Quadrinhos – Página: 30 – Vortex Cultural

Resenha | Planetary: Deixando O Século 20 – Vol. 3

26 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

John Cassaday, planetary, Sherlock Holmes, Warren Ellis

Deixando de lado a introspecção de Snow, vista na última edição de O Quarto Homem e voltando, logo no início, para uma diferente linha temporal, Planetary em seu terceiro volume mergulha numa referência aos crossovers que ficaram famosos pelas mãos de Alan Moore em Liga Extraordinária. A Alemanha de 1919 contém referências de Fritz Lang a Bram Stoker e demais cientistas loucos, desde Frankenstein até Médico e Monstro, com humanoides de aparência grotesca que atacam o protagonista centenário.

Assim como o clima da Era Vitoriana, o barroco e gótico se misturam na arquitetura da mansão invadida, ecos vindos através do mitológico personagem encarado pelo grisalho homem. O novo século foi cruel com o velho detetive. Sherlock Holmes apresenta seu semblante cadavérico, uma sombra do homem que já foi, mas em momento algum demonstra ser subestimável, apesar da necessidade, a pedido de seus sócios, de ter consigo um guarda-costas sobrenatural, sendo esta uma figura das mais inconvenientes.

A experiência de Holmes serviu para que Snow conseguisse seu objetivo em esmerar-se no ofício detetivesco, bebendo direto na fonte, consultando o maior membro da classe. O quarto homem prosseguiu ao lado de Sherlock até que seus olhos se fechassem, até que a velhice desse seu último golpe, encerrando a existência do bravo homem, que tinha desgosto de perceber o sotaque do seu pupilo, mas que teve seu testamento vivo nas atitudes do seu último aluno.

Ambrose, Jakita e Batera são mostrados em ação em flashs, que contemplam suas ações além de uma invasão à base do Planetary. Os lapsos referem-se às sinapses da confusa mente de Snow, exibindo momentos na mesa de cirurgia do Dr. Dowling no momento em que a mente do líder seria apagada. As bravatas de Snow eram enormes, com ameaças violentas ao grupo de que eles encontrariam a morte caso ele voltasse a ter suas lembranças. Partes do segredo vão aos poucos sendo revelados. A ordem de não permitir que os “desgraçados vençam” demonstra todo o temor que acomete o imaginário e o planejamento do misterioso mentor do quarteto.

Os motivos da censura à própria mente não são revelados de modos instantâneo, pelo contrário, os elementos exibidos somente confundem mais o leitor, especialmente os que lembram artefatos mágicos e armas semelhantes às usadas por divindades místicas. Elijah assemelha-se aos imortais não somente por sua idade avançada, mas também por todo o misticismo que envolve sua persona.

Ainda resgatando as lembranças, a parada que Snow e Wagner fazem é na viúva de Ambrose, que busca dar qualidades financeiras para tentar aplacar a dor da perda de seu antigo subalterno, prestando homenagens ao falecido agente, declarando a sua parentela todo o seu caráter heroico. Após isto, ele encontra-se com Alex Brass sem nenhum motivo aparente a não ser a vontade em se inspirar antes de entrar em ação novamente. Elijah buscava em suas figuras de exemplo a força que não encontrava em si, uma vez que sua identidade ainda permanecia incógnita.

A inspiração no desbravador Carlton Marvell aumenta a sensação de carência no protagonista, que fazia até de um desconhecido o impulso e estímulo para lutar contra as figuras dantescas e milenares.

O trabalho artístico de Cassaday continua como um dos pontos mais altos da publicação, variando de estilo com uma facilidade atroz, especialmente nas referências visuais a diferentes partes do globo. As cores de Planetary fazem eco com a realidade e com a contemporaneidade; aquarelas belíssimas que também dão um tom de clássico, condizente com todo o resgate de objetos canônicos da cultura pop que Warren Ellis sempre tenciona mencionar.

Kevin Sack, um dos alteregos de Elijah, investigava uma área florestal nos anos 1930 quando encontrou o aventureiro descamisado Lord Blackstock. Opark-Re é uma vila futurista, composta por negros de tecnologia muitíssimo avançada, cuja economia era baseada nos mandamentos de Marx e Engels. O Fantasma do Século XX é marcado de modo emocional, cuja lembrança precisa ser revisitada em virtude do apagão de sua psiquê, o que ajudaria ainda mais a esconder a origem de outra personagem, além de referenciar a catástrofe de inúmeras civilizações perdidas, como Atlântida.

Após ter um encontro com John Stone, Elijah recebe a notícia de que seu nêmese está por perto, e ele poderia enfim ter sua vingança, mas, para isso, precisaria se livrar de seu orgulho e aceitar a ajuda de seus parceiros. O Dr. Randall Dowling é vencido com uma grande facilidade. O foco de interesse na última edição fica por conta do romance Da Terra à Lua, obra em que Julio Verne teria fantasiado toda uma expedição interespacial do Clube da Arma Americana, cujo final foi trágico, diferente demais do desfecho literário e semelhantes aos análogos reais da cruel existência do homem na Terra.

Resenha | Batman 70 Anos: Volume 4

25 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Carmine Infantino, Jim Aparo

O quarto volume que encerra o especial de 70 Anos de Batman, lançado pela Panini em março de 2010, tem como tema a morte. Um evento que nunca é derradeiro para um herói, mas torna-se uma jornada atribulada a ser superada como tantas outras. A seleção apresenta sete histórias com ênfase em décadas passadas, principalmente as de 60 e 70, com duas delas. Em um plano geral, as quatro edições apresentaram ao leitor contemporâneo visões diferenciadas do Morcego, ainda que o terceiro volume com duas histórias de ElseWorld – traduzidas no país como Túnel do Tempo e analisadas separadamente no site em Gotham City 1889 e Batman – Pulp Fiction – seja considerado aquém de uma coletânea que pretendia ser um resgate dos 70 anos da personagem.

Assim como nas edições anteriores, a seleção é importante se o leitor também observar atentamente as diferentes formas narrativas dos quadrinhos em décadas passadas. A ausência de alguma introdução, ou de qualquer outro comentário, deixa este papel inteiramente nas mãos do leitor. Neste compilado, algumas histórias são pequenos exercícios de possibilidades que se valem do famoso o que aconteceria se para apresentar um atestado de óbito do Morcego ou envolvê-lo em situações de quase morte.

Nas histórias, percebe-se a evolução da linguagem dos quadrinhos. Inicialmente, os narradores eram os próprios roteiristas, e a personagem, quando desejava expressar algo, diretamente fazia-o por meio de um balão de fala – recurso utilizado no teatro, em que quase tudo é diálogo – ou em balões de pensamento. O aprimoramento desta linguagem levou o narrador-personagem a uma melhor interação entre narração e o desenho.

A primeira história do encadernado, A Estranha Morte de Batman!, é inventiva ao apresentar uma metalinguagem entre personagem e roteirista. Garder Fox realiza uma pequena trama inicial que termina com a perseguição de um bandido, e, após este ato, o próprio criador adentra a história, refletindo como seria esta trama se, por acaso, Batman morresse. O recurso da quebra da quarta parede – o espaço imaginário em que o leitor observa a trama – quase caiu em desuso nas HQs. Salvo Grant Morrison, que demonstra apreço pelo jogo entre obra e leitor, o narrador onisciente não parece mais adequar-se ao conceito realista, algo que muitas tramas desejam na medida do possível. Mesmo trabalhando com uma possibilidade, a trama não perde o final feliz, com um Batman de outra Terra retornando a Gotham para terminar a formação de vigilante de Robin.

A Vingança de Robin! É acompanhada por Superman nesta aventura em que o menino prodígio tenta se vingar da morte do mentor. A trama parece reconhecer que o início dos quadrinhos era simplista, e, de maneira equivocada, tenta parecer mais densa, exagerando em elementos de dedução e científico que, mesmo para o pupilo do maior detetive do mundo, parece exagerado. Os heróis se tornam cerebrais em um limite improvável, como em uma cena que Robin rastreia um vilão, que usa uma luva de feixes de luz, utilizando um rastreador residual que lhe possibilitou traçar o caminho do inimigo.

A terceira história, O Cadáver Que Não Queria Morrer é a melhor do encadernado, ainda que um tanto mórbida se observarmos a base temática. A trama faz parte da famosa revista The Brave and The Bold, que apresentava histórias em parceria com outros heróis. Na aventura, Batman morre em meio a uma investigação, e Elektron entra em seu corpo para, entre estímulos de energia, movimentar o Morcego para uma última investigação. O elemento bizarro não tira o suspense da história e de maneira absurda demonstra que, mesmo morto, o Cavaleiro das Trevas é capaz de desvendar crimes e de quebra parecer o personagem central de Um Morto Muito Louco.

A mais longa das tramas, Onde Você Estava Na Noite em Que Batman Foi Morto?, é dividida em quatro partes e também carrega um falso sentido de profundidade. Com a morte de Batman, vilões promovem um julgamento informal para descobrir quem foi seu assassino, afinal todos querem se vangloriar do aniquilamento do Morcego. São quatro os depoentes apresentados: Mulher-Gato, Charada, Luthor e Coringa. Mas é inverossímil um julgamento formal com a presença da galeria de vilões, como júri, respeitando regras como uma audiência verdadeira, como se os vilões fossem organizados e não imprevisíveis. Além de uma breve participação de Superman, a trama contém um bobo plot twist que revela a sabedoria estratégica do Morcego, novamente exagerada.

Com apenas 14 páginas, em contraposição à longa história anterior, Enterrado Vivo apresenta um bom clima, mas sua brevidade impede aprofundamento adequado no desaparecimento de Batman. A diferença desta trama é perceptível, mas o final é antecipado e ameno demais, terminando em um final feliz com Superman, Robin e Comissário Gordon sorrindo. Uma pureza que não cabe mais nas épocas sombrias de Gotham.

A últimas duas histórias foram lançadas respectivamente em 1997 e 2001. As páginas inteiramente coloridas, sem a borda branca de outras fases, é um demonstrativo de um estilo narrativo que se mantém até hoje. São tramas com narradores em primeira pessoa, com os desenhos e a ação trabalhando em sincronia. A primeira foi publicada no oitavo número de Chronicles e tem Thalia como personagem central narrando sua missão, dada pelo pai, de matar o Morcego. A filha de Ra’s Al Ghul se divide entre a obrigação com o familiar e o amor pelo herói, amor este que gerou até um filho, o garoto Demian, inserido na cronologia oficial por Morrison em Batman e Filho. A última história, com apenas quatro páginas, foi publicada em uma edição de Asa Noturna como secundária. É tão breve e boba que está presente na revista apenas pela incapacidade de inserir-se uma aventura maior. Trata-se de um sonho em que Mulher-Gato imagina o casamento com Batman e sente ciúmes quando, próximo da lua de mel, o Cavaleiro das Trevas precisa combater o crime. A história termina quando Selina acorda. Nada demais.

Como exercício de possibilidades, o compilado demonstra que a morte sempre esteve presente nas histórias em quadrinhos como um dos recursos narrativos mais utilizados. Porém, longe dos dois primeiros volumes, que ao menos tentam apresentar um panorama do herói, as histórias das estranhas mortes de Batman não deveriam se destacar como parte de uma série que deseja ser um referência para os 70 anos da personagem.

Resenha | Cumbe

19 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Veneta, escravidão, Marcelo D'Salete, Quadrinhos Nacionais, quadrinhos políticos

A melhor interpretação da canção A Carne, composta por Seu Jorge, Marcelo Yuka e Wilson Capellette, foi realizada por Elza Soares. Em tom agudo, a intérprete proclama com voz visceral: a carne mais barata do mercado é a carne negra. Uma frase pesada de tom metafórico que carrega a interpretação vinda de épocas antigas em referência ao preconceito racial.

Retornando às origens da História do Brasil, Marcelo D´Salete nos apresenta Cumbe, uma HQ com quatro histórias passadas na época da escravidão. São relatos que evidenciam sentimentos primordiais, como amor, liberdade e fé, conduzindo os personagens centrais, escravos que desejam se ver livres de grilhões impostos pelo sistema escravocrata, infelizmente presente em diversas nações mundiais de épocas passadas, que não consideravam aberrante o uso de um povo estrangeiro, retirado à força de seu país materno, como mão de obra. Sob poder do chicote, a escravidão se difundiu no país do Brasil Colônia ao Império durante oficialmente mais de 300 anos.

A narrativa economiza nas palavras. Transcorrem no silêncio imagético entre sinais e inferências, dando-nos a imersão àquela época em que qualquer sussurro por parte dos negros era exemplo para demonstrar o poder de seus donos, entre prisões, torturas e morte. Os traços dão a dimensão emotiva da história, representada por um grupo que fez parte da história como um povo maltratado e que, acima de tudo, desejava sair desta condição. Um retrato cruel da origem dos negros no país.

No livro É Isso Um Homem? do italiano Primo Levi, um judeu que viveu a experiência do campo de concentração, é mencionada a questão da identidade dentro de um sistema opressor e do quanto estas pessoas se apegam até mesmo a elementos simbólicos – no seu caso, ele menciona um botão de camisa – para continuarem com garra para sobreviver. Em Cumbe, forças sagradas ou superiores são tais referências de resistência: deuses, o amor, o mar como profecia de purificação, quilombos como esperança de um futuro livre. Um conjunto que forma maneiras diversas de projeção e proteção contra o presente agressivo. Histórias trágicas carregadas de violência e morte, um sufocamento diário que tratava os negros como párias da sociedade. As poucas cenas em que os escravocratas aparecem são motivadas pela violência, e a obra é capaz de trazer a apreensão e tensão ao leitor.

A composição do Brasil é oriunda de origens diversas, e parte da vasta cultura do país deve-se aos índios nativos e aos africanos. Neste aspecto, a história mantém o apuro de diversas referências a expressões e tradições africanas trazidas pelos escravos. O título Cumbe, por exemplo, refere-se tanto ao quilombo de alguns países americanos como às línguas de Congo e Angola, cuja tradução da palavra significa sol, dia, luz, fogo, símbolos abstratos fundamentais para a composição da matéria da vida como metáfora simbólica. O glossário de termos, além da referência bibliográfica, demonstra o apuro de D´Salete em produzir uma obra com fidelidade histórica.

Mesmo que o passado seja amargo, a obra lançada pela Editora Veneta é de uma triste beleza e merece ser lida tanto quanto registro histórico como belo objeto de arte.

Compre: Cumbe – Marcelo D´Salete

Resenha | Batman: O Messias

18 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Bernie Wrightson, Jim Starlin

A década de 80 foi terreno extremamente fértil para as histórias em quadrinhos. Para Batman, a década foi palco de obras clássicas como A Piada Mortal, Cavaleiro das Trevas, Batman – Ano Um e Asilo Arkham, pilares canônicos do Morcego. Em um curto espaço de tempo, grandes roteiristas apresentaram sua leitura do herói, desconstruindo, ao seu desejo, inexperiência, loucura, parceria e morte ou quase-mortes fatais.

Lançado em 1988, em quatro edições especiais, Batman – O Messias se passa aproximadamente dez anos após as primeiras aventuras do herói. Um tempo considerável para experiência, treinamento e força tática. As cores de Bill Wray se destacam pela escolha de paletas não usuais, causando uma sensação de desconforto logo na primeira página, o desenho de uma imponente mansão em um céu avermelhado. Um mergulho, ao que parece, em um devaneio do Homem-Morcego, que, oscilando entre o passado e o presente, surge em cena subjugado e preso nos esgotos da cidade.

Não é a figura mitológica de Gotham City o enfoque da história, mas o homem por trás da máscara. Sobrepujado, faminto e enfraquecido pelo diácono Blackfire, o espírito de Bruce Wayne foi quebrado. O personagem já sofreu derrocadas anteriores mas nunca de forma centrada em sua psiquê interna. O roteiro de Jim Starlin nega o conceito de um herói quase inumano, fundamentado pelas décadas posteriores como um personagem indestrutível.

Responsável pela prisão do Morcego, o diácono Blackfire reúne nos esgotos de Gotham City os párias invisíveis da sociedade em uma seita que deseja erradicar o mal da cidade e dar poder aos menos favorecidos. Uma parábola afirma que o messias surgiu em uma época próxima da colonização da América, e, desde então, sua palavra santa é propagada. O diácono representa o personagem carismático que domina, a favor de si próprio, seres desesperados. Por intermédio de uma força maior, favorecida pelo uso de psicotrópicos, Blackfire induz uma seita devota pelo medo e fé. No prefácio assinado por Starlin em 1990, o autor refere-se ao personagem como um reflexo de certo grupo de americanos que estiveram contra os quadrinhos desejando evitar que a violência, a morte e o horror estivessem presentes em obras de entretenimento. A discussão foi passada para a história na figura do diácono, em suas palavras, “disfarçado como um líder religioso, se escondendo sob um falso moralismo enquanto age em nome de seus próprios interesses”. A figura do vilão carrega o lado sinistro das seitas e de seus meios para conquistar fiéis, um sistema que, apertando os pontos certos de tensão, coloca o próprio herói em dúvida.

A história demonstra a humanidade do Morcego e a fraqueza de Bruce Wayne. Mesmo que em porção diminuta, os medos persistam e ampliam-se pelos alucinógenos. Batman se torna um homem frágil, oscilando entre a realidade e o onírico, quase destruído pela culpa e pela sensação de ter sido mais um mal à própria cidade. Enquanto permanece encarcerado, crimes brutais acontecem nas ruas de Gotham. Eliminando criminosos, o Comissário Gordon e o menino-prodígio Jason Todd são incapazes de conduzir uma investigação destes crimes e encontrar o paradeiro do detetive que poderia elucidar tais acontecimentos. Um paradoxo que demonstra a importância de Batman dentro das engrenagens da cidade.

O desenho de Wrightson, reconhecido pelos traços de Monstro do Pântano, quebra a dimensão da realidade e imerge o leitor na consciência transitiva do Morcego em dúvida. É um lampejo criativo que implode a personagem em uma soberba trama psicológica, a qual também deveria figurar entre as grandes obras do Morcego, mas que ainda continua um tanto eclipsada diante destas grandes histórias. Não à toa, a ambientação do submundo foi utilizada no roteiro de O Cavaleiro das Trevas Ressurge, o final da trilogia cinematográfica de Christopher Nolan, que cirurgicamente retirou diversos elementos de narrativas chave do Morcego para construir seu roteiro.

Resenha | Os Ignorantes: Relato de Duas Iniciações

14 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Wmf Martins Fontes

O público abrangente e a base sólida do mercado brasileiro de quadrinhos possibilitam, hoje, a publicação de pequenas obras autorais que, em outros tempos, não chegariam em nossas mãos. Ainda que a maioria dos leitores de quadrinhos no país se formou com leituras de super heróis, há poucos que evitam ou se incomodam com uma narrativa que não utiliza ganchos e ação em excesso, mantendo o interesse por outras vertentes de estilo dentro das diversas possibilidades que esta arte proporciona.

Os Ignorantes – Relato de Duas Iniciações, lançado neste ano pela WMF Martins Fontes, é uma obra inserida dentro de uma experiência real. Uma metanarrativa que apresenta o autor Étienne Davodeau como personagem, em companhia do amigo vinicultor Richard Leroy, para uma interessante proposta: uma troca de experiências de vida entre ambos. Durante um ano, o quadrinista acompanha a colheita e o processo de composição dos vinhos de Leroy, enquanto o vinicultor conhece o universo das HQs, desde rabiscos feitos para produzir esta história até leituras de obras renomadas e encontros com outros artistas franceses.

Movidos por uma paixão intensa, cada um em seu respectivo ofício, os personagens se veem debruçados sobre um novo universo não explorado. Como guias em uma jornada dupla, diferente de seus cotidianos, contemplam os caminhos que levam a um bom vinho e a uma boa HQ. Uma experiência que funciona pelo mergulho curioso em outro cotidiano.

Recontando a experiência documentada pelos quadrinhos, o leitor se torna testemunha passiva da jornada, mas infelizmente incapaz de participar das leituras e bebidas sorvidas pelos amigos (há no final da edição uma lista apresentando vinhos e leituras degustadas). O vinho e os quadrinhos são artes escolhidas como objeto, mas não centro da obra; é a experiência e a discussão que importam à experiência.

A arte é vista sob um plano geral que aproxima a produção de vinhos e os quadrinhos diante da percepção de que são necessários conhecimento, dedicação, paixão e amor para que o trabalho seja bem realizado. Mesmo que no final do processo o público observe uma garrafa de vinho, ou uma HQ exposta em livraria como um mero objeto, o processo da arte esconde diversas etapas, tanto burocráticas quanto sensíveis, em sua feitura. Dentro da vinícola de Leroy, observamos a importância do solo, as podas diárias e a utilização de produtos naturais para o solo e preservação das uvas, acreditando que o contato direto com a vinha e produtos não industrializados ou químicos produzem uma safra melhor. Não há como desassociar a composição de um vinho de um verdadeiro trabalho artístico, que denota conhecimento externo sobre elementos diversos e um toque de intuição e estilo próprio.

Entre leituras e bebidas, personagens dialogam sobre estas paixões, evidenciando a importância da experiência e opinião sobre a própria arte. Ela é um elemento de aproximação capaz de conectar desconhecidos devido a sua força e à pluralidade de opiniões, uma das motivações que produziria este coletivo. Os artistas não buscam uma supremacia com suas obras, mas um espaço em que se discuta a arte dos quadrinhos e dos vinhos.

Além da paixão pela profissão, há também o prazer em realizá-la. Essa jornada é transformada em uma apetitosa degustação sensorial, um caminho de conhecimento que, em suas linhas gerais, demonstra o quanto uma obra deve ser composta – não importando se arte ou não – com prazer e paixão para um resultado efetivo, como se o trabalho do artista estivesse representando adequadamente a experiência íntima de cada leitor ou degustador. O vinho e os quadrinhos são a referência para reverenciar a arte, e torna-se quase impossível para o leitor, após esta obra, não se sentir tentado a realizar uma experiência pessoal de observação cotidiana e, entre amigos, saborear vinhos, livros e quadrinhos.

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Resenha | São Jorge: Soldado Do Império – Volume 1

12 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Danilo Beyruth, Panini, Quadrinhos Nacionais, São Jorge

Misturando mito com pesquisa histórica, Danilo Beyruth reconta as histórias que envolvem o soldado romano Jorge, numa imaginação moderna do conto religioso que envolve sua personagem em uma intricada rede de conspirações. No prólogo, o autor demonstra em poucas páginas o cunho da publicação, pautado em uma violência moderada e causada por bestas somente presentes nas histórias de fantasia.

O contraste entre as vestimentas pomposas do exército romano e os rostos cansados dos militares de patente baixa serve de alegoria a um império que já foi muito rico e capaz, mas que atravessa uma derrocada, em franco declínio, direcionado a uma ruína econômica e administrativa que já se reflete no campo de batalha e na política. O grafismo presente nas batalhas faz lembrar os livros medievais de Bernard Cornwell, claro, com prudência um pouco maior, mas ainda assim sanguinolenta, facilitada pela ausência de cor. O guerreiro Jorge mostra-se bastante contrariado com o Império, que insiste em armar guerras entre eles próprios, sob a acusação de que o soberano do Egito seria um pária, um traidor da causa romana. Em seu discurso, há uma crítica ao modo injusto como era conduzida a sucursal.

O panorama realístico causado pelo belo traço de Beyruth, padronizado em todo o cenário político envolvido nos diálogos entre personagens, faz com que o contraste e o choque de realidade sejam ainda maiores nas aparições do dantesco ser reptiliano. As dilacerações causadas pelo monstro são assustadoras e envolvem membros decepados encontrados em lugares ermos. Uma conspiração é executada para retirar o poder de Jorge em razão de sua contestação do modo de governar dos romanos.

Designado para investigar um sumiço qualquer de animais de camponeses, o tribuno Jorge é enviado sozinho a uma aldeia para checar uma situação estranha de uma suposta criatura – nomeada pelo povo como um dragão – que teria arrasado suas terras e comido seu gado, além de ter destruído inúmeras fazendas. O guerreiro mostra-se incrédulo ante a possibilidade dos ataques terem sido impingidos por esta besta, e, a contragosto – mas servil –, põe-se a investigar o relato estranho dos aldeões com o auxílio de uma moradora, a pessoa que mais perto aproximou-se da criatura.

Jorge se surpreende ao atravessar um rio e ser atacado por um crocodilo gigante, que abocanha o burro que o auxiliava com uma única mordida. Ao tentar atacar o animal com um lança, falha em todas as investidas, graças à carapaça escamosa do animal. Seu extenso tamanho o assusta de início, mas sem tempo para ficar amedrontado, o bravo guerreiro segue atacando-o, com o final do embate deixado para o segundo volume da publicação. A história pensada por Beyruth continua em A Última Batalha, onde o estratagema que tornou sua figura famosa finalmente ocorre. Este primeiro volume serve para ambientar o público dentro do ethos do personagem, pincelando elementos que o transformariam em figura canônica e venerada por inúmeros fiéis.

Resenha | Batman: Ano Um

11 de novembro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

david mazzucchelli, Frank Miller

A Crise Nas Infinitas Terras foi a ousada saga que redefiniu as estruturas dos quadrinhos da DC Comics, centralizando acontecimentos e retirando incongruências produzidas por roteiristas ao longo dos anos. Não há quem não cite esta saga com devoção canônica. Porém, após este acontecimento de grandes proporções, era necessário demonstrar ao público uma nova faceta das personagens e, com este reinício, apresentar novas histórias.

A trindade de heróis, formada por Superman, Batman e Mulher-Maravilha, precisava de reformulações coerentes, e autores considerados, hoje, grandiosos foram responsáveis pelas modificações estruturais destas personagens. John Byrne assinou a nova origem do Super Homem, uma aventura que modificava diversas bases da concepção original e, durante outras décadas, foi transformada diversas outras vezes, porém, nunca com a potência desta origem que se tornou a mais significativa popularmente. George Pérez, responsável pelos desenhos da Crise, e Marv Wolfman deram imagem e conteúdo a Mulher-Maravilha, uma Diana forte e, ao mesmo tempo, feminina, com um passado apoiado na mitologia greco-romana. Os próprios editores, incluindo Denny O´Neil, reconheciam que Batman era o personagem com origem mais coesa. Desde sua criação, as histórias apoiavam-se em investigações, e não havia incongruências gritantes como as citadas personagens; a essência do Homem Morcego permanecia. No prefácio da edição de luxo da Panini Comics, o editor explica a necessidade de refinar a origem conhecida. Frank Miller foi voluntário e, na época, trazia no currículo a fama de um dos maiores revolucionários dos quadrinhos, com a bem-sucedida passagem na revista de Demolidor, na graphic novel Ronin e em uma das obras supremas do Morcego: O Cavaleiro das Trevas.

Batman: Ano Um foi uma aventura de quatro partes publicada na revista mensal do Morcego e lançada no país, originalmente em setembro de 1987, em Batman nº 1, sendo republicada quatro vezes, incluindo esta edição de luxo da Panini. As quatro partes da trama são como atos narrativos de uma peça literária, apresentando aspectos diferentes da criação da figura do Morcego. Indo além da origem do herói, a história apresenta a chegada de Gordon a Gotham City, um elemento narrativo que se amarra à fundação da personagem central.

Situada em um período de um ano, a história é bem dosada temporalmente tanto por cenas-chave da concepção da personagem como por cenas breves de treinamentos e do cotidiano policial por parte de Gordon. Miller leva ao pé da letra a concepção de um ano e apresenta o lento desenvolvimento desta dupla. Batman ainda é um homem em treinamento, à procura dos primeiros contatos para testar suas habilidades, enquanto Gordon, recém transferido, observa como funciona a polícia corrupta do local.

Miller desenvolve o roteiro com simplicidade sem perder o requinte narrativo. Equilibra-se bem entre Batman e Gordon, demonstrando que ambos são peças fundamentais que representam um mesmo ideal: a manutenção da cidade e da lei. A obra observa o amadurecimento destas personagens: Batman pela rigidez e disciplina da luta após erros e acertos em campo, e Gordon como o único policial incorruptível da corporação, tendo de arcar com a responsabilidade de ser visto como um pária pela equipe. Em comum, ambos possuem a retidão e admiram-se mutuamente, mesmo sem ainda se conhecerem. Não à toa, boa parte deste roteiro foi inspiração para a concepção de Batman Begins de Christopher Nolan. Não só o encontro com Gordon é idêntico como também o são outras cenas chave desta história.

Se Batman é a figura heroica vista com breve distanciamento por conta da disciplina e do luto que carrega desde a infância, Gordon é concebido como o homem que realiza o possível na medida de suas forças. Batman sempre assemelhou-se com um deus capaz de sobrepujar tudo e todos. Mesmo que o público reconheça-o como humano, seus feitos o elevaram a um olimpo invisível. Enquanto o futuro Comissário é uma figura imperfeita que trai a esposa grávida e sofre violência por parte de seus companheiros, ainda assim demonstra que em seu caldeirão as intenções boas se sobressaem. Não à toa é um dos personagens mais empáticos do universo do Morcego.

Batman demonstra desde o princípio a engenhosidade tática que hoje é admirada por seus leitores. E mesmo inserido em um universo fictício, a história de Miller apresenta uma vertente realista que transforma a loucura heroica da personagem em um elemento mais crível, sendo a base para a visão que leitores atuais têm do Morcego: um humano capaz de sobrepujar a própria morte e eventuais colunas quebradas.

Os extras desta edição especial trazem diversos esboços de David Mazzuchelli, além de uma breve biografia em quadrinhos mostrando como surgiu seu interesse por desenhos. É um material rico para observar a criação desta obra-prima. A arte desta edição foi inteiramente repintada por Richmond Lewis em pinturas feitas à mão, que depois foram inseridas nos desenhos de Mazzuchelli. Sem dúvida, as cores são parte da proposta realista da história e produzem o toque final que faz desta obra uma das aventuras primordiais do Morcego. Uma origem fundamental ao mito que Batman se tornou.

Para ouvir e ler:
Vortcast 09 – Batman Ano Um
[Crítica] Batman – Ano Um (Animação)

Compre aqui: Batman – Ano Um (Panini Comics)

Resenha | Os Invisíveis: A Revolução – Volume 1

3 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

anarquismo, DC Comics, Dennis Cramer, Grant Morrison, Jill Thompson, Panini, Steve Yeowell, Vertigo

Grant Morrison introduz anarquismo, terrorismo e viagem temporal em Os Invisíveis – talvez a mais louca experiência do autor em quadrinhos desde Patrulha do Destino. Sem usar os clichês, comuns neste universo, sua abordagem é diversificada e lembra o efeito de barbitúricos, pois é ácida e psicodélica.

Dane McGowan, de alma arredia, é um menino que tenta ser nefasto e criminoso a despeito até de sua idade. No entanto, sua tenra juventude não permite que esse desejo se realize. Seu olhar registra as inúmeras pichações de King Mob que, como um mantra, penetram em sua mente por meio da repetição. A rebeldia dos meninos é reprimida num ambiente semelhante a de uma casa de repouso, a qual, na verdade, realiza tratamentos psíquicos nos detentos. O intuito destas experiências envolve a reeducação dos garotos.

No primeiro arco, há uma bifurcação que se relaciona ao protagonismo da história: as partes são Gideon, um sujeito que esconde uma habilidade incomum de longevidade, e o outro é Dane, movido por ideais incendiários e que parece habitar um mundo de extremos, onde não tomar uma atitude significa não ser ninguém. A rejeição que o menino sofre dentro de casa ajuda a agravar ainda mais o seu sentido de inexistência e o complexo de inferioridade que sofre.

A rebeldia e o vandalismo são as formas que o jovem encontra para chamar a atenção do mundo dos adultos, e, após um crime, ele é julgado e sentenciado a ir para uma casa de reabilitação, a Casa da Harmonia, uma instituição com viés alienador e que corrige seus detentos com métodos esquisitos, envolvendo criogenia e castração dos internos. Dane é salvo por uma mini-sociedade secreta, com motivações semelhantes às suas próprias, mas que tem poder real para mudar o status quo e não para mantê-lo, como tanto queriam os homens da Casa da Harmonia. Estes se chamavam Os Invisíveis.

O que o personagem orelha ainda não parece ter entendido é que algo “oculto” comanda seus opositores, aumentando ainda mais o escopo de teoria da conspiração presente no título. No segundo número, denominado Pra Baixo e Pra Fora no Céu e no Inferno, um pregador, mostrado como um pseudo-revolucionário, começa o arco gritando sobre a ditadura da ideia. Ainda que seu discurso seja fraco, ele contém uma indagação forte: “quando foi a última vez que você teve um pensamento que não foi imposto por eles?”. Logo, o rapaz encontra um mendigo chamado Tom, que, atrás de seu comportamento de pedinte bêbado, esconde um enorme poder, convocando Dane para ser parte da tal sociedade secreta.

O mendicante é um mentor pouquíssimo inspirador, seja por seu estilo de vida ou pelo seu método de ensino, pouco ortodoxo, para dizer o mínimo, que se utiliza da violência com o aluno. O intuito de libertar Jack Frost faz com que ele seja deveras agressivo com Dane, a fim de que este rompa com seus antigos medos e meios de vida para ressurgir como um novo homem. Certamente sem estas reprimendas, Dane não conseguiria expor todo o seu potencial e jamais chegaria ao ponto de sentir falta do mestre quando este sumiu. Depois de uma bad trip, Dane se encontra finalmente com King Mob e com os Invisíveis, e a ele é revelado que jamais lançou mão de alucinógenos. A doideira que viveu realmente aconteceu, e subitamente é obrigado a fugir com o grupo, antes que os opositores o alcancem.

A lancinante fuga dos opositores faz Dave olhar o ancião com outros olhos. Aos poucos, muda sua perspectiva, mas em momento algum parece forçado a mudar a própria postura. A utopia do pensamento poético é discutida por meio de um retrocesso temporal que contempla uma discussão entre um par de artistas, o qual demonstra o prazer em falar da realidade e do metafísico, inclusive pondo em pauta a sua importância enquanto emissor da contestação no panorama político e o quão vazio ou repleto de conteúdo ele pode ser. Além disso, a dupla fala da sua importância enquanto formadora de opinião para gerações vindouras, especialmente as que não sofrem com uma tirania tão presente quanto a que vigora naquela linha temporal.

Ainda neste ínterim, Jack Frost – alcunha dada pelos membros do grupo a Dean – começa seus treinamentos junto ao quinteto elemental, e enquanto aprimora sua parte atlética, discute os clichês do Thug Life com Boy, uma mulher negra de compleições femininas, apesar de seu codinome. Paralelo aos dois comentários, o planeta mostra-se como um ambiente em que coexistem “mundos” muito diversos. Nele, há um modo orgânico e simbiótico que permeia esta paisagem e onde, além de se notar uma forte influência militar, discute a máxima física de que dois corpos não podem ocupar o mesmo espaço. O paradigma é notório. As criaturas, modificadas geneticamente por influência da radiação, condição que ultrapassa o arquétipo do normal e passa pela figura de mal necessário, parecem ser apenas parte de um efeito colateral de uma sociedade (supostamente) evoluída, mas que, obviamente, não pode ser levada de modo tão categórico quanto a apelação apolínea pede.

Em outro momento, o quinteto consegue – vias misteriosas fontes – retornar ao passado, a uma era distante demais daqueles anos 1990. A Era Vitoriana deixa toda a sua aura clássica para apresentar uma fina camada de neblina, inebriante, cujo torpor quase ameniza as situações violentas mostradas na publicação.

Arcádia tem um cunho contestatório ligado ao aspecto social e político, num arremedo de Morrison deveras inteligente que se utiliza de um clichê dentro do gênero ficção científica para perverter a mensagem e elevando-a a um ponto anarquista do aspecto político. As fronteiras entre realidade e o mundo imaginário ainda não são completamente claras, e neste início não é sequer correto declarar se há realmente uma diferenciação clara entre dois aspectos.

Invisíveis é uma obra que foge do mainstream de quadrinhos, e, nos episódios posteriores, se aprofunda mais nas questões e aspectos políticos da trama, uma vez que os arcos precisam ser lidos em seguida para se ter uma compreensão completa do todo. Neste momento, Frost ainda era um neófito, um Invisível em começo de carreira. No entanto, este tomo, Revolução, já deixa o leitor a par do que virá nesta abordagem anormal da sociedade, retratando temporalmente, de modo singular, muitos períodos.

Resenha | Batman: Contágio

28 de outubro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Alan Grant, Chuck Dixon, DC Comics, Denny O' Neil, Editora Abril Jovem, Garth Ennis, Graham Nolan, Mike Wieringo

Lançado em 12 partes nas revistas mensais de Batman e seus aliados, Contágio foi publicado no país em quatro edições pela Editora Abril, entre março e abril de 1998, em Batman – Vigilantes de Gotham #17 e #18 e Batman #17 e #18. O arco nunca foi relançado no país, mas, como é costume nos Estados Unidos, a saga foi republicada em uma edição compilada .

A intenção de Contágio é apresentar um elemento a mais nas tradicionais aventuras do Morcego. Em uma época em que Batman sofreu um grave acidente e sobreviveu à lesão na espinha, escolher como vilão um vírus com alto potencial destrutivo apresenta um novo elemento capaz de sobrepujar o herói e, talvez, amenizar os exageros cometidos dois anos antes na saga A Queda do Morcego.

Tratando-se de um herói que conquistou a fama de indestrutível por conta da capacidade estratégica, física e de arsenal ilimitado, um vírus letal é uma dimensão nova que vai além das tradicionais brigas com vilões. Vista com distanciamento temporal, a saga parece antecipar outras duas grandes histórias interligadas entre si: Terremoto e Terra de Ninguém, excelentes arcos publicados dois anos depois desta.

A narrativa inicia-se indo direto ao ponto. Azrael, um dos aliados do morcego – e quem veste o manto na época do acidente quase fatal – informa que um vírus letal, uma variante do Ebola, chegará a Gotham City através de um homem infectado. A personagem em questão é um rico empresário que deseja construir um condomínio de luxo autossustentável. Ironicamente, o ambiente controlado acaba sendo o ponto de partida da infecção na cidade. Tentando impedir o contágio, Batman e seu esquadrão assumem frontes distintas para descobrir a origem do vírus e procurar sobreviventes de uma epidemia anterior, ocorrida no Alaska. Por ser uma narrativa que atravessa as revistas de todos os personagens do universo do Morcego, Robin é o herói que mais se destaca, tendo como missão a busca e resgate de um sobrevivente de um contágio ocorrido anteriormente. No local, o menino prodígio conta com a ajuda de Mulher-Gato, vivendo, na época, uma relação conturbada com os vigilantes de Gotham.

A urgência prometida pelo tempo escasso não aparece nos quadrinhos. Como um líder informal da cidade, Batman pouco aparece no início da trama. Sua presença é inferida pelos personagens e não está ligado diretamente com a ação. A história desenvolve-se com seu esquadrão, Robin, Mulher-Gato e Azrael, procurando por sobreviventes. Enfocando mais a busca por uma vacina do que a destruição de Gotham, a dimensão da epidemia é diminuída, e a figura do morcego fica sem uma função específica na história. Por que sua presença na cidade é tão importante quando deveria ser ele o líder à procura da cura?

Para manter o ritmo narrativo das doze partes, surgem mais ganchos do que o necessário. Um esforço para acelerar um início levemente arrastado e sem uma tensão iminente devido ao contágio. Somente quando um dos heróis é afetado pelo vírus, a urgência aumenta e a trama torna-se mais ágil, dividindo-se entra a histeria coletiva da cidade, os vigilantes tentando proteger a população e um Batman ciente de que a cidade pode sucumbir a qualquer momento e nada fazendo para ajudá-la. A trama também traz o retorno de Gordon como Comissário no comando da polícia, em uma bonita cena em que ele e o Morcego discorrem sobre o amor e ódio que sentem pela amaldiçoada Gotham.

Mesmo não sendo um arco brilhante, Batman – Contágio demonstra a possibilidade de inserir novos elementos nas tradicionais tramas de heróis sem que estas se tornem destoantes. Uma vertente utilizada em grandes sagas pela DC Comics na década seguinte.

Resenha | Robin: Dia Um

21 de outubro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, robin

Mantendo viva a chama escapista vista em alguns especiais do Morcego nos idos dos anos noventa – visando, obviamente, fazer um contraponto à mega-saga A Queda do Morcego –, a revista Batman Chronicles preconizava aventuras do Cruzado Encapuzado em meio a uma Gotham diferenciada. Em Robin: Dia Um, a cidade é apresentada como um lugar mais lúdico, mesmo sendo publicada em meio à saga Terremoto (No Brasil, presente na edição nº 32 da Editora Abril, ainda em formatinho).

Os desenhos de Lee Weeks habitam uma amálgama dos traços de David Mazuchelli, de Batman: Ano Um, e o visual típico da série televisiva sessentista do homem-morcego, emulando elementos dessas duas fases tão distintas. Batman é flagrado em mais uma ronda rotineira, atrapalhando um negócio escuso de uma das quadrilhas que habitam a cidade, mais uma vez desbaratando os marginais sem maiores complicações.

Apesar de o roteiro de Bruce Canwell tocar em pontos-chave, como comportamento mafioso e brechas legais em denúncias não concluídas por parte dos malfeitores, os desenhos de Weeks não abrem margem para uma discussão mais profunda. Isso ocorre também no linguajar do diálogo entre mentor e pupilo, com Bruce Wayne e Dick Grayson conversando bem ao estilo camp das histórias escritas logo no início do surgimento da dupla dinâmica, ainda com arte de Bob Kane. No decorrer da trama, nota-se um clima semelhante ao pensado por Brian De Palma em Os Intocáveis, claro, excetuando a violência gráfica causada pelo antagonista Al Capone, mas permanecendo o mesmo senso de justiça de Eliot Ness – na figura de Batman, logicamente – além de conter uma homogeneidade entre a fotografia do filme e o visual da hq.

As peripécias das primeiras aventuras do parceiro-mirim do Morcego representam a adaptação do terceiro Robin, Tim Drake, ao ofício de menino prodígio, mesmo com os quase dez anos de exercício do manto. Após a morte de Jason Todd e agora com lugar cativo, o webmaster, que não era órfão – em mais um paradigma quebrado -, não havia ainda ganhado a popularidade que se esperava dele, por isso uma aproximação de uma encarnação mais popular era necessária, além de aproximar a iconografia visual de ambas as figuras.

Os primórdios do trabalho em equipe da dupla resgatam muito mais do que o simples escapismo das épocas mais inocentes da Era de Ouro,como comprova a competência de Batman enquanto treinador e o discipulado que fez com seu pupilo. Expõem também uma interação harmoniosa sem sugerir qualquer traço de homo-afetividade subliminar, como Fredric Wertham gostava de destacar. Usando plots parecidos com os filmes de Joel Schumacher, Robin – Dia Um consegue unir a origem do Robin e abordar a confiança mútua e simbiótica da dupla, sem precisar apelar para os clichês cafonas dos filmes e sem subestimar o leitor, apresentando uma aventura divertida e descompromissada.

Resenha | O Sombra – Volume 1: O Fogo da Criação

20 de outubro de 2014 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

dynamite, Garth Ennis, Mythos Editora

A Dynamite Entertainment, fundada em 2005, é responsável pela releitura de antigos personagens de quadrinhos, populares em eras anteriores ao domínio da DC e Marvel Comics. Personagens como O Fantasma, O Sombra, Vampirella e o Besouro Verde são exemplos deste retorno às origens dos quadrinhos. Heróis que vem sendo lançados pela Mythos Editora em encadernados especiais.

Criado para um programa de radiodifusão, o vingador mascarado que lutava contra o crime conquistou popularidade suficiente para cativar os ouvintes e se propagar em outras mídias, como os quadrinhos. O sucesso do herói perdurou até o final da década de 40 quando, após mais de 300 edições, seu gibi foi cancelado. Desde então, a personagem sempre foi retomada pela indústria, seja em novas edições de quadrinhos, séries ou na provável única encarnação conhecida por grande parte do público recente, uma produção cinematográfica de 1994 estrelada por Alec Baldwin.

No retorno do herói, que conhece o mal no coração dos homens, Garth Ennis assina a saga inicial, lançada integralmente pela Mythos Editora em uma edição de luxo com o primeiro roteiro na íntegra, capas adicionais e esboços de Alex Ross, um dos capistas das edições americanas, e arte de Aaron Campbell.

Diferentemente de outros heróis, que a cada releitura são inseridos no tempo presente, O Sombra permanece em sua época de criação, tornando-se um representante histórico da luta contra o crime em um momento de tensão e polarização global. A narrativa de Ennis se evade da eventual história de origem feita para um novo público e confia na potência da personagem, apresentando-a em uma trama investigativa sobre o passado, polarizado entre as tensões de guerras mundiais, do herói.

Soldado da Primeira Guerra Mundial, Kent Allard dominou as artes do hipnotismo e simulou a própria morte para retornar como Lamont Cranston, um bon vivant, colaborador da polícia e combatente do crime. Trajando roupas pretas, chapéu e um lenço vermelho cobrindo o rosto, a ilusão e a teatralidade fazem parte de sua concepção. Não à toa, este e outro herói da época, Aranha, foram inspiração para o estilo consagrado do Homem Morcego.

O roteiro de Ennis apresenta tanto a faceta heroica quanto a do alter ego playboy, equilibrando-se entre dois polos da aventura: a investigação formal para descobrir se os japoneses estão de posse de um mineral com potencial destrutivo para definir a guerra, e as incursões do Sombra contra o mesmo grupo. Mesmo prezando pela justiça, não há um senso moral de que bandidos devam ser poupados. Munido de duas armas calibre .45, Sombra atira sem nenhuma piedade, enquanto faz da sombra e do hipnotismo os aliados para confundir os inimigos. Fundamentado além do rádio pelas narrativas pulps, por meio da ambientação e da violência, o alter ego de Cranston tem a tiracolo um interesse amoroso: Margo Lane. Normalmente, Lane é sua parceira de ação – um elemento diferente do costumeiro sexismo dos quadrinhos – porém, nesta trama, não tem destaque além do fato de acompanhá-lo e ser a única que conhece a dupla identidade do protagonista.

Bem dosada entre aventura e investigação, Fogo da Criação é uma boa história, capaz de conduzir o leitor a outra época heroica. Porém, diante da gama variada de narrativas e do domínio das grande duas editoras, é necessário fôlego para que a personagem se consolide neste momento do mercado sem parecer apenas uma lembrança nostálgica. Os quadrinhos de O Sombra continuam sendo lançados nos Estados Unidos com direito a histórias Ano Um remontando a sua origem. Aguardemos estes lançamentos no país também.

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Resenha | Batman: A Máscara da Morte

7 de outubro de 2014 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Panini

Existem muitas histórias sobre o Batman e muitas formas de contá-las. Uma delas é a que nos é apresentada no mangá Batman: A Máscara da Morte, publicada no Brasil pela Panini Comics/Planet Manga. Mas por que utilizar-se dessa forma narrativa quando os quadrinhos convencionais do Homem-Morcego funcionam tão bem?

Em primeiro lugar, devemos entender algumas diferenças básicas entre o estilo comics e o estilo mangá de se contar uma história. Nos quadrinhos norte-americanos, geralmente temos um personagem que ganha seus poderes por acaso, seja por acidente de laboratório, mutação genética ou exposição à radiação. Super-heróis são obras do destino e geralmente começam a história como uma pessoa comum que teve sua vida drasticamente modificada com a aquisição de habilidades especiais de uma hora para outra. Nos mangás, a coisa é bem diferente. As histórias são mais focadas na “jornada do herói” e têm começo, meio e fim bastante claros. Os personagens evoluem durante a saga, e seus poderes não são dons do destino, mas conquistados com muito esforço. Isso reflete bem o tipo de cultura e modo de vida oriental, que não se apegam a um “destino manifesto”, mas no esforço e superação de desafios. Com os heróis ocidentais isso raramente acontece, e eles já começam sua saga com grandes poderes e grandes responsabilidades, que não se desenvolvem e mantêm um status quo por décadas a fio.

Exceto o Batman!

Batman tem algumas características que podem muito bem se adaptar ao estilo mangá de se contar histórias. Ele não é alienígena, não tem superpoderes, não ganhou suas habilidades por acaso. Ao ver seus pais serem assassinados quando tinha oito anos, Bruce Wayne passou a dedicar sua vida ao treinamento de todos os tipos de artes marciais, além de desenvolver um intelecto superior ao de uma pessoa normal. Bruce uniu força física e mental o suficiente para ser um excelente lutador e, ao mesmo tempo, o maior detetive do mundo. E esse tempo de treinamento, entre o assassinato de seus pais e sua transformação em Batman, é uma lacuna que deixa margem para inúmeras boas histórias, como a do filme Batman Begins e da série televisiva Gotham.

Em A Máscara da Morte, vemos uma parte do passado de Bruce Wayne em que ele treina no Japão, antes de se tornar o defensor de Gotham City. Ficamos sabendo um pouco mais sobre seu treinamento, seu sensei e sua formação. Como em todo mangá que se preze, temos alguns elementos místicos na história e que podem parecer estranhos aos leitores ocidentais. Mas esses elementos apenas fazem a história ficar mais interessante e se amarram perfeitamente ao fim do volume. Um assassino novo ronda Gotham, arrancando os rostos de suas vítimas, enquanto Bruce Wayne sofre alucinações com uma estranha e sombria criatura. Um inescrupuloso homem de negócios é apresentado, e sua assistente faz Bruce se recordar do tempo em que passou no Japão. A história faz conexões entre o passado do Cavaleiro das Trevas, os novos personagens apresentados e a criatura sombria, que tem uma silhueta muito parecida com a do próprio Batman. Para derrotá-la, Batman precisa enfrentar seus medos, revisitar o passado e seguir adiante.

A tal Máscara da Morte do título é um artefato místico que se confunde, em vários aspectos, com a própria máscara do Batman, pressupondo que serviu de inspiração para o manto do morcego. Quem a usa passa a sofrer uma maldição que enlouquece seu portador. Isso traz momentos perturbadores para o herói, dando a entender que ele e a criatura são a mesma pessoa.

O estilo mangá se encaixa perfeitamente com a atmosfera da história. Algumas cenas são verdadeiras tomadas cinematográficas, e o visual dinâmico faz o roteiro se desenvolver em um ritmo fantástico. Interessante notar que, em alguns momentos, o uso de onomatopeias sugere, inclusive, uma espécie de “trilha sonora”, coisa bastante rara em gibis ocidentais.

O autor Yoshinore Natsume conta, em uma entrevista ao final do volume, que teve bastante liberdade criativa. Tanto que escreveu em sua língua nativa e no formato que estava acostumado – o modo de leitura oriental é da direita pra esquerda, o que pode causar certo desconforto no início para quem não está acostumado com mangás. Mas é uma excelente leitura, uma forma nova de se interpretar a mitologia do Morcego e, de forma simples e direta, de contar uma boa história.

Resenha | Batman e Capitão América

23 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Capitão América, caveira vermelha, coringa, crossover, john byrne, robin

Remetendo ao antiquíssimo selo Túnel do Tempo (ou Elseworld), John Byrne utiliza sua larga experiência e o trânsito livre que sempre teve nas duas principais editoras de quadrinhos mainstream para contar o recordatório que remete ao começo da carreira de dois ícones heroicos imortais, o Cruzado Encapuzado e o homem que lutou a Segunda Guerra Mundial ostentando em seus músculos a bandeira americana, também lembrando, claro, de seus parceiros mirins e seu maiores rivais.

Passada em janeiro de 1945, ainda com os ecos europeus da grande guerra contra Hitler e companhia, a história começa em Gotham, mostrando uma referência visual muito semelhante a dos primeiros capítulos de Bob Kane enquanto desenhista da Detective Comics. O resgate a este momento específico é válido, causando no leitor um saudosismo agradabilíssimo e muito pontual, uma vez que, em meio aos anos 90, ocorria uma das maiores derrocadas do Batman – leia-se Queda do Morcego.

É curioso notar que a perseguição entre o Batmóvel e o carro do Coringa é feita por dois Fuscas, mostrando que quase nem era necessária a chancela em balões informando a época do confronto. O clima escapista é notado nas cores escolhidas por Byrne, que, apesar de manter um pouco do clima soturno das primeiras histórias, vê no excesso de cores nos uniformes dos personagens o retrato de uma época em que a docilidade pueril era de praxe.

Pelo lado europeu do globo, o Capitão América enfrenta a guerra que ainda domina o continente, num embate contra uma máquina assassina hitlerista, uma mistura de tanque de guerra com um robô mas que é facilmente subjugada pelo Sentinela da Liberdade, que, acompanhado do Sargento Rock e da Companhia Moleza, consegue derrubar a resistência nazista. Logo, o herói recebe uma ordem para se reapresentar e interceptar um avião sequestrado. Já no ar, ele decide deter a máquina voadora sem paraquedas ou qualquer outro artifício de segurança, logrando êxito, como era típico das primeiras histórias. Logo o Morcego se aproxima, também no ar, para ajudar o herói a combater seus oponentes, sem qualquer explicação prévia, mas em união bela e proveitosa.

Pelo dito nas linhas do roteiro, esta não seria a primeira cooperação entre os heróis, o que agrava ainda mais a missão dada a Steve Rogers, a de investigar uma possível conexão entre o milionário Bruce Wayne e o Coringa, que teria em mãos um plano expondo alguns segredos de Estado muito valiosos.

Em um embate físico entre as contrapartes sem uniforme, ambos, logo depois, decidem cooperar mutuamente, visando alcançar o palhaço vilão de Gotham. Detalhe importante e que colabora muito com a velha disputa entre marvetes e decenetes é que Bruce chega ao cúmulo de assumir sua inferioridade ao soldado americano, antes de eles fazerem as pazes e voltarem a ser amigos.

Logo se descobre que o ardil é orquestrado pelo Caveira Vermelho, que escapou da Alemanha e atacou Gotham, em um conchavo com o Coringa. O clima de união entre as editoras é tão grande que até os parceiros mirins são trocados, com o Capitão trabalhando com Robin e Bucky acompanhando o Cruzado dentro do veículo cheio de traquitanas internas.

O nostálgico caráter prossegue, com o plano megalomaníaco do Caveira revelado aos seus inimigos antes de ser plenamente executado. Toda a reconstrução pensada por Byrne é muito bem conduzida, mesmo que sua história não tenha qualquer compromisso com um subtexto mais profundo. Ao final, o encadernado ainda é capaz de demonstrar outras tantas pérolas, como a discussão ideológica entre Coringa e Caveira Vermelha; quando o segundo convida o Palhaço do Crime a se juntar ao terceiro Reich, logo ouve a resposta: “eu sou um insano criminoso americano” – numa referência clara a sua fidelidade à pátria, diferente e muito do que foi pensado por Jim Starlin em Morte em Família, cujo vilão torna-se embaixador do Irã. Claro, tudo isto é muito pautado na comédia.

Após uma explosão nuclear, os vilões chegam afinal ao seu tão esperado fim, o que prenuncia a nova exploração de conceito heroico que ocorreria lá pelos anos 60, com a evolução do atomic horror para o conceito de Stan Lee em fazer quadrinhos, com poderes de origens radioativas. Além deste conjunto de referências, ainda há um epílogo, sugerido por Roger Estern, em que o novo Batman (Dick Grayson) acha um esquife de gelo, que guarda o herói de guerra Steve Rogers, acordado após décadas de hibernação. O pensamento de Byrne em homenagear Jack Kirby, Bill Finger e Bob Kane é um exercício de singela beleza, além de ser uma homenagem extrema, e até inteligente, guardadas, é claro, as devidas proporções.

Resenha | Peninha 50 Anos

18 de setembro de 2014 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Disney, Editora Abril Jovem, Quadrinhos Disney

O mais versátil personagem Disney dos quadrinhos ganha uma edição comemorativa no seu aniversário de 50 anos de criação. Peninha, o primo estabanado do Pato Donald, surgiu nas páginas da revista italiana Topolino, em 1964 – dois anos antes de estrear em terras ianques. Criado por Dick Kinney e Al Hubbard, suas histórias se tornaram populares na Europa e na América Latina, sendo pouco conhecidas nos Estados Unidos. No Brasil, ganhou popularidade nas décadas de 1970 e 1980, quando muito do que conhecemos sobre o pato cuca-fresca foi criado nos estúdios da Editora Abril. Seu sobrinho endiabrado Biquinho, seu alter-ego Morcego Vermelho e suas inúmeras encarnações nas páginas do jornal A Patada (Pena Kid, Pena Submarino, Pena das Selvas, entre outros), são todas criações tupiniquins, e algumas continuam até hoje aparecendo em histórias italianas.

Essa edição toma emprestada a estrutura de Urtigão 50 Anos, separando as histórias em três fases: Americana, Italiana e Brasileira. A Fase Americana conta com as histórias mais antigas do volume, sendo a maioria desenhada por Tony Strobl. Vemos aqui a conturbada gênese de Peninha, pois suas primeiras duas histórias se contradizem em termos de continuidade. Pura bobagem, claro, uma vez que continuidade não é lá um grande pré-requisito nos quadrinhos Disney. Peninha é apresentado como um beatnik, um reflexo da época em que foi criado, contrastando com seu primo Donald. Desleixado, não se preocupa com o dia de amanhã e vai vivendo no improviso, fazendo Donald passar por situações bastante inusitadas.

A Fase Italiana mostra as histórias mais recentes do personagem, visto que essas ainda são produzidas por lá. É interessante notar que, nas histórias mais antigas, procuravam manter os traços característicos de Hubbard, enquanto nas mais recentes os artistas italianos tomaram muito mais liberdade, tanto no design do personagem quanto na narrativa. Peninha, sempre tagarela, protagoniza uma série em que sequer abre o bico para proferir uma palavra! São também dessa fase as gags de uma página só, com situações do cotidiano. Como na maioria das histórias italianas da família pato, o ritmo é acelerado e o visual exagerado, proporcionando umas boas risadas ao leitor.

Mas a melhor parte é, com certeza, a Fase Brasileira. De primeiras histórias modestas, os criadores nacionais demonstram desenvolver uma intimidade sem igual com o personagem, proporcionando o melhor material dessa coletânea. Se os primeiros artistas emulavam o traço de Tony Strobl para o pato, aos poucos foi se criando uma identidade nacional bastante perceptível e com um alto nível de qualidade nos desenhos! Carlos Edgard Herrero e Irineu Soares Rodrigues traduzem em expressões corporais e faciais todas as características do Peninha.

Nessa fase, surgem as criações de Peninha para a sessão de quadrinhos do jornal A Patada: Pena Kid, uma paródia dos cowboys de westerns com seu Cavalo de Pau; Pena das Selvas, uma versão bastante escrachada do Tarzan; Pena Gordon, paródia da ficção-científica pulp de Buck Rogers e Flash Gordon; Pena Submarino, versão patopolense do Príncipe Namor; Indiana Pena… Enfim, Peninha se encaixa em qualquer versão de qualquer personagem que fizesse sucesso no passado. Se nas primeiras histórias desse tipo o começo e final mostravam a prancheta de desenho do Peninha, com o tempo isso foi sendo deixado de lado para dar mais fluidez à história em si.

A fase Brasileira toma metade das páginas dessa edição, mas não é de se estranhar. O volume de material nacional é bastante vasto, uma vez que Peninha chegou a ter uma série própria de revistas em quadrinhos, que contou com 56 edições quinzenais entre 1982 e 1984.

Além dos heróis “inventados” por Peninha, vemos também duas histórias com seu alter-ego, o Morcego Vermelho, a primeira aparição de Biquinho e uma história de 1984 que comemorava os 20 anos do pato amalucado.

Mais uma vez, fica nítido que os roteiristas e desenhistas da época não se importavam com continuidade. As duas primeiras histórias da fase Americana contam, de forma diferente, a primeira aparição do Peninha, sendo que Donald afirma em uma delas não ver seu primo desde que eram crianças. Já na última história, os dois cresceram juntos. Soma-se a isto a história de origem do Biquinho, que, segundo Peninha, é filho de sua irmã – o que contradiz a Árvore Genealógica da Família Pato, criada por Keno Don Rosa, que não faz nenhuma menção a essa suposta irmã. Mas esses detalhes não tiram a graça e o carisma do personagem, que se mantém firme nas publicações inéditas italianas e, no Brasil, sustenta-se em reedições de sua fase áurea.

Peninha 50 Anos ainda apresenta três textos informativos no início de cada fase, escritos por Marcelo Alencar, que nos mostra algumas curiosidades dos bastidores da produção, além de depoimentos de dois artistas que trabalharam com o personagem, e uma ilustração inédita de Herrero feita especialmente para esse volume. Para fãs de HQs Disney, suas 300 páginas são um deleite de histórias divertidas e descompromissadas. Tal qual o personagem-título!

Resenha | Monstro do Pântano: Raízes – Volume 1

17 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Bernie Wrightson, DC Comics, Len Wein, Monstro do Pântano, Panini, Terror

Oscilando entre a genialidade científica e ataques de ira compreensíveis e razoáveis, já que são inerentes a sua natureza, o herói do encadernado da Panini ganha vida nas primeiras histórias de Len Wein, apresentando o que seria, talvez, sua maior contribuição para os quadrinhos. Em O Monstro do Pântano (Swamp Thing), o autor apresenta seu alter-ego, o cientista Alec Holland, que após uma fatalidade torna-se um avatar da natureza, trazendo à baila uma discussão interessante, que leva em conta os desmandos e exageros presentes na maioria das ações humanas em relação ao planeta em que vive.

Na introdução feita por Wein, o autor começa falando que não sabia estar criando uma lenda. Notar a perplexidade do escritor é algo evidente, até pela ordem dos fatos que seguiram aquele dezembro de 1970. A ideia original foi aceita por parte daqueles que cercavam Wein, ainda que a sua premissa não fosse completamente entendida por eles. Uma vez aprovada, a história foi publicada em House of Secrets número 92, iniciando-se com a narração de seu protagonista, que ainda tentava entender o que tinha acontecido. O modo como a “criatura” faz seu recordatório varia entre o presente e o passado inócuo, fazendo uma confusão quanto à temporalidade do período enquadrado. Somente quando o monstro atravessa a janela para salvar sua amada, pode-se compreender o que era alucinação ou realidade dentro dessa primeira trama. Sua aparência abominável o faz sentir-se indigno perante os olhos da mulher que ele um dia ele chamou de sua. O pântano era o único lugar que o aceitaria naquela configuração, mas isso não era conforto suficiente para seu coração choroso.

No primeiro número de Swamp Thing, é contada a história do cientista Alec Holland, que habita o seu laboratório, fazendo seus experimentos sob os olhares dos seus inimigos. A armadilha que captura Holland é mostrada de forma muito violenta, especialmente em comparação com os outros pares de revistas e gibis infantis. A tragédia e o pântano, lugar onde não há qualquer possibilidade de esperança, tornam-se uma nova chance de vida, uma alternativa perturbadora, mas libertária. O protagonista assume, então, sua nova vida de criatura grotesca, denominada Monstro do Pântano. Seus vilões são figuras tacanhas, caricatas, feios como o diabo, bandidos clássicos que se mostram seres maniqueístas,

O trabalho de arte de Bernie Wrightson aumenta a bizarrice presente na história, retratando figuras inumanas, que se tornam ainda mais assustadores pela contraditória verossimilhança que há em seus contornos. A situação é ainda mais piorada com as cores da edição feita pela Panini, que aumentam o caráter bizarro da obra. A criatura em que Holland se tornou tem sua trajetória carregada de símbolos que remetem ao messianismo. Mesmo rejeitado em um primeiro momento, a sua mente elevada é vista pelas criaturas fisicamente prejudicas como possibilidade de ter qualquer sinal de ascensão.

Logo se descobre que toda a fisiologia do Monstro é vegetal, até seu modo de respirar é dependente de dióxido de carbono. Arcane propõe, então, a Alec que ele compartilhe seu fardo, o que devolveria sua configuração humana. Mas como os heróis altruístas da DC Comics, ele abre mão disso para deter o vilão e impedir que ele ficasse mais poderoso ainda. Ver a si mesmo como um homem-monstro é penoso, mas é um fardo que Holland se vê obrigado a carregar, mesmo com todo o desgosto.

O ideário visual remete demais aos filmes de monstro da Universal, como A Noiva de Frankenstein, seja na figura deformada de Arcane ou na de sua filha, Abigail Arcane, que mais tarde, ganharia ainda mais importância. Semelhante às películas dos anos 30 e 40, Monstro do Pântano retoma a caça às criaturas. Por mais que não haja todo o subtexto que marcou a fase do mago Alan Moore à frente do título, há uma chancela de história em clima clássico, aumentada demais pela belíssima arte, sem dúvida, o maior destaque.

As referências ao cinema seguem, mencionando graficamente até os filmes barrocos da Hammer, protagonizados por Christopher Lee e/ou Peter Cushing. Os vilões deixam de ser somente homens gananciosos, para exibir também figuras transmorfas. A capacidade de Wrightson em transformar figuras grotescas em seres absurdamente assustadores é impressionante. Próximo ao fim da publicação, no penúltimo número do compilado, a temática de aparência versus essência é novamente resgatada, mostrando a maldade analisada de modo não normativo, já que o preconceito não é partilhado pelos infantes.

A trágica trajetória do Monstro o impede de viver qualquer sensação que não seja negativa. Mesmo superando a impossibilidade física de se relacionar fisicamente com humanos, ele assiste à destruição de seu par, incólume ante a terrível constatação de que a solidão habitaria os seus dias. Extravasar sua fúria é algo que naturalmente o impele a agir. Raízes Volume 1 termina no número 6 de Monstro do Pântano, com um gancho para a próxima edição, que ainda não foi lançada no Brasil por motivos ainda não esclarecidos. É notório que muito da qualidade de roteirista de Len Wein se perdeu, tomando por base seu episódio Ozymandias de Antes de Watchmen. Seu ofício como editor tornou-se muito mais digno de nota do que seus guiões, mas certamente, nesse exemplar, ele ainda estava em forma. O criador do Wolverine ainda teria na parceria com Bernie Wrightson um casamento perfeito, apresentando uma figura visualmente assustadora e empática ao extremo, cuja jornada é tragicômica e singular.

Resenha | Batman / Aliens

16 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alien, Batman, Bernie Wrightson, crossover, Ron Marz

Assumindo estar refém de uma sensação das mais básicas, o Cruzado Encapuzado declara ter medo ao analisar a questão que se avolumou. Tentando manter a aura de suspense, o Morcego já é mostrado se embrenhando em uma floresta, supostamente em uma missão. O roteiro de Ron Marz faz um resgate curioso, mostrando um visual semelhante ao do filme de John McTiernan, O Predador, por apresentar uma selva e inserir junto ao protagonista uma equipe de especialistas durões e marombados, que investigam um estranho caso.

Batman aportou no golfo do México, na fronteira da Guatemala com o México, para investigar um episódio curioso, cuja origem só é revelada após algumas páginas decorridas, uma vez que a Waynetch havia enviado uma equipe a tal lugar, já que obtinha negócios naquela região. É curioso o quanto Marz segura para mostrar o monstro, tentando guardar qualquer suspense ou surpresa de como seria o modus operandi dos Aliens. Toda a situação mostrada no filme original pensado por Dan O’Bannon se repete, mas sem qualquer expectativa de sustos.

Pior do que o modo vagaroso do qual a trama segue é o ataque grupal que os monstros fazem, bem mais cerebrais do que os mostrados nas abordagens cinematográficas. Na segunda parte, a narração volta aos primórdios, recontando a origem da tragédia do herói, mesclando-a com o temor de Batman com o Alien. A partir destes embates, a trama fica mais fluida e menos truncada, ainda que as lutas com os monstros não sejam nada demais.

O desenho de Bernie Wrightson está bem menos interessante do que nos idos dos anos 70, quando fazia a arte do Monstro do Pântano, de Len Wein. A regularidade cai vertiginosamente, pois nem mesmo o seu lápis é um diferencial na qualidade da revista. Tanto roteiro quanto desenhos são banais e dispensáveis.

Exceto pela última batalha do Morcego contra o Alien agigantado – fruto de uma “invasão” ao corpo de um crocodilo de proporções dantescas –, quase não há condições de clímax. Através de uma manobra comum em sua carreira, Batman consegue vencer o oponente, fisicamente muito superior a ele, por meio do uso de traquitanas as quais ele sequer está acostumado a usar. O desfecho é covarde e clichê, com o paladino orfão usando a força de um elemento da natureza (a lava de um vulcão) para acabar com as últimas criaturas que ainda sobraram. Após retornar à casa, Bruce ainda se dá ao trabalho de fazer um discurso edificante, que põe em dúvida a origem do mal impingido pelas criaturas extraterrestres: se a ação seria somente uma resposta instintiva, como é com o tubarão, ou se a predação dos monstros seria perversa como a natureza humana. Nada que evidentemente resgate o crossover do ordinário.

Resenha | Mr. Punch

13 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Neil Gaiman

Da antiga união de Neil Gaiman e Dave McKean, surgiu o romance gráfico Mr. Punch. O cenário é a cinzenta cidade do litoral inglês Portsmouth, e a narrativa é focada na rotina de um menino que está visitando seus avós e que presencia situações bucólicas e insólitas, enquanto percebe a vida adulta bater à sua porta. O títere, que normalmente é um objeto de entretenimento infantil, estampa a capa com compleições bizarras e assustadoras.

A narração em primeira pessoa imediatamente insere o leitor no escopo da tragédia encenada na revista. A marionete Mr. Punch é um dos recursos narrativos que ajuda a levar a história, recordatório de momentos pregressos ao discurso de seu manipulador. O início é lúdico, introduzido como um conto fantástico, que mistura elementos mitológicos modernos em meio ao imaginário típico de uma cabeça infantil. Após o preâmbulo, todo o clima muda, já que o cenário também é trocado, a escuridão dá lugar aos tons amarronzados, da casa dos parentes de gerações anteriores, cujo caráter bucólico provoca no receptor uma sensação de saudosismo e nostalgia.

Em meio a enumeração dos fatos históricos do clã do qual participa, o contador da história rememora momentos que viveu e alguns que lhe contaram, mas demora a contar um fato importante para o restante do desenrolar da trama. Seu avô, dono da casa em Portsmourth, havia enlouquecido, fato contado e diluído em meio a descrição da sua existência enquanto criança ainda, esperando o show de fantoches protagonizado por Judy e Mr. Punch, que através da comicidade, abordavam uma história que contém assuntos pesados, como homicídio e ocultação de cadáver.

Paralelo a narrativa infantil, há demonstrações de nudez, explorada não inocentemente, pois sua abordagem é de modo sexual, não subestimando o pensamento infantil enquanto ser carnal, e não alheio a questão da eroticidade humana. O desenho hachurado de McKean ajuda a grafar o abismo de idade e experiência que há entre o protagonista e o ancião que o acompanha em suas desventuras. Em seus rostos nota-se a diferença de mundos em que as duas partes vivem, não só pelas rugas, mas também pelo semblante, um curioso e outro resignado, já experimentado pela vida e livre do fardo da esperança infinita.

É notável a ambiguidade da obra, que tem na alternância entre as abordagens um avatar fortíssimo. A partir da metade final da obra, quase o tempo todo a narrativa varia entre o contar das desventuras do fantoche e seus coadjuvantes pelo idoso, e outros momentos em que há uma enorme solidão do menino, que nas casas dos outros parentes sente não ter ninguém próximo, mesmo tendo ao seu lado pelo menos algum familiar que o vigia. O seu isolamento só é quebrado quando seu avô finalmente chega.

A negação da loucura de seu parente faz com que o infante narrador comece a mesclar as lembranças que tem com as fantasias de Mr. Punch, por naquelas histórias que ouvia nos tempos pretéritos conterem um bocado de comédia, e tragédia também, uma mistura de euforia e agonia comum ao comportamento e ao modo de entender o mundo como o insano deixa transparecer. O inusitado drama escrito por Gaiman põe em prática um evento episódico e escapista, que trata uma questão espinhosa de maneira lúdica e agridoce.

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Resenha | Batman: Asilo Arkham

9 de setembro de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Batman, dave mckean, DC Comics, Grant Morrison, Panini

David McKean é um artista dos mais renomados da indústria de quadrinhos. Graças a sua ocupação maior como artista plástico, pouco se tem (fora, é claro, as inúmeras capas de artigos para o selo Vertigo) de materiais dele como desenhista. Seu modo peculiar de ver o mundo garante uma aura anárquica, caótica e até agressiva para as obras que assina, e sua arte sequencial é tão singular que não combina com tramas normativas ou convencionais. A química de McKean funciona com cabeças pensantes, como as de Neil Gaiman, e ganha mais um capítulo interessantíssimo com a tresloucada Asilo Arkham, uma das primeiras histórias de Grant Morrison com o Homem Morcego.

No primeiro de abril em que os insanos malfeitores de Gotham resolvem se rebelar e tomar o asilo para os internos, pondo em risco os funcionários da instituição, já eram esperadas demandas das mais insanas possíveis, entre elas, a descida do Cruzado Encapuzado ao inferno que era o sanatório. Antes de qualquer recurso textual, há uma série de gravuras, na maioria figuras abstratas, remetendo a estados mentais alterados e idílicos lugares, recônditos mentais, esconderijos para a perturbada percepção daqueles que são internos do Arkham.

Um trecho de Alice, de Lewis Carroll é flagrado, que reafirma o estado soberano de loucura, e a consequente inexorabilidade da condição. A partir daí adentra-se na intimidade de Amadeus, o mesmo que dá nome ao asilo, em seu diário, que demonstra de forma gráfica a nada aplacada realidade do ainda infante, pelos idos de 1901, ao conviver com uma mãe à beira da loucura. A mentalidade débil já o assombrava quando pequeno, de modo atroz. A cor que predomina neste plot é o castanho, diferente do tom grafite que contempla o Batman, que em sua primeira aparição é mostrado como uma rasura em formato humanoide, um esboço, que precisava de uma arte-final, e que sofreria este último tratamento ainda dentro daquele micro-universo.

O Coringa convida seu nêmese a descer as escadas da mansão rústica, mas o convite é mera formalidade, uma vez que para o morcego adentrar os portões do Arkham parecia uma questão de tempo, talvez uma referência de Morrison a máxima freudiana denominada “retorno do recalcado”, onde – em linguagem popular – o doente tende a voltar aos seus pecados originais, mesmo os renegados a muito, além de ser um regresso aos seus traumas.

É notável que o roteiro segue a dualidade da fórmula de transição entre protagonistas, de Batman para Amadeus. O ofício e repertório de ambos é muito semelhante, pois tanto o Detetive quanto o psiquiatra tratam em sua intimidade de insanos, e ambos vivem a atravessar a tênue linha da saúde mental plena, ou, no caso, o que mais se assemelhe a isto. Os pacientes, analisados pelo imberbe Coringa estão em condições ainda mais lastimáveis e penuriosas que o Palhaço, desde Harvey Duas Caras, que está explorando um campo maior de possibilidades, além do velho cara e coroa, e que em virtude disso mal consegue conter sua bexiga. A recuperação dos internos cai na tradição folclórica do local.

A primeira vez em que o rosto do Batman é contemplado sem que quase todo ele esteja à sombra, é quando este quebra um pedaço de vidro, para então perfurar a própria mão, para não se ver capturado pela aura lunática do asilo. O artifício é tentar esconder-se do perigo não mostrando a face ao maior temor da vida, reconhecendo que o senso de loucura é mais forte que a resistência do homem por trás da máscara.

Talvez a mais plausível posição ideológica seja a do Chapeleiro Louco, que é outra referência a Lewis Carroll, que guarda a ideia de que o Asilo é formado pelos pensamentos de alguém, como era o País dos Espelhos, e que talvez a mente por trás disso, fosse a do morcego – ou até de sua contraparte narrativa, o fundador.

Um dos médicos da instituição, Cavendish, foi um dos responsáveis pela liberação dos presos. Seu motivo seria os escritos de Arkham, que assume a sua condição lunática, a mesma que tanto negou e reprimiu. Seu entendimento é de que aquilo seria uma questão hereditária e inegável ao sangue dos seus. Nem mesmo as precárias condições, que não permitiam ao psiquiatra ter uma pena para escrever, o impediram de registrar suas lembranças, e logo ele passa a riscar as próprias unhas para dar vazão ao seu texto profano e sedutor.

Através de uma artimanha nada usual e pouco correta, o Morcego consegue através de interferência externa, vencer Cavendish, tomando para si a responsabilidade de restabelecer a Ordem e a saúde mental daquela sociedade. Seu avatar deveria ser o mais forte, assim que ele assume a via que finalmente o distinguiria dos derrotados, que era a loucura finalmente assumida. Assim, ele estaria em pé de igualdade com os seus semelhantes, afinal.

O mergulho que Morrison e McKean fazem é na intimidade, na parte mais volátil da psiquê do Batman, expondo-o ao lugar mais sujo e fétido que todo o seu universo contempla. A soberania do herói só ocorre graças a sua atitude de abrir mão de suas crenças, entre elas, a de que criminosos são seres inferiores, supersticiosos e covardes. De fato a maioria é, mas somente a patuleia. Casos como os do Coringa, Duas Caras, Chapeleiro e Crocodilo provam que a tese não é tão congruente quanto ele gostaria, e que não há tantas diferenças entre eles e o paladino. O aspecto pitoresco e tragicômico imposto pela dupla de autores faz o peso de cada atitude do morcego ser ainda maior e mais trágico, além de ser uma reimaginação das mais pontuais, pelo quase ineditismo em assumir a condição de louco que preconiza veladamente o herói criado por Bob Kane e Bill Finger, num belo quadro expressionista que remete a um tipo de arte que infelizmente caiu em desuso, e que se diferencia muito da média industrial.

O Morcego Quebrado: Batman e a Queda

2 de setembro de 2014 by Dan Cruz

Artigos, Quadrinhos

Batman, DC Comics

Os anos “nojenta”

A Queda do Morcego foi, indiscutivelmente, a saga do Batman que marcou os anos 90. Não que ela fosse um primor de arte e roteiro, mas foi tanto a porta de entrada de muitos leitores quanto a de saída para outros mais velhos.

A última década do século XX viu o surgimento de quadrinhos cada vez mais violentos. A figura do “anti-herói” passa a ser extremamente valorizada, e parece não haver lugar para escoteiros nos gibis. A arte começa a ser cada vez mais exagerada, com personagens musculosos ao extremo e anatomicamente desproporcionais, e os heróis bonzinhos dão lugar cada vez mais a machões parrudos, sujos e com músculos até a orelha. A linha entre o bem e o mal se torna cada vez mais tênue, a ponto de sumir por algumas vezes. A editora Image é fundada e dá uma banana para os roteiros (quem precisa disso?) em troca de uma arte avassaladora que chame a atenção de adolescentes.

Com isso, a DC Comics viu-se quase que obrigada a dar uma “chacoalhada” no seu universo fictício. Só na primeira metade dos anos 90, tivemos a morte do Super-Homem, a loucura do Lanterna Verde, a Mulher-Maravilha perdendo seu posto, o Flash correndo a uma velocidade terminal… E o Batman. Ah, o Batman…

O Cavaleiro das Trevas

O Batman já tinha passado por uma grande reformulação há pouco tempo, nas mãos de Frank Miller. O Cavaleiro das Trevas e Ano Um foram duas minisséries que deixaram pra trás o clima leve de décadas de história do personagem para deixá-lo mais sombrio. O Homem-Morcego já não se parecia nem um pouco com os super-heróis da Era de Prata, e passou a adotar uma postura mais, digamos, obsessiva. Reflexos dessa fase se encontram até hoje nos meios pelos quais ele passa, tendo seu ápice na trilogia cinematográfica de Christopher Nolan. Mas ainda era pouco. Batman ainda era um personagem da DC, e precisava (na cabeça dos editores) de algo mais próximo do que estava acontecendo na Image. E foi aí que tiveram a ideia da reformulação total do nosso herói.

Os quadrinhos da Abril

Nessa época, tanto a Marvel quanto a DC, e mais tarde a Image, eram publicadas em formatinho (o mesmo formato dos gibis da Turma da Mônica) no Brasil pela Editora Abril. Essa primeira fase da Queda saiu na revista Liga da Justiça e Batman, que, após oito edições, ganhou a revista-irmã Batman, e suas histórias eram interconectadas e intercaladas. À época surgiram várias críticas quanto a esse formato. A primeira, e talvez mais pertinente, foi sobre a publicação abranger personagens tão distintos. Não parecia ser uma boa ideia colocar as histórias sombrias de um Batman exaurido pelo fardo de combater o crime na mesma revista em que uma Liga da Justiça galhofeira era publicada. Embora Dan Jurgens quisesse dar um tom mais sério à Liga do que seus antecessores (que tinham transformado o título em uma espécie de sitcom com super-heróis), a Liga ainda tinha Besouro Azul e Gladiador Dourado em suas fileiras. Podemos somar a isso o fato da cronologia estar totalmente defasada. Nos primeiros números, vemos o Batman usando uma braçadeira de luto pela morte do Super-Homem, mas nas histórias da Liga isso ainda não tinha acontecido, e a tal braçadeira só foi entregue dez edições depois!

Fora isso, para aproveitar ao máximo as 84 páginas disponíveis, eram feitos cortes terríveis nas histórias. Para fazer duas histórias se tornarem uma só, cortavam a última página da primeira história e a primeira da segunda, para parecer uma história contínua. O resultado era desastroso, pois isso podia ser notado principalmente na mudança de artista e de estilo. Além disso, trechos chaves da trama iam, por vezes, para o ralo. Um exemplo, como forma de curiosidade, é o modo como Bane invade a Mansão Wayne, que foi cortada e só apresentada anos mais tarde.

Não só as páginas eram cortadas como os diálogos também. Ainda sem recursos tecnológicos como os de hoje, as letras eram escritas à mão nos balões. O formato reduzido em comparação ao original obrigava os textos a serem mais curtos, e os tradutores reduziam bastante as falas. Comparar uma página original com sua versão nacional é até covardia.

Isso sem contar que as capas das edições nacionais muitas vezes não refletiam a história da revista. E quando acertavam na capa, tínhamos outro problema: Kelley Jones. O artista que desenhava as capas seguia à risca o estilo Image, inventando músculos onde não existem e descaracterizando os personagens. Sua arte dividia opiniões. Uns gostavam e outros odiavam, principalmente porque seu estilo gótico contrastava com a arte mais leve de Jim Aparo no miolo da revista. Jones continuou desenhando as capas até o fim da saga e, mais tarde, passou a desenhar as histórias do Batman. E o formato reduzido da revista acabava deformando a arte.

A queda

A Queda do Morcego começou com uma premissa básica: Bruce Wayne, após anos lutando contra o crime em Gotham, estava num estado de cansaço físico e mental avançado. Isso levaria um novo vilão a se aproveitar de sua situação precária de saúde para tirá-lo de circulação. Assim, fomos apresentados a Bane, um vilão nascido e criado na prisão, que treinou seu corpo e sua mente para se tornar o senhor do crime de Gotham City. Bane, com seu alto intelecto, percebeu o que se passava com Batman e se aproveitou disso. Liderou uma fuga em massa do Asilo Arkham, para que o já combalido Cavaleiro das Trevas enfrentasse todos os seus piores inimigos, um a um, até não se aguentar em pé. E foi o que aconteceu. Batman, após uma série de confrontos envolvendo o Charada, Espantalho, Vaga-Lume, Hera Venenosa, Sr. Zsasz, Chapeleiro Louco e o Coringa, finalmente encontra-se com Bane. O mentor do plano havia descoberto a identidade de Batman e já o esperava na Mansão Wayne, para o pegar quando não tivesse mais força. E foi o que fez: após dar uma surra homérica no Morcego, Bane quebra sua coluna em uma das cenas mais icônicas dos quadrinhos no período. Batman foi, finalmente, derrotado.

Quem manda na noite

Em seguida, Bane leva o desacordado Batman para o alto de um edifício em Gotham e o joga de lá de cima, fazendo com que seu corpo moribundo caia na calçada. Batman só não morre porque tem a queda amortecida pelos toldos do prédio (e porque é o personagem principal). Convenientemente, Alfred Pennyworth já o estava esperando com uma ambulância de resgate e o leva pra caverna. O mordomo, que também é treinado em medicina (e corte e costura!) já havia preparado uma UTI em seu covil, e faz o que pode para salvar a vida de seu patrão/amigo/filho adotivo. Enquanto isso, Bane se estabelece como o novo chefão do crime de Gotham.

Essa fase da saga traz algumas bizarrices de roteiro que, vendo em retrospecto, não fazem sentido algum. Em primeiro lugar, está a desculpa esfarrapada que a bat-família arranja para o sumiço de Bruce Wayne: ele se acidentou com o Porshe. Por que diabos não foi levado para um hospital, então? Enquanto está incapacitado, Bruce escolhe alguém pra substituí-lo. Jean-Paul Valley, o Azrael, assume então o manto do morcego. Outra escorregada de roteiro, pois não havia nenhum motivo plausível para não ser Dick Grayson o novo Batman. Afinal, não foi pra isso que ele foi treinado desde criança? Quem é Azrael, afinal de contas?

Jean-Paul Valley foi introduzido ao público na minissérie A Espada de Azrael, e além de ser um personagem menor, estava há pouco tempo na bat-família. Foi uma decisão bastante estúpida entregar o manto a ele, afinal de contas. Somando o fato de que ele era uma espécie de fanático religioso, com supostas visões de um suposto santo implantadas em sua mente, não tinha como dar certo. E o novo Batman começou uma jornada rumo à loucura, tratando os criminosos de forma ultraviolenta, fazendo upgrades no bat-traje que começou com uma manopla com garras e culminou em uma armadura de batalha. Perseguindo implacavelmente os bandidos, Paul chega até Bane e lhe dá uma surra que o deixa catatônico. É o início de uma nova era para um novo Homem-Morcego.

A cruzada

As visões de São Dumas implantadas em sua mente pelo “Sistema” faz com que Paul fique completamente obcecado e inicie uma espécie de cruzada contra o crime. Nessa fase da saga, o novo Batman não só expulsa Robin da Bat-Caverna como sela todas as suas entradas e saídas conhecidas pelo Menino-Prodígio. Sua armadura começa a ganhar mais acessórios, como um capacete no lugar da máscara, um lançador automático de batarangues – que agora eram menores e mais letais – e garras mais afiadas. Nessas histórias, o Batman se tornaria uma paródia do que o público de outras editoras esperavam de um herói, um ser psicótico e com sede de vingança ao invés de justiça. A loucura foi crescendo de forma assustadora, a ponto de Paul deixar um vilão morrer, sem remorso algum. Esse novo Batman era, para todos os efeitos, um assassino a sangue frio.

A Busca

Enquanto isso, Bruce Wayne estava totalmente sem saber o que ocorria. Numa cadeira de rodas, o antigo Batman procurava alguma maneira de voltar a andar, e encontrou em sua terapeuta Shondra Kinsolving um tratamento alternativo e uma nova paixão. Em uma trama rocambolesca de novela mexicana, Shondra é sequestrada pelo seu irmão malvado (!), que descobre que ela tem poderes curativos (!!), e Bruce faz um juramento, com os punhos cerrados para o céu (!!!), de que não descansaria até encontrá-la. Shondra, que estava sendo drogada pelo seu irmão para ser manipulada, é enfim encontrada pela força-tarefa de Bruce e, no meio de um duelo telecinético com o vilão, dispara uma onda de energia que cura a coluna quebrada de Wayne, fazendo-o voltar a andar (!!!! Ah, eu desisto de colocar exclamações aqui!). Infelizmente, o trauma foi muito grande, e a mente da Doutora Shondra Kinsolving se torna a de uma criança de oito anos. Bruce, com o coração partido, financia o seu tratamento em uma instituição mental na Inglaterra, e não a vemos novamente.

O Retorno do Morcego

Ao voltar pra Gotham City, Bruce Wayne finalmente é atualizado sobre a situação do seu sucessor, e decide que é hora de tomar seu lugar. Como esteve muito tempo paralítico, precisa antes passar por um treinamento intensivo com Lady Shiva, que o obrigou a matar um homem como teste final. Bruce engana sua mestra fingindo matar e conclui seu treinamento. Vestindo novamente o manto do morcego original, o Batman verdadeiro enfrenta o novo Batman, numa luta que se estende por algumas edições. Bruce é mais experiente e melhor preparado, mas, a essa altura, Jean-Paul usava uma armadura extrema que incluía, entre outras coisas, um lança chamas! Após uma épica batalha na caverna (que Bruce consegue invadir pelo mesmo buraco que caiu quando era criança), o Batman original derrota o seu substituto não pela força, mas pela inteligência. Atraindo-o por túneis cada vez mais estreitos, Azrael se vê forçado a largar a armadura aos poucos para poder se locomover, até que sai para a luz, que momentaneamente o cega e o traz à razão. Paul percebe que não é o Batman, e entrega o posto a seu verdadeiro dono.

Esse é o fim?

A história final, embora intitulada Clímax, é paradoxalmente decepcionante. Claro que a ideia foi demonstrar a superioridade moral de Bruce Wayne sobre Jean-Paul Valley, mas mesmo assim não funcionou. A arte de Barry Kitson não ajudou muito, deixando a impressão de que o desenhista é um “escravo de close-ups”, pois usa quadros e mais quadros apenas com o rosto dos personagens. Uma saga como essa, que levou dois anos para ser concluída, merecia um final melhor. As histórias que vieram depois foram bastante insossas, com Dick Grayson assumindo o lugar de Bruce por um tempo para que esse pudesse se recuperar melhor – o que, diga-se de passagem, deveria ter acontecido desde o começo.

Entre o começo e o fim da saga, tivemos momentos bons, ótimos e meias-bocas. Uma das melhores coisas que aconteceram a partir dessa saga foi a revista solo do Robin, que acabou tendo 183 edições e só foi cancelada em 2009. Além disso, excelentes artistas como Graham Nolam, Jim Aparo e Tom Grummet – além de outros menos ortodoxos, como Norm Breyfogle – estiveram sempre presentes durante esses dois anos. Os roteiros nem sempre eram bons, mas davam pra entreter e na maioria das vezes cumpriam seu papel.

A Queda do Morcego é bastante datada, e se lida novamente nos dias de hoje pode se tornar até um pouco (se não bastante) intragável. Mas foi algo que se destacou durante um período de escassez de ideias e criatividade editorial. Certamente, quem a leu em sua própria época (principalmente quem começou no mundo dos quadrinhos com ela) guarda memórias afetivas que podem trair os mais incautos.

O que fica para a posteridade é uma espécie de “lição de moral”, mais ou menos como a ideia principal da graphic novel O Reino do Amanhã: o mundo precisa de heróis de verdade, não de lunáticos fascistas ultraviolentos que fazem justiça com as próprias mãos. Só não dá pra dizer ao certo se os fãs de Jean-Paul Valley entenderam essa metáfora ou procuraram o próximo herói sanguinário depois dessa saga.

Resenha | Planeta dos Macacos (Editora Bloch)

30 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Pierre Boulle, planeta dos macacos

Escrito em letras garrafais, o título “Onde dominavam os homens…Agora reinam as feras!“, anuncia a adaptação dos filmes da franquia simiesca para os quadrinhos, lançada pela Editora Bloch sob o Selo Bloquinho. Os dezessete números da revista Planeta dos Macacos descortina a saga cinematográfica, claro, com um viés mais infantil do que o cunho utilizado nos filmes dos anos 60/70.

A maior mudança em relações aos filmes é que a ampliação das possibilidades do foco, já que, tendo o todo da saga para estudar, é possível aprofundar mais em algumas questões. Logo no início, há um embate ideológico de Lando com Taylor, no qual se discute a misantropia e o legado da Terra, dando a Taylor uma melhor construção de seu personagem. A violência é claramente aplacada, e cada capítulo conta com um gancho para a próxima edição. Curiosos são os extras, que, entre uma história e outra, mostram textos sobre os filmes, com fatos do bastidores muito antes da época da internet, quando o acesso à informação não era muito fácil. Além disso, há comparativos que mostram o desenvolvimento da inteligência dos chimpanzés. O nível de interação é tão grande que faz com que seu protagonista responda a cartinhas dos leitores.

Nesta versão, Zaius é bem menos sutil, vestindo a máscara de vilão de modo categórico, sem direito a nuances. Outra, das poucas diferenças em relação ao primeiro filme, é a gravidez de Nova. O roteiro adaptado de Doug Moench torna-se semelhante aos fatos do livro original, que foi descartado para a franquia cinematográfica. Uma pena é que a arte de George Tuska seja tão mal finalizada, deixando as cores saturadas em muitos momentos.

Já no número três é lançada a primeira parte de Pesadelo da evolução!, história inédita, também de Moench mas dessa vez com desenhos de Ed Hannigan, que mostram uma rivalidade entre homens e macacos dentro do território da Zona Proibida. Uma curiosa relação de simbiose nasce daquela batalha, uma vez que um dos gorilas, Salomon, está cego e o homem que sobreviveu, Jovan, teve suas pernas inutilizadas. A dupla tem de participar juntos da busca pela vida, numa estranha relação de inimizade. Após encontrar um velho macaco eremita, os dois guerreiros percebem que não precisam duelar até a morte só por causa de suas promessas, e chegam à pueril conclusão de que o melhor era viver em paz, não cedendo aos selvagens instintos que os cercavam através da inconsequente guerra.

Em Tirania no Planeta dos Macacos, Moench começa mostrando um homem chamado Derek Zane, num ambiente contemporâneo, ainda na Terra. Uma decepção amorosa o faz fantasiar e passear por um idílico sonho, que guardaria dias melhores para seu futuro. Em meio a esse desapontamento, ele foca sua volúpia em implantar seu plano de viajar no tempo, a la H G Wells, através de um maquinário, que possivelmente serviria de protótipo para ajudar Taylor em sua viagem para o futuro, quando ele acaba por chegar no planeta dos macacos.

A despeito da infantilidade comum às histórias em quadrinhos da época e até do escapismo de Derek, o drama explorado ainda guarda um pouco de discussão mais elaborada, como a predação desnecessária, impingida pelo militar Gorodan, um poderoso gorila que vê em Zane um obstáculo aos seus desejos. Os papéis de caça e caçador são revezados entre os rivais, mostrando o quão pobre é o caráter dessa situação. Mas isso é deixado de lado para que o humano protagonista possa desfrutar de uma aventura com ares medievais em uma parte do planeta misteriosamente preservada. Essa situação é dubiamente justificada pela desculpa de hecatombe nuclear, que teria possibilitado a super-evolução de seres animalescos, entre eles, os macacos. É interessante notar outros pontos de vistas e reimaginações naquele planeta, que mostram um lugar onde as duas espécies vivem bem e felizes. Embora a temática seja muito limitada, quase sempre caindo para a disputa furiosa de humanos e macacos, Zane ainda protagoniza outras histórias. Aliás, o excesso delas, mostrando outros mil grupos de homens falantes e inteligentes no planeta, transforma o enredo em algo bastante genérico.

Dois anos após os acontecimentos do quarto filme, e ignorando a continuação que sequer veio à tona até então, A Disputa do Planeta dos Macacos mostra César e seus asseclas vivendo isolados, escravizando humanos, revidando o tratamento que recebiam deles dois invernos antes. César, aos poucos, pensa em abrir o seu “apartheid pessoal”, tencionando unir humanos e macacos em sua aldeia, a despeito das reclamações de Aldo, o líder dos gorilas. O desfecho tem um viés bem mais otimista e politicamente correto que o término da franquia de cinema, mostrando humanos e símios vivendo tranquilos e em paz finalmente.

As revistas de 8 a 10 contam a mesma história do segundo filme. A arte de Alfredo Alcala consegue imprimir uma diferenciação nas castas de macacos não somente pela diversidade de cores, já que fica evidente que os focinhos do símios são bastante singulares para cada raça. Poucas mudanças ocorreram na trama original, assim como em Destino Terra, que adapta o terceiro filme e tem os desenhos de Rico Rival.

A trama dos filmes segue. No entanto, o relato das histórias torna-se secundário na capa de sua publicação. No número 14, o maior destaque são os extras, que reúnem fotos do filme King Kong, que estrearia algum tempo depois. Em outros momentos, há histórias publicadas que sequer fazem parte do universo dos símios, como O Vale dos Ancestrais, impresso originalmente em The Deadly Hands of Kung Fu, com os desenhos do ainda não famoso George Perez e dedicado à memória de Akira Kurosawa, mas que, semelhante as outras histórias, não é nada além do ordinário.

As cores dentro da publicação não dão margem a uma boa interpretação por parte do leitor. Os efeitos usados eram ruins até em comparação com seus pares contemporâneos, e o abismo de qualidade piora quando comparado com os moldes dos quadrinhos atuais. Unido ao roteiro quase sempre trôpego de Moench, a maioria das histórias acaba não chegando nem perto de ultrapassar a linha da mediocridade. Isso quando não são completamente genéricas, como o arco Zona dos Horrores, que conta mais uma interação boba entre humanos e símios contra a intolerância daquele planeta, embora não houvesse qualquer preâmbulo para isto. Os poucos momentos sóbrios do roteiros são as mudanças das incongruências nos filmes e um pouco da coragem em mudar os rumos do que ocorria no cinema, mas como dito, é muito pouco. A série da Bloquinho, em seus dezessete números, pouco teve a acrescentar na mitologia dos macacos.

Ouça aqui nosso podcast sobre a saga “Planeta dos Macacos”.

Resenha | Neonomicon

29 de agosto de 2014 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, Serial Killer

Explorando um filão em que Alan Moore (seu principal autor) é um verdadeiro especialista, Neonomicon traz uma história baseada em temas mágicos, mas sem a pasteurização comum dos produtos infanto-juvenis que invadiram as prateleiras das livrarias nos últimos dez anos. Uma série de assassinatos estranhos toma a atenção do FBI no decorrer das investigações, apresentando-se uma esquisitíssima série de coincidências.

O lápis de Jacen Burrows é de uma fluidez pouco vista nos trabalhos com roteiros de Alan Moore. Seu traço é limpo e moderno, fazendo uma contraposição com o soturno e bizarro presentes na trama, uma dicotomia semelhante ao que o desenho clássico de Dave Gibbons fez com a desconstrução heroica em Watchmen, ainda que Burrows consiga passar mais do que a premissa semelhante de discussão, uma vez que seu trabalho é esmerado o suficiente para ser mencionado até a despeito do expediente de Moore.

A dupla de detetives é formada por dois arquétipos muito diferentes, com um homem, negro, de meia-idade – Gordon Lamper – e uma mulher, branca, loira, – Merril Brears – num estereótipo muitíssimo ligado ao ideal de beleza. Em comum há o ceticismo inerente aos profissionais detetivescos, assinalado de modo a maximizar o sentimento, uma vez que eles se destacam da mediocridade da polícia local, ao menos aparentemente. Ao se designarem pelo primeiro nome de cada um, uma intimidade entre o par é demonstrada, porém com certa distância, cuidadosamente escolhida pelas partes.

Curiosamente, eles se tratam de modo jocoso, usando palavras torpes para se referir ao parceiro sem qualquer cerimônia, o que denota que eles estão há um bom tempo juntos. Não há espaço para explicações. Talvez pelo fato da publicação se basear em um texto de prosa do mago britânico, a trama é conduzida como uma das mais sutis de sua carreira, especialmente quando se mergulha no background dos homens abordados. Os dois são encarregados de falar com um preso, visto que alguém parece estar copiando o seu método de matar. O nome do interrogado é Agente Sax, um encarcerado que usa uma pseudo-linguagem, apesar de aparentemente ter sido instruído em inglês. Além disso, o personagem carrega um signo visual inconfundível, que é uma suástica na testa. Mas eles não logram êxito, só conseguem informações em períodos espaçados e muito tempo depois da entrevista.

É possível notar algumas referências bastante evidentes, e até óbvias, à obra máxima de Robert Chambers, O Rei de Amarelo, e um pouco da de Ambrose Pierce, porém com uma roupagem moderna. As investigações se elevam, mostrando a possibilidade de um culto de raízes ocultistas e uma série de assassinatos bizarros e sanguinolentos. A variação da arte garante um fôlego de comoção, tanto pelas vítimas quanto pelo mistério em si, instigando a curiosidade do leitor.

Os crimes hediondos são ligados quase que obrigatoriamente a desvios morais de comportamento, especialmente os relacionados à sexualidade. A primeira vítima é uma mulher de alta idade, de compleição física “prejudicada” ao extremo, que possui uma cômoda com ao menos dois jogos de gavetas repletas de consolos e outros brinquedos sexuais. No decorrer da trama, o casal de policiais, disfarçados de fãs de literatura lovecraftiana, se embrenha em uma caçada e chega até o dono de uma loja de artigos culturais, e se alinha a ele, mergulhando em sua intimidade parental e se surpreendendo com tudo aquilo.

A nudez dos “outros” é mostrada como algo decadente, diferente, e muito, do padrão estético visto em revistas pornográficas, o que revela uma crítica em muitos níveis, tanto ao comércio do sexo e do corpo quanto ao desnecessário julgamento com base nas aparências, especialmente em relação ao sentimento de subestimar o homem, tratando-o como ofensivo, seja por presunção ou por sua aparência física.

Os elementos que ocorrem, ao final, reúnem horrores inimagináveis, que esmagam os protagonistas daquela jornada e os reduzem a nada. As pouco mais de 50 páginas da obra são nauseantes e asquerosas se analisadas sob uma ótica normativa e comum. Além de conter um elemento sobrenatural indistinguível e indescritível, o roteiro é uma ode ao trabalho de Lovecraft, Pierce e Chambers, inclusive no que se refere à incomplacência com o leitor.