Arnold Schwarzenegger – Vortex Cultural

Crítica | Conan: O Destruidor

13 de fevereiro de 2021 by Bernardo Mazzei

Arnold Schwarzenegger, Basil Poledouris, Conan, Grace Jones, Olivia d’Abo, Richard Fleischer, Robert E. Howard, Sarah Douglas, Stanley Mann

Se em 1982 nós fomos agraciados com o sensacional Conan: O Bárbaro, em 1984 fomos condenados à Conan: O Destruidor. A sequência do clássico dirigido por John Millius que apresentou Arnold Schwarzenegger, infelizmente, é bastante inferior ao seu predecessor. O sucesso do primeira longa fez com que Dino de Laurentiis e o estúdio Universal resolvessem explorar mais o personagem. Com Millius e Oliver Stone, respectivamente diretor e roteirista do original, indisponíveis, Richard Fleischer assumiu o leme para conduzir o roteiro escrito por Stanley Mann. Infelizmente, o resultado final foi bem ruim.

Na trama do filme, Conan ainda está de luto pela morte de sua amada Valeria quando é recrutado pela rainha Taramis de Shadizar para acompanhar Jehnna e seu guarda-costas Bombaata em uma jornada para roubar um artefato mágico capaz de reviver um deus milenar. Junto de Malak, Conan recorre ao seu amigo mago Akiro para ajudá-lo na viagem e no caminho, salva a guerreira Zula, ganhando sua lealdade. É essa união improvável que vai auxiliar Conan no cumprimento do seu compromisso com a nebulosa rainha.

O roteiro de Mann constitui-se basicamente de ideias recicladas da primeira película e clichês emprestados de outros. Há uma clara mudança de tom, com uma boa dose de humor mal inserido no filme. Tal fato ocorreu porque Laurentiis e a Universal resolveram que Conan: O Destruidor deveria ser para um público mais abrangente. Sendo assim, a violência foi diminuída sensivelmente e momentos chocantes foram substituídos por piadas sem graça. Os personagens passaram também uma higienização. Todo mundo é extremamente limpinho e mal fica machucado, contrariando totalmente a estética crua e a visceralidade do primeiro filme. Tal abordagem fez com que os quadrinistas Gerry Conway e Roy Thomas, criadores da história original que serve de base para o roteiro, rejeitassem o resultado final da obra. Se ao menos o roteiro fosse coerente, daria pra encarar como um passatempo. Entretanto, não consegue estabelecer as ameaças do filme, faz com que os personagens sejam apenas meras escadas para Conan, já que nenhum deles têm alguma função decente dentro da história. Mal servem para movimentá-la.

A direção de Fleischer também não ajuda em nada. O diretor abraça um tom camp que destoa completamente do primeiro filme e principalmente, da essência do personagem criado por Robert E. Howard. O Conan desse filme é um pálido decalque do seu conceito original e isso se reflete na interpretação de Arnold Schwarzenegger. Ainda que uma presente imponente em tela, o ator parece descompromissado e nem de longe se mostra como a força da natureza do primeiro filme. Sarah Douglas, a Ursa dos dois primeiros filmes do Superman, se mantém ameaçadora quando em cena, sendo convincente no que propõe. Mako, repete seu papel do primeiro filme, porém dessa vez se resume a fazer caretas e gestos estranhos nas cenas em que seu personagem tenta fazer alguma magia. Já Grace Jones e o ex-jogador dos Los Angeles Lakers Wilt Chamberlain, se impõem somente pela presença física, porque a canastrice dos dois é altíssima. Já Olivia d’Abo recebe o ingrato papel de mocinha lânguida que se encanta pelo protagonista e que se mete em situações de perigo quase o tempo todo. As cenas de ação são bem genéricas, com alguns momentos ruins devido à precariedade de certos efeitos especiais, fato interessante devido a outros momentos que possuem bons efeitos aliados à boa fotografia. A trilha de Basil Poledouris ganha alguns novos arranjos, mas ainda mantém sua força.

Enfim, Conan: O Destruidor é um filme ruim que não faz jus ao personagem ou ao seu predecessor. O que o deixa ainda mais amargo, é não haver uma terceira parte com um roteiro redentor e com Schwarzenegger de volta ao papel atuando da forma que o consagrou na primeira película.

Crítica | Conan: O Bárbaro

31 de janeiro de 2021 by Bernardo Mazzei

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, Basil Poledouris, Conan, John Millius, Robert E. Howard

O subgênero “espada e sandálias” durante muito tempo teve um lugar cativo em Hollywood. Quase que anualmente, uma grande produção pipocava nos cinemas, tais como Spartacus e Ben-Hur, respectivamente dirigidos pelo craques Stanley Kubrick e William Wyler, além de ambos os filmes terem o grande Kirk Douglas como protagonista. A partir da década de meados da década de 60, o subgênero foi se diluindo em meio às fortes influências. Porém, em 1982, estreava Conan: O Bárbaro, um genuíno exemplar do subgênero “espada e sandálias” e uma das melhores adaptações de histórias em quadrinhos.

Roteirizado por Oliver Stone e dirigido por John Millius, o filme adaptava os quadrinhos pulp escritos por Robert E. Howard. Entretanto, tirar o projeto do papel não foi moleza. Além do roteiro inicial de Stone descaracterizar por completo o personagem, situando-o em um futuro próximo e não em um passado distante como nas HQs, seu orçamento era proibitivo. Nesse momento então, o diretor John Millius embarcou na empreitada. De primeira providência, o diretor voltou à situar o filme em épocas remotas, além de seguir a linha característica do criador do personagem, colocando num grande caldeirão fortes influências das culturas europeias e asiáticas, elementos da Idade Média e Antiga, além de inspirações em Akira Kurosawa e filósofos como Friedrich Nietzsche. Essa mistura toda estabeleceu o clima místico, repleto de fantasia e sangue do filme, uma atmosfera que até hoje não conseguiu ser igualada.

De acordo com a sinopse oficial do filme, “para vingar a morte de seus pais, Conan (Arnold Schwarzenegger) enfrenta um perigoso feiticeiro em busca da Liga de Aço, que fará com que sua espada se torne invencível. Quando criança, Conan viu seus pais serem mortos na sua frente e seu povo massacrado. Criado em um campo de escravos, ele desenvolve uma enorme força física e se torna um gladiador. Mas Conan nunca esqueceu seu triste passado e está determinado a vingar o assassinato de sua família”.

O roteiro de Stone e Millius conta com um detalhado prólogo que apresenta as origens de Conan, desde sua infância – quando sua vila foi atacada pelo vilão Thulsa Doom e seus pais foram mortos de forma brutal – até chegar a vida adulta quando inicia a sua jornada em busca de vingança. Isso confere ao personagem uma profundidade surpreendente, tendo em vista que ótimas bases para futuras tramas e desenvolvimentos vão sendo edificadas. Nesse ponto, fica o lamento pelo personagem não ter ganhado uma saga à altura do que aqui é estabelecido.

O personagem assume um caráter ainda mais especial quando prestamos atenção na narração em off feita por Mako, intérprete de um mago que acompanha Conan em sua jornada. Toda uma mitologia é construída ao seu redor de forma gradual e sem atropelos, com o roteiro seguindo um ritmo bem cadenciado, mas sem se tornar lento demais. Entretanto, nem tudo são flores. Talvez por influência do lendário produtor italiano Dino de Laurentiis, conhecido pela grandiosidade de suas produções, o filme em certos momentos carrega demais nas tintas dramáticas, assumindo quase um caráter trash, tendo em vista que bacanais e canibalismo são mostrados exageradamente e cenas de combate por pouco não ficam engraçadas devido à quantidade absurda de sangue falso que aparece na tela. Além disso, o diretor se mostra perdido em alguns momentos da batalha final, imprimindo um caráter teatral que destoa do conjunto geral da obra.

Schwarzenegger, ainda um ilustre desconhecido batalhando pelo estrelato em Hollywood, era a escolha óbvia para o papel. O futuro governador da Califórnia começou a se preparar para o papel já em 1979 quando a pré-produção da película foi iniciada, deixando o cabelo crescer e voltando a se dedicar intensamente à sua forma física, tanto que em 1980 voltou a vencer o Mister Olympia depois de um hiato de 5 anos. Schwarza se mostraria perfeito para o papel, emprestando toda sua fisicalidade e se tornando uma presença magnética em tela. É um caso raro em que limitações dramatúrgicas se tornam uma qualidade. Seu Conan é uma força da natureza que age e reage, mas quando fala, mostra a dureza e a crueza de quem sofreu durante 15 anos na Roda da Dor. James Earl Jones se mostra uma ótima escolha para o papel do aterrorizante mago Thulsa Doom. Mesmo não sendo um titã atlético, Jones se mostra gigante em tela com sua voz imponente e sua postura, tornando memorável um papel inicialmente raso. O grande Max Von Sydow empresta sua competência e sua elegância de sempre ao seu Rei Osric, enquanto que Mako é um alívio cômico que tem uma divertida dinâmica com Conan, sem cair na caricatura ou ser desagradável. Quem também se destaca é Sandahl Bergman. Sua Valeria é praticamente uma versão feminina de Conan e a atriz também enche a tela com sua presença e fisicalidade. Um fato curioso é que não havia dublê feminina com a altura da atriz, 1 metro e 83 centímetros, o que obrigou que ela fizesse todas as suas cenas perigosas. Isso deixa sua atuação ainda mais convincente.

Enfim, embalado pela estupenda trilha sonora composta por Basil Poledouris, Conan: O Bárbaro é um filmaço que pode ser considerado um evento histórico, pois apresentou para o mundo o fantástico Arnold Schwarzenegger, estabeleceu a versão definitiva de Conan para as telonas já na primeira tacada e ainda é um grande exemplo de como uma história em quadrinhos pode ser adaptada sem que suas características principais não sejam desrespeitadas e seu protagonista seja plenamente compreendido.

Crítica | O Exterminador do Futuro: Destino Sombrio

24 de outubro de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, Billy Ray, David Goyer, Exterminador do Futuro, Gabriel Luna, james cameron, Justin Rhodes, Linda Hamilton, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Terminator, Tim Miller

O Exterminador do Futuro: Destino Sombrio começa simples, com uma gravação de sua heroína, a Sarah Connor de Linda Hamilton, que estava ausente desde o 2º filme, ainda no manicômio falando a respeito do dia do Juízo Final, em 1997. A gravação a fazia parecer paranoica, mas ela era autoritária, forte, bem resolvida e durona, e a escolha por começar esse sexto episódio da franquia no cinema, que relembra outras cenas clássicas, inclusive fazendo uma rima visual que, apesar de ser um recurso clichê, aqui combina demais, com as comparações das diferentes praias, uma no caos futurista e outra na calmaria pré tragédia pessoal.

Uma das maiores preocupações por parte dos fãs, era se Tim Miller conseguiria repetir os bons momentos de O Exterminador do Futuro e O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final no quesito ação, e ao menos nesse sentido, não há do que reclamar. Os 20 minutos iniciais são de uma ação frenética absurda, e mesmo os efeitos especiais soam naturais, bem melhor do que o rejuvenescimento de O Exterminador do Futuro: Genesis, que visto hoje, faz Arnold Schwarzenegger parecer realmente um boneco mal feito.

A introdução dos novos personagens é um pouco apressada,mas o ritmo acelerado faz com que o estranhamento seja facilmente driblado. Tanto Grace (Mackenzie Davis) quanto Dani Ramos (Natalia Reyes) são personagens que parecem um pouco apagadas, mas até para manter o mistério em torno delas, faz sentido isso ocorrer. A luta que Grace tem com o Exterminador REV-9 de Gabriel Luna é sensacional, em especial a sequencia na estrada, pós saída da fábrica, uma pena que boa parte desses momentos já tivessem sido antecipados no material de divulgação.

Hamilton, no presente do filme, acrescenta demais a trama, seja no espírito de guerrilheira que ela veste, como no aspecto de heroína de ação que prosseguiu evoluindo, tal qual foi em T2. Aliás, o núcleo de protagonistas ser todo formado por mulheres é um aspecto muito bem vindo, e ela que faz lembrar os momentos mais legais de mulheres badass do cinema recente, quase como uma Charlize Theron mais madura, uma evolução da Imperator Furiosa de Mad Max: Estrada da Fúria e da espiã de Atômica.

O roteiro de David S. Goyer, Justin Rhodes e Billy Ray não é primoroso. A historia se perde um pouco ao não causar muito impacto com aspectos novos da franquia, e com essa outra versão do destino da humanidade. Talvez a quantidade grande de roteiristas e de argumentistas ( foram cinco, incluindo o produtor James Cameron) tenha ajudado a diluir essa importância que deveria ter sido dada. Além disso, há uma reciclagem tanto da trama de T2, quanto de muitos aspectos das continuações que foram “descanonizadas”. De O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas, há o conceito de uma mulher viajando no tempo e sendo badass, de O Exterminador do Futuro: A Salvação, o conceito de um humano aprimorado e de T: Genesys, a questão do envelhecimento do tecido orgânico do T-800 de Arnold.

Apesar de se valer demais de flashbacks – o que é ruim – ao menos é possível observar como essa versão do futuro é suja, lembrando inclusive Aliens: O Resgate em boa parte dos aspectos, mostrando que Miller é muito reverencial ao legado de Cameron. No entanto, a repetição de ciclos, com mulheres sempre se sacrificando pela sobrevivência da humanidade, não é tão bem traduzida para a parte da nova geração. Ao menos, o sub plot do T-800 é bem legal, e faz sentido mesmo com a suspensão de descrença. Se as máquinas são capazes de se revoltar e exterminar os homens, não há porquê elas não evoluírem ao ponto de criar uma espécie de ética própria, ainda mais se essa máquina não tiver nenhuma ordem ou comando. A mensagem sobre propósitos e a necessidade de tê-los é um pouco piegas, mas não chega a ser ofensivo, até porque Schwarzenegger está engraçadíssimo, à vontade como há muito não se via.

