: Terra de Ninguém, que explora um drama policial que tem seu protagonista dividido entre uma mulher e um homem latino, o que deveria ser o ponto de partida para uma trama equilibrada em relação às minorias, fato que não ocorre.

    O roteiro do iniciante Taylor Sheridan (um ator de series televisivas, como Sons of Anarchy, Veronica Mars e dois spin offs de CSI) explora a história de Kate Macer (Emily Blunt), uma agente do FBI que já no início se vê em uma situação de calamidade, ao encontrar os espólios de um cartel latino violentíssimo, que se escondia nos compartimentos de uma casa entre corpos putrefatos de seus inimigos.

    A trilha sonora, apesar de interessante, acaba por cortar a maior dose dos suspenses que se postam diante de Kate. Gradativamente, novos chamados à aventura são feitos a agente, que deixa sua confortável posição de chefia para acompanhar Alejandro (Benicio Del Toro) e Matt Graver (Josh Brolin). Os dois personagens masculinos exercem uma opressão emocional sobre ela, fazendo ficar ainda mais evidentes os descuidos da moça com a sua aparência, aspecto que serve de signo para o estado depressivo em que ela se encontra.

    No entanto, a postura debochada de Graver é completamente diferente do comportamento misterioso de Alejandro, que se enquadra no mesmo estereótipo dos heróis de western spaghetti: homem duro, cujo passado misterioso o credencia para ser o superior em qualquer aventura. Não fosse a entrega de Del Toro, tal repetição de bordão dramatúrgico seria um erro, mas não o é, especialmente se comparado a todo o resto. As motivações das personagens são mal construídas, tão rasas que não possuem credibilidade em qualquer de suas atitudes por serem somente reflexos de um péssimo clichê.

    A construção de ideário do que seria Juárez, uma província mexicana onde a violência explícita é a palavra definitiva, esbarra em mais uma retratação xenófoba por parte do script tipicamente hollywoodiano. Até as boas cenas de ação e a bela fotografia de Roger Deakins (que já havia trabalhado com Villeneuve em Os Suspeitos) são diluídas graças à desimportância que ocorre após tantas frases de efeito e repetições de padrões visuais toscos, como gângsteres tatuados, que têm na crueldade seu norte, conceito idêntico ao dos piores seriados policiais dos anos 1990.

    Nem mesmo a mudança tática entre o esquadrão do começo do filme e o novo modo de combate apresentado pelos agentes especiais serve de alento. A tentativa de gerar signos visuais que acarretem em situações de real discussão de ambiguidade esbarra nas péssimas construções de relacionamento, que primam pela insipidez, exceto no caso de Alejandro – exatamente por não se revelar quase nada de seu repertório.

    Apesar de tentar mostrar um universo enbrutecido, Sicario peca por não saber escolher entre a vontade de Kate em alcançar a onisciência e o cinismo caricato de Graver e seus homens, ao abordar um mundo sem esperanças. O final assume de vez a má construção do texto, entregando o protagonismo ao único personagem que não está mal justificado em tela, aludindo curiosamente a uma curiosa semelhança deste desfecho com o videogame que dá continuidade aos fatos ocorridos no jogo Scarface: The World is Yours, que punha Tony Montana de novo em ação, ainda que Del Toro seja muito menos histriônico que o traficante cubano. Curioso que um desfecho semelhante ao realizado em outra mídia seja um dos melhores momentos de um filme cujo potencial era imenso, mas que se perde em meio a um argumento descabido e desequilibrado, que torna banais até temas graves.

  • Crítica | O Homem Duplicado

    Crítica | O Homem Duplicado

    o homem duplicado

    O filósofo Friedrich Hegel dizia que as coisas tendem a se duplicar, e Karl Marx complementaria este pensamento afirmando que a primeira vez desta duplicação é sempre uma tragédia, enquanto a segunda, uma farsa. Tais máximas são citadas no novo filme de Denis Villeneuve baseado no romance O Homem Duplicado do nobel José Saramago, reafirmando a parceria do diretor com Jake Gyllenhaal ao recorrer a um estilo com um pé no grotesco, uma temática que lhe é familiar, ainda muito na esteira do suspense Os Suspeitos.

