Séries – Página: 8 – Vortex Cultural

Os Filmes (e OVAs) de Dragon Ball Z – Parte 2

26 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Como fizemos com o especial na primeira parte, continuaremos nosso artigo a respeito dos filmes, especiais e afins de Dragon Ball Z, falando de forma cronológica.

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O Retorno dos Androides ou Super Androide 13

De nome Doragon Bōru Zetto: Kyokugen Battle!! San Dai Super Saiyajin, lançado em 1992, o filme de Daisuke Nishio deveria se passar antes da batalha de Cell, e anteciparia até As fusões/absorções de androides. Ele foi exibido entre os episódios 147 e 148 quando Piccolo e 17 estão se enfrentando. O começo do filme mostra 17 matando Maki Gero, e a cena é bem bonita visualmente, apreço esse não antes visto nos filmes de DBZ. Logo se revela que outro computador , no subsolo, criava androides ainda mais poderosos, com premissa parecida com a de Cell.

O ponto de partida para os heróis é uma ida a cidade grande. Oolong, Kame, Kuririn e Gohan tentam entrar num evento de modelos de biquíni, enquanto Goku e sua família estavam fazendo compras, até que abruptamente aparecem dois seres poderosos e violentos. Eles vão atrás de Goku, o que faz lembrar que obviamente ele já está bem de saúde, recuperado da doença do coração, e não está na sala do tempo, tampouco passou por lá porque Gohan não se torna SSJ.

O visual do Super 13 emula a disposição e estilo dos super sayajins, embora suas cores sejam diferentes, com azul e cabelo espetado laranja, parecido um pouco com os cabelos de Gogeta (fusão de Vegeta e Goku pela dança metamoru) SSJ 4 visto em Dragon Ball GT. Não se sabe se a Toei reciclou a ideia deste vilão para fazer o seu Super 17 em Dragon Ball GT, fato é que em GT a ideia estava mais madura e inteligente.

Apesar de tudo, esse é um dos poucos – se não o único – filme em que realmente se teme pela vida de Goku e os outros, e onde não temos apenas o protagonista lutando. O Super 13 é o exato oposto de Kooler, ele não aparenta ser tão poderoso, como o irmão de Freeza parecia, mas este dá muito mais trabalho que o filho do Rei Cold.

Para variar o especial acaba com todos rindo, no hospital com Kuririn e Gohan se recuperando, enquanto Piccolo e Vegeta sentam-se num pedaço de gelo, largado no oceano, cada um de um lado, frustrados por não lutarem como gostariam.

Gohan e Trunks – Guerreiros do Futuro

Em Zetsubō e no Hankō!! Nokosareta Chō-Senshi • Gohan to Torankusu, é mostrado um futuro alternativo, e entre a morte de Goku por uma doença cardíaca e o presente desta realidade, passaram-se 13 anos. O clima de desolação é total e essa versão lembra demais filmes apocalípticos, como os da franquia Exterminador do Futuro. Os Androides 17 e 18 assassinam as pessoas à revelia, basicamente matando por puro prazer.

Lançado em 1993, foi comercializado na época da saga de Cell, entre os capítulos 175 e 176 do anime original. Trunks implora ao único guerreiro Z sobrevivente, o já adulto Son Gohan, com 23 anos, enquanto o filho de Vegeta e Bulma tem 14.

Dirigido por Yoshiro Ueda – que também dirigiu episódios do anime, e participou do departamento de arte de DBZ – A Árvore do Poder – ele é baseado em um capítulo curto do mangá, que não foi traduzido no seriado. Com conseqüências mais graves que os outros filmes e especiais, aqui Gohan perde um braço tentando salvar Trunks do ataque dos androides, e fica com cicatrizes no rosto, bem parecidas com as de Yamcha. Nesta realidade as coisas são mais graves. Aliás, Trunks demora a ganhar o poder de se transformar em super sayajin, isso só acontece quando Gohan é morto pelos adversários, por sua vez, o descendente de Goku já domina esse nível de poder.

Gohan é um bom mestre bom e usa a última semente dos deuses para salvar o garoto, no meio da batalha, e depois de treina-lo, o faz desacordar antes de ir enfrentar 17 e 18 para que Trunks não perecesse. Apesar de não ter muita ação – até porque ela já havia ocorrido antes – as curvas dramáticas do especial são bem construídas. A morte de Gohan, por exemplo é muito sentida por quem sobrevive, Trunks e Bulma sentem o impacto, e três anos depois o guerreiro tenta vingar seu mestre, sendo ainda incapaz de vencê-los, e isso é muito bom, pois foge do clichê de Dragon Ball, sem um final feliz. A mensagem escrita na máquina do tempo faz muito sentido, e é um dos artifícios mais maduros. As soluções não são rápidas e fáceis de prever, tampouco se subestima a inteligência do espectador. Ao lado do especial Bardock – O Pai de Goku são os únicos que realmente alteram o status quo da obra como um todo, sendo nesse os acontecimentos bem mais graves.

Broly: O Lendário Super Saiyajin

Doragon Bōru Zetto: Moetsukiro!! Nessen Ressen Chō-Gekisen é o de maior duração até aqui, com 76 minutos. Seus gráficos são bonitos, muito bem detalhados e animados – muito melhores que os da fase Cell. Foi lançado em 1993, entre os episódios 176 e 177 de Dragon Ball Z, à altura do torneio de Cell. Goku e Chichi esperam por uma entrevista que farão para um colégio onde Gohan poderia estudar, enquanto todos os outros guerreiros estão fazendo um piquenique com karaokê.

O longa é dirigido por Shigeyasu Yamauchi, que também fez os filmes de CDZ – Guerreiros Deuses, A Lenda dos Defensores de Atena e Os Guerreiros do Armageddon. O filme se passa durantes os dias à espera do torneio. Enquanto Goku aguarda na fila, chega na Terra uma nave, comandada por um sayajin estranho, sem um olho e cheio de cicatrizes. Seu nome é Paragas, e ele convoca o príncipe dos SJs para ir reinar em um novo planeta, onde outros sobreviventes da raça também estão. Ele não aceita, até ter seu ego confrontado, ao falar que Vegeta talvez seja o único capaz de vencer o lendário super saiyajin, que até então, era apenas uma lenda. Goku encontra os outros no novo planeta, e lá eles descobrem que Paragas guarda outro sayajin, seu filho Brolly e ali é mostrado que ele guarda um segredo: Broly é poderoso demais e precisa de um inibidor de seu poder, que está em posse de seu pai.

Brolly é um guerreiro trágico, um homem poderoso, sem controle sobre seus próprios poderes, e guarda uma mágoa antiga de Kakaroto, que muito pequeno, acordava ele, chorando por ter fome. Em uma noite de sono, Brolly se descontrola e ataca Goku arbitrariamente, depois de lembrar do trauma que teve em sua infância. Nesse momento, seu ki aumenta e seus cabelos mudam de cor, ficando roxos, e esse nem parece ser seu real patamar de poder.

Antes de se transformar em super sayajin, o cabelo de Brolly fica azulado também, e depois, ao se tornar SSJ, fica amarelo esverdeado, e essa diferenciação jamais foi retomada, até acontecer o Torneio do Poder, em Dragon Ball Super, dessa vez tendo isso canonizado por Akira Toriyama e Toyotarō.

Parte do fato que faz Broly ser tão implacável, é que seu poder o torna quase irracional, faz lembrar um personagem da Marvel, chamado Drax, que quanto mais burro, mais forte é. Aqui não há ignorância, e sim selvageria. Broly é único, suas vestes (igual a seu pai) não é a do exército de Freeza, visto que ele está exilado desde muito pequeno, e isso faz todo sentido, já que ele é muito mais forte que todo o império de Freeza reunido, talvez até mais que Perfect Cell.

Vegeta nem se atreve a lutar com Broly, percebendo seu pouco poder. Piccolo, Trunks, Gohan e Goku lutam, enquanto ele fica atônito diante de tanto poder. Essa postura não tem muito a ver com o que acontece no anime e mangá, nem mesmo diante de Cell ou Majin Boo. Quando ele decide, é claramente tarde demais, e nesse momento, ele aceita que é só um coadjuvante. Apesar dessa licença poética, a atitude não é todo ruim, bem como a luta com Broly, que é um adversário formidável, talvez capaz até de sobreviver a destruição do planeta. Inclusive, o desfecho do combate não poderia ser outro que não uma tentativa de fuga. Infelizmente o fim do antagonista também é um pouco anticlímax, mas ainda assim é o melhor entre os filmes de DBZ.

A Batalha dos Dois Mundos ou Torneio Interdimensional

Após o sucesso do filme anterior, envolvendo Broly, Yoshihiro Ueda retorna a direção, cujo nome original é Doragon Bōru Zetto: Ginga Giri-Giri!! Butchigiri no Sugoi Yatsu. A duração é em torno de 50 minutos e foi lançado no cinema no Brasil, junto ao filme O Retorno da Fusão, e tem gráficos bem elaborados, com imagens em alta definição e com riqueza de detalhes animados, cores vivas que causariam inveja até nos animes atuais. Essa parte conhecida como Torneio Interdimensional foi exibido no Japão em 1993, enquanto no anime passava a saga filler O Torneio do Outro Mundo, cuja temática se assemelha de certa forma.

Goku está com o senhor Kaioh, no mundo os mortos, enquanto os vivos participam de um torneio de artes marciais, organizado por um homem muito rico, e os guerreiros Z aparecem, entre eles os humanos Kuririn (mais uma vez como alivio cômico), Tenshinhan, Yamcha, além de Gohan, Piccolo e Mirai Trunks, que voltou no tempo para avisar os amigos que venceu os andróides em sua linha temporal. Curiosamente, Gohan é dublado novamente por Fatima Nova, e não Yuri Chesman como havia sido na batalha contra Cell.

As lutas entre os heróis são bem legais, em especial entre Tenshin e Trunks. E obviamente, isso serve apenas de despiste, para se apresentar o verdadeiro antagonista, Bojack e seus capangas, seres de outra galáxia, de cor esverdeada e cabelos loiros, que podem sofrer mutações para aumentar suas capacidades. As lutas dos heróis contra os asseclas de Bojack são bem divertidas e orquestradas a maestria, em cenários grandiosos, que deveriam servir ao torneio organizado pelo homem rico.

A explicação sobre quem é o vilão vem de Sr Kaioh-sama, que diz que ele era um pirata e saqueador cósmico, que estava preso atrás de um selo que foi rompido assim que Goku trouxe Cell para explodir no outro mundo. Daí ele e seus auxiliares, Bujin, Gokua, Zangya e Bido. A raça do quinteto é chamada comumente de Hera-Sejin, e eles são os únicos sobreviventes do planeta Hera.

Gohan enfrenta os guerreiros praticamente sozinho, ao final, contra as teias telepáticas dos capangas e contra a covardia de Bojack, que até lança sua assecla mulher no rapaz, para distrai-lo. Gohan corta ao meio dois de seus adversários, transformado em SSJ 2, em uma das poucas vezes em que a saga de DBZ se permite ser completamente violento, sem medo de soar adulto demais. Infelizmente, a luta termina rápida demais, mas ainda assim é um dos melhores filmes da saga do Toriyama.

Plano Para Erradicar os Sayajins

Lançado em VHS, junto com o jogo Dragon Ball Z Gaiden: Saiyajin Zetsumetsu Keikaku – aliás, esse foi o primeiro jogo com historia original – o nome original deste especial é Saiyajin Zetsumetsu Keikaku e foi dirigido por Shigeyasu Yamauchi, o mesmo que fez o filme de Broly, Cavaleiros do Zodiaco O Prologo do Céu e alguns episódios da fase Hades. O especial possui uma trilha sonora própria, onde o Rock predomina, e antes de começar a ação, um ser misterioso reúne esferas parecidas com as dragon balls, mas que na verdade nada tem a ver com isso.

