Quadrinhos – Página: 20 – Vortex Cultural

Resenha | Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido

27 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

editora WMF, Editora Wmf Martins Fontes, Li Kunwu, Mao-Tse Tung, Philippe Ôtié, revolução chinesa, Wmf Martins Fontes

A segunda parte de Uma Vida Chinesa, lançado pela WMF Martins Fontes, dá sequência imediata a história vista na parte I – O Tempo do Pai. Porém, nessa parte intitulada O Tempo do Partido, a obra ganha um contraste emotivo maior, bem como o enfoque aprofunda o personagem central, Li, testemunha ocular da evolução da China.

A primeira parte da história focava em seu pai, apresentando as modificações da China a partir da instauração do socialismo, liderados por Mao-Tse Tung. Produzindo um relato ao mesmo tempo pessoal sobre as turbulências passadas pela família e contextual sobre as modificações sofridas pelo país no período. Na segunda parte, encontramos um Li mais maduro. Observando com maior atenção os contrastes de seu país sem estabelecer uma postura crítica negativa como apresentada no início. Com a morte de Mao, a China passa por novas mudanças, estabelecendo pequenas aberturas externas bem como reconhecendo que algumas ações do passado, como a revolução cultural, tiveram seus excessos. Revendo seus próprios erros em um processo chamado autocrítica, o partido procurou avançar sempre com o apoio da população.

O período abarcado pela trama, entre 1976 a 1980 é fundamental para que Li amadureça. O roteiro opta por aprofundar sua transformação sem destacar em demasia as modificações da China na época. O registro se torna pessoal apresentando o crescimento da personagem tanto profissionalmente como desenhista, melhorando seus traços, como intelectualmente, através de duas experiências ligadas ao socialismo chinês: defender a pátria e compreender o valor do campo. Dessa forma, o personagem se alista no Exército e, posteriormente, responsabiliza-se pelos cuidados de um campo de plantação. Ainda que o período seja curto, viver tais momentos geram uma outra visão na personagem, compreendendo na prática parte dos valores propostos pelo Partido Comunista Chinês, bem como reconhecendo que nem tudo funciona devido a corrupção de pequenos grupos.

Tornando-se um homem correto, de regras e trabalho duro, Li segue os preceitos de ordem verificando na prática a importância do trabalho no campo. Fatores que o fazem desejar entrar para o Partido. Mesmo a prisão do pai, enviado por dez anos a reeducação, não se torna um fator negativo, afinal, tratava-se de um novo momento na China em que tais erros não seriam mais cometidos. Sua indicação é realizada através de sua arte, publicada em alguns jornais até chamar atenção da publicidade e propaganda do partido que o convida a integrá-lo para ajudar na divulgação dos novos líderes políticos do país.

Uma Vida Chinesa – II. O Tempo do Partido enfatiza mais a jornada pessoal de Li do que o contexto da China. Uma estratégia bem composta em, inicialmente, apresentar a história Chinesa para que o leitor compreendesse melhor as motivações de seu personagem central, demonstrando como ele viveu durante esses anos de transição e, por consequência, compreendendo como o povo chines viveu na época.

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Resenha | Como Falar com Garotas em Festas

23 de novembro de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Companhia das Letras, Fábio Moon, Gabriel Bá, Neil Gaiman, quadrinhos na cia

Sandman encontra Machado de Assis

Como Falar com Garotas em Festas (Quadrinhos na Cia.), escrito por Neil Gaiman e ilustrado pelos irmãos Fábio Moon e Gabriel Bá, é o tipo de história que só poderia ter saído mesmo do pai de Sandman. A trama roteirizada por Gaiman é construída do usual ao coletivo mitológico, sempre destacando, ou relembrando, a máxima de que nada é o que parece.

Começa com um lugar-comum: um jovem desengonçado é convidado junto com o amigo popular para uma festa em uma república feminina. O jovem desengonçado não consegue falar com as mulheres e o amigo popular tenta animar o companheiro para a aventura com as mulheres desconhecidas. Entram, um muito confiante, o outro com baixa autoestima.

Cada rapaz segue um caminho diferente: enquanto o popular logo parte para cima da dona da festa, o desengonçado tenta conversar o melhor possível com alguma mulher sozinha. O nervosismo o atrapalha, por isso escolhe ouvir mais do que falar. Logo percebe que a maioria das mulheres dali são intercambistas. Contudo, não fica animado como o amigo popular ao saber disso, mas desconfiado com a coincidência de todas não serem dali.

Quando o desengonçado passa a perguntar sobre a origem delas é que Gaiman desata toda sua criatividade mitológica. Aquelas adolescentes não são apenas corpos humanos, mas seres diversos que escolheram, naquele momento, habitar um invólucro de carne para aprender sobre a vida na terra. Daí ao final, o leitor surpreende-se com as origens de cada uma. Este o grande trunfo da história: a diversidade de seres que podem se esconder em carne e osso.

Do ponto de vista gráfico, a preferência por cores quentes, sombras em degradê e formas assimétricas, transforma a atmosfera do quadrinho em algo retirado de um sonho. Os desenhos são esguios, contornos bem definidos e um trabalho magnífico de quadros construídos em aquarela. As cenas obedecem a um rigoroso controle de roteiro e imagem, de forma que, harmonicamente, são construídos momentos de tensão, suspense e desfecho.

HQ simples, eficaz e excelente. Mas não se engane, a simplicidade é sempre conseguida com muito esforço e experiência. Não por acaso trata-se de uma parceria entre Gaiman, pai daquela que é considerada uma rara unanimidade entre as HQ’s, Sandman, e os irmãos que ganharam um Prêmio Jabuti (o maior prêmio literário nacional), pela adaptação de “O alienista”, de Machado de Assis, em quadrinhos.

No final da história ainda encontramos esboços dos trabalhos de Fábio Moon e Gabriel Bá. HQ mais do que recomendada.

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Texto de autoria de José Fontenele.

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Resenha | Wasteland Scumfucks: Terra do Demônio

14 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Veneta, Quadrinhos Nacionais, Yuri Moraes

Em paralelo aos lançamentos de obras internacionais como A Arte de Voar de Antonio Altarriba e Do Inferno de Alan Moore, exemplos dentre tantos outros bons lançamentos, a Editora Veneta também investe em autores nacionais ampliando o mercado editorial de quadrinhos no país. Autores como Marcelo D’ Salete, Juscelino Neco, Marcello Quintanilha, L. M. Melite, entre outros, estão presentes no catálogo da editora, demonstrando que o Brasil também produz obras significativas.

Lançando mais uma obra nacional, Wasteland Scumfucks – Terra do Demônio é o segundo trabalho de Yuri Morais. A obra segue um formato de uma aventura seriada, ainda que pela composição dos traços e a quantidade de quadros em cada página se assemelhe as tradicionais páginas de tiras dominicais, um dia em que algumas tiras de destaque ganhavam uma história completa em mais quadros.

Na trama, GG é um jovem ex-escravo que escapou de um terrível campo de trabalho forçado. Sobrevivendo em um deserto conhecido como Terra do Demônio, o personagem tenta sobreviver ao lado de Z, um robô com problemas no circuito e uma elfa chamada Sérgio. A trama atravessa algumas referências pop, procurando subverter alguns personagens típicos de aventuras tradicionais.

O humor é a tônica da história. Até mesmo na caracterização básica das personagens é possível observar as referências a um caldo de estilos diferentes. A obra, porém, parece trafegar de um ponto a outro da ação apenas apoiada na construção de absurdos, explicitados tanto pelos personagens quanto em situações apresentadas. Em cena, os personagens são semelhantes entre si, compartilham o mesmo tipo de humor corrosivo e cáustico, perdendo um pouco de particularidades que poderiam ser melhores exploradas.

A trama é formalmente dividida em duas histórias mas fazem parte de uma mesma narrativa sequencial. Focado demais em situações de confronto e absurdo, o enredo permanece em segundo plano. A ideia de explorar um novo mundo colonizado e personagens marginais parece mais um pano de fundo para produzir os diálogos ácidos do que uma base que complementa-os. Bem como o surgimento de artefatos desse universo, como uma espada mágica na segunda história, entram em cena quase sem explicação. Mesmo que seja perceptível ao leitor que se trata de uma história seriada, com direito a gancho no final, evitar explicações iniciais de como funciona o mundo em que as personagens vivem retira parte da compreensão da obra. Como os personagens, os leitores são levados de ação a ação sem saber, ao certo, se há uma razão para tudo.

Ainda que uma análise crítica se paute a partir das referências de leitura, sendo assim possível de gerar contraponto entre críticos diversos, há outro aspecto que deve ser analisado além da composição da HQ. A diagramação das letras da edição poderia ser modificada em edições futuras. A escolha de uma fonte fina e de pouco corpo causam, em algumas páginas, dificuldade para ler. Na contracapa, por exemplo, em que a fonte está em um fundo vermelho, é necessário esforço para ler as informações. Um detalhe técnico que o leitor percebe quando há incomodo. Nesse caso, em certos momentos, a imersão narrativa se perdia para que se tentasse compreender as letras miúdas.

Wasteland Scumfucks – Terra do Demônio tenta manter uma tônica humorada, ainda que calcada em excesso em absurdos sem equilíbrio. Sem definir uma narrativa coerente aliada a personagens com personalidades semelhantes, a história não emplaca neste início.