    O roteiro de Javier Gullón acompanha, após uma introdução que revelaria muito do enredo, a rotina do depressivo professor de história Adam Bell (Gyllenhaal). Curioso como o personagem principal é retratado em cenas de fantasias sexuais idílicas e lembranças da quase impotência que sofre junto a sua então parceira Mary, Mélanie Laurent  o que por si só já evidencia que algo está errado, visto que a aparência de sua esposa é belíssima. Nos momentos em que sua rotina é mostrada, nenhum motivo gritante é conduzido como o catalisador desta condição depressiva. A fonte do problema parece ser o próprio conjunto de elementos que caracterizam o cotidiano do homem, relacionando-se com a inadequação de viver em um mundo distante demais dos seus ideais. No entanto, é aventada a possibilidade simples do homem só sofrer do problema unicamente por estar vivo, mostrando que esta já é uma justificativa suficiente para derrubar sua autoestima.

    Um popular – o clássico homem ordinário – avista-o, dando a ele uma dica sobre um filme (Querer é Poder) e, sem qualquer pretensão, Adam assiste à película. Assistindo-a com atenção, ele percebe que é parecido com um personagem, cujo papel no filme é bem pequeno. A concupiscência faz Adam se interessar pela vida de Anthony Claire (o ator), passando da indiferença para a leve curiosidade, evoluindo, a posteriori, para uma cinefilia seletiva através da qual assiste aos filmes do artista e depois recompõe o que seriam os seus passos fazendo deles a sua própria rotina, como, por exemplo, visitando o prédio de uma produtora. O hobby torna-se uma obsessão e Adam tenta entrar em contato com Anthony, descobrindo que este também tem a voz muito semelhante a dele.

    Decorridos mais de trinta minutos de filme, o protagonismo passa a variar caindo sob a responsabilidade do ator, o que demonstra que sua vida pessoal também é deveras complicada. Com uma carreira interrompida e uma esposa gestante  Helen (Sarah Gadon), cuja semelhança física remete a Mary —, revela-se que ambos têm muito mais em comum do que uma aparente e paranoica ligação no meio da noite poderia fazê-lo supor.

    A dualidade do ofício de Anthony faz Helen ficar em dúvida. Primeiro, por um caso de infelicidade do passado que o homem jurou não mais em incorrer, assunto inclusive evitado por ele; segundo, pelo encontro “frustrado” entre as contrapartes ao qual ela faz questão de comparecer. As dúvidas que lhe vêm são pertinentes, especialmente se analisar seu passado. Além de interrogações bem construídas para a personagem, ainda levantam-se dúvidas sobre a veracidade dos fatos ocorridos, pondo uma interrogação no que seria a realidade ou fruto da paranoia das pessoas que correm à trama.

    Os dois resolvem se pôr frente a frente em um local neutro, e a evidência da verdade abala a ambos, ainda que suas reações sejam bastante diversas. O papel de perseguidor e perseguido se inverte, assim como a fantasia de se ter outra vida que não a que ele possui. A descoberta mexe com a psiquê de Anthony, fazendo-o reviver alguns de seus fantasmas. Ele leva este problema a sua pseudoterapeuta (sua mãe), que pede para ele abstrair-se em sua própria vida e não cair na tentação de não conseguir manter-se com uma só mulher. A volúpia do aposentado artista o faz cobiçar a mulher de sua contraparte, fazendo-o até mesmo considerar tal desejo um ato normal, diferentemente de suas infidelidades anteriores. A troca de vidas acaba sendo mútua, apesar da coação de Anthony sobre Adam e de todo o planejamento do primeiro.