Logo depois aparece Goku e Gohan lidando com a fazendo onde vivem. Ambos se tornam super saiyajins, ou seja, já ao menos passaram pela sala do tempo antes da batalha contra Cell, e estão vivos. O sujeito que aparece no começo envia Terra alguns capangas, que visam protegers as máquinas que soltam o gás destron, que aparentemente, fazem com que a energia dos guerreiros Z seja cessada, de maneira igualmente estranha a todas essas aparições.

Para surpresa dos herois aparecem vilões antigos, já assassinados, Freeza, Koola, Slug e Thales, trazidos de volta como fantasmas para tentar atrasar os heróis. Isso é uma coisa que de certa forma é legal, pois resgata saudosismo com esses personagens, alem de colocar juntos os irmãos filhos do Rei Cold, embora na haja realmente uma interação real entre eles. Eles na verdade são fantasmas, e se desintregam e reintegram facilmente. Ainda assim, não são páreos para o quinteto envolvendo os 4 sayajins que estavam na saga Cell e o Nameki.

O responsável por tudo isso é o Doutor Raichi, um tsufujin, único sobrevivente de sua raça, que por sua veez foi exterminada pelos saiyajins no planeta Plant, que mais tarde foi rebatizado com o nome do líder da revolta Sj, o Rei Vegeta, que é pai do Vegeta do mangá e anime. Os personagens então decidem ir até o planeta sombrio onde está o vilão, para confrontar ele de uma vez.

Acontece que esse é apenas um mcguffin, Raichi é um despiste para o verdadeiro vilão, Hatchyack, que é a manifestação da máquina que reunia o ódio dos tsufurujins pelos saiyajins, que gerou por sua vez os fantasmas dos vilões e até de Raichi. Esse conceito mistura metafísica com os clichês de ação de maneira bem orgânica e surpreendente para um vídeo que é só um especial lançado como auxiliar a um jogo eletrônico. Incrivelmente os filmes, OVAs e especiais de DBZ estavam melhorando bastante nesse período, com uma ordem muito vindo do Guerreiros do Futuro, o primeiro filme de Broly, o que envolve Bojack e esse analisado.

Ao contrário dos outros, esse termina de maneira cooperativa e condizente com o restante das lutas finais do mangá, mas sem toda a enrolação que a Toei geralmente empregava no seriado. Em 1994, o ova virou um game movie, no Bandai Play Dia que por sua vez era um console especial, e tinha 4 finais diferentes, que ocorriam de acordo com os comandos que o player selecionava, variando em alguns momentos do produto original. O mais diferenciado, na realidade, é um que encurta o especial, mostrando Koola, Freeza, Slug e Thales vencendo

Remake

Em 2010, quando foi lançado o jogo Dragon Ball Z Rageblast 2 foi feito um remake deste OVA, remasterizado e encurtado para quase metade da duração original, o que fez com que houvesse mudanças no enredo. Por exemplo, foi Popo avisou sobre o gás destron e não Bulma como na versão deste século; Goku Piccolo e Gohan lutam contra capangas genéricos na Corporação Capsula, fato que não ocorre na outra versão; Há monstros protegendo as maquinas no primeiro especial; Trunks e Vegeta participam de mais lutas e Piccolo participa mais da luta final contra o chefe, e também há diferenças nas cores do vilão, nas perolas que tem sobre seu corpo

Extra: Reunam-se O Mundo de Goku

Lançado em 1992, era um especial para o brinquedo/game chamado terebikko. Ele começa com Gohan ainda criança acordando Goku, para que ele ensine as crianças a usar o terebikko, que é uma especie de telefone que faz com que as crianças escolham entre as opções a se selecionar, como em um quiz. Trunks do futuro utiliza sua máquina do tempo para brincar pelas linhas do tempo do desenho, enquanto as crianças decidem o que fazer.

Goku, Gohan, Trunks e Bulma se reúnem na casa do Mestre Kame onde estão Kuririn e Mestre Kame. Kuririn, Gohan, Trunks, Bulma e Goku viajam no tempo na máquina do tempo de Trunks e através de um telefone passa todos os conhecimentos e até o próprio Mestre Kame, do tempo atual, dos dias em que Goku era pequeno até a chegada do andróide Cell e do dia depois quando absorve os andróides Nº 17 e Nº 18.

Não há muito a acrescentar, há poucas cenas ineditas, lembra demais os capítulos que recapitulam momentos anteriores, como os fillers de Dragon Ball e DBZ. É curioso que, como foi nos flashbacks da saga Boo, aqui a parte em que Vegeta aparece na primeira batalha com os guerreiros Z na Terra, seus cabelos estão negros, e não vermelhos como foi animado pela Toei na versão original.

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Review | O Justiceiro – 2 ª Temporada

21 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Ben Barnes, Giorgia Whigham, Jon Bernthal, Josh Stewart, Justiceiro, Netflix

A segunda temporada de Justiceiro já começa com uma tarefa ingrata, que é existir em meio a uma sequencia de cancelamentos das suas séries irmãs, independente da aceitação positiva ou não de suas respectivas temporadas, visto que para muitos Punho de Ferro melhorou ligeiramente, Luke Cage subiu alguns degraus em qualidade a terceira temporada de Demolidor atingiu o auge no áudio visual do personagem. Além disso, houveram algumas polêmicas externas com a motivação política do personagem, que supostamente, enfrentaria um vilão fanático religioso.

Joe Bernthal retorna como Frank Castle, levando em conta os eventos da temporada um de Justiceiro, dirigindo completamente ensanguentado, como é praxe em se tratando do seu personagem. Não demora evidentemente para a linha temporal voltar a uma época mais simples, onde o protagonista tenta agir como alguém comum, bebendo em um bar. Ele utiliza o nome Pete, e se envolve com a bartender, mas mesmo quando consegue dar vazão a uma manifestação de afeto, a aliança de sua falecida esposa aparece, pendurada em seu pescoço, e aparentemente, pesando mais do que deveria uma pequena joia.

Aparentemente o destino de Frank é o de agredir e agir com violência extrema, ao ajudar uma desconhecida ele não hesita em espancar todas as pessoas que tentam agredi-la, e ao ser confrontado pelos mesmos armados, ele mata absolutamente todos que se levantam contra ele e contra o seu novo interesse amoroso. O personagem sai de lá banhado de sangue, fazendo confundir qual é o seu e qual é o de seus inimigos.

É um pouco boba a caracterização do Retalho, com o sua contra parte Billy Russo (Ben Barnes) tendo sessões de terapia, onde ele usa uma máscara branca. Todo o mistério envolvendo suas feições fazia acreditar que ele após os eventos do ano um estava completamente desfigurado, mas não foi o caso, pois ele tinha cicatrizes no rosto, mas nada perto do que havia nos quadrinhos ou outras versões do cinema, sobretudo Justiceiro: Zona de Guerra, onde Retalho é totalmente desfigurado.

O personagem polêmico é John Pilgrim (Josh Stewart), e ele pratica atos maléficos supostamente movido por uma ação do sobrenatural, por ordens cuja origem tem o seu repertório ligado a religião. Ele repete frases da Bíblia, para justificar o que pratica e de certa forma lembra bastante o personagem Frolo, do clássico de Victor Hugo e da animação Corcunda de Notre Dame de Disney, no sentido de ser um homem que usa o Divino como desculpa para justificar seus próprios pecados. A diferença é que aqui se dá tempo de tela para mostrar seus atos maus, que incluem ai o uso da chibata como instrumento de auto punição. Em todo momento que ele erra, se chicoteia e seu modo de agir não é tão diferente do que o Justiceiro sempre faz, mostrando que o passado ligado a guerra não é a justificativa para a violência empregada.

A policial Dinah Madani (Amber Rose Revah) é um pouco sub aproveitada no começo, depois a historia depende de si para se desenrolar, incluindo aí um encontro e parceria com o veterano de guerra, começando ai uma parceria que faz sentido acontecer. Independente dos problemas de ritmo que a série tem, tal qual todas as outras da Marvel Netflix, o primeiro encontro face a face entre Frank e Billy Russo é muito bom, e carregado de simbolismos. Castle usa a mesma camisa do capitulo treze da ultima temporada, ainda cheia de sangue e com furos de balas, enquanto Russo não consegue mais esconder seu rosto atrás da pequena máscara que carrega. O episodio 7, One Bad Day em que isso ocorre é um dos melhores entre esses 13.

Duas coisas impressionam bastante nos últimos episódios da temporada, a primeira delas é o fato de Castle se enxergar como igual a Russo a maior parte do tempo, precisando ser convencido por terceiros de que ambos escolheram caminhos diferentes para trilharem, de certa forma replicando uma discussão que ocorreu nos quadrinhos de Guerra Civil sobre as posturas de Capitão America e do próprio Justiceiro, embora Frank seja aqui o mais correto entre os dois arquétipos, o que até faz sentido, pois a abordagem de Mark Millar foi bastante sensacionalista ali, afinal o Justiceiro só foi punidor em sua época porque para a Marvel e para os quadrinhos da época era conveniente esse tipo de abordagem. O outro fator é a escalda de violência que o religioso emprega em sua rotina, se entregando de certa forma a fúria cega típica do Velho Testamento, onde o revanchismo e o olho por olhos dente por dente era o comum.

Como se acertou em não explorar mais o personagem de Microchip, já que sua versão ficou um pouco estranha, e por mais que Amy (Giorgia Whigham) funcione como uma ajudante do vigilante, sua motivação é melhor explorada do que o da primeira temporada. Há um bocado esperança neste provável fim de série, mas mesmo com esse otimismo não estraga todo o teor dos 13 episódios, que terminam com uma sinalização de parceria entre Madani e Frank, ainda que velada, tal qual Batman e o Comissário Gordon.

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Review | O Justiceiro – 1ª Temporada

14 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Joe Bernthal, Justiceiro, Netflix

A Marvel em parceria com a Netflix tem deixado a desejar em suas últimas produções. As primeiras temporadas de Luke Cage, Punho de Ferro e Os Defensores foram muito aquém do que se esperava, enquanto a segunda de Demolidor também deixou uma impressão de que poderia ser muito melhor e mais empolgante. Curiosamente, o fator que gerou mais elogios nessa segunda empreitada do vigilante cego, foi o acréscimo de Frank Castle, de Joe Bernthal como personagem recorrente. O anúncio de um seriado próprio do Justiceiro não é exatamente surpreendente, mas o receio de que tivesse os mesmos problemas de ritmo etc era enorme.

O showrunner do programa é Steve Lightfoot, que havia sido produtor e roteirista de Narcos e Hannibal. O modo como se conduz a história é lento e gradual, e novamente se repetem os erros de arco dos outros programas. Os treze episódios são pesarosos, bem como a duração de cada capítulo.

Castle está escondido e utiliza uma identidade falsa como trabalhador da construção civil. Nesse trabalho, ele tem contato direto com o concreto, e passa seus dias quebrando cimento, para aliviar a raiva e tensão que retém. Em meio a isso, ele conversa com a nova versão de Micro, Jonathan Lieberman (Ebon Moss-Bachrach), um homem jurado de morte e deprimido, que tem de se afastar de sua família.

Cabe a Frank ser a ponte que liga Micro a sua família, e essa questão tem suas próprias complicações, pois além de descaracterizar bastante o parceiro de Castle (que sempre foi um sujeito solitário), ainda ainda abre margem para que a o Justiceiro flerte com Sarah (Jaime Ray Newman), esposa de seu único amigo. Tudo em volta desse subtrama é risível, praticamente nada se salva.

