Resenhas – Página: 29 – Vortex Cultural

Resenha | Batman: O Messias

18 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

A década de 80 foi terreno extremamente fértil para as histórias em quadrinhos. Para Batman, a década foi palco de obras clássicas como A Piada Mortal, Cavaleiro das Trevas, Batman – Ano Um e Asilo Arkham, pilares canônicos do Morcego. Em um curto espaço de tempo, grandes roteiristas apresentaram sua leitura do herói, desconstruindo, ao seu desejo, inexperiência, loucura, parceria e morte ou quase-mortes fatais.

Lançado em 1988, em quatro edições especiais, Batman – O Messias se passa aproximadamente dez anos após as primeiras aventuras do herói. Um tempo considerável para experiência, treinamento e força tática. As cores de Bill Wray se destacam pela escolha de paletas não usuais, causando uma sensação de desconforto logo na primeira página, o desenho de uma imponente mansão em um céu avermelhado. Um mergulho, ao que parece, em um devaneio do Homem-Morcego, que, oscilando entre o passado e o presente, surge em cena subjugado e preso nos esgotos da cidade.

Não é a figura mitológica de Gotham City o enfoque da história, mas o homem por trás da máscara. Sobrepujado, faminto e enfraquecido pelo diácono Blackfire, o espírito de Bruce Wayne foi quebrado. O personagem já sofreu derrocadas anteriores mas nunca de forma centrada em sua psiquê interna. O roteiro de Jim Starlin nega o conceito de um herói quase inumano, fundamentado pelas décadas posteriores como um personagem indestrutível.

Responsável pela prisão do Morcego, o diácono Blackfire reúne nos esgotos de Gotham City os párias invisíveis da sociedade em uma seita que deseja erradicar o mal da cidade e dar poder aos menos favorecidos. Uma parábola afirma que o messias surgiu em uma época próxima da colonização da América, e, desde então, sua palavra santa é propagada. O diácono representa o personagem carismático que domina, a favor de si próprio, seres desesperados. Por intermédio de uma força maior, favorecida pelo uso de psicotrópicos, Blackfire induz uma seita devota pelo medo e fé. No prefácio assinado por Starlin em 1990, o autor refere-se ao personagem como um reflexo de certo grupo de americanos que estiveram contra os quadrinhos desejando evitar que a violência, a morte e o horror estivessem presentes em obras de entretenimento. A discussão foi passada para a história na figura do diácono, em suas palavras, “disfarçado como um líder religioso, se escondendo sob um falso moralismo enquanto age em nome de seus próprios interesses”. A figura do vilão carrega o lado sinistro das seitas e de seus meios para conquistar fiéis, um sistema que, apertando os pontos certos de tensão, coloca o próprio herói em dúvida.

A história demonstra a humanidade do Morcego e a fraqueza de Bruce Wayne. Mesmo que em porção diminuta, os medos persistam e ampliam-se pelos alucinógenos. Batman se torna um homem frágil, oscilando entre a realidade e o onírico, quase destruído pela culpa e pela sensação de ter sido mais um mal à própria cidade. Enquanto permanece encarcerado, crimes brutais acontecem nas ruas de Gotham. Eliminando criminosos, o Comissário Gordon e o menino-prodígio Jason Todd são incapazes de conduzir uma investigação destes crimes e encontrar o paradeiro do detetive que poderia elucidar tais acontecimentos. Um paradoxo que demonstra a importância de Batman dentro das engrenagens da cidade.

O desenho de Wrightson, reconhecido pelos traços de Monstro do Pântano, quebra a dimensão da realidade e imerge o leitor na consciência transitiva do Morcego em dúvida. É um lampejo criativo que implode a personagem em uma soberba trama psicológica, a qual também deveria figurar entre as grandes obras do Morcego, mas que ainda continua um tanto eclipsada diante destas grandes histórias. Não à toa, a ambientação do submundo foi utilizada no roteiro de O Cavaleiro das Trevas Ressurge, o final da trilogia cinematográfica de Christopher Nolan, que cirurgicamente retirou diversos elementos de narrativas chave do Morcego para construir seu roteiro.

Resenha | Os Ignorantes: Relato de Duas Iniciações

14 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Wmf Martins Fontes

O público abrangente e a base sólida do mercado brasileiro de quadrinhos possibilitam, hoje, a publicação de pequenas obras autorais que, em outros tempos, não chegariam em nossas mãos. Ainda que a maioria dos leitores de quadrinhos no país se formou com leituras de super heróis, há poucos que evitam ou se incomodam com uma narrativa que não utiliza ganchos e ação em excesso, mantendo o interesse por outras vertentes de estilo dentro das diversas possibilidades que esta arte proporciona.

Os Ignorantes – Relato de Duas Iniciações, lançado neste ano pela WMF Martins Fontes, é uma obra inserida dentro de uma experiência real. Uma metanarrativa que apresenta o autor Étienne Davodeau como personagem, em companhia do amigo vinicultor Richard Leroy, para uma interessante proposta: uma troca de experiências de vida entre ambos. Durante um ano, o quadrinista acompanha a colheita e o processo de composição dos vinhos de Leroy, enquanto o vinicultor conhece o universo das HQs, desde rabiscos feitos para produzir esta história até leituras de obras renomadas e encontros com outros artistas franceses.

Movidos por uma paixão intensa, cada um em seu respectivo ofício, os personagens se veem debruçados sobre um novo universo não explorado. Como guias em uma jornada dupla, diferente de seus cotidianos, contemplam os caminhos que levam a um bom vinho e a uma boa HQ. Uma experiência que funciona pelo mergulho curioso em outro cotidiano.

Recontando a experiência documentada pelos quadrinhos, o leitor se torna testemunha passiva da jornada, mas infelizmente incapaz de participar das leituras e bebidas sorvidas pelos amigos (há no final da edição uma lista apresentando vinhos e leituras degustadas). O vinho e os quadrinhos são artes escolhidas como objeto, mas não centro da obra; é a experiência e a discussão que importam à experiência.

A arte é vista sob um plano geral que aproxima a produção de vinhos e os quadrinhos diante da percepção de que são necessários conhecimento, dedicação, paixão e amor para que o trabalho seja bem realizado. Mesmo que no final do processo o público observe uma garrafa de vinho, ou uma HQ exposta em livraria como um mero objeto, o processo da arte esconde diversas etapas, tanto burocráticas quanto sensíveis, em sua feitura. Dentro da vinícola de Leroy, observamos a importância do solo, as podas diárias e a utilização de produtos naturais para o solo e preservação das uvas, acreditando que o contato direto com a vinha e produtos não industrializados ou químicos produzem uma safra melhor. Não há como desassociar a composição de um vinho de um verdadeiro trabalho artístico, que denota conhecimento externo sobre elementos diversos e um toque de intuição e estilo próprio.

Entre leituras e bebidas, personagens dialogam sobre estas paixões, evidenciando a importância da experiência e opinião sobre a própria arte. Ela é um elemento de aproximação capaz de conectar desconhecidos devido a sua força e à pluralidade de opiniões, uma das motivações que produziria este coletivo. Os artistas não buscam uma supremacia com suas obras, mas um espaço em que se discuta a arte dos quadrinhos e dos vinhos.

Além da paixão pela profissão, há também o prazer em realizá-la. Essa jornada é transformada em uma apetitosa degustação sensorial, um caminho de conhecimento que, em suas linhas gerais, demonstra o quanto uma obra deve ser composta – não importando se arte ou não – com prazer e paixão para um resultado efetivo, como se o trabalho do artista estivesse representando adequadamente a experiência íntima de cada leitor ou degustador. O vinho e os quadrinhos são a referência para reverenciar a arte, e torna-se quase impossível para o leitor, após esta obra, não se sentir tentado a realizar uma experiência pessoal de observação cotidiana e, entre amigos, saborear vinhos, livros e quadrinhos.

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Resenha | São Jorge: Soldado Do Império – Volume 1

12 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Danilo Beyruth, Panini, Quadrinhos Nacionais, São Jorge

Misturando mito com pesquisa histórica, Danilo Beyruth reconta as histórias que envolvem o soldado romano Jorge, numa imaginação moderna do conto religioso que envolve sua personagem em uma intricada rede de conspirações. No prólogo, o autor demonstra em poucas páginas o cunho da publicação, pautado em uma violência moderada e causada por bestas somente presentes nas histórias de fantasia.

O contraste entre as vestimentas pomposas do exército romano e os rostos cansados dos militares de patente baixa serve de alegoria a um império que já foi muito rico e capaz, mas que atravessa uma derrocada, em franco declínio, direcionado a uma ruína econômica e administrativa que já se reflete no campo de batalha e na política. O grafismo presente nas batalhas faz lembrar os livros medievais de Bernard Cornwell, claro, com prudência um pouco maior, mas ainda assim sanguinolenta, facilitada pela ausência de cor. O guerreiro Jorge mostra-se bastante contrariado com o Império, que insiste em armar guerras entre eles próprios, sob a acusação de que o soberano do Egito seria um pária, um traidor da causa romana. Em seu discurso, há uma crítica ao modo injusto como era conduzida a sucursal.

O panorama realístico causado pelo belo traço de Beyruth, padronizado em todo o cenário político envolvido nos diálogos entre personagens, faz com que o contraste e o choque de realidade sejam ainda maiores nas aparições do dantesco ser reptiliano. As dilacerações causadas pelo monstro são assustadoras e envolvem membros decepados encontrados em lugares ermos. Uma conspiração é executada para retirar o poder de Jorge em razão de sua contestação do modo de governar dos romanos.

Designado para investigar um sumiço qualquer de animais de camponeses, o tribuno Jorge é enviado sozinho a uma aldeia para checar uma situação estranha de uma suposta criatura – nomeada pelo povo como um dragão – que teria arrasado suas terras e comido seu gado, além de ter destruído inúmeras fazendas. O guerreiro mostra-se incrédulo ante a possibilidade dos ataques terem sido impingidos por esta besta, e, a contragosto – mas servil –, põe-se a investigar o relato estranho dos aldeões com o auxílio de uma moradora, a pessoa que mais perto aproximou-se da criatura.

Jorge se surpreende ao atravessar um rio e ser atacado por um crocodilo gigante, que abocanha o burro que o auxiliava com uma única mordida. Ao tentar atacar o animal com um lança, falha em todas as investidas, graças à carapaça escamosa do animal. Seu extenso tamanho o assusta de início, mas sem tempo para ficar amedrontado, o bravo guerreiro segue atacando-o, com o final do embate deixado para o segundo volume da publicação. A história pensada por Beyruth continua em A Última Batalha, onde o estratagema que tornou sua figura famosa finalmente ocorre. Este primeiro volume serve para ambientar o público dentro do ethos do personagem, pincelando elementos que o transformariam em figura canônica e venerada por inúmeros fiéis.

Resenha | Batman: Ano Um

11 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

david mazzucchelli, Frank Miller

A Crise Nas Infinitas Terras foi a ousada saga que redefiniu as estruturas dos quadrinhos da DC Comics, centralizando acontecimentos e retirando incongruências produzidas por roteiristas ao longo dos anos. Não há quem não cite esta saga com devoção canônica. Porém, após este acontecimento de grandes proporções, era necessário demonstrar ao público uma nova faceta das personagens e, com este reinício, apresentar novas histórias.

A trindade de heróis, formada por Superman, Batman e Mulher-Maravilha, precisava de reformulações coerentes, e autores considerados, hoje, grandiosos foram responsáveis pelas modificações estruturais destas personagens. John Byrne assinou a nova origem do Super Homem, uma aventura que modificava diversas bases da concepção original e, durante outras décadas, foi transformada diversas outras vezes, porém, nunca com a potência desta origem que se tornou a mais significativa popularmente. George Pérez, responsável pelos desenhos da Crise, e Marv Wolfman deram imagem e conteúdo a Mulher-Maravilha, uma Diana forte e, ao mesmo tempo, feminina, com um passado apoiado na mitologia greco-romana. Os próprios editores, incluindo Denny O´Neil, reconheciam que Batman era o personagem com origem mais coesa. Desde sua criação, as histórias apoiavam-se em investigações, e não havia incongruências gritantes como as citadas personagens; a essência do Homem Morcego permanecia. No prefácio da edição de luxo da Panini Comics, o editor explica a necessidade de refinar a origem conhecida. Frank Miller foi voluntário e, na época, trazia no currículo a fama de um dos maiores revolucionários dos quadrinhos, com a bem-sucedida passagem na revista de Demolidor, na graphic novel Ronin e em uma das obras supremas do Morcego: O Cavaleiro das Trevas.