    As esposas reagem de forma diversa, mas têm em comum a confusão sentimental, não tendo uma certeza tão grande em relação à identidade do “cônjuge”. O final, de conteúdo quimérico, resgata o início, reforçando a ideia de que a mente de Adam sofre sérios problemas, pois, mesmo com a mudança de ares, ele permanece assombrado pelas fobias, tendo no máximo um alívio transitório em suas inseguranças.

    A metáfora, apresentada minutos antes dos créditos finais, tem um significado diferente do apresentado no romance de Saramago e, como quase tudo na mensagem do filme, possui dubiedade ímpar. Mais uma vez, Villeneuve convida o espectador a vivenciar uma experiência misteriosa, cativante e que, apesar de fazer muitas concessões à realidade e à vida mundana, prossegue em paralelos a problemas reais e comuns ao homem moderno, tais como depressão, infidelidade e a necessidade de se fugir da realidade.

  • Crítica | Os Suspeitos

    Crítica | Os Suspeitos

    Prisoners 2013

    O canadense Denis Villeneuve tem uma carreira curta, porém proeminente, como realizador de filmes. Seus trabalhos já são muito bem quistos pela crítica e pelo público – especialmente depois de Incêndios (Incendies), que foi indicado pela academia como melhor filme de língua estrangeira em 2011. Esta sua primeira direção de um filme estadunidense e com um grande orçamento, a fita Prisoners (que deveria ter a sua tradução literal para o título do filme), é um suspense milimetricamente planejado e realizado com um esmero pouco visto no cinema atual.

    O primeiro mérito da produção é a autonomia com que Villeneuve leva o seu filme, conseguindo ultrapassar os limites que muitos diretores estrangeiros não conseguem, que é o de rodar exatamente o que se quer sem interferências externas. Os Suspeitos é uma película implacável, violenta e visceral, que não tem dó do seu expectador, esmiuçando os problemas de seus personagens sem piedade e apelando para uma questão de empatia universal: a relação de paternidade e o cuidado com os filhos.

    Hugh Jackman interpreta Keller Dover, um pai atencioso que tem sua filha raptada logo nos primeiros momentos de tela. A menina é levada junto com uma amiga, e o drama das duas famílias é explicitado em cena. Cada um dos membros dos clãs reage de uma forma, uns de forma passiva, outros inconformados. Keller se desespera, é sempre o mais propenso a agir, muito movido por uma auto-culpa por não ter conseguido impedir o sequestro , que se agrava com as constantes acusações de seu filho mais velho (Dylan Minnette). Dover se desentende com o responsável pelas investigações, Detetive Loki, interpretado por Jake Gyllenhaal, achando que ele não está se esmerando o suficiente e decide tomar uma atitude drástica com relação a um dos suspeitos e então o filme se divide em duas frentes, a demonstração das ações de Keller e a investigação do policial.

    Quando Loki vai atrás de pistas, as janelas pelas quais as imagens passam estão empoeiradas, numa óbvia alusão a completa falta de clareza nas investigações que move. O argumento é repetido com a neblina que sempre envolve o personagem, o detetive tem boas intenções mas esbarra em seus próprios defeitos, especialmente sua falta de perícia em dar andamento a procura por indícios do cativeiro das crianças. O agente da lei reclama o tempo inteiro por não ter boas condições de trabalho, principalmente no que tange a vigilância a Alex (Paul Dano), um dos suspeitos – seu superior justifica o erro apontando a falta de verba para o corpo policial, onde o roteiro evidencia as dificuldades que o sistema impõe em relação ao cumprimento do trabalho do servidor público. Mesmo que sua competência nas investigações seja discutível, Loki mostra uma paciência de Jó e não responde aos impropérios do pai inconsolado – as cenas entre Jackman e Jake Gyllenhaal são sempre muito boas, os atores possuem uma química incrível e ambos apresentam representações memoráveis e críveis no que tange os seus desempenhos dramatúrgicos.