Exterminador do Futuro: Destino sombrio acerta demais nos aspectos ligados a action movies, tem sequencias de luta muito boas, um bom vilão, que não deixa tanto a desejar para o T 1000 de Robert Patrick, e que tem em Linda Hamilton sua âncora, com uma atuação muito tocante e inspirada da veterana atriz, com um desempenho tão bom que quase faz esquecer que Reyes e Davis não estão tão bem.

Facebook – Página e Grupo | Twitter| Instagram | Spotify.

Crítica | Batman & Robin

27 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Akiva Goldsman, Arnold Schwarzenegger, Batman, George Clooney, Joel Schumacher, robin, Uma Thurman

A primeira fala do Batman de Val Kilmer em Batman Eternamente, envolve ele e Alfred discutindo sobre a janta do herói, com Bruce se negando a comer em casa, dizendo que irá em um drive thru, quebrando já no inicio a ideia de que aquele poderia ser um filme sério. A abordagem que o novo diretor dava a franquia iniciada por Tim Burton em Batman se distanciava cada vez mais daquele tom dark e violento, e seguiria nesse estilo, na nova versão de Batman e Robin, com um início igualmente esdrúxulo, onde após os créditos iniciais e uma apresentação que deveria ser épica – mas que soa patética – do batmóvel é cortada por uma conversa infantil, entre o Robin de Chris O’Donnel, que agora usa um uniforme que lembra o de Asa Noturna nos quadrinhos, com o novo morcego de George Clooney, onde o jovem deseja usar o carro, por conta das gatinhas se amarrarem, enquanto o cruzado encapuzado diz que é por isso que o Superman trabalha sozinho. Essa piada infame talvez tenha sido a pá de cal em cima da pretensão da Warner em usar esse e Superman Lives como iniciativa do seu universo compartilhado no cinema.

É comum entre fãs do personagem criado por Bill Finger e Bob Kane, dizer que o arqui inimigo do Batman é Joel Schumacher e não o Coringa, e isso talvez seja uma grande injustiça. Claramente a culpa do que foi cometido em Batman e Robin é não única e exclusivamente dele. Em materiais de divulgação dos DVDs e Blurays do filme, o diretor pede desculpas se ofendeu alguém, mas a realidade é a que a responsabilidade que lhe foi imposta era árdua, pois produtores e roteiristas pareciam embuidos em sabotar essa quarta versão da saga.

Nos cinco primeiros minutos de filme, Alfred (Michael Gough) faz piada com pizzas, Batman conversa com o Comissário Gordon (Pat Hingle) em um dispositivo televisivo em seu carro, claramente para vender brinquedos não só do carro, como também desse visor, e o Senhor Frio de Arnold Schwarzenegger – que é aliás o primeiro nome nos créditos – é capaz de entre a minutagem de 4:19 e 5:08 ele consegue proferir três frases com trocadilhos relacionados a frio, e seriam 27 ao longo dos 124 minutos de exibição. A obrigação em vender merchandising é da Warner, e esses diálogos artificiais foram escritos por Akiva Goldsman.

Evidente que Schumacher poderia ter recusado voltar, diante do texto que tinha em mãos e diante das exigências imbecis que o estúdio propunha, mas a realidade é que recusar a realização de um sonho, de poder traduzir no cinema uma historia do seu personagem favorito não é uma decisão fácil, vide Nicolas Cage aceitando ser o Superman e fazendo Motoqueiro Fantasma, mas a dura realidade é que praticamente nada faz sentido aqui.

Ainda na cena inicial do museu, os capangas de Frio jogam hockei com o diamante que ele roubou, o mesmo que precisaria estar intacto para formar a máquina que tentaria trazer sua esposa a vida. Os exageros continuam, Victor Fries lança uma rajada de gelo na direção do herói, o suficiente para matar de hipotermia o personagem, mas ele basicamente só manieta o Morcego, levemente, cobrindo suas mãos com um gelinho muito bem talhado. Mas em um filme onde patins saem das botas do Batman, onde a dupla dinâmica surfa com as portas da nave do vilão, desliza na cauda de dinossauros de um museu e onde Schwarzenneger faz cosplay de pomba congelada, com direito a asinha estilizada como as de uma mariposa, pode absolutamente tudo.

Não bastasse um cenário super bizarro ligado a vilões, há um segundo, envolvendo a versão do Homem Florônico com John Glover fazendo experimentos contra a vontade de suas cobaias, no entanto, cabe a Pamela Isley a primeira inteiração daqui, com a sua interprete Uma Thurman lamentando que ainda não conseguiu fundir a estrutura animal com a das plantas. Enquanto isso, é criado Bane, um homem franzino, que é anabolizado por uma droga chamado Veneno, e que está lá para ser vendido entre soberanos de países, com pastiches de reis africanos, sósias de Fidel Castro, de chineses e outros asiáticos,e esse é só o início dos exageros.

O tal doutor Woodrue de Glover interrompe seu leilão, para tentar convencer Pamela a se juntar a ele, mesmo ela já sendo sua empregada, e a resposta dela é ideológica, de que não servirá ao mal, falando que sua missão na Terra é cuidar da não extinção das plantas. É tudo tão bobo e pueril que jogar prateleiras cheias de líquidos coloridos e acreditar que uma pessoa morrerá só com isso nem é tão absurdo, no final das contas.

Mas o filme é ousado, tenta estabelecer algumas sub tramas emocionais, duas em especifico, uma explorando a decadência emocional de Fries, tomando por base a boa construção do personagem trágico e viúvo feita durante Batman The Animated Series, além claro da problemática em relação a saúde de Alfred, fato que permite que Clooney e Gough possam dividir algumas poucas cenas de ternura. É uma pena que ambos os aspectos sejam banalizados, com Freeze mandando os capangas dançarem, e com o advento de Barbara Wilson, de Alicia Silvertone, que mais tarde, se tornaria a nova Batgirl, repetindo quase todo o arco de Dick Grayson em Batman Eternamente.

A construção das personagens femininas são terríveis. Pamela retorna dos mortos como a Mulher Gato de Michelle Pfeiffer em Batman o Retorno, mas sem metade do charme daquela versão, apesar de estar lindíssima a partir daí. Julie Madison, que foi um primeiros amores do personagem principal nos quadrinhos é sub aproveitada , e Elle Macpherson só aparece em tela com 35 minutos de exibição. Barbara que foi mudada de filha de Gordon para sobrinha do mordomo também não tem um bom desempenho, é só a menina com ideal de libertar o parente dos grilhões de servidão/escravidão que os Wayne o impuseram, mas usufrui da fortuna deles sem receios, e até aceita entrar o bat-squad, apesar de claramente não concordar com os métodos de Bruce. Mais uma vez essas construções de personagem não fazem sentido.

Talvez se a trama de Alfred em tentar encontrar seu irmão Wilfred para substitui-lo fosse levada mais a sério, daria certo, fato é que achar que Barbara levaria seu legado a frente, além do que seria mais uma preconceituosa conclusão de que a menina aceitaria a condição de faz tudo de bom grado, já que pela ideia dos quatro filmes, é Alfred que cuida sozinho de toda a mansão. Não fosse Silverstone – uma atriz fraca, escolhida basicamente por ser bonita e famosa – a porta voz do plot sobre a condição de saúde de Alfred, possivelmente seria este o cerne emotivo mais forte do filme, ou ao menos um aspecto positivo em meio a toda a péssima execução do combalido roteiro de Goldsman. O fato de Dick ser insensível (ou apenas desatento) com a condição de seu mordomo faz sentido, pois ele é jovem, impulsivo, e um pouco egoísta, como boa parte dos pós adolescentes, enquanto Bruce, que enxerga Alfred como a sua figura paterna, percebe a tentativa do idoso de ludibria-lo.

O quadro ainda iria piorar, com uma festa temática africana, uma festa a fantasia que conta com Batman e Robin como convidados, que trabalham em prol da caridade a instituições que precisam de recursos. Assistindo os filmes de Chris Nolan atualmente, se entende por que fizeram tanto sucesso, pois o Batman dele não se permite ser usado para fins lucrativos e nem faz aparições publicas assim tão esdrúxulas. Claro que essa sequencia toda é montada para dar vazão aos fetiches de Schumacher por neon, e para apresentar homens musculoso, de tanga e óleo sobre o tórax e bíceps, que lá estão servindo a versão mais sensual de Pamela, a Hera Venenosa, como um pretexto para pôr para fora fetiches e exibicionismos.

Há algo de poético e inocente nos beijos de Hera. A morte, vindo através dos lábios de uma dama é um requinte de crueldade bem pensado, ainda mais se o foco é apresentar a fúria vingativa de Gaia ante os humanos. Juntando isso, ao luto que Fries sofre, ao ser enganado por sua nova parceira, quase se compõe um pequeno respiro de humanidade e inteligência no longa, que obviamente é cortado por um plano esdrúxulo, onde a era glacial invadiria Gotham, através do roubo de uma tecnologia espacial pelo Senhor Frio, onde jamais as plantas de Ivy poderiam sobreviver, além de apresentar a cena mais patética de Pat Hingle em toda a franquia, onde ele é seduzido por Pamela, que se recusa a beijá-lo por conta dele ser idoso. É melancólico que esse seja seu ultimo momento dentro da franquia.

Os trinta minutos finais formam um caminho de uma ladeira percorrida por um veículo de pneus carecas, por mais que parecesse que esses níveis eram ruins, havia uma rota que poderia piorar tudo, e ela foi tomada com muita vontade por parte de quem ajudou a realizar essa obra. Robin Sinal, Barbara abrindo o cd-rom com as informações da bat caverna com o logo do filme ilumando sua face, a briga para medir quem tem pênis maior encerrada com um pedido fraternal de Bruce para que Dick não cedesse a sedução de Hera claramente com ciúmes, não se sabe se da mulher ou do garoto prodígio.

Hera e Robin quase consumam seu “amor”, em mais uma sequencia das mais vergonhosas. O gesto recatado de ósculo labial, que deveria ser um paralelo equivalente a ousadia de colocar sexo em um filme feito para crianças é cortado por lábios de borracha do sidekick do morcego, e o causo só é resolvido pelo girl Power de Barbara, em uma série de eventos tão toscos que fazem o inicio parecer sério. A classificação que o Newsweek deu para o filme de Grande, Ousado e Magnifico poderia facilmente por Espalhafatoso, Excessivo e Patético.

Nem mesmo a música de Elliot Goldenthal funciona, mesmo que tocada sozinha tenha um significado, ao compor o quadro com as imagens. Quando ela é tocada apenas para embalar os carros e veículos que deslizam sobre o gelo, e para ajudar a vender mais bonecos com uniformes diferentes, tudo se banaliza. Mamilos protuberantes, close em partes genitais e o CGI mal empregado não irritam tanto quanto essa necessidade de vender os tais brinquedos, que por sinal, nem eram tão legais, os que eram feitos para os filmes de Burton eram infinitamente mais legais, se comparar então com os dos desenhos, é covardia.

Robin é o herói impotente, ao ver seu amigo e parceiro cair, ele diz a Batgirl que a eles resta rezar. A vontade de fazer piada passa por cima inclusive da essência dos personagens, não se pensa duas vezes antes. Há muitos momentos vergonhosos para escolher como o preferido no final, se é a quase cena pós crédito entre Hera e Victor, que não faz sentido, se é o neon que invade até a casa de Bruce, ou se é o Senhor Frio guardando a cura para a doença de sua amada consigo em sua armadura, e que serve para ajudar Alfred a viver. No entanto, há algo mágico na obra que Schumacher dirigiu, algo que faz toda essa besteirada cafona funcionar como algo tão ruim que se torna divertido acompanhar o desastre. O objetivo do diretor era fazer o que James Wan conseguiu em Aquaman, um filme de herói histriônico, brega e que funciona por não se levar a sério, mas as muitas influencias da Warner e sua passividade – sem trocadilhos com orientação sexual, obviamente – não permitiram isso, e fizeram ele enterrar a franquia por muito tempo, até Batman Begins, enterrando também o possível filme cinco Batman Triunfante e Superman Lives de Tim Burton, o que é uma pena, pois o fã mais curioso e merdeiro. Nem a falta de identidade de Batman e Robin sepulta a curiosidade do que viria a partir daqui, ao menos a esse que vos fala. Sempre imaginei como seria um quinto filme, com Fries do lado dos mocinhos, ou com Alfred entrando em ação, mas obviamente que esses absurdos pensados pela minha cabeça quando criança não estavam a altura do que poderiam construir Schumacher e sua equipe.

Facebook – Página e Grupo | Twitter | Instagram | Spotify.

Crítica | O Predador (1987)

21 de janeiro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, John McTiernan, shane black

Clássico de ação que brinca com elementos de ficção-científica, O Predador é um filme dedicado a prática da competição. O conceito de cadeia alimentar prevê que uma espécie subjugará à outra quando a mais forte julgar necessário ou apenas conveniente. Antes de se estabelecer a tal rivalidade, entre alienígena e homem, é mostrado o chamado à aventura, com a necessidade de convocar um grupo de resgate que iria atrás de um avião pois havia sumido, e a bordo havia um embaixador importante. Tal factoide é apenas um evento genérico e uma desculpa para chamar a atenção da tropa que é mostrada. O exército chama o homem mais importante e qualificado para o caso, Alan “Dutch” Schaefer, vivido pelo astro em ascensão Arnold Schwarzenegger (Comando Para Matar).