Batman: Ano Um foi uma aventura de quatro partes publicada na revista mensal do Morcego e lançada no país, originalmente em setembro de 1987, em Batman nº 1, sendo republicada quatro vezes, incluindo esta edição de luxo da Panini. As quatro partes da trama são como atos narrativos de uma peça literária, apresentando aspectos diferentes da criação da figura do Morcego. Indo além da origem do herói, a história apresenta a chegada de Gordon a Gotham City, um elemento narrativo que se amarra à fundação da personagem central.

Situada em um período de um ano, a história é bem dosada temporalmente tanto por cenas-chave da concepção da personagem como por cenas breves de treinamentos e do cotidiano policial por parte de Gordon. Miller leva ao pé da letra a concepção de um ano e apresenta o lento desenvolvimento desta dupla. Batman ainda é um homem em treinamento, à procura dos primeiros contatos para testar suas habilidades, enquanto Gordon, recém transferido, observa como funciona a polícia corrupta do local.

Miller desenvolve o roteiro com simplicidade sem perder o requinte narrativo. Equilibra-se bem entre Batman e Gordon, demonstrando que ambos são peças fundamentais que representam um mesmo ideal: a manutenção da cidade e da lei. A obra observa o amadurecimento destas personagens: Batman pela rigidez e disciplina da luta após erros e acertos em campo, e Gordon como o único policial incorruptível da corporação, tendo de arcar com a responsabilidade de ser visto como um pária pela equipe. Em comum, ambos possuem a retidão e admiram-se mutuamente, mesmo sem ainda se conhecerem. Não à toa, boa parte deste roteiro foi inspiração para a concepção de Batman Begins de Christopher Nolan. Não só o encontro com Gordon é idêntico como também o são outras cenas chave desta história.

Se Batman é a figura heroica vista com breve distanciamento por conta da disciplina e do luto que carrega desde a infância, Gordon é concebido como o homem que realiza o possível na medida de suas forças. Batman sempre assemelhou-se com um deus capaz de sobrepujar tudo e todos. Mesmo que o público reconheça-o como humano, seus feitos o elevaram a um olimpo invisível. Enquanto o futuro Comissário é uma figura imperfeita que trai a esposa grávida e sofre violência por parte de seus companheiros, ainda assim demonstra que em seu caldeirão as intenções boas se sobressaem. Não à toa é um dos personagens mais empáticos do universo do Morcego.

Batman demonstra desde o princípio a engenhosidade tática que hoje é admirada por seus leitores. E mesmo inserido em um universo fictício, a história de Miller apresenta uma vertente realista que transforma a loucura heroica da personagem em um elemento mais crível, sendo a base para a visão que leitores atuais têm do Morcego: um humano capaz de sobrepujar a própria morte e eventuais colunas quebradas.

Os extras desta edição especial trazem diversos esboços de David Mazzuchelli, além de uma breve biografia em quadrinhos mostrando como surgiu seu interesse por desenhos. É um material rico para observar a criação desta obra-prima. A arte desta edição foi inteiramente repintada por Richmond Lewis em pinturas feitas à mão, que depois foram inseridas nos desenhos de Mazzuchelli. Sem dúvida, as cores são parte da proposta realista da história e produzem o toque final que faz desta obra uma das aventuras primordiais do Morcego. Uma origem fundamental ao mito que Batman se tornou.

Para ouvir e ler:
Vortcast 09 – Batman Ano Um
[Crítica] Batman – Ano Um (Animação)

Compre aqui: Batman – Ano Um (Panini Comics)

Resenha | Os Invisíveis: A Revolução – Volume 1

3 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

anarquismo, DC Comics, Dennis Cramer, Grant Morrison, Jill Thompson, Panini, Steve Yeowell, Vertigo

Grant Morrison introduz anarquismo, terrorismo e viagem temporal em Os Invisíveis – talvez a mais louca experiência do autor em quadrinhos desde Patrulha do Destino. Sem usar os clichês, comuns neste universo, sua abordagem é diversificada e lembra o efeito de barbitúricos, pois é ácida e psicodélica.

Dane McGowan, de alma arredia, é um menino que tenta ser nefasto e criminoso a despeito até de sua idade. No entanto, sua tenra juventude não permite que esse desejo se realize. Seu olhar registra as inúmeras pichações de King Mob que, como um mantra, penetram em sua mente por meio da repetição. A rebeldia dos meninos é reprimida num ambiente semelhante a de uma casa de repouso, a qual, na verdade, realiza tratamentos psíquicos nos detentos. O intuito destas experiências envolve a reeducação dos garotos.

No primeiro arco, há uma bifurcação que se relaciona ao protagonismo da história: as partes são Gideon, um sujeito que esconde uma habilidade incomum de longevidade, e o outro é Dane, movido por ideais incendiários e que parece habitar um mundo de extremos, onde não tomar uma atitude significa não ser ninguém. A rejeição que o menino sofre dentro de casa ajuda a agravar ainda mais o seu sentido de inexistência e o complexo de inferioridade que sofre.

A rebeldia e o vandalismo são as formas que o jovem encontra para chamar a atenção do mundo dos adultos, e, após um crime, ele é julgado e sentenciado a ir para uma casa de reabilitação, a Casa da Harmonia, uma instituição com viés alienador e que corrige seus detentos com métodos esquisitos, envolvendo criogenia e castração dos internos. Dane é salvo por uma mini-sociedade secreta, com motivações semelhantes às suas próprias, mas que tem poder real para mudar o status quo e não para mantê-lo, como tanto queriam os homens da Casa da Harmonia. Estes se chamavam Os Invisíveis.

O que o personagem orelha ainda não parece ter entendido é que algo “oculto” comanda seus opositores, aumentando ainda mais o escopo de teoria da conspiração presente no título. No segundo número, denominado Pra Baixo e Pra Fora no Céu e no Inferno, um pregador, mostrado como um pseudo-revolucionário, começa o arco gritando sobre a ditadura da ideia. Ainda que seu discurso seja fraco, ele contém uma indagação forte: “quando foi a última vez que você teve um pensamento que não foi imposto por eles?”. Logo, o rapaz encontra um mendigo chamado Tom, que, atrás de seu comportamento de pedinte bêbado, esconde um enorme poder, convocando Dane para ser parte da tal sociedade secreta.

O mendicante é um mentor pouquíssimo inspirador, seja por seu estilo de vida ou pelo seu método de ensino, pouco ortodoxo, para dizer o mínimo, que se utiliza da violência com o aluno. O intuito de libertar Jack Frost faz com que ele seja deveras agressivo com Dane, a fim de que este rompa com seus antigos medos e meios de vida para ressurgir como um novo homem. Certamente sem estas reprimendas, Dane não conseguiria expor todo o seu potencial e jamais chegaria ao ponto de sentir falta do mestre quando este sumiu. Depois de uma bad trip, Dane se encontra finalmente com King Mob e com os Invisíveis, e a ele é revelado que jamais lançou mão de alucinógenos. A doideira que viveu realmente aconteceu, e subitamente é obrigado a fugir com o grupo, antes que os opositores o alcancem.

A lancinante fuga dos opositores faz Dave olhar o ancião com outros olhos. Aos poucos, muda sua perspectiva, mas em momento algum parece forçado a mudar a própria postura. A utopia do pensamento poético é discutida por meio de um retrocesso temporal que contempla uma discussão entre um par de artistas, o qual demonstra o prazer em falar da realidade e do metafísico, inclusive pondo em pauta a sua importância enquanto emissor da contestação no panorama político e o quão vazio ou repleto de conteúdo ele pode ser. Além disso, a dupla fala da sua importância enquanto formadora de opinião para gerações vindouras, especialmente as que não sofrem com uma tirania tão presente quanto a que vigora naquela linha temporal.

Ainda neste ínterim, Jack Frost – alcunha dada pelos membros do grupo a Dean – começa seus treinamentos junto ao quinteto elemental, e enquanto aprimora sua parte atlética, discute os clichês do Thug Life com Boy, uma mulher negra de compleições femininas, apesar de seu codinome. Paralelo aos dois comentários, o planeta mostra-se como um ambiente em que coexistem “mundos” muito diversos. Nele, há um modo orgânico e simbiótico que permeia esta paisagem e onde, além de se notar uma forte influência militar, discute a máxima física de que dois corpos não podem ocupar o mesmo espaço. O paradigma é notório. As criaturas, modificadas geneticamente por influência da radiação, condição que ultrapassa o arquétipo do normal e passa pela figura de mal necessário, parecem ser apenas parte de um efeito colateral de uma sociedade (supostamente) evoluída, mas que, obviamente, não pode ser levada de modo tão categórico quanto a apelação apolínea pede.

Em outro momento, o quinteto consegue – vias misteriosas fontes – retornar ao passado, a uma era distante demais daqueles anos 1990. A Era Vitoriana deixa toda a sua aura clássica para apresentar uma fina camada de neblina, inebriante, cujo torpor quase ameniza as situações violentas mostradas na publicação.

Arcádia tem um cunho contestatório ligado ao aspecto social e político, num arremedo de Morrison deveras inteligente que se utiliza de um clichê dentro do gênero ficção científica para perverter a mensagem e elevando-a a um ponto anarquista do aspecto político. As fronteiras entre realidade e o mundo imaginário ainda não são completamente claras, e neste início não é sequer correto declarar se há realmente uma diferenciação clara entre dois aspectos.

Invisíveis é uma obra que foge do mainstream de quadrinhos, e, nos episódios posteriores, se aprofunda mais nas questões e aspectos políticos da trama, uma vez que os arcos precisam ser lidos em seguida para se ter uma compreensão completa do todo. Neste momento, Frost ainda era um neófito, um Invisível em começo de carreira. No entanto, este tomo, Revolução, já deixa o leitor a par do que virá nesta abordagem anormal da sociedade, retratando temporalmente, de modo singular, muitos períodos.

Resenha | Batman: Contágio

28 de outubro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Alan Grant, Chuck Dixon, DC Comics, Denny O' Neil, Editora Abril Jovem, Garth Ennis, Graham Nolan, Mike Wieringo

Lançado em 12 partes nas revistas mensais de Batman e seus aliados, Contágio foi publicado no país em quatro edições pela Editora Abril, entre março e abril de 1998, em Batman – Vigilantes de Gotham #17 e #18 e Batman #17 e #18. O arco nunca foi relançado no país, mas, como é costume nos Estados Unidos, a saga foi republicada em uma edição compilada .

A intenção de Contágio é apresentar um elemento a mais nas tradicionais aventuras do Morcego. Em uma época em que Batman sofreu um grave acidente e sobreviveu à lesão na espinha, escolher como vilão um vírus com alto potencial destrutivo apresenta um novo elemento capaz de sobrepujar o herói e, talvez, amenizar os exageros cometidos dois anos antes na saga A Queda do Morcego.

Tratando-se de um herói que conquistou a fama de indestrutível por conta da capacidade estratégica, física e de arsenal ilimitado, um vírus letal é uma dimensão nova que vai além das tradicionais brigas com vilões. Vista com distanciamento temporal, a saga parece antecipar outras duas grandes histórias interligadas entre si: Terremoto e Terra de Ninguém, excelentes arcos publicados dois anos depois desta.