    Nas cenas em que tem de aguardar as ações policiais, Keller usa um capuz que cobre o seu rosto, remetendo a vergonha e a dúvida sobre seus atos, se eles são corretos ou não, não tanto pelo maniqueísmo ou a briga certo/errado, mas sim pela obtenção de resultados, praticamente nula mesmo após tantas medidas extremas tomadas por ele. O alcoolismo retorna a sua vida, o personagem busca desesperadamente a coragem para prosseguir em sua busca. Sua atitude é extrema e culpável, se levado em conta o ideal moral e ético de comportamento humano, mas é plenamente cabível diante do desespero de não ter sua filha em seus braços, o sentimento paterno extrapola até o contrato social.

    Nas últimas cenas, após a descoberta do real vilão, Loki, após mais um erro de julgamento, e tentando não cometer mais equívocos, tenta levar a menina até o hospital a fim de retirar o veneno que lhe foi imposto. Graças a um ferimento na cabeça, o sangue escorre até os seus olhos, explicitando as feridas naturais que o impedem de enxergar a estrada a sua frente, e que mais tarde, o impede também de notar o paradeiro de Keller Dover, onde o papel de suposto foragido se inverte. O roteiro de Aaron Guzikowski é pródigo em usar os clichês do gênero de suspense de forma auspiciosa e muito competente, que junto à direção de Denis Villeneuve, faz desse Os Suspeitos um dos melhores filmes de 2013.

  • Crítica | Incêndios

    Crítica | Incêndios

    incendies - poster

    Produção franco-canadense, de 2010, indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro. Direção e roteiro de Denis Villeneuve. Baseado numa peça (de mesmo nome) de Wadji Mouawad. Com: Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin e Maxim Gaudette.

    Em Montreal, Nawal Marwan (Azabal) é mãe do casal de gêmeos Jeanne (Désormeaux-Poulin) e Simon Marwan Gaudette) e sempre tratou ambos com distanciamento. Trabalhava há mais de 15 anos como secretária de um notário, cuja esposa (assim como ele) afeiçoou-se a ela e seus filhos. Nawal faleceu e durante a leitura de seu testamento os irmãos são surpreendidos com alguns dos desejos da mãe. Ela pede para ser enterrada sem caixão, sem lápide, sem epitáfio. Deixou duas cartas, ou melhor, três. Uma a ser entregue por Simon ao pai, que não conheceram e julgavam morto. Outra a ser entregue por Jeanne ao irmão, cuja existência desconheciam. E a última a ser entregue a eles depois das outras duas chegarem a seus destinatários.

    Os irmãos reagem de forma totalmente diversa. Enquanto Simon reluta em cumprir as disposições do testamento, querendo simplesmente dar à mãe um enterro convencional e seguir com sua vida; Jeanne entrevê a possibilidade de descobrir e entender a causa do silêncio de sua mãe nas semanas que antecederam sua morte, assim como de aprender sobre sua própria origem e a de sua família. E Jeanne viaja para o Líbano a fim de iniciar sua busca pelo passado.

    Inicialmente, pode parecer que se trata de um misto de filme de detetive e road-movie. Mas é muito mais que isso. O espectador acompanha duas linhas temporais, a viagem de Jeanne à procura de informações e a jornada de Nawal desde sua juventude. A alternância entre elas não gera confusão, ao contrário, as narrativas são complementares. As revelações são feitas aos poucos, sem pressa. E o espectador descobre, junto com Jeanne, os motivos que levaram Nawal a ser tão distante e a manter esses segredos durante todo o tempo.

    A peça em que se baseia o filme foi inspirada na estória de Souha Béchara, membro da resistência libanesa, que atualmente mora em Genebra. O pano de fundo da estória é a guerra civil libanesa, os conflitos entre cristãos e muçulmanos. Sem nunca nomear quaisquer dos personagens e localidades reais envolvidas, o roteiro evita cair no lugar-comum e tomar partido. Imparcialmente, enquanto o espectador acompanha o desenrolar da estória de Nawal, presencia a violência que passou a fazer parte do dia-a-dia da população local. É como se a trajetória dela fosse um resumo do momento histórico que vivenciou tão intensamente.

    Texto de autoria de Cristine Tellier.