Críticas – Página: 12 – Vortex Cultural

Crítica | A Incrível Mulher Que Encolheu

27 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Charles Grodin, Joel Schumacher, Lily Tomlin

A incrível Mulher que Encolheu, primeiro filme para cinema de Joel Schumacher, se vale de sua estrela Lily Tomlin para viver uma dona de casa suburbana dos Estados Unidos em uma comédia de costumes nonsense. Tomlin é Pat Kramer, a matriarca de sua família, uma pessoa do lar e que gasta seu tempo cuidando de sua casa, filhos e marido, o publicitário Vance Kramer (Charles Grodin), que tem em seu código ético, o ideal do modo de vida americano com a função de ser o mantenedor financeiro e moral de sua família, enquanto à sua esposa, cabe apenas verificar compras mensais, supervisionar o trabalho da babá latina e cuidar da limpeza da casa.

O catalisador da mudança são justamente os compostos químicos de amaciante, sabão em pó e toda sorte de produto de limpeza, pois ao manejar toda essa química, ela começa a gradativamente diminuir de tamanho. O filme era um produto pensado, inicialmente, para a direção de John Landis (Clube dos Cafajestes, Trocando as Bolas, Os Irmãos Cara de Pau). O final de Landis seria bem diferente, e as divergências criativas ligadas sobretudo ao orçamento, o fizeram sair da produção. Em comum com a versão de Schumacher, havia a ideia de discutir o papel da dona de casa, e como na sociedade moderna esse conceito estava defasado, mostrando isso de uma forma leve, engraçada e crítica.

É curioso que o longa tenha semelhanças com Edward Mãos de tesoura, ao mostrar o subúrbio como um cenário de cores muito gritantes e em tons pasteis, especialmente por ter sido Schumacher a ter substituído Tim Burton na franquia Batman. No entanto, por mais que hajam personagens bem caricaturais aqui, o tom de paródia é bem diferente.

Claro que a comédia é mais rasgada que crítica, mas Tolin segura o protagonismo, driblando inclusive a pecha de trocadilho, quanto menor seu corpo fica, mais ela aumenta sua relevância e mais vocifera pela injustiça química que lhe foi imposta. Ainda assim, a sua preocupação é mundana: salvar seu casamento da falência. No programa de televisão que ela participa muitas vezes é ignorada, e isso é uma clara reclamação do roteiro ao modo como se trata as mulheres pelos meios de comunicação.

A Incrível Mulher Que Encolheu gera um bom embate de ideias, entre cientistas e publicitários, sobre o modo como a química invade a vida do cidadão comum, claro, com um argumento tão exagerado que beira o ridículo. Seu final mistura alguns elementos de King Kong, digeridos de maneira jocosa e ainda abre possibilidade para uma nova história com valores diferenciados graças a clara evolução que a protagonista tem ao longo do filme.

https://www.youtube.com/watch?v=QxI1erocves

Crítica | Tudo Por Amor

26 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Campbell Scott, James Newton Howard, Joel Schumacher, Julia Roberts, Marti Leimbach, Richard Friedenberg

O começo de Tudo Por Amor, sétimo longa-metragem para cinema de Joel Schumacher, se inicia no silêncio, com a bela Hilary O’Neil (Julia Roberts) indo em direção à sua casa, onde percebe que seu parceiro a traiu. Contrariada, graças ao problema de infidelidade, a protagonista decide mudar de vida e de ramo, aceitando um emprego diferente para cuidar de um jovem rico e talentoso que está fazendo quimioterapia para tratar de uma leucemia.

O jovem é Victor Geddes (Campbell Scott), um sujeito arredio e que não gosta que as pessoas olhem para ele com pena. Aos poucos ele deixa Hilary se aproximar, e os dois passam a se enxergar como um par, com um desejo genuinamente mútuo entre eles, com direito a inseguranças e ciúmes, tudo isso em em um tempo recorde. Schumacher gasta todo seu esforço dramático demonstrar uma história amorosa de superação, mas que já foi vista inúmeras, inclusive no recente Como Eu Era Antes de Você e até o popular A Culpa é das Estrelas, embora o filme baseado no texto Richard Friedenberg, que por sua vez adapta o livro de Marti Leimbach, não seja tão descaradamente juvenil. Fato é que a fórmula do longa é bem conhecida, e ela por si só não segura a qualidade da história. Scott e Roberts não possuem química alguma, mal daria para acreditar que os dois estão juntos e por tanto tempo, se não fosse a música de James Newton Howard, que ajuda a aplacar um pouco a sensação do quanto essa relação é tola.

A construção do romance dos dois é muito pautada em um drama barato, em alguns pontos ele parece uma adaptação dos romances folhetinescos ao estilo Sabrina ou Super Julia. O papel que Roberts apresenta aqui é até bem executado, mas repete os muitos clichês que ela vinha fazendo desde Uma Linda Mulher. De positivo, há o modo belíssimo com que Schumacher registra a imagem da atriz, claramente uma de suas musas, deslumbrante e apaixonante desde o primeiro momento em tela. Infelizmente, Tudo Por Amor é mais uma obra que abusa dos clichês e falta de química entre seus personagens.

Crítica | Linha Mortal

25 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Jan de Bont, Joel Schumacher, Julia Roberts, kevin bacon, Kiefer Sutherland, Oliver Platt, Peter Filardi, William Baldwin

A premissa por trás de Linha Mortal beira o sensacional: contar como seria o além vida. Nelson Wright (Kiefer Sutherland) é um estudante de medicina e tem a ambição de realizar uma experiência com os colegas de faculdade.

O roteiro de Peter Filardi carece de sutilezas, o texto é bem direto e Joel Schumacher impõe uma estética e ritmo bem semelhantes aos videoclipes da MTV. Além disso, Dave Labraccio (Kevin Bacon) trabalha, praticamente sem pausas, e no auge de sua impulsividade e autocobrança extrema se frusta após a morte de um paciente que ele tenta salvar. Esse é um breve resumo de quem são os amigos de Nelson, um bando de jovens, bonitos, curiosos com a função de médico, impulsivos e que possuem poucas diferenças entre si.

O diretor de fotografia Jan de Bont deixa os tons alaranjados sobressaírem, como já se via em outros filmes de Schumacher, fortalecendo a ideia do diretor de que as cidades urbanas dos Estados Unidos têm algo em comum, como a vigilância do Sol sobre os seus dias, aqui com um significado diferente, em um tom poético que remete a cor das chamas infernais do cristianismo.

As cores unidas a arquitetura barroca dos cenários onde a experiência é feita demarcam a sensação de apreciar interpretações de outros infernos mitológicos, sendo o dantesco no lado externo onde estão os companheiros de Dave, e onírico e paradisíaco, como é na maioria dos ritos orientais, com misturas da descrição japonesa e um pouco dos Campos Elísios gregos, o lugar de pós-morte dos servos dos deuses. As partes “suburbanas” da cidade têm grandes grafites em neon, como na Gotham de Batman Eternamente e Batman & Robin.

O elenco recheado de estrelas não faz feio, Julia Roberts faz o estereótipo da garota inspiradora, Sutherland mesmo caricato tem muito carisma, assim como Bacon, mas ainda parece real, até as personagens que servem como escadas, William Baldwin e Oliver Platt, funcionam bem dentro dessa equação. O primeiro ato do filme faz parecer que o drama será interessante, depois o que se vê é um arremedo mal pensado de aparições sobrenaturais. O que salva é o visual que Schumacher apresenta. O uso das luzes neon para produzir o terror é um acerto, mas até esse aspecto esbarra nas tecnobaboseiras e aparições gratuitas dos espíritos.

O filme é longo demais, ainda mais ao colocar em perspectiva a fragilidade do roteiro. É impossível não ficar uma sensação de enfado no espectador. O maior pecado de Linha Mortal são suas escolhas narrativas. Nem nas partes mais expositivas existem conclusões a se tirar, além disso, a montagem piora o quadro, sempre parece que faltam frames ou mesmo cenas inteiras, como se a intenção do diretor fosse retratar a mente de alguém com lapsos de memórias, a ideia parece sofisticada demais para a execução empregada.

Crítica | Space Jam: O Jogo do Século

18 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Bill Murray, Brandon Hammond, Danny Devito, ivan reitman, Joe Pytka, Looney Tunes, Thom Barry, Wayne Knight

O inicio do filme de Joe Pytka se dá com uma conversa entre James Jordan (Thom Barry), o pai de Michael Jordan, e o pequeno Mike (Brandon Hammond) no quintal de casa onde a família mora, no verão de 1973. O menino não consegue dormir, então treina arremessos enquanto reflete sobre seu sonho de jogar basquete pela universidade de sua cidade, a Carolina do Norte. Entre as falas positivas vindas de seu pai, fica estabelecida a relação bem íntima entre eles. Mesmo que isso soe bobo como prólogo, era necessário estabelecer essa sensação antes de adentrar a jornada do maior basquetebolista de todos os tempos, que se encontraria nesse Space Jam: O Jogo do Século, com Pernalonga e seus amigos.