A narrativa inicia-se indo direto ao ponto. Azrael, um dos aliados do morcego – e quem veste o manto na época do acidente quase fatal – informa que um vírus letal, uma variante do Ebola, chegará a Gotham City através de um homem infectado. A personagem em questão é um rico empresário que deseja construir um condomínio de luxo autossustentável. Ironicamente, o ambiente controlado acaba sendo o ponto de partida da infecção na cidade. Tentando impedir o contágio, Batman e seu esquadrão assumem frontes distintas para descobrir a origem do vírus e procurar sobreviventes de uma epidemia anterior, ocorrida no Alaska. Por ser uma narrativa que atravessa as revistas de todos os personagens do universo do Morcego, Robin é o herói que mais se destaca, tendo como missão a busca e resgate de um sobrevivente de um contágio ocorrido anteriormente. No local, o menino prodígio conta com a ajuda de Mulher-Gato, vivendo, na época, uma relação conturbada com os vigilantes de Gotham.

A urgência prometida pelo tempo escasso não aparece nos quadrinhos. Como um líder informal da cidade, Batman pouco aparece no início da trama. Sua presença é inferida pelos personagens e não está ligado diretamente com a ação. A história desenvolve-se com seu esquadrão, Robin, Mulher-Gato e Azrael, procurando por sobreviventes. Enfocando mais a busca por uma vacina do que a destruição de Gotham, a dimensão da epidemia é diminuída, e a figura do morcego fica sem uma função específica na história. Por que sua presença na cidade é tão importante quando deveria ser ele o líder à procura da cura?

Para manter o ritmo narrativo das doze partes, surgem mais ganchos do que o necessário. Um esforço para acelerar um início levemente arrastado e sem uma tensão iminente devido ao contágio. Somente quando um dos heróis é afetado pelo vírus, a urgência aumenta e a trama torna-se mais ágil, dividindo-se entra a histeria coletiva da cidade, os vigilantes tentando proteger a população e um Batman ciente de que a cidade pode sucumbir a qualquer momento e nada fazendo para ajudá-la. A trama também traz o retorno de Gordon como Comissário no comando da polícia, em uma bonita cena em que ele e o Morcego discorrem sobre o amor e ódio que sentem pela amaldiçoada Gotham.

Mesmo não sendo um arco brilhante, Batman – Contágio demonstra a possibilidade de inserir novos elementos nas tradicionais tramas de heróis sem que estas se tornem destoantes. Uma vertente utilizada em grandes sagas pela DC Comics na década seguinte.

Resenha | Robin: Dia Um

21 de outubro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, robin

Mantendo viva a chama escapista vista em alguns especiais do Morcego nos idos dos anos noventa – visando, obviamente, fazer um contraponto à mega-saga A Queda do Morcego –, a revista Batman Chronicles preconizava aventuras do Cruzado Encapuzado em meio a uma Gotham diferenciada. Em Robin: Dia Um, a cidade é apresentada como um lugar mais lúdico, mesmo sendo publicada em meio à saga Terremoto (No Brasil, presente na edição nº 32 da Editora Abril, ainda em formatinho).

Os desenhos de Lee Weeks habitam uma amálgama dos traços de David Mazuchelli, de Batman: Ano Um, e o visual típico da série televisiva sessentista do homem-morcego, emulando elementos dessas duas fases tão distintas. Batman é flagrado em mais uma ronda rotineira, atrapalhando um negócio escuso de uma das quadrilhas que habitam a cidade, mais uma vez desbaratando os marginais sem maiores complicações.

Apesar de o roteiro de Bruce Canwell tocar em pontos-chave, como comportamento mafioso e brechas legais em denúncias não concluídas por parte dos malfeitores, os desenhos de Weeks não abrem margem para uma discussão mais profunda. Isso ocorre também no linguajar do diálogo entre mentor e pupilo, com Bruce Wayne e Dick Grayson conversando bem ao estilo camp das histórias escritas logo no início do surgimento da dupla dinâmica, ainda com arte de Bob Kane. No decorrer da trama, nota-se um clima semelhante ao pensado por Brian De Palma em Os Intocáveis, claro, excetuando a violência gráfica causada pelo antagonista Al Capone, mas permanecendo o mesmo senso de justiça de Eliot Ness – na figura de Batman, logicamente – além de conter uma homogeneidade entre a fotografia do filme e o visual da hq.

As peripécias das primeiras aventuras do parceiro-mirim do Morcego representam a adaptação do terceiro Robin, Tim Drake, ao ofício de menino prodígio, mesmo com os quase dez anos de exercício do manto. Após a morte de Jason Todd e agora com lugar cativo, o webmaster, que não era órfão – em mais um paradigma quebrado -, não havia ainda ganhado a popularidade que se esperava dele, por isso uma aproximação de uma encarnação mais popular era necessária, além de aproximar a iconografia visual de ambas as figuras.

Os primórdios do trabalho em equipe da dupla resgatam muito mais do que o simples escapismo das épocas mais inocentes da Era de Ouro,como comprova a competência de Batman enquanto treinador e o discipulado que fez com seu pupilo. Expõem também uma interação harmoniosa sem sugerir qualquer traço de homo-afetividade subliminar, como Fredric Wertham gostava de destacar. Usando plots parecidos com os filmes de Joel Schumacher, Robin – Dia Um consegue unir a origem do Robin e abordar a confiança mútua e simbiótica da dupla, sem precisar apelar para os clichês cafonas dos filmes e sem subestimar o leitor, apresentando uma aventura divertida e descompromissada.

Resenha | O Sombra – Volume 1: O Fogo da Criação

20 de outubro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

dynamite, Garth Ennis, Mythos Editora

A Dynamite Entertainment, fundada em 2005, é responsável pela releitura de antigos personagens de quadrinhos, populares em eras anteriores ao domínio da DC e Marvel Comics. Personagens como O Fantasma, O Sombra, Vampirella e o Besouro Verde são exemplos deste retorno às origens dos quadrinhos. Heróis que vem sendo lançados pela Mythos Editora em encadernados especiais.

Criado para um programa de radiodifusão, o vingador mascarado que lutava contra o crime conquistou popularidade suficiente para cativar os ouvintes e se propagar em outras mídias, como os quadrinhos. O sucesso do herói perdurou até o final da década de 40 quando, após mais de 300 edições, seu gibi foi cancelado. Desde então, a personagem sempre foi retomada pela indústria, seja em novas edições de quadrinhos, séries ou na provável única encarnação conhecida por grande parte do público recente, uma produção cinematográfica de 1994 estrelada por Alec Baldwin.

No retorno do herói, que conhece o mal no coração dos homens, Garth Ennis assina a saga inicial, lançada integralmente pela Mythos Editora em uma edição de luxo com o primeiro roteiro na íntegra, capas adicionais e esboços de Alex Ross, um dos capistas das edições americanas, e arte de Aaron Campbell.

Diferentemente de outros heróis, que a cada releitura são inseridos no tempo presente, O Sombra permanece em sua época de criação, tornando-se um representante histórico da luta contra o crime em um momento de tensão e polarização global. A narrativa de Ennis se evade da eventual história de origem feita para um novo público e confia na potência da personagem, apresentando-a em uma trama investigativa sobre o passado, polarizado entre as tensões de guerras mundiais, do herói.

Soldado da Primeira Guerra Mundial, Kent Allard dominou as artes do hipnotismo e simulou a própria morte para retornar como Lamont Cranston, um bon vivant, colaborador da polícia e combatente do crime. Trajando roupas pretas, chapéu e um lenço vermelho cobrindo o rosto, a ilusão e a teatralidade fazem parte de sua concepção. Não à toa, este e outro herói da época, Aranha, foram inspiração para o estilo consagrado do Homem Morcego.

O roteiro de Ennis apresenta tanto a faceta heroica quanto a do alter ego playboy, equilibrando-se entre dois polos da aventura: a investigação formal para descobrir se os japoneses estão de posse de um mineral com potencial destrutivo para definir a guerra, e as incursões do Sombra contra o mesmo grupo. Mesmo prezando pela justiça, não há um senso moral de que bandidos devam ser poupados. Munido de duas armas calibre .45, Sombra atira sem nenhuma piedade, enquanto faz da sombra e do hipnotismo os aliados para confundir os inimigos. Fundamentado além do rádio pelas narrativas pulps, por meio da ambientação e da violência, o alter ego de Cranston tem a tiracolo um interesse amoroso: Margo Lane. Normalmente, Lane é sua parceira de ação – um elemento diferente do costumeiro sexismo dos quadrinhos – porém, nesta trama, não tem destaque além do fato de acompanhá-lo e ser a única que conhece a dupla identidade do protagonista.

Bem dosada entre aventura e investigação, Fogo da Criação é uma boa história, capaz de conduzir o leitor a outra época heroica. Porém, diante da gama variada de narrativas e do domínio das grande duas editoras, é necessário fôlego para que a personagem se consolide neste momento do mercado sem parecer apenas uma lembrança nostálgica. Os quadrinhos de O Sombra continuam sendo lançados nos Estados Unidos com direito a histórias Ano Um remontando a sua origem. Aguardemos estes lançamentos no país também.

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Resenha | Batman: A Máscara da Morte

7 de outubro de 2014 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Panini

Existem muitas histórias sobre o Batman e muitas formas de contá-las. Uma delas é a que nos é apresentada no mangá Batman: A Máscara da Morte, publicada no Brasil pela Panini Comics/Planet Manga. Mas por que utilizar-se dessa forma narrativa quando os quadrinhos convencionais do Homem-Morcego funcionam tão bem?

Em primeiro lugar, devemos entender algumas diferenças básicas entre o estilo comics e o estilo mangá de se contar uma história. Nos quadrinhos norte-americanos, geralmente temos um personagem que ganha seus poderes por acaso, seja por acidente de laboratório, mutação genética ou exposição à radiação. Super-heróis são obras do destino e geralmente começam a história como uma pessoa comum que teve sua vida drasticamente modificada com a aquisição de habilidades especiais de uma hora para outra. Nos mangás, a coisa é bem diferente. As histórias são mais focadas na “jornada do herói” e têm começo, meio e fim bastante claros. Os personagens evoluem durante a saga, e seus poderes não são dons do destino, mas conquistados com muito esforço. Isso reflete bem o tipo de cultura e modo de vida oriental, que não se apegam a um “destino manifesto”, mas no esforço e superação de desafios. Com os heróis ocidentais isso raramente acontece, e eles já começam sua saga com grandes poderes e grandes responsabilidades, que não se desenvolvem e mantêm um status quo por décadas a fio.

Exceto o Batman!

Batman tem algumas características que podem muito bem se adaptar ao estilo mangá de se contar histórias. Ele não é alienígena, não tem superpoderes, não ganhou suas habilidades por acaso. Ao ver seus pais serem assassinados quando tinha oito anos, Bruce Wayne passou a dedicar sua vida ao treinamento de todos os tipos de artes marciais, além de desenvolver um intelecto superior ao de uma pessoa normal. Bruce uniu força física e mental o suficiente para ser um excelente lutador e, ao mesmo tempo, o maior detetive do mundo. E esse tempo de treinamento, entre o assassinato de seus pais e sua transformação em Batman, é uma lacuna que deixa margem para inúmeras boas histórias, como a do filme Batman Begins e da série televisiva Gotham.

Em A Máscara da Morte, vemos uma parte do passado de Bruce Wayne em que ele treina no Japão, antes de se tornar o defensor de Gotham City. Ficamos sabendo um pouco mais sobre seu treinamento, seu sensei e sua formação. Como em todo mangá que se preze, temos alguns elementos místicos na história e que podem parecer estranhos aos leitores ocidentais. Mas esses elementos apenas fazem a história ficar mais interessante e se amarram perfeitamente ao fim do volume. Um assassino novo ronda Gotham, arrancando os rostos de suas vítimas, enquanto Bruce Wayne sofre alucinações com uma estranha e sombria criatura. Um inescrupuloso homem de negócios é apresentado, e sua assistente faz Bruce se recordar do tempo em que passou no Japão. A história faz conexões entre o passado do Cavaleiro das Trevas, os novos personagens apresentados e a criatura sombria, que tem uma silhueta muito parecida com a do próprio Batman. Para derrotá-la, Batman precisa enfrentar seus medos, revisitar o passado e seguir adiante.