Dos personagens novos, a policial Dinah Madani (Amber Rose Revah) é a que tem os detalhes de construção de personagem mais bem utilizados, diferente por exemplo de seu par, Billy Russo (Ben Barnes), um sujeito que se tornaria o vilão Retalho. O vilão Rawlins (Paul Schulze) acerta bastante, em especial porque ele não é um sujeito com escrúpulos. Aqui o maniqueísmo é bem empregado, Rawlins é cruel, fato que dá margem para as inúmeras cenas de gore da temporada. A participação de Karen Page (Deborah Ahn Woll) é vazia de significado, e poderia muito bem ter sido retirada da trama sem grandes dificuldades.

Quase todas as subtramas são ruins, mesmo com os personagens subalternos mais bem construídos, o que é uma pena, pois a violência do personagem parecia que iria eleva-lo a um patamar mais adulto de histórias, não resultando em nada, sendo esse só mais uma manifestação medíocre das historias da parceria Netflix e Marvel, que está em vias de acabar, muito por conta da falta de identidade desses seriados.

https://www.youtube.com/watch?v=6m3DvnsSxt8

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Review | Homem-Aranha: Ação Sem Limites

12 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Avi Arad, Homem-Aranha, Marvel 2099, Stan Lee, Steve Ditko

Em 1999, após o término do desenho “clássico” do Homem-Aranha iniciado em 1994 e terminado um ano antes deste começar, surgia Homem-Aranha: Ação Sem Limites, um programa que muitos achavam que era continuação da outra versão mas que na verdade guardava poucas ou nenhuma semelhança com a encarnação anterior. Dessa vez o seriado era produzido por Avi Arad e Eric S. Rollman.

A história dos treze episódios gira em torno da descoberta de um novo planeta, feita pelo coronel John Jameson, filho de J. Jonah Jameson, chamado Contra Terra. No meio da cobertura de imprensa do anúncio desta descoberta, Peter Parker observa Venom e Carnificina subindo no ônibus espacial de John, e ao tentar impedi-los é jogado para fora da nave. Já no começo, e ainda com uniforme clássico, se percebe que o predomínio visual do programa é de cores mais escuras.

Depois de encomendar um novo uniforme com o Senhor Fantástico, que reúne milhões de robôs microscópicos, para criar defesas contra os simbiontes, o herói acaba indo para a contra-terra acidentalmente, e lá a maior parte dos humanoides tem características animais. A chance de explorar uma historia mais clássica, com o herói utilizando um uniforme totalmente novo é desperdiçada, para basicamente colocar Parker em mil desventuras, onde serve de figura paterna para um garoto órfão cuja mãe é bonita – e que quase vira seu par apesar de Peter ser casado com Mary Jane – além de ter de lidar com versões estranhas de personagens clássicos.

Os bestiais mostrados aqui tem ligação com um ser chamado Alto Evolucionário, e de certa forma escravizam e oprimem as pessoas comuns. John Jameson virou líder da resistência humana, mas a realidade é que mesmo entre os bestiais há quem não seja cruel, e o seriado ao invés de explorar essa dualidade, opta por tramas bobas e péssimas cenas de lutas.

O programa foi um pouco popular no Brasil, mas não tanto quando a série animada completamente ignorada nesta versão e muito se fala que ela foi descontinuada graças a negociação da Marvel com a Sony para executar o Homem-Aranha de Sam Raimi no cinema, que também teria Arad como seu produtor, mas a realidade é que essa animação conseguia ser ainda menos memorável que a outra.

Haviam bons momentos do desenho, o design dos personagens era mais bonito, os humanoides eram mais esguios e até o uso de computação gráfica era mais acertado, mas o roteiro conseguia ser muito pior até que Homem-Aranha e Seus Amigos, o programa que tinha o cabeça de teia, Flama e Homem de Gelo vivendo juntos. Muito se fala que esse poderia ser uma versão animada do Homem-Aranha 2099, que tinha certa popularidade desde sua criação, mas fora a questão do ambiente pseudo futurista, não há muitas semelhanças com Miguel O’Hara, especialmente no que tange as referencias ao cyber punk e distopias.

Homem-Aranha: Ação Sem Limites tinha tudo para ser algo grandioso, bem elaborado e cheio de carisma, tinha o personagem heroico em alta e apelava para tudo que fazia sucesso na época, em especial os simbiontes – que aqui eram chamados sinóticos – mas pagou o preço por se basear demais no visual e caráter típico da Image Comics, com uma animação carregada de ação e sem nenhum subtexto mínimo, sem sequer estabelecer alguma ligação emocional dos personagens secundários com o espectador. Para fazer algo tão diferente era preciso tempo, mas esta não conseguiu convencer os produtores a renovarem o programa, muito por conta da popularidade de animes da época como Pokémon e Digimon, ainda assim, poderiam ter feito ao menos uma mini temporada para saciar a curiosidade do público, e que poderia ou não envolver um crossover com o Peter Parker de Homem Aranha de 1994, que infelizmente jamais ocorreu, certamente isso daria um novo sentido a esta versão.

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Review | Homem-Aranha

11 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Avi Arad, desenhos animados, Homem-Aranha, Stan Lee, Steve Ditko

Nas manhãs da Globo dois desenhos animados se destacavam bastante, os X-Men (que inclusive fizeram boa parte da garotada finalmente pronunciar corretamente o nome do grupo) e claro, Homem-Aranha. O segundo programa, originalmente chamado de Spider-Man: The Animated Series também foi veiculado aqui no Brasil pelo canal da TV a cabo Fox Kids, emissora que passava boa parte do conteúdo de animações com heróis e seus produtores Avi Arad e Stan Lee, que inclusive, faz uma bela participação ao final da série.

O programa teve cinco temporadas, e um total de 65 episódios, e mostra Peter Parker como um sujeito já adulto, que trabalha para o Clarim Diário tirando fotos mas também se dedica demais aos estudos, tanto que ele auxilia sua amiga Felicia Hardy com questões ligadas a ciências, ajudando ela no curso da faculdade que não fica exatamente claro de qual curso se trata.

O traço da animação era feio na maior parte do tempo,os personagens era em sua maioria extremamente fortes, fazendo pensar que nessa versão todos eram marombeiros e tinham costume de malhar bastante. A abertura tinha alguns elementos em 3d – além é claro da música de Joe Perry, guitarrista do Aerosmith – que permeavam também algumas das cenas do programa e sua utilização era um bocado gratuita, só ocorria nas cenas em que o aracnídeo se balançava pelos prédios, e parecia só ser feita porque os produtores podiam fazer.

Ter tantos episódios ao menos ajudou em uma coisa, boa parte dos vilões do Homem Aranha foram mostrados no programa, tal qual ocorreu em uma de suas concorrentes, Batman A Série Animada, mas diferente do desenho produzido por Bruce W. Timm, esse tinha participações meio gratuitas. A primeira temporada começa mostrando o drama do Lagarto, o professor Curt Connors que se submete a auto experimentos para recuperar seu braço, transformando-se então em um monstro. A condição de vilão trágico aliás era um clichê bem explorado nos episódios e era lugar comum boa parte desses personagens que viraram malignos contra sua vontade serem manipulados por alguns dos chefões do crime, sendo o principal deles o Rei do Crime Wilson Fisk, mas também o Cabeleira de Prata e o Cabeça de Martelo, esse ultimo o menos explorado deles.

Antes terminar esse primeiro arco, é mostrada a roupa alienígena, trazida por J. Johnah Jameson Jr – o filho do patrão de Peter, J. Johah Jameson que obviamente sempre tenta incriminar o Homem Aranha – com sua nave de astronauta que aterrissa na Terra de maneira brusca, aliás, nenhuma versão áudio visual do vilão simbionte alienígena que se une a Eddie Brock foi tão bem construída quanto essa, incluindo aí o filme recente Venom de Ruben Fleischer. Apesar do programa não ser profundo, há muitos acertos, uma pena é que logo depois de ter esses bons momentos onde Venom é assustador, se desenvolve um mini arco com o Duende Macabro, o que é estranho, pois ele não era exatamente popular nas Hqs, além de se dar uma enorme importância ao transmorfo Camaleão, talvez como eco da Guerra Fria que havia acabado há pouco, pois nas revistas ele também sempre foi um vilão de segundo escalão.

Na segunda temporada há a menção ao Sexteto Sinistro – aqui chamado de Os Seis Traiçoeiros – o grupo que quase ganhou um filme da Sony após O Espetacular Homem Aranha 2: A Ameaça de Electro, mas o foco emocional claramente é maior no Homem Hídrico – no desenho era chamado de Hydro-Man, a dublagem cansava de colocar os nomes dos personagens em inglês – que aqui, é um ex-namorado de Mary Jane Watson e que trava com Peter a preferência da ruiva que é vizinha da Tia May. Apesar de ser extremamente infantil, boa parte do romance de Peter e Mary Jane é bem explorado e construído, as idas e vindas do casal fazem sentido e são bem fieis a fase clássica das historias de Steve Ditko e Stan Lee.

Também há um crossover com os mutantes dos X-Men e que aqui no Brasil teve uma dublagem esdrúxula, onde chamavam o Wolverine de Lobão, aliás, a dublagem no Brasil era repleta de pérolas (Demolidor era Atrevido, Justiceiro foi Punisher mas também era chamado de Vingador em alguns episódios) e até havia um charme nisso, mas a parte mais importante de fato nesse segundo tomo é a trágica historia do vampiro de Morbius, o ex-namorado europeu de Felicia, e é a partir da queda dele e do resgate do passado de seu pai que a moça decide se tornar a Gata Negra. Nesse período também aparece o Blade, antes até do filme com Wesley Snipes como caçador de Vampiros, aliás há um bom número de personagens clássicos da Marvel que aparecem nessa e em outras temporadas, como Doutor Estranho, Mordo e Dormmammu, Demolidor, Justiceiro etc.

No terceiro ano aparece o Duende Verde Norman Osborn, que nos quadrinhos era o duende original e depois viriam os outros. Nesse ponto a parte mais emocional mora na relação dúbia de Peter com Harry Osborn que no material original eram muito amigos, mas que aqui claramente rivalizam mais do que tem amizade – em Homem-Aranha de Sam Raimi isso é muito melhor trabalhado, Tobey Maguire e James Franco parecem de fato parceiros, aqui nem tanto. Há também o retorno de Venom também, basicamente para explorar um novo plot, envolvendo sua cria, Carnificina. Nessa época a luta entre simbiontes era muito popular, não só nas revistas, mas também nos vídeo games, pois perto daquela época em 1994 o Maximum Carnage era extremamente consumido, sendo uma febre no Brasil sobretudo, por conta do porte do jogo Beat up para Super Nintendo e Mega Drive.

Se nota que a serie é sempre lembrada por conta dos eventos e acontecimentos externos a ela, por conta de um jogo popular, dos quadrinhos que eram igualmente populares, ou mesmo os brinquedos derivados da série, que aliás eram muito bem feitos para época e também monopolizavam as vendas de natal, dia das crianças e demais épocas festivas. Batman – TAS também tinha uma quantidade de produtos enormes, jogos, bonecos, lancheiras, mas o texto por trás das lutas entre heróis e vilões tinham um projeto mais grandioso, e introduziram elementos que transcenderam a mídia, a Arlequina se tornou um bom personagem após isso, a versão do Senhor Frio do desenho é a definitiva, já o roteiro de Spider Man – TAS era bem elementar e básico, eram lutas meio bobas e motivações fracas de personagens e vilões com um ou outro momento mais inspirado.