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Resenha | Maria Chorou Aos Pés de Jesus

7 de novembro de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

cristianismo, editora WMF, judaismo, prostituição, Wmf Martins Fontes

A Bíblia 2.0, por Chester Brown.

Resultado de novas interpretações de passagens bíblicas, Maria Chorou Aos Pés de Jesus: Prostituição e Obediência Religiosa na Bíblia, de Chester Brown (Pagando Por Sexo), publicação da editora WMF Martins Fontes e tradução de Érico Assis, adapta ao quadrinho oito histórias, a saber: “Caim e Abel”, “Tamar”, “Raabe”, “Rute”, “Betsebá”, “Os talentos”, ”Mateus”, e “O filho pródigo”. Em comum, as histórias femininas lidam como a prostituição e as outras sugerem uma nova visão sobre as designações que o Senhor dá aos seus filhos. Ao final dos quadrinhos, um Posfácio de quase cem páginas onde o autor explica o embasamento teológico por trás do desenvolvimento das histórias recontadas.

Em “Caim e Abel”, “Os talentos” e “O filho pródigo”, Brown sugere, teologicamente, que “Deus admira e valoriza aqueles que desafiam o édito da história, e que ousam fazer o melhor para si de maneira que conflitem com a ordem que lhes foi criada”. A justificativa acima, Brown retira de A Filosofia das Escrituras Hebraicas, de Yoram Hazony. Segundo o autor, isso justifica Deus, em “Caim e Abel”, ter preferido a oferenda de carne oferecida por Abel, que o trigo oferecido por Caim. Caim fica insatisfeito com a predileção do irmão visto que Adão ensinou aos dois que, após expulsos do Paraíso, Deus mandou eles apenas se alimentarem de frutos da terra. Abel ultrapassa esse mandamento e é preferido por Deus, o que, segundo o autor, fez nascer a ira e posteriormente o assassinato cometido por Caim.

Em “Os talentos” e “O filho pródigo”, as histórias coincidem com personagens que herdam fortunas e escolhem gastar com mulheres e entretenimento. Contudo, não são repreendidos pelos seus senhores/familiares, mas premiados. Segundo Brown, esse contrassenso é justificado teologicamente porque “Deus não vê suas leis como absolutas”. Ousar, portanto, mesmo ultrapassando as leis, pode fazer parte dos desígnios divinos.

Em “Tamar”, “Raabe”, “Rute” e “Betsebá”, Brown trata de prostituição como uma atividade que garantia sobrevivência às mulheres. Como o patriarcado por vezes relegava à mulher posições menos privilegiadas na sociedade daquela época (e atual também), a prostituição era (ou é) utilizada como uma alternativa que por vezes garantia a sobrevivência delas, seja por ganharem dinheiro com isso, seja por utilizarem como forma de driblar o sistema das casamentos ruins/fracassadas.

Em “Mateus” o tema também é prostituição. A história contada por Brown sugere que Maria era prostituta e que Mateus buscava colocar essa informação no evangelho que estava escrevendo, mas, sabendo que seria censurado nas traduções posteriores, buscava uma alternativa para passar a informação adiante. A solução foi elencar a genealogia feminina de Jesus, ou seja, ao invés de informar sobre o pai e os pais de Jesus, o que seria o correto para a época, Mateus escolheu começar o evangelho pela ascendência das mães dele, assim, segundo Brown, ele poderia dar a informação que Maria era prostituta ao elencar outras meretrizes historicamente famosas.

Em termos gráficos, os desenhos são tecnicamente simples. Quatro quadrinhos por páginas com variações de preto e valorização dos espaços em branco. Poucos closes e em nenhum momento a boca dos personagens está aberta nos diálogos. O posfácio de Brown responde todas as dúvidas sobre as escolhas narrativas feitas e as referências utilizadas pelo autor. Vale a leitura.

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Texto de autoria de José Fontenele.

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Resenha | Antologia Acid Jazz

6 de novembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

quadrinhos independentes

Formando o coletivo Baboon Comix, os paulistas da zona sul Beeau Goméz e Rodrigo Qomen, respectivamente desenhista e roteirista do grupo, lançaram em 2015 na FIQ, o Festival Internacional de Quadrinhos, uma antologia contendo três pequenas histórias. Um cartão de visitas para o público.

A Antologia Acid Jazz se desenvolve com alta expressividade, tendo, inicialmente, a temática do jazz atravessando as três narrativas que a compõe. Desde o título, a referência é inevitável, remetendo a uma ramificação do jazz surgida na Inglaterra durante os anos 1980, onde novos artistas deram uma nova roupagem mais urbana e moderna condizente com os dias atuais, misturando jazz com hip hop, funk, soul, reggae, R&B para a criação de uma nova musicalidade. Além de uma mesma trilha sonora em comum, os personagens são quase marginais, vivendo com angústia o movimento artístico enquanto refletem sobre a própria trajetória.

Entre bebidas e cigarros, as tramas adquirem um tom urbano. Ainda que utilizar o conceito de trama para definir as histórias seja impreciso. A obra é carregada de impressões, principalmente devido aos desenhos de Goméz, carregado de cores e distorções. O texto de Qohen tem forte influência poética, resultando em histórias curtas em que a metáfora é constante em cada frase, pautando-se na economia para que o leitor a interprete a sua maneira.

Costurados pela memórias de três músicos, os enfoques narrativos acontecem em momentos de tormento e delírio. A reflexão e a poesia das frases se contrapõe a brevidade de cada história. Fazendo da antologia uma obra mais interpretativa.

A concepção da obra, de acordo com entrevista dos próprios autores, foi realizada em menos de um mês, desde a composição do roteiro até a impressão. Porém, o curto período de tempo entre criação e lançamento não resultaram em uma obra de baixa qualidade. A edição é simples, mas eficiente para destacar a obra da dupla que, no ano passado, lançou uma história de maior fôlego chamada O Parricídio.

Inserindo um forte potencial interpretativo a cargo do leitor, Antologia Acid Jazz reúne três grandes histórias, pautadas pela poesia e pela expressividade dos traços, em uma ode clara a música e aos artistas marginais que, entre um trago e um gole, vomitam pedaços do coração em um papel.

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Resenha | O Soldador Subaquático

18 de outubro de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Jeff Lemire, Mino

No longínquo ano de 1999, quando comecei minha graduação em História, me deparei com um conceito que usaria durante muito tempo: indústria cultural. Nele, entre outras coisas, é discutida a obra de arte em uma época de fácil reprodução técnica e de modelo de produção em larga escala. Em outras palavras, a crítica é que se perdia o sentido da arte em prol de um sentido de mercado, mais padronizado e artificial. O Soldador Subaquático, de Jeff Lemire, ainda que se trate de uma produção visando o mercado, tem pouco ou quase nada de um padrão imposto ou encaixotada dentro de modelos mercadológicos claros, como podemos ver em gibis de heróis. Trata-se aqui de uma história calcada em relações sociais cotidianas e a forma como as pessoas lidam com as pressões e sentimentos que pertencem a todos.

A história deveria ser apresentada para todos aqueles que ainda insistem em dizer que gibi é coisa apenas para criança, com um enredo de proposta aparentemente simples, mas com uma profundidade temática absurda e capaz de explorar muitos e variados sentimentos muito comuns para quase todos nós. O enredo é bem claro: Jack, um soldador subaquático, prestes a ter um filho tem que enfrentar a insegurança e temores de se tornar pai ao mesmo tempo que revive e tem de resolver os problemas deixados da sua própria relação com o seu pai. A partir daí, o autor dá uma verdadeira aula de como abordar esses temas de forma bastante criativa e fugindo das maneiras convencionais de elaborar uma história em quadrinhos.

Toda a história gira em torno da forma como Jack, o protagonista se relaciona com a figura do pai, que representa uma memória de ausência e de um certo vazio, com a de seu vindouro filho, que faz com que ele se coloque no papel de pai e nas responsabilidades que isso implica.

Em uma narrativa que faz uso de flashbacks e até mesmo da criação de uma breve distopia em forma de delírio, Lemire nos conta a relação do protagonista com o pai e como adoração por parte do filho e a ausência em momentos cruciais pelo pai geraram uma estranha noção de amor mas com algo que faltava, uma incompletude. E, esse sentimento, que estava adormecido, surge no momento em Jack se tornará pai e ele terá que resolver o seu passado para compreender melhor o presente. Presente e passado se intercalam em vários momentos da trama, demonstrando a importância destas noções para qualquer tipo de relação.

A arte de Lemire, ainda que não agrade a todos, combina perfeitamente com as ideias e propostas apresentadas durante a trama, fazendo com que se tenha uma união muito interessante e viva, seja no tempo presente, como também durante o passado do personagem.

Outro importante fator a ser destacado é que Lemire produziu esse trabalho justamente quando estava para ser pai, ou seja, se trata um pouco das próprias angústias e anseios do autor, que nos são apresentados de forma bem transparentes. Enfim, ler O Soldador Subaquático é adentrar um pouco na mente do autor é conhecer um pouco mais sobre a pessoa e não apenas da obra.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

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Resenha | Pato Donald por Carl Barks: A Cidade Fantasma

12 de outubro de 2017 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

carl barks, Editora Abril Jovem, Pato Donald, Quadrinhos Disney

O quarto volume da série que pretende republicar toda a obra do Homem dos Patos é ao mesmo tempo o maior e o mais fraco que a Editora Abril publicou até agora. Com 252 páginas, Pato Donald por Carl Barks: A Cidade Fantasma corresponde cronologicamente ao volume 15 da coleção, e passa longe da fase de ouro do autor. Embora Barks se mostre muito mais à vontade tanto ao escrever quanto ao desenhar os personagens, algumas soluções de roteiro se mostram muito simplistas e em alguns momentos até mesmo preguiçosas. O traço dos patos está mais simples que nas edições anteriores, e Donald parece mais jovem e menos pesado, com seu bico menos alongado, pescoço mais curto e cabeça mais arredondada.

As histórias dessa edição são de dezembro de 1953 a junho de 1955, e são mais curtas, sem os grandes épicos das edições anteriores. O foco está mais voltado para o dia a dia do Pato Donald, seus relacionamentos com a família e os vários ofícios que exerce para sobreviver. Embora não apresente histórias épicas, podemos destacar vários clássicos nesse volume, como Puxa-Puxa, que caramelo!, O faz-tudo, e Quem tutu quer, tutu perde. Essa última tem algumas curiosidades, como a aparição de um gato muito parecido com Lúcifer, de Cinderela, ou uma versão meio abobalhada do Professor Pardal bem diferente do que estamos acostumados hoje em dia. Em O preço da glória, Donald cisma que tem o dom cantar e quer participar de um programa de televisão, deixando os sobrinhos enlouquecidos com seus ensaios. Na tradução, todas as músicas cantadas por Donald são da banda Pato Fu, o que soa um tanto quanto anacrônico se lembrarmos da data e país de origem dessa história – talvez o tradutor Marcelo Alencar tenha as inserido para brincar com o nome da banda.

A história que dá nome ao volume é a primeira a ser apresentada, e é uma ótima peça de comédia que homenageia os filmes de bangue-bangue muito populares à época. Porém, diferente de O Xerife do Vale Balaço, publicada anteriormente na coleção, a história é mais comedida no que se pesa à aventura. Mesmo assim, mostra um Pato Donald decidido a até mesmo pegar em armas para defender sua família de um suposto fantasma! Além de várias outras histórias de dez páginas, vemos duas que foi republicada há pouco tempo, com colorização diferente, no especial Contos de Natal por Carl Barks, mas que valem a pena serem relidas (Um camelo de graça… é caro e Presentes para todos). Jogo de tênis, gag de uma página só, é um caso curioso: é uma das duas únicas histórias roteirizadas por Barks e desenhada por outro artista (no caso, Tony Strobl). Outro caso curioso é a história Pato Donald fala sobre pipas, que não tem roteiro de Barks e foi distribuída gratuitamente por companhias elétricas para alertar as crianças sobre os perigos de soltar pipas perto de fios e torres de energia.

Embora não tenha grandes épicos e apresente uma qualidade inferior de roteiro e arte, esse volume ainda assim é bastante divertido e, por conter histórias menores, mais variado que os demais. Vemos um Pato Donald mais humano, um verdadeiro homem comum, que se esforça para atingir seus objetivos mesmo que, muitas vezes, não consiga. Temos, rivalidades, humor e uma boa dose de inconsequência, além de textos explicativos e excelente qualidade gráfica, que podem agradar tanto o leitor casual quanto o mais exigente colecionador.

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Resenha | Couro de Gato

10 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Carlos Patati, Editora Veneta, João Sánchez, Samba

Lançado pela Veneta, Couro de Gato – Uma História de Samba, da dupla Carlos Patati e João Sánchez, remonta a origem do samba, a partir das famosas rodas realizadas em morros e no centro velho do Rio de Janeiro. Três histórias atravessam o tema, apresentando momentos distintos da evolução do samba como movimento cultural. Como personagem principal, um bamba fictício, Camunguelo, nome inspirado por um famoso flautista da época. É sob o olhar deste personagem que o leitor acompanha a evolução do samba.

A primeira história que nomeia a obra, Couro de Gato, concentra-se no início do século XX. O samba era uma manifestação de pequenos grupos, reunidos em torno de matriarcas que abriam sua casa para reuniões e manifestações culturais. Distante de qualquer conceito de autoria, o samba representava uma manifestação oriunda do povo africano trazido a força ao país. Nessa época, qualquer manifestação era intitulada de batuque. Somente posteriormente que cada expressão cultural foi ganhando contornos próprios, até chegarmos no samba como um estilo musical.

A reunião dos grupos negros do Rio de Janeiro marcavam um primeiro momento após o fim da escravidão em que muitos vieram até a capital do estado a procura de emprego, e outros que lutaram em campanhas do país, aguardando as prometidas terras que nunca vieram. De maneira sutil, a obra aponta que parte do desamparo foi fundamental para formar um grupo que começava a ficar a margem da própria sociedade.

A segunda história, O Último Samba do Castelo, é a narrativa mais robusta. Centraliza a figura de Camunguelo por sua experiência, contando momentos importantes do Morro do Castelo que, no dia seguinte, seria destruído como uma medida de recuperação do centro da cidade. Outro momento histórico que demonstra a falta de cuidado do governo com parte da sua população.

A história também é espaço para rememorar o início do samba e as diferenças do movimento após vinte anos. A cultura do samba havia se estabelecido e se ampliado em outros locais. Ao mesmo tempo, a trama também desenvolve um pouco mais a trajetória de Camunguelo que narra o passado a uma cabrocha que deseja conquistar. Evidenciando a postura do sambista da época como um conquistador charmoso, um malandro encantador que utilizava a mística poética também na conquista.

A terceira parte se situa na década de 30, quando a música desce do morro, conhecendo o asfalto, bem como compositores da cidade sobem o morro para fazer samba. Uma nova era em que a autoria havia sido estabelecida e o marco de sucesso era a capacidade de vender um samba para tocá-lo na rádio. Camunguelo divide a cena com icônicos sambista da época: Cartola e Noel Rosa. Todos compartilhando um estilo de vida misto em que a malandragem e o cotidiano se transformavam em matéria de samba. Uma crônica cotidiana narrando amores, desavenças e a poesia que fundamentada os versos cadenciados.

A escolha de João Sanchez para compor os traços busca uma interessante originalidade. A primeira parte da obra foi composta em xilogravura, a composição de traços realizados a partir da maneira, famoso nos desenhos da literatura de cordel. As duas partes seguintes foi inspirada pelo mesmo processo, um conceito que Patati chamou de xiloderivado, mantendo as características da xilogravura a procura de um formato original, mantendo a tradição do estilo mas agregando-a a uma forma mais moderna de registrar os desenhos. Tal processo amplia a sensação de imersão na obra, retratando historicamente o samba e visualmente um estilo artístico também importante na nossa cultura.

Promovendo um resgate do nosso samba, Couro de Gato é uma HQ que aguça o leitor para conhecer parte de nossa história musical e partir para outras leituras informativas. A obra conta com uma bibliografia no final para direcionar os leitores a procura de maiores informações sobre uma dos estilos musicais mais ricos da nossa cultura.

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Resenha | Uma Vida Chinesa – I. O Tempo do Pai

6 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Comunismo, Li Kunwu, Mao-Tse Tung, Philippe Ôtié, revolução chinesa, Wmf Martins Fontes

Parte da composição artística é feita com base na experiência pessoal. Ações modificadoras que utilizam uma narrativa como registro eterno. Em maior ou menor grau, há sempre um relato que atravessa as páginas ficcionais. Nenhum autor está alheio ao seu tempo ou livre de inserir partículas de si em sua obra. Bem como há uma vertente que explicitamente transforma o objeto artístico em uma forma de reconstruir o passado, procurando ressignificá-lo através da arte.

Lançado pela WMF Martins Fontes, Minha Vida Chinesa é uma história em três partes escritas por Li Kunwu e Philippe Ôtié, retratando o período em que Kunwu viveu na China. Cada uma das partes da HQ abarca um período do país, tendo como ponto de partida inicial a liderança de Mao-Tse Tung, uma das primeiras grandes transformações da China nos últimos séculos.

O primeiro volume, lançado originalmente em 2009 e no Brasil em 2015, intitula-se O tempo do Pai. Partindo desde a fundação da família para narrar os primeiros anos de vida do autor como um observador da revolução comunista na china. Uma análise influênciada pelo pai da personagem, um dos secretários a serviço do Partido Comunista Chinês. Diante desse cenário, é com certo amargor que Kunwu narra os feitos da época.

A partir da revolução, a China sempre foi vista de maneira dúbia. As análises sobre Mao no poder apresentam, muitas vezes, fatos tendenciosos. E, ainda hoje, parte do material de grandes estudiosos sobre o tema ainda não chegaram em nossa língua. Para se compreender a fundo as modificações da China no período, são necessários explorar textos em outras línguas, a procura de autores diversos e vozes distintas capazes de pontuar o que foi bom e ruim nesse período. De qualquer maneira, o narrador demonstra incômodo sobre o que viveu, como se houvesse uma diferença clara da China de Mao vista de fora, daquela vivida cotidianamente.

A contextualização da história é pautada sob o ponto de vista do autor. A evolução do comunismo chinês é vista como uma ação paradoxal em que havia muita utopia em contraposição a uma miséria crescente. Desde o início da narrativa, permeando a evolução a partir de 1955, há paradoxos explícitos entre uma ênfase publicitária, da potência do comunismo como regime para melhorar a nação, enquanto a vida do personagem e sua família demonstra um cenário mais delicado em que o campo e a cidade se imaginavam mais equilibrados do que estariam de fato, todos vivendo em um ambiente desigual.

A ideologia maoísta é inferida como uma doutrinação inserida em diversos aspectos da sociedade. Havia preceitos puros, evidenciando a transformação da população como ativa na força de trabalho, sempre recordando-os que todos possuem igualdade, preservando uma auto-consciência sempre retomada pelos simpatizantes ao movimento. Porém, conforme o sistema agrega nova parte da população para defender seus ideais, a utopia do socialismo é aquebrantada por pequenos interesses próprios.

Evidente que o leitor mais atento irá pressupor que tal fato não aconteceu na China como um todo. Porém, pela visão de Kunwu, o benefício próprio da população era claro e tal fator foi utilizado para subjugar aqueles que não eram considerados bem inseridos na sociedade. O que o Partido Comunista Chinês fez, de fato, foi manter uma ideologia ativa dentro do país para que o projeto comunista nunca fosse destruído. Figuras que lutaram na guerra contra o Japão se tornavam símbolos heroicos e havia ações para que cada adolescente e criança nunca esquecesse de tais fatos. O poder estava também destinado ao povo, convidado a participar ativamente, tanto em pequenas modificações de cada local quanto a se tornar parte do grupo militar, tornando-se um soldado do partido.

A crítica diante do comunismo se torna mais forte quando a China desenvolve o projeto da grande revolução cultural proletária. Foi neste período que o famoso livro vermelho de Mao foi lançado. Contendo canções, temas e bases que definiam quais procedimentos a população devia adotar. Em geral, qualquer cultura considerada burguesa deveria ser substituída pela cultura proletária, para que a população tivesse identificação imediata. Os totens da velha China são substituídos por Mao e a revolução vermelha.

A revolução cultural ainda é considerada um ponto difícil na trajetória de Mao na China. A imposição destruidora da velha China, destruindo qualquer conceito burguês, causou rupturas profundas entre a população. Na HQ fica evidente que havia um processo extremo de culpabilidade a qualquer chines que parecesse não seguir os preceitos comunista. Os autores expressam incômodo com tais fatos, principalmente porque a própria família de Kunwu foi vítima de denúncias e difamações. Mesmo um funcionário exemplar como seu pai, tornou-se alvo de investigações, produzidas a partir de denuncias da própria população.

Uma Vida Chinesa não intenta ser uma aula de história. Mas apresentar, sempre que possível, o testemunho de um personagem que viveu dentro da China durante tais transformações. As cenas contextualizadas são explicadas na própria narrativa, sendo possível compreender os fatos sem a necessidade de outros textos, ainda que para o enriquecimento da compreensão da época, seja favorável procurar outras fontes. Afinal, trata-se de um relato pessoal, uma visão única sobre um grande grupo heterogêneo e um grande momento do país.

Os traços de Kunwun realizados em nanquim são peculiares. A estética da obra segue o estilo tradicional das graphic novels, composta nas cores preto e branco. Porém, os traços possuem pequenas modificações de uma retratação tradicional, como se tudo fosse reinterpretado pelo autor para produzir ainda mais enfase. As expressões são bem delineadas e, muitas vezes, distorcidas, gerando personagens com forte expressão física.

Ao decidir produzir um relato confessional e pessoal de uma vivência, a obra evita a normatização histórica, sem medo de inserir um ponto de vista diante dos fatos observados. Um material rico que funciona como um bom exemplo de uma história diante da História e um ponto de partida para aqueles que desejam estudar o tema, em um formato sempre convidativo como os das HQs.

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Resenha | Anne Frank: A Biografia Ilustrada

4 de outubro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Anne Frank, antissemitismo, Companhia das Letras, Nazismo, quadrinhos na cia, Segunda Guerra, segunda guerra mundial

Registro fundamental da história, O Diário de Anne Frank se consagrou como um importante relato de uma testemunha vivendo sob a opressão da Segunda Guerra Mundial. Uma narrativa autoral com qualidade suficiente para se tornar também uma obra literária, tornando-se um relato de resistência e inspiração.

Anne Frank nasceu como uma alemã livre. Quinze anos depois, quando morreu de tifo em um campo de concentração, sua vida havia se transformado por completo. A garota e sua família foram testemunhas da violência do Terceiro Reich contra qualquer um que era considerado impuro. Amadureceu e viveu parte da adolescência no anexo secreto em que a família e agregados permaneceram por dois anos fugindo do jugo alemão. Até serem traídos por um desconhecido. Durante o tempo em que permaneceu escondida, manteve um diário.

A transformação de seu diário pessoal, escrito como forma de suportar o peso de dias terríveis, tornou-se um exemplo das diversas violências que o povo judeu, bem como outras minorias, passaram durante a guerra. Desde seu lançamento, o livro foi editado em versões diversas e até mesmo a autoria da obra foi questionada. O diário veio a tona a partir da leitura do pai de Anne, Otto Frank, único sobrevivente da família. Edições posteriores lançadas sem nenhuma edição, demonstraram que Anne era, de fato, uma garota precoce que amadureceu emocionalmente e literariamente no período de guerra.

A força de sua história permanece em Anne Frank: A Biografia Ilustrada, lançado pela Quadrinhos da Cia, e realizada pela dupla Sid Jacobson e Ernie Colón. A obra é a quarta parceria da equipe que anteriormente trabalhou em duas edições dedicadas ao 11 de Setembro e em uma biografia de Che Guevara. Ou seja, autores que possuem um entrosamento adequado e, além disso, trabalharam anteriormente com materiais reais e histórias significativas. Dessa forma, a dupla é capaz de ir além da mera transposição de um livro para um novo formato.

Jacobson pontua a história de Anne Frank expandido o enfoque de seu diário. Retoma a união que fundamentou a família, demonstrando como os Frank e os Hollãnder viviam antes do enlace matrimonial, bem como explica os fatos que levaram aos fatídicos acontecimentos da Guerra. A voz para narrar tais fatos é didática, mas bem inserida para criar o necessário contexto da época. Apresentando pequenos trechos do próprio diário ou outras fontes originais como cartas escritas por Otto Frank, a obra ganha maiores contornos explorando tanto o drama da família como da guerra em geral, situando os motivos fundamentais que levaram os alemães a assumir uma política agressiva de extermínio do povo judeu.

A figura de Anne Frank é ressaltada com vigor, dando credibilidade necessária para que o leitor compreenda que a garota era um personagem diferente dentro da sociedade como um todo. Alguém que, desde a infância, foi tida como especial e diferente de outras figuras do seio familiar. Dessa forma, é coerente compreender como a garota foi capaz de usar a literatura como um meio de identificação pessoal e de alívio para seus dias massacrantes. Vivendo sob o jugo da guerra, sua maturidade foi precoce e urgente.

A biografia, porém, tem espaço suficiente para demonstrar como cada Frank reagiu diante do mesmo problema. Dentro de uma situação sufocante, qualquer conflito natural de uma família se torna ainda mais difícil, beirando explosões que não acontecem devido ao confinamento obrigatório no anexo secreto. A história dos Frank aponta também como, em tempos obscuros, o apoio e ajuda são fundamentais para evitar maiores agressões. Além do diário ter sido guardado por uma das colaboradores de Otto, a rotina para que a família vivesse minimamente confortável dentro um espaço apertado foi apoiada pelos amigos íntimos que colocaram a própria vida em risco diante da barbárie.

Conforme chega ao seu desfecho, quando os Frank são capturados, a biografia se torna mais vaga. Considerando que a fonte original seja o diário de Anne, é evidente que os relatos da família dentro dos campos de concentração sejam diminutos. O que Otto fez foi reunir posteriormente o relato de outros prisioneiros que estiveram ao lado de Anne. Um processo misto entre o pessoal e literário que desejava, ao menos, dar um fim digno a trajetória da família.

A trajetória de Anne continua ainda hoje sendo uma das fortes figuras de resistência da Segunda Guerra Mundial. Seu papel como criança alemã judia com uma morte precoce, vivendo em um mundo massacrado pela guerra se mantém como um símbolo que representa um povo. O injustificado genocídio que oprimiu e dizimou um número gigantesco de judeus e outras minorias. Um fato histórico que nunca pode ser esquecido para que nunca mais se repita.

Anne Frank: A Biografia Ilustrada foi realizada com aval da Casa de Anne Frank, instituição responsável por preservar a imagem da família e sua história. Formatada em uma outra mídia, a obra mantém a intensidade do relato original e apresenta a um novo público a relevância de uma interessante testemunha ocular de um momento sombrio da história. A edição lançada no país ainda conta com uma cronologia da família Frank, bem como apresenta sugestões de leitura para se aprofundar no tema.

Compre: Anne Frank: A Biografia Ilustrada.

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Resenha | A Gigantesca Barba do Mal (1)

21 de setembro de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Editora Nemo

Não sou um leitor assíduo de livros, mas busco sempre ler alguma coisa, principalmente autores considerados como clássicos e de destaque. Um desses autores é justamente José Saramago, que é sensacional, leitura mais que recomendada. De sua obra, um dos livros que mais me impressiona é justamente Ensaio Sobre a Lucidez, que mostra que por traz do excesso de regras e de nossa burocracia o caos espreita, basta uma pequena falha para o sistema caia em um imenso efeito dominó.

Em A Gigantesca Barba do Mal, de Stephen Collins, a temática é justamente como a lógica e o extremamente sistemático encobrem um mundo de caos que está prestes e pronto a emergir de forma gritante e absurda. A temática é sobre Dave, uma pessoa normal em meio a uma sociedade totalmente organizada e padronizada, tudo funciona como deveria funcionar. Até o momento em que a barba de Dave começa a crescer de forma monstruosa e incontrolável, trazendo a desorganização e o caos para o antes mundo perfeito. Parece simples, mas a forma como o autor trata o tema e os seus desdobramentos é impressionante.

Em primeiro lugar se destaca o extremismo da organização da sociedade, tudo obedece a uma lógica quase que geométrica, a arte do gibi deixa isso bem claro. Imagine como se tudo tivesse um lugar, a sua máxima capacidade de extensão e o seu objetivo. Assim, era o “Aqui”. Exatamente, para deixar bem claro a dicotomia entre o organizado e o caos a sociedade fictícia em questão era uma ilha chamada de “Aqui”, símbolo de organização, e o além mar era o “Lá”, símbolo de caos e o que deveria ser evitado. Para tanto que as casas a beira mar eram viradas para o continente e não existia portas ou janelas que proporcionassem vista para o mar. Curiosamente quanto mais próximo do mar menor o seu valor de mercado. Em outras palavras, o mar e a desordem deveriam ser totalmente evitados.

Toda essa situação muda a partir do momento em que a barba de Dave começa a crescer de forma rápida e totalmente desproporcional, e para além disso se tratava de uma barba que não poderia ser aparada ou o seu crescimento parado. Essa situação faz com o que o caos passe a surgir naquela sociedade aparentemente perfeita. O primeiro a sentir isso é o próprio protagonista que perde o emprego e passa a não ser aceito em alguns estabelecimentos comerciais. A situação, e o tamanho da barba, chegam a se tornar problema de segurança nacional em que o governo passa a se preocupar e tem de resolver o problema.

Porém, o mais interessante são os pontos que o autor trata a partir da barba. O primeiro deles é a não aceitação do diferente, que passa a ser discriminado na sociedade por ostentar essa barba. Em que se pode perceber claramente a alusão a vários movimentos de contestação a tudo aquilo que considerarem diferente ou errado. Chega ao ponto de cartazes de grupos políticos e religiosos antibarba.

Mas também a visão do caos como algo bom. A partir do momento da existência da barba muitas pessoas passam a se questionar do ponto de vista estético e resolvem mudar a sua aparência. Tudo bem que não foi bem uma opção, mas elas mudam o visual e passam a gostar dessas mudanças.

Também se deve notar a posterior incorporação da barba como um aspecto mercadológico, com o museu da barba com camisetas e souvenir para os consumidores. Além de livros, documentários e filmes sobre o mesmo. É a clara percepção de que uma coisa que era mal vista, passa a ser aceita e até mesmo fruto de incorporação comercial.

Isso tudo com a barba como símbolo da transgressão, que mostra bem um aspecto da nossa própria sociedade. A barba que era vista como coisa de gente contestadora, hoje em dia é moda e existe até barboterapia, ou seja, foi assimilada pelo mercado.

Como uma aspecto importante da história a obsessão do protagonista pela música eternal flame, da banda The Bangles cuja letra casa muito bem com a HQ e o clipe é gravado a beira mar, uma clara alusão ao mar de “Aqui” e “Lá”.

Enfim, obra mais que recomendada, que deve ser lida mais de uma vez, e que faz com que pensemos em muitos temas e na nossa própria sociedade.

Compre: A Gigantesca Barba do Mal.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

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Resenha | Astronauta: Magnetar (1)

13 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

cris peter, Danilo Beyruth, graphic msp, mauricio de sousa, Panini

Quando, após vinte anos na Editora Globo, o Estúdio Maurício de Sousa migrou para a Panini Comics em 2007, a parceria com a nova editora ampliou o resgate da Turma da Mônica em reedições do início de cada personagem, bem como a publicação de edições especiais e de encadernados com as tiras de jornal. Dois anos após a estreia na casa nova, as celebrações para a carreira cinquentenária de Maurício de Sousa foi o ponto de partida para três edições comemorativas (MSP 50, MSP +50 e MSP Novos 50) reunindo diversos artistas brasileiros compondo histórias em homenagem a Turma da Mônica.

O selo Graphic MSP surgiu a partir da boa recepção dessas três coletâneas e possibilitou uma abordagem inédita na obra de Maurício de Sousa: a reinterpretação de seus personagens por outros autores em uma história fechada. Escolhido como o primeiro projeto desta nova linha editorial, o personagem Astronauta foi revisto por Danilo Beyruth e Cris Peter.

Lançado em setembro de 2012, Astronauta – Magnetar causou um forte impacto desde o início. Um novo formato apresentando as clássicas personagens conhecidas pelo público, dessa vez, em uma vertente diferente, mais adulta pelo que sugeririam as divulgações da época. No prefácio que abre a edição, Sousa afirma que criou o Astronauta como forma de competir com outros personagens da época voltados para a ficção científica. Claro que o fez em seu estilo, um garoto carismático que fazia parte de uma organização brasileira dedicada aos astronautas, a BRASA. O conceito infantil, tônica de sua obra desde a criação é deixado de lado nessa história que se aprofunda em bases da ficção científica para gerar contraponto entre o Astronauta, um homem solitário em missões perigosas contra a vastidão do universo, imenso e silencioso.

Na trama, o personagem realiza uma missão para estudar um magnetar, uma estrela de nêutrons com um forte campo magnético, quando comete um erro que pode lhe custar a vida. Como muitas obras de ficção científica, é o cerne humano que está em discussão, contrapondo a solidão de um náufrago sendo obrigado a lidar com as adversidades do espaço e a angústia interna, lutando pela sobrevivência.

A simplicidade do roteiro de Beyruth é o destaque da trama, focada com precisão no drama, sem excessos, mas suficiente forte para demonstrar como o projeto das graphic novels produzia uma nova linha narrativa da obra de Maurício. Seu astronauta é um adulto quase amargo, resgatando do passado bonitas lições nostálgicas, como as conversas com o avô, e memórias duras como o amor perdido.

As composições dos quadros em cada página apresentam a dimensão do espaço contrastando-a com a solidão da personagem e, brevemente, retomando a sua infância, conectando-o com as origens fundamentadas por Maurício na versão clássica. Em um roteiro tradicional que cumpre seu objeto de trazer uma nova ótica após 50 anos de uma mesma versão do personagem. Ainda que pareça cedo afirmar, o selo MSP Graphic Novel é um dos marcos contemporâneos dos quadrinhos brasileiros, sem dúvida.

Compre: Astronauta – Magnetar

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Resenha | Homem-Aranha: Funeral para Octopus

5 de setembro de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Abril Jovem, Homem-Aranha, Marvel Comics

Em paralelo as edições mensais dos quadrinhos da Marvel, os especiais sempre foram uma estratégia do estúdio para lançar um material extra, aproveitando-se de ocasiões especiais ou de personagens com alto índice de venda. Não se trata de um conceito recente, ainda que, em décadas anteriores, muito material lançado no exterior como especial foi inserido em mensais pela Abril Jovem em seu formatinho.

Havia, no entanto, ocasiões especiais que as histórias eram vendidas da mesma maneira que seu original, como Homem-Aranha: Funeral Para Octopus lançado em um longínquo 1997, em Grandes Heróis Marvel, 1ª série, nº 56, pela Abril. Reler atualmente um formatinho é, inevitavelmente, uma leitura nostálgica, principalmente se o leitor se iniciou nos quadrinhos por estas edições de preço acessível para a época. Mesmo que se tente evitar qualquer elemento nostálgico, era um momento interessante nos quadrinhos do Brasil em que um colecionador podia comprar tudo o que quisesse do eixo Marvel/DC Comics sem gastar muito. Os tempos eram outros, evidentemente. Mas muitos se lembram desta época com carinho.

Dito isso, a história em questão se passava durante a difamada Saga do Clone. Reclamada por muitos leitores mas que produziu, durante a participação de Ben Reilly nas histórias, uma interessante dinâmica entre dois Aranhas. Histórias que não são épicas mas divertiam pela composição aventureira e, normalmente, bem humorada. De fato, se fosse preciso definir essa história em poucas palavras, diversão seria a palavra fundamental.

Embora a década de 90 tenha produzido muitas histórias estranhas em diversas revistas, em linhas gerais, as edições de Homem-Aranha conseguiram manter a tônica de histórias leves e mais aventureiras do que outras versões posteriores que aprofundaram os dilemas vividos por Peter Parker. Na trama, Otto Octavius foi assassinado e Peter Parker decide descobrir quem foi seu assassino. Há um senso de justiça e gratidão no heroi, pois, o velho Oquinho foi responsável por salvá-lo em um momento anterior. Demonstrando como Octavius sempre foi um personagem dúbio, um vilão intelingente e carismático.