A tal Máscara da Morte do título é um artefato místico que se confunde, em vários aspectos, com a própria máscara do Batman, pressupondo que serviu de inspiração para o manto do morcego. Quem a usa passa a sofrer uma maldição que enlouquece seu portador. Isso traz momentos perturbadores para o herói, dando a entender que ele e a criatura são a mesma pessoa.

O estilo mangá se encaixa perfeitamente com a atmosfera da história. Algumas cenas são verdadeiras tomadas cinematográficas, e o visual dinâmico faz o roteiro se desenvolver em um ritmo fantástico. Interessante notar que, em alguns momentos, o uso de onomatopeias sugere, inclusive, uma espécie de “trilha sonora”, coisa bastante rara em gibis ocidentais.

O autor Yoshinore Natsume conta, em uma entrevista ao final do volume, que teve bastante liberdade criativa. Tanto que escreveu em sua língua nativa e no formato que estava acostumado – o modo de leitura oriental é da direita pra esquerda, o que pode causar certo desconforto no início para quem não está acostumado com mangás. Mas é uma excelente leitura, uma forma nova de se interpretar a mitologia do Morcego e, de forma simples e direta, de contar uma boa história.

Resenha | Batman e Capitão América

23 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Capitão América, caveira vermelha, coringa, crossover, john byrne, robin

Remetendo ao antiquíssimo selo Túnel do Tempo (ou Elseworld), John Byrne utiliza sua larga experiência e o trânsito livre que sempre teve nas duas principais editoras de quadrinhos mainstream para contar o recordatório que remete ao começo da carreira de dois ícones heroicos imortais, o Cruzado Encapuzado e o homem que lutou a Segunda Guerra Mundial ostentando em seus músculos a bandeira americana, também lembrando, claro, de seus parceiros mirins e seu maiores rivais.

Passada em janeiro de 1945, ainda com os ecos europeus da grande guerra contra Hitler e companhia, a história começa em Gotham, mostrando uma referência visual muito semelhante a dos primeiros capítulos de Bob Kane enquanto desenhista da Detective Comics. O resgate a este momento específico é válido, causando no leitor um saudosismo agradabilíssimo e muito pontual, uma vez que, em meio aos anos 90, ocorria uma das maiores derrocadas do Batman – leia-se Queda do Morcego.

É curioso notar que a perseguição entre o Batmóvel e o carro do Coringa é feita por dois Fuscas, mostrando que quase nem era necessária a chancela em balões informando a época do confronto. O clima escapista é notado nas cores escolhidas por Byrne, que, apesar de manter um pouco do clima soturno das primeiras histórias, vê no excesso de cores nos uniformes dos personagens o retrato de uma época em que a docilidade pueril era de praxe.

Pelo lado europeu do globo, o Capitão América enfrenta a guerra que ainda domina o continente, num embate contra uma máquina assassina hitlerista, uma mistura de tanque de guerra com um robô mas que é facilmente subjugada pelo Sentinela da Liberdade, que, acompanhado do Sargento Rock e da Companhia Moleza, consegue derrubar a resistência nazista. Logo, o herói recebe uma ordem para se reapresentar e interceptar um avião sequestrado. Já no ar, ele decide deter a máquina voadora sem paraquedas ou qualquer outro artifício de segurança, logrando êxito, como era típico das primeiras histórias. Logo o Morcego se aproxima, também no ar, para ajudar o herói a combater seus oponentes, sem qualquer explicação prévia, mas em união bela e proveitosa.

Pelo dito nas linhas do roteiro, esta não seria a primeira cooperação entre os heróis, o que agrava ainda mais a missão dada a Steve Rogers, a de investigar uma possível conexão entre o milionário Bruce Wayne e o Coringa, que teria em mãos um plano expondo alguns segredos de Estado muito valiosos.

Em um embate físico entre as contrapartes sem uniforme, ambos, logo depois, decidem cooperar mutuamente, visando alcançar o palhaço vilão de Gotham. Detalhe importante e que colabora muito com a velha disputa entre marvetes e decenetes é que Bruce chega ao cúmulo de assumir sua inferioridade ao soldado americano, antes de eles fazerem as pazes e voltarem a ser amigos.

Logo se descobre que o ardil é orquestrado pelo Caveira Vermelho, que escapou da Alemanha e atacou Gotham, em um conchavo com o Coringa. O clima de união entre as editoras é tão grande que até os parceiros mirins são trocados, com o Capitão trabalhando com Robin e Bucky acompanhando o Cruzado dentro do veículo cheio de traquitanas internas.

O nostálgico caráter prossegue, com o plano megalomaníaco do Caveira revelado aos seus inimigos antes de ser plenamente executado. Toda a reconstrução pensada por Byrne é muito bem conduzida, mesmo que sua história não tenha qualquer compromisso com um subtexto mais profundo. Ao final, o encadernado ainda é capaz de demonstrar outras tantas pérolas, como a discussão ideológica entre Coringa e Caveira Vermelha; quando o segundo convida o Palhaço do Crime a se juntar ao terceiro Reich, logo ouve a resposta: “eu sou um insano criminoso americano” – numa referência clara a sua fidelidade à pátria, diferente e muito do que foi pensado por Jim Starlin em Morte em Família, cujo vilão torna-se embaixador do Irã. Claro, tudo isto é muito pautado na comédia.

Após uma explosão nuclear, os vilões chegam afinal ao seu tão esperado fim, o que prenuncia a nova exploração de conceito heroico que ocorreria lá pelos anos 60, com a evolução do atomic horror para o conceito de Stan Lee em fazer quadrinhos, com poderes de origens radioativas. Além deste conjunto de referências, ainda há um epílogo, sugerido por Roger Estern, em que o novo Batman (Dick Grayson) acha um esquife de gelo, que guarda o herói de guerra Steve Rogers, acordado após décadas de hibernação. O pensamento de Byrne em homenagear Jack Kirby, Bill Finger e Bob Kane é um exercício de singela beleza, além de ser uma homenagem extrema, e até inteligente, guardadas, é claro, as devidas proporções.

Resenha | Peninha 50 Anos

18 de setembro de 2014 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Disney, Editora Abril Jovem, Quadrinhos Disney

O mais versátil personagem Disney dos quadrinhos ganha uma edição comemorativa no seu aniversário de 50 anos de criação. Peninha, o primo estabanado do Pato Donald, surgiu nas páginas da revista italiana Topolino, em 1964 – dois anos antes de estrear em terras ianques. Criado por Dick Kinney e Al Hubbard, suas histórias se tornaram populares na Europa e na América Latina, sendo pouco conhecidas nos Estados Unidos. No Brasil, ganhou popularidade nas décadas de 1970 e 1980, quando muito do que conhecemos sobre o pato cuca-fresca foi criado nos estúdios da Editora Abril. Seu sobrinho endiabrado Biquinho, seu alter-ego Morcego Vermelho e suas inúmeras encarnações nas páginas do jornal A Patada (Pena Kid, Pena Submarino, Pena das Selvas, entre outros), são todas criações tupiniquins, e algumas continuam até hoje aparecendo em histórias italianas.

Essa edição toma emprestada a estrutura de Urtigão 50 Anos, separando as histórias em três fases: Americana, Italiana e Brasileira. A Fase Americana conta com as histórias mais antigas do volume, sendo a maioria desenhada por Tony Strobl. Vemos aqui a conturbada gênese de Peninha, pois suas primeiras duas histórias se contradizem em termos de continuidade. Pura bobagem, claro, uma vez que continuidade não é lá um grande pré-requisito nos quadrinhos Disney. Peninha é apresentado como um beatnik, um reflexo da época em que foi criado, contrastando com seu primo Donald. Desleixado, não se preocupa com o dia de amanhã e vai vivendo no improviso, fazendo Donald passar por situações bastante inusitadas.

A Fase Italiana mostra as histórias mais recentes do personagem, visto que essas ainda são produzidas por lá. É interessante notar que, nas histórias mais antigas, procuravam manter os traços característicos de Hubbard, enquanto nas mais recentes os artistas italianos tomaram muito mais liberdade, tanto no design do personagem quanto na narrativa. Peninha, sempre tagarela, protagoniza uma série em que sequer abre o bico para proferir uma palavra! São também dessa fase as gags de uma página só, com situações do cotidiano. Como na maioria das histórias italianas da família pato, o ritmo é acelerado e o visual exagerado, proporcionando umas boas risadas ao leitor.

Mas a melhor parte é, com certeza, a Fase Brasileira. De primeiras histórias modestas, os criadores nacionais demonstram desenvolver uma intimidade sem igual com o personagem, proporcionando o melhor material dessa coletânea. Se os primeiros artistas emulavam o traço de Tony Strobl para o pato, aos poucos foi se criando uma identidade nacional bastante perceptível e com um alto nível de qualidade nos desenhos! Carlos Edgard Herrero e Irineu Soares Rodrigues traduzem em expressões corporais e faciais todas as características do Peninha.

Nessa fase, surgem as criações de Peninha para a sessão de quadrinhos do jornal A Patada: Pena Kid, uma paródia dos cowboys de westerns com seu Cavalo de Pau; Pena das Selvas, uma versão bastante escrachada do Tarzan; Pena Gordon, paródia da ficção-científica pulp de Buck Rogers e Flash Gordon; Pena Submarino, versão patopolense do Príncipe Namor; Indiana Pena… Enfim, Peninha se encaixa em qualquer versão de qualquer personagem que fizesse sucesso no passado. Se nas primeiras histórias desse tipo o começo e final mostravam a prancheta de desenho do Peninha, com o tempo isso foi sendo deixado de lado para dar mais fluidez à história em si.

A fase Brasileira toma metade das páginas dessa edição, mas não é de se estranhar. O volume de material nacional é bastante vasto, uma vez que Peninha chegou a ter uma série própria de revistas em quadrinhos, que contou com 56 edições quinzenais entre 1982 e 1984.

Além dos heróis “inventados” por Peninha, vemos também duas histórias com seu alter-ego, o Morcego Vermelho, a primeira aparição de Biquinho e uma história de 1984 que comemorava os 20 anos do pato amalucado.

Mais uma vez, fica nítido que os roteiristas e desenhistas da época não se importavam com continuidade. As duas primeiras histórias da fase Americana contam, de forma diferente, a primeira aparição do Peninha, sendo que Donald afirma em uma delas não ver seu primo desde que eram crianças. Já na última história, os dois cresceram juntos. Soma-se a isto a história de origem do Biquinho, que, segundo Peninha, é filho de sua irmã – o que contradiz a Árvore Genealógica da Família Pato, criada por Keno Don Rosa, que não faz nenhuma menção a essa suposta irmã. Mas esses detalhes não tiram a graça e o carisma do personagem, que se mantém firme nas publicações inéditas italianas e, no Brasil, sustenta-se em reedições de sua fase áurea.

Peninha 50 Anos ainda apresenta três textos informativos no início de cada fase, escritos por Marcelo Alencar, que nos mostra algumas curiosidades dos bastidores da produção, além de depoimentos de dois artistas que trabalharam com o personagem, e uma ilustração inédita de Herrero feita especialmente para esse volume. Para fãs de HQs Disney, suas 300 páginas são um deleite de histórias divertidas e descompromissadas. Tal qual o personagem-título!

Resenha | Monstro do Pântano: Raízes – Volume 1

17 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Bernie Wrightson, DC Comics, Len Wein, Monstro do Pântano, Panini, Terror

Oscilando entre a genialidade científica e ataques de ira compreensíveis e razoáveis, já que são inerentes a sua natureza, o herói do encadernado da Panini ganha vida nas primeiras histórias de Len Wein, apresentando o que seria, talvez, sua maior contribuição para os quadrinhos. Em O Monstro do Pântano (Swamp Thing), o autor apresenta seu alter-ego, o cientista Alec Holland, que após uma fatalidade torna-se um avatar da natureza, trazendo à baila uma discussão interessante, que leva em conta os desmandos e exageros presentes na maioria das ações humanas em relação ao planeta em que vive.

Na introdução feita por Wein, o autor começa falando que não sabia estar criando uma lenda. Notar a perplexidade do escritor é algo evidente, até pela ordem dos fatos que seguiram aquele dezembro de 1970. A ideia original foi aceita por parte daqueles que cercavam Wein, ainda que a sua premissa não fosse completamente entendida por eles. Uma vez aprovada, a história foi publicada em House of Secrets número 92, iniciando-se com a narração de seu protagonista, que ainda tentava entender o que tinha acontecido. O modo como a “criatura” faz seu recordatório varia entre o presente e o passado inócuo, fazendo uma confusão quanto à temporalidade do período enquadrado. Somente quando o monstro atravessa a janela para salvar sua amada, pode-se compreender o que era alucinação ou realidade dentro dessa primeira trama. Sua aparência abominável o faz sentir-se indigno perante os olhos da mulher que ele um dia ele chamou de sua. O pântano era o único lugar que o aceitaria naquela configuração, mas isso não era conforto suficiente para seu coração choroso.

No primeiro número de Swamp Thing, é contada a história do cientista Alec Holland, que habita o seu laboratório, fazendo seus experimentos sob os olhares dos seus inimigos. A armadilha que captura Holland é mostrada de forma muito violenta, especialmente em comparação com os outros pares de revistas e gibis infantis. A tragédia e o pântano, lugar onde não há qualquer possibilidade de esperança, tornam-se uma nova chance de vida, uma alternativa perturbadora, mas libertária. O protagonista assume, então, sua nova vida de criatura grotesca, denominada Monstro do Pântano. Seus vilões são figuras tacanhas, caricatas, feios como o diabo, bandidos clássicos que se mostram seres maniqueístas,

O trabalho de arte de Bernie Wrightson aumenta a bizarrice presente na história, retratando figuras inumanas, que se tornam ainda mais assustadores pela contraditória verossimilhança que há em seus contornos. A situação é ainda mais piorada com as cores da edição feita pela Panini, que aumentam o caráter bizarro da obra. A criatura em que Holland se tornou tem sua trajetória carregada de símbolos que remetem ao messianismo. Mesmo rejeitado em um primeiro momento, a sua mente elevada é vista pelas criaturas fisicamente prejudicas como possibilidade de ter qualquer sinal de ascensão.

Logo se descobre que toda a fisiologia do Monstro é vegetal, até seu modo de respirar é dependente de dióxido de carbono. Arcane propõe, então, a Alec que ele compartilhe seu fardo, o que devolveria sua configuração humana. Mas como os heróis altruístas da DC Comics, ele abre mão disso para deter o vilão e impedir que ele ficasse mais poderoso ainda. Ver a si mesmo como um homem-monstro é penoso, mas é um fardo que Holland se vê obrigado a carregar, mesmo com todo o desgosto.

O ideário visual remete demais aos filmes de monstro da Universal, como A Noiva de Frankenstein, seja na figura deformada de Arcane ou na de sua filha, Abigail Arcane, que mais tarde, ganharia ainda mais importância. Semelhante às películas dos anos 30 e 40, Monstro do Pântano retoma a caça às criaturas. Por mais que não haja todo o subtexto que marcou a fase do mago Alan Moore à frente do título, há uma chancela de história em clima clássico, aumentada demais pela belíssima arte, sem dúvida, o maior destaque.

As referências ao cinema seguem, mencionando graficamente até os filmes barrocos da Hammer, protagonizados por Christopher Lee e/ou Peter Cushing. Os vilões deixam de ser somente homens gananciosos, para exibir também figuras transmorfas. A capacidade de Wrightson em transformar figuras grotescas em seres absurdamente assustadores é impressionante. Próximo ao fim da publicação, no penúltimo número do compilado, a temática de aparência versus essência é novamente resgatada, mostrando a maldade analisada de modo não normativo, já que o preconceito não é partilhado pelos infantes.

A trágica trajetória do Monstro o impede de viver qualquer sensação que não seja negativa. Mesmo superando a impossibilidade física de se relacionar fisicamente com humanos, ele assiste à destruição de seu par, incólume ante a terrível constatação de que a solidão habitaria os seus dias. Extravasar sua fúria é algo que naturalmente o impele a agir. Raízes Volume 1 termina no número 6 de Monstro do Pântano, com um gancho para a próxima edição, que ainda não foi lançada no Brasil por motivos ainda não esclarecidos. É notório que muito da qualidade de roteirista de Len Wein se perdeu, tomando por base seu episódio Ozymandias de Antes de Watchmen. Seu ofício como editor tornou-se muito mais digno de nota do que seus guiões, mas certamente, nesse exemplar, ele ainda estava em forma. O criador do Wolverine ainda teria na parceria com Bernie Wrightson um casamento perfeito, apresentando uma figura visualmente assustadora e empática ao extremo, cuja jornada é tragicômica e singular.

Resenha | Batman / Aliens

16 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alien, Batman, Bernie Wrightson, crossover, Ron Marz

Assumindo estar refém de uma sensação das mais básicas, o Cruzado Encapuzado declara ter medo ao analisar a questão que se avolumou. Tentando manter a aura de suspense, o Morcego já é mostrado se embrenhando em uma floresta, supostamente em uma missão. O roteiro de Ron Marz faz um resgate curioso, mostrando um visual semelhante ao do filme de John McTiernan, O Predador, por apresentar uma selva e inserir junto ao protagonista uma equipe de especialistas durões e marombados, que investigam um estranho caso.

Batman aportou no golfo do México, na fronteira da Guatemala com o México, para investigar um episódio curioso, cuja origem só é revelada após algumas páginas decorridas, uma vez que a Waynetch havia enviado uma equipe a tal lugar, já que obtinha negócios naquela região. É curioso o quanto Marz segura para mostrar o monstro, tentando guardar qualquer suspense ou surpresa de como seria o modus operandi dos Aliens. Toda a situação mostrada no filme original pensado por Dan O’Bannon se repete, mas sem qualquer expectativa de sustos.

Pior do que o modo vagaroso do qual a trama segue é o ataque grupal que os monstros fazem, bem mais cerebrais do que os mostrados nas abordagens cinematográficas. Na segunda parte, a narração volta aos primórdios, recontando a origem da tragédia do herói, mesclando-a com o temor de Batman com o Alien. A partir destes embates, a trama fica mais fluida e menos truncada, ainda que as lutas com os monstros não sejam nada demais.

O desenho de Bernie Wrightson está bem menos interessante do que nos idos dos anos 70, quando fazia a arte do Monstro do Pântano, de Len Wein. A regularidade cai vertiginosamente, pois nem mesmo o seu lápis é um diferencial na qualidade da revista. Tanto roteiro quanto desenhos são banais e dispensáveis.

Exceto pela última batalha do Morcego contra o Alien agigantado – fruto de uma “invasão” ao corpo de um crocodilo de proporções dantescas –, quase não há condições de clímax. Através de uma manobra comum em sua carreira, Batman consegue vencer o oponente, fisicamente muito superior a ele, por meio do uso de traquitanas as quais ele sequer está acostumado a usar. O desfecho é covarde e clichê, com o paladino orfão usando a força de um elemento da natureza (a lava de um vulcão) para acabar com as últimas criaturas que ainda sobraram. Após retornar à casa, Bruce ainda se dá ao trabalho de fazer um discurso edificante, que põe em dúvida a origem do mal impingido pelas criaturas extraterrestres: se a ação seria somente uma resposta instintiva, como é com o tubarão, ou se a predação dos monstros seria perversa como a natureza humana. Nada que evidentemente resgate o crossover do ordinário.

Resenha | Mr. Punch

13 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Neil Gaiman

Da antiga união de Neil Gaiman e Dave McKean, surgiu o romance gráfico Mr. Punch. O cenário é a cinzenta cidade do litoral inglês Portsmouth, e a narrativa é focada na rotina de um menino que está visitando seus avós e que presencia situações bucólicas e insólitas, enquanto percebe a vida adulta bater à sua porta. O títere, que normalmente é um objeto de entretenimento infantil, estampa a capa com compleições bizarras e assustadoras.

A narração em primeira pessoa imediatamente insere o leitor no escopo da tragédia encenada na revista. A marionete Mr. Punch é um dos recursos narrativos que ajuda a levar a história, recordatório de momentos pregressos ao discurso de seu manipulador. O início é lúdico, introduzido como um conto fantástico, que mistura elementos mitológicos modernos em meio ao imaginário típico de uma cabeça infantil. Após o preâmbulo, todo o clima muda, já que o cenário também é trocado, a escuridão dá lugar aos tons amarronzados, da casa dos parentes de gerações anteriores, cujo caráter bucólico provoca no receptor uma sensação de saudosismo e nostalgia.

Em meio a enumeração dos fatos históricos do clã do qual participa, o contador da história rememora momentos que viveu e alguns que lhe contaram, mas demora a contar um fato importante para o restante do desenrolar da trama. Seu avô, dono da casa em Portsmourth, havia enlouquecido, fato contado e diluído em meio a descrição da sua existência enquanto criança ainda, esperando o show de fantoches protagonizado por Judy e Mr. Punch, que através da comicidade, abordavam uma história que contém assuntos pesados, como homicídio e ocultação de cadáver.

Paralelo a narrativa infantil, há demonstrações de nudez, explorada não inocentemente, pois sua abordagem é de modo sexual, não subestimando o pensamento infantil enquanto ser carnal, e não alheio a questão da eroticidade humana. O desenho hachurado de McKean ajuda a grafar o abismo de idade e experiência que há entre o protagonista e o ancião que o acompanha em suas desventuras. Em seus rostos nota-se a diferença de mundos em que as duas partes vivem, não só pelas rugas, mas também pelo semblante, um curioso e outro resignado, já experimentado pela vida e livre do fardo da esperança infinita.

É notável a ambiguidade da obra, que tem na alternância entre as abordagens um avatar fortíssimo. A partir da metade final da obra, quase o tempo todo a narrativa varia entre o contar das desventuras do fantoche e seus coadjuvantes pelo idoso, e outros momentos em que há uma enorme solidão do menino, que nas casas dos outros parentes sente não ter ninguém próximo, mesmo tendo ao seu lado pelo menos algum familiar que o vigia. O seu isolamento só é quebrado quando seu avô finalmente chega.

A negação da loucura de seu parente faz com que o infante narrador comece a mesclar as lembranças que tem com as fantasias de Mr. Punch, por naquelas histórias que ouvia nos tempos pretéritos conterem um bocado de comédia, e tragédia também, uma mistura de euforia e agonia comum ao comportamento e ao modo de entender o mundo como o insano deixa transparecer. O inusitado drama escrito por Gaiman põe em prática um evento episódico e escapista, que trata uma questão espinhosa de maneira lúdica e agridoce.

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Resenha | Batman: Asilo Arkham

9 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, dave mckean, DC Comics, Grant Morrison, Panini

David McKean é um artista dos mais renomados da indústria de quadrinhos. Graças a sua ocupação maior como artista plástico, pouco se tem (fora, é claro, as inúmeras capas de artigos para o selo Vertigo) de materiais dele como desenhista. Seu modo peculiar de ver o mundo garante uma aura anárquica, caótica e até agressiva para as obras que assina, e sua arte sequencial é tão singular que não combina com tramas normativas ou convencionais. A química de McKean funciona com cabeças pensantes, como as de Neil Gaiman, e ganha mais um capítulo interessantíssimo com a tresloucada Asilo Arkham, uma das primeiras histórias de Grant Morrison com o Homem Morcego.

No primeiro de abril em que os insanos malfeitores de Gotham resolvem se rebelar e tomar o asilo para os internos, pondo em risco os funcionários da instituição, já eram esperadas demandas das mais insanas possíveis, entre elas, a descida do Cruzado Encapuzado ao inferno que era o sanatório. Antes de qualquer recurso textual, há uma série de gravuras, na maioria figuras abstratas, remetendo a estados mentais alterados e idílicos lugares, recônditos mentais, esconderijos para a perturbada percepção daqueles que são internos do Arkham.