A abertura que toca a icônica música de Quad City DJ’s (a trilha sonora aliás, é sensacional e vendeu muito na época), repercute alguns dos feitos absurdos de MJ até aquele 1996, como o tricampeonato da NBA, a medalha de ouro com o Dream Team e o desempenho dele no basquete universitário. Isso é importante, pois embora o filme tenha o coelho da Warner, é Michael o verdadeiro protagonista. A trama não demora a ir ao espaço mostrar os opositores, que são os alienígenas pequenos, cabeçudos e fofinhos, chefiados pelo feio e grande senhor Swarckhammer, dublado magistralmente por Danny DeVito. A introdução da historia é tão rápida quando seu ritmo: se estabelece a crise de Jordan tentando jogar baseball para agradar seu falecido pai e mostra os extra-terrestres dominando e ameaçando os Looney Tunes, ao ponto deles terem que recorrer ao ala já “aposentado”.

Pytka passou por maus bocados durante as filmagens. Coube a ele dirigir as cenas de animação, e o que se fala é que Ivan Reitman acabou interferindo demais nas cenas com atores. Para o diretor foi ate uma surpresa ter sido creditado na direção, com Reitman sendo “apenas” produtor, e a experiência foi tão ruim que e ele se afastou completamente dos holofotes cinematográficos e passou a trabalhar mais em setores de artes plásticas.

Quanto ao filme, ele apela para um humor bastante infantil, baseado em piadas físicas que tratam Jordan como um bobo alegre, quase imbecil. Mesmo as regras básicas do Baseball ele não entende (e ele chegou a jogar o esporte no colegial). Ainda assim, o fato dele se permitir fazer piada com tudo isso é a prova do quanto ele estava dedicado. Outro fator um tanto quanto negativo é o excesso de piadas físicas com Wayne Knight, o faz-tudo e auxiliar publicitário de Michael no Birmingham Barons. As piadas de gordo passam do limite, mas na época, funcionaram bem.

Os personagens animados que co-estrelam o filme com MJ, só aparecem passados mais de dez minutos. Nesta parte há muita criatividade da parte do roteiro. O primeiro confronto dos aliens com Pernalonga se dá após uma viagem pelo Centro da Terra, como se fosse ali outra dimensão onde tudo é possível, inclusive animais e humanos poderem se esticar como se fossem de borracha. A união de MJ com o coelho da Warner não é inédita, eles já se encontraram em propagandas da Air Jordan. Essa aliás é outra marca registrada do longa, os merchandisings são tantos ao longo dos 88 minutos que chega a ser engraçado, utilizado até como piada pronta em uma conversa onde Stan (Knight) dispara o nome de quase dez marcas em um minuto.

O roteiro é bem repetitivo, baseado demais no choque entre personagens burros e espertos, além disso há uma repetição de piadas chatas com o cachorro de Michael, além do que o draminha do filho mais velho do astro com baseball ser expositivo demais como paralelo com a geração anterior. O uso das cores e dos personagens carismáticos aparentemente já é o suficiente para entreter as crianças, e também são suficientes para vender toda sorte de brinquedos e demais produtos.

Há um número grande de participações de celebridades do esporte, desde os que tem seus talentos furtados (entre eles, Patrick Ewing e Charles Barkley, grandes adversários de Michael nas finais da NBA), além de Larry Bird, grande amigo seu, e dezenas de outros jogadores. Além disso, a adaptação serviu também para apresentar a musa furry Lola Bunny, a coelhinha que faz Pernalonga se apaixonar, sendo basicamente a unica que tem habilidades no esporte entre os animais antropomorfizados. Ela se tornaria tão popular que estaria em Baby Looney Tunes anos depois e até na nova série do grupo presente no catálogo da HBO Max.

Até as possíveis fragilidades que moram no fato dos bichinhos engraçados serem na maioria pequenos para o esporte, são aproveitados para inserir o caráter lunático dos personagens, o modo como limpam a quadra por exemplo dá o tom do quão jocosa é a natureza de cada um deles, e ao menos em algum momento dezenas desses personagens aparecem para ter algum brilho. Nada se leva a sério, e isso contamina até o núcleo humano, como na icônica disputa entre Barkley e uma menina fã dele, ao som do clássico Basketball Jones. Aliás, toda a sequência dos jogadores tentando descobrir o que ocorreu com eles é hilária e repleta de piadas internas e de duplo sentido.

O filme é sobretudo uma peça de publicidade. Serve bem para anunciar o retorno de Michael ao basquete profissional e também para vender produtos. Para isso ocorrer, é importante que tudo funcione, especialmente nas animações, e o trabalho de Pytka é impecável nisso. A mistura de 2d com o 3d presente no jogo final é bem fluida, e dá um ar de grandiosidade para a louca disputa em quadra. Mesmo os absurdos são ótimos e as brincadeiras com aspectos Deus Ex Machina dão ainda mais charme a obra. Nem o retorno do personagem central ao campo de Baseball em uma nave é discutido, pois tanto o publico que vê o longa como o que está no estádio já está completamente estasiado com o que MJ é capaz de fazer.

Apesar dos muito senões, Space Jam é um filme muito divertido e curioso, causa risos nas plateias infantis e ainda serve como epitáfio da carreira de Jordan, que ainda retornaria à NBA, e ganharia mais três títulos. A adaptação consegue fazer fluir bem a mistura entre jogadores e os personagens animados, ainda que o protagonista não tenha nenhum talento dramático, resultando em uma mistura comercial muito rentável e condizente com a mitologia dos personagens envolvidos.

Crítica | O Fantasma da Ópera (2004)

16 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Andrew Lloyd Webber, Ciaràn Hinds, Gerard Butler, James Fleet, Jennifer Allison, Joel Schumacher, Musicais, Patrick Wilson

Em 2004, Joel Schumacher lançou sua versão para O Fantasma da Ópera, começando seu drama sem cores, remetendo ao clássico de 1925, de Lon Chaney. Somos apresentados ao Teatro de Ópera Popular de Paris, com os espetáculos sendo organizadas, até que o patrono do lugar, LeFevre (James Fleet), anuncia sua aposentadoria, liberando o papel para que Raoul de Ghagny (Patrick Wilson) seja o novo financiador do negócio, junto ao seu pai, Firmin (Ciarán Hinds).

Esta versão se foca bastante na trama romântica, apresentando as bailarinas, Meg Giry (Jennifer Allison) e Christine Daee (Emmy Rossum), por meio de uma conversa sobre o novo responsável pelo lugar, além da busca pelo sucesso como artistas. Quando a diva Carlotta Guidicelli (Minnie Driver) se retira, abre uma oportunidade para Christine ir ao centro do palco.

As músicas de Andrew Lloyd Webber são impecáveis, o desempenho vocal do elenco é igualmente acertado. Até Batman & Robin, lançado sete anos antes havia uma aura mais fantasiosa e colorida típica dos musicais, aqui o que se vê é uma segurança e austeridade tão desnecessárias que soam até covardes. Talvez tenha sido a crítica frequente ao diretor que não o permitiu um pouco de ousadia, optando por trabalhar numa linha mais conservadora.

Sobre o Fantasma, a maioria dos personagens é bastante consciente sobre a lenda que ronda o teatro, ao ponto de se falar abertamente sobre deixarem um camarim vazio para ele – e até mesmo um salário. Talvez o maior pecado do filme resida exatamente no papel principal, Gerard Butler tem uma presença que varia entre uma face calma e tediosa, e um lado histérico-agressivo que até faz convencer. No entanto o ator é irregular, acertando em alguns pontos, mas seu tom dramático não convence nenhum pouco.

Os acertos de Schumacher moram nas cenas de ação, a luta de espadas entre o Fantasma e Raoul é bem feita, mas o filme carece de identidade. Se comparar com versões musicais com outro diretor de filmes do Batman, Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet de Tim Burton por mais criticado que seja, tem a cara de seu cineasta, e Schumacher parece mais preocupado em trazer uma versão austera, segura e econômica. Seu filme carece de alma, nenhuma atuação sai do tom, é tudo muito higiênico, e os protagonistas masculinos são fracos.

Emy Rossum tenta salvar o filme, mas não tem força suficiente para isso. Quanto a música de Webber funcionam à perfeição, assim como todo o design de produção de Anthony Pratt. O ato final carece de verve e emoção, Wilson e Butler não repetem os bons momentos do primeiro duelo, o que é de fato uma pena, pois um musical prescinde de um final apoteótico, e aqui é bastante anticlimático. Schumacher poderia ter ter feitos escolhas melhores.

Crítica | Fogo e Gelo

14 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Frank Frazetta, Gerry Conway, Ralph Bakshi, Roy Thomas, William Kraft

Ralph Bakshi é um diretor cuja carreira é bastante prolífica, com variados modos de contar historia via animação. Um de seus feitos mais audaciosos foi a direção de Fogo e Gelo, filme em longa-metragem do gênero fantástico situada no filão de espada e feitiçaria, reunindo um grupo de autores de quadrinhos, e claro, o desejo de Bakshi de longa data em trabalhar com a lenda das ilustrações o artista Frank Frazetta. A historia é simples, mostra Nekron, um tirano de pele pálida e poderes místicos ligados ao gelo, cujo único entrave para a expansão territorial é a Casa do Fogo, um reino que fica no meio de um vulcão, sua luta é para alcançar e derrotar esses opositores.

Dentro desse reino, se destacam Larn, um bárbaro loiro, o misterioso xamã Lobo Negro, além da princesa, Teegra, uma voluptuosa mulher que serve ao propósito de garota refém, mas que também faz a historia andar. Embora a trama não se passe na Era Heboriana (que vem a ser a da mitologia de Conan: O Bárbaro de Robert E. Howard), a produção traz inúmeros elementos dos contos do cimério, seja em seus personagens centrais, nas questões de regentes malvados, nas mulheres voluptuosas, como também nas raças que habitam esse mundo, como os Selvagens, que lembram demais os Pictus. Além disso, a escolha dos roteiristas Roy Thomas e Gerry Conway fortalecem esse espírito, dupla essa que escreveria um dos rascunhos de Conan: O Destruidor, em uma versão que claramente não foi filmada por Richard Fleischer, além de inúmeros gibis para a Marvel Comics ao longo dos anos.

A animação varia entre momentos bem simples, com imagens estáticas dos humanoides, e as gravuras que servem de cenário, com belas e virgens gravuras de paisagens ou geladas ou vulcânicas, que ajudam a povoar o imaginário de quem assiste a obra. Além disso, a música que William Kraft conduz apresenta um tom épico aos em tela. Bakshi foi muito meticuloso com a movimentação dos personagem, usando largamente o artifício da rotoscopia, pondo atores para fazer os movimentos de combate dos roteiros, enquanto a equipe de animação supervisionada por Frazetta davam vida em duas dimensões aqueles movimentos. Ao menos nas cenas de combate o que se vê são belíssimas telas, uma ação fluída e que impressiona dado que a utilização de arte computadorizada era bem primária em 1983.

Tal qual outros filmes de Bakshi, esse também não foi livre de polêmicas nos bastidores. Se Mundo Proibido teve seu final mexido pela produção e O Gato Fritz foi odiado pelo autor original Robert Crumb, Fogo e Gelo teve problemas com Frazetta, que era rígido e bastante exigente com a equipe de animação, tendo bastante atrito com boa parte dos que cuidavam dos movimentos dramáticos da obra. Independente das celeumas, o que se vê é um trabalho primoroso, belo, muito colorido e verborrágico em suas ações, se usando pouco de palavras para mostrar sua historia.

A ambientação e belas imagens de fundo ajudam a compor o quadro de alta fantasia, e quase fazem o espectador esquecer os muitos problemas de fluidez narrativa dos momentos com menos ação do longa. Ainda assim há um sem número de conceitos legais, como a demonstração das fragilidades morais de Nekron, que é mostrado como um sujeito manipulado por sua mãe, mostrando que os tiranos que tentam parecer poderosos são frágeis como crianças, além de também mostrar embates violentos entre homens com as bestas da natureza.

Cada personagem tem seu próprio estilo de luta e seus movimentos próprios, o filme não cai na balela de repetir golpes genéricos, sobretudo entre os heróis, Larn e o Lobo fazem uma boa dupla, mas a estratégia de cada um é bem diferente entre si. Dentro da simplicidade de sua formula, Fogo e Gelo acerta demais, utilizando bem os elementos das historias ligadas a mitologia de feiticeiros e bárbaros, com um mundo bastante condizente com o comum dentro desse sub gênero, acompanhado de momentos de ação bem construídos que se não são perfeitos, ainda assim apresentam momentos épicos.

Crítica | Looney Tunes: De Volta em Ação

13 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Brendan Fraser, Jenna Elfman, Joan Cusack, Larry Doyle, Looney Tunes, Michael Jordan, roger corman, Steve Martin, Timothy Dalton

O inicio de Looney Tunes: De Volta a Ação, filme de Joe Dante, é uma refilmagem de um episódio clássico onde Patolino e Pernalonga estão sendo caçados, em uma das muitas demonstrações de quando o pato é um mero coadjuvante. Não demora a mostrar uma quebra da quarta parede, com o personagem reclamando de sua condição de personagem subalterno na Warner, e para isso, acaba pedindo demissão.

Em meio a esse “drama”, há também a história do aspirante a dublê DJ Drake, de Brendan Fraser, que anos antes vinha sendo popular nos filmes de aventura e ação dos anos 1990. Diferente de Space Jam, aqui não há qualquer pudor em misturar desenho animado com pessoas reais. O início do filme tem até alguns bons momentos, com um passeio pelos estúdios Warner, com aparição de vários elementos das marcas famosas da Warner, incluindo o batmóvel do Batman de Tim Burton, além de gratuitas aparições de personagens como Scooby Doo, Salsicha e até Mathew Lillard, discutindo como será a próxima versão em carne e osso dos personagens. Tudo é pretexto para referências, basicamente, incluindo aí uma discussão entre o coelho símbolo da WB, e a vice presidente de comédia Kate Houghton (Jenna Elfman).

Ao menos os personagem animados tem uma configuração visual bem feita, mas o texto não acompanha essa excelência, não há personagens carismáticos da parte dos humanos. A bifurcação da história faz o filme – que deveria ser mais esperto que a média – parecer uma mera obra infantil feita para a televisão. O objetivo de Kate em trazer Patolino de volta não funciona, assim como Fraser também não tem qualquer química com os personagens de desenho. O vilão Mr. Chairman de Steve Martin é outro desperdício, faz lembrar a mesma frivolidade dos antagonistas de Alceu e Dentinho ou de Pequenos Espiões, mas sem a atmosfera pastelão que ambas as obras tinham implícitas.

Uma das maiores criticas de Chuck Jones, animador clássico de seriados de Pernalonga e sua turma, era de que em Space Jam os personagens não pareciam com suas versões em seriado. Um dos objetivos de Dante era tentar mostrá-los mais fiéis. Para isso, os vilões têm realmente um alinhamento maniqueísta com o mal, e os heróis agem como mocinhos. Isso nem seria um problema, se todo o elenco de atores famosos não fosse completamente desperdiçado. Martin, Timothy Dalton, Joan Cusack são completamente desperdiçados. Roger Corman e Michael Jordan tem breves participações, mas completamente desprezíveis, fazendo algo totalmente vazio de significado. Havia potencial na premissa para expandir o mundo como Uma Cilada Para Roger Rabbit fez, mas o que se vê é um filme repleto de bobeiras que só fazem o público abaixo dos cinco anos rir.

Nem mesmo a aparição do herói Duck Dodgers ao final salva o filme da mediocridade. O largo uso de 3D também não envelhece bem, e por mais que busque se diferenciar do outro filme, aqui há bem menos êxito, não há charme, e mesmo a dita fidelidade ao material original não se observa tanto. A brincadeira com a quebra da quarta parede ocorre basicamente para nada, o drama da fogueira de vaidades também não resultada em nada substancial, e nem mesmo a troca de Jordan – que não era ator e era inexpressivo – por uma quantidade exorbitante de atores renomados fez o filme ser dramaticamente melhor, já que o texto de Larry Doyle é esdrúxulo em um nível acintoso.

Crítica | Encontrando Forrester

11 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

anna paquin, F. Murray Abraham, Gus Van Sant, Harris Savides, Matthew Noah Word, Mike Rich, Rob Brown, Sean Connery

Encontrando Forrester, longa dirigido por Gus Van Sant e lançado no ano 2000, começa com o registro das ruas, com uma pessoa batendo claquete para um jovem, que começa a declamar a poesia das ruas em forma de rap. Aos poucos, o filme vai mostrando o cenário urbano nova iorquino, com as ruas, as salas de aula e os refeitórios de escolas cheios de jovens negros interagindo ou simplesmente estudando enquanto vivem a rotina de tentar estudar e viver.

O roteiro de Mike Rich acompanha Jamal Wallace, feito por Rob Brown (a época, usava a alcunha de Robert Brown), um estudante que busca conseguir a oportunidade de estudar numa universidade, se valendo do seu talento como jogador de basquetebol no High School. Suas notas chamam atenção de um colégio particular, e ele ganha uma bolsa para, basicamente, desempenhar o bom papel que já vinha fazendo no basquete.

Van Sant é bem econômico aqui, desenvolve a jornada do rapaz vagarosamente, mostrando-o andando sempre com uma bola embaixo do braço, assim como anda com os papéis onde costuma escrever. O caminho do jovem se cruza com o de William Forrester (personagem de Sean Connery), um homem recluso e anti social que se recusa até mesmo a vê-lo. Os dois têm em comum o prazer pela escrita, embora o veterano escritor não dê muita abertura para qualquer conversa nesse sentido, no começo da interação entre eles.

A fotografia do longa, assinada por Harris Savides (Zodíaco e Bling Ring), faz predominar cores bem diferentes nos cenários que o protagonista passa. Na Mailor, escola para onde ele vai, se percebe os tons de marrom, que miram a formalidade daquele local. A casa de Forrester também tem muito marrom, em especial nos velhos móveis de madeira, mas aqui se misturam com o cinza, e que com uma tonalidade mais escura, que reflete a personalidade do velho homem, que já não parece mais propenso a viver em sociedade.

É curioso como esse foi um dos últimos filmes de Connery antes de se aposentar, sendo obviamente mais bem aceito que o seu último de fato, A Liga Extraordinária, onde ele também se utiliza de uma peruca para emular mais cabelo do que tem. Por mais que o longa de Van Sant contenha fragilidades, nada justifica uma comparação com o outro produto.

As partes onde mostram o basquete são bem feitas. O diretor encontra bons ângulos, seja nos treinos em que Jamal disputa contra Hartwell (Matthew Noah Word) ou nas partidas de fato. O jogo de pés do rapaz é bom, a câmera registra a cintura e coxas dele se movimentando em quadra muito bem, assim como dá fluidez ao seu movimento rumo a cesta. As bandejas executadas ganham um tom quase poético, assim como o mergulho do rapaz na intimidade do escritor que é seu vizinho. Em comum, os dois personagens tem a casca grossa, que dificulta uma real aproximação – embora cada um aja temperamentalmente diferente a novas investidas de estranhos – e claro, a melancolia proveniente de morarem em um mundo que está longe de ser o ideal para os seus talentos e anseios.

O estudante e o escritor vêem um cenário em que o passado os machuca e o presente é só de cinzas, como se o pretérito tivesse sido um incêndio que não deixou vivo nada do que já foi bonito. Van Sant já demonstra aqui boa parte dos elementos narrativos que utilizaria em Elefante, em especial a dificuldade do jovem americano em lidar com a pressão constante de ter que vencer, de ter que ser alguém. Toda a jornada de Jamal passa por isso, desde a rivalidade e carência dele em relação ao seu colega Hartwell, até a aproximação da bela Claire (Anna Paquin), que simboliza a garota dos sonhos que dificilmente teria contato com um rapaz como ele fora do cenário de Mailor.

Não há muita sutileza no que tange ao personagem do professor Crawford, de F. Murray Abraham. Seu arquétipo é o do anti mentor, quase o de um vilão, um homem branco e velho que não consegue acreditar que o jovem é capaz de escrever o que escreve, e por mais que o tema seja caro e toque em um clichê bem rasteiro do pensamento racista – de que o negro é capaz de feitos físicos e não intelectuais – o que se vê aqui ultrapassa a linha da normalidade. Os personagens são postos em pólos antagônicos, mas de uma forma tão forte e visceral que soa até irreal a perseguição do homem velho ao jovem

Por mais que não seja perfeito, e tenha um bocado de maniqueísmo em sua performance, Procurando Forrester compõe uma boa saída de cena de Connery, sendo também um bom retorno de Van Sant aos bons tempos, inclusive com referencias claras aos seus sucessos do passado, como Gênio Indomável. Além disso, seus créditos finais ocorrem enquanto meninos jogam um rachão, a beira da janela onde acontece o ato final, mirando uma abordagem poética do apreço desses jovens ao esporte, mostrando a face da inocência também por meio dos hobbies da juventude.

Crítica | Capone

10 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Al Capone, filmes de máfia, josh trank, Linda Cardellini, Tom Hardy

Capone é mais uma das (muitas) adaptações para o audiovisual sobre o icônico mafioso ítalo-americano Al Capone, interpretado por Tom Hardy, e dirigida pelo controverso diretor Josh Trank. A história começa misteriosa e singela, com o sujeito andando por sua casa, como se estivesse caçando algo. E de fato está, embora não seja nenhuma situação perigosa. É estranho como esse período antes da trama se desenrolar visa humanizar a figura do personagem-título, embora na primeira vez em que ele troca olhares francos com alguém pareça frio demais, e estereotipado como todo monstro é.

Hardy tenta desempenhar um papel diferenciado, mas incrivelmente repete a mesma situação de outro filme recente seu, Venom. No caso do anti herói da Marvel/Sony, o roteiro não permite nada vultuoso, mas ainda houveram méritos lá, pois ele fazia um Eddie Brock complexo demais para um produto feito meramente para vender bonecos. Aqui, o Scarface é um sujeito duro, sem tato, de poucas palavras e voz caricatural.

Mesmo em uma reunião familiar ele parece estar tenso e prestes a receber um tiro, como se a traição o espreitasse o tempo todo. Alphonse não era o exemplo de comportamento ou recato, longe disso, a versão que Robert DeNiro interpretou em Os Intocáveis mostra o quão ignorante e violento ele era, mas outra comparação também com personagem da cultura pop é valida. Em O Poderoso Chefão, Don Vito jamais transparece a face de quando trabalha para seus familiares. Ele é tão decidido nesse quesito que, mesmo em sua ausência, os homens da família não falam de negócios a mesa. Aqui, mesmo já muito rico e experiente, Capone não consegue deixar de passar para seus parentes a tensão pela qual passa todos os dias, e isso soa incongruente.

Um papel importante é a do par do mafioso, Mae, vivida Linda Cardellini que, inclusive, já havia feito pouco tempo atrás um papel semelhante em Green Book. O modo como ela age com seu marido dá um pouco da dimensão combalida mentalmente que o personagem principal está. A atuação de Hardy aliás é o suficiente para perceber que ele está doente, a maquiagem forte, o uso de lentes de contato, as perucas e já citada voz empostada fazem o quadro piorar muito. É como se um dos maiores vilões do crime organizado no continente americano fosse um pastiche, um retrato desenhado bem mal feito, tratado de forma tosca unicamente para chocar quem vê o longa.

De fato a abordagem é chocante, e a premissa do roteiro que Trank planeja dar vazão é ótima. Mostra Alphonse aos 47 anos, após sair da prisão, com a demência atacando sua mente graças a complicação da sífilis. Aos olhos da justiça ele é inofensivo, por isso pode ter com os seus, pode ficar com sua família. A insanidade é mostrada de uma maneira incômoda, tanto para os que estão dentro da trama quanto para quem a assiste. É tudo muito grotesco, não há nada de prazeroso em assistir a intimidade do caricato carcamano.

Os conflitos familiares em alguns momentos soam como números humorísticos, de tão mal pensados e toscos que são. Uma das reações da esposa a uma grosseria dele é tão desmedida e mal enquadrada que parece retirada de um teatro amador infantil, daqueles de igrejas sem orçamento para tal. Quando o filme tenta soar sério, então, piora. O modo como a problemática do nome Al, por exemplo, é mostrada de modo sensacionalista e bobo.

O filme não se decide se focará nos devaneios de Capone, se permitirá viver pelas montanhas de loucura que são seus últimos dias, ou se dará vazão a investigadores que cercam o sujeito, grampeiam seu telefone a troco de saber se ele ainda movimenta algum nível de criminalidade. É tudo muito estranho. Os fantasmas do passado do antigo chefão já seriam o suficiente para deixá-lo louco, mas o texto parece não saber o momento de parar de colocar clichês no caminhar trôpego do homem. Não há limites para a pretensão, e o fato de querer parecer um produto artístico fora da curva coloca este Capone em uma posição ainda mais ingrata, de parecer pedante.

O sujeito que definha durante o filme não provoca nenhuma emoção ou sensação digna no público, nem de pena, nem de receio. A vontade de mostrar um ícone em decadência esbarra na completa inabilidade de Trank em produzir complexidade na pessoa que ele investiga. A palidez pela qual passa Hardy e os olhos com lentes artificiais afastam o sujeito da humanidade, mas também não o tornam animalesco por completo. Se o objetivo era mostrar uma besta enjaulada, tentando conviver com a insanidade e com breves momentos de lucidez, certamente a produção se equivocou, pois o espectador claramente sente pena de Hardy, de Trank, não de Al Capone.

Ao longo dos 103 minutos de duração, o protagonista volta a encarnar o demônio engarrafado, no couro de um homem em decadência. Há uma sequência até bem filmada em termos de ação, mas esvaziada de significado, que mostra o homem que está claramente se despedindo da vida graças a sífilis fazendo uma justiça poética com suas mãos e com o aço das balas, numa demonstração grotesca dos seus últimos atos como refém de uma possessão demoníaca. Talvez Capone soasse mais honesto se se assumisse como um filme de terror, ou uma comédia em tom de paródia, mas ter a ambição de mostrar o final da vida de um dos criminosos mais notórios da história, mesmo sem qualquer registro do que ocorreu ou não, é um esforço tolo, ainda mais no modo grotesco como se mostra.

Crítica | American Pop

9 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Barry E. Jackson, Louise Zingarelii, Ralph Bakshi, Ron Thompson, Ronni Kern

O cinema de Ralph Bakshi passou pela animação infantil e adentrou algo mais adulto e pesado, a partir de 1971 com O Gato Fritz. Em American Pop ele retoma essa narrativa, ajudado pela música de Ron Thompson que faz uma performance soberba, elucubrando sobre a música, abordando quatro gerações diferentes entre si, viajando por épocas e eras distintas não só pela temporalidade, mas também pelo espaço.

No inicio se vêem quadros estáticos, de traço característico,em homenagem a Louise Zingarelii, Barry E. Jackson e outros artistas. O roteiro de Ronni Kern começa mostrando a Rússia oprimida pelos tiranos czares, antes da revolução popular que teria Vladimir Lênin e Joseph Stalin como expoentes. Quase sem diálogos didáticos, mostra a emigração de estrangeiros para os Estados Unidos e como isso ajudou a formar a identidade musical do povo.

É curioso, pois em Blues, Robert Crumb abordou uma temática parecida, e aqui, Bakshi também toca essas raízes, obviamente sem o mesmo caráter ácido do quadrinista underground, ainda que mergulhe bem nas profundezas sujas das ruas americanas. A variação entre imagens estáticas e outras animadas de fato, com movimento faz assustar um pouco o espectador não acostumado a técnica da rotoscopia, mas dependendo do quadro que apresentam, a fluidez é maior.

A sequência que coloca lado a lado números de dança mil e sequências de cenas de guerra une dois espectros peculiares da vida adulta, interrompem a visão ingênua e infantil do que deveria ser o cerne de um filme animado, para mostrar a face dura e cruel da historia humana e um pouco do divertimento que os adultos tem por ideal.

O fato de não ter um foco definido faz com que alguns momentos sejam mais interessantes e legais por eles mesmos. O passeio pela evolução da musica popular é muito bem feito, seja no Jazz, na evolução do Rock, do Rockabilly até o Punk, passando pelas gerações hippies e de Woodstock de uma maneira rápida, mas não simplista. American Pop é um bom relato da evolução pelo qual passou a cultura norte americana, como uma ode ao legado deixado pelos artistas disruptores que marcaram época, além de exemplificar bem como eram as tribos de consumo cultural.

Crítica | O Custo da Coragem

9 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cate Blanchett, Jerry Bruckheimer, Joel Schumacher, Patrick Lumb

O Custo da Coragem é uma obra de ficção supostamente baseada em fatos, dirigida por Joel Schumacher e protagonizado por Cate Blanchett, que faz Veronica Guerin, uma repórter investigativa que descobre um forte esquema de narcotráfico em Dublin, na Irlanda. O começo do filme produzido por Jerry Bruckheimer em parceria com a Touchstone Pictures dá conta de cenários típicos da cidade, que podem ser vistos em tantas outras áreas urbanas, como igrejas católicas, tribunais de justiça etc.

Nesse prólogo, a personagem-titulo é mostrada sendo julgada, também se estabelece que ela tem problemas com leis de transito, e em confrontar as forças criminais locais. Os saltos temporais fazem a violência mostrada em tela piorar ainda mais quando Veronica adentra o antro os os jovens se drogam. A prostração do povo que faz uso contínuo das drogas assusta um bocado, mas há um cuidado enorme da parte da direção de Schumacher e da direção de arte de Patrick Lumb e Julie Ochipinti em não glamourizar aquilo, tampouco julgar essas pessoas como inferiores ou algo que o valha. A marginalização delas se dá por conta de desejos das próprias, e o modo como isso é demonstrado em tela é seco e pesado demais, um grande acerto do cineasta.

Após muitas críticas aos seus filmes, seja nas suas versões do morcego em Batman Eternamente ou Batman e Robin, ou nas adaptações de John Grisham, O Cliente e Tempo de Matar, o diretor decidiu fazer seu filme todo baseado na sobriedade. O filme é econômico, e até marcas registradas do diretor são deixadas de lado, a cidade não tem tons alaranjados em sua iluminação, ou pichações com detalhes em neon, possivelmente por essa ser uma historia na Europa e não nos Estados Unidos como foram as outras. Mesmo na abordagem de sua personagem central, ele não registra Blanchett como o auge da beleza (por mais que ela seja muito bonita), não é como foi com Julia Roberts, Sandra Bullock ou Nicole Kidman aqui o que fala mais alto é o trabalho da repórter do Sunday Independent e não o seu corpo, e mesmo quando tentam objetifica-la, a câmera condena o ato.

O diretor também rejeita qualquer tipo de estilização do estilo de vida junkie ou de filmes de gangsters ditos cools, não se vê referencias a utilização de drogas como em Transpotting ou Kids, tampouco os vilões parecem os de Na Mira do Chefe ou Snatch – Porcos e Diamantes. Há no filme um charme inconfundível, que mistura elementos de séries policiais antigas como Nova York Contra o Crime e um bocado do cinismo dos filmes noir antigos. A ideia de mostrar uma historia real parecia bem viva na cabeça do realizador, e para isso, ele usa de pragmatismo visual e de um modo bem austero de filmar, sem que para isso, a violência seja aplacada, afinal a realidade é por vezes pior que a ficção e fantasia.

A personagem de Guerin é muito profunda e realista, além de seu faro investigativo, elementos são incorporados ao seu comportamento, de maneira bem natural, como a admiração a Eric Cantona, jogador avançado de seu time, o Manchester United, que ficou conhecido para além do futebol, por ter dado uma voadora num torcedor que gritava palavras de ordem fascistas. Esse aspecto por menor que seja denota uma característica de humanidade bem básica, e isso é bem importante, já que é preciso que o público se identifique com a personagem.

Após o final do filme, pesado para quem não conhece a historia real de Veronica Guerin, é de se lamentar o nome nacional para o filme, ainda que O Custo da Coragem tenha algum significado, deixa nele implícito um grau de culpa em cima de uma personagem fantástica, que não tinha receio em bater de frente com a opressão da cidade grande, tampouco se dobrava aos homens poderosos, mesmo que fossem eles super mal encarados. A ideia de resistir vive no legado da personagem real, e Schumacher utiliza seu filme para denunciar as centenas de casos de assassinatos a jornalistas e a covardia do femininístico. Nesse intuito, ele poderiam facilmente cair em uma abordagem piegas e demasiado sentimental, mas isso não ocorre, ao contrário, o que se percebe é uma obra certeira, contundente e crítica.

Crítica | Reféns

8 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Joel Schumacher, Karl Gajdusek, Liana Liberato, nicolas cage, Nicole Kidman

Pondo em perspectiva a carreira de Joel Schumacher, é triste que o ultimo longa metragem conduzido por ele tenha soado tão genérico como a fita de ação e suspense vista em Reféns. A obra conta a história da família Miller, e tem como protagonistas suas musas Nicole Kidman, com quem fez Batman Eternamente mais de 15 anos antes desse, e Nicolas Cage, que fez com ele 8mm. Os dois são Sarah e Kyle, vivem com sua filha Avery (Liana Liberato), em uma casa grande e abastada, e desde o início se percebe que eles são precavidos, e muito preocupados com a segurança familiar e patrimonial.

O filme vai transcorrendo normalmente, até uma suposta intervenção policial, originada a partir de malfeitores, que colocam os personagens da família na condição óbvia do título nacional. O filme é bem irregular, no começo se estabelece uma situação de normalidade bem crível, mas essa boa atmosfera se mostra frágil quando acontece a invasão do domicilio. Os fatos posteriores a isso variam entre o totalmente inacreditável que reside na tentativa de negociação entre raptores e vítimas, e a tensão pelo que pode ocorrer com a vida dos personagens que aparecem em tela.

Um dos problemas da obra e do roteiro de Karl Gajdusek é que os personagens não causam simpatia ao público. As situações que poderiam fazer o espectador se afeiçoar por eles não superam a condição de clichês dramáticos, e isso não é incomum nos filmes de Gajdusek, pois em Oblivion e November Man: Um Espião Nunca Morre também se percebe que ele utiliza atores famosos como atalho para o desenvolvimento de seu texto, acreditando que ao colocar pessoas famosas para fazer os papéis que idealizou, conseguiria agradar a família tradicional americana.

Até há algum senso de urgência nas tentativas de chantagem entre bandidos e família, além de uma longa e intricada trama cheia de reviravoltas, mas quase nada é crível. A suspensão de descrença do espectador se baseia demais no sensacionalismo barato, e isso ajuda a denegrir demais o filme. Nem as atuações que normalmente Schumacher conduz bem, funcionam aqui.

É lastimável que esse tenha sido o derradeiro filme do diretor, uma obra de suspense que se baseia na filmografia do cineasta para apresentar uma história fraca, que tem como trunfo tão somente isso, a afeição do realizador pelo sub gênero. Simbolicamente é triste que o final de sua última história independente – Joel haveria também de dirigir dois capítulos de House of Cards na primeira temporada – tenha que se valer de aspectos familiares para justificar essa tentativa de voltar a ser relevante, e é uma pena que após ter feito os seus filmes mais rentáveis ele tenha caído tanto no ostracismo, mesmo que posteriormente a isso ele tenha feito obras tão certeiras como O Custo da Coragem e Por Um Fio, e principalmente, é uma pena que o simbolismo dentro de sua última adaptação cinematográfica seja uma tentativa de se apaziguar com as famílias norte-americanas tradicionais como são os Miller, sendo que boa parte dos detratores que tornaram sua filmografia em algo subestimado, tenham vindo desse o mesmo tradicionalismo retratado ao longo de Reféns.

Crítica | Em Má Companhia

8 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Anthony Hopkins, chris rock, Darius A. Wolscki, Joel Schumacher, Peter Stormare, Trevor Rabin

Em Má Companhia é um filme de Joel Schumacher de 2002, que mirava as fitas de super espiões que faziam sucesso naquela época, em especial os da franquia Missão: Impossível e a duologia As Panteras. Sua trama começa em um lugar suntuoso, num cenário no estrangeiro onde são colocados frente a frente Anthony Hopkins, Peter Stormare e Chris Rock, que fazem respectivamente o mentor Oakes, o bandido Adrik Vas e o suposto herói Kevin Pope.

O filme não perde tempo, já começa com a ação em alta, ocorrendo até a morte de um dos personagens centrais. A música animada de Trevor Rabin ajuda o filme a manter uma tônica mais otimista, mesmo com a tragédia que aparece ali. Todo o roteiro tenta apresentar de maneira séria uma ideia esdrúxula, com a CIA, que deveria ser uma agência que prima pela inteligência, procurando em Jacob Jake Heyes, o irmão gêmeo perdido de Kevin, o substituto para ele, basicamente por ser um esperto malandro de rua, que fala gírias e parece ser maroto o suficiente para lidar com criminosos graúdos do cenário mundial.

Ao menos há o artifício positivo de Jacob ser um sujeito engraçado. Rock está solto, e entre os momentos mais malucos estão o fato de ele, ao começar a aprender uma nova língua, se focar em traduzir frases sobre infecções que jamais teria, como como complicações vaginais e ausência se menstruação. O humorista tem liberdade para fazer toda graça que lhe cabe e esse talvez seja o filme mais caro onde ele tem espaço, muito mais do que normalmente fazia nos filmes da Happy Madison com Adam Sandler e seus capangas. No entanto, o fracasso na bilheteria freou certamente a carreira dele como frontman em filmes de ação ou produtos mais caros, o que de certa forma, é uma lástima, já que filmes muito piores conseguiam êxito (como a franquia A Hora do Rush), enquanto o longa de Schumacher mal se pagou.

Por mais genérica que seja a historia – e é muito! – há um número grande de situações tensas e cenas de ação absurdamente bem conduzidas. A fotografia de Darius A. Wolscki ajuda a estabelecer essa atmosfera de super espionagem e, mesmo tendo inúmeros problemas narrativos contando até com um final adocicado, há um certo charme na interação de Rock e Hopkins. Ambos possuíam uma química inesperada juntos, fazendo desse Em Má Companhia não um filme subestimado, mas certamente muito competente dentro de seu filão, mesmo com todas as críticas negativas a seu respeito.

Crítica | Tempo de Matar

7 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Akiva Goldsman, filmes jurídicos, Joel Schumacher, Kevin Spacey, Matthew McConaughey, Samuel L. Jackson, Sandra Bullock

Após um considerável sucesso adaptando John Grisham em 1994, com O Cliente, o diretor Joel Schumacher se volta novamente para outro livro do autor, dessa vez, trazendo Tempo de Matar, uma história sobre justiça, vingança e intolerância racial. A trama tem início com dois rapazes brancos passeando de carro pelas ruas de Canton, Mississipi, causando terror entre pessoas de minorias étnicas. Dentro de seu veículo há signos e símbolos neonazistas, além da bandeira dos Estados Confederados da América. Ao passo que mostra os dois sujeitos, a trama também apresenta o advogado idealista Jack Tyler Brigance, de Matthew McConaughey (em um dos seus primeiros papéis sérios e de destaque), além de membros da família Lee Hailey, que estão entre os negros atacados pela primeira dupla.

O roteiro de Akiva Goldsman não demora quase a estabelecer sua ação, mostrando uma criança sendo vitimada pelos personagens da maneira mais baixa e cruel possível, além é claro da repercussão com os familiares da pequena Tonya (Rae’Ven Kelly), em especial, seu pai, Carl Lee Hailey (Samuel L. Jackson), que se sente indignado e impotente diante do que ocorreu com um dos membros de sua família que, a priori, deveria ser protegido por ele.

A virada no roteiro acontece com pouco mais de vinte minutos, com o revide de Carl aos homens que violaram sua vida e família, e é seguida de uma tomada sentimental, onde os personagens da força policial se vêem obrigados a executar uma ordem que não queriam. O filme lida com questões espinhosas e bem caras nos tempos atuais, especialmente, no tocante a volta de manifestações de supremacistas brancos nos EUA.

Schumacher não tem receio em apresentar uma história crua, não tem receio em mostrar um conflito aberto em clima de guerra civil, como era comum décadas antes de 1996. O roteiro trata a história de forma cíclica, aparentemente a humanidade tende a repetir alguns conflitos, de tempos em tempos, e isso faz sentido, tanto que movimentos de afirmação dos direitos da população negra precisam retornar como no ano de 2020, após mais um de muitos atos por parte de forças do Estado punirem a população por conta única e exclusivamente do tom da pele. Embora a realidade não tenha tantas licenças poéticas quanto o que ocorre no longa de Schumacher.

Tempo de Matar tem uma crítica voraz ao modo como uma parte dos Estados Unidos têm lidado com a segregação racial e as diferenças culturais entre os povos, e ainda que apele para a fantasia em alguns pontos, Schumacher consegue tirar ótimos momentos de seu elenco. Jackson, McConaughey, Kevin Spacey e até Sandra Bullock têm boas participações e que ajudam a entender o filme como uma fábula jurídica e de entraves raciais, ainda que infelizmente o quadro político atual recoloque o filme numa posição de mais pragmatismo que uma obra escapista sobre preconceito.

Crítica | O Cliente

6 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Akiva Goldsman, Anthony LaPaglia, Brad Renfiro, David Speck, filmes jurídicos, Howard Shore, Joel Schumacher, Mary Louise Parker, Robert Getchell, Susan Sarandon, tommy lee jones, Walter Olkewicz, Will Patton, William H. Macy

Joel Schumacher, dentre os diretores de cinema, talvez tenha sido o que melhor entendeu a literatura de John Grisham – o que não é pouca coisa, já que diretores de alto calibre já haviam feito filmes baseados em seus livros, como Alan J. Pakula, Francis Ford Coppola, Robert Altman e Sidney Pollack. O Cliente começa seguindo os passos de Mark Sway (Brad Renfiro), de 11 anos, e seu irmão caçula, crianças que vivem seus dias entre brincadeiras, com um certo flerte com a delinquência juvenil, como foi em Os Garotos Perdidos.

Esses aspectos logo se revelam um despiste, uma variação do MacGuffin que Alfred Hitchcock tanto utilizava, já que toda a inteiração entre os meninos resulta no testemunho de um suicídio que os meninos acompanham. Eles testemunham uma movimentação estranha de Jerome ‘Romey’ Clifford (Walter Olkewicz), um advogado que se entorpece com barbitúricos para dar um fim à sua vida, não sem antes contar segredos sobre a morte de um político e o envolvimento de um mafioso. Já no início a tensão é jogada num nível bastante alto, estabelecendo uma situação de perigo urgente.

Schumacher resolve bem sua obra, estabelecendo o caráter de thriller com uma trilha sonora incidental conduzida por Howard Shore, e com temáticas interessantes o suficiente para atrair a atenção do público nos primeiros 15 minutos, algo bastante típico da literatura de Grisham, como o próprio O Cliente. Ao mesmo tempo que apresenta figuras caricatas, como a do gangster Barry ‘the Blade’ Muldano (Anthony LaPaglia), toda a estrutura de vida dos Sway é mostrada de forma pragmática, como pessoas sem dinheiro, e portanto, sem muito direito à defesa ou cuidados médicos adequados.

Dentro do elenco, destaque para Will Patton, Mary-Louise Parker, William H. Macy, além da advogada e quase protagonista Reggie Love (Susan Sarandon), e o promotor e celebridade, Roy Foltrigg (Tommy Lee Jones). A história se desenrola de forma fluida e com uma bela construção de suspense e perigo constante de maneira gradual. Schumacher sabe exatamente quando intervir com sua câmera, dosando bem suas intervenções e a simples vazão aos escritos originais, aliás, aqui também se percebe uma atuação bastante assertiva de Jones, que faz um personagem tridimensional, bem o inverso do que seria o seu Harvey ‘Duas Caras’ Dent em Batman Eternamente. O dueto com Susan Sarandon funciona muitíssimo bem, desde sua abordagem machista inicial até o desenvolvimento da trama e a apresentação de novas camadas no texto e interpretação.

O filme acerta o tom na parte emocional envolvendo o elenco infantil. Outro fator bem encaixado é a tentativa falaciosa de deslegitimar as vítimas por parte da promotoria, com a tentativa de tirar a guarda do rapaz por conta do passado de dependente químico da mãe, além de abrir possibilidade para leituras mais profundas, uma vez que a catatonia do garoto Rick (David Speck) pode representar a letargia da sociedade diante de cenas de violência tão fortes como as que ocorrem no dia a dia das zonas urbanas pelo mundo.

O último terço não é tão potente quanto o começo, o modo os fatos se desenrolam soam fantasiosos demais, e a fidelidade que o diretor tem ao retratar o texto base tem seu preço. Ainda assim, O Cliente causa furor, seja pelas atuações de Sarandon, Lee Jones e Renfiro ou pelo alto grau de tensão com que é conduzido.

Crítica | Greyhound: Na Mira do Inimigo

5 de agosto de 2020 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Aaron Schneider, Elizabeth Shue, filmes de guerra, guerra, Rob Morgan, Segunda Guerra, segunda guerra mundial, Stephen Graham, Tom Hanks

Podemos dizer que o astro Tom Hanks tem uma relação bastante próxima com a Segunda Guerra Mundial, afinal, o ator americano estrelou uma das maiores produções do gênero, O Resgate do Soldado Ryan, um dos filmes mais sensacionais, impactantes e realistas sobre o tema. Na época, o filme de Steven Spielberg faturou cinco estatuetas do Oscar, inclusive, com Spielberg vencendo como melhor diretor.

Todos nós sabemos que Hanks é um ótimo ator e, ao longo de sua carreira, é possível mencionar pelo menos 30 filmes em que o ator estava presente e que foi marcante. Podemos dizer que sua participação em Greyhound: Na Mira do Inimigo certamente entrará nessa lista.

Inicialmente, a produção teria seu lançamento no cinema no mês de junho desse ano, mas em virtude da pandemia causada pelo vírus COVID-19 a estreia foi adiada e, consequentemente, os direitos de distribuição foram repassados ao serviço de streaming da Apple, a Apple TV e o filme chegou na plataforma em 10 de julho.

Hanks vive o religioso capitão Ernst Krause, que é designado para liderar o enorme destroier USS Keeling, mais conhecido como Greyhound, durante sua primeira escolta pelo Oceano Atlântico, juntamente com outros dois navios militares menores, protegendo diversas embarcações que levam diversos tipos de suprimentos para a Inglaterra, num dos momentos mais tensos da Segunda Guerra conhecido como Batalha do Atlântico, uma vez que os submarinos nazistas conhecidos como U-boat foram responsáveis por afundar milhares de embarcações por todo o oceano, causando a morte de milhares de pessoas. Durante a travessia, o comboio aliado fica sem nenhum tipo de apoio aéreo e precisa lidar sozinho com os mortais U-boats que surgem como moscas em cima de um animal morto.

O diretor Aaron Scheider que possui pouquíssimos filmes em seu currículo na cadeira de direção e diversas outras produções como diretor de fotografia, conduz Hanks com maestria. No transcorrer da fita, podemos perceber as sutilezas na mudança da personalidade do Capitão Krause, à medida que as coisas vão acontecendo e a tensão toma conta da tela logo nos primeiros 15 minutos, só deixando aquele que assiste respirar em seus momentos finais. Por opção e por ter uma missão a cumprir, o capitão deixa de se alimentar, privando-se inclusive do sono, sendo que o terror promovido pelos nazistas, a falta de alimentação e a falta de descanso são fatores fundamentais para a mudança do personagem durante o filme. É possível perceber de maneira sutil a sua degradação. Méritos também de Hanks que, além de ter sido o protagonista, escreveu o roteiro, baseado no livro The Good Shepherd, escrito em 1955 por CS Forester.

Outro destaque fica para o design de produção. Apesar do ambiente claustrofóbico (já que 95% do filme acontece dentro da embarcação), esse departamento dá show com a quantidade de detalhes de itens ou situações que são perceptíveis dentro do Greyhound. Aliás, o espectador sai com aquela sensação de que teve uma aula sobre como os navios eram operados durante a guerra e como seus tripulantes precisavam se portar, tanto em situações de tranquilidade, quanto em situações de risco ou em batalha. Inclusive é completamente entendível o porquê de certas pessoas terem sido condecoradas com atos de heroísmo. Além disso, que época complicada para ser soldado.

Com isso, pelo fato de Greyhound: Na Mira do Inimigo estar sendo um sucesso, podemos dizer que a Apple TV deu uma cartada certeira em adquirir os direitos de distribuição, fato esse que poderá aumentar a coragem dos distribuidores e investidores de produções. Enquanto isso, quem ganha é o espectador que, a cada dia que passa, pode ver produções incríveis por um baixo custo. De qualquer forma, seria legal ver esse filme nos cinemas quando a pandemia acabar, mesmo as chances disso acontecer serem remotas.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Crítica | Os Donos da Rua

4 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Angela Bassett, Cuba Gooding Jr., Ice Cube, John Singleton, Laurence Fishburne, Morris Chestnut

A história de Os Donos da Rua é bastante curiosa, tanto na forma como John Singleton dirigiu e escreveu, como dentro de sua narrativa. A trama começa em 1984, em South Central, um bairro de Los Angeles predominantemente habitado por negros, onde mora Tre Styles, uma criança de dez anos, que já na infância mostra traços de rebeldia. Com medo de não conter seu filho, Reva Devereaux (Angela Bassett) o deixa com seu pai, Furious (Laurence Fishburne).

Pai e filho tem uma relação bastante próxima e amorosa. Os primeiros quinze minutos são movimentados, mostrando a mudança e o crescimento do garoto e da violência do bairro em que vive, desde as gangues existentes na comunidade, como do próprio Estado, na figura da polícia de Los Angeles. Tre, agora vivido por Cuba Gooding Jr., Ricky Baker (Morris Chestnut) e Doughboy (Ice Cube) possuem expectativas diversas, Tre começa a se vestir melhor que seus vizinhos graças ao trabalho que tem numa loja cara, Ricky pleiteia uma bolsa de estudos graças ao futebol americano e Doughboy anda sempre cercado de outros jovens negros que cometem pequenos crimes.

A primeira hora de filme serve basicamente para estabelecer clichês de comportamento, mostrando pessoas religiosas, outras que flertam com a criminalidade, além de abordar temas sérios como a gentrificação dos bairros negros, tudo dito de uma forma simples, ao passo que se preocupa em não subestimar o espectador. A diversidade de personagens e os interesses que os movem os afastam de meros estereótipos do que o cinema branco entendia por comunidade afro-americana. O que se vê aqui são pessoas reais, com seus erros e acertos, e que precisam conviver com uma violência institucionalizada, que toca algumas de suas crianças, em uma guerra que eles não pediram, financiada por terceiros e distantes de seus bairros.

Singleton apresenta uma jornada cuja história começa simples e se agrava com o decorrer do tempo. Toda a carga emocional envolvendo o caso de Ricky desnuda uma realidade dos bairros negros dos Estados Unidos, e encontra eco na maior parte dos guetos dos países, sobretudo os ditos de terceiro mundo.

É curioso como o personagem de Fishburne possui o nome de Furious, embora ele seja o mais pacífico dos personagens apresentados. A brincadeira com alcunhas o faz ter objetos que servem de signo, como as bolas de metal que ele maneja entre os dedos, que servem para retirar o estresse e a tensão que vivencia diariamente. Cube, Gooding Jr. e Chestnut fazem um trio imbatível, se entregam de corpo e alma aos seus papéis e fazem toda essa odisseia ganhar contornos realistas e cruéis.

A história que Singleton conta já o coloca em um lugar especial do cinema, e é realmente uma pena que seu cinema não seguiu tão maduro e forte quanto aqui. Os Donos da Rua não é perfeito, mas até seus defeitos ajudam a compor um bom quadro de violência e visceralidade, resultando em um conto urbano, infelizmente, corriqueiro nas áreas mais pobres e à margem da sociedade.

https://www.youtube.com/watch?v=aD4GMr2pICA

Crítica | Momentos Decisivos

2 de agosto de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Angelo Pizzo, David Anspaugh, Dennis Hopper, Gene Hackman, Jerry Goldsmith

O filme de David Anspaugh começa com uma viagem de carro com o protagonista Norman Dale (Gene Hackman) viajando pelas estradas interioranas dos Estados Unidos, evocando todo o caráter provinciano de Momentos Decisivos. O longa trata da trajetória do Coach Dale, homem cujo passado possuialgumas manchas e mágoas, e que retorna para sua terra como bom hoosier (o nome original do filme é Hoosiers), a fim de trabalhar como treinador de basquete do time de uma pequena escola em Indiana, em uma época que pequenas agremiações foram permitidas disputar o estadual.

A música de Jerry Goldsmith dá o tom ideal para o filme, ajudando o roteiro de Angelo Pizzo variar de forma fluida entre o temperamental comportamento de Dale e o drama vivido por ele. Hackman está em boa forma, e parece mergulhar muito bem no papel de instrutor de atletas, isso garante ao longa um caráter fidedigno. Aos poucos, a história vai ganhando mais contornos dramáticos.

O filme cai em uma jornada bastante piegas, especialmente no que diz respeito ao personagem de Dennis Hopper, o auxiliar Shooter, um bêbado local que ajuda Norman a conduzir o time. As dificuldades que ele tem em se manter sóbrio são responsáveis por momentos dignos de um sensacionalismo execrável. Ainda assim, sua performance fez Hopper concorrer ao Óscar de melhor ator coadjuvante à época.

Os momentos da partida final são muito bem registrados, com slow motion bem utilizado, embalado pelos temas de Goldsmith. Momentos Decisivos, apesar do espírito inspirador, soa bobo em muitos momentos, mas ainda assim faz um belo registro do esporte e contem ótimas atuações dos veteranos Hopper e Hackman.

Crítica | Esqueça Paris

31 de julho de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Billy Crystal, Debra Winger

Esqueça Paris começa com uma introdução singela, com fotos em preto e branco e um jazz instrumental divertido e alegre embalando seu início, denotando um tom de intimidade antes mesmo de introduzir a ideia da obra dirigida por Billy Crystal. A transição mostra uma senhora se preparando para tocar seu órgão, na volta ao jogo de basquete, entre Phoenix Suns e San Antonio Spurs. Brevemente o diretor alude uma de suas maiores paixões: o basquete, e ainda dá início a uma sequência de eventos engraçados e pitorescos.

Crystal vive o árbitro Mickey Gordon, que nessa gênese, contesta uma cesta de Charles Barkley e é encarado pelo ala pivô, e claro, por toda a massa de Phoenix que trata de xingar ele de toda sorte de nomes possíveis. Aqui é introduzido não só o caráter de contestação do personagem, mas também a observação de Joe Mantegna, que vive o falastrão Andy, amigo de Mickey, e em boa parte do longa o narrador da história.

O roteiro se desenvolve após uma viagem de Gordon até a França para enterrar seu pai. Na Europa, ele conhece Ellen Andrews (Debra Winger). Mickey é um sujeito engraçado e espirituoso, tímido em alguns momentos. A forma como ele e Ellen se conhecem e se interessam um pelo outro, apesar de rápida, funciona muito bem. O roteiro brinca com o fato de ao mesmo tempo que a química entre os dois apaixonados se dá velozmente, os dois são capazes de fazer piadas com esse aspecto do texto.

Crystal utiliza seu filme para debochar das fórmulas existentes nas comédias românticas, inserindo um pouco de acidez aos filmes que ele mesmo viveu no passado. Aos poucos, a história de Ellen e Mickey ganha contornos pesados e estranhos que pioram à medida que o filme se desenvolve. Há muito charme na forma como Esqueça Paris é conduzido, em alguns pontos remetendo ao cinema de Woody Allen, mas com o humor típico de Crystal.

Crítica | Lance Livre

26 de julho de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Damon Wayans, Dan Akroyd, David Stern, judd apatow, Tom DeCerchio

A história de Lance Livre mostra Mike O’Hara (David Stern), um torcedor fanático do Boston Celtics, que divide sua vida treinando basquete com crianças e tentando resgatar o seu casamento que está por um fio, além de também apresentar Jimmy Flaherty (Dan Akroyd), um encanador fracassado e fanático por toda sorte de estatísticas envolvendo esportes. Os dois têm em comum não só o infortúnio da péssima situação financeira e pessoal, mas também a paixão pelos Celtics e o lamento pela demolição do velho estádio do time, Boston Garden, que ocorreria no ano em que se passa a história. Em paralelo a apresentação dos dois amigos, também conhecemos um pouco das ações da famoso jogador do Utah Jazz, Lewis Scott,interpretado por sua vez por Damon Wayans.

Já no começo do filme se nota a paixão pelo time não só nos personagens centrais, mas na comunidade como um todo. Em menos de quinze minutos se referencia as camisas 33 do jogador Larry Bird, os comentários do ex-pivô Bill Walton, entre diversas outras marcas caras a franquia. Boston vive para os Celtics, e o nome original da obra de Tom DeCerchio, Celtic Pride não poderia ser mais repleto de significado.

Wayans mostra alguma habilidade em quadra, e principalmente, frieza, nervos de aço e controle absoluto da situação, ao ponto até de soar como um manipulador, aspecto que seria explorado mais à frente no contato direto com os protagonistas. A câmera registra o jogo com entusiasmo e uma nítida paixão pelo esporte, conseguindo ainda driblar a dificuldade de filmar lances rápidos de perto fazendo uso largo de Slow Motion. Mesmo sem um primor visual, não há praticamente decepção nenhuma nessa condução.

Esse é um filme dedicado a torcida, a superstição e ao valor do trash talk, elementos que não tem muito relação com a habilidade dentro de quadra. O chamado à aventura trata exatamente desse fanatismo, quando os dois homens de origem irlandesa resolvem ir até uma boate, fingir odiar o time do quão são fanáticos, para beber e ter com Scott, após ele acabar com o time deles. Lá, eles se põem a prova, tanto no instinto de se embebedar, quanto como torcedores da franquia, não podendo sequer mostrar para Larry Bird o quanto eles admiravam seu jogo.

DeCerchio conduz bem a comédia e o nonsense presente na obra, e toda a loucura deles só faz sentido pela entrega de Akroyd, Stern e Wayans. A química dos três é absurda. O final do filme tenta agregar, apelando para o sentimentalismo da família dos personagens centrais, mostrando que existem coisas maiores que a paixão por um time, franquia ou esporte. O dito popular ao referir-se ao futebol diz que ele é das coisas menos importantes, a que mais importa, e certamente Lance Livre dá a paixão pelo basquete a mesmíssima sensação.

Crítica | Diário de um Adolescente

25 de julho de 2020 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Bryan Goluboff, Jim Carroll, leonardo dicaprio, Lorraine Bracco, Marilyn Sokol, Scott Kalvert

Jim Carroll é um garoto comum, que em meio a puberdade, tem de conviver com uma vida simples em uma cidade grande que o obriga a morar em lugares pequenos. A história, baseada no início da vida do escritor homônimo, dirigida por Scott Kalvert conduz Leonardo DiCaprio ainda jovem. O filme registra os dias do protagonista por meio de seu diário, que serve de rascunho para um livro confessional.

Os personagens que cercam Jim são diferentes entre si, desde a vizinha religiosa que mistura orações com xingamentos, padres que acreditam que a violência é o remédio certo para a adolescência, além de amigos que fazem uso de entorpecentes.

Seus dias se dividem entre se exercitar jogando basquete, onde ele tem uma das poucas pessoas que pode chamar de figura paterna – no caso o treinador Swift (Bruno Kirby) – além de fazer arruaças com os amigos. Os pouco mais de cem minutos de exibição mostram um elenco repleto de atores que viriam a ganhar os holofotes anos depois, como Mark Whalberg, Juliette Lewis e Vicent Pastore. Além dos citados, Ernie Hudson faz um dos mentores do rapaz, um homem negro de meia idade que se identifica com Jim. A maioria dessas personagens têm espaço para acrescentar algo na longa história que a câmera de Kalvert narra, cada um acrescentando detalhes primordiais na vida do protagonista. Para o bem e para o mal.

Jim se frustra não só por perceber que seus desejos e sonhos de grandeza não se cumprirão, mas principalmente porque o pouco que tem pode ser tirado, como a vida do seu amigo, Bobby (Michael Imperioli, irreconhecível), o antigo astro do time de basquete. A escrita o ajuda a exorcizar seus demônios, seja profetizando sua dor ou simplesmente exteriorizando seus sentimentos.

Em alguns momentos as cenas acompanham esse tom poético, sendo um dos mais emblemáticos (e cafona) com os garotos andando na chuva, de terno e gravata afrouxada, após um funeral. Ali são mostrados homens nada talhados para as privações da vida, mas que tentavam seguir ao seu modo, confusos e suscetíveis à toda sorte de desvios. Outro momento interessante se dá nas cenas de basquete em quadras de rua, momento que o diretor está especialmente inspirado. As disputas parecem um balé, dado a leveza estética e o apuro técnico em cena, e por mais irreais, há um certo lirismo em sua condução.

O problema maior se dá no terço final, que registra a derrocada de Jim e seus parceiros, sem qualquer sutileza e repleto de sensacionalismo por parte do registro do direto e do roteiro de Bryan Goluboff. A gravidade dos atos e acontecimentos perde força exatamente pelo exagero de retratar o grupo de meninos como zumbis em busca de prazeres efêmeros. A maquiagem cinza sob a pele e o batom cor de prata deveria ajudar a compor um quadro de melancolia, mas o que se vê é um mero pastiche.

DiCaprio está impecável, a entrega dele e de Lorraine Bracco impressiona bastante. A cena dos dois buscando algum tipo de relação entre mãe e filho, próximo do desfecho é dura, quase dá para sentir o suor, lágrimas e dor dos personagem. Caso não fosse tão maniqueísta e apressado em soar como uma cartilha antidrogas, Diário de um Adolescente poderia ter alguma dubiedade nessa relação parental ou na questão da relação de mentor e pupilo entre o protagonista e Reggie. A gravidade com que todos os defeitos são tratados faz a história inspiradora de Carroll se diluir, e numa época em que Kids e Trainspotting e Réquiem Para um Sonho ocorrem, uma abordagem tão focada no sensacionalismo faz tudo parecer bobo e primário, algo conservador demais para uma cinebiografia de um artista marginal.