A quarta temporada é talvez a mais fraca e quase indigna de lembranças e na ultima temporada, veiculada em 1997 e 1998, e o roteiro brinca de adaptar Guerras Secretas, claro, de uma maneira um bocado diferente, reunindo heróis da várias eras em lutas bem genéricas. Os últimos dois episódios mostram a Guerra dos Aranhas, envolvendo a Madame Teia (que era uma personagem bem misteriosa) reunindo várias versões do aracnídeo, incluindo um que utilizava os tentáculos de Octopus (sendo uma bela coincidência se comparar este com o Homem-Aranha Superior) semelhante ao que foi feito mais tarde, nos quadrinhos em 2014 com o Aranhaverso e no filme da Sony de 2018, Homem Aranha no Aranhaverso. Apesar da animação aqui ser ainda mais porca que no início o final de séria animada do Homem Aranha deixou saudades, e pontas soltas sobre quais os rumos que os produtores queriam levar o programa. Para muitos esse foi o primeiro contato com o amigão da vizinhança, ainda mais para quem era criança nos anos noventa e por mais que a serie não traduzisse maravilhosamente os textos que Ditko, Lee, John Romita e tantos outros artistas traziam nas historias clássicas do Aranha, ainda havia algo aqui, um charme que passava por cima até dos gráficos feios e mal pensados, afinal, havia alguma fidelidade ao menos a mitologia do herói, ainda que perdesse em narrativa para a serie do Batman e em temática igualitária para X-Men.

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Review | Os Defensores – 1ª Temporada

10 de janeiro de 2019 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Charlie Cox, Demolidor, Elodie Yung, Finn Jones, Jessica Jones, Krysten Ritter, Luke Cage, Mike Colter, Punho de Ferro, Rosario Dawson, Sigourney Weaver

Após a estreia de Agentes da S.H.I.E.L.D, a primeira vez que se teve notícia de um novo seriado em que heróis da Marvel que não apareceriam no UCM – Universo Cinematográfico Marvel foi em 2013, quando foi anunciada uma parceria entre a Disney e a Netflix. Seria produzido então, uma temporada para maiores com um dos heróis mais queridos da Marvel: o Demolidor. A ideia era desenvolver a série do homem sem medo, respeitando a sua essência apresentada nos quadrinhos, se afastando e colocando, de vez, uma pá de cal por cima do túmulo da adaptação estrelada por Ben Affleck. Obviamente, o projeto não era simplesmente trazer o Demolidor para as telas, mas fazer com a Netflix o mesmo que a Marvel fez nos cinemas, criando um bloco maciço de heróis, com seus filmes solo e, consequentemente, colocando esses heróis juntos em tela, como aconteceu com os Vingadores. Tinha como objetivo reunir os Defensores para uma grande temporada. Além de Demolidor, que, à época, ganhou duas temporadas, Jessica Jones teve seus momentos de glória, assim como Luke Cage e, posteriormente, Punho de Ferro.

Os primeiros trailers levaram o público à loucura, principalmente por causa da trilha sonora, embalada pelo contrabaixo e guitarra característicos, somada à voz única de Kurt Cobain em Come As You Are, uma clássico do Nirvana, e também pela interação entre Matt Murdock, Jessica Jones, Luke Cage e Danny Rand, personagens com características e humores extremamente heterogêneos, que nas imagens rendiam diversas alfinetadas e zoações, principalmente vindas de Jones, que quem a conhece sabe que se trata de um ser insuportável (no bom sentido).

Era tudo tão promissor que a decepção, infelizmente foi alta.

Os personagens seguem suas vidas exatamente dos pontos em que elas pararam em seus próprios seriados. Danny Rand, o Punho de Ferro (Finn Jones), continua viajando pelo mundo, junto de sua escudeira, Colleen Wing (Jessica Henwick), caçando o Tentáculo, sendo que, em sua última empreitada, o coloca de volta a Nova Iorque para uma investigação. Luke Cage (Mike Colter) deixa a prisão e volta para o Harlem, onde fica sabendo que jovens do bairro estão desaparecendo misteriosamente. A detetive particular Jessica Jones (Kristen Ritter) recebe uma ligação misteriosa sobre o desaparecimento de um funcionário de uma empresa que pode estar metida num perigoso empreendimento. Tudo isso acaba chamando a atenção da policial Misty Knight (Simone Missick), que prende Jones. É quando o advogado Matthew Murdock (Charlie Cox) entra em cena para defender a heroína mal humorada. Enquanto isso, somos apresentados a quem parece ser a principal vilã da série, Alexandra, vivida de maneira espetacular por Sigourney Weaver, e que parece ser a líder do Tentáculo, que até então não tinha aparecido em cena.

Infelizmente demora para vermos todos os heróis juntos em cena. Claro que eles se encontram de maneira separada e isso rende bons momentos, como a primeira vez que Luke Cage enfrenta o Punho de Ferro, mas não demora muito para percebermos que os quatro, na verdade, estão investigando o mesmo assunto, que envolve aquele enorme buraco no chão que vimos na segunda temporada de Demolidor.

Infelizmente, a série tem sérios problemas de ritmo e se torna muito arrastada em diversos momentos, tendo como seu melhor momento a primeira vez que os quatro se encontram, o que rende uma pancadaria em modo cooperativo, pois precisam fugir de um determinado local. Nem mesmo o retorno de Stick (Scott Glenn), enche de esperança os mais otimistas. Os ótimos trechos do trailer aparecem numa única cena e as piadas e alfinetadas mencionadas acima, já nem possuem tanto peso e graça. Outro ponto que deixou a desejar, foi em algo em que todos os heróis tem de melhor: a luta. Ora, Murdock é praticamente um ninja sinistro, tendo habilidades absurdas na luta, assim como Rand na arte do Kung Fu, aliado com seu punho, somados a Cage e Jones que sempre foram bons de briga. Mas em Os Defensores, as lutas são todas sem graças e muito mal feitas. Ok, não seria justo falar mal feitas, mas totalmente aquém do que se espera quando se trata desses personagens, principalmente quando se trata do Demolidor, cujas as sequências de luta da primeira temporada são fantásticas. Outro ponto que atrapalha e que é algo perdoável é a ausência de uniformes, o que limita a interatividade de Murdock com o restante do elenco, uma vez que o Demolidor é o único de fato a usar um traje de herói.

Na série, não sobrou espaço para os coadjuvantes. Misty (que aqui tem uma história de origem) e Colleen são os mais acionados e possuem bons tempos de tela, ao contrário dos queridos Claire Temple (Rosario Dawson), Foggy Nelson (Elden Henson), Karen Page (Deborah Ann Woll), Trish Walker (Rachael Taylor) e Malcolm Ducasse (Eka Darville), que ficam boa parte do tempo escondidos no departamento de polícia para que se mantenham seguros.

E para piorar a situação, a Disney está desenvolvendo seu próprio serviço de streaming e os seriados solo vem sendo cancelados de maneira implacável e será muito difícil ver os Defensores em tela novamente. Precisamos torcer para que haja uma espécie de migração dos atores, saindo da Netflix e indo para a casa do Mickey Mouse. Só assim para vermos os heróis reunidos novamente, numa, quem sabe, segunda chance. Ainda assim, é uma série que vale a pena ser conferida.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Elseworlds | O Mega Crossover do Canal CW

7 de janeiro de 2019 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

arrow, Flash, Supergirl

O conceito do multiverso sempre existiu no universo da DC nos quadrinhos. Para quem ainda não está familiarizado, o multiverso é uma teoria onde existem diversos mundos paralelos com diversos tipos de realidade. No caso da DC Comics, existem diversas Terras, onde heróis como Superman, Batman e etc podem ser vilões, ou até mesmo heróis sob outros nomes, assim como vilões podem ser heróis, sendo as possibilidades infinitas. No universo da DC nas telas, capitaneada pela CW, não foi diferente, sendo que o multiverso já foi introduzido há tempos no seriado do Flash e o mega crossover do canal, nesse ano de 2018 veio pra mostrar que o multiverso é real e coloca praticamente tudo que já vimos sobre a DC Comics, seja nos seriados, seja nos cinemas, dentro do deste mesmo conceito e isso inclui de maneira espetacular o Flash do seriado dos anos 90; Smallville; o Superman vivido por Christopher Reeve e, até mesmo, os filmes do Batman, que foram dirigidos por Christopher Nolan, claro que nas suas devidas proporções, algumas delas apresentadas apenas como easter eggs.

Elseworlds começa na Terra 90. Vemos um campo de batalha onde diversos heróis (que parecem ser da Sociedade da Justiça) estão mortos. O último sobrevivente é o l do seriado que foi ao ar nos anos 90 e novamente vivido por John Wesley Ship (velho conhecido dos fãs, uma vez que, além de ser o Henry Allen numa das Terras, é também o Flash Jay Garric de outra Terra). Flash confronta o Monitor, que aparenta ser um poderosíssimo vilão, porém, antes de ser derrotado, o velocista consegue fugir.

Daqui para frente, vemos parte do universo da CW mexido de maneira intencional. Barry Allen/Flash, em vez de ser vivido por Grant Gustin é vivido por Stephen Amell e Oliver Queen/Arqueiro Verde é vivido pro Gustin. Claro que o verdadeiro Oliver e o verdadeiro Barry sabem que tem algo de errado, contudo, seus colegas do team Flash e team Arrow não acreditam numa só palavra que eles dizem e o que vemos aqui são situações típicas daqueles filmes e episódios ondem existem trocas de corpo, o que mesmo sendo clichê, é algo hilário. Um dos pontos interessantes é que Oliver Queen precisa ser o Flash e Barry Allen precisa ser o Arqueiro Verde, sendo que a personalidade violenta de Queen não se encaixa com a personalidade do velocista escarlate, assim como a personalidade pacífica e brincalhona de Allen, não se encaixa com a do arqueiro esmeralda, e isso acaba interferindo de maneira interessante no episódio.

Não demora muito para termos o próximo surto da noite, onde os heróis vão até Smallville da Terra 38 procurar a ajuda da Supergirl (Melissa Benoist) e do Superman (Tyler Hoechlin). A pequena cidade é introduzida com o tema de abertura de Smallville – As Aventuras do Superboy, e se passa exatamente na mesma Fazenda Kent usada no seriado. Se Tyler Hoechlin não tivesse aparecido algumas vezes no seriado da Supergirl, seria perfeito que Tom Welling retornasse ao papel e seria então a primeira vez que o ator viveria, de fato o Superman.

Esse tipo de homenagem permanece o tempo todo pelo crossover, até quando a investigação de Barry e Oliver os levam a Gotham City, também introduzida nesse universo pela primeira vez. Batman/Bruce Wayne abandonaram Gotham e as Empresas Wayne estão sob o comando de Kate Kane (Ruby Rose), que ajuda os heróis na busca de um psiquiatra do Asilo Arkham. Lá podemos ver alguns embates bacanas como o da Nevasca (Danielle Panabaker) enfrentando Nora Fries (a esposa de Mr. Freeze), vivida por Cassandra Jean Amell, esposa de Stephen Amell. Nesta cena, podemos ver uma espécie de museu sinistro com alguns artefatos interessantes, dentre eles, a máscara de Bane (Tom Hardy), de Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge. E vemos também a Batwoman pela primeira vez em ação. O jeito largado de Ruby Rose serviu perfeitamente para interpretar Kate Kane e a heroína e existem grandes chances da personagem voltar em outras participações e até mesmo ganhar um seriado próprio

Porém, nem tudo pareceu ser bom em Elseworlds. Apesar de fazer a alegria dos fãs e de ter um roteiro bacana, a coisa fica muito feia quando a terceira e última parte começa. Apenas para esclarecer, apesar do crossover ser um único bloco, o primeiro episódio foi um episódio de Flash, o segundo, um episódio de Arrow e o terceiro, um episódio de Supergirl. Embora a realidade tenha sido gravemente alterada, onde o Superman é um ditador, que usa uniforme negro, o que vemos em tela soa cafona e sem vida alguma, o que deixa o crossover com uma mancha. Nem mesmo as participações do Caçador de Marte (David Harewood) e de Brainiac 5 (Jesse Rath) e o esperado embate entre dois Superman faz com que o espectador se prenda na cadeira e o que se vê, na verdade, é uma torcida para que o episódio acabe logo, o que é uma pena.

De qualquer forma, ainda assim, Elseworlds é o quinto crossover da CW, e o melhor até aqui, mesmo limando sem dó os personagens de Legends of Tomorrow e reduzindo drasticamente a participação dos personagens centrais de cada seriado, o que foi acertado, já que Invasão e Crise na Terra X tinham personagens e heróis em demasia deixando os roteiros confusos e com alguns furos. Além disso, o crossover desse ano prepara para o que vem em outubro de 2019: Crise Nas Infinitas Terras, uma das maiores histórias da DC Comics e aqui no Vortex você saberá sobre todas as curiosidades deste grandioso evento.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Review | Titãs – 1ª Temporada

2 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Akiva Goldsman, Alan Ritchson, Anna Diop, Brenton Thwaites, Geoff Johns, Greg Berlanti, Teagan Croft

Titans inaugurou o serviço de streaming da Warner como uma novidade em matéria de conteúdo original. O trio de produtores Geoff Johns (escritor de quadrinhos e envolvido com Richard Donner na produção de Superman O Filme), Greg Berlanti e Akiva Goldsman (dono do roteiro de pérolas como a franquia Transformers e Torre Negra) resolveu trazer a luz uma versão sombria dos Jovens Titãs, onde Dick Grayson (Brenton Thwaites) evita agir como Robin, já que agora é um policial de Detroit, que basicamente encontra a jovem perturbada Rachel Roth (Teagan Croft), que é a contra parte de Ravena, e logo depois encontra também a prostituta alienígena Koriand’r (Anna Diop), que é a Estelar, e também Garfield Longa (Ryan Potter), o Mutano.

Nós já analisamos o piloto da série, e Titans prosseguiu sendo exibida, mostrando a inteiração do grupo de pessoas super poderosas ainda que claramente eles não sejam exatamente um grupo como nas historias clássicas de Marv Wolfman e George Perez, talvez o motivo disso seja exatamente fortificar a ideia de que essa uma serie de conteúdo adulto, mas a vagarosidade dela em reunir os personagens faz tudo ficar enfadonho.

No segundo episodio são introduzidos Rapina e Columba, feitos por Minka Kelly e Alan Ritchson, que nessa versão são namorados, e tem as identidades civis de Dawn Granger e Hank Hall. Aqui se percebe que Grayson e Granger já se envolveram emocionalmente no passado, e as cenas em flashback são usadas bastante, de uma maneira até exagerada. Ao menos, já no começo se percebe que por mais que o antigo Robin tenha deixado de lado seu mentor, sua mentalidade é parecida com a do Morcego, pois ele também acolhe uma criança em apuros, mostrando uma senso de paternidade muito forte.

A parte adulta da série, que mereceu elogios no piloto e que parecia ser uma boa e nova exploração de paradigma novo vai aos poucos se perdendo. Estelar encontra Ravena basicamente por que são ambas excluídas, e isso faz sentido, mas a sensação de pertencimento que os personagens tinham em outras encarnações inexiste aqui, eles tem em comum a rejeição, mas são unidos por isso. Talvez o ideal fosse que o grupo já estivesse estabelecido, afinal os fatos poderiam desenvolver melhor e de forma menos lenta.

O desenrolar da trama é meio mecânico, os encontros não parecem acontecerem por mero acaso e se realmente a ideia era deixar um clima de destino conspirando pela união, deveria ser mais explicito o texto de Akiva Goldman. O que o produtor acertou em não se envolver com os produtos spin offs de Transformers – Bumblebee foi muito bem sem ele – não acontece aqui.

Os demônios que atormentam Rachel não assustam, a serie ao tentar ser hiper madura soa apenas cafona e desequilibrada. No entanto, há alguns pequenos acertos, como o episodio com a Patrulha do Destino, que apesar de ser meio como um filler, é absolutamente divertido, seu problema na verdade é o modo como termina, de maneira brusca a apressada.

Ao menos em uma coisa o publico nerd mais chato e conservador estava errado, o visual e poderes de Estelar não comprometem em nada, são bem utilizados até, assim como a transformação de Mutano em tigre. Não se sabe se o alienígena pode se transformar em outros animais e ao menos nessa temporada ele só vira o felino, graças claro a um orçamento de TV, que é reduzido, mesmo que essa seja bem cara. A grande questão é o tom mesmo, por mais que em boa parte dos momentos de interação do personagens hajam eventos e situações interessantes e bem filmadas, não há muita justificativa para uma abordagem tão obscura e com tendências adultas, tampouco há como explorar boa parte dos poderes dos heróis, claramente esse era um projeto para ser feito no cinema, com orçamento mais pomposo e robusto, onde Garfield poderia se transformar em outros animais e ser totalmente verde, onde Estelar poderia ter as cores laranja o tempo inteiro e onde Ravena poderia liberar seus demônios quando precisasse de fato, contra inimigos que não fossem necessariamente os seus parentes, em mais um evento genérico envolvendo daddy issues.

Há algumas apelações meio desnecessárias, cenas de sexo genéricas, unicamente propostas porque pretende-se atingir um público mais velho, mas em alguns pontos o seriado tenta lidar com outras formas de discutir ciclos, como quando é introduzido Jason Todd (Curra Walters) e há uma relação de mentor e pupilo entre o antigo garoto prodígio e o atual, embora Dick não tenha aposentado seu manto. A rejeição do Morcego nem é um assunto muito discutido, e sim o legado de um sidekick, Thwaites consegue surpreender com uma atuação sóbria e austera, de um homem que quer demonstrar que superou o vigilantismo – afinal virou detetive – mas que se vê tendo sua vocação reavivada com união que faz aos Titãs, ainda com o grupo em formação.

Incrivelmente Akiva Goldsman introduz bons conceitos, como essa relação de Todd e Grayson, e a Patrulha do Destino (que obviamente está lá só para fazer propaganda da futura série) mas também é incrível como falta foco narrativo a série, que varia entre a trama principal e investigação que Richard Grayson faz e esses capítulos stand alone, envolvendo Rapina e Columba, o segundo Robin e ate Donna Troy. Falta identidade a Titans, eles não sabem escolher nem entre ser uma série de conseqüências tradicionais e historia retilínea ou se é procedural.

A luta entre Donna Troy (Conor Leslie), a antiga Moça Maravilha e Estelar é muito bem coreografada, apesar de bastante curta. Donna tem uma maturidade que Grayson não tem, ela já entendeu que o vigilantismo não é um estilo de vida para ela, ao contrário do antigo pupilo do Batman, que já acha que não há mais como ser o Robin, mas também não consegue largar o manto. Nesses últimos episódios claramente se nota uma propensão a se tornar finalmente o Asa Noturna, mas se demora tanto em verbalizar quanto em ser colocado em prática.

Como era esperado, o ultimo episódio (11º) é chamado Dick Grayson, e começa alegre, em um dia ensolarado na California, com o personagem que dá nome ao capítulo relaxando, enquanto brinca com seu filho, Johnny. Fica claro em todo esse desenrolar que aquilo não corresponde a realidade, pois todo o status de comercial de margarina não combina em nada com as encarnações do Titãs, nem a vista em Titans. O começo da ruptura com a perfeição começa quando Jason Todd aparece na casa do antigo Robin, em uma cadeira de rodas, dizendo que seu mentor enlouqueceu.

Esse episodio é dirigido por Glen Winter e escrito por Richard Hatem, e a construção da tensão e do futuro alternativo de Dick não é ruim, enquanto ele se propõe a explorar os detalhes dessa versão alternativa há muitos acertos, talvez os mais meritosos de todo o programa, mas os momentos finais são tão apelativos e de certa forma covarde, que fazem lembrar os season finales de The Walking Dead, não pela temática, obviamente, e sim pelo adiamento da resolução do conflito, para algo que só estreará ano que vem.

É difícil avaliar o que Goldsman, Johns e Berlanti quiseram traduzir nesta primeira temporada de Titans, é tudo tão diferente iconograficamente de tudo que se conhece sobre Robin, Mutano, Estelar, Ravena, e até de Moça maravilha, Rapina e Columba e do grupo de heróis como um todo. Akiva foi um dos escritores de Batman e Robin, e retorna aqui para mais uma vez demonstrar que não entende muito como funciona a psique e comportamento do antigo garoto prodígio, e dessa vez nem com o auxilio de um roteirista experiente como Johns ele conseguiu criar algo nem ligeiramente semelhante (talvez Johns tenha aparado alguns excessos, vá saber), fato é que esta parece mais uma versão genérica, tirada de qualquer Revista Elseworld da DC, onde sequer a cena pós crédito envolvendo personagens do universo do Superman salva o programa da mediocridade. Espera-se que a segunda temporada corrija alguns equívocos, mas a vocação dos personagens certamente seguirá a mesma

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Review | Demolidor – 3ª Temporada

29 de dezembro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Charlie Cox, Deborah Ann Woll, Demolidor, Elden Henson, Netflix, Vincent D'Onofrio

O começo da terceira temporada de Demolidor se inicia com Matt Murdock (Charlie Cox) machucado, no chão, após os últimos eventos de Os Defensores. Esse talvez seja um dos maiores problemas das series Netflix, a influencia externa das outras, considerando que a maior parte desses shows tiveram momentos ou desfechos negativos e mal lembrados por crítica e publico. Ao menos, com o Homem sem Medo as influencias são menores, uma vez que ele é o carro chefe da plataforma.

Incrivelmente essa temporada é a com menos gordura, apesar de ainda possuir 13 episódios e de alguns desses terem perto de uma de duração cada. O maior apelo que esta terceira e última temporada, já que a Netflix cancelou o programa, são as relações entre personagens. Karen Page (Deborah Ann Woll) que havia sido sub aproveitada em Justiceiro aqui tem uma função inteligente e condizente com sua contra parte quadrinhos, fazendo o que Matt Murdock não pode fazer, ainda que isso só ocorra por que o herói está combalido.

Matt é um homem falível. Logo após se recuperar, conseguindo ficar em pé ele decide treinar para aprimorar sua forma física, mas ele apanha de um adversário mais fraco que si, por conta das limitações que tem por conta de suas faculdades mentais não estarem perfeitas. Essa construção de sua humanidade é algo raro nem só nos seriados da Marvel, mas também em seus filmes mais recentes, e há mais acertos aqui por exemplo do que em Homem Aranha De Volta ao Lar, que deveria ser sobre o herói mais humano da Casa das Ideias, mas que soa apenas como um filme genérico sobre adolescentes.

Há semelhanças claras desta temporada com A Queda de Murdock, ainda mais quando mostra Matt como um clandestino, um homem abandonado por tudo e todos, desesperado para viver sem seus fantasmas e atormentado por uma obsessão ligada ao Wilson Fisk de Vincent D’Onofrio. O Rei do Crime é aliás outro bom acerto do programa. A jornada rumo a liberdade é mostrada em detalhes, desde o acidente que ocorre quando ele é transferido de prisão até a retomada de seu império de crimes, que resulta na contratação de Benjamin “Dex” Poindexter (Wilson Bethel), o Mercenário, que tenta incriminar o diabo de Hells Kitchen usando seu uniforme vermelho, enquanto o advogado reutiliza o preto mais básico.

Mais uma vez D’Onofrio executa magistralmente seu papel, dessa vez mostrando uma faceta mais amedrontadora do Rei do Crime, capaz de dominar a psique de seu rival. A construção mental que o vigilante tem a respeito do seu opositor faz ele soar ainda mais capaz de causar mal, a força que o antagonista tem dentro da mente do herói parece mais palpável até do que o que se via anteriormente quando ele era violento, o fato de Fisk construir uma faceta falsa do personagem principal o deixa ainda mais poderoso.

A luta final entre os dois antagonistas é violenta, repleta de escoriações e sangue, remete aos bons momentos de John Romita Junior como artista dos números de Demolidor de Frank Miller. Os simbolismos do embate fazem com que a força dos personagens sejam maximizadas. Uma pena que o programa tenha sido encerrado com algumas pontas soltas, especialmente no que toca Karen e Foggy Nelson (Elden Henson), mas ao menos seus últimos momentos são bem contados, tal qual toda a primeira jornada de Jessica Jones, sendo essa talvez a mais importante e forte historia da Marvel Netflix.

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Review | Como o Grinch Roubou o Natal

24 de dezembro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

boris karloff, filmes de natal, Grinch, natal

No ano de 1966, Chuck Jones dirigiu uma das adaptações mais fieis a obra de Dr. Seuss, o famoso escritor infantil. O especial de televisão em curta-metragem de apenas vinte cinco minuto chama-se Como O Grinch Roubou o Natal é extremamente colorido, e mostra a terra dos Quem, a Quemlândia (Whoville) se preparando para a chegada das festas de fim de ano, com uma cantoria bem bonita, que conta com letra de Seuss e harmonia de Albert Hague.

Foi nessa versão que a criatura do Grinch foi mostrado como um ser verde, pois nos livretos, ele era sem cor. A maldade que o personagem dublado por Boris Karloff é um mistério, tal qual é na obra original, e a produção de Jones e Ted Geisel até teoriza o motivo dele ser assim, talvez por conta dos sapatos apertados, ou de ter um parafuso a menos, ou por ter um coração menor que o da maioria.

O fato de não responder a tudo é uma escolha brilhante do roteiro de Irv Spector e Bob Ogle (que nos créditos, são marcados como escritores de historia adicional e não como roteiristas, de tão fiel e com poucos acrescimos que é o texto), pois para as crianças, não é necessário saber de absolutamente todos os detalhes das historias de contos de fadas preferidos. Seuss nunca subestimou seu leitor, sempre o tratou de igual para igual mesmo que a idade do público, seja leitor ou espectador fosse diferente da sua e esse talvez seja o maior diferencial desta versão para a de Ron Howard e Jim Carrey e ainda mais a da Illumination, que é feito claramente para vender merchandising, algo que vai no inverso da ideia central das obras do escritor.

O natal que Seuss pinta é uma desconstrução do consumismo desenfreado, aliás esse talvez seja um dos motivos pelos quais protagonista odeie tanto a época natalina, pois o lugar comum sobre o natal mostra todos comemorando com uma alegria fabricada, fazendo uso de uma felicidade comprada em prestações e regada por presente de uma figura mitológica que sequer existe. Grinch não é menos mesquinho que qualquer Quem, ele utiliza Max, seu cachorro como escravo, seja na confecção da roupa de Papai Noel, como também para conduzir o trenó, uma vez que as renas já estão extintas na literatura.

Sendo detestável, o ser maligno rouba não só os presentes, mas também os biscoitos, as fitas, embrulhos, material de decoração, absolutamente tudo e diferente das outras versões, os Quem aqui são inofensivos, só vivem suas vidas, não fazem mal a ninguém, ele só faz isso porque quer fazer, porque sente algum tipo de prazer em subtrair alegria. Mas a surpresa do personagem principal é notada após a cantoria dos habitantes da vila, quando eles continuam cantarolando os versos natalinos, mesmo sem ter os presentes para tocar, ou sem fitas, etiquetas e embrulhos.

Seuss pensa sobre as datas festivas de maneira profunda, mas não sente qualquer anseio em mastigar isso para as crianças, ou fazer juízo de valor de maneira gratuita. O Grinch evolui sozinho, sem lição de moral, mostrando uma redenção sentimental, que simboliza o crescimento de seu coração e claro, retorna os presentes e as comidas, para enfim celebrar as festividades que simbolizam a união das pessoas e dos povos como jamais havia feito. A tradução que Jones e Geisel acerta por ser bem literal mesmo, já que o sub texto é melhor digerido pelas crianças e adultos quando se permite a eles consumirem ele puro e sem firulas. A tolice de querer colocar sub tramas e encheção de linguiça é pura futilidade e de certa forma, mata a ideia de Seuss de falar sobre festas e como reagir ao consumom criticando-as de maneira simples e direta como o livro faz milimetricamente.

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Review | The Pacific

23 de dezembro de 2018 by Douglas Olive

Reviews, Séries

filmes de guerra, James Badge Dale, segunda guerra mundial, Steven Spielberg, Tom Hanks

“E no momento em que o navio dissipava-se no horizonte, a cabeça desaparecia debaixo da água. Tudo acabou. Só restava o mar.”
– Os Trabalhadores do Mar, de Victor Hugo.

“Eles vão arregalar aqueles olhos quando nossos aviões pousarem na pista deles.”
– The Pacific.

Poucas vezes a xenofobia e o etnocentrismo foram mostrados em campo de batalha de forma tão explícita, sendo oriundas e alimentando um conflito histórico envolvendo Estados Unidos e Japão na primeira metade do séc XX. Esqueça o contraponto saudável e esclarecedor que Clint Eastwood propôs com Cartas de Iwo Jima, e A Conquista da Honra: a própria forma como tal conflito é defendido em The Pacific é imparcialmente realista, e americana, por excelência, quase não encontrando no drama inerente à ação, até porque essa não foi a intenção aqui, uma redenção ética para os atos desse país invadindo o outro (como ainda faz) para manter sua supremacia política. Esta ainda em construção na época, logo após o ataque japonês a Pearl Harbor e que feriu, para sempre, o frágil ego do Tio Sam, com o país entrando de vez na Segunda Guerra Mundial. Uma retaliação (e dominação global) imposta pelo ar, por terra, e neste caso, pelo mar que presenciou a militarização das ‘inocentes’ caravelas de Cabral, e cia.

Só que, enquanto o velho mestre Eastwood promoveu o debate por meio de dois filmes com posições políticas e nacionalistas naturalmente opostas, na produção televisiva de Tom Hanks, amplamente inspirado pelo amigo Steven Spielberg e seus épicos cinematográficos O Resgate do Soldado Ryan e Irmãos de Guerra (mesmo este último sendo produzido para a TV, seu formato e qualidade poderiam ser exibidas em quaisquer telas de Cinema), os dois lados da mesma guerra é objetivo e simplificado aqui, delimitado por quem está atrás de um fuzil e quem está na frente, numa narrativa unilateral dividida em dez episódios similares em ufanismo puro, cujo verdadeiro drama consiste em sentir pena pelos invasores mortos, boiando na maré do território inimigo ou feridos num ataque a um bunker.

Filmando de maneira clássica e com trilha-sonora solene (Hans Zimmer imitando John Williams rende bons momentos, e outros enfadonhos ao cubo), é como assistir Além da Linha Vermelha com a ação de um Soldado Ryan, mas sem a maestria de um Spielberg. Isso porque, mesmo com praticamente todos os recursos usados por Spielberg em Irmãos de Guerra sendo explorados em The Pacific (o lado documentário em toda abertura de episódio, enfatizando os comentários de veteranos reais de guerra, o uso de camera footage antiga, com cenas reais mostrando a invasão americana na “impenetrável” ilha encharcada de Guadalcanal, e nas praias de Peleliu, cenário onde a batalha foi a mais complicada e traiçoeira para os soldados americanos, e a mais questionável até hoje quanto a inteligência militar que moveu tal operação), Hanks não é Spielberg, por mais admiração e apadrinhamento que o ator possa ter tido do veterano cineasta.

Enquanto ele foca, tornando sua ação impecável numa espécie de bomba-relógio, Hanks expande e não concentra, tendo sua perspectiva tanto acionária quanto dramática mais pro estilo dinamite, ainda que sentimental na medida certa em diversos momentos chave, na história.O que guiava a Primeira Divisão de Fuzileiros Navais pelos arquipélagos asiáticos onde só encontravam miséria humana, nos quais a força invisível da guerra os levava a trilharem busca do inimigo, da vitória ou do óbito? Cada vez mais reconhecendo suas personagens como seres humanos enterrados num objetivo cada vez mais sufocante, eis uma minissérie alegórica aos sentidos mais primários de uma guerra, por mais ilógica que elas possam parecer ser para quem não as promove e fomenta o conflito sem precisar sujar as mãos; ao sentido dos lemas ‘fazer o que tem que ser feito’, e ‘custa o que custar’.

Hanks não procura a honra e o orgulho nisso, e sim as consequências para o homem que mata em nome de um país; o seu. Deixa claro que a paranoia não cobre atos ruins, mas também é inevitável numa situação dessas, e que mesmo o coração de um soldado sendo o seu rifle, são os sentimentos coletivos e por vezes individuais de um homem exausto e ferido que o guiam, a maior parte do tempo, seja por onde for.Chamando-os de ratos, da mesma forma como Hollywood via os japoneses deliberadamente na época, e como os nazistas intitularam os judeus em sua perseguição doentia, os fuzileiros americanos e seus comandantes começaram a contar suas vítimas ao longo da guerra e ficaram incrédulos com o que estava acontecendo, chegando nisso ao ponto alto da minissérie.

Sua narrativa ao longo dos episódios, em especial do (ótimo) sétimo em diante, e supervisionada pelos mesmos envolvidos em Irmãos de Guerra, mostra-se extremamente hábil em expor sinceramente as lacunas e as contradições de uma doutrinação militar agressiva, e que levava às vias da desumanização o indivíduo em prol da vitória, e do orgulho nacional. Mesmo com um ufanismo gotejante e que impregna a série do começo ao fim, sobra espaço em The Pacific para ser honesta quanto aos reconhecidos erros militares americanos, subestimando a inteligência japonesa em resistir aos ataques coordenados, a certa altura do conflito. Tom Hanks usa e abusa de uma simbologia contextual (capacetes, romances paralelos, granadas) para contar, em campo de batalha, o que sucedeu ao icônico ataque a Pearl Harbor. Faltou interesse em debates maiores e mais aprofundados, contudo, sobrou coração na reprodução dessa retaliação histórica.

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Review | Devilman Crybaby

18 de dezembro de 2018 by Almighty

Reviews, Séries

Animes, Devilman, nagai go, Netflix

Quando este anime apareceu na Netflix, muita gente não ligou o nome à pessoa. Devilman é um personagem clássico, criado por Nagai Go no mangá homônimo publicado nos anos 1970. Devilman Crybaby é uma espécie de releitura/remake da obra original, trazendo para os dias atuais e, claro, modernizando um pouco a estética e a narrativa. Ao mesmo tempo que respeita o original, traz coisas novas.

A trama gira em torno de dois amigos, Akira e Ryo. Akira é chorão e extremamente bondoso, mora com a família Nakamura enquanto seus pais, médicos renomados, viajam o mundo ajudando pessoas. Ryo tem um ar mais frio e fez muita fama e fortuna na área acadêmica nos Estados Unidos. Quando os amigos finalmente se reencontram no Japão, Ryo leva Akira a uma festa estranha com gente esquisita e lá ocorre uma carnificina por conta de possessões demoníacas. No meio do caos, o poderoso demônio Amon possui Akira, entretanto o garoto chorão mantém sua consciência humana – mas herdou o apreço pelas lutas de seu possuidor. Akira oblitera os seres demoníacos do local e se descobre uma nova raça, um híbrido de humano e demônio com enormes poderes: Devilman.

Ryo e Akira aproveitam o grande poder de Devilman para iniciarem uma cruzada para erradicar os demônios que, sorrateiramente (às vezes nem tanto), estão chegando no mundo dos homens. O desenrolar da história alterna entre vários núcleos de personagens, inclusive vilões, e existe um bom desenvolvimento dos personagens. Akira muda drasticamente de aparência após a possessão, adquirindo um corpo atlético e personalidade forte, semelhante ao mangá.

Por outro lado, notamos algumas diferenças. No mangá, Ryo sempre morou no Japão e quem descobriu informações sobre os demônios foi seu pai arqueólogo. Alguns demônios emblemáticos aparecem no anime em situações diferentes, porém mantém aparência e poderes bem semelhantes à obra original. Sua “irmã adotiva” Miki é uma atleta popular na escola, bem diferente do mangá. E claro, o uso de tenologias atuais (computadores, celulares etc), que inexistiam nos anos 1970.

Além da violência gráfica, o anime traz muitas cenas sexuais quase explícitas, algumas beirando aos hentais bizarros. Em uma primeira análise, parece tudo muito gratuito, mas no contexto geral, faz muito sentido (ainda que não sejam determinantes para a narrativa). A obra original é extremamente violenta, mas não possui conteúdo sexual.

Crybaby usou a trilha sonora de forma interessante, principalmente o hip hop com letras que complementam a narrativa. As músicas incidentais são muito boas, uma espécie de eletrônico, e o tema principal é excelente para os momentos de impacto e tensão. Akira e Ryo são bem desenvolvidos ao longo da série. As revelações vão moldando cada um deles, além dos coadjuvantes, também bem explorados.

Um dos vários fanservices referenciando a série original

O ponto mais memorável de Devilman é a reta final da história. Acontecimentos brutais seguidos de revelações bombásticas e um final arrebatador. O anime foi bastante fiel nesse ponto, mas o cerne da discussão mudou um pouco. Enquanto que na obra original existe uma dúvida se o grande vilão estava certo, aqui a questão principal gira em torno da própria crueldade dos humanos. Analisando com mais profundidade, podemos dizer que o anime aliviou um pouco em relação ao mangá, mesmo mantendo a brutalidade. Isso não tira o mérito do anime, pelo contrário, mantiveram a essência, criaram algo novo mas respeitaram (e muito) o que Nagai Go criou nos anos 1970.

Devilman Crybaby não tem apelo ao grande público. Sua estética e temáticas podem ofender muitas pessoas. A própria qualidade da animação presume um orçamento menor (mesmo não sendo tão fluida, o desenho é bem animado). Várias cenas também são estranhas até para quem está acostumado com as bizarrices dos animes. Após assistir pela primeira vez, li o mangá e depois reassisti. Posso dizer que passei a apreciar ainda mais Crybaby. Os dez episódios fluíram muito melhor, pude notar os diversos easter eggs e referências à obra original que, mesmo sendo fan service, mostram o respeito que tiveram por Nagai Go. Por isso, sugiro fazer o mesmo: assista Crybaby e leia o mangá, não necessariamente nesta ordem. São obras viscerais que merecem ser conhecidas por todos os apreciadores de anime e mangá. Sugiro não assistirem com a dublagem brasileira, a qualidade deixou a desejar e pode prejudicar sua experiência.

https://www.youtube.com/watch?v=Cah-BDyTtSg

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Review | Aquaman (Piloto Cancelado)

15 de dezembro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Aquaman, cw, Ving Rhames

Há muito tempo, no ano de 2006, quase como um spin off de Smallville que jamais deu certo, Aquaman seria adaptado para as telinhas, contando com Justin Hartley no papel principal, começando por um acidente estranho, envolvendo uma criança e sua mãe e depois a sobrevivência do garoto, salvo por baleias e outros bichos. Nessa parte, o aqua-baby era interpretado por Graham Bentz.

Curiosamente, Hartley não havia feito o herói no seriado do Superboy, lá Arthur Curry era vivido por Alan Ritchson, ou seja, Jason Momoa não é nem o segundo intérprete do personagem. Hartley viveu o Oliver Queen no programa de Alfred Gough e Milles Millar, mas não seguiu para a série Arrow.

O clima dessa versão do herói dos mares da DC é de verão total, e a história se passa na beira da praia perto do Triângulo das Bermudas, local onde sua mãe desapareceu. Os dias de Arthur são ocupados com brincadeiras com golfinhos, fato que o faz ser preso, já que ele libertou golfinhos de um parque aquático, e logo percebe-se que o rapaz tem habilidades especiais.

As cenas dele nadando em alta velocidade são artificiais, e a pós produção não salva em nada, pois Smallville tinha momentos toscos mas não tanto quanto aqui. A série não foi para frente porque na época em que estrearia, a rede de televisão da Warner estava se fundindo com a UPN, formando então a CW, e o projeto não parecia firme o suficiente para estrear.

Há muitos elementos dos quadrinhos alardeados, como a proximidade do herói com golfinhos – em algumas versões ele foi criado pelos mamíferos aquáticos – e o aparecimento de um atlante clamando por Oren. Outra coincidência curiosa é que Nadia, a sirena/sereia que atacou Arthur e que também matou sua mãe é interpretada por Adrianne Palicki, que mais tarde viria a gravar o piloto de Mulher-Maravilha, que também foi cancelado.

Esta versão é bem menos boba que a de Mulher-Maravilha, há um tom mais sóbrio, mas nada sombrio como viria a ser a estética que Zack Snyder empregaria no cinema. Há aquele uso infantil de figurinos que remetem as roupas de super-heróis, com Hartley sempre utilizando blusa laranja e shorts verdes. Apesar dos efeitos terríveis e dos personagens caricatos, a sensação que fica ao se assistir atualmente esse especial é de um coito interrompido, de uma proposta que poderia dar certo como Smallville, uma gênese que não pôde ser desenvolvida por desinteresse de quem produziu, reunindo em si as mesmas condições tórridas que Smallville tinha e que Arrow e Flash teriam, mas com um investimento menor e atuações claramente menos carismáticas.

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Review | Castlevania – 2ª Temporada

10 de dezembro de 2018 by Almighty

Reviews, Séries

Animes, Castlevania, Netflix

A Netflix praticou um ato cruel no ano passado: lançou míseros 4 episódios da série animada Castlevania, baseado na clássica e querida franquia de games. Podemos considerar a primeira temporada como um rápido aperitivo que não trouxe grandes detalhes da história ou mesmo demonstrou o verdadeiro potencial da série. Tivemos que esperar mais de um ano para saber o que realmente seria esta animação. Felizmente, a espera valeu a pena.

Desta vez, temos 8 episódios, quantidade satisfatória para desenvolver uma boa fatia da trama. Drácula está com um rancor absoluto contra a raça humana, que queimou sua amada esposa Lisa sob a acusação de ser uma bruxa. O fato de Lisa ser uma estudiosa da medicina e outras ciências lhe deu o status de bruxa pela Igreja, que mais uma vez é mostrada como tirana e cruel. A Igreja foi a grande responsável por despertar a fúria de Drácula, devidamente mostrado na primeira temporada.

Para destruir a humanidade, Drácula convoca notáveis sujeitos especializados nas mais variadas artes de magia e combate. O desenvolvimento destes personagens é digno de nota, todos possuem ideais e personalidades bem definidas, tornando-os bem interessantes. O maior destaque vai para Isaac, que domina a arte de reviver e modificar corpos. Suas habilidades são comparadas aos de um ferreiro, criando um aspecto interessante e grotesco em sua magia. Dentre os aliados de Drácula, ele é o melhor desenvolvido e terá papel de destaque nesta temporada.

Enquanto isso, Trevor, Sypha e Alucard rumam ao castelo de Drácula para matá-lo. Porém, o castelo muda de local graças às tecnologias/magias de Drácula, dificultando o trabalho dos heróis.

É notório o salto de qualidade narrativa desta temporada. Agora temos uma história tomando rumos mais definidos, mérito dos bons roteiristas. Enquanto que na primeira temporada tivemos apenas a apresentação de alguns elementos, aqui podemos sentir um real objetivo da série. Aliás, violência e palavrões não foram poupados, a crueza da história é um ponto muito positivo, que já estava sinalizada na temporada anterior, e felizmente se manteve na segunda.

Por mais que o ritmo não se mantenha frenético sempre, os momentos de diálogo são muito bons. Por exemplo, quando Carmilla, uma das notáveis, faz questionamentos provocativos sobre Lisa a Drácula, criando uma expectativa de tensão sobre a reação do vampiro. Destaque retumbante para o sétimo episódio, que além de ótimas cenas de combate, temos uma excelente música dos games, e um embate dramático entre Alucard e Drácula. O clima pesado e melancólico desse encontro de pai e filho é o ápice de toda a série até o momento, demonstrando inclusive maturidade do roteiro.

Parabéns à Netflix por acreditar neste projeto e conseguir adaptar uma série de jogos riquíssima em conteúdo, fazendo algo pesado, violento e maduro. Apostar em algo mais adulto foi um acerto, e esperamos que a terceira temporada mantenha a qualidade.

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Review | Bojack Horseman – 5ª Temporada

5 de dezembro de 2018 by Almighty

Reviews, Séries

Aaron Paul, Alison Brie, Amy Sedaris, Bojack Horseman, Netflix, Will Arnett

Quem diria que a série do homem-cavalo iria tão longe? Em seu quinto ano de exibição, Bojack Horseman vem se mostrando um excelente produto voltado ao público adulto. Todas as temporadas até aqui tiveram seus altos e baixos, alguns problemas de ritmo, mas o saldo final sempre é positivo. Aqui não foi diferente.

Bojack é um personagem que, a todo momento, é destruído e reconstruído. Ele alterna entre o céu e inferno de maneira corriqueira, mas todos os revezes não calejaram nosso protagonista. Pelo contrário, o torna ainda mais vulnerável.

Após reviver seu infeliz passado com os pais, Bojack será o protagonista de uma nova série que se mostra um grande sucesso. Apesar de ter alavancado novamente sua carreira e estar cercado de admiradores, o cavalo não se mostra feliz. Seu relacionamento com Gina é morno e um tanto indiferente, apesar de alguns lampejos de amor. Em outro plano, Diane e Sr. Peanutbutter se divorciam. Enquanto Diane tenta se mostrar mais forte, corta o cabelo em sinal de mudança e adota uma postura mais forte e feminista, o cachorro começa a namorar mas não rejeita seus sentimentos pela ex-esposa.

Um ponto interessante é a amizade entre Bojack e Diane. Mesmo que em alguns momentos apareçam brechas para que os dois se envolvam, mesmo que casualmente, isso não acontece. Pelo contrário, Diane dá alguns tapas de realidade do focinho do cavalo e o ajuda nos piores momentos. Hollyhock reaparece e será crucial para que Bojack entenda o quão fundo ele chegou no vício por calmantes. Sim, esta é a droga da vez. Pobre Bojack…

Tive a impressão de que esta foi a temporada que menos deu vontade de assistir. Não pela ausência de qualidade, mas pelo fator entretenimento. E não entendam errado, a questão aqui não é se divertir com a desgraça alheia, mas apenas ficar preso em acompanhar cada episódio. Apesar de manter a qualidade, dá a impressão de que a série começou a se desgastar, e talvez uma extensão demasiada não seja uma boa ideia.

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Review | A Maldição da Residência Hill

30 de novembro de 2018 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Carla Gugino, Michiel Huisman, Mike Flanagan, Netflix

Mike Flanagan é um dos principais nomes do cinema de terror nessa segunda metade da década. Porém, desde seu curta Lights Out, o diretor não conseguia entregar algo que faça brilharem os olhos para algo novo, que o destacasse técnica e artisticamente do restante de Hollywood. Agora ele conseguiu. A Maldição da Residência Hill que entrou recentemente na Netflix é o melhor trabalho de Flanagan e uma das visitas mais preciosas ao terror esse ano, se não dos últimos.

Alternando entre passado e presente, a série conta as influências que uma casa mal-assombrada tem sob a família Crain. O objetivo do casal é reformar a mansão durante as férias de verão dos 5 filhos para revendê-la em um valor maior, mas eventos peculiares levam a família a presenciar uma noite assustadora que reverbera anos, até algo no presente fazer com que todos, agora mais velhos, se reúnam para entender de uma vez por todas o que aconteceu naquela noite.

A produção lida muito bem com essas duas linhas temporais, e a responsabilidade disso cai sob um elenco afiado. De um lado, o elenco infantil dá um show de carisma e personalidade, e do outro os atores adultos transparecem sensibilidades e camadas muito interessantes, fazendo com que A Maldição da Residência Hill tenha coração, mais do que qualquer coisa. É uma série de terror, mas nas entrelinhas de jump scares nem sempre eficazes, ela bombeia delicadeza e emoção.

De fato, Flanagan encontra soluções genuinamente criativas para lidar com sua atmosfera de horror, mesmo que ainda falha e às vezes pontualmente reciclada, mas é nos momentos dramáticos que a série sobe níveis mais altos, quando se mergulha em complexos dramas familiares e se assume como uma história sobre traumas e perdão.

Por isso, é preciso enfatizar o episódio 6. Sem estragar experiências, deve-se dizer o quão magnífico é o trabalho de elenco, roteiro, direção e produção nesse capítulo chave da narrativa. É exemplo dos mais belos de consciência de mise-en-scène, controle absoluto da narrativa e seus conflitos e afinamento técnico e artístico de toda a equipe de trás das câmeras. É um episódio de 4 planos sequência que se unem como uma grande cena de 1 hora. Há momentos de se arrepiar, de medo e de encantamento.

Com uma abordagem cinematográfica, um roteiro brilhante e o mérito de fazer uma história de terror com puro coração, Mike Flanagan e cia. entregam uma produção ousada e especial, e não por isso livre de vícios do próprio gênero.

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Texto de autoria de Felipe Freitas.

Os Filmes (e OVAs) de Dragon Ball Z – Parte 1

30 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema, Séries

Akira Toriyama, Dragon Ball Z, Toei Animation

Como fizemos com o especial de filmes e ovas de Dragon Ball, retomamos as análises dos filmes e afins de Dragon Ball Z, falando de forma cronológica, levando em consideração quando foram lançados. Lembrando que a maior parte desses filmes, com exceção de A Batalha dos Deuses e O Renascimento de Freeza, não são canônicos e tem pouca participação de Akira Toriyama na trama, sendo roteiro pensado pela Toei, fato que faz com que a maioria não tenha muito viés cronológico dentro do seriado.

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Devolva-me Gohan ou Zona Mortal

Daisuke Nishio conduz o filme que começa com um gemido de Piccolo, se preparando para mais tarde tentar enfrentar Goku. Se passam cinco anos após os eventos finais de Dragon Ball (Dragon Ball – Parte 3: O Rei Demônio Piccolo Daimaoh), após a vitória de Goku no Torneio de Artes Marciais. O nome original do filme lançado em 1989 é Ora no Gohan o Kaese!!, e possui 41 minutos de duração.

Gohan é mostrado com sua mãe, Chichi, estudando como ela gostava de fazer. Ele aparentemente não sabia lutar ainda, o que põe este especial cronologicamente antes da chegada de Raditz a Terra, apesar de algumas contradições. Logo, o vilão Garlick Jr aparece próximo de Gohan, golpeando o Rei Cutelo e a mãe do garoto para pegar a esfera de quatro estrelas. A contradição maior aí é que Goku encontra seus amigos e fala de Gohan, que só foi apresentado no piloto do anime.

O filme perde um tempo precioso mostrando Gohan brincando no castelo do inimigo, dando trabalho aos capangas de Garlick, ao provar uma maçã mágica que o faz ficar embriagado, passando então a brincar com fantasias de criaturas coloridas, semelhantes a aves, dinossauros e outras viagens de ácido. O vilão não demora a conseguir fazer seu pedido de vida eterna, basicamente para desafiar Kami-Sama, uma vez que o Garlick Senior competiu com o alienígena pelo posto de deus da Terra anos atrás.

Kuririn sofre uma mijada (literalmente) do bêbado Gohan, seria impossível não lembrar que isso aconteceu, fato que ironicamente comprova o não pertencimento do filme a cronologia, já que ser urinado pelo filho de seu amigo certamente seria lembrado pelo lutador budista. De positivo, há o discurso malévolo de Garlick Jr convocando os demônios a saírem de suas tumbas para provocar o mal em quer que se opusesse a eles, em uma postura parecida demais com a de Piccolo Daimaoh.

Garlick não é um personagem forte, apesar de imortal e as lutas não são muito emocionantes. A carga dramática é maior pela destruição do local da luta e pelo vácuo do vórtice da tal Zona da Morte que aparece do nada. O deus ex machina mora na catástrofe e isso por si só já demonstra o quão desimportante é o filme no final das contas.

O Homem Mais Forte do Mundo

Kono Yo de Ichiban Tsuyoi Yatsu foi lançado em 1990, e começa nas planícies geladas de Tsurumai, onde Piccolo é mostrado, para logo depois passar a Gohan e Oolong procurando as esferas do dragão, que estavam se reunindo em quatro, de maneira misteriosa. O menino usa roupas iguais as de Piccolo o que faz pensar que isso se passa pelo menos na época em que eles já se encontraram e viraram pupilo e discípulos.

Shenlong é convocado para ressuscitar o Doutor Willow, que está com o corpo preso naquelas geleiras há muito tempo. Nishio também conduz esse produto, que começa promissor, mostrando umas criaturas estranhas surgindo e enfrentando o alien verde, e que faziam lembrar os saibaimans, sendo na verdade robôs. O começo aparenta mostrar eventos depois da morte de Goku contra Raditz, mas o pai do rapaz é mostrado logo depois, fato que demonstra que não há qualquer necessidade de incluir esta produção na cronologia do anime. Inclusive há cenas de Piccolo se sacrificando com o golpe de Nappa que acertaria Gohan.

Os malfeitores, liderados pelo assistente de Wilow, chamado de Dr Kochin, procuram o sujeito mais poderoso da Terra e acharam que ele era Kame. O plano de transferir a mente do cientista para um corpo forte é mirabolante e muito bobo, feito por homens que só desejam a destruição e nada mais, em uma tentativa besta de dominação mundial. Há uma cena musical, em que Gohan comemora a presença de Piccolo e isso destoa totalmente do restante do filme.

Goku usa o Kaioken para vencer um dos robôs assassinos, o que não faz muito sentido, outra coisa que não faz sentido é o dublador Wendel Bezerra ter chamado o Bastão Mágico de Varinha Sagrada. Goku termina tentando dar uma genki dama em seu adversário, mas em uma versão pequena e fraca. Não há nenhuma luta interessante ou trama digna de nota, o que é uma pena, pois o filme apesar de não conseguir ser encaixado de qualquer forma na cronologia da série, ainda assim parecia ter potencial para ser algo realmente primoroso.

Dragon Ball Z: O Filme ou A Árvore do Poder A Maior Batalha de Todos os Tempos Está Para Começar

Quando estreou nos cinemas brasileiros em 14 de julho de 2000, tinha o nome de Dragon Ball Z: O Filme – o que faz sentido, pois ele tem 60 minutos de duração, maior que os outros, e depois ganhou o nome de batismo para o lançamento em VHS. Na trama, Oolong, Kuririn, Bulma e Gohan estão acampando, em um clima despreocupado.

O filme de nome original Chikyū Marugoto Chō-kessen foi lançado em 1990 no Japão, e seu chamado a aventura começa quando um estranho cometa corta o céu. Nele, esta um grupo de piratas espaciais, liderados por um sujeito misterioso, chamado Tullece, que tencionam achar um planeta onde plantar uma árvore estranha, a Árvore Sagrada. Eles comemoram as condições do planeta e o fato de Kakaroto não ter destruído o mundo, assim a planta que sugaria toda a vida do planeta pode ser implantada.

Esse filme não poderia acontecer na cronologia, porque a essa altura Goku também deveria estar em Namekusei, por isso ele inteiro soa como um filler contraditório. Todos os guerreiros Z, incluindo Kame vão até a casa de Goku, em uma rara reunião no lugar onde o principal herói reside. Lá eles são avisados por Kaioh Sama do perigo da árvore, e tentam destruí-la.

Logo, Tullece aparece, e ele é quase idêntico a Goku, com exceção de dois fatos, sendo o primeiro que ele é na verdade um conquistador de mundos independente de Freeza, e segundo que ele come os frutos da árvore, que faz com que ele fique muito mais forte que seu adversário. A Toei fez uma contra-parte malvada do herói para mostrar como poderia ter sido se Kakaroto conquistasse a Terra como mandava o protocolo Sayajin, o problema sério é que fora Tullece, todos os outros capangas são genéricos e muito fracos. De novo há uma tentativa de solução final via genki dama, e a completa ausência de carisma nos personagens novos faz com que tudo aqui pareça extremamente genérico.

Bardock, o Pai de Goku ou A Batalha de Freeza Contra o Pai de Goku

O primeiro OVA de DBZ chamava-se Doragon Bōru Zetto: Tatta Hitori no Saishū Kessen e foi lançado em outubro de 1990. O pequeno Goku nasce, e Bardock não faz menção de voltar ao seu planeta natal para ver seu caçula, uma vez que ele nasceu com um nível de poder baixo. O saiyajin está acompanhado de seus asseclas, e recebe o golpe de um dos habitantes de Kanasa, onde o morto que tinha uma capacidade de premonição, o amaldiçoa.

A dublagem desse especial é bizarra, uma das mulheres claramente tem voz masculina, assim como Nappa tem uma voz diferente daquela do anime, sai Guilherme Lopes e entra Alfredo Rollo que faz a voz de Vegeta no desenho seriado. Como o príncipe dos SJs aqui é uma criança, ele não foi exigido, mas ainda assim é bizarro notar isso.

Bardock é mostrado como um sujeito impetuoso e cruel, diferente do retcon que faria depois, no especial de Bardock e no mangá de Toriyama Dragon Ball Minos. Sua elite é formada por Toma, Seripa, Toteppo e Panbukin, aliás, Seripa é a prova viva de que a raça saiyajin (ou SJ) tem pessoas do sexo feminino.

Nesse especial, em meio as alucinações do protagonista, há cenas de Goku encarando Freeza, fato que ainda não havia ocorrido no decorrer do anime. O especial para vídeo termina de forma trágica, Bardock perece (aparentemente, pois isso seria revisitado mais tarde) e logo depois pede a seu filho que vingue seu povo. Apesar de mostrar um plano de fundo bem legal sobre como funcionava o dia-a-dia da raça de Goku e Vegeta, a dramaticidade é fraca e não faz sentido na maior parte da confusão mental e sentimental de Bardock, ainda assim é bem melhor que qualquer outro produto fