Resenhas – Página: 23 – Vortex Cultural

Resenha | Hellblazer: O Capote do Diabo

7 de junho de 2016 by Vortex Cultural

DC Comics, Hellblazer, John Constantine, Peter Milligan, Vertigo

Hellblazer e o seu protagonista, o mago inglês John Constantine, podem ser vistos como uma das chaves do sucesso da linha Vertigo, selo adulto da DC Comics. Com histórias que abordavam o tema do ocultismo, junto a uma visão de uma sociedade bastante corrompida e um protagonista carismático a sua maneira (os termos filho da puta e moralmente incorreto seriam mais precisos), tivemos uma série de grandes escritores e artistas durante todo o período de sua publicação até a sua recente incorporação ao universo dos Novos 52 da DC.

A última fase antes dessa incorporação coube ao competente escritor Peter Milligan, mas que não entendeu bem a proposta do mago inglês e de todo o seu mundo. Em O Capote do Diabo temos o famoso sobretudo de Constantine (peça de roupa tão atrelada ao personagem que só é menos característica do que o hábito de fumar do personagem) roubado pela sua sobrinha e vendido em um site qualquer de negociações pela internet como uma forma de vingança em relação ao seu tio. Isso tudo pareceria normal mas vamos dizer que o capote do mago inglês resolver imitar o “um anel” dos livros de J. R.R. Tolkien.

Isso mesmo, devido a estar presente em todas as grandes aventuras e negociações demoníacas de Constantine, a peça de roupa passou a ser um tipo de entidade também, com vontade própria. Apesar de velho e sujo seduzia pessoas a usá-lo e os manipulava para fazer maldades ou ressaltar o seu lado mais sombrio. Em outras palavras, o “um anel”.

A ideia em si não é de toda ruim. A própria condução da narrativa faz com que tenhamos um conto diferente do habitual para o personagem, que tem na sua peça de roupa favorita o seu principal antagonista. Junte a isso os intermináveis problemas familiares do personagem, com o adendo de que Contantine é casado com a filha de um mafioso a esta altura de sua cronologia, e temos uma boa história, nada mais do que isso, e muito longe das narrativas clássicas e ácidas do personagem.

No encadernado brasileiro ainda há outro pequeno arco, Outra Estação no Inferno, no qual novamente o tema é a relação de Constantine com a sua família e o inferno, especificamente como ele tenta resolver os problemas entre sua sobrinha, a sua irmã no inferno e um gêmeo maligno que possui (sim, teve isso!).

Nesse segundo arco, Milligan mostra toda a sua inabilidade de lidar com a personagem e o seu universo, que sempre teve na magia e no ocultismo o seu tema principal, mas de forma discreta e sutil. Constantine jamais foi mago de efeitos pirotécnicos e de mexer as mãos e fazer as coisas acontecerem imediatamente. Há claramente uma má interpretação do autor em relação à forma como a magia funciona no universo de Hellblazer. Junte a isso que ir para o inferno e voltar para Constantine funciona quase como um passeio no parque, do tipo “vou ali dar uma volta e já já estou em casa novamente”. Vamos dizer que houve uma banalização desse tipo de situação. Enfim, uma história fraca e que pouco contribui para a já lendária carreira do mago inglês.

A arte de Giuseppe Camuncolli e Stefano Landini, que não chega a ser tão ruim, também não contribui para salvar a HQ. Têm destaque, porém, algumas artes de capa de Simon Bisley que são apresentadas no interior da revista.

Uma HQ simplesmente normal, sem nada de mais, que pode agradar aos fãs que sofrem com o mago no universo dos Novos 52, mas a qual se distancia dos grandes arcos e histórias mais antigas.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

Resenha | The Spirit: As Novas Aventuras

6 de junho de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Alan Moore, Brent Anderson, brian bolland, dave gibbons, david lloyd, Devir, Eddie Campbell, kurt busiek, Michael Allred, Moebius, Neil Gaiman, Spirit, Will Eisner

Criado por Will Eisner, o pai das graphic novels, The Spirit surgiu na década de 1940 como produto do novo filão em voga, as revistas de histórias em quadrinhos, que desde o final da década anterior, com a criação de Superman e Batman, passavam a ganhar status com personagens heroicos, munidos de honra e bravura para enfrentarem inimigos. Inovador para a época, mesmo não possuindo poderes extra-terrenos ou armas poderosas como os heróis da então Action Comics e Detective Comics, The Spirit logo alcançou seu próprio público nos jornais como um inconfundível combatente do crime.

Publicada inicialmente nas edições de domingo, a trama apresenta o criminólogo Denny Colt – nome verdadeiro do herói mascarado -, que descobre os planos de um inimigo em uma investigação e é assassinado no local. Mas, com o desenrolar da narrativa, descobre-se que o agente da lei estava em animação suspensa, e em segredo passa a usar um codinome e a combater o crime que aterroriza a cidade fictícia de Central City, vivendo escondido no subsolo do cemitério onde fora enterrado.

Tomadas por uma atmosfera noir, as histórias de Spirit revolucionaram o estilo e a linguagem dos quadrinhos. Influenciado pelos filmes da década de 1940, Eisner dava preferência para o preto e branco, aliados a ângulos e quadros incomuns para os desenhos da época. O contraste em duas cores destaca um ambiente propício manipulado por criminosos malucos e mulheres fatais, combatido por um sujeito inteligente, trapalhão, corajoso e hábil em artes marciais. Como um Cary Grant armado com os próprios punhos para rechaçar os criminosos da cidade grande.

Durante a Segunda Guerra Mundial, e a consequente convocação de Eisner pelo exército americano, o personagem foi deixado a cargo de outros artistas, mas já sem a identidade com a qual ficou conhecido. No retorno aos desenhos após o conflito bélico, o artista passou quase 10 anos se dedicando à sua criação e a consolidando, mas após essa época voltou-se à produção de material governamental e ilustrações, e não mais aos quadrinhos, aposentando o universo de Denny Colt. Muitas foram as tentativas de republicar a obra, entre elas um curto fôlego no final da década de 1960 com relançamentos de antigas histórias, agora em formato de revista, e a publicação de uma trama escrita novamente pelo próprio Eisner. A partir das três décadas seguintes, o herói passou por diversas editoras, como Kitchen Sink Press e DC Comics, sendo esta posteriormente, em 2007, retomado o personagem no volume único Batman & The Spirit, que o introduzia no universo DC através do roteiro de Jeph Loeb e arte de J. Bone e Darwyn Cooke, e logo após com uma revista própria guiada pela dupla Cooke/Bone.

Assim como O Sombra – Vol. 1: O Fogo da Criação, outros personagens acabam voltando como revival, e com o detetive mascarado não foi diferente. The Spirit – As Novas Aventuras é o primeiro de dois volumes compilando histórias de uma curta série publicada em 1998 que buscava, ao mesmo tempo, homenagear o herói e renová-lo para os dias atuais a fim de conquistar um novo público. Lançada em 2010 em edição capa dura pela Devir Livraria, a obra é dividida em quatro partes, com capas produzidas pelo próprio Eisner ilustrando o início de cada história. Com artistas e roteiristas consagrados, a edição possui 11 tramas que mostram desde o surgimento do Spirit, até o embate com seus maiores inimigos, como Cobra, Sand Saref e Octopus.

São histórias curtas a médias que retratam o modo com que Spirit atua como vigilante em Central City com apoio do Comissário Dolan, o único que conhece sua verdadeira identidade, e de seu interesse amoroso, Ellen Dolan. Apesar de contar com os personagens coadjuvantes, a maioria das histórias coloca Spirit como o centro da ação, mas sem a ajuda de Ebony White, o estereotipado sidekick negro retirado da obra provavelmente devido às críticas que recebeu sob alegação de racismo. Nesta obra, Alan Moore retoma com Dave Gibbons a parceria interrompida desde o lançamento de Watchmen e divide quatro histórias com o artista. Destacam-se as duas primeiras: A Refeição Mais Importante, que reprisa a origem do personagem, e Força dos Braços, que faz um diálogo metalinguístico com o Spirit do passado, além de Ontem à Noite Eu Sonhei com o Doutor Cobra, uma história hermética que mostra o herói em um futuro apocalíptico lidando com os monstros do passado – e novamente autor e criatura dialogando com as memórias extratexto. Ressalta-se também O Retorno de Estola de Vison, escrita por Neil Gaiman e ilustrada por Eddie Campbell. Na trama, um roteirista se hospeda em um hotel, presencia o mascarado em uma missão à procura de uma criminosa femme fatale, e se espanta com a realidade, tão inacreditável quanto uma cena escrita para o cinema.

A homenagem se estende a cada balão de diálogo e em cada traço da edição, supervisionada pelo próprio Eister, que deu à época toda a liberdade para os artistas recriarem o personagem ao seu modo. Todas desenhadas em cores, as tramas diferem das de Eisner por terem cada uma um olhar gráfico próprio do artista e roteirista responsável e, portanto, sem a visão cinematográfica – e única – dos traços de seu criador. Porém, todos os desenhos evocam a dualidade dos traços realísticos, e ao mesmo tempo atrapalhados, que fizeram de The Spirit uma obra ímpar na história dos quadrinhos.

Como homenagem, The Spirit – As Novas Aventuras trouxe um novo alento para o personagem, que por tantos anos sofreu apenas relançamentos e reimpressões – no Brasil as histórias assinadas por Eisner necessitam de reedição. Com um time de peso, a obra consegue impor qualidade e nostalgia em uma bela edição, que deu a oportunidade para muitos fãs de quadrinhos conhecerem melhor este grande personagem.

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Texto de autoria de Karina Audi.

Resenha | iZombie: A Sete Palmos e Subindo – Volume 3

3 de junho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Chris Roberson, DC Comics, Michael Allred, Panini, Vertigo, Zumbis

Após 12 edições publicadas em dois encadernados pela Panini Comics, a narrativa de iZombie prossegue em baixa neste terceiro volume da série da Vertigo, A Sete Palmos e Subindo. Considerando a edições anteriores, iZombie – Volume 1: Morri para o Mundo e iZombie – Volume 2: vcvampiro, não seria surpresa se parte do público abandonasse a leitura. Afinal, a esta altura, a narrativa deveria apresentar uma progressão significativa. Aproximando-se de um final, a trama ainda se mantém confortável em seu espaço cotidiano desenvolvido anteriormente.

Compilando os números 13 ao 18 do original, as edições iniciais apresentam duas histórias em conjunto: a primeira dando sequência às aventuras urbanas de Gwen e sua turma, a outra introduzindo mais um conceito na trama, um grupo de elite que trabalha com o governo para conter crises envolvendo entidades sobre-humanas: os presidefuntos. Na narrativa principal, a vilã Galatea se define como o inimigo principal. Oriunda de tempos antigos, como a múmia Amon, a personagem tem como plano evocar uma antiga entidade e possuí-la, adquirindo assim uma maior gama de poderes.

Como a trama central é diminuta, boa parte do encadernado apresenta uma história paralela sobre o surgimento de uma horda de zumbis na cidade de Oregon, motivo que alinha os presidefuntos na cidade de Gwen. Ainda que faça parte de um grupo especialista em assuntos sobre-humanos, a equipe nunca desconfiou das manifestações do local, e se surpreende com a quantidade de seres diversos residindo em um mesmo espaço específico.

Todas as personagens se envolvem neste ataque zumbi, que cessa boa parte do argumento principal e demonstra a precariedade do roteiro. Como personagem principal, Gwen ainda não apresenta nenhum crescimento. Sendo uma zumbi que perde as memórias aos poucos, sua trajetória quando viva é apresentada como um gancho para o último compilado, justificando o motivo de sua morte e revelando uma intenção nada original.

A única história que merece atenção é aquela dedicada a um personagem coadjuvante, o único acerto no roteiro de Chris Roberson que fundamentou papeis de apoio mais interessantes do que sua zumbi central. A Rainha Zumbi da Amazônia apresenta o passado de um dos caçadores da Corporação, Diógenes, envolvendo uma seita no coração da Amazônia dedicada a Xitalu, entidade a qual a vilã Galatea deseja possuir.

Em um longo percurso sem grandes ganhos narrativos, iZombie – Volume 3: A Sete Palmos e Subindo finaliza este encadernado, ao menos pontuando a entidade e sua vilã. Porém, considerando a demora para desenvolver as contraposições básicas entre mocinhos e vilões, é difícil imaginar como o leitor se manteve ativo diante da leitura. A edição ainda apresenta um preview do último e derradeiro volume, um apelo desesperado para que, ao menos, o público compre o compilado final.

Resenha | Constantine: Hellblazer – Fantasmas do Passado

31 de maio de 2016 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

DC Comics, Hellblazer, John Constantine, Vertigo

Parece que finalmente a DC Comics quer dar um rumo para o icônico personagem John Constantine fora da linha Vertigo. Quando a editora o reinseriu em seu universo de super-heróis – tirando-o do selo adulto que foi sua casa por 300 edições – pouco ou quase nada lembrava o mago trambiqueiro criado por Alan Moore. No reboot da casa conhecido como Novos 52, John era basicamente um super-herói usando magia genérica como se fosse um haduken ou kamehameha, em forma de energia bruta. A sutileza das artes místicas, rituais, pactos com entidades demoníacas haviam ficado para trás, e o título Constantine teve pouco mais que vinte edições. Com a nova linha da editora, DC You (traduzida no Brasil com o quase sertanejo universitário título de “DC & Você”), John volta às suas origens de “lobo solitário”, e já nas primeiras páginas deixa claro que abandonou de vez a convivência com super-heróis.

Essa nova iniciativa da DC tenta retomar o clima das histórias clássicas do Mago, porém com uma roupagem mais moderna e atualizada para o século 21. Saem de cena todos os elementos datados e entram novas referências. Esse John Constantine, embora mais jovem e totalmente reformulado, finalmente volta a se parecer com o que ele era nos anos 90. Seu passado em Newcastle ou a temporada em Ravenscar não são sequer mencionados e provavelmente não aconteceram, mas temos novos elementos em sua vida, novos personagens, uma nova história a descobrir. Mas a personalidade sacana está de volta. Esse John não é nem de longe o mesmo que, há pouco tempo, liderava a Liga da Justiça Dark.

O visual baseado no cantor Sting foi descartado. Constantine agora se parece mais com Neil Patrick Harris, astro de How I Met Your Mother. Volta, inclusive, sua bissexualidade – parte integrante de sua personalidade que havia sido descartada nos últimos anos. Seus hábitos autodestrutivos, como fumar e beber até cair, estão novamente muito bem representados, e parte da trama ocorre justamente durante um porre do personagem.

Constantine é assombrado por vários fantasmas de pessoas que, de uma forma ou de outra, morreram relacionadas a seus erros. Quando esses fantasmas começam a sumir, algo pior do que a morte está acontecendo e John precisa investigar. Durante a investigação, acabamos conhecendo um pouco do passado desse novo Constantine. Por meio de alguns flashbacks, vemos um pouco de sua juventude e relação com as artes místicas, além de conhecermos seus amigos e a única mulher que ele realmente amou: Veronica Delacroix. A relação com Veronica não acaba bem, devido à forma inconsequente que John utilizava a magia em favor de sua banda, Membrana Mucosa. Essa relação entre amor, música e magia (ou sexo, drogas e rock n’ roll) é parte fundamental da trama e da busca por Delacroix – ou o que restou dela. Ao mesmo tempo que remonta às origens da versão anterior do personagem, traz um novo respiro, uma forma nova de se contar sua história, mais condizente com os dias de hoje.

A arte de Riley Rossmo é capaz de nos transmitir a sensação de horror que uma história desse tipo precisa, fugindo bastante do padrão que a DC tem apresentado ultimamente. O roteiro de Ming Doyle e James Tynion IV está bastante apurado e transmite muito bem essa nova proposta. Infelizmente, não é um título para maiores de 18 anos e, portanto, existe uma certa censura nos palavrões (e Constantine fala muitos palavrões na edição!). Isso não impede que a sexualidade de John seja explorada, não só ao retratar sua ex-namorada como durante uma transa com uma demônio ou nos flertes com Oliver, dono do café que nos é apresentado neste volume e parece ser o novo interesse romântico do personagem em histórias vindouras.

Esse é um novo John Constantine para uma nova geração de fãs. Saudosos de Hellblazer podem até estranhar, pois ele não carrega toda a carga emocional e cicatrizes de batalha de sua versão mais famosa, mas ainda temos um personagem interessante e com muita coisa a desenvolver pela frente.

Resenha | Viúva Negra – Vol. 1

25 de maio de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Marvel Comics, resenhas, viúva negra

Criada como uma das vilãs de Homem de Ferro, a personagem de Natasha Romanoff passou por mudanças eventuais nestes últimos anos devido ao sucesso do universo Marvel nos cinemas. A Viúva Negra sempre participou de histórias diversas desde sua criação e posterior mudança de status quo ao se tornar uma Vingadora. No início da década passada, estrelou edições especiais e duas revistas próprias, cancelada com poucos números. Sua visibilidade surgida desde Homem de Ferro 2 garantiu mais uma revista em momento oportuno, situada na segunda fase da Era Nova Marvel intitulada Totalmente Nova Marvel, época em que a personagem se destaca como uma das grandes heroínas da editora.

Nathan Edmondson, que também assina a nova fase de Justiceiro em Justiceiro: Preto e Branco, é o responsável pelo roteiro, enquanto os desenhos ficam a cargo de Phil Noto. Como a maioria das edições desta nova fase busca um ponto de partida, a história apresenta Natasha tentando reparar seus erros do passado como agente da KGB, aceitando missões em que possa ajudar a manter a paz mundial, seja com extermínio de ditadores ou de outros homens com alto grau de peliculosidade. Ao seu lado, um advogado serve como apoio, cuidando das transações bancárias e do background da ação em cada local de origem, um planejamento que Viúva intitula de teia: um estudo sobre o local da missão, bem como um ambiente para se esconder após concluí-la.

Lançado em encadernado pela Panini Comics, este primeiro volume compila as seis primeiras edições desta nova fase. As tramas são narradas pela própria personagem, vivendo um conflito interno sobre a potência de seu trabalho e a criação de possíveis laços, afastando-se, até mesmo, de uma gata de rua, para manter a frieza como espiã. Assim, as tramas acompanham missões de Natasha pelo mundo.

Para uma das espiãs mais letais da Marvel, Edmondson comete o mesmo erro de concepção em suas histórias de Justiceiro, como se não conhecesse, de fato, a personalidade do personagem central. Natasha não transparece confiança, muito menos alta inteligência. As narrações apresentadas ao leitor soam pueris, e não de alguém com um histórico poderoso e dramático profissionalmente. Nenhuma história tem enfoque ativo na espionagem, e ainda nos coloca em dúvida se situarmos tais tramas no contexto geral envolvendo Os Vingadores: diante de um cenário em que a personagem claramente é uma mercenária de aluguel, como sua equipe de heróis reagiria diante disso? Parece incongruente e, ainda assim, o roteiro nem mesmo se questiona a respeito, nem demonstra sua faceta como Vingadora.

Se o roteiro se mantém tão morto quanto a outra obra do autor no estúdio, a arte é o grande destaque. Compondo em tons pasteis, Noto produz um visual diferente dos quadrinhos tradicionais, com cores mais claras do que de costume, que harmonicamente completam belos painéis detalhados mas sem excessos. Quadros limpos contendo somente a informação necessária e bem equilibrada em cores harmônicas, nas quais o vermelho se destaca devido à associação com a personagem central.

Dentro do universo dos Vingadores, a Viúva Negra chama a atenção como uma super-espiã com poucos superpoderes. Em sua trajetória, conta somente com modificações corporais na época em que atuava na KGB, dando-lhe maior habilidade e resistência. Em outras palavras, é quase como uma heroína humana. Tal argumento é um fator interessante que poderia ser explorado com mais atenção, demonstrando como uma personagem com menos poder letal se destaca para se tornar uma vingadora, bem como ter aproveitado o background da personagem e inseri-la em boas tramas de espionagem.

Tais possibilidades são deixadas de lado pelo roteirista, que opta por tramas voltadas para a ação de uma agente que não aparenta perícia em nenhuma de suas artes e ainda se apresenta ao público com dúvidas risíveis de existência. Uma história que apenas merece destaque graças à arte de Noto, visualmente notável.

Resenha | Três Dedos: Um Escândalo Animado

23 de maio de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

gal editora, mickey mouse, resenhas

Uma das histórias em quadrinhos mais surpreendentes e interessantes que li nos últimos tempos: Três Dedos: Um Escândalo Animado, do autor Rich Koslowski, publicada no Brasil pela Gal Editora. Em Três Dedos a história é ambientada em uma realidade distópica na qual os “animados” (Mickey Mouse, Pernalonga, Patolino etc.) vivem na mesma sociedade que as pessoas, ou seja, eles existem de fato, não se tratam de criações ficcionais e, além disso, vivem no subúrbio dessa sociedade, são párias e excluídos dentro desse complexo e engraçado mundo. Até que Rickey Rat (isso mesmo, trata-se do nome verdadeiro de Mickey) se destaca e consegue sair da periferia e fazer grande sucesso em um mercado que pertencia unicamente às pessoas comuns, vamos dizer assim. E, após isso, ele abriu as portas para outros animados que também passaram a fazer parte do showbiz e tiveram uma valorização que nunca tinham conhecido até então.

Mas a que custo? Esse é justamente o tema da HQ. Já na capa, a figura de Rickey, com um copo de tequila, um charuto na mão e um ambiente de decadência já mostra que a vida desses artistas animados não se tratou de um grande mar de rosas onde tudo deu certo. Aliás, há muitos segredos e muitas histórias mal contadas entre todos esses animados que fizeram sucesso, mas que, no momento em que a história se passa, estão velhos e decadentes. Alguns estão, inclusive, em sanatórios devido a graves danos cerebrais causados por sucessivas pancadas (quem já assistiu minimamente desenhos na vida é capaz de adivinhar quem seria esse). E a grande questão é investigar o que ficou conhecido como “o ritual”, que seria algo como uma ação necessária para os animados fazerem sucesso. Mais do que isso e eu poderia estragar o prazer de ler essa grande HQ.

Em relação à narrativa há alguns elementos bastante interessantes. Em primeiro lugar, toda a história é contada como se fosse a gravação de um documentário. Assim, o narrador poderia ser considerado como o diretor que conduz a investigação e as entrevistas com os animados, os quais poderiam melhor elucidar sobre a questão do ritual. Com isso, o autor vai nos mostrando as “verdadeiras” personalidades de todas as figuras que nos acostumamos a ver com alegria e satisfação na TV. A ideia é mostrar a realidade por trás de personalidades famosas, como se descortinássemos a vida íntima de atores e atrizes que povoam filmes e novelas. Portanto, o autor criou um modelo fácil e bastante atraente para nos contar uma história, e que também difere da maioria das histórias em quadrinhos.

Esta abordagem também faz com que o leitor tenha uma interação bastante interessante com a HQ, uma vez que você se sente como o próprio condutor do documentário e do gibi (para todos aqueles que não gostam dos termos gibi, revistinha ou outras formas que consideram depreciativas, e que por excesso de zelo preferem História em Quadrinhos ou terminologias mais rebuscadas, busquem se preocupar com coisas mais sérias). Quando uma personagem é entrevistada, não existem “balões” de pergunta, apenas a resposta do entrevistado, o que intensifica essa relação com a narrativa e, usando uma expressão da moda, a “quebra da quarta parede” (outro preciosismo dos dias de hoje).

Sobre a arte é interessante notar o formato da HQ, widescreen, ou seja, mais alongado no comprimento do que na altura, contribuindo para a sensação de assistir a um documentário televisivo ou cinematográfico. Toda a arte é feita em preto e branco, o que confere um ar mais pesado e sério que cai muito bem com a proposta do gibi. Traz uma sensação mais sombria, que é fundamental para determinadas passagens da história contada naquelas páginas, já que algumas revelações não são tão alegres e festivas como os desenhos que acompanhávamos na TV.

Sendo assim, fica a indicação de uma HQ que traz um tema bastante diferente e corrobora com a possibilidade de se utilizar o formato de história em quadrinhos para contar os mais variados tipos de histórias e temas. Essa HQ prova que não somente heróis e super seres compõem o universo dos quadrinhos. Enfim, se quiser investir em algo diferente, mas de grande qualidade, não pense duas vezes: corra atrás de Três Dedos: Um Escândalo Animado.

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Texto de Autoria de Douglas Biagio Puglia.

Resenha | Cavaleiro da Lua – Vol. 2

18 de maio de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

cavaleiro da lua, Giuseppe Camuncoli, resenhas, Warren Ellis

O segundo volume encadernado lançado pela Panini Comics, da fase Totalmente Nova Marvel de Cavaleiro da Lua, confirma a especulação proposta na análise de Cavaleiro da Lua nº1 ao afirmar que o início de Warren Ellis foi um primeiro movimento para fundamentar a personagem através da ação e conquistar os leitores.

A partir dessa edição que compila os números 7 a 12, os roteiros são assinados por Brian Wood (Vikings) e a arte alternada entre Giuseppe Camuncoli e Greg Smallwood. Graficamente, a concepção permanece a mesma, com Marc Spector e seus diversos alter egos em figurinos brancos, sem nenhuma coloração. O padrão de cada página também se mantém com uma quantidade maior de quadros, priorizando a ação visual.

As primeiras duas histórias do encadernado aparentam um desfecho evidente mas simbolizam um movimento novo para para a personagem. Devido a uma incursão de resgate realizada pelo herói, Marc Spector se torna procurado da Justiça e, por isso, perde o totem de seus poderes. Esta citada história, Retalhador, merece destaque pela narrativa, desenvolvida somente com registros de aparelhos eletrônicos, câmeras de vigilância e celulares, em um estilo found footage, recuperando a ação dos acontecimentos a partir destas gravações. Considerando que Ellis foi o primeiro roteirista dessa fase e também fez movimento parecido na década de noventa em Stormwatch, é possível que Wood tenha se inspirado nesta história para produzir este estilo ousado e capaz de manter um bom apelo gráfico.

Se inicialmente o Cavaleiro tinha um status quo heroico, neste volume ocorre sua desconstrução. Seus poderes são negados pelo deus da lua Konshu. Acusado do ataque terrorista que tentou impedir, Spectre é preso e se vê obrigado a se salvar sem a força da entidade. O drama ajuda a desenvolver a personalidade da personagem, aspecto que, normalmente, se desenvolve somente em seus casos esquizoides. Ainda que seja um argumento característico dos quadrinhos, o herói obrigado a viver sem seus poderes, a trama se sustenta pelo carisma bem desenvolvido nesta fase, demonstrando como foi certeiro o planejamento de atrair o público pela ação e, em seguida, desenvolver uma trama maior sobre poder e queda.

Esta fase se conclui no próximo encadernado, porém é notável o quanto os dois roteiristas até aqui conseguiram reafirmar a personagem dentro da Marvel em uma abordagem que fugiu de um grande evento espetacular. Focando em uma ação precisa e sendo pontual em abordar o drama para destacar o personagem.

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Resenha | Desista! E Outras Histórias de Franz Kafka

11 de maio de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Conrad, Franz Kafka, Peter Kuper

A transposição de uma arte, e seus códigos fundamentais, para outra mídia distinta depende da qualidade de seu autor para compreender e adaptar um conceito a outro de maneira eficiente. A linguagem de uma narrativa escrita para uma história em quadrinhos, por exemplo, ainda que tenha parcialmente um campo comum, é erigida por conceitos diferentes.

A vertente de adaptações literárias em quadrinhos é um rico manancial que, raramente, é lido de maneira atenta. Se por um lado há ousadia de seus autores em adaptar densas obras literárias, as versões não sabem dialogar e modificar a narrativa original adequadamente aos códigos dos quadrinhos, resultando em edições que atingem somente o público que anteriormente leu as obras e procura a leitura em quadrinhos com interesse curioso.

O quadrinista Peter Kuper, famoso pelas histórias de Spy vs. Spy na revista Mad, se aventura pelas narrativas de Franz Kafka para compor uma série de histórias curtas baseadas em seus contos. A obra Desista! e Outras Histórias de Franz Kafka foi lançada originalmente em 1995 e, no mesmo ano, ganhou edição brasileira pela L&PM, reeditada pela Conrad em 2008. A edição foi a primeira incursão do autor na obra do tcheco, cuja novela A Metamorfose também foi versada pelo quadrinista.

A obra de Kafka é narrativamente bem composta e carregada de um significado metafórico, cujas interpretação e sensibilidade são transmitidas para o leitor. Suas personagens, sempre alienadas, abordam situações simbólicas que representam esteticamente o conceito de fantástico, pela quebra de uma realidade aparente. No país, entre os diversos tradutores que o versaram, temos um conjunto de traduções excelentes do qual Modesto Carone se destaca como um dos tradutores fundamentais.

Devido a esta vertente simbólica, o quadrinista tenta desenvolver um sentido visual diante desta narrativa fantástica, utilizando brevíssimos contos do autor. A escolha de textos curtos, apresentados sem cortes, potencializa a interpretação do quadrinista e a força da narrativa original; imagem e narrativa verbal buscando um equilíbrio. Por si só, Kafka é grandioso em sua obra a ponto de tornar a interpretação de Kuper inferior, devido a uma seleção de contos em que o leitor pode sorver o conto por completo – ainda que a tradução tenha perdido parte da prosódia do autor.

O único conto apresentado com cortes é O Artista da Fome: única obra inserida na seleção que contém uma longa história além das breves tramas metafóricas. Assim, o quadrinista pode adaptar com melhor qualidade e desenvolver seus traços, selecionando como irá compor sua narrativa a partir da original. É o único momento em que se torna evidente a visão do quadrinista e a voz do conto simultaneamente.

A escolha de contos breves e metafóricos, ainda que como um movimento ousado, impede uma grande reinterpretação na composição das imagens. Em parte porque o material escrito é bom o suficiente para tornar desnecessária uma interpretação visual única, afinal cada leitor desenvolverá sua própria composição imaginária a partir da metáfora. Quando o quadrinista, porém, trabalha desde a abordagem inicial do texto e sua adaptação, a versão cresce e se torna potencialmente forte como a original.

Como obra-homenagem à obra de Kafka, apresentando uma seleção de contos ilustrados, Desista! é funcional e marca um primeiro elo entre dois autores para uma futura adaptação maior. Como registro visual e, portanto, uma história em quadrinhos adaptada, o apoio em demasia aos textos originais mantém Kafka como grande destaque, fazendo dos traços de Kuper, embora competentes e bem trabalhados no uso das duas cores, um detalhe menor.

Resenha | Os Maiores Clássicos do Poderoso Thor – Volume 4

6 de maio de 2016 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

mitologia nórdica, ragnarok, Thor

Walter Simonson tenta reavivar os áureos tempos de Jack Kirby e Stan Lee à frente do deus do trovão, levando o herdeiro de Asgard a aventuras fantásticas, repletas de escapismo, em que o chamado à aventura é realizado em uma atmosfera repleta de classicismo, como nas histórias tolkinianas de capa e espada. A publicação começa focando Balder, o Bravo, que está recluso em seu reino Norne, em seu castelo com a bela Karnilla, explorando toda a dualidade da personagem feminina, balanceado pelo espírito de paladino do guerreiro asgardiano.

A arte de Sal Buscema talvez seja o maior diferencial da revista. Seu traço faz lembrar o classicismo do seu xará de sobrenome, John Buscema, que costumava desenhar Conan. O Thor desta edição faz lembrar as adaptações em live action dos livros de George R. R. Martin, até prevendo um bocado da violência gráfica vista na série da HBO, ainda que a profusão de sangue e demonstração lasciva de carne humana seja muito mais branda nos quadrinhos da Marvel.

Agnar é enviado como mensageiro com a missão de convocar o seu mestre para ver a cúpula asgardiana. Após algumas desventuras, o informante vê-se em maus lençóis, presenciando o fim de seu mentor. Logo o caso se resolve, e Agnar percebe que Balder ainda está vivo, seguindo seu rastro, atrás dos gigantes de gelo liderados por Utgard-Loki que raptaram a rainha controversa de Norne. As primeiras quatro histórias servem para mostrar algumas das histórias periféricas escritas por Simonson, mas apenas para isso: introduzir o arco que interessa, que teria seu rompimento simbólico com a chegada do guerreiro oriental Hogun, o Severo, diante do já maduro Agnar. Sua chegada anunciaria a elevação de Balder a regente do reino dourado, para enfim adentrar na história central.

Na coroação de Balder, Thor assiste a tudo tranquilamente, com o estado de espírito não condizente com a crise que se instaurou em seu reino. A atitude altiva fortalece a confiança de seus concidadãos, além de servir como pretexto para retornar a Midgard. Paralelamente a sucessão real no plano astral, acontece uma invasão em Midgard, no meio da tarde em Nova York, e o poderoso deus encarnado intervém. O sujeito uniformizado é semelhante a um policial intergaláctico – com muitos aspectos em comum com a criação kirbiana de Orion, dos Novos Deuses, chamado Peace.

O patrulheiro tem uma missão relacionada ao casulo que mantém a bizarra figura Zaniac dentro da carcaça magra do reles presidiário Tatcher, que logo sai em busca de sua desejada Jane Foster. A história ganha ares de adaptação do texto de Robert Louis Stevenson e seu O Médico e o Monstro, cujo visual se assemelha aos filmes da produtora britânica Hammer.

Thor e Peace percebem que estão do mesmo lado e então formam uma aliança para deter Zaniac. A origem de patrulheiro do tempo faz de Peace uma figura que explora ótimas brechas da história, mas mesmo com todos os esforços conjuntos a dupla não consegue deter a vilania da monstruosa criatura, perdendo por muito pouco. Através da intervenção dos poderes de Mjölnir, Thor consegue recarregar os poderes de viagem de seu novo parceiro, e eles decidem genialmente viajar para momentos anteriores ao eclodir do poder proveniente do bandido, evitando assim a tragédia.

Com as questões terrenas resolvidas, o herói divino pode enfim andar tranquilamente por sua amada Midgard, tratando de pensar nas insolúveis questões que envolvem o desaparecimento do pai dos deuses, Odin. O fato de não saber o paradeiro de seu ente querido o afeta diretamente, se manifestando imageticamente pela espessa barba que o vigilante – e consequentemente suas contrapartes também – carrega, símbolos da cada vez mais presente possibilidade de depressão, aspecto este que humaniza ainda mais a criatura nórdica. Em busca de maior interação com seus sentimentos, Thor usa a alcunha de Sigurd Jarlson, um técnico em elevações, que visita um velho amigo e sua extensa família, para logo depois, em comunhão com este clã, sentir o chamado a uma aventura.

A luta que o primogênito de Asgard encara se dá nos subterrâneos de Nova York, no esgoto, em meio a lama e podridão do lixo da Roma moderna, contra os mutantes Morlocks. As cenas, carregadas de simbolismo, remetem à busca por sentimentos e sensações no recônditos da alma, além de ter na figura do X-Men Anjo a óbvia figura da certeza de cumprir-se o destino por vias apolíneas. O guerreiro leva o mutante em seus ombros, prestando socorro a contragosto, praticando atos de altruísmo mesmo com a alma e espíritos feridos. O reencontro que tem com Ciclope e Jean Grey – outros membros de X-Factor – também reforça a ideia de descida aos níveis de seu inconsciente, encontrando-se com justiceiros normalmente tratados como vilões pelas vias sociais. Thor se vê como um deles, tem humildade diante da recém condição de orfandade, e é disso que tira força para revidar o ataque de Hela. Apesar do início trôpego, o volume 4 dos clássicos de Simonson revela um bocado da essência do herói retratado, com um argumento interessante e com desenhos plenamente condizentes com a fase áurea do Poderoso Thor.

Resenha | Perpetuum Mobile

4 de maio de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Diego Sanchez, Mino, quadrinhos independentes, Quadrinhos Nacionais

Perpetuum mobile, ou moto continuum, é o termo em latim para o sonho utópico dos engenheiros: a máquina de movimento perpétuo. Essa máquina hipotética utiliza – e reutiliza – a energia gerada pelo seu próprio movimento. Apesar da impossibilidade física de existirem – ao menos segundo as leis da física do nosso universo – há ainda quem persiga a construção de tais dispositivos.

Neste quadrinho – lançado inicialmente por financiamento coletivo e agora republicado pela editora Mino – Martin é um eterno insatisfeito. Na cidade fictícia de San Juarez, é ele que vive em moto contínuo, em busca de uma vida que o satisfaça. Suas escolhas podem não ser as mais acertadas, mas ele continua tentando. Em busca de um novo emprego, de um novo relacionamento, de novas experiências. Mas o que fazer com essa busca incessante quando o fim do mundo chega?

A narrativa não-linear confunde um pouco e pede uma segunda leitura. Mas, a menos que eu esteja redondamente enganada na minha interpretação, a história é um recap dos últimos meses de Martin – algo como o clichê da vida passando diante dos olhos numa situação de perigo ou naquele último instante antes da morte. Vendo por esse lado, faz sentido a não-linearidade da história, uma vez que em situações extremas é implausível que as recordações se organizem em ordem cronológica, aliás, é improvável que sequer se organizem.

Além da narrativa não linear, há várias digressões do protagonista, que começa a conversar com um amigo imaginário – uma personificação daqueles diálogos internos que todos nós temos. Demora um pouco até o leitor perceber que é disso que se trata – mais um bom motivo para investir numa segunda leitura.

Sobre o desenho, vale reparar como Diego Sanchez conduz o olhar do leitor. Mesmo se em alguns momentos o conteúdo seja confuso, não se pode responsabilizar a disposição dos painéis, que dá fluidez e, ao mesmo tempo, agilidade à leitura.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | O Despertar: Parte Dois

2 de maio de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Distopia, o despertar, Scott Snyder, Vertigo

Além de uma mera estratégia editorial ao lançar uma publicação dividida em duas partes, a série da Vertigo criada por Scott Snyder e Bryan Murphy se desenvolve em dois momentos narrativos distintos, justificativa para que a revista, lançada originalmente em dez partes nos Estados Unidos, tenha sido publicada em dois compilados pela Panini Comics.

Na sequência de O Despertar : Parte Um, a trama sofre um salto temporal de 200 anos, apresentando um futuro distópico em que as calotas polares foram destruídas pela ação das entidades do mar. Este novo cenário foi apresentado brevemente durante a primeira parte da história, focada, em grande parte, em um crescendo atmosférico de tensão e claustrofobia nas profundezas do mar.

Neste novo cenário, as entidades se tornaram parte do cotidiano mundial. São objeto de caça devido ao seu próprio sangue, que provoca poderes alucinatórios nos humanos, bem como fragmentaram a sociedade em uma nova estrutura, incluindo aqueles que são favoráveis ao despertar destes seres, sendo postos à margem pela política. A nova personagem central, Leeward, é apresentada como um pária nesta nova sociedade e, à semelhança da dra. Lee Archer, captura um chamado das profundezas e decide investigá-lo.

A abordagem nesta parte se difere da inicial: a trama desenvolvida em ambiente fechado cede espaço para uma aventura distópica que intenta apresentar uma nova sociedade. Duzentos anos após o surgimento dos sereios, tem-se a impressão que não houve nenhuma evolução científica aparente, ainda que tal afirmação seja questionável. Mesmo com o despertar destas personagens do mar, seria natural que, antes da queda total da humanidade, houvesse uma tentativa de descobrir quem elas são. A trama, ao menos, não demonstra essa possibilidade.

O roteiro de Snyder desenvolve uma boa base desta sociedade distópica, ainda que não trace uma ponte de ligação aceitável com a história anterior. A teoria que surge para sustentar as entidades se demonstra simplista, sem nenhuma revelação além do óbvio elo perdido com os humanos. O bom suspense da primeira parte se contrapõe a cenas de ação comum neste segundo ato, em um cenário que não parece urgente como ocorreu com a descoberta dos sereios.

Conforme caminha para o desfecho, a trama se enfraquece também ao apresentar novos personagens, demasiadamente comuns e apoiados em estereótipos. Tons que simplificam os bons contornos narrativos iniciais, entregando um final que nada tem de revelador, mas parecendo despreparado em relação à tônica da história, como se o roteiro se prolongasse em demasia em certas partes anteriores e, ao se deparar com poucas páginas para finalizar, escolhesse a saída mais fácil para um fim que fosse confortável aos leitores mas, ainda assim, permanecesse incompleto de explicações.

Ainda que a ficção científica tenha fundamentado um bom argumento inicial, a trama se dilui diante de uma sequência de alternativas narrativas fáceis, repetindo histórias anteriores sem uma boa sustentação. A leitura flui até o término da edição, porém, não o suficiente para se destacar como uma boa história por completo.

Resenha | Thor: O Deus do Trovão – O Carniceiro dos Deuses

29 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Esad Ribic, Jason Aaron, Marvel Comics, mitologia nórdica, Thor

Iniciando uma nova fase de Thor na era Nova Marvel, ponto de partida desenvolvido para novos leitores após a saga Vingadores VS. X-Men, Thor: O Deus do Trovão foi o título escolhido para a nova revista do deus nórdico com Jason Aaron (Wolverine e os X-Men, Justiceiro MAX) nos roteiros e Esad Ribic (Namor: Nas Profundezas) nos desenhos.

Como a ideia fundamental desta nova editoria é desenvolver uma trama que atraia um novo público, mesmo inserido em um contexto temporal e cronológico da Marvel, a primeira história desta nova fase, O Carniceiro dos Deuses – publicado inicialmente na mensal Homem de Ferro e Thor e posteriormente lançado em encadernado em capa dura – se desenvolve, ao máximo, sem nenhuma amarra do presente, lhe conferindo um ar atemporal e destacando a figura central do herói.

Quando Stan Lee, em 1962, configurou Thor como um personagem, o deus mitológico oriundo de uma tradição nórdica era inserido em um contexto heroico na Marvel. Esta tradição e os dogmas aos quais pertenceu o deus do trovão e das lutas permaneceram como partes narrativas de suas histórias, ainda que muitos roteiristas não souberam utilizar este passado histórico com qualidade, transformando em um deus quase simbólico.

Pautada nesta dimensão divina, a narrativa apresenta três diferentes representações de Thor, cada uma situada em um espaço-temporal específico: passado, presente e futuro. Em comum apresentam um mesmo inimigo, um assassino de deuses. Denominado Carniceiro dos Deuses, a trama traça um paralelo destes três tempos apresentando os encontros de Thor com a entidade.

O roteiro é equilibrado ao focar estes três tempos, alternando com precisão cada momento, ampliando a dramaticidade narrativa. O público é convidado a se perguntar como a batalha prossegue, e se o herói sairá vencedor, se até mesmo em um futuro provável Thor permanece lutando contra o Carniceiro dos Deuses quando, cada vez mais, aparenta fragilidade.

Em um mesmo universo, diversos deuses de religiões distintas se alinham através da figura do Carniceiro, alguém com conhecimento suficiente para matá-los. Ao retomar um grande número de seres divinos, hoje mantidos por nossa história como deuses pagãos ou oriundos de panteões politeístas, a concepção da fé de diversos povos é apresentada. Mostrando um notável panorama de que, mesmo em épocas distintas, os homens exploram a religião, bem como uma entidade superior como forma de criação, divindades e crenças alimentam um círculo de fé universal. Deuses que indistintamente foram vivos e esquecidos, seja pela dizimação de seu povo ou pela morte nas mãos do carniceiro.

Tal conceito de diversos deuses interconectados se assemelha à obra Deuses Americanos de Neil Gaiman, uma homenagem a divindades de diversos tempos alicerçadas na adoração como parte fundamental de sua existência. Aaron desenvolve temática semelhante, mas a explora através de um fiel que, ao não ter sua prece atendida por seu deus, resolve negar qualquer divindade existente e, consequentemente, inicia um plano para matá-los, expurgando a fé da Terra.

A história versa sobre a fé e a ideia de que a receptividade divina nem sempre se destaca a todos, e também como um mesmo ato apresenta interpretações distintas. Afinal, o que o carniceiro considera um ato de traição de seu deus, outros interpretariam como uma prova divina. Intercalando esta simbologia e os encontros com Thor, os deuses cronais estão presentes na trama, pressupondo que o vilão poderia viajar para tempos diversos e, assim, exterminar a existência dos primeiros deuses do universo, expurgando o conceito de deus, além de justificar porque no passado, presente e futuro, Thor estaria em constante batalha com a personagem.

Como se não bastasse uma potente história sobre fé e negação, Thor faz parte fundamental na trajetória do Carniceiro por ser um exemplo de deus adorado e bem quisto pelo povo, uma divindade que não vive em um panteão distanciado de ordem e devoção mas também aquele que convive com seus homens em conjunto, uma encarnação divina na terra que conduz seus homens pela palavra e suas ações nas batalhas. Uma representação que se torna conflitante para um vilão descrente de qualquer benevolência divina.

Aliado ao roteiro primoroso, a arte de Ribic integra a narrativa à perfeição em traços compostos sem lápis, semelhante a pinturas, configurando uma perenidade à história como se ela representasse atemporalmente uma narrativa fabular sobre a fé e seus deuses. Diante de tantas novas edições lançadas na Nova Marvel, equilibradas entre uma nova abordagem de temas conhecidos, a vertente escolhida para esta trama se destaca pela temática, além da boa condução, ainda mais se considerarmos que a publicação foi realizada na linha mensal, e não em um projeto especial. Esse é o motivo que engrandece este belo início: uma narrativa circular que redefine Thor como um deus, ao mesmo tempo em que o articula como grande personagem do estúdio fazendo uma reflexão sobre a necessidade humana de acreditar em seres superiores como símbolos de virtudes máximas e benevolentes. Uma fábula nórdica contemporânea.

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Resenha | LJA: Terra 2

25 de abril de 2016 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

Batman, DC Comics, Eaglemoss, frank quitely, Grant Morrison, Liga da Justiça, Mulher-Maravilha, Superman

Terras paralelas sempre foram um elemento chave da DC Comics, embora a editora tenha tentado acabar com o conceito nos anos 1980 com a maxi-série Crise nas Infinitas Terras. Para tornar seu universo de personagens mais coeso e aberto a novos leitores, a Crise serviu como uma forma de simplificar as muitas Terras tornando-as uma só. Isso facilitou a vida tanto de roteiristas quanto de novos leitores, embora elementos cruciais da cronologia da editora tivessem sido varridos pra baixo do tapete. Na saga em questão, universos inteiros morreram, e o primeiro a ser extinguido da existência foi o que comportava a Terra-3. Esse planeta era uma cópia às avessas da Terra principal, onde havia uma versão maligna da Liga da Justiça e o único herói era Alexander Luthor. O conceito de “cópia maligna”, apesar de parecer uma solução preguiçosa pra arranjar bons vilões, sempre foi usado na editora e se perdeu com a reformulação.

No entanto, muitos personagens e várias linhas narrativas acabaram ficando prejudicados com a Crise. Se não existiam mais Terras paralelas, os roteiristas pós-Crise passaram a ter que justificar a existência de heróis que tinham sua origem fortemente ligadas a esses mundos. Assim, malabarismos precisaram ser feitos para explicar as origens de personagens como a Supergirl, a Legião dos Super-Heróis e a Poderosa. A maioria dos roteiristas apenas aceitou as mudanças e fizeram o melhor que puderam com um universo único.

Mas Grant Morrison não era como a maioria dos roteiristas.

Na metade da década de 90, Morrison reformulou a Liga da Justiça trazendo de volta vários elementos clássicos da Era de Prata, principalmente a formação da equipe com os sete maiores heróis do universo. Sua fase na revista LJA foi aclamada por público e crítica – cometendo alguns deslizes típicos do autor, de certa forma perdoáveis – e revitalizou o título, que havia se tornado uma comédia pastelão com heróis secundários desde o final da década de 80 até então. A Liga de Grant Morrison era grandiosa e empolgante.

Morrison pretendia trazer de volta o conceito de Terras paralelas – algo que recentemente se mostrou fixação do autor, com a série Multiverso DC – mas parecia que não havia um jeito, devido à Crise. Mas o universo de antimatéria ainda era um conceito válido na época, e foi disso que ele se aproveitou para escrever LJA: Terra 2.

Lançada nos Estados Unidos como uma graphic novel, Terra 2 passou quase que despercebida pelas terras brasileiras. Na época, a Editora Abril lançou uma ousada e questionável iniciativa na sua linha de hqs de super-heróis, abandonando o consagrado formatinho e adotando a linha Premium. Essa nova linha, embora maior e melhor, tinha um preço pouco acessível aos leitores da época, e muitos acabaram abandonando o hábito de ler quadrinhos. LJA: Terra 2 foi publicada na primeira edição de Superman Premium e nunca mais relançada em português, até agora com a Coleção de Graphic Novels da DC Comics, da editora Eaglemoss.

Na trama, Morrison revela que o universo de antimatéria abriga uma versão espelhada da nossa Terra, tal qual a extinta Terra-3 pré-Crise. Mas esse universo parece muito mais sombrio do que sua extinta versão, adaptada para a realidade do fim do milênio (mais sombria e realista). Alexsander Luthor, único herói dessa Terra (tal qual a versão pré-Crise) descobre um universo livre da tirania do Sindicato do Crime e pede ajuda aos heróis da Liga da Justiça. Após um momento de deliberação, Superman, Batman, Mulher-Maravilha, Lanterna Verde (Kyle Rayner) e Flash (Wally West) resolvem ajudar, ficando apenas Aquaman e Caçador de Marte na nossa Terra. Os heróis descobrem que nesse universo, as coisas funcionam de forma bastante diferente do que estão acostumados: lá, o Mal sempre ganha!

Temos alguns momentos interessantes, como o encontro de Batman com a versão de seu pai – o Comissário Thomas Wayne – e descobrimos que Ultraman e seu Sindicato do Crime dominam a Terra. Supermulher (versão da Mulher-Maravilha) tem um relacionamento com Ultraman, mas mantém um caso com o Coruja (o Batman de lá). Há uma “troca de lugares”, e o Sindicato do Crime vem parar na Terra da Liga e, invertendo a ordem das coisas, passa a chama-la de Terra 2! A Liga da Justiça vê-se então forçada a retornar para reestabelecer a ordem. Com uma trama bastante simplória, vence o Sindicato. Isso porque, em nosso mundo, o bem sempre vence o mal.

É sempre interessante perceber como Grant Morrison utiliza conceitos simplistas de forma magistral. O autor costuma pegar elementos que a maioria dos fãs prefere ignorar e fazer deles algo bem construído e agradável de se ler. Além disso, a arte de Frank Quitely casa perfeitamente com o estilo de narrativa do autor. Quitely colabora com Morrison eu outras ocasiões, como em Novos X-Men ou Grandes Astros: Superman, e sempre adiciona a dose certa de modernidade e saudosismo à trama.

Morrison prova, mais uma vez, que até o mais simples dos conceitos pode ser bem trabalhado e render uma boa história. A Eaglemoss acertadamente nos traz essa pérola há muito esquecida pelas editoras nacionais, ainda com uma história secundária de 1961 que mostra, pela primeira vez, o conceito de Terras paralelas. A história O Flash de Dois Mundos é simples e direta, mas alicerça a longa tradição de infinitas Terras da DC Comics.

LJA: Terra 2 foi o pontapé inicial para que as Infinitas Terras voltassem com força total nos anos posteriores e retomassem lugar de destaque nas histórias da DC.

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Resenha | Demolidor – Vol. 3

22 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Demolidor, Javier Rodriguez, Mark Waid, paolo rivera

Neste terceiro volume compilando a fase de Mark Waid como roteirista da revista Demolidor, premiada com o Eisner de Best Continuing Series além da premiação de Single Issue para a edição #7 (compilada em Demolidor nº 2), a Panini Comics dá sequência ao lançamento em encadernações em lombada quadrada, uma das primeiras a reunir edições mensais de um personagem em vez de inseri-lo em um mix. Padrão que hoje se tornou uma das frontes da editora.

Diferentemente da versão original americana, este terceiro volume não apresenta uma história em três partes com Demolidor, Justiceiro e Homem-Aranha em um crossover intitulado Ponto Ômega. A trama foi publicada no país no compilado do Justiceiro, em seu segundo volume da fase de Greg Rucka. Considerando que as personagens possuem histórias anteriores em comum, a editora optou como estratégia a publicação na íntegra em uma única revista, para que leitores comprassem um novo título e, se possível, continuassem a lê-lo além da saga com o Homem Sem Medo. Esta trama dividida em três partes publicadas originalmente em Avenging Spider -Man 6, Punisher (2011) 10 e Daredevil 11, apresenta um novo ato da narrativa desenvolvida pelo autor a longo prazo, envolvendo o Omegadrive e os cinco grupos criminosos que tentam roubá-lo de Murdock.

O volume 3 compila as edições 12 a 18 de Daredevil – Vol. 3. A primeira história apresenta um entreato desta grande trama e enfoca a promotora Kirsten McDuffie. Em um primeiro encontro com ela, Matt retoma uma aventura do passado para explicar a amizade com Foggy Nelson, demonstrando como os amigos foram um apoio mútuo desde o início. Uma trama leve e bem delineada ressaltando a amizade para causar maior impacto no conflito dramático a seguir.

Waid mantém seu tom diferenciado em relação ao anos anteriores de Demolidor, em histórias menores e com maior leveza diante do realismo explícito e a vertente urbana de seus predecessores. Os traços de Chris Samnee e as cores de Javier Rodriguez e Laura Allred, aliadas à arte-final de Tom Palmer, casam com esta versão, bem como a composição de quadros se mantém tradicional com uso da borda branca, algo que, atualmente, é quase inexistente. Além desta primeira e bonita história que apresenta um descanso para a personagem, duas tramas se desenvolvem a seguir.

A primeira a partir do arco do Omegadrive: o herói é sequestrado na Latvéria para ser estudado e pesquisado a pedido de Victor Vom Doom. Mesmo nesta roupagem mais leve da personagem, a desconstrução de Murdock se tornou uma de suas características fundamentais. Assim, conforme as experiências examinam minuciosamente seu corpo à procura de uma maneira de replicar seu radar, a personagem perde lentamente os sentidos e lida com o inconsciente interno e, consequentemente, seus traumas.

Após o salvamento pelos Vingadores em uma história em que Doutor Estranho, Hank Pym e Tony Stark tentam amenizar os danos causados na Latvéria, o embate do advogado cego é focado em Foggy Nelson. Durante a trajetória da dupla, em movimento comum a qualquer relação de amizade longeva, muitas brigas fizeram parte de sua história. Depois do grande conflito que levou Murdock à loucura e proporcionou a saga Terra das Sombras, Foggy tem dúvidas em relação à sanidade do amigo, e quando encontra indícios incoerentes com a afirmação do advogado, rompe novamente a parceria no escritório de advogacia.

Mais uma vez, Demolidor se encontra à deriva. Mesmo com roteiristas diversos, suas tramas sempre projetam urgência e, como apresentam tanto a faceta do herói como a do advogado, produzem uma composição de alta credulidade em que um homem tenta fazer tudo o que for necessário para manter seus universos harmônicos mas, naturalmente, falha. Suas relações e seus afetos sempre se modificam em quedas. A própria construção da personagem vem dessa força de sobrepujar o caos e se reerguer com ousadia. Um fato que sempre proporciona uma potência em suas histórias.

Demolidor n° 3 mantém a tônica das edições anteriores em uma qualidade exemplar na narrativa, trabalhando elementos clássicos e novos conceitos em grandes histórias as quais, como sempre acontece com Demolidor, nascem com grandes conflitos.

Resenha | Homem de Ferro: O Demônio da Garrafa

18 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Carmine Infantino, Homem de Ferro, John Romita

O resgate de antigas histórias de um personagem heroico é fundamental para que se compreenda, em totalidade, as diferentes abordagens realizadas desde sua criação. Ainda que hoje o vasto material da Marvel Comics, desde seu lançamento, possa impedir uma leitura completa, republicações e edições especiais pontuam com qualidade obras que se destacaram na época e hoje permanecem no cânone.

Homem de Ferro: O Demônio da Garrafa é o primeiro número cronológico da Coleção Marvel Graphic Novels lançada pela Salvat (a história também já foi lançada em versão com capa cartonada pela Panini Comics em 2008). No prefácio desta edição, o editor da Panini Italiana, Marco Lupoi, analisa a trama como um novo movimento dentro do estúdio e uma das bases fundamentais da personagem. Até o lançamento desta história em 1979, Homem de Ferro era considerado um herói aventureiro e, embora com certo índice de vendas, não se destacava como outras revistas, como Hulk e Homem-Aranha, histórias que já traziam breves conflitos internos além da luta contra vilões.

A trama dividida em nove partes aborda o alcoolismo de Tony Stark. e foi responsável por reconfigurá-lo diante do público. Um drama que adensava a personagem, indo além da impressão de um frívolo playboy milionário. O roteiro de David Michelinie e Bob Layton com traços de John Romita, Jr. Bob Layton e Carmine Infantino se desenvolve de maneira bem distinta das sagas contemporâneas. Hoje o tema da história é apresentado com começo, meio e fim em um arco específico. Nesta época, porém, a história do alcoolismo atravessa aventuras diversas, mostrando pequenos indícios do abuso da personagem até uma edição derradeira – com a icônica capa de Stark suando com uma bebida ao lado – quando constata sua condição.

Em comparação, é evidente que o impacto narrativo é diferente do das histórias atuais, principalmente na abordagem sobre este problema, sutil e pontual. Três histórias atravessam a problemática como um crescendo, em uma trama que aborda uma sequência narrativo-temporal como se acompanhássemos os dias de Tony Stark, missão após missão. Fator que justifica um desequilíbrio maior quando a bebida começa a dificultar seu trabalho heroico.

Mesmo de estilo claramente diferente da atual editoria da Marvel, O Demônio da Garrafa acrescentou uma nova camada dramática a um personagem explorando um vício comum, fator inerente à condição humana, desconstruindo a perfeição do conceito super e aproximando Stark do leitor pelo viés humano. Um ganho que deu maior destaque para o Homem de Ferro.

Compre: Homem de Ferro – O Demônio da Garrafa (Salvat)

Resenha | iZombie: vcvampiro – Volume 2

15 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Chris Roberson, cw, DC Comics, Michael Allred, Vertigo, Zumbis

Após a primeira edição, Morri Para o Mundo, apresentando a premissa básica da série, iZombie cresce neste segundo encadernado, compilando os número #6 a #12. O início, didático ao extremo, fundamentava o conceito da trama, apresentando as personagens e sua breve mitologia, alinhando diversos monstros em um universo distinto, sem nenhum grande momento.

Neste novo compilado lançado pela Panini Comics, duas histórias são focadas em personagens específicos. Tal fato aprofunda melhor os dramas internos, fugindo um pouco da vertente juvenil de uma zumbi adolescente em crise. Gwen, a personagem central da trama, pouco evolui, apenas constatando que seu desenvolvimento zumbi a faz perder cada vez mais as memórias quando viva. A história, criada a partir do ponto de vista da garota, exagera ao tentar emular as falas de uma adolescente, criando um registro anacrônico de um roteirista que não parece, de fato, integrado com sua figura central. A internalização de seu drama, exposto pela narrativa, é repetido a cada edição sem nenhuma evolução aparente.

Em contrapartida, os dois amigos da zumbi crescem nestas referidas histórias solos. O terrieomem Spot tem maior desenvolvimento ao narrar a história do avô, ganhando sua improvável companhia descarnada agora incorporado em um macaco, uma faceta mais bem-humorada da história e que funciona bem; e a fantasma Ellie retoma seu passado, apresentando um breve panorama de sua vida quando viva e o primeiro encontro com Gwen, além de situá-la com outros fantasmas do cemitério. Duas histórias solos que ampliam a dimensão das personagens de apoio.

Dentro da narrativa central, surge um inimigo simbolizando o primeiro vilão da trama. Ainda que a história esteja desenvolvendo sua grande trama e alinhando o que parece ser uma batalha para impedir o ressurgimento de uma entidade, duas linhas paralelas são desenvolvidas simultaneamente, a primeira com Gwen e a segunda sobre os caçadores milenares da corporação. Mesmo que Chris Roberson falhe ao compor uma personagem central interessante e bem delineada, o autor produz ritmo na narrativa ao alternar estas duas frontes. O universo ao redor da zumbi, bem como os outros personagens, são mais interessantes do que ela.

Apesar de uma leve melhora, destacada pelas histórias solos, o segundo volume termina ainda sem apontar ao leitor se a trajetória de Gwen levará a uma trama maior ou se permanecerá apoiada somente em pequenas tramas cotidianas, explorando conflitos mínimos de personagens que, embora monstruosos, se desenvolvem em uma dinâmica adolescente sem nenhuma novidade.

Resenha | Cavaleiro da Lua – Vol. 1

11 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

cavaleiro da lua, Declan Shalvey, Marvel Comics, Warren Ellis

A construção de Cavaleiro da Lua sempre foi difícil devido a seu histórico psicológico, pautado em múltiplas personalidades, e a semelhança com a base de outros protagonistas, um milionário que ostenta um arsenal heroico. Criado por Doug Moench e Don Perlin e inserido como parte do heróis urbanos da Marvel, o personagem alterna revistas próprias e participações em diversas edições da casa, nunca atingindo um destaque definitivo.

Em 2011, Brian Michael Bendis e o parceiro desenhista Alex Maleev relançaram-no em nova revista mostrando argumento que dialogava com outros três grandes personagens do estúdio, história cancelada após doze edições. Após esse período, o alterego de Marc Spector permaneceu como coadjuvante, participando da revista de Demolidor em apoio ao herói na saga Terra das Sombras, estrelando a equipe de Vingadores Secretos liderada por Steve Rogers, aliando-se a personagens famosos mesmo sem destaque próprio, além de participar da saga A Era de Ultron.

Em sintonia com um novo começo da editora com Totalmente Nova Marvel, O Cavaleiro da Lua retorna em mais uma tentativa de conquistar popularidade e um novo público. Criador de grandes obras adultas para o selo Vertigo e outras histórias autorais, bem como da própria fase dos Vingadores na qual o Cavaleiro participou, Warren Ellis retoma a personagem nos seis primeiros volumes desta nova fase em edição publicada pela Panini Comics diretamente em formato encadernado.

O roteirista evita qualquer recomeço narrativo utilizando o repetido conceito de uma origem, optando por apresentar a personagem através de seus talentos de investigador. As seis histórias do encadernado são fechadas, focadas em missões específicas de Marc Spector, agora dividido entre duas personalidades heroicas, o conhecido Cavaleiro da Lua e Mr. Knight, ajudando a polícia local. No interior destas investigações, há a inserção de conceitos base sobre a personagem, a origem de seu poder partindo de um totem egípcio, e a loucura gerada a partir deste poder, responsável pelas diversas personalidades de Spector.

A intenção desta nova fase é conquistar o público pela ação enxuta, bem executada pelo roteirista que trabalha com qualidade o ritmo e a quantidade de informação inserida a cada página, levando em conta o limite máximo de vinte e cinco páginas. O formato de uma história fechada a cada edição se diferencia do mercado atual, apoiado em demasia em séries e arcos longos. Os traços de Declan Shalvey com cores por Jordie Bellaire ganham destaque na figura central. Como o manto trajado é branco, a dupla optou por evitar qualquer pintura em seu interior, deixando-o inteiramente preto e branco em cena, um conflito de cores que causa impacto e, de maneira simples, potencializa sua força e a mística em torno de sua figura.

Ennis foi escolhido devido a seu talento como roteirista e a seu nome, que carrega um histórico narrativo de sucesso. Sua intenção é promover um background de histórias de aventura para conquistar os leitores. Como elas não são interligadas, a leitura flui ainda que o formato, se seguido a longo prazo, possa se esgotar. Como um recomeço, o escopo da ação é uma abordagem interessante, ainda que seja necessário, em algum momento, um conflito maior e coerente para a personagem.

A nova versão de Cavaleiro da Lua durou dezessete edições e foi publicada no exterior posteriormente em três encadernados que a Panini Comics deve lançar na íntegra (o segundo volume foi lançado recentemente). Atualmente, uma nova revista se inicia pela Marvel com Jeff Lemire e Greg Smallwood na equipe. Entre cancelamentos e releituras, a personagem se mantém ativa.

Resenha | Homem-Aranha: Azul

8 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

jeph loeb, Salvat, tim sale

Um ano após a bela história de Demolidor: Amarelo, a dupla Tim Sale e Jeph Loeb davam sequência a sua trilogia de cores na Marvel Comics, enfocando novamente o passado de um grande personagem da casa. Diferentemente da primeira história que partia de um acontecimento traumático recente, em Homem-Aranha: Azul – lançado na época pela Panini Comics e relançado em capa dura na Coleção Graphic Novels Marvel da Salvat – é o aniversário da morte de Gwen Stacy que motiva Peter Parker a relembrar os fatos.

Em estilo semelhante ao anterior, o aracnídeo também dialoga diretamente com uma personagem que saiu de cena. Porém, a carta da primeira história escrita para Karen Page é substituída por um registro oral feito através de um antigo toca-fitas encontrado no sótão no Dia dos Namorados. É neste cenário que Peter narra sua relação com Stacy, o interesse amoroso por Mary Jane e diversos vilões que se apresentam nestes acontecimentos.

A trama é desenvolvida de maneira mais linear sem enfocar aspectos diversos da personagem. O roteiro se baseou nas tramas de The Amazing Spider Man #40 a #48 e #63, inserindo diversos ataques de vilões que seriam orquestrados por Kraven, o Caçador. A reformulação destas histórias causou excesso de personagens e, mesmo que simbolize a difícil vida de Peter Parker como herói e alter-ego, o conflito amoroso entre as duas mulheres de sua vida seria forte o suficiente. Diante de muitas cenas de ação, a vertente sensível se perde e chega a quebrar o ritmo deste recordatório. A arte também se apoia em traços anteriores da personagem, em uma clara homenagem a John Romita Sr., pontuando a composição imagética de sua época em uma lembrança que serve para a recordação do leitor desta fase.

Conforme a ação cede para um maior aprofundamento no embate amoroso vivido entre o triângulo de personagens centrais, a história cresce em sua metade. O enfoque sentimental ganha mais força no luto de Parker e demonstra a intenção dessa releitura e a importância que Gwen Stacy teve para o jovem, tanto como primeiro laço amoroso de sua trajetória como em relação ao peso de se sentir responsável pela sua morte, provocada pelo Duende Verde.

Mesmo dando sequência a um interessante projeto, baseado nos primórdios de seus heróis, a inevitável comparação de Homem-Aranha: Azul com o primeiro e intocável trabalho se sobrepõe naturalmente. A história se mantém equilibrada, ainda que a homenagem e o enfoque simultâneo no enlace amoroso e nos vilões tenham diminuído o impacto sensível da trama, resultando em uma edição não tão definitiva quanto a anterior.

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Resenha | Stormwatch – Volume 2

4 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Panini, Stormwatch, Warren Ellis, wildstorm

Após apresentar uma sólida versão da equipe criada no selo Wildstorm por Jim Lee, Brandon Choi, H. K. Proger e Ron Marz, o roteirista britânico Warren Ellis desenvolve, simultaneamente, um primeiro arco narrativo enquanto explora três histórias solo sobre personagens. A primeira aventura publicada no volume 1 desta coleção lançada pela Panini Comics apresentava uma reestrutura tanto da trama quanto dos personagens, inserindo novos integrantes e difundindo-as em três equipes distintas para trabalharem em frontes diferentes.

Neste segundo volume, que compila as edições #43 a #49, o roteirista apresenta maior estrutura a dois de seus novos personagens: Jenny Sparks e Jack Hawksmoor, em histórias solos que apresentam o passado de um e a motivação de outro. Um aspecto fundamental para gerar identificação e para que os leitores da época compreendessem melhor tais membros inseridos na trama nesta nova fase. Ellis omite a origem de uma destes novos integrantes, Rose Tattoo, escondendo uma revelação posterior, porém amplia a atuação de Jackson King, o Batalhão, também em uma história solo.

Do ponto de vista narrativo, duas histórias merecem destaque. A primeira inserida nas histórias solo sobre o passado de Jenny Sparks. Como um dos personagens mais antigos da equipe, nascida em 1900, o surgimento da heroína é anterior ao chamado Efeito Cometa, responsável por transformar parte da população em superseres. Ao narrar sua história, Sparks pontua estes acontecimentos situados em sua trajetória. Como a fase de Ellis é considerada o ponto de inicio definitivo da série – nem mesmo há compilados de fases anteriores – é coerente que o autor situe o público sobre a origem heroica da equipe.

Enquanto este roteiro é bem desenvolvido entre o passado da personagem e a origem dos superseres, os desenhos acompanham a sequência evolutiva dos quadrinhos em estilos diferentes. Inicialmente, composto em preto e branco, para cores intensas até uma colorização contemporânea com sombreamentos e apoiada em um maior realismo. É interessante como as transformações visuais dos quadrinhos atravessam a história, promovendo uma ligação extratexto com o leitor.

A segunda história de destaque apresenta uma missão da equipe, após três edições solo. Ellis demonstra inovação ao criar sua trama a partir de um relatório do Homem do Tempo, inserindo tanto seus comentários como transcrição dos áudios captados na comunicação durante a missão. A história utiliza somente este texto como narração e as imagens se representam em quadros ilustrativos, uma espécie de narrativa cinematográfica crua, como um story board. Como a equipe está em meio a um ataque, as breves informações textuais inseridas causam urgência na leitura.

O primeiro grande arco da série é desenvolvido também neste volume, marcando a origem do grupo alternativo Autoridade que se contrapõe ao Stormwatch em ideologia. O roteiro conduz a dúvida, questionando se a perspectiva do grupo heroico central é válida e se a atuação da equipe é, de fato, coerente e legal do ponto de vista sócio-moral. A figura do Homem do Tempo, líder do grupo, se mantém ambígua e o surgimento desta outra equipe suscita a dúvida sobre a própria índole das personagens conhecidas. A trama suspende o conceito heroico e, provocativa, intenta implodir este conceito de um preto e branco relacionado a super-heróis, demonstrando que, em um universo envolvendo uma equipe que age de maneira político-mundial, nada é tão transparente.

Stormwatch: Volume 2 revela um crescimento narrativo evidente que explicita a proposta de Ellis ao conduzir a equipe. No próximo encadernado, o Volume 1 da série original se encerra para, novamente, o grupo entrar em nova fase.

Resenha | Deadpool: A Guerra de Wade Wilson

1 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Deadpool, Marvel Comics, Salvat

Desenvolvido como uma paródia do perfil tradicional de um herói, a carreira de Deadpool como personagem se iniciou em minisséries especiais até conquistar uma edição mensal. Desde sua primeira aparição, o Mercenário Tagarela teve três revistas com seu nome, além de uma ao lado de outro personagem de Rob Liefield, Cable. Em simultâneo a estas edições, estrelou diversas aventuras fechadas, normalmente com histórias que ganhavam mais liberdade ao fugirem de qualquer cronologia.

O sucesso da produção cinematográfica consequentemente alinhou relançamentos em sintonia com a recepção do público. Além do primeiro encadernado da Nova Marvel, Meus Queridos Presidentes, a Panini Comics lançou Deadpool Clássico – Volume 1 com o início de suas aventuras, e a Coleção Graphic Novels Marvel, distribuída pela Salvat, republicou A Guerra de Wade Wilson, na expansão da coleção.

Composta por quatro edições, a história já havia sido publicada em Deadpool 5 lançada pela Panini em maio de 2014, uma revista bimestral que inicialmente compilou a fase de Daniel Way e, em seguida, lançou material anterior a esta fase mas ainda inédito no país. Apesar da brevidade da trama, o roteiro de Duane Swierczynski e arte de Jason Pearson são um eficiente representativo da personagem e de seu conceito básico.

A trama tem início com uma investigação do governo à procura de responsáveis por um sangrento massacre no México com um único sobrevivente: Deadpool. Depondo em uma corte sobre os acontecimentos, apresentando sua visão dos fatos sobre a missão, a narrativa retoma a origem do herói criado a partir de experiências da Arma X ao mesmo tempo que desenvolve uma história paralela sobre a ilegalidade do grupo.

Como o próprio Wade Wilson desenvolve os acontecimentos, a realidade possível é permeada por suas manias: o excesso de ironia, a visão egocêntrica de si mesmo e o exagero característico ao narrar seus feitos. Como único personagem histriônico da história, os demais personagens geram um equilíbrio incrédulo, reconhecendo que os acontecimentos foram provavelmente distorcidos por sua mente e produzindo comicidade pelo espanto. Como sua insanidade confunde realidade com imaginação, a dúvida no leitor permanece sobre o que, de fato, ocorreu.

Membro integrante do projeto Arma X, Wade e sua equipe integrada por Silver Sable, Dominó e Mercenário seriam um tipo de grupo de elite trabalhando às escondidas nas piores missões possíveis. Um grupo de mercenários que aceita qualquer missão, desde que seja bem paga. A brevidade da história em quatro partes traz uma trama enxuta em que não há espaço para ganchos desnecessários, representando com qualidade a personagem e fazendo um resumo breve sobre sua origem, bem como demonstrando como o conceito metalinguístico pode ser bem utilizado e equilibrado dentro da história. A trama se encerra com uma provocação sobre a própria lucidez da personagem e se mantém com qualidade, ainda mais se comparado a outro recente relançamento do Tagarela, o equivocado primeiro arco da Nova Marvel.

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Resenha | Demolidor: O Homem Sem Medo

28 de março de 2016 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Demolidor, Elektra, Frank Miller, john romita jr., John Romita Júnior, Salvat

A fase de Frank Miller à frente do título do Demolidor é um clássico indiscutível na jornada do vigilante, exemplificado nos recentes volumes um e dois por Klaus Janson e pelo próprio Miller. Após um exitoso retorno, em Queda de Murdock, houve uma demandada por um novo enfoque do personagem, o que ocorreu através de um retorno às origens ao estilo do que a DC Comics já havia feito em Batman: Ano Um, também com outro artista nos desenhos, cabendo a John Romita Jr. o lápis de O Homem Sem Medo, lançado em 1993.

Matt Murdock ainda é um menino, que assiste a Cozinha do Inferno de um lugar privilegiado, acima das cabeças das pessoas. Sua rotina inclui pequenas contravenções, como interferência no trabalho de policiais de rua, com pequenos furtos de cassetetes em plena luz do dia, munido com uma máscara preta que protege sua identidade. Seu lugar preferido é o ginásio onde seu pai Jack Murdock treinava, nos tempos áureos como lutador de boxe.

O garoto já tem contato direto com a extorsão e criminalidade, uma vez que seu pai é obrigado sob ameaça a trabalhar para o Arranjador, após ter ameaçado sua vida e a de seu filho. Esse fator serve para quebrar o maniqueísmo normalmente encarado pelos heróis paladinos, mostrando que o embrião do Demolidor tem muito mais relação com o lado sujo de Nova York e o caráter humano do que qualquer discurso adocicado a respeito do vigilantismo.

Neste início, o fator mais interessante certamente é a construção em volta de Jack Murdock, que prima pela simplicidade e pela sinceridade. O drama do pai solitário é de fácil identificação e todos os seus pecados são explicáveis, uma vez que sua motivação é proteger a criança que está sob seus cuidados. Sua bebedeira é o artifício covarde tomado para esquecer seus momentos inglórios, e o soco que desfere no filho é a reação ao asco que tem por si, e que amaldiçoadamente está sendo seguido por seu herdeiro. O desejo de que Matt tenha outro rumo de vida faz o boxer se cegar até para o bom senso, fazendo-o agir com uma violência instintiva até em seu lugar de conforto, em casa.

A mostra do incidente que cegou o garoto é conduzido por um modo bastante emocional, desde os pequenos detalhes, a respeito da matéria radioativa que acertou o proto-herói da Marvel, até a origem do evento, quando o jovem salva um idoso cego de ser atropelado. A inserção de Stick é providencial, servindo de contraponto a autocomiseração que o infante sente, dando mostras de sua evolução, de um lutador em início de carreira para se tornar também um acrobata.

Os últimos momentos de Jack são melancólicos, mas vitoriosos, reprisados no filme do Demolidor de 2003, ainda que na revista o momento seja bem menos melodramático, assim como as ações que seguem o evento. Matt inverte o paradigma de seu pai e começa a ir atrás dos malfeitores para fazer justiça com as próprias mãos. Apesar de comedida, a violência gráfica de Romita Jr. começa a ser mostrada de maneira interessante, aplacada um pouco pela arte-final de Art Williamson. A agressividade tem um preço alto e justifica, entre outros fatores, o asco do personagem pelo homicídio, além de amarrar a origem de seu mestre aos futuros opositores.

A transição para a fase adulta é rápida, assim como a introdução ao curso de Direito e a amizade com Foggy Nelson. O sentimentalismo é dedicado à apresentação de Elektra, que mistura sensualidade natural, feminilidade e nenhum receio de se apresentar de modo sexual. As origens do herói são muito bem amarradas às aparições dos vilões, de aliados e possíveis pares amorosos, em doses homeopáticas, gradualmente pontuando o cânone do personagem, incluindo a evolução de seu traje, o mesmo uniforme negro que inspirou a primeira temporada de Demolidor da Netflix, em 2015.

A edição, repleta de extras, faz valorizar ainda mais os últimos momentos da revista, que por sua vez não são totalmente conclusivos, reforçando a ideia de prequence, que em sua essência acerta em quase todas as introduções. O enfoque no nome de Demolidor – no original Daredevil – é uma saída inteligente e emotiva, que se torna ainda mais simbólica com o mergulho no ar que o vigilante, já paramentado, executa e no valor às cores de Christie Scheele, também aludindo ao uniforme amarelado original, finalizando com o traje escarlate. A amálgama entre fúria da corrupção e justiça cega que se veem no ideal do Homem sem Medo.

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