Dessa forma, enquanto Peter se encarrega em descobrir os fatos por trás da morte de Otto, Ben Reilly tenta destruir a nova reunião do Sexteto Sinistro. Trata-se de uma história simples, divida em dois polos narrativos, recurso comum na época em que havia os dois Aranhas. Difícil analisar se o fator nostalgia não carrega um pouco as tintas da aventura ou se a linearidade da história produz uma trama simples mas divertida. Há o básico do herói em cena, as boas cenas de luta, piadas non sense inseridas durante a ação e isso é suficiente para uma boa aventura. Interessante notar que há uma cena em que Peter utiliza um dos aparatos de Octopus para derrotar os vilões. Na época, seria inimaginável que Dan Jurgens utilizaria o arqui-inimigo do Aranha como personagem central de uma história, ao trocar seus corpos em uma estranha história chamada Último Desejo, uma transição do Homem-Aranha tradicional para o Homem-Aranha Superior, interessante fase de Dan Slott a frente do título do teioso.

Homem Aranha: Funeral para Octopus é uma história fechada, portanto, fácil de ser lida fora da cronologia. Lida com distanciamento temporal de sua época, é evidente as diferenças de estilo narrativo. Porém, a essência de Peter Parker está presente e resulta em uma boa e breve leitura. Agrada e mata a saudade nostálgica das pequenas edições brasileiras da adolescência de muitos leitores (este incluso).

Resenha | Sandman: Noites Sem Fim (1)

16 de agosto de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

frank quitely, glenn fabry, milo manara, Neil Gaiman, Panini, sandman

Mais uma do Sonhar

Apesar de uma das maiores histórias dos quadrinhos (tanto em extensão quanto em qualidade), ter sido encerrada em 1996, Sandman ainda continua com um universo gigantesco (literalmente) a ser explorado. Noites Sem Fim (Panini Comics), é outra incursão de Neil Gaiman no cenário que o fez famoso mundialmente. O que torna este trabalho mais ambicioso e especial em relação aos outros é o time escolhido a dedo de profissionais gráficos que ilustram as histórias: Glenn Fabry, Milo Manara, Miguelanxo Prado, Frank Quitely, P. Craig Russell, Bill Sienkiewcz e Barron Storey.

Cada história de “Noites sem fim” explora um conto dos Perpétuos (a saber, Morte, Desejo, Sonho, Desespero, Delírio, Destruição e Destino). Os Perpétuos, segundo o universo criado por Gaiman, seriam as essências mais primitivas que posteriormente originariam os deuses de todas as mitologias. Então, é claro, milhões de contos poderiam ser escritos sobre eles.

Mesmo com tamanha vastidão a ser explorada, há certa uniformidade que acompanha os quadrinhos. É muito mais que apenas uma coerência interna ou quase o mesmo número de páginas para cada conto, trata-se de uma harmonia quase subliminar que mantêm as histórias em uma mesma intensidade exploratória. Os traços acompanhando as subjetividades do universo de cada Perpétuo (nem preciso falar que o Manara ficou no Desejo) é outro fator que torna os contos vívidos por si só. Eles compartilham uma singularidade particular fruto do excelente trabalho de cada um dos envolvidos.

Três histórias merecem especial destaque: Desejo, ilustrado pelo Milo Manara, Desespero, ilustrado por Barron Storey e Delírio, ilustrado por Bill Sienkiewcz. Pessoalmente foram as que mais gostei. Desejo cai como uma luva ao estilo provocador de Manara; até a protagonista, uma aldeã que é desejada pelo filho do líder da tribo, mas que não cede aos caprichos dele porque é ambiciosa, parece ter sido decidida em comum acordo entre ilustrador e escritor.

Desespero é um mergulho no caos particular e gore que enreda algumas pessoas. A história, chamada “Quinze retratos de Desespero”, conta com depravações, desejos ocultos, infortúnios malévolos e todo o tipo de coisa que faria o Marquês de Sade sorrir de orelha a orelha. Cada página desse conto é uma obra de arte. Não há uma estrutura fixa de quadro; as marcações de leitura são irregulares; há diversas intervenções em cada imagem como se um grupo de psicóticos tomasse conta da finalização dos grafismos. Uma mixórdia de desesperança, abominações e irregularidades (principalmente corporais), toma conta do texto e dos quadrinhos. Pode funcionar como teste de Rorschach se você quiser.

Delírio é outra obra de arte. Enredo não-linear, grafismos invadindo outros grafismos, panorâmicas multicoloridas com predominância do avermelhado típico da insanidade, figuras humanas disformes e por vezes apenas em preto e branco (sempre em contraste com a pluralidade de cores da página), Freud, misticismo, teses tresloucadas, e uma história de amigos tentando resgatar a “menina” Delírio de um machucado (pesadelo?) íntimo. Não procure respostas nesta história, assim como em Desespero, neste conto é o Perpétuo que dita a inexatidão do enredo.

Não vou dar o currículo dos ilustradores por conta da extensão de cada um deles e porque o livro conta com dois apêndices bem explicativos sobre todos os envolvidos. Um adendo importante: você não precisa ter lido Sandman para apreciar esse livro. E apenas o conto do Sonho expande o universo comum aos Perpétuos, mas nada demais. Um livro excelente tanto em texto, quando diagramação, quanto grafismo, um deleite sem fim aos olhos e à imaginação.

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Texto de autoria de José Fontenele.

Compre: Noites Sem Fim.

Resenha | Skreemer

14 de agosto de 2017 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

máfia, Peter Milligan, Steve Dillon, Vertigo

Veto Skreemer é um personagem forte, impetuoso e cruel. Sua criação, por Peter Milligan e Brett Ewins aconteceu após a dupla assistir Era Uma Vez na América, que é uma versão sobre a história dos Estados Unidos vista por um estrangeiro que dedicou sua vida a descrever parte da cultura americana, em Westerns Spaghetti. É curioso como Skreemer antecipa toda a paranoia que se instauraria no país pós 11 de Setembro, ainda que na publicação da Vertigo seja a via da máfia/gangster ao invés de terrorismo árabe.

A história começa a partir da narração de Timothy Finnegan, que fala sobre a Era do Gigante, um tempo distópico e violento, estabelecendo um drama a partir da vivência de um sujeito que habita nos arredores desse homem poderoso. A intimidade do personagem biografado é estudada graças ao passado de duas pessoas importantes para a trama, sendo uma o narrador e a outra Shannon, esposa do vilão, que o vê o facínora como uma figura asquerosa.

Não demora a ser mostrada a origem das personagens retratados, adicionando portanto novas camadas de gravidade e discussão ao roteiro. A realidade dos quadrinhos é distorcida, como uma versão muito mais agressiva e crua do visto na obra O Poderoso Chefão, de Mario Puzo e Francis Ford Coppola, ainda que leve em consideração elementos mais futuristas e tecnológicos do que o classicismo das histórias de máfia.

O grafismo dos desenhos de Steve Dillon torna todos os horrores em situações mais críveis, sem necessariamente de apelar para o gore, ainda que haja um quadro de ultra violência explorado na revista. O modo discreto como é abordada a temática foge da possibilidade de apresentar detalhes sórdidos da história, mostrando que o roteiro de Milligan não precisa apelar tanto para questões de tortura física e psicológica. O mal não está necessariamente nos atos hediondos praticados, mas na alma dos personagens que por sua vez, vivem em um mundo desesperançoso.

Skreemer usa uma proposta de crueza em seu drama, sentido esse que dá uma abordagem diferenciada em questão de histórias em quadrinhos adultas, mostrando faces da alma viscerais, tornando o assunto bélico como algo digno de repúdio e denunciando em absoluto a crueldade presente nesse mundo, que se analisado somente em seus arquétipos, não é tão diferente da realidade atual.

Compre: Skreemer.

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Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #9

1 de agosto de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, cavaleiro das trevas, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson

(Atenção: a crítica a seguir comenta acontecimentos dos números lançados de The Dark Knight III: The Master Race. Se não quiser saber nenhuma informação a respeito, interrompa a leitura – mas retorne a ela após ter lido as edições).

O desfecho de Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior mantém a narrativa em coerência com excesso de anti-clímax. Uma característica preponderante na nova empreitada de Frank Miller, em parceria com Andy Kubert, no (outrora) brilhante universo criado em 1985.

O último número, novamente, contraria o leitor, evitando qualquer cena épica para finalizar em grande estilo uma história arrastada. O grande embate com os kryptonianos é realizado sem urgência, como a ameaça de destruição mundial vinha sendo tratada nos últimos números. Mesmo retornando da morte, Batman é poupado por Superman, evitando outra morte. Miller ressalta a importância da existência de um homem-morcego mas, novamente, exagera ao extremo. Como a última parte da trama é narrada pelo próprio Cavaleiro das Trevas, há momentos de egocentrismo exagerado, ressaltando o herói como um personagem potente e necessário, até mesmo se vangloriando de sua capacidade física, comparando a violência como uma arte.

Batman pode ter sido o herói que desencadeou a ação em diversos momentos como no início da história quando ameaçou os kryptonianos, bem como foi o responsável por resgatar o Azulão do exílio. Porém, é excessivo até mesmo para um personagem que, nos últimos anos, é um paradoxo de um humano comum dentro do universo DC, porém, quase invencível.

Os outros heróis do panteão da Liga da Justiça que, aos poucos, reassumem seus mantos, não trouxeram nenhum acréscimo à trama. Mulher-Maravilha permanece em Themyscira; Lanterna Verde retorna somente para se vingar do grupo que lhe arrancou o braço com o anel e, por consequência, o poder. A cena é tão desproporcional que soa incoerente. Hal Jordan teve momentos de fraqueza, vide Crepúsculo Esmeralda, mas não é um personagem que age dessa maneira.

Por fim, o desfecho derradeiro, o final da ação com os vilões, utiliza uma das saídas mais incômodas em qualquer estilo narrativo: o personagem que surge no momento certo para resolver o problema, um recurso conhecido como deus ex-machina. Após passar a história toda preso no mundo subatômico, Átomo retorna no momento e na hora certa para encolher os kryptonianos e encerrar a trama. Ou quase, o vilão Quar é poupado para que Lara tenha uma última cena, destruindo-o. O drama em potencial para a dúvida da personagem entre vilã e heroína foi construído a toa, com pouca evolução na história.

Enquanto a série principal foi mediana do início ao fim, a história paralela configurou bons momentos. O último número apresenta Superman e a filha dialogando sobre o mundo heroico em uma espécie de síntese do que fundamenta o herói. A história e boa e poderia ser um bom ponto de partida da saga. Porém, ainda que exista uma lógica entre as ações da trama – Superman isolado, Lara voltando-se contra o seu povo – trabalhar com um cenário desolado de heróis para que Batman tivesse um destaque ainda maior se tornou inverossímil. Que tipo de heróis seriam esses que não reagiriam a um ataque de grande porte como o desenvolvido pela série?, o leitor pode se perguntar.

A última página de ambas as histórias são emparelhadas, ambas mostrando mestre e pupilo como se dessem continuidade a cada herói em uma nova geração. A cena, por si só, é um clichê, ainda que uma daquelas cenas que sempre despertam certa emoção no leitor. Mas demonstra um esgarçamento tão grande na criatividade narrativa que: o de Batman bisa a famosa capa original do Cavaleiro das Trevas, a sombra do morcego diante de um raio, imagem reverenciada e homenageada em excesso em diversas e diversas recriações; e a de Superman finaliza com Lara colocando um óculos no rosto, simbolizando sua vontade de compreender as motivações do pai e assumindo o mesmo tipo de disfarce que Clark Kent usou em sua vida. Interessante, mas implausível. Bobo, na verdade. Prova apenas que a personagem não compreendeu nada do que observou durante a ação da trama.

Anunciado com grande destaque, O Cavaleiro das Trevas – A Raça Superior foi divulgado como o retorno triunfal de Frank Miller em um universo consagrado. Aliado a outros grandes nomes da indústria dos quadrinhos, os leitores aguardavam uma trama que retomasse o melhor do Cavaleiro de 1985 e esquecesse os excessos da continuação. Mas não foi o que aconteceu. O resultado foi uma história alongada em demasia, exageradamente anti-climática e sem nenhum grande momento.

Miller se saiu melhor nas histórias paralelas, bem como pareceu mais enfocado na crítica submersa da trama, analisando o extremismo religioso, do que na composição substancial d e uma boa história em quadrinhos. Sem dúvida, foi um grande título em vendas. O tempo reafirmará melhor a recepção desta série mas uma breve previsão: Cavaleiro das Trevas III será esquecido em pouco tempo.

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Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #8

26 de julho de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson, O Cavaleiro das Trevas

(Atenção: a crítica a seguir comenta acontecimentos dos números lançados de The Dark Knight III: The Master Race. Se não quiser saber nenhuma informação a respeito, interrompa a leitura – mas retorne a ela após ter lido as edições).

Em Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #07, tivemos o retorno de Bruce Wayne, após um brevíssimo período morto. Renascido no poço de Lázaro, o herói volta à ativa em perfeita forma, rejuvenescido. Um fator que poderia engatilhar, finalmente, o início do ato final da história mas, mais uma vez, o ritmo que domina a penúltima edição é o prolongamento desnecessário da narrativa.

Engana-se quem pensou que haveria uma grande cena de ação neste número. Enquanto Themyscira é invadida pelos kryptonianos, Superman e Batman estão na caverna do morcego e chegam ao local somente no fim da batalha, quando parte do grupo foi derrotado e outra parte fugiu. Ou seja, todos o desenvolvimento da história até aqui, incluindo o lento reagrupamento dos heróis, não teve nenhum objetivo evidente. Tudo indica que haverá mais uma batalha na última edição e, com isso, finda-se a trama.

Além de um argumento breve, estendido além do necessário, os erros na composição da narrativa são aparentes. Deixar todo o ápice para o último número é repetir um velho problema dos quadrinhos em que as histórias se encerram rapidamente por falta de um planejamento entre o que se pretende contar e o quanto de páginas estarão disponíveis para tal ato. Lembrando que somente durante o lançamento da série foi anunciado a ampliação da história para mais um número, inicialmente o enredo terminaria na oitava edição.

A prova da escassez temática também se evidencia na história paralela. A trama é narrada pela comissária de Gotham, investigando uma cena de um crime realizado por uma nova geração de Coringas, comandado pela antiga capanga do palhaço, a nazista Bruno. Não há nenhum motivo para inserir qualquer elemento extra a esta altura da história, a não ser revelar a falta de tema do argumento central. O mais improvável, porém, é que Batman aparece em cena para ajudar a comissária como se não houvesse urgência no problema com os kryptonianos. Ainda que seja coerente a ajuda do morcego, as densidades dos problemas são desnivelados, diante de uma catástrofe mundial, porque não colocar outro herói em cena para esse momento? E, mesmo sendo uma história paralela, é evidente que ela segue a temporalidade da trama principal, ou seja, invalidando a possibilidade de ser uma ação realizada durante outro momento do universo de Cavaleiro das Trevas.

Nesses prolongamentos desnecessários é que se observa o quanto A Raça Superior se tornou uma longa história com pouco argumento e, a essa altura, impossível de se salvar como uma boa revista. Mas, finalmente, depois de um hiato em número anteriores, chegou a hora do último e derradeiro capítulo final.

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Resenha | Criaturas da Noite

5 de julho de 2017 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Neil Gaiman

Fábulas doces

Criaturas da Noite (Ediouro), escrito por Neil Gaiman e ilustrado por Michael Zulli, é composto por duas fábulas onde o pai de Sandman presta homenagem às criaturas que permeiam o simbolismo noturno: gatos e corujas.

A primeira delas “O preço”, tem como protagonista um gato negro majestosamente insensível que surge a uma família isolada da cidade. Embora com outros gatos para criar, eles não se afastam do novo felino. A fábula é mais intensa se você já passou por essa situação de acolher um gato abandonado, pois toda noite ele desaparece, e toda manhã o felino está de volta. Sujo. Sangrando. Exausto.

O pai da casa trata o gato, limpa os ferimentos, alimenta, e toda noite a mesma fuga felina. Aí entra o mistério: o que acontece com o gato negro quando ganha a noite? Historicamente, os mistérios que envolvem os felinos adquirem várias interpretações em cada cultura; já foram os emissários das bruxas, os portadores de pragas, os animais sagrados que enxergavam os espíritos dos mortos, os elos entre o mundo dos vivos e o dos espíritos, os guardiões das sepulturas, etc, etc…

Gaiman escolhe uma entre tantas tradições folclóricas noturnas envolvendo os gatos e constrói com sensibilidade um enredo singelo e ao mesmo tempo majestoso. O traço de Zulli é romântico e austero. São pinceladas intensas que lembram aquarelas, muita presença de sombra, muitos closes para marcar as expressões e pouquíssimas intervenções entre cada quadrinho. As panorâmicas surgem para marcar a compreensão dos seres imaginários sempre com uma palheta de cores escura, sombreada, com se uma vela estivesse acesa no meio de cada quadro e a sombra do fogo tomasse as bordas do quadrinho.

A segunda fábula “A filha das corujas”, pode ser também considerada um causo popular medonho. A história começa com um aristocrata prometendo a outro (aparentemente escritor) que soube de um acontecimento absurdo que poderia ser motivo de escrita: uma menina recém-nascida fora deixada na porta da Igreja dentro de um cesto com ossos de corujas e segurando na mão mínima uma coruja morta.

Qual o destino da órfã? Primeiro pensam em matá-la. Depois um conselho de anciãos decide exilá-la para um convento feminino afastado da cidade. A criança cresce sem saber falar, pois nunca escutava outras pessoas conversando. Ouvia apenas os morcegos e corujas que faziam ninhos no convento às ruínas. Daqui em diante, Gaiman explora os impulsos violentos dos homens. A virgindade e beleza da menina desperta a curiosidade dos homens da cidade e a hipocrisia dos moralistas se apresenta como tema de “A filha das corujas”.

A paleta de cores Zulli é mais negra nesta história, como se uma névoa de maldade habitasse aquele passado. As dimensões das cenas também são maiores, com mais espaços abertos na composição dos quadrinhos. Os closes permanecem românticos e austeros, aquarelas de solidão, com uma aura melancólica e dramática. Nesta versão, apenas incomoda o tipo de fonte utilizado no decorrer da história. A escolha da fonte cursiva inclinada para indicar que a história se passa num suposto medievalismo, prejudica a leitura. Com dificuldade entendemos as informações e vez ou outra é preferível adivinhar a palavra que tentar lê-la.

Por fim, Criaturas da Noite é o tipo de livro dedicado principalmente aos adolescentes ou aos primeiros leitores que se encantam por fábulas e literatura fantástica. Por ser um livro curto, funciona como um doce de leitura, algo que deixará aquele sabor aos outros trabalhos do gênero. Leitura muito recomendada.

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Texto de autoria de José Fontenele.

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #7

5 de junho de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson, O Cavaleiro das Trevas

A morte de Bruce Wayne na edição anterior foi estabelecida como um gancho desesperado para trazer alguma ação a uma história com pouco desenvolvimento. Levado por Superman até um poço de Lázaro para ser revitalizado, tudo indica que agora o Cavaleiro das Trevas está apto para lutar contra a invasão kryptoniana de igual para igual, afinal, pelas cenas é possível imaginar que ele também foi rejuvenescido.

O sétimo volume de The Dark Knight III: The Master Race mantém a narrativa lenta, focando no final da batalha com os kryptonianos como o único ato em cena, ao menos, apresentando outros personagens que foram brevemente citados. A principio, além de Superman e Batman, a história demonstra também a reação da nova Robin diante da vitória. Ao perceber a morte do mentor, abala-se mas logo parece admitir que o manto é maior do que um único indivíduo. Enquanto isso, Lanterna Verde continua sua peregrinação no deserto, observando o quanto se sentiu um deus ao possuir o anel e Átomo, ainda preso microscopicamente, procura uma maneira de retornar ao mundo visível. Enquanto Lara é julgada pelos kryptonianos devido a sua origem, metade marciana metade amazona. O mesmo argumento que proporcionou a discussão e batalha entre Diana e a filha na edição passada.

A trama se encerra em uma emboscada, com os vilões atrás do outro filho de Clark, um bebê que vive aos cuidados das amazonas. Uma cena com certo impacto que pode apresentar um grande combate entre os dois guerreiros. Porém, considerando os números anteriores, qualquer desfecho bem realizado pode ser executado com pouca ação. De qualquer maneira, a Trindade parece finalmente reunida em cena, um fato sempre agradável de se ver nas histórias em quadrinhos. É nesta edição também que se lembram da ideia inicial de múltiplas vozes através da mídia e, mesmo que por poucas cenas, a imprensa e as comunicações virtuais reaparecem, dialogando com os fatos acontecidos. Uma ideia interessante, utilizada inicialmente nesta trama mas deixada de lado nos números posteriores.

A segunda história vem mantendo bom destaque ao ser capaz de explorar os personagens secundários com maior adequação e aprofundando um pouco em sua trama pessoal, no momento em que acontece a ação da saga principal. Neste número, o enfoque retorna para Hal Jordan que reencontra seu anel e volta a se tornar um Lanterna Verde e ao Gavião-Negro e a Mulher-Gavião, observadores da ação envolvendo Hal.

Após apresentar o retorno do Cavaleiro das Trevas, reassumindo seu posto como herói e um chamado informal aos diversos outros heróis do panteão da DC Comics, a história parece direcionada para o final, um impactante combate entre kryptonianos e amazonas. Mas, evidentemente, tudo em Raça Superior parece propositadamente anticlimático, sendo possível, ainda, um desfecho que não consagre, em nenhum momento, uma ação imediata. Porém, não há mais tempo para seus autores desenvolverem a trama de maneira pausada, faltam apenas dois números e, ao menos, espera-se uma boa realização final. A trama desse sétimo número conduz o leitor a um possível grande ápice, seria lamentável que não utilizassem a boa sustentação do suspense desta edição. Bruce Wayne está de volta e pronto para a batalha.

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Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #6

31 de maio de 2017 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

andy kubert, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson, O Cavaleiro das Trevas

No sexto número de Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior, a narrativa continua com a mesma tônica dos números anteriores: lenta, desenvolvendo os acontecimentos de maneira ordenada, um a um, sem uma urgência necessária para a invasão kryptoniana apresentada. A ação adentra levemente a narrativa central após a execução do plano de Bruce Wayne em produzir uma chuva artificial de kryptonita em uma Gotham tomada pelos vilões. Enfraquecidos, os mocinhos ganham a primeira batalha, ainda que a situação, provavelmente, ganhe alguma reviravolta, afinal, ainda faltam quatro edições futuras já que a DC Comics anunciou no ano passado que estenderia a série até a nona edição.

Novamente, Frank Miller coloca Superman como um coadjuvante. Seu retorno em potencial em The Dark Knight III: The Master Race #5, que poderia realoca-lo como um salvador dentro do contexto, é rebaixado a uma única ação nesta edição. Se por um lado o autor tem um histórico de sempre destacar o Cavaleiro das Trevas em suas obras em detrimento a outros heróis do panteão do estúdio, a tensão da trama exige a participação de outros heróis. Até o momento, porém, a maioria tangenciam a trama.

A esta altura, parece evidente que o roteiro é mais funcional como metáfora. Esqueça o desenvolvimento aparente da trama, ela é apenas sustentação para criticar o extremismo e apresentar a queda dos heróis, uma falência generalizada por personagens desencantados e a velhice de Bruce Wayne. Afinal, Batman parece o único que mantém a fibra em lutar, mas seu corpo está velho demais para combater o crime. O desfecho deste número ainda conduz o leitor para um dos ganchos mais comuns das histórias em quadrinhos: um ataque direto ao herói que, aparentemente, morre. Um apelo desesperado da trama para conquistar certo drama. Mas não funciona. Se a história foi desenvolvida até aqui segurando ao máximo a ação, a possível morte do Homem-Morcego demonstra apenas desespero dos roteiristas.

Em contrapartida, a segunda história se desenvolve com maior qualidade ao explorar os personagens isoladamente. Dessa vez, Lara, a nova Robin e Mulher-Maravilha são os destaques. Alem do roteiro, Miller também assina os desenhos desta parte e ao apresenta duas batalhas, ao menos, injeta um pouco de ação em uma história lenta. A primeira delas entre Lara e a Robin e a segunda entre Diana e a filha. A Trindade parece, finalmente, estabelecida e ativa na trama, ainda que considerando o anticlímax do enredo, é possível que a Mulher-Maravilha ainda não apareça na história central.

Com apenas três edições para o desfecho, a história poderia ser mais objetiva. Prolongada em excesso com diversos acontecimentos isolados, a obra parece se distanciar cada vez mais do consagrado universo de Cavaleiro das Trevas.

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Resenha | Pato Donald por Carl Barks: Em Busca do Unicórnio

29 de maio de 2017 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

carl barks, Disney, Pato Donald, Quadrinhos Disney

Terceiro volume publicado da série (e oitavo editorialmente), O Pato Donald por Carl Barks: Em busca do unicórnio segue a qualidade gráfica de seus antecessores, e apresenta histórias sensacionais. Barks parece estar mais à vontade com os personagens, principalmente os recém-criados por ele, como Gastão e Tio Patinhas. Esses dois apresentam algumas características que foram aos poucos se perdendo nas histórias mais recentes. A história-título, Em busca do unicórnio, apresenta algo impensável para o Tio Patinhas dos dias de hoje: o velho sovina oferece uma gorda recompensa em dinheiro ao seu sobrinho caso ele cumpra a tarefa de capturar o último unicórnio vivo na Índia. Roteiristas mais novos costumam fazer com que Donald receba apenas 30 centavos por hora de seu tio, ou acabe até devendo algo a ele pelo uso de equipamentos. O Patinhas ainda embrionário de Barks não toma a dianteira da expedição, como faria em futuras obras do autor, terceirizando a ação. O Gastão, também embrionário, não é apenas um ganso sortudo. Ele “faz” a própria sorte, através de meios muitas vezes escusos, enganando e trapaceando seu primo para conseguir encontrar o unicórnio antes dele, e de forma menos trabalhosa. Assim, ao final das histórias com a dupla Donald/Gastão, nem sempre o primo ganso leva a melhor e a justiça poética parece funcionar. Donald pode, vez por outra, usufruir de uma parcela da riqueza de seu abastado tio, afinal!

Em outra história apresentando a relação entre o pato e seu tio rico, Carta para Papai Noel, vemos um Patinhas menos avarento esbanjando seu rico dinheirinho para presentear seus sobrinhos-netos no natal. Essa história formidável (com direito a uma luta de retro-escavadeiras) já tinha sido republicada recentemente no especial de capa dura Contos de Natal, mas aqui apresenta a paleta de cores original, como todo o volume.

Talvez o maior destaque da edição seja a história O felizardo do Pólo Norte, na qual Donald arma um esquema para se livrar do seu primo esnobe Gastão, mandando-o a uma infrutífera expedição no gelo polar. As cenas em que o pato sente o peso na consciência de sentenciar o ganso a uma morte glacial são de uma genialidade característica de Barks, e um dos momentos mais humanos do volume.

A terra dos ídolos é mais uma daquelas histórias que se utilizam dos estereótipos raciais da época ao retratar os nativos americanos. Guardadas as devidas precauções para que não haja um julgamento anacrônico de valor, a história é sensacional! Donald arruma um emprego como vendedor de bugigangas e procura os povos mais isolados da América para empurrar suas quinquilharias. A transformação dos ídolos do título (totens, na verdade) em um enorme órgão à vapor é uma das cenas mais divertidas da edição!

O volume apresenta Carl Barks bastante à vontade e em sua melhor fase. A qualidade das histórias é muito superior à edição que veio logo a seguir – que seria, cronologicamente, o volume 15 – , e merece um lugar de destaque na coleção de qualquer fã de quadrinhos Disney.

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