Após medir quem ganharia na queda de braço com seu amigo Dilon (Carl Weathers, o Apollo Creed de Rocky), ele se embrenha na selva, com sua equipe, Mac (Bill Duke), Blain (Jesse Ventura), Billy (Sonny Landham), Poncho Ramírez (Richard Chaves), Hawkins (Shane Black) para lá, bater de frente com alguns asiáticos – os inimigos americanos da vez. Lá, eles descobrem que o ardil não passava de um despiste para executar sumariamente os inimigos, uma vez que Dutch é honrado demais para massacrar opositores sem um motivo ético por trás. A partir desses primeiro tomo, há uma sucessão de desenganos. O grupo tático se enfia numa armadilha na selva, onde conhecem o verdadeiro inimigo, uma criatura humanoide com traços anfibicos e reptilianos.

O filme de John McTiernan não possui grandes embates físicos, exceto no final. A caça que a criatura faz de suas presas se vale de estratégia, silêncio e muito planejamento. O roteiro de John e James Thomas brinca muito bem com a inevitabilidade da morte, e a solução final para que os heróis tenham uma vitória sobre o inimigo é dada graças ao ocaso, uma vez que Dutch percebe que a lama o camufla sem ter tido a intenção disso.

Apesar de ser contemporâneo de Rambo – Programado Para Matar, O Predador tem uma duração um pouco maior – 106 minutos -, bem empregados no sentido de apresentar um pouco do plano de fundo dos personagens, construir tensões, além de apresentar um vilão formidável e repleto de mistérios. Bastante econômico, o filme não se perde tempo explicando os motivos que fazem a criatura impingir mau aos soldados e demais terráqueos.

O Predador tem uma função importante na carreira de Schwarzenegger, que é a de acrescer um filme realmente de qualidade indiscutível, com ação frenética e um adversário a altura. Por mais que Conan – O Bárbaro e Exterminador do Futuro tenham sido filmes com sucesso de público e crítica, é neste longa que o ápice do herói de ação abraça o ator fisiculturista de vez, e sem esse precedente, certamente Exterminador do Futuro 2 não lograria o mesmo êxito que teve, tampouco faria o mesmo sentido.

Dutch é um comandante repleto de carisma, suas frases feitas funcionam melhor que as de John Matrix, por exemplo, até porque aqui se teme pelo perigo que ele e seus amigos passam. O destino do mundo está nas mãos dele e a confiança de que ao final da odisseia o lugar será mais seguro é recompensado, com uma luta complicada e que quase acaba mal para o herói. Da parte do antagonista criado pelos irmãos Thomas, quase todo segmento em que ele fez parte dispõe de tanta criatividade, brilhantismo e simplicidade quanto aqui, ainda que a continuação de 1990 seja de certa forma subestimada.

https://www.youtube.com/watch?v=I053U33pvr8

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Um Herói de Brinquedo

27 de dezembro de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, David Newman

Arnold Schwarzenegger durante os anos noventa se especializou em comédias, seja filmes com Ivan Reitman – Irmãos Gêmeos, Um Tira no Jardim de Infância e Júnior – como também outros exemplares, como O Último Grande Herói e o próprio Um Herói de Brinquedo, de Brian Levant. O filme se inicia mostrando as aventuras de Turbo Man e Booster, um seriado de TV de muito sucesso entre as crianças, entre elas, o pequeno Jamie Langston (Jake Lloyd, o Anakin de Ameaça Fantasma).

Howard Langston, pai de Jamie, é um homem de negócios muito atarefado, que constantemente está atrasado para os seus compromissos pessoais. Em meio a sua negligência costumeira, ele se esquece de comprar o boneco do tal herói e descobre que ele está simplesmente esgotado por toda cidade. A jornada do sujeito é a de correr atrás do tal brinquedo, enquanto tem que lidar com sua esposa Liz (Rita Wilson), seu irritante vizinho Ted (Phil Hartman) e Myron (Sinbad), outro pai que está em busca do tal boneco.

A música de David Newman é um dos diferenciais positivos do longa, além é claro da trilha que reúne grande parte dos clássicos de natal dos Estados Unidos, como It’s The Most Wonderful Time Of The Year. Além disso, é muito curioso ver nas prateleiras das lojas, brinquedos das séries, quadrinhos e filmes que faziam sucesso, desde bonecas do quarteto fantástico até o Hércules, de Kevin Sorbo.

Levant era um especialista em filmes para toda a família. Foi assim em Pestinha 2, Beethoven: O Magnifico e Flinstones: O Filme. Nesta aventura natalina ele traz Schwarzenegger em uma verdadeira odisseia, enfrentando adversidades como uma gangue de papais noéis contrabandistas basicamente para espiar seus pecados de negligência.

Arnold não está exatamente em sua melhor forma dramática, mas se faz graça dele do que com ele. Já Jake Lloyd era absolutamente gracioso, e assusta que sua performance como Darth Vader mirim tenha sido tão fraca no filme de George Lucas. Apesar de apresentar do final extremamente adocicado, Um Herói de Brinquedo é um filme divertido, que se vale muito do ícone de seu protagonista.

https://www.youtube.com/watch?v=eLNsgAIK80g

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Em Busca de Vingança

3 de novembro de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger

O novo filme de Elliot Lester acompanha a história de Roman Melnyk (Arnold Schwarzenneger), um dedicado chefe de família que vai até o aeroporto esperar seus parentes que chegarão de viagem. Enquanto aguarda, segurando seu buquê de rosas, ele recebe a notícia trágica de que um acidente ocorreu com o avião onde estavam sua filha e esposa. Com o nome brasileiro sugestivo, Em Busca de Vingança já antecipa os eventos que ocorrerão na rotina desse personagem retratado,

Logo depois, é introduzido outro personagem, Paul Bonanos (Scott McNairy), um controlador de voo que tem uma ligação com a fatalidade da aeronave, e esse nível de envolvimento é desenrolado aos poucos. Nesse momento se percebe que o filme tentará suprir duas sensações emocionais muito diferentes, através desses dois personagens, sendo a culpa depressiva de Paul e a sensação de impotência e vontade de agir de Roman.

Nas primeiras cenas de Paul percebe em sua reação ao saber do ocorrido um forte sentimento de culpa, mas tudo o que segue após isso é absolutamente ordinário. A auto-estima dele em baixa e a sensação de que poderia ter feito mais e melhor são mostradas de modo tão sensacionalista que faz perder verossimilhança nessas sequências. O começo promissor logo é deixado de lado para dar vazão a um drama mais caricatural.

O roteiro, em determinado momento se propõe a chocar seu espectador, mostrando a tal vingança dita no título. O que deveria ser um embate ideológico forte soa pueril e imaturo. Em Busca de Vingança seria um filme muito mais exitoso se assumisse o caráter de filme B desde o começo, toda a tentativa de criar sutilezas falha miseravelmente nessa condução, e sequer entrega um filme com uma violência gráfica minimamente aceitável, os mais de noventa minutos cansam o espectador, com uma proposta confusa e que não é entregue para quaisquer dos alvos que ele mira.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram, curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Crítica | Comando Para Matar

7 de maio de 2017 by Bernardo Mazzei

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, cinema de ação, jeph loeb

Era uma vez, uma época muito louca chamada “década de 80”. Nesse período, as roupas eram exageradas, os mullets povoavam cabeças e tudo tinha um aspecto colorido e meio decadente. Durante essa década, o cinema passou por um período de muita criatividade. Filmes seminais pipocavam a todo instante, tivemos o aparecimento de John Hughes e suas comédias que iam a fundo na psique do adolescente… e tivemos o maravilhoso advento do Cinema Brucutu! Sim! Tivemos a popularização do subgênero de ação que mostrava super homens com habilidades incríveis e uma ética inabalável destroçando pequenos exércitos e moendo vilões caricatos. Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger foram os maiores expoentes desse subgênero, com o austríaco variando mais na temática dos seus filmes. Ele foi um cyborg assassino vindo do futuro, um bárbaro cimério, esmurrou um caçador alienígena. Porém, em Comando Para Matar, a sua rotina foi mais comum: ele apenas voou para uma ilhota centro americana e dizimou o exército do lugar.

Passemos a um detalhamento maior da trama: Schwarzenegger vive o ex coronel das Forças Especiais John Matrix. Matrix passou a viver isolado com sua filha, mas sua tranquilidade é abalado pelo seu ex-superior, o general Franklin Kirby, que avisa que todos os antigos membros do esquadrão comandado por John estão sendo eliminados. Após o encontro, a casa de Matrix é atacada e sua filha é sequestrada pelo ditador Arius, que se aliou a Bennett, um ex Forças Especiais comandado por Matrix e Kirby que fingiu a própria morte para se tornar mercenário. A dupla de vilões quer que John cometa um crime político para que Arius retorne ao poder. Só que o coronel Matrix resolve que em vez disso, vai resgatar sua filha e detonar os facínoras, nem que pra isso destrua uma ilha inteira.

Se tem uma coisa que o diretor Mark L. Lester sabe fazer, é filmar sequências de ação. Lester, que tem em seus créditos as pérolas Massacre no Bairro Japonês (com Dolph Lundgren e Brandon Lee) e Chamas da Vingança (filme de 1984 com Drew Barrymore, Martin Sheen e George C. Scott, não o de 2003 com Denzel Washington), chega até a imprimir uma certa poesia nos momentos em que Arnoldão sai fuzilando todo mundo que encontra pela frente. Me atrevo a dizer que há até uma certa fetichização do então futuro governador da Califórnia, uma vez que há um abuso de closes nos músculos de Schwarzengger. Uma sequência chega a ser absurda, pois mostra imagens do tórax do ator trepidando devido aos inúmeros tiros que ele desfere com um fuzil, intercaladas com as imagens do exército da ilhota invadida por ele morrendo de forma acrobática. Entretanto, existem sequências ótimas no segundo terço do filme, com destaque especial para a fuga do avião e a perseguição no shopping center. Arnold arrancando uma cabine telefônica como se aquilo nada fosse é algo de sublime. Ah! A cena de luta no motel consegue ser mais divertida que muitos combates acrobáticos de filmes do cinema atual.

O roteiro escrito pelo famoso quadrinista Jeph Loeb (autor de Batman: O Longo Dia das Bruxas, Vitória Sombria e aqui assinando como Joseph Loeb III), Matthew Weisman e Steven E. de Souza (roteirista de inúmeros filmes de ação como Duro de Matar e diretor da adaptação de Street Fighter, com Jean-Claude Van Damme), é apenas um pretexto pra muito tiro, porrada e bomba. Personagens são unidimensionais, caricatos e normalmente se comunicam através de frases de efeito e isso é excelente! Existem alguns buracos no roteiro aqui e ali, mas totalmente perdoáveis. Isso se dá ao fato da despretensão do filme, o que faz o beirar a comédia involuntária. As atuações do elenco ajudam a acentuar o aspecto cômico involuntário. Arnold se empenha bastante, porém suas limitações dramáticas aqui estão em seu grau máximo. Mas é nas one liners (frases de efeito) que ele se esmera. É impossível não rir. Schwarza é puro carisma. Rae Dawn Chong, que interpreta a mocinha seduzida pelo musculoso carisma (rá!) do protagonista tem uma atuação muito peculiar. Em algumas dá pra perceber que ela quer fazer um trabalho sério, mas depois percebe-se que ela já tá levando aquilo tudo na galhofa. Dan Hedaya e Vernon Wells, respectivamente os vilões Atius e Bennett, entregam um overacting digno de Nicolas Cage. Wells ainda acaba mais caricato por seu figurino, uma coisa meio militar meio sadomasoquista.

Nesse momento você está pensando: “pô, o Bernardo tá avacalhando o filme todo. Deve ser uma porcaria”. Não, meu caro! Comando Para Matar é divertido demais e um baita filme de ação. Sua despretensão deveria servir de exemplo para o cinema de ação atual que se leva a sério demais e que volta e meia nos entrega filmes insossos com personagens com menos carisma do que um poste.

Acompanhe-nos pelo Twitter e Instagram , curta a fanpage Vortex Cultural no Facebook, e participe das discussões no nosso grupo no Facebook.

Top 10 – Especial Dia das Crianças

12 de outubro de 2015 by Vortex Cultural

Artigos

Anthony Edwards, Arnold Schwarzenegger, Bruce Lee, chris columbus, Corey Yuen, Fred Dekker, ivan reitman, Jean-Claude Van Damme, Kiefer Sutherland, richard donner, Rob Reiner, Robert Downey Jr., Steven Spielberg

O escritor tcheco Milan Kundera afirmou, em um de seus ensaios, que o passado é equilibrado por duas forças: o esquecimento, responsável por apagar os acontecimentos; e a força da memória que os transforma. Não à toa, o passado nostálgico representa esta modificação da memória. Na infância e juventude, período de vida compartilhado por todos, o passado é visto com um olhar transformador, muitas vezes melhorado pelas memórias que o deixam mais brilhante do que o tempo vivido.

Em homenagem ao Dia das Crianças, nossa equipe se reuniu para uma lista que retorna à nossa infância e à nostalgia, relembrando filmes que marcaram nossa infância. Sem dúvida, filmes que marcam implicitamente nossa idade e a época oitentista na qual crescemos. A lista explora vertentes diferentes dos filmes oitentistas, um registro cinematográfico diferente do atual. Considerando produções juvenis ou voltadas para a família, é perceptível uma visão simultânea entre a juventude e o mundo adulto que nem sempre se molda a favor das crianças, com bandidos, tiros, problemas, vícios e outros recursos que o cinema atual evita pela polêmica. Estranhamente transformando o universo juvenil dos filmes em um universo fictício e estéril sem nenhum conflito extremo.

Seja pelo resgate da memória ou pelo registro de um cinema diferente do atual, nossa lista ressalta obras que estiveram em nosso imaginário precoce e, de alguma maneira, se transformaram em nós. Os leitores que quiserem colaborar com esta lista nostálgica, podem acrescentar seus filmes memorialísticos nos comentários.

Boa leitura.

Um Tira no Jardim Da Infância (Ivan Reitman, 1990) – Por David Matheus Nunes

Um Tira No Jardim de Infância é mais um dos filmes bizarros do diretor eslovaco Ivan Reitman. Responsável por pérolas como Os Caça-Fantasmas (as duas produções) e Irmãos Gêmeos, Reitman, de forma competente, coloca o brutamonte e astro Arnold Schwarzenegger – que até ali já tinha sido Conan, T-800, Dutch e Douglas Quaid – para dividir a tela com as mais variadas crianças, quando seu personagem, John Kimble, no encalço de um traficante de drogas, se infiltra como professor substituto numa escola de ensino infantil. Acontece que Kimble não tem nenhuma prática com crianças, mas se vê obrigado a deixar de ser o durão que sempre foi em prol do bem estar dos pequenos. O destaque fica para as várias situações constrangedoras que Kimble precisa passar junto das crianças, o que rende boas risadas. Apenas a título de curiosidade, a maioria das pessoas conhece o filme porque o viram pela televisão. A versão original legendada chega a ser bastante diferente no que diz respeito ao tom do filme (mais sério do que aparenta), além de ter algumas cenas de violência que foram cortadas na versão para a TV.

Tuff Turf – O Rebelde (Fritz Kiersch, 1985) – Por Halan Everson

Com a pior trilha sonora que um filme dos 80s pode ter, Tuff Turf – O Rebelde mostra que pra ser valente contra os arruaceiros do seu bairro você apenas precisa de uma bike veloz, Robert Downey Jr no elenco, muita garra e ser o futuro astro de uma das produções para TV mais interessantes do ano. Estrelado por James Spader, essa bela obra do cinema acompanha um garoto novo no bairro e , assim como em qualquer bom faroeste, não é só questão de chegar, mas sim marcar território e mostrar que é o cara que vai mudar a parada para os fracos e oprimidos. Sem querer estragar para os interessados, ele usa muito bem a fórmula do “estrangeiro na cidade que vai conseguindo criar muitos problemas pra si”, algo que era mais comum em westerns, transpondo para um imaginário adolescente. Em parte, podemos pensar que pelo menos os protagonistas fazem jus a assistir à obra pela qualidade de seus trabalhos. Não são atuações geniais, mas nota-se que todos estão confortáveis com roupas berrantes, e muita trilha sonora sintetizada com teclado.
Nota do autor: falei mal da trilha e a música-tema não desgruda mais da cabeça enquanto escrevo.

Conta Comigo (Rob Reiner, 1986) – Por Flávio Vieira

Baseado em um conto de Stephen King quase autobiográfico, Conta Comigo não trata apenas da amizade entre essas quatro crianças, mas a importância do meio onde elas estão inseridas, cada um em seus próprios anseios, incompreensões e rejeições, sejam elas familiares ou da própria sociedade. Rob Reiner, diretor do longa, não poupa seus espectadores, Conta Comigo, diferente de outros exemplares da época, não é leve ou abusa do sentimentalismo e da psicologia pop “breakfast club”, muito pelo contrário, o filme toca em temas delicados, e ao longo da trama amadurecemos com essas personagens, tudo isso no meio de desabafo, medo e, claro, muito companheirismo. “Nunca mais tive amigos como aqueles que tive aos 12 anos. Meu deus, quem é que tem?”

Os Goonies (Richard Donner, 1985) – Por Karina Audi

Dirigido por Richard Donner, Os Goonies é uma das grandes obras da infância que até hoje se mantém na memória de grande parte do público. O filme, que completou 30 anos em 2015, narra a história de uma turma de amigos (Mikey e seu irmão Brand; Gordo; Bocão; Dado; Andy e Stef), que, muito unidos, temem a separação do grupo com a mudança da casa dos irmãos devido a uma dívida. Ao encontrar um mapa que remete a um tesouro escondido há séculos, vão em busca das riquezas perdidas para evitar o fatídico despejo. Com roteiro de Chris Columbus, inspirado em uma história de Steven Spielberg, Os Goonies tornou-se um clássico cult devido a linguagem universal, aos elementos emblemáticos que agradam a qualquer criança (piratas, navios, caça ao tesouro, a luta entre mocinho e bandido) e ao carisma de seus intérpretes. A obra fala de descobertas, amizade, família e amor de uma forma tão cativante que é impossível relembrar a infância sem se esquecer dela.

Retroceder Nunca, Render-se Jamais (Corey Yuen, 1986) – Por Thiago Augusto Corrêa

Explorando de maneira familiar um dos desejos presentes do imaginário infantil, de se tornar um grande lutador, Retroceder Nunca, Render-se Jamais é um tradicional filme juvenil com uma mensagem simples como fio condutor. Fã de Bruce Lee, o jovem Jason Stillwell treina arte marciais e deseja uma revanche contra um grupo que agrediu seu pai. Com a ajuda do espírito de Lee, o jovem treina e anseia por uma vingança contra Ivan Krushensky, o temido Russo. Antes de ser alcunhado como Mestre, Jean-Claude Van Damme estreou nos cinemas como este vilão caricato sem muita expressão mas com forte habilidade de luta. O tradicional maniqueísmo oitentista com vilões temíveis e heróis sempre carismáticos provocam um dualismo divertido nesta produção. Além do uso do conceito fantástico para fazer de Bruce Lee um mentor espiritual, pontuando esta história no imaginário de todo jovem que admirava o lutador e sonhava em se tornar um ninja no estilo filme americano. E, claro, imperdível por ser a estreia do grande Mestre nas telas com seu famoso espacate.

Os Mestres do Universo (Gary Goddard, 1987) – Por David Matheus Nunes

Aproveitando o sucesso do desenho do He-Man na metade dos anos 80, o único filme do diretor Gary Goddard foi um prato cheio para as crianças da época, que puderam ver uma das primeiras adaptações para o cinema de uma animação de sucesso. E coube a Dolph Lundgren o fardo de viver o príncipe de Eternia. Fardo porque, analisando e comparando-o com a animação, podemos perceber que apenas alguns personagens foram aproveitados e só. Pouco da mitologia do He-Man foi usado. O protagonista está lá apenas como He-Man. Em nenhum momento vemos o príncipe Adam, muito menos o Pacato/Gato Guerreiro. O simpático Gorpo foi substituído por um irritante goblin e o que sobrou, é justamente o destaque. Lundgren está bem caracterizado como He-Man e o momento em que profere a clássica frase “eu tenho a força”, empunhando sua espada, ainda é emocionante. O sábio Mentor e a Teela estão lá, mas quem rouba a cena é o time de vilões, composto pelos horríveis Homem-Fera, Saurod (uma versão do Lagartauro), Blade, Karg, a bela Maligna e, claro, o Esqueleto, cuja caracterização é sensacional; além de imponente, o cajado é representado pela cabeça de um bode. A versão dublada do filme é recomendada, uma vez que todos os dubladores do desenho estão lá.

Gotcha! Uma Arma do Barulho (Jeff Kanew, 1985) – Por Halan Everson

Com um elenco de desconhecidos, pelo que me recorre à mente, Gotcha! Uma Arma do Barulho acompanha a vida de um jovem azarado com as mulheres vivido por Jonathan, interpretado por Anthony Edwards (A Vingança dos Nerds) que resolve visitar Paris com seu melhor amigo para recuperar os ânimos – por que não? O que pode dar errado?. O que acontece é uma trama de espionagem internacional, com níveis de perigo à la James Bond. Fugas, perseguições, cenas de tiroteio e romance, tudo isso acontecendo com um adolescente que só queria se dar bem com as mulheres, passando a impressão que é para ser engraçado. Algumas cenas e uso de trilha sonora passam esse clima divertido e descontraído, mas não é muito difícil parar de levar a sério, principalmente no dubladão. Assim como em Tuff Turf nesse filme também temos uma péssima trilha sonora sintetizada com teclados e uma música tema que consegue ser menos grudenta que a de Tuff Turf. Um detalhe muito curioso é que Jonathan em uma determinada parte do filme sempre fala o “Gotcha” na versão dublada, e sempre pensei que era uma gafe da dublagem, mas não é… É ruim assim mesmo.

Deu a Louca nos Monstros (Fred Dekker, 1987) – Por Flávio Vieira

Fred Dekker, mais conhecido até então pelo seu trabalho de direção à frente do competente A Noite dos Arrepios, se reuniu com o então estreante Shane Black (Beijos e Tiros, Homem de Ferro 3) para escrever Deu A Louca nos Monstros, de 1987. O filme é um belo exemplar dos anos 80, com toda a temática aventuresca juvenil típica dos filmes dessa década. Além disso o longa-metragem é uma grande homenagem aos filmes de monstros clássicos da Universal. Repleto de efeitos práticos e um roteiro no mínimo curioso que usava uma desculpa qualquer para realizar um crossover de diversos monstros clássicos (Drácula, Frankenstein, Monstro do Pântano, Lobisomem e uma Múmia), Deu a Louca nos Monstros ainda passa longe do politicamente correto dos dias de hoje, já que é bastante comum acompanharmos crianças fumando, discutindo sobre virgindade, praticando magia negra ou mesmo utilizando armas. Uma bela homenagem ao universo de horror clássico e que ainda arruma tempo para aplicar pequenas camadas ao que em tese seria apenas um filme infantil despretensioso.

Esqueceram de Mim (Chris Columbus, 1990) – Por Karina Audi

Segundo filme de Chris Columbus, hoje praticamente ignorado pela crítica, Esqueceram de Mim foi um grande sucesso no início da década de 1990 que alavancou o sucesso de Macaulay Culkin, o qual interpreta Kevin, o garoto esquecido em casa pela família quando em viagem para a Europa no Natal. O filme foi escolhido para integrar esta lista não pelas qualidades técnicas, que fogem, por exemplo, da criatividade do diretor Columbus vista em outras produções anteriores como roteirista (Gremlins, O Enigma da Pirâmide e Os Goonies); mas sim porque é uma produção popular que simpatizou os espectadores e traduziu uma época do cinema familiar oitentista. O filme trabalha bem com o imaginário infantil de uma criança que se vê sozinha e precisa agir com maturidade sem os pais, algo que Kevin só descobre no final, quando acredita que o seu desejo, de nunca mais ver seus parentes, era apenas uma vontade infantil. Ao longo de sua jornada, Kevin luta com bandidos, supera o preconceito contra seu vizinho Marley e percebe-se um menino bom, seguindo a proposta de finais felizes dos filmes familiares natalinos. Sob uma trilha sonora do sempre genial John Williams, Esqueceram de Mim marcou época de muitos jovens, que hoje já não se veem sozinhos em casa tomando sorvete escondidos e preparando armadilhas para possíveis malfeitores.

E.T. – O Extraterrestre (Steven Spielberg, 1982) – Por Thiago Augusto Corrêa

Após a primeira aventura de Indiana Jones, Steven Spielberg dirigiu esta produção direcionada para o âmago familiar. Dando voz às crianças como personagens principais com direito a filmá-las em ângulos proporcionais, mais baixos do que os tradicionais, destacando-as nas cenas, E. T. – O Extraterrestre explora outra vertente juvenil focada na amizade e no mistério de seres de outros planetas. A fantasia é equilibrada tanto no encantamento da relação entre Elliott e o extraterrestre como no choque de realidade adulta quando o visitante é aprisionado pelo governo e tratado como experiência. Transitando nestes temas, a obra é sensível e evoca sentimento primordiais como a construção da amizade e da lealdade, a compreensão das diferenças e, ao mesmo tempo, demonstra a selvageria do mundo adulto em paralelo com a pureza infantil, um tema sempre presente nas obras do diretor.

Crítica | Maggie: A Transformação

18 de agosto de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

abigail breslin, Arnold Schwarzenegger, Joely Richardson

Após uma miscelânea de zombie exploitation, unida também a ressurreição dos heróis de ação oitentistas via ações como a trilogia Mercenários e filmes mequetrefes como Rota de Fuga, a inevitável mescla de conceitos finalmente ganha contornos reais, ao reunir um ícone do cinema brucutu com os famosos mortes errantes. Maggie tinha tudo para ser mais um subproduto dos dois filões aos quais pertence, mas não é, pois apresenta uma faceta alternativa a simples corrida pela sobrevivência vista em produtos como The Walking Dead.

Arnold Schwarzenegger vive Wade Pace, um pai amoroso e atencioso que encontra sua filha após um choque com os mortos vivos que povoam seu mundo. Maggie, vivida pela bela e singela Abigail Breslin tem seu destino cortado pela contaminação via mordida que sofre, com o diagnóstico claro de transformação. A diferença básica se encontra no cronos, uma vez que sua mudança demora muito mais para ocorrer, fator este que torna o filme de Henry Hobson ainda mais diferenciado, mesmo dos produtos semi-novos de George A. Romero, até por ainda conter alguns pequenos traços de civilização sobrevivendo pelo mundo.

A métrica usada pelo diretor estreante em longas é diferenciada também, sobrando dramaticidade e melancolia em detrimento do gore e da adrenalina em níveis cavalares. O terror de Maggie: A Transformação consiste na inevitabilidade da sina da personagem título e de sua resignada família, que assiste impotente a degradação física e morte lenta de sua herdeira.

A decomposição lenta e gradual faz sofrer cada um dos personagens, especialmente os que não a estão sofrendo, tendo na entropia uma questão quase tão periclitante quanto a catástrofe da morte anunciada. Mesmo o choque de expectativa é aplacado com o desenrolar da trajetória de Maggie, ajudada é claro pela evolução dramática que acometeu Abigail Breslin, que já dava mostras de um talento ímpar desde Pequena Miss Sunshine. Para que sua persona seja desenvolvida de modo pleno, é absolutamente preponderante o trabalho de Joely Richardson, sabidamente uma boa atriz, e principalmente os esforços de Arnold, que dentro de suas limitações, consegue apresentar um comportamento de pai preocupado e dedicado, estabelecendo bem a regra de ser a base do pilar familiar.

As estrias e varizes se proliferando pela bela pele de Breslin compõem um belo quadro visual, alcançando até questões universais, como a inexorabilidade da morte em detrimento de tudo que um dia foi belo. O acinzamento da epiderme faz grafar esses aspectos ainda mais, relembrando ao espectador e até às personagens que o fim está próximo, e que não há nenhum remédio ou resposta adocicada para o causo.

À medida que a metamorfose ocorre, aumentam-se os instintos selvagens, em um misto de Tanatomorphose, no quesito transformação corporal, aliado ao descontrole emocional derivado de transformações de caráter, deturpando o que deveria ser o comportamento de uma infanto-adolescente em algo absolutamente selvagem, digno dos filmes B de Ken Russell e David Cronenberg.

A despedida da moça aos seus entes queridos é feita de modo simples, emocional e até óbvio, mas consegue impressionantemente não perder força, lembrando os principais aspectos positivos de Dia dos Mortos amadurecendo o argumento. Na essência, Maggie serve de paralelo com a difícil tarefa que um pai deve exercer ao deixar seus descendentes caminharem por suas próprias pernas, agravado, claro pelo fardo estabelecido por uma questão preponderante, como uma doença terminal, e o filme de Hobson não deixa nada a desejar para nenhum produto desta estirpe, apoiado num texto simplificado, direto e conclusivo, sem apelar para muitos clichês, como era esperado.

Crítica | O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas

4 de julho de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, Claire Danes, Distopia, Don Burgess, Earl Boen, Exterminador do Futuro, Jonathan Mostow, Kristanna Loken, Marco Beltrami, Nick Stahl, Terminator

O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas procura repetir os projetos anteriores ao iniciar-se com uma narração de um novo John Connor, vivido pelo feio ator Nick Stahl, andando pelas estradas em uma moto, ao modo de Edward Furlong. Sua desolação é notada tanto pela ausência de sua mãe quanto pela desconfiança em todo o cenário, que aparenta tranquilidade. Para o ex-futuro salvador do mundo, as histórias que o fizeram crescer ainda servem como premonição, e não são mais pesadelo indiscriminados.

O nomadismo de John serve também como referência ao posto da cadeira de diretor da franquia, executada por Jonathan Mostow, bem como a péssima construção vilanesca da personagem de Kristanna Loken, T-X, que mostra-se primeiro com sensualidade extrema e, depois, desdenha de figuras estereotípicas femininas, tanto do arquétipo da moda, quanto da mulher preocupada com a outra. A análise abarca essa terrível problemática, que pode ser encarada como misógina, mas que é aplacada pelo fato de ser este um vilão. Além disso, um foco importante é dado na figura de Kate Brewster (Claire Danes), uma misteriosa mulher que teria uma parte importante na trama de O Exterminador do Futuro 3.

As duas figuras heroicas do filmes são expostas de modo confuso. John Connor é um sujeito maltrapilho, que não inspira confiança e que se medica com medicamentos veterinários; já o Exterminador age de modo diferente, se aproximando nu de um clube das mulheres.

É engraçado o modo como o roteiro trata John: um homem adulto, assustado, enjaulado diante da paranoia herdada de sua mãe, que destruiu por completo sua autoestima e o deixou à mercê da bondade de uma mulher pseudo desconhecida. Qualquer boa intenção em retratar o stress pós-trauma vai por água abaixo diante das cenas repetidas que sequer se aproximam do impacto dos primeiros filmes, bem como a construção fraca tanto das cenas de ação quanto da figura do vilão.

Mesmo o action hero parece cansado. Arnold Schwarzenegger aparenta fadiga física e psicológica, enfadado com o gênero de filmes que o tornaria famoso o suficiente para candidatar-se ao cargo de governador da Califórnia. O primeiro momento de leve inspiração de sua personagem se dá aproximadamente aos 40 minutos de filme, quando ele revela que o Dia do Julgamento Final só foi adiado, e não evitado.

O caixão que o Exterminador usa para conter seu protegido é simbólico ao extremo, por homenagear o fim temporário que teria a franquia, relegada ao esquecimento graças ao fracasso do filme. A partir de 2003, a saga se bifurcaria, sendo levada para um seriado ruim, um spin off e uma continuação tosca, ambos de cabeças pensantes completamente diferentes. Uma esquizofrenia gigante por parte dos produtores, mais confusa que a formação poli mimética do vilão da fita.

O final dos dois exterminadores é completamente anticlimático, com a corrupção do ethos do herói que antes se redimiu. A brincadeira envolve a necessidade de T-800 em variar de lado, não se esquecendo de suas origens enquanto ativista pró-máquinas, um conceito válido e interessante, mal executado ao extremo.

Apesar de todos os tropeços ocorridos durante os quase 105 minutos de filme, o final, fundamentado nos fracos personagens, serve de alento, já que é a prova cabal de que não importa o quanto tente se mudar o destino; o mesmo segue inexorável. A inevitabilidade da destruição humana viria através de sua própria arrogância, mesmo que o argumento usado seja fundamentado no complexo de Frankenstein. Ainda assim, entrega-se muito pouco do que foi prometido para esta continuação, resultando em um filme pífio, que não provoca entusiasmo em qualquer fã da franquia.

Crítica | O Exterminador do Futuro: Gênesis

2 de julho de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Alan Taylor, Arnold Schwarzenegger, Distopia, Emilia Clarke, Exterminador do Futuro, Gale Anne Hurd, J.K. Simmons, Jai Courtney, james cameron, Jason Clarke, Kramer Morgenthau, Lorne Balfe, Matt Smith, Terminator

Reiniciando a saga, pensada após o abandono de James Cameron a sua obra mais notória, O Exterminador do Futuro: Gênesis se baseia no que deu certo antes, resgatando nostalgicamente o futuro negro onde habitavam John Connor e Kyle Reese, claro, repaginando absolutamente tudo. Os novos intérpretes da dupla são Jason Clarke, como o pretenso salvador do lado humano da guerra, contracenando Jai Courtney, que faz Michael Bien, ainda que não seja tão deslocado quanto o primeiro Reese.

A narração feita por Courtney serve de alerta para qualquer desavisado: o universo da franquia foi de novo modificado. Um longo tempo é gasto mostrando o modo de operar da resistência, nos anos de escravidão dos humanos. A tomada de poder por parte dos homens é apresentada em detalhes, incrivelmente bem realizados, em termos de cenas de ação, por Alan Taylor, que consegue não reprisar de modo tão tosco os erros de seu Thor: O Mundo Sombrio.

A problemática do roteiro de Laeta Kalogridis e Patrick Lussier se nota essencialmente quando a trama passa a ocorrer pelos idos de 1984, época do primeiro O Exterminador do Futuro. A ação frenética invade a tela, inclusive fazendo referência ao vilão de O Exterminador do Futuro: O Julgamento Final, mostrando que as linhas temporais estão todas misturadas, fazendo mais uma bagunça com os personagens pensados por Cameron e Gale Anne Hurd.

A miscelânea de citações inclui desde o terceiro episódio da franquia até os ditos do malfadado seriado The Sarah Connor Chronicles, inclusive com uma cena idêntica a do piloto do seriado, envolvendo uma das muitas viagens temporais do filme, artigo este que se torna banal, de tão comum.

A apresentação de Arnold Schwarzenegger é interessante, mesmo com a quantidade de clichês que ele profere, repetindo inúmeras vezes a frase de que é apenas “velho, não obsoleto”. Pelo fato de ser um filme de ação, as frases de efeito não são um incômodo, se tornando irrelevantes graças à premissa empolgante, com outras tantas cenas de ação bem orquestradas.

Há certo subtexto inteligente, além da discussão sobre a necessidade do homem em estar conectado o tempo inteiro – especialmente pela evolução que a Ciberdyne e o método de controle Genesys, um conceito novo na franquia, mas antigo desde os cyberpunks de Gibson. Outro aspecto positivo é a tentativa de multifacetar o Exterminador de Arnold, chamado por Sarah carinhosamente de “Papi”. Mas o entorno não corrobora na mesma qualidade, nem por parte da famosa Emilia Clarke, que exala sensualidade mas carece de talento dramatúrgico.

O aspecto mais digno de críticas é o fato das viagens no tempo se tornarem comuns, defeito copiado do seriado. Ao final, o reboot se assemelha a um retcon tosco, especialmente na virada que sofre o personagem de Jason Clarke, já tratado como vilão nos trailers, pôsteres e materiais promocionais do filme. Qualquer efeito surpresa e expectativa positiva são encerrados neste ponto. A quantidade exorbitante de coincidências faz inclusive Arnold parecer deslocado em pedaços da trama.

Apesar do belo grafismo apresentado na fita, há sérios problemas de lógica no argumento final, como o lançamento de T800 com máquinas tão melhores disponíveis, curiosamente reprisando os erros de O Exterminador do Futuro: A Salvação. No final da epopeia, fica o lamento pelas recaídas nos mesmos clichês, além da enfadonha questão de repetir o gancho para novas continuações – previstas até então para se ter mais dois filmes. A direção de Taylor não compromete o produto final, mas também pouco acrescenta, graças a um roteiro atrapalhado. Ao menos, no quesito diversão, a franquia retorna aos bons tempos. Ainda que não seja nada semelhante ao brilhantismo da fase de James Cameron como diretor.

Crítica | O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final

27 de junho de 2015 by Bernardo Mazzei

Cinema, Críticas

Adam Greenberg, Arnold Schwarzenegger, Brad Fiedel, Distopia, Earl Boen, Edward Furlong, Exterminador do Futuro, Gale Anne Hurd, james cameron, Joe Morton, Linda Hamilton, Robert Patrick, Terminator, William Wisher

Em geral, as sequências de grandes filmes de ação ou ficção tentam ser maiores e mais espetaculares que o original. Normalmente, isso acaba gerando filmes que, se não são completos desastres, em nenhum momento conseguem se aproximar do original. O espetacular O Exterminador do Futuro 2 é uma das exceções à regra. Orçada em estimados 105 milhões de dólares (filme mais caro da história até True Lies, coincidentemente também dirigido por James Cameron e estrelado por Arnold Schwarzenegger), contra o orçamento de 6,5 milhões de Exterminador do Futuro, a fita consegue unir perfeitamente uma boa história, interpretações inspiradas e efeitos especiais que, mesmo após 24 anos de seu lançamento, mantêm-se atuais e críveis.

Na trama do filme, a Skynet envia o T-1000, um modelo avançado de exterminador ao ano de 1995 para eliminar John Connor, o líder da resistência humana contra as máquinas no ano de 2029, então com 10 anos. Porém, os humanos conseguem enviar um T-800 reprogramado para protegê-lo. Ainda que pareça simples, a trama vai se desdobrando à medida que o T-800, John Connor e Sarah Connor vão tentando desesperadamente fugir do assassino de metal líquido ao mesmo tempo que partem para impedir o “Dia do Julgamento” e reescrever o futuro.

O diretor James Cameron mostra sua melhor forma, filmando grandes sequências de ação ao mesmo tempo que vai desenvolvendo bem a trama e as relações entre o trio de protagonistas. É interessante perceber como o filme é montado em pequenos arcos, com cada cena de ação sendo bem preparada antes de ocorrer. O ritmo inicial é alucinante e vai em um crescendo até que o diretor pisa bruscamente no freio para depois ir acelerando até o final da película. O trabalho técnico é irrepreensível. Com o orçamento turbinado pela Pepsi, que em troca do dinheiro investido teve uma exposição monstruosa de seus produtos ao longo do filme, a produção contratou a Industrial Light and Magic para cuidar dos efeitos visuais, o que resultou em um trabalho que não envelheceu nada desde 1991. Ainda que faça grande uso dos efeitos gerados por computador, os efeitos práticos não foram abolidos e foram idealizados por Stan Winston e sua empresa. O falecido mago da maquiagem e sua equipe possivelmente entregaram seu melhor trabalho de todos os tempos, trabalho esse que foi devidamente reconhecido com um Oscar, assim como os efeitos visuais.

Há também uma mudança de tom em relação ao original. Enquanto o primeiro filme é praticamente todo passado à noite e possui uma fotografia bem escura, provavelmente para esconder as limitações referentes ao orçamento e a outras eventuais falhas, O Exterminador do Futuro 2 é um filme bastante “iluminado”, com grandes sequências ocorrendo durante o dia, principalmente no início da fita, e mesmo quando passa para locais fechados, em nenhum momento assume um tom dark. Podemos inclusive associar essa mudança de tom ao fato da diferença de objetivos de cada filme. Se no primeiro o futuro se pronunciava implacável e imutável, só restando a Sarah Connor sobreviver, nesse segundo surge a possibilidade de alterar e reescrever o futuro, aniquilando a existência da Skynet ainda nos primórdios de seu desenvolvimento.

O roteiro de William Wisher e do próprio Cameron é bem escrito e acaba por estabelecer algumas discussões profundas, como a relação paterna que acaba surgindo entre o T-800 e John Connor. Nesse âmbito, cabe ressaltar as atuações de Arnold Schwarzenegger e Edward Furlong. O primeiro, ciente das suas limitações dramáticas, usa isso a seu favor e acaba entregando uma excelente interpretação para o papel que nasceu para fazer, pois o ator literalmente se torna uma máquina que vai evoluindo aos poucos para se tornar mais humano. Já o segundo consegue cativar a plateia com sua interpretação para um garoto longe de ser prodígio, mas que é muito inteligente e safo. Linda Hamilton cria com competência uma Sarah Connor amargurada e paranoica que passou anos preparando seu filho para se tornar o líder da resistência. Uma mãe superprotetora, mas que acaba se tornando muito mais um general do que uma figura materna, ainda que preserve resquícios de ternura. Já Robert Patrick, o T-1000, se estabelece como uma presença constante e um perseguidor implacável, ainda que não tenha o carisma de Arnold quando interpretou a máquina assassina do primeiro filme.

Clássico instantâneo, assim como a primeira parte, O Exterminador do Futuro 2 é um filme que, apesar de ter sido lançado há quase 25 anos, mantém-se atemporal e eletrizante, mesmo que seja visto pela milésima vez.

Crítica | O Exterminador do Futuro

20 de junho de 2015 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Adam Greenberg, Arnold Schwarzenegger, bill paxton, Brad Fiedel, Distopia, Earl Boen, Exterminador do Futuro, james cameron, Lance Henriksen, Linda Hamilton, Michael Biehn, Paul Winfield, Terminator

Lançado no longínquo ano de 1984, O Exterminador do Futuro utiliza uma fórmula simples, mas muito bem executada, para fazer transcorrer a narrativa: um assassino está caçando sua vítima. Na trama, Sarah Connor (Linda Hammilton), uma garçonete comum, é duplamente perseguida por um homem (Michael Biehn) e um ciborgue assassino do futuro (Arnold Schwarzenegger).

A abertura deixa mais ganchos do que respostas sobre o que estamos vendo naquela Los Angeles do futuro. O filme já começa apresentando o vilão, e logo em seguida o herói. Há pouquíssimos espaços vazios entre uma cena ou outra, e sequer vemos passar as quase duas horas de duração com alguma cena monótona.

O trunfo do roteiro do diretor James Cameron ao aplicar nessa mesma fórmula de assassino à solta e um escopo de viagem no tempo é dar poucas explicações sobre que ocorre no futuro, mostrando migalhas em boas elipses entre algumas cenas. Tudo para exatamente manter o foco de que manter Sarah viva no passado é muito mais importante do que saber o que aquele futuro traz.

Acompanhamos no início do filme três núcleos de personagens que vão se encontrar futuramente. Existem detalhes narrativos para contextualizar onde cada peça se encaixa no roteiro. A sensação de terror que o Ciborgue poderia nos trazer é em parte arranhada pelo sotaque carregado do Schwarzenegger, mas que compensa muito bem intimidando fisicamente, com a câmera fazendo questão de mostrar que o vilão é infinitamente superior ao herói, como deve ser. Talvez o elemento que mais tire a tensão a todo o momento é a trilha sonora sintetizada, que parece ter sido feita toda em MIDI.

Sarah se passa por vítima, como qualquer pessoa comum se sentiria ao ser caçada, mas conforme Kyle vai contando sobre o futuro, e dando seu parecer sobre o que ela representa, existe um crescimento na construção da personagem, que passa a lutar pela própria sobrevivência e a do seu filho prometido, que algum dia irá salvar a humanidade. Linda Hammilton consegue encarnar as duas facetas naturalmente, fazendo de fato parecer que houve ali uma tomada de decisão para a mudança quando tudo parece já estar acabado.

É realmente intimidadora a forma como o ciborgue, já sem sua carapaça humana, é apresentado. O alto número de cenas de ação também serve para justificar a degradação do seu corpo, para finalmente, na cena final, ressurgir das chamas para matar. E, a despeito de o vermos muito pouco, é o suficiente pelo filme inteiro.

Apesar de já ter visto mais de uma vez o segundo filme da franquia, nunca havia assistido o primeiro. Tal qual um Exterminador, voltei no tempo hoje e vi pela primeira vez o início de uma das franquias mais populares de ficção científica que pouco envelheceu em qualidade, e ainda nos traz um belo registro visual do que eram as roupas e penteados nos EUA dos anos 1980, que certamente deixam saudade.

–

Texto de autoria de Halan Everson.

Entrevista | Arnold Schwarzenegger

3 de junho de 2015 by Filipe Pereira

Cinema

Arnold Schwarzenegger, Exterminador do Futuro, james cameron, Terminator

O astro de cinema Arnold Schwarzenegger participou de uma entrevista coletiva no Rio de Janeiro, no Copacabana Palace, para divulgação de seu novo filme O Exterminador do Futuro: Gênesis. Diante das perguntas dos jornalistas, periodistas e críticos de cinema brasileiro, esbanjando simpatia e verborragia, o ex-governador da Califórnia falou sobre política, sucessão de atores de filmes de ação e suas continuações, e discutiu a musculação na meia-idade como forma de se manter ativo.

Como foi trabalhar com uma nova Sarah Connor, vivida por Emilia Clarke?

Emilia Clarke faz os homens babarem, não só por sua beleza estonteante, mas também por seu talento. O sucesso em Game of Thrones a credenciou para participar da franquia, mas seus esforços foram muito além da simples fama. A sua predileção em meio ao treinamento físico revelava um esmero enorme, especialmente nas cenas com pesos e armas, onde sua evolução era vista gradativamente, apesar das dificuldades. Acho-a uma excelente escolha para o papel, respeito-a enquanto artista.

Como é agir como herói de ação com 67 anos?

Bom, como disse anteriormente, não me sinto obsoleto. Meu personagem é especial, e o roteiro me apoia nisto. A máquina só envelhece na casca, feita de tecido que emula a humanidade. Por ser uma máquina de matar perfeita, é preciso que eu faça ginástica todos os dias. Tive de engordar cinco quilos para igualar ao meu peso de 1984. Mas a maior novidade é a missão invertida daquela vista no primeiro filme de James Cameron, onde deixo de ajudar as máquinas para juntar as forças com a humanidade.

No processo de espera, o que faz o Exterminador?

O papel de T-800 é mais sutil: se infiltra, age como humano e tenta aprender a sorrir, como ocorreu no O Exterminador do Futuro 2. A gargalhada se assemelha a de um cavalo de tão caricata, mas vai evoluindo com o tempo. O Exterminador passa a se compadecer dos humanos, evoluindo com eles, e grande parte desse estimulo vem da música de Hans Zimmer.

Como é reencontrar o personagem?

Não foi difícil, é como andar de esqui após o verão acabar, você não esquece. Eu também não esqueço como fazer o personagem que me fez famoso. O mais difícil era gravar cenas de disparos, um trabalho árduo, já que eu não poderia piscar, porque uma máquina não piscaria, e sequer se assustaria com o barulho.

Como trata a tecnologia na sua vida pessoal?

Em primeiro lugar, em 84 não se imaginava fora da fantasia uma disputa entre homem e máquina. E hoje, finalmente, isso ocorre e levamos a pior. Não consigo ganhar uma partida de xadrez do meu iPad. A realidade das máquinas convivendo com a humanidade é presente e mais próxima do que se viu nos roteiros de Cameron, um visionário.

Depois de voltar com Conan e com a continuação de Irmãos Gêmeos, levando em conta a falta de tempo, você pretende voltar à política?

É uma honra voltar [o astro diz sua famosa frase “I’ll be back”, arrancando gargalhadas da plateia]. Conan foi um filme expositivo, fico lisonjeado por poder retornar à franquia. Estou verdadeiramente agradecido com a enorme confiança em mim. Trigêmeos (anunciada continuação de Irmãos Gêmeos) será engraçadíssimo, até por causa da mistura. Pelo grande número de projetos me dedico ao trabalho de ator, inclusive em matéria de manter a forma. Já ouvi muitos nãos desde os tempos de fisiculturismo na Áustria, até mesmo pela falta de tradição do país. Me deixaram com medo, mas superei. Diziam que eu jamais seria o ator principal e tentavam me alertar dizendo “olha o seu sotaque, olha o tamanho do seu nome”. Não levei isso em conta, usei isso pra me fortalecer. É importante não dar atenção às negativas. Se o homem tem um sonho, ele deve persegui-lo.

Ao final, o ator declarou amar o Rio de Janeiro, revelando que fez questão de passar pela cidade para falar sobre seu novo projeto, já que é íntimo da cidade carioca desde os anos 1970. Descontraído e desenvolto, Schwarzenegger fez revelações interessantes, como os bastidores das gravações de O Exterminador do Futuro original:

“Tá vendo aquele carro, com explosivos? Vou te filmar – dizia James Cameron a ele – no momento que você bater, vai explodir, dai você liga o carro. No meio do tráfego de Hollywood Boulevard. Eu ia, começava a andar como Terminator e todos me olhavam esquisito. Eu entrei no carro para dirigi-lo. Não tinha licença nem para filmar nas ruas que usávamos de locações. Eram outros tempos.”

Arnold ainda fala sobre a política do Brasil: diz que se fosse governador no país iria buscar conciliação, o melhor para o bem estar geral. Não se dedicar ao partido, mas sim, ao povo, já que enquanto executivo eleito dizia ser odiado por conquistar o amor do povo californiano. Após elogiar a organização da Copa do Mundo e afirmar que acredita estar vindo outro espetáculo nas Olimpíadas do Rio de Janeiro, Schwarzenegger declarou novamente seu apreço pelo país, a despeito de uma polêmica sobre turismo sexual no Brasil alguns anos atrás. É visível o amadurecimento do Terminator após uma extensa carreira de ator, ex-fisiculturista e ex-político.

Um Homem Inteiro e Outras Metades: Uma Análise Final de Two and a Half Men

3 de março de 2015 by Filipe Pereira

Artigos, Reviews, Séries

Arnold Schwarzenegger, charlie sheen, Jennifer Taylor, John Cryer, Judy Greer, Kathy Bates

Do início, em que se espelhava apenas na popularidade e persona de seu protagonista – se valendo até do primeiro nome deste para o espécime fictício – Two and A Half Men reúne em si dois seriados distintos, um antes e outro depois da briga entre Charlie Sheen e o criador do programa Chuck Lorre. A despeito de escândalos posteriores, como os envolvendo August T. Jones, nenhum evento dentro ou fora da ficção poderia ser mais acachapante e preponderante para a qualidade da série.

Na primeira temporada, Charlie Harper é mostrado como um sujeito narcisista, de vida fácil, que mora em uma bela casa de praia em Malibu, colhendo os louros de sua portentosa carreira como compositor de jingles publicitários. Seu talento para música só não é maior que sua desfaçatez, que o impede de exercer seus dotes em qualquer evento que não lhe renda uma bela quantia em dinheiro. O modo bom vivant de existir faz com que ele seja um sujeito acomodado, conformado com o próprio modus operandi, só capaz de mudar após um evento tremendamente improvável de acontecer.

Um dia, seu irmão Alan (Jon Cryer) bate à sua porta, desabrigado após um casamento fracassado. Sua personalidade é completamente diferente da de seu irmão, uma vez que este é um completo repelente para pessoas do sexo oposto. A abordagem de Alan com as mulheres envolve basicamente o sexo por pena e relações curtas; as mais longas, terminando quase sempre em um ódio mortal, já que ele suga toda a essência delas. Alan carrega consigo seu filho Jake (Jones), que durante o programa vai crescendo, passando de uma figura adorável e carismática – ao menos para sensibilizar o frio coração de seu tio – para um adolescente em via de se tornar um homem.

A diferença entre ambos, especialmente em relação ao sexo, muito é justificada pela presença opressora da mãe, Evelyn, vivida por Holland Taylor, uma mulher dominadora, que exerce sobre os filhos uma terrível influência, resumindo os comportamentos dos filhos aos de uma dupla de infantes. Outros personagens importantes os orbitam, como a stalker Rose (Melanie Lynskey), uma louca e irresistível ex-amante de Charlie, que sempre entra pela sacada da cobertura. Outro personagem periférico importante é Berta, vivida pela veterana Conchata Ferrell, que só não teve mais participações no seriado que Cryer e Jones.

Entre momentos poucos e muitos inspirados, os irmãos trocam farpas, acusações e até parceiras sexuais. Especialmente Alan, que se mete em muitos apuros: após o primeiro divórcio, ele se casa de novo com Kandi (April Bowlby), uma moça mais jovem e atraente, que acaba dispensando-o. Os apuros pioram quando, em uma recaída, transa com Judith (Marin Hinkle), para logo depois engravidá-la, deixando a dúvida de que ele seria o pai.

No decorrer da sexta temporada, um amigo de Charlie, interpretado por Emilio Estevez falece, fazendo o protagonista imaginar como seria o seu próprio funeral após uma vida repleta de bebedeira e muito sexo. Em sua elucubração imaginativa, ele vê cada uma das mulheres com quem ficou cuspindo em seu caixão, reflexo das muitas rejeições provocadas pelo personagem após noites de prazer. O desespero faz com que ele se aproxime de seus parentes, mas isso logo passa, mostrando que sua motivação tem muito a ver com o medo de morrer e perder todas as regalias que sempre teve; qualquer reflexão além disso foge de sua rotina.

Do sexto para o sétimo ano, uma relação se fortifica, com a entrada da personagem Chelsea (Jennifer Taylor) à série, e naturalmente a moça transita da posição de transa casual para namorada e até noiva do eterno solteirão. O relacionamento dura um bom período, somente interrompido após uma briga, que incrivelmente não inclui nenhuma infidelidade do bêbedo compositor. Charlie se insere na completa fossa após o rompimento, sentimento que perdura por todo o fim do sétimo ano.

A comédia de constrangimento de Alan segue viva, piorando de quadro na sétima temporada, com a inserção de mais um de seus pares fixos, Lyndsey Mackelroy (Courtney Thorne-Smith). Seu destino se inverte com o de seu irmão mais velho, no último ano, com a presença de Cheen no elenco. Charlie se torna um deprimido, que não consegue mais se relacionar com mulher alguma, a não ser profissionais do sexo, numa alusão clara à desilusão amorosa causada pelo último rompimento. Após algumas tentativas frustradas de se comprometer com outras mulheres, Charlie percebe a contrapartida do que sente por Rose, atentando para a razão de nunca ter cortado relações com a stalker. Após um casamento fake, feito para enganar o protagonista, o musicista começa a perseguir sua amada.

O último capítulo do seriado termina com Charlie convidando Rose a ir a Paris, onde a surpreenderia com um pedido de casamento, sem sequer notar que estava sendo enganado. Aquele seria seu último momento como protagonista do show de TV, que retornaria em sua primeira cena do ano seguinte em um funeral, que conta com a presença de muitos dos seus conhecidos, inclusive de algumas mulheres com quem dormiu, a maioria aliviada por não ter mais a fonte de suas DSTs presente em vida.

Após a chegada da urna que continha as cinzas do primogênito Harper, o novo astro do show aparece, ensopado, na varanda da casa de Malibu. Walden Schmidt, um depressivo bilionário, que acabou de romper um relacionamento, tentava suicidar-se de modo atrapalhado. Logo, Walden vence seus instintos de autoflagelo, transando com duas mulheres na primeira noite que passa no cenário predominante de Two And A Half Men. Walden decide comprar a casa. A proximidade entre os dois, que acabaram de se conhecer, aumenta a ponto de Alan ir viver com o recém-dono da casa, algo comum, dada a infantilidade latente do novo hospedeiro.

A falta de criatividade acomete os roteiristas, que reprisam muitos dos dramas de Charlie, como o fato do protagonista ser preso a uma mulher do passado e ser fruto de inveja por parte de todos os personagens masculinos mostrados em tela. A mudança na arquitetura e a falta de desprezo de Walden por Alan parecem ser algumas das poucas diferenças entre os dois. Bridget (Judy Greer) chega a ponto de perseguir seu antigo amado, como Rose fazia antes, para depois voltar à configuração original.

No décimo ano, Walden ainda se recupera de um namoro fracassado, se inserindo em relação malfadada atrás da outra, tendo que lidar com a temível condição de ser um bilionário e de ter belas mulheres o cercando sempre. O pobre homem rico chega a se fingir de pobre para namorar uma moça simples. Toda essa problemática supera e muito os dramas de Jake – que se alista ao exército, e quase não aparece mais, graças a um ataque relativo a uma conversão religiosa de seu intérprete –, e, claro, a vida medíocre e parasitária de Alan, que a duras penas consegue manter seu namoro vivo, apesar de todo o seu derrotismo.

A pergunta que persiste desde o nono ano não é respondida: o motivo pelo qual Alan continua na casa de Walden é discutido por cada mulher que habita a cama do gênio da internet. A insistência neste estado de dependência de um estranho do mesmo sexo ao outro faz reacender muitas perguntas, especialmente ligadas a um romance homoafetivo de cunho grotesco, visto a disparidade estética entre os “amigos”.

Após o season finale número 10, Jake anuncia sua transferência para o Japão. O décimo primeiro ano já não teria sua presença no elenco, com uma estranha substituição logo no primeiro episódio: Jenny (Amber Tamblyn), a filha beberrona e lésbica de Charlie. Perdida entre romances tórridos do passado, ela é convenientemente trazida à tona após a queda de mais um dos tripés da série, o segundo em menos de três anos. O começo da temporada reaviva o fantasma de Charlie Harper, vivido por Kathy Bates, tornando-o mais uma vez o motivo de depressão e lamento, jogando Walden (mais uma vez) para o papel de coadjuvante.

Após o anúncio de que o décimo segundo ano seria o último do seriado, Chuck Lorre decidiu que seria aprazível aumentar a família presente na casa e a tensão sexual entre os participantes. Depois de quase morrer devido a um infarto, Walden repensa seus objetivos de vida, e para dar fim à sua solidão, escolhe tentar adotar uma criança, o que, para efeitos práticos, tem dificuldade em fazê-lo estando solteiro. A profecia se cumpre, com Alan sendo a nova noiva do bilionário, para ficarem, como casal, mais fortes na possibilidade de adoção.

O disparate começa pelo fato de que são dois héteros fingindo ser gays, e que deveriam demonstrar uma afinidade grande o suficiente para convencer os responsáveis pela adoção de que não são uma fraude. A intenção de abranger o público LGBT é singela, mas executada de modo ofensivo para essa parcela da população, já que o pressuposto é de que se passar por gay é uma tarefa fácil.

Após muitas trocas de casais e situações constrangedoras, Walden consegue enfim adotar Louis (Edan Alexander), e o esperado fim da estranha relação dos Harpers com os Schmidt tem um fim anunciado. O décimo quarto episódio serve, entre outras coisas, para fechar as pontas abertas dos últimos quatro anos, unicamente para dedicar o series finale ao pensamento abstrato e ao mal concebido final, que uniria as duas principais fases do seriado, praticamente ignorando o último protagonista, referenciando a persona que Chuck Lorre considerava ingrata. A postura, apesar de contraditória, guarda uma certa lógica, dada a carência e arrogância do personagem principal feito por Ashton Kutcher, que não se via bem sem a presença parasitária do divorciado Alan.

Os convites dados a Charlie Sheen soaram estranhos, segundo os boatos, com propostas esdrúxulas que claramente mudariam todo o rumo do programa de aproximadamente uma hora de duração, contando intervalos comerciais. A ausência do astro o elevou a um patamar de fama ainda maior do que possuía, fazendo do seu atual programa – Anger Management – um show bastante visto para as pretensões de seus empregadores, que exibiram 90 episódios ininterruptamente, por dois anos, talvez por medo de também perder seu protagonista. Mesmo não estando presente, a aura de Charlie venceu qualquer concorrência com Kutcher e, especialmente, com Chuck Lorre, que quis se aproveitar do hype e ainda alfinetar seu desafeto.

Charlie Harper em animação, uma piada super original de Lorre

As primeiras cenas remetem ao primeiro episódio da era Walden, com o recordatório do suposto funeral sem corpo de Charlie, para logo depois mostrar Rose indo até seu porão para alimentar um prisioneiro em um poço. O pretexto para a fuga finalmente ocorre, e elementos da sua sobrevivência são enviados aos seus familiares. A partir daí, tudo em volta começa a parecer ainda mais deslocado, incluindo as interações de Walden, que deixa de ser o pegador com pênis gigantesco para se tornar um sujeito que precisa de ajuda de uma revista feminina para fazer uma mulher gozar. Daí, mil piadas com o fim do seriado são lançadas, entre elas a participação de Arnold Schwarzenegger como relator do caso das ameaças de Charlie, sendo somente um pretexto para tratar dos detalhes da trama. Algumas cartas para ex-namoradas também são enviadas, além de lembrar (finalmente) a ausência de Charlie enquanto pai de Jennifer. August T. Jones também retorna para reavivar seu personagem e ser ovacionado pela louca plateia, com uma sequência que mal dura dois minutos.

A vingança de Charlie Harper quase se realiza, e é interrompida por um remendo de roteiro dos mais vergonhosos já vistos na história da TV americana, com a última quebra da quarta parede. Surge um soberbo Chuck Lorre, que assassina seu xará e desafeto, para logo depois ser esmagado por um piano, usando um artifício típico de um desenho animado como alegoria de sua própria mentalidade infantil, fechando melancolicamente o seriado que deveria ter ao menos metade da duração que realmente teve. Em brigas de ego, é difícil ter qualquer possibilidade de boas saídas, mas certamente nem nos piores pesadelos dos fãs de Charlie Sheen, Two and a Half Men e até de Chuck Lorre, imaginava-se algo tão baixo e fraco quanto o que foi exibido. Charlie, Alan, Jake, Berta, Evelyn, seus respectivos pares, e até Walden Schmidt, mereciam um desfecho mais bem elaborado, sem suas relevâncias banalizadas e sem um fim tão abrupto, vazio e sem razão de ser, de um programa que jamais foi um primor no quesito roteiro, mas que tinha no carisma de seus personagens uma boa alternativa de despiste.

Nem mesmo isso sobrou. As aventuras na casa de Malibu com bebidas, strippers e afins não serão tão inspiradas e lotadas de mulheres, álcool e boêmia quanto eram antes.

Crítica | Os Mercenários 3

21 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Antonio Banderas, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren, Harrison Ford, Jason Statham, Jet Li, Mel Gibson, Os Mercenários, Patrick Hughes, Randy Couture, Sylvester Stallone, Terry Crews, Wesley Snipes

Simbolicamente – e claro, a exemplo dos dois episódios anteriores – Os Mercenários 3 já começa em meio a ação, mostrando Barney Ross (Sylvester Stallone) e seu grupo de dispensáveis brucutus invadindo um trem em movimento, no intuito de resgatar o preso e antigo amigo do membro do grupo Surgeon, que é vivido por Wesley Snipes, que apesar de ser resgatado, permanece arredio. A quantidade de referências à vida pessoal do intérprete (este ficou um tempo longe dos holofotes por estar encarcerado) só não é maior que o paralelo feito com o retorno aos sucessos que cada um dos antigos heróis de ação teve após o primeiro filme de Sly e companhia.

No entanto, uma mudança é notada logo de início. Apesar do conteúdo da fita permanecer agressivo, a faixa etária da classificação indicativa diminuiu drasticamente, o que impede a câmera do novato Patrick Hughes de exibir a quantidade colossal de sangue e dilacerações que permeavam os filmes anteriores. O retorno de Surgeon, além de causar uma marola na relação dos Mercenários (com uma referência, claro, a este como alcunha do clube) por este, como Christmas (Jason Statham) ser especialista em facas, reabre algumas feridas, como com as mostras das tags dos antigos companheiros mortos e claro, com a descoberta da sobrevivência de Conrad Stonebanks, encarnado por um bombadíssimo Mel Gibson.

Além de guardar o ódio de seus antigos colegas, Stonebanks alveja Caesar (Terry Crews), e o põe em um perigo de vida imenso, o que faz Barney pensar mais seriamente em uma aposentadoria, não por si, mas por seus companheiros. A caçada do herói passa a ser solo, resgatando mais algumas figuras de seu passado, cortando a estrada em busca do que deu errado, e do porquê de Conrad ainda estar vivo. Nesse ínterim, ele é apresentado a uma nova gama de personagens, entre eles o novo encarregado da CIA vivido por Harrison Ford, Drummer – que consegue ser um trocadilho até pior que Church – o selecionador de novos talentos Bonaparte (Kelsey Grammer) e o acrobata cinquentenário Galgo (Antonio Banderas) e alguns outros meninos novos, com disposição e com todos os dentes na boca, que deveriam substituir os trabalhos de seus antigos colegas.

Refugados por seu antigo líder, Lee e os outros veem a força tarefa da nova geração embarcar junto a Barney e Trench (Arnold Schwarzenegger), repleta de rostos bonitos, sorrisos encantadores, remetendo visualmente às séries consumidas pelos adolescentes atuais, em mais uma artimanha de Stallone em alcançar o público juvenil. A dura realidade de estar novamente relegado a um papel secundário, em um campo onde antes reinavam, acomete Lee, Gunnar (Dolph Lundgren), Toll Road (Randy Couture) e Surgeon, e até o que poderia ser um defeito do guião acaba sendo uma boa anedota, a banalização da figura do brucutu serve como uma excelente motivação dentro da proposta.

O legado que Ross tenta deixar é o de proteger os que lhe são caros, mesmo que isso signifique tirar da ação aqueles que sempre foram fiéis, o que faz o embate com seu antigo parceiro ser ainda mais aviltante, uma vez que Conrad considera que ambos são iguais. O antagonista não vê diferença nas posturas tomadas pelos sexagenários mercenários, e em meio a uma troca de papéis nos arquétipos de gato e rato, Stonebanks rapta a nova equipe de Barney, o que faz com que o dream team retorne das cinzas, em mais uma manobra redentora típica dos filmes que Sly dirigia nos anos 80.

O modo como Hughes conduz a câmera é competente em sua proposta, uma vez que, ao contrário dos outros filmes onde se fazia um pastiche dos filmes de ação oitentistas, esse serve para mergulhar na mente e na operação de seus protagonistas. A fita é repleta de humor, especialmente nas figuras de Galgo, mas o viés de reflexão é mais sobre a obsolescência do que qualquer outra coisa, não que haja alguma inteligência maior do que nos outros momentos da franquia, mas a emoção é muito mais elevada, a busca é em comover a audiência através do drama de seus heróis.

Nas cenas finais, é a velha guarda que toma as rédeas da situação, protagonizando as partes mais interessantes do embate, que infelizmente usa e abusa dos efeitos em CGI. Um dos diferenciais da franquia até então eram os combates filmados in loco, com técnicas que podem ser vistas como rudimentares pelo expectador novato, mas que garantiam às fitas mais veracidade e textura.

No entanto, os erros de concepção ficam ainda mais evidentes. O vilão poderia ter sido melhor construído, ele não é nem tão digno de ódio quanto Villain era em Os Mercenários 2. Falta sentir apuro pelos personagens principais, a todo momento parece que os velhacos se safarão sem arranhões, são raros os embates físicos, que até são precedidos por frases feitas de cunho excelente, mas pouco mostram, ainda que a breve luta de Stonebanks e Ross seja interessante. O grave problema deste Os Mercenários 3 é ser bem menos divertido do que as fases pretéritas, deixando espaço para enxergar seus defeitos.

A mensagem deixada em seu final vai de encontro a tudo o que foi mostrado na carreira de Stallone e também nesta franquia. O modo como Barney olha para aqueles que seriam os seus alunos, trinta anos mais jovens fazendo tudo o que ele cansou de fazer em tela dá a tônica de como funciona atualmente a mente e a intimidade do ator, diretor e cineasta, talvez até antevendo uma possível aposentadoria, se não da carreira de cineasta, ao menos do filão de filmes de ação. Esse subtexto acaba sendo mais rico que toda a arquitetura, pirotecnia e atitude bad ass que sempre preconizaram as ações de Barney e seus asseclas.

Crítica | Sabotage

8 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, david ayer, Joe Manganiello, Mireille Enos, Sam Worthington, Skip Woods, Terrence Howard

A ação desenfreada é notada logo nos primeiros segundos de filme, pouco após os créditos do estúdio. Uma situação de sequestro é aventada e assistida por John ‘Breacher’ Wharton, personagem do geriátrico astro de ação Arnold Schwarzenegger. Logo após o preâmbulo, uma ação impingida pelo esquadrão do DEA é executada, muito semelhante ao tom do segundo filme da franquia Os Mercenários, logicamente com um cunho muito menos galhofado. Sabotage é um legítimo tributo aos bem montados filmes de ação oitentistas, com uma dose de violência ainda mais evidente, graças a classificação etária elevada.

Apesar de toda a construção do mundo comum que contemplaria mitologias semelhantes a Comando Para Matar e Cobra, as semelhanças são interrompidas, para dar lugar a uma trama um pouco mais séria. Na tal ação mostrada no começo há um roubo aos espólios do cartel, cuja soma excede dez milhões de dólares, e todo o grupo liderado por Breacher passa a ser suspeito, tendo os seus passos seguidos e monitorados por outros agentes da lei. Com o tempo, o caso é arquivado, e John é liberado para reunir seu esquadrão novamente, já que ninguém mais dentro da agência confiaria ou daria crédito a ele.

A retomada é acompanhada de uma série de eventos suspeitos, em que os subalternos a Breacher vão sendo abatidos, como em uma “Queima de Arquivo“. A experiência de David Ayer em conduzir thrillers policiais o faz uma ótima escolha para conduzir o drama cheio de mistérios, conspirações, assassinatos e traições. A questão de mexer com cartéis de drogas já havia sido abordada em Dia de Treinamento, cujo roteiro era seu, assim como em Marcados Para Morrer, onde sua câmera na mão era o meio pelo qual contava sua história. Em Sabotage, o aspecto parece mais aprimorado, visto que ele usa a primeira pessoa para grafar algumas das sensações conflitantes dos personagens, como Paul Greengrass cansou de fazer na Trilogia Bourne.

O personagem cujas nuances são mais verificadas pela câmera é a da investigadora Caroline Brentwood, vivida por Olivia Williams. Ela é a responsável pelo departamento de homicídios, por verificar a origem dos assassinatos ao grupo de federais. A investigadora é o alvo perfeito para a inserção do público na história, inclusive ao tomar noção das questões pessoais e de vingança que motivam Breacher.

A questão é que, com o tempo, Caroline se vê em uma encruzilhada moral, entre ter de acreditar em John – já que ela, de maneira ingênua, se envolve emocionalmente com ele – ou dar prosseguimento a investigação da qual ele é um dos principais suspeitos. O roteiro de Skip Woods e Ayer consegue passar uma tensão interessante na troca de acusações entre os parceiros de ações, conseguindo bons momentos a despeito até das já esperadas atuações pífias de Sam Worthington, fazendo o ciumento e segundo em comando Monster.

Não há qualquer complacência com o receptor, a fita inteira é violentíssima e completamente não condizente com o grande público, mesmo para o fã de filmes de ação do austríaco é necessário um pouco de estômago para tragar este Sabotage. A sanguinolência faz lembrar os filmes gore de terror, ou os espécimes de Quentin Tarantino e Takashi Miike, mas sem a capa de exagero irrealista típica da filmografia dos dois diretores. Todas as dilacerações são plenamente justificáveis dentro da lógica do filme, não existe qualquer pedido abusivo de suspensão de descrença.

O peso dos anos denegriram o físico de Arnold, mas também o tornou um bocado mais afeito a passar através de suas expressões alguns sentimentos que antes não eram possíveis ver em suas participações. Seu papel permanece o de um homem duro e talhado pelo destino, com características de brucutu, mas ao analisar o seu rosto, nota-se uma carga escondida atrás do semblante fechado. Não há como esperar algo semelhante a Brando ou Pacino, mas nota-se que o papel encaixa bem em suas pretensões. As limitações dele servem à trama, a rigidez com que ele se move propicia um álibi perfeito, fazendo dele um improvável suspeito para quaisquer atos possivelmente ruins.

Nos minutos finais o filme muda de gênero, fazendo crer que toda retórica mostrada antes era um despiste, um mcguffin para a questão maior, ligada à motivação do personagem principal. Toda a trajetória de John Wharton é muito bem construída, e é isso que faz com que o público compre a sua proposta e se afeiçoe a ele, claro, com a ajuda da face carismática de Schwarzenegger, mas sem abrir mão de uma condução de trama muito competente, como é a levada por David Ayer.

Crítica | Rota de Fuga

30 de janeiro de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, Jim Caviezel, Rota de Fuga, Sylvester Stallone

O sonho de consumo de todo fã de filmes de ação era ver os dois maiores brucutus dos anos 80 contracenando juntos – preferencialmente num embate de vida ou morte. Isso ocorreu em doses homeopáticas nos dois episódios da franquia Mercenários. Rota de Fuga viria para suprir a lacuna de um filme inteiro em que Sylvester Stallone (Ray Breslin) e Arnold Schwarzenegger (Emil Rottmayer) interagiriam com tempo de sobra.

A história não tenta reinventar nada, é somente um filme de fuga da prisão, mas com uma pompa que se mostra desnecessária com minutos de exibição. O roteiro de Jason Keller e Miles Chapman não é lotado de clichês, seu excesso é nos devaneios (mal filmados) de Ray Breslin e nas “saídas de situações” confusas. A desorganização geral tira o poder do clímax, joga o que deveria ser importante na vala comum e torna os dramas mostrados em tela em situações vexaminosas.

A história não é de todo o ruim, mas as escolhas do elenco são muito equivocadas, especialmente a da dupla de protagonistas. Este era um filme para atores quarentões e canastras, como Tom Cruise e Ben Affleck por exemplo, e não os geriátricos Sly e Schwarza – acreditar que os dois senhores podem fugir de prisões como querem é demais até para a “suspensão de descrença”. É mais fácil crer que eles são capazes de derrubar republiquetas, atirar com metralhadoras na altura da barriga e matar tudo que vive e respira ao redor… é possível até vê-los salvando o mundo de aliens ou de ameaças humanas, mas colocá-las como engenhosos arquitetos e planejadores geniais não é galhofa, é só mau gosto.

Não chega a ser um dos piores exemplares da filmografia dos dois astros, mas não parece em momento nenhum que os papéis foram feitos para eles. A frustração deste Rota de Fuga é semelhante ao sentimento horrendo de assistir-se As Duas Faces da Lei, que reunia Pacino e DeNiro. O carisma dos atores não garante uma experiência prazerosa, e nem os profissionais com maior talento dramatúrgico podem exercê-lo, dado o podamento que eles sofrem.

Escape Plan falha como action movie, gera uma expectativa que não é para si. A presença de Stallone e Schwarzenegger faz com que cresça um sentimento de avidez por ação, que não é satisfeito em praticamente momento nenhum, e outro grave defeito da obra é que o problema citado é notado muito cedo no filme.

As sequências finais são até bem feitas, o suspense e a perseguição fazem o espectador ficar atento como nunca no filme, mesmo com o péssimo antagonista vivido por Jim Caviezel. A última luta, entre Stallone e Vinnie Jones tem bons momentos, mas termina de forma melancólica, com um desfecho aquém do esperado de uma batalha entre brucutus de diferentes gerações – até lembra visualmente o entrave entre Villain e Barney em Mercenários 2. Já o momento em que Rottmayer toma uma metralhadora em punho e começa a atirar nos capangas poderia ser mais sangrenta, o que não ocorre, mesmo este sendo um filme Rated R, o que é lastimável por si só.

Crítica | O Último Desafio

6 de fevereiro de 2013 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger

He’s back. Arnold Schwarzenegger retorna aos cinemas como protagonista, dez anos depois de O Exterminador do Futuro 3. Nesse meio tempo, teve seu mandato como “Governator” da Califórnia e, claro, as participações em Os Mercenários. E ele parece ter assimilado com o colega Sly a ideia de que ainda pode ser fodão, mas a idade avançada vale uma boa tirada de sarro. O Último Desafio não chega a ser uma comédia assumida (como Os Mercenários 2), mas as piadas estão tão presentes quanto a ação – não muito distante dos clássicos de Arnold dos anos 80 e 90, talvez com a diferença de que antes o humor era de certa forma involuntário, e agora é consciente.

A história mostra Ray Owens, veterano xerife de uma pacata cidadezinha de fronteira. Ele já teve sua cota de ação num passado traumático e agora só quer saber de sossego. Pro seu azar, um chefão do narcotráfico em um carro superveloz, após dar um baile no FBI, está em fuga para o México e vem direto na direção de Ray. Adivinha quem é o único que pode deter o bandido? O xerife e sua diminuta equipe.

O Último Desafio tem como maior mérito sua indiscutível honestidade. Quem viu o trailer sabia exatamente o que esperar: um filme do Schwarzenegger. A trama é simplíssima e repleta de situações exageradas (por exemplo, toda a tecnologia e planejamento magistral por parte dos criminosos), os coadjuvantes são rasos, os vilões são caricatos e os tiroteios têm balas infinitas. O filme até poderia ser considerado mediano não fosse o carisma do herói. Impagável a oportunidade de rever a atuação robótica e o sotaque inconfundível de Arnold, suas frases de efeito e sua predileção por armas grandes. O peso da idade, porém, se faz presente a todo momento. Ele não corre ou apresenta grandes feitos físicos, pelo contrário. Cada movimento é lento, e cada pancada, dolorida. Mas tudo executado de forma bem-humorada, como na ótima cena em que o xerife pula pela vidraça da lanchonete, levanta-se com dificuldade e, perguntado “como está”, responde “velho”.

Tudo isso mostra que o filme se apoia completamente em Schwarzenegger. Ele rouba até as cenas cômicas, pois suas piadas soam muito mais naturais, e por isso mais interessantes, do que aquelas de Luis Guzmán e Johnny Knoxville, os alívios cômicos oficiais. Muito pouco a se dizer sobre os outros atores: Forrest Whitaker faz o básico do básico, assim como a lindinha Jamie Alexander. Eduardo Noriega e Peter Stormare são competentes dentro da proposta de canastrice de seus vilões, e Rodrigo Santoro se vira bem no pouco espaço que tem.

O diretor é o sul-coreano Jee-woon Kim, em seu primeiro trabalho em Hollywood. Ao longo de todo o filme ele demonstra experiência e segurança em conduzir cenas de ação empolgantes, mas sem excessos ou firulas visuais, sabendo dosar os momentos frenéticos com os de respiro. E, mais importante, deixando o astro brilhar. Fica a expectativa pelos próximos trabalhos do bom e velho Terminator, e a torcida para que essa onda de saudosismo ”brucutu oitentista” não passe tão cedo. O cinema blockbuster agradece.

–

Texto de autoria de Jackson Good.

Crítica | O Último Grande Herói

8 de dezembro de 2012 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Arnold Schwarzenegger, John McTiernan

A década de noventa marcou auge e decadência dos brucutus. Vindos principalmente dos anos oitenta, realizaram bons e rentáveis filmes até então. Porém, os gêneros começaram a mudar seu paradigma, quebrando barreiras internas e o estilo machão em um filme de ação violento perdeu parte do prestígio. Van Damme, Stallone e Schwarzenegger, depois de sucessos como O Alvo, Risco Total e Exterminador do Futuro 2, respectivamente, viram o sucesso de suas carreiras minguando aos poucos.

A grande problemática de O Último Grande Héroi é a época de seu lançamento. O filme é um misto de comédia com ação, desenvolvendo a descrença do exagero destas produções ainda populares. Na época, a barreira entre gêneros ainda era alta, não houve espaço e aceitação para uma história que brincava tão explicitamente com tais mundos. O mesmo Scharza repetiria a sátira em outro estilo, no excelente True Lies.

Vilões caricatos, heróis quase imortais, são aceitos hoje como um alívio cômico. Não se leva mais a sério pela tendência realista do cinema contemporâneo. Evidente que há exemplos isolados, tanto do realismo, como de um elemento mais híbrido. Porém, hoje se tornou um padrão que somente o tempo transformará.

Assistido com distanciamento, a produção teve bom envelhecimento. A trama brinca com a fantasia de todo garoto em conhecer o seu herói favorito de ação. Ao ganhar um bilhete mágico para seu filme preferido, o garoto Danny Madigan atravessa para o mundo fictício do enredo. O estranhamento de situar-se em um mundo regido por outras leis é evidente. Armas possuem tiros limitados, heróis não sangram e sempre estão dispostos para mais um golpe. A ação se concentra boa parte neste ambiente até que o reverte com a chegada das personagens no mundo real, realizando outro golpe, dessa vez evidenciando como é difícil ser um mocinho na vida real.

Sem perder a ideia de um entretenimento, o filme promove uma reflexão de seu próprio tempo e acabou por prever como o cinema pipoca se comportaria na década seguinte. Elementos que hoje apresentam alguns sinais de cansaço e que, muito provavelmente, também começarão a ser deixados de lado, à procura de outra inovação.

Mesmo a metragem um tanto extensa, não tira o divertimento deste filme que falhou em seu lançamento, mas que hoje tem mais significado do que em sua época.

arnold-schwarzenegger

Crítica | Conan: O Destruidor

Crítica | Conan: O Bárbaro

Crítica | O Exterminador do Futuro: Destino Sombrio

Crítica | Batman & Robin

Crítica | O Predador (1987)

Crítica | Um Herói de Brinquedo

Crítica | Em Busca de Vingança

Crítica | Comando Para Matar

Top 10 – Especial Dia das Crianças

Crítica | Maggie: A Transformação

Crítica | O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas

Crítica | O Exterminador do Futuro: Gênesis

Crítica | O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final

Crítica | O Exterminador do Futuro

Entrevista | Arnold Schwarzenegger

Um Homem Inteiro e Outras Metades: Uma Análise Final de Two and a Half Men

Crítica | Os Mercenários 3

Crítica | Sabotage

Crítica | Rota de Fuga

Crítica | O Último Desafio

Crítica | O Último Grande Herói