Um trecho de Alice, de Lewis Carroll é flagrado, que reafirma o estado soberano de loucura, e a consequente inexorabilidade da condição. A partir daí adentra-se na intimidade de Amadeus, o mesmo que dá nome ao asilo, em seu diário, que demonstra de forma gráfica a nada aplacada realidade do ainda infante, pelos idos de 1901, ao conviver com uma mãe à beira da loucura. A mentalidade débil já o assombrava quando pequeno, de modo atroz. A cor que predomina neste plot é o castanho, diferente do tom grafite que contempla o Batman, que em sua primeira aparição é mostrado como uma rasura em formato humanoide, um esboço, que precisava de uma arte-final, e que sofreria este último tratamento ainda dentro daquele micro-universo.

O Coringa convida seu nêmese a descer as escadas da mansão rústica, mas o convite é mera formalidade, uma vez que para o morcego adentrar os portões do Arkham parecia uma questão de tempo, talvez uma referência de Morrison a máxima freudiana denominada “retorno do recalcado”, onde – em linguagem popular – o doente tende a voltar aos seus pecados originais, mesmo os renegados a muito, além de ser um regresso aos seus traumas.

É notável que o roteiro segue a dualidade da fórmula de transição entre protagonistas, de Batman para Amadeus. O ofício e repertório de ambos é muito semelhante, pois tanto o Detetive quanto o psiquiatra tratam em sua intimidade de insanos, e ambos vivem a atravessar a tênue linha da saúde mental plena, ou, no caso, o que mais se assemelhe a isto. Os pacientes, analisados pelo imberbe Coringa estão em condições ainda mais lastimáveis e penuriosas que o Palhaço, desde Harvey Duas Caras, que está explorando um campo maior de possibilidades, além do velho cara e coroa, e que em virtude disso mal consegue conter sua bexiga. A recuperação dos internos cai na tradição folclórica do local.

A primeira vez em que o rosto do Batman é contemplado sem que quase todo ele esteja à sombra, é quando este quebra um pedaço de vidro, para então perfurar a própria mão, para não se ver capturado pela aura lunática do asilo. O artifício é tentar esconder-se do perigo não mostrando a face ao maior temor da vida, reconhecendo que o senso de loucura é mais forte que a resistência do homem por trás da máscara.

Talvez a mais plausível posição ideológica seja a do Chapeleiro Louco, que é outra referência a Lewis Carroll, que guarda a ideia de que o Asilo é formado pelos pensamentos de alguém, como era o País dos Espelhos, e que talvez a mente por trás disso, fosse a do morcego – ou até de sua contraparte narrativa, o fundador.

Um dos médicos da instituição, Cavendish, foi um dos responsáveis pela liberação dos presos. Seu motivo seria os escritos de Arkham, que assume a sua condição lunática, a mesma que tanto negou e reprimiu. Seu entendimento é de que aquilo seria uma questão hereditária e inegável ao sangue dos seus. Nem mesmo as precárias condições, que não permitiam ao psiquiatra ter uma pena para escrever, o impediram de registrar suas lembranças, e logo ele passa a riscar as próprias unhas para dar vazão ao seu texto profano e sedutor.

Através de uma artimanha nada usual e pouco correta, o Morcego consegue através de interferência externa, vencer Cavendish, tomando para si a responsabilidade de restabelecer a Ordem e a saúde mental daquela sociedade. Seu avatar deveria ser o mais forte, assim que ele assume a via que finalmente o distinguiria dos derrotados, que era a loucura finalmente assumida. Assim, ele estaria em pé de igualdade com os seus semelhantes, afinal.

O mergulho que Morrison e McKean fazem é na intimidade, na parte mais volátil da psiquê do Batman, expondo-o ao lugar mais sujo e fétido que todo o seu universo contempla. A soberania do herói só ocorre graças a sua atitude de abrir mão de suas crenças, entre elas, a de que criminosos são seres inferiores, supersticiosos e covardes. De fato a maioria é, mas somente a patuleia. Casos como os do Coringa, Duas Caras, Chapeleiro e Crocodilo provam que a tese não é tão congruente quanto ele gostaria, e que não há tantas diferenças entre eles e o paladino. O aspecto pitoresco e tragicômico imposto pela dupla de autores faz o peso de cada atitude do morcego ser ainda maior e mais trágico, além de ser uma reimaginação das mais pontuais, pelo quase ineditismo em assumir a condição de louco que preconiza veladamente o herói criado por Bob Kane e Bill Finger, num belo quadro expressionista que remete a um tipo de arte que infelizmente caiu em desuso, e que se diferencia muito da média industrial.

Resenha | Planeta dos Macacos (Editora Bloch)

30 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Pierre Boulle, planeta dos macacos

Escrito em letras garrafais, o título “Onde dominavam os homens…Agora reinam as feras!“, anuncia a adaptação dos filmes da franquia simiesca para os quadrinhos, lançada pela Editora Bloch sob o Selo Bloquinho. Os dezessete números da revista Planeta dos Macacos descortina a saga cinematográfica, claro, com um viés mais infantil do que o cunho utilizado nos filmes dos anos 60/70.

A maior mudança em relações aos filmes é que a ampliação das possibilidades do foco, já que, tendo o todo da saga para estudar, é possível aprofundar mais em algumas questões. Logo no início, há um embate ideológico de Lando com Taylor, no qual se discute a misantropia e o legado da Terra, dando a Taylor uma melhor construção de seu personagem. A violência é claramente aplacada, e cada capítulo conta com um gancho para a próxima edição. Curiosos são os extras, que, entre uma história e outra, mostram textos sobre os filmes, com fatos do bastidores muito antes da época da internet, quando o acesso à informação não era muito fácil. Além disso, há comparativos que mostram o desenvolvimento da inteligência dos chimpanzés. O nível de interação é tão grande que faz com que seu protagonista responda a cartinhas dos leitores.

Nesta versão, Zaius é bem menos sutil, vestindo a máscara de vilão de modo categórico, sem direito a nuances. Outra, das poucas diferenças em relação ao primeiro filme, é a gravidez de Nova. O roteiro adaptado de Doug Moench torna-se semelhante aos fatos do livro original, que foi descartado para a franquia cinematográfica. Uma pena é que a arte de George Tuska seja tão mal finalizada, deixando as cores saturadas em muitos momentos.

Já no número três é lançada a primeira parte de Pesadelo da evolução!, história inédita, também de Moench mas dessa vez com desenhos de Ed Hannigan, que mostram uma rivalidade entre homens e macacos dentro do território da Zona Proibida. Uma curiosa relação de simbiose nasce daquela batalha, uma vez que um dos gorilas, Salomon, está cego e o homem que sobreviveu, Jovan, teve suas pernas inutilizadas. A dupla tem de participar juntos da busca pela vida, numa estranha relação de inimizade. Após encontrar um velho macaco eremita, os dois guerreiros percebem que não precisam duelar até a morte só por causa de suas promessas, e chegam à pueril conclusão de que o melhor era viver em paz, não cedendo aos selvagens instintos que os cercavam através da inconsequente guerra.

Em Tirania no Planeta dos Macacos, Moench começa mostrando um homem chamado Derek Zane, num ambiente contemporâneo, ainda na Terra. Uma decepção amorosa o faz fantasiar e passear por um idílico sonho, que guardaria dias melhores para seu futuro. Em meio a esse desapontamento, ele foca sua volúpia em implantar seu plano de viajar no tempo, a la H G Wells, através de um maquinário, que possivelmente serviria de protótipo para ajudar Taylor em sua viagem para o futuro, quando ele acaba por chegar no planeta dos macacos.

A despeito da infantilidade comum às histórias em quadrinhos da época e até do escapismo de Derek, o drama explorado ainda guarda um pouco de discussão mais elaborada, como a predação desnecessária, impingida pelo militar Gorodan, um poderoso gorila que vê em Zane um obstáculo aos seus desejos. Os papéis de caça e caçador são revezados entre os rivais, mostrando o quão pobre é o caráter dessa situação. Mas isso é deixado de lado para que o humano protagonista possa desfrutar de uma aventura com ares medievais em uma parte do planeta misteriosamente preservada. Essa situação é dubiamente justificada pela desculpa de hecatombe nuclear, que teria possibilitado a super-evolução de seres animalescos, entre eles, os macacos. É interessante notar outros pontos de vistas e reimaginações naquele planeta, que mostram um lugar onde as duas espécies vivem bem e felizes. Embora a temática seja muito limitada, quase sempre caindo para a disputa furiosa de humanos e macacos, Zane ainda protagoniza outras histórias. Aliás, o excesso delas, mostrando outros mil grupos de homens falantes e inteligentes no planeta, transforma o enredo em algo bastante genérico.

Dois anos após os acontecimentos do quarto filme, e ignorando a continuação que sequer veio à tona até então, A Disputa do Planeta dos Macacos mostra César e seus asseclas vivendo isolados, escravizando humanos, revidando o tratamento que recebiam deles dois invernos antes. César, aos poucos, pensa em abrir o seu “apartheid pessoal”, tencionando unir humanos e macacos em sua aldeia, a despeito das reclamações de Aldo, o líder dos gorilas. O desfecho tem um viés bem mais otimista e politicamente correto que o término da franquia de cinema, mostrando humanos e símios vivendo tranquilos e em paz finalmente.

As revistas de 8 a 10 contam a mesma história do segundo filme. A arte de Alfredo Alcala consegue imprimir uma diferenciação nas castas de macacos não somente pela diversidade de cores, já que fica evidente que os focinhos do símios são bastante singulares para cada raça. Poucas mudanças ocorreram na trama original, assim como em Destino Terra, que adapta o terceiro filme e tem os desenhos de Rico Rival.

A trama dos filmes segue. No entanto, o relato das histórias torna-se secundário na capa de sua publicação. No número 14, o maior destaque são os extras, que reúnem fotos do filme King Kong, que estrearia algum tempo depois. Em outros momentos, há histórias publicadas que sequer fazem parte do universo dos símios, como O Vale dos Ancestrais, impresso originalmente em The Deadly Hands of Kung Fu, com os desenhos do ainda não famoso George Perez e dedicado à memória de Akira Kurosawa, mas que, semelhante as outras histórias, não é nada além do ordinário.

As cores dentro da publicação não dão margem a uma boa interpretação por parte do leitor. Os efeitos usados eram ruins até em comparação com seus pares contemporâneos, e o abismo de qualidade piora quando comparado com os moldes dos quadrinhos atuais. Unido ao roteiro quase sempre trôpego de Moench, a maioria das histórias acaba não chegando nem perto de ultrapassar a linha da mediocridade. Isso quando não são completamente genéricas, como o arco Zona dos Horrores, que conta mais uma interação boba entre humanos e símios contra a intolerância daquele planeta, embora não houvesse qualquer preâmbulo para isto. Os poucos momentos sóbrios do roteiros são as mudanças das incongruências nos filmes e um pouco da coragem em mudar os rumos do que ocorria no cinema, mas como dito, é muito pouco. A série da Bloquinho, em seus dezessete números, pouco teve a acrescentar na mitologia dos macacos.

Ouça aqui nosso podcast sobre a saga “Planeta dos Macacos”.

Resenha | Neonomicon

29 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, Serial Killer

Explorando um filão em que Alan Moore (seu principal autor) é um verdadeiro especialista, Neonomicon traz uma história baseada em temas mágicos, mas sem a pasteurização comum dos produtos infanto-juvenis que invadiram as prateleiras das livrarias nos últimos dez anos. Uma série de assassinatos estranhos toma a atenção do FBI no decorrer das investigações, apresentando-se uma esquisitíssima série de coincidências.

O lápis de Jacen Burrows é de uma fluidez pouco vista nos trabalhos com roteiros de Alan Moore. Seu traço é limpo e moderno, fazendo uma contraposição com o soturno e bizarro presentes na trama, uma dicotomia semelhante ao que o desenho clássico de Dave Gibbons fez com a desconstrução heroica em Watchmen, ainda que Burrows consiga passar mais do que a premissa semelhante de discussão, uma vez que seu trabalho é esmerado o suficiente para ser mencionado até a despeito do expediente de Moore.

A dupla de detetives é formada por dois arquétipos muito diferentes, com um homem, negro, de meia-idade – Gordon Lamper – e uma mulher, branca, loira, – Merril Brears – num estereótipo muitíssimo ligado ao ideal de beleza. Em comum há o ceticismo inerente aos profissionais detetivescos, assinalado de modo a maximizar o sentimento, uma vez que eles se destacam da mediocridade da polícia local, ao menos aparentemente. Ao se designarem pelo primeiro nome de cada um, uma intimidade entre o par é demonstrada, porém com certa distância, cuidadosamente escolhida pelas partes.

Curiosamente, eles se tratam de modo jocoso, usando palavras torpes para se referir ao parceiro sem qualquer cerimônia, o que denota que eles estão há um bom tempo juntos. Não há espaço para explicações. Talvez pelo fato da publicação se basear em um texto de prosa do mago britânico, a trama é conduzida como uma das mais sutis de sua carreira, especialmente quando se mergulha no background dos homens abordados. Os dois são encarregados de falar com um preso, visto que alguém parece estar copiando o seu método de matar. O nome do interrogado é Agente Sax, um encarcerado que usa uma pseudo-linguagem, apesar de aparentemente ter sido instruído em inglês. Além disso, o personagem carrega um signo visual inconfundível, que é uma suástica na testa. Mas eles não logram êxito, só conseguem informações em períodos espaçados e muito tempo depois da entrevista.

É possível notar algumas referências bastante evidentes, e até óbvias, à obra máxima de Robert Chambers, O Rei de Amarelo, e um pouco da de Ambrose Pierce, porém com uma roupagem moderna. As investigações se elevam, mostrando a possibilidade de um culto de raízes ocultistas e uma série de assassinatos bizarros e sanguinolentos. A variação da arte garante um fôlego de comoção, tanto pelas vítimas quanto pelo mistério em si, instigando a curiosidade do leitor.

Os crimes hediondos são ligados quase que obrigatoriamente a desvios morais de comportamento, especialmente os relacionados à sexualidade. A primeira vítima é uma mulher de alta idade, de compleição física “prejudicada” ao extremo, que possui uma cômoda com ao menos dois jogos de gavetas repletas de consolos e outros brinquedos sexuais. No decorrer da trama, o casal de policiais, disfarçados de fãs de literatura lovecraftiana, se embrenha em uma caçada e chega até o dono de uma loja de artigos culturais, e se alinha a ele, mergulhando em sua intimidade parental e se surpreendendo com tudo aquilo.

A nudez dos “outros” é mostrada como algo decadente, diferente, e muito, do padrão estético visto em revistas pornográficas, o que revela uma crítica em muitos níveis, tanto ao comércio do sexo e do corpo quanto ao desnecessário julgamento com base nas aparências, especialmente em relação ao sentimento de subestimar o homem, tratando-o como ofensivo, seja por presunção ou por sua aparência física.

Os elementos que ocorrem, ao final, reúnem horrores inimagináveis, que esmagam os protagonistas daquela jornada e os reduzem a nada. As pouco mais de 50 páginas da obra são nauseantes e asquerosas se analisadas sob uma ótica normativa e comum. Além de conter um elemento sobrenatural indistinguível e indescritível, o roteiro é uma ode ao trabalho de Lovecraft, Pierce e Chambers, inclusive no que se refere à incomplacência com o leitor.

Resenha | Batman Anual 4

26 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Grant, Batman, Brent Anderson, Scarface

Uma das poucas publicações da Editora Abril em formato americano (17 x 26 cm), lançada em julho de 1995 e fugindo do esquema da mega-saga Queda do Morcego, Batman Anual 4 traz quatro histórias, sendo três delas enfocando o retorno de um dos vilões que se tornaram emblemáticos após o lançamento do seriado animado do Batman. Antes de Batman: The Animated Series quase não havia notoriedade no personagem Ventríloquo e seu “boneco” Scarface. Talvez pelo desenho fazer sucesso que a editora decidiu lançar este microarco na mesma publicação.

A primeira parte conta com roteiro de Alan Grant, que escreve toda a trilogia, e desenhos de Norm Breyfogle. A história A Morte do Chefão, publicada em Batman 475, em 1992, contém uma abordagem caricatural, por causa do lápis de Breyfogle, que, mesmo deixando de lado a seriedade do Morcego, consegue acentuar de modo interessante os contornos nonsenses do títere. Quando uma gangue rival alveja Scarface e ele é “morto”, Rhino, um de seus capangas, toma o objeto desmorto, contrariando a instrução do seu patrão, que diz ser tarde para levá-lo. O respeito do encarregado é tanto que ele pretende fazer um velório decente para o seu mandante, o que demonstra que os delírios do Ventríloquo são tão grandes que corrompem até quem não está dentro de sua mente.

Como objeto de curiosidade, é nesta edição em que Rene Montoya estreia na polícia de Gotham, atuando também como assistente do Comissário Gordon. Sua participação ainda é tímida, mas bastante pontual na trama. O Ventríloquo passa a refutar sua contraparte, negando toda a importância que Scarface tinha em sua exploração criminal. Tal atitude tenta esconder o incômodo que o titereiro tem em ser dominado por sua anomalia mental, sendo esta tão presente que o personagem, mesmo falando sem manejar o fantoche, troca as letras, atrapalhado pelo som não anasalado, já que o nariz de Scarface está danificado. Logo, ele retoma o poder novamente, invertendo (mais uma vez) o papel de escravo e escravizador.

Ao menos na parte 2, Exclode Coração (a grafia é esta mesma), os desenhos vão para as mão de Jim Amparo, que era o responsável pelo lápis da Detective Comics na época, e logo no início percebe-se a diferença da abordagem, especialmente por ser muito mais séria. Um pequeno drama – repetido à exaustão em toda a jornada do herói – envolve a sua amada Vicki Vale, que quase é morta por suas peripécias enquanto jornalista. O Cruzado Encapuzado decide então revelar sua identidade secreta à mulher, convalescente no hospital. Ela prontamente diz, aliviadíssima, que ficava feliz em saber que ele não era “o idiota fracote que fingia ser”, sinceridade esta somente aceita por quem ama de verdade e somente mostrada graças a um delírio do milionário, que apenas sonhou com tal situação.

De dentro do hospital, Wayne vê o Bat-Sinal e vai correndo à emergência, tendo de deixar a moça de lado e de abandonar seu coração e seus sentimentos ali, naquele quarto de repouso. Mesmo com duas fortes demonstrações – uma de sentimentalismo de Wayne em relação a Vale, ainda que o herói não tenha sido capaz de contar seu segredo, e outra de vingança, em que Scarface se vinga violentamente de um inimigo, jogando-o vivo ao mar para que se afogasse –, não há grandes menções à possibilidade de ser esta uma história extraordinária.

Após uma pin-up de Jim Lee – belíssima por sinal – segue-se outro momento da vida do herói, destacando-se que o emblema no peito de Batman ainda nem possuía a elipse amarela. Era um recordatório que remetia aos anos iniciais da carreira de Batman. Os autores James D. Hudnall (argumento) e Brent Anderson (desenhos) mostram o herói se embrenhando na mata, em terras estrangeiras, em busca de um raptado Alfred. Como na primeira história, quase não há nada que ultrapasse a linha da mediocridade – como muitos dos exemplares do Morcego dos anos 90, nas historinhas publicadas pelo grupo Abril de comunicação –, mesmo que essa “edição especial” tenha esse formato diferente e com 100 páginas de conteúdo.

Resenha | Batman & The Spirit

19 de agosto de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Darwyn Cooke, dave stewart, DC Comics, jeph loeb, Panini, Spirit, Will Eisner

Criado pelo revolucionário Will Eisner, o herói The Spirit surgiu na década de 40 em um supletivo dominical dedicado aos quadrinhos. Desde então, tornou-se uma das criações icônicas do mestre e ainda lembrada pelo público contemporâneo, que, mesmo sem ser uma testemunha ocular do sucesso da personagem, reconhece a criação mascarada que traja sobretudo e uma gravata, uma referência noir e adulta, inédita para a época.

Em 2007, a DC Comics adquiriu os direitos da personagem e coube ao roteirista Jeph Loeb apresentá-la a um novo público leitor. Desenhado por Darwyn Cooke, responsável integralmente por doze edições seguintes do herói, este crossover utiliza um dos medalhões do estúdio como destaque para apresentar um novo antigo personagem que possui semelhanças com o Homem-Morcego. Ambos são detetives que utilizam o mistério e a teatralidade como estilo para esconder a origem e o alterego, atuam em uma cidade específica e têm como amigo um comissário da polícia.

A trama de Convenção do Crime apresenta a amizade entre Gordon e Dolan, relembrando a primeira vez em que Spirit e Batman se encontraram para evitar um ataque de um grande grupo de vilões. O argumento narrativo é básico e cria paralelos entre as personagens de cada universo como modo de interação. Dessa maneira, Gordon e Dolan são convidados para uma convenção policial em comum e, ao mesmo tempo, seduzidos por mulheres fatais, P’Gell, no caso de Gordon, e Pamela Islay formando um par com Dolan. Os heróis são atraídos pelo grupo vilanesco ao mesmo local para serem exterminados. Após um desconforto inicial, e a descrença por parte de Spirit da real existência do Homem-Morcego, a dupla forma uma equipe.

A história não se desenvolve além de uma aventura de apresentação. O roteiro de Loeb não se situa nem em sua fase elogiada, nem em sua derrocada posterior. Permanece equilibrada e agrada ao demonstrar as diferenças operacionais entre as personagens. Por outro lado, o traço de Cooke, voltado a um estilo mais cartunesco e, assim, fora dos padrões mais realistas de muitos desenhistas atuais, é um primoroso acerto. Completa com estilo a personagem de Spirit e, longe do realismo do Morcego, demonstra-se funcional pela aventura e as doses de humor que ainda evidenciam traços de um estilo noir.

Torna-se visível que utilizar Batman como uma figura de destaque – a trama tem também uma aparição-relâmpago de Superman – funciona para situar o herói de Eisner e mostrar ao público que as personagens habitam um mesmo universo. Como ponto de partida e uma carta de apresentação, a história é funcional. Porém, a fase seguinte apresentada por Cooke é composta com um apuro tão preciso que transforma este crossover entre grandes personagens em uma sombra quase insignificante.

Resenha | Batman: Morte em Família

12 de agosto de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Denny O' Neil, Editora Abril Jovem, Jim Aparo, Jim Starlin

Em comemoração aos 50 anos do Homem Morcego, a DC Comics procurou uma maneira inédita de celebrar. Deu ao público o poder direto de escolher o destino de uma personagem. Cientes de que o aniversário perderia seu destaque com uma decisão de pequeno calibre, coube aos leitores definirem se o personagem de Jason Todd, o segundo Robin, viveria, dando sequência às histórias da dupla dinâmica, ou morreria, acrescentando novo elemento dramático à frágil psiquê de Batman.

Nas palavras de Denny O´Neil, até então a DC Comics mantinha o diálogo com seus leitores por cartas e conversas em convenções. Quaisquer decisões feitas pela editora seriam recebidas, criticadas ou não, aos poucos, conforme ocorre o natural feedback das leituras. Seria um feito inédito para o público escolher ativamente o destino de uma personagem e, em uma votação feita por telefone, a sentença foi dada a favor da morte de Jason Todd.

Em março de 1983, Jason Todd fez sua primeira aparição na revista do morcego. Em época pré-Crise Nas Infinitas Terras, a origem da personagem era muito semelhante a do primeiro Robin, Dick Grayson. Uma redundância desnecessária e modificada na estrutura pós-Crise. Jason manteve-se órfão, mas, dessa vez, é encontrado nas ruas tentando roubar os pneus do Batmóvel. Mesmo que Todd tenha personalidade diferente da de Grayson, o Morcego decide adotar o garoto e treiná-lo para assumir o manto de menino-prodígio. Três anos após esta reformulação, a personagem não era aceita pelo público como era o Robin anterior. A decisão natural foi procurar modificar a caracterização do garoto. Porém, dessa vez, com a escolha centrada nas mãos do público.

Ao observar o passado da personagem e as histórias que surgiram a partir deste acontecimento, a morte de Jason Todd teve saldo positivo. Promoveu mais uma fissura no espírito fragilizado de Batman, evidenciando contornos sombrios que sempre estiveram presentes no herói. Porém, como uma saga comemorativa de 50 anos, o arco Morte Em Família – publicado no país pela Abril também como A Morte de Robin – é fraco e nada memorável.

Mesmo que o desenlace tenha sido escolha do público, o roteiro de Jim Starlin não parece ter estudado previamente a motivação destes acontecimentos, tanto a curto prazo, nas histórias seguintes à morte do Robin, como a longo prazo, em um futuro que seria possível prever um terceiro Robin. Como um todo, o arco parece feito ao acaso, costurado de maneira inverossímil, como se minutos após o encerramento das votações que escolheram um fim para Todd, surgisse nas bancas a história completa.

Se a personagem era odiada pelos leitores, parece que não foi bem recebida também pelo roteirista, tamanha precariedade que compõe esta história derradeira. O fim de Jason Todd inicia-se em seu passado. Após ser afastado do cargo por excesso de violência, o garoto retorna à sua antiga casa e recebe de uma vizinha documentos antigos dos Todd, descobrindo em sua certidão de nascimento que a mãe com a qual conviveu em seus anos não era sua mãe verdadeira. Resta-lhe como pista apenas a inicial do nome de sua possível genitora. Ao cruzar os dados de cadernetas do pai com os dos computadores da Batcaverna, o garoto sai em uma viagem ao Oriente Médio à procura de sua matriarca. Em paralelo à investigação de Jason, o Coringa, preso desde o acidente com Barbara Gordon, foge do Asilo Arkham. Após ter seus bens retidos pelo governo, procura um míssil em um de seus esconderijos ocultos e tenta vendê-lo a terroristas libaneses.

A utilização do argumento estrangeiro parece um recurso fácil para desenvolver uma história. É comum observarmos que muitas sequências, principalmente de filmes, valem-se de uma ambientação não habitual como forma de apresentar novidade. A composição de coincidência do roteiro é exagerada até mesmo para uma história em quadrinhos, uma das artes que mais abusa das casualidades. O retorno do Palhaço do Crime é apenas um elemento a mais para celebrar o aniversário de Batman. Um vilão com muita presença que não poderia ficar de fora de uma história que deseja ser épica. Se normalmente seria difícil arquitetar um retorno que fosse sustentável após a triunfal narrativa A Piada Mortal, composta por Alan Moore, torna-se ainda mais precário utilizar a personagem somente por seu status de grande vilão.

Investigando o passado, Robin encontra-se na mesma região, o Oriente Médio, para onde Coringa e Batman também viajam a fim de conter a situação. Neste ambiente convergem os acontecimentos trágicos. Composta em seis partes, a saga Morte em Família apresenta um único capítulo capaz de sustentar uma carga dramática. Neste, à procura de Jason, Batman faz uma mea culpa e revê a sua trajetória ao lado de seu companheiro atual, admitindo a insensatez de colocá-lo como ajudante. Um suspiro de profundidade para uma trama que parece ocorrer ao acaso.

A presença de Coringa, com a motivação de vender um míssil para um terrorista, parece improvável. Ainda mais se indagarmos como é possível que um bandido do submundo de Gotham consiga manter contas em banco reconhecidas pelo governo para, já na prisão, ter seus bens congelados. Mesmo que seja possível inferir o uso de “laranjas” em suas transações, ainda é improvável imaginar o Palhaço sem um ás na manga que lhe dê o dinheiro necessário sem precisar revender um míssil no exterior, desmontá-lo-o e montá-lo novamente no local. Elementos absurdos até mesmo para uma personagem anárquica e insana.

Muitas coincidências permeiam a narrativa. Batman encontra Robin na cidade, pois ambos estão no mesmo hotel. A possível mãe de Jason está envolvida com o submundo, coincidentemente chefiado pelo Coringa. Uma história que, vista com distanciamento, demonstra sua gigantesca falha em ser épica, sendo uma referência apenas pela morte em questão.

Como é necessária uma história marcante, Superman aparece nos capítulos finais como apoio a um Bruce Wayne desolado e com desejos de vingança. Porém, nada é mais inexplicável do que a reviravolta que faz de Coringa o novo embaixador do Irã. O capítulo em questão não só demonstra o desgaste do arco que poderia encerrar-se antes como também exagera no absurdo. Como se a possível vingança do Homem Morcego fosse maior do que a dor de ficar de luto por mais um amigo falecido.

Como marco, Morte em Família falha miseravelmente. Parece ser uma história que tenta agradar ao público, unindo personagens conhecidas e um desfecho escolhido para elas. Como se a mera presença das personagens fosse suficiente para uma grande aventura, ainda que sem um argumento que tenha uma coerência mínima e o suspense ou drama adequados.

Resenha | Batman: A Morte da Família

29 de julho de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, coringa, DC Comics, Greg Capullo, novos 52, Scott Snyder

Após a ~~mega~~ mini-saga A Noite das Corujas, Scott Snyder prosseguiu no título principal do Homem-Morcego e consequentemente fez o esboço da saga posterior, que envolveria o arquirrival e gênese oficial do Cruzado Encapuzado além dos títulos acessórios de Batman. O Coringa, que estava um pouco apagado após a estreia de Detective Comics, voltaria em grande estilo ao crime e à vilania de Gotham.

A obra foi lançada após a edição número zero de Batman, cujas edições lançadas pela editora mostram histórias anteriores às apresentadas nos primeiros arcos do reboot, narrando os primeiros acontecimentos do retorno de Bruce Wayne à sua cidade natal quando infiltrado em meio à gangue do Capuz Vermelho. Ao final da edição, há uma reimaginação interessante da inspiração dos Robins Dick Grayson, Jason Todd e Tim Drake, mostrando um pouco a admiração que cada um teve pelo líder do Bat-Squad.

A ausência do Coringa é sentida por praticamente doze meses em todo o primeiro ano após o reboot, exceto pela já citada história de Tony Salvador Daniels. Não à toa, a retomada viria por meio da revista do personagem que ele aleijou anos antes. Morte da Família tem seu primeiro episódio em Batgirl 13 – com o lápis do brasileiro Ed Benes (especialista em desenhar mulheres de corpos esculturais) -, uma história curiosa por mexer com os brios da moça, já que Barbara Gordon sofreu o diabo com o Palhaço Infernal. O período em que Coringa estava em hiato era obviamente ligado à sua possível morte, uma vez que um vilão estava com o seu rosto, uma face dilacerada que depois é roubada por seu antigo dono.

O retorno triunfal do Bobo seria infectando toda a cidade, aterrorizando o Comissário Gordon, que, graças a esse fato, igualaria o seu comportamento ao de uma garotinha indefesa diante do maior apuro de sua vida inocente. A manipulação que o vilão exerce não influi somente nos cidadãos, mas também em alguns dos vilões de Gotham, especialmente nos estreitamente ligados ao bandido.

A tática consiste em atacar o Morcego em nível pessoal, com uma das primeiras ações consistindo no rapto de Alfred Pennyworth para desestabilizar Bruce Wayne e irritar “você sabe quem“. É curioso como Coringa mostra saber a identidade secreta de Batman, mas não se importa com isso, não de um modo expositivo que demonstre uma vontade de contar a novidade ao mundo. É como se o cargo estivesse vazio, sem a mesma importância que qualquer outro membro da galeria de vilões daria ao descobrir, de fato, a identidade do Cruzado Encapuzado. Mas a circunstância não o impede de atacar seu rival. O golpe é baixo: exibir qual a contraparte do herói é irrelevante; a volúpia é por humilhar o paladino.

Os ataques prosseguem. James Gordon cai, vítima de uma hemorragia causada pela intoxicação do Gás do Riso. O plano de minar as emoções do herói esbarram no sangue frio e na decisão de atacar o Coringa de modo planejado, mas ainda assim o bombardeio prossegue, e de modo sério. Dois momentos mostram o quão sério e assertivo é o modus operandi do insano palhaço. Primeiro, quando ele e o Pinguim são comparados, demonstrando a diferença do pensamento anárquico, em cometer delitos, e o do crime organizado, mostrando que o primeiro é muito mais exitoso do que o outro; o segundo momento é a disposição do vilão em atacar um a um dos membros da família do Morcego, já que, para ele, não são segredos as suas identidades e as suas rotinas pessoais.

É uma pena que não haja uma unicidade de traços entre os desenhistas das revistas, que têm no visual do Coringa o avatar da incompetência. Alguns artistas dão um maior foco ao rosto disforme do personagem, enquanto outros tratam a sua face como algo semelhante a uma máscara de látex, o que diminui, e muito, o impacto que teriam as atitudes loucas do idealizador daquele estratagema. Mas tal defeito não consegue encobrir a principal qualidade de Coringa enquanto vilão, que é a imprevisibilidade. O palhaço, que mostra uma nova loucura sempre que aparece, relembra os bons momentos de Grant Morrison à frente do número – mais uma vez Snyder bebe da fonte deixada pelo roteirista escocês.

Uma das histórias paralelas que mais atraem a atenção do leitor é o tie-in presente em Asa Noturna (Nightwing), com roteiro de Kyle Higgins e desenhos do brasileiro Eddie Barrows. Dick Grayson começa a namorar uma moça que mais tarde revela ser filha de Tony Zucco, o que reabre algumas feridas internas, escondidas após anos de vigilantismo, mas que ainda marcam a vida do primeiro parceiro-mirim do Morcego. O ataque do Coringa a ele é talvez o mais catastrófico das atitudes do vilão, pois ceifa as esperanças do ex-acrobata e prenuncia a sua mudança de atitude num futuro próximo.

Batman se sente acuado. O vilão conseguiu tocar a psiquê do Cruzado. O megalomaníaco plano visa desmoralizar o guardião de Gotham. A tensão presente nas histórias contém muito mais elementos interessantes que os momentos pregressos, talvez por Snyder estar um pouco mais à vontade à frente do título. Por incrível que pareça, seus méritos não são todos fundamentados no gigantesco carisma do Coringa. As ações registradas são justificadas pela óbvia loucura e fazem sentido dentro do microuniverso da Bat-família.

É notório que as decisões em relação ao Palhaço do Crime passem muito pelo estilo diferente do personagem, primeiro com a decisão da retirada do seu rosto, pondo-o numa posição mais grotesca de sua história, mas também exagerando nas características da loucura. O que não pode ser associado à repetição da fórmula é o modo como o vilão trata os personagens acessórios, tocando de modo pessoal na rotina dos aliados do Morcego, especialmente em relação a Bartgirl (Barbara Gordon) e Asa Noturna, abalando, direta e indiretamente, a confiança dos dois em Batman.

A conclusão da saga, presente em Batman 17, mostra toda a Bat-família capturada pelo Coringa, todos diante de uma mesa, em uma referência obscura à família de canibais de Massacre da Serra Elétrica, de Tobe Hooper. Todo o plano arquitetado e posto em prática vai bem, até esbarrar na decisão final, no modo como o Morcego resolve os mistérios e vence seu adversário, jogando com ele em um campo onde jamais gostaria de entrar.

O Batman blefa, usa as mesmas artimanhas que seu inimigo, e isto até poderia ser uma boa saída, mas o modo como ela é construída é bastante preguiçosa, tendo muitos casos semelhantes em toda a trajetória do personagem. Durante setenta e cinco anos, o Morcego já usou artifícios semelhantes de enganação. Até mesmo no final de Batman Eternamente o modo como o Bat-Val Kilmer vence o Duas Caras de Tommy Lee Jones é muito semelhante ao caderno que contém a malfadada “identidade real” do Palhaço. A questão poderia ter sido melhor pensada, até pela pompa que a saga ganhou com o passar do tempo. A explicação que Bruce dá por não ter assassinado seu nêmese chega a ser plausível, e, aliada à separação do Bat-Squad, quase fez com que as soluções fáceis de Snyder fossem toleráveis. Contudo, elas não apagam o gosto ruim que fica após saborear o desfecho de Morte da Família, apesar dessa história ser muito mais bem urdida que as sagas anteriores.

Compre: Batman – A Morte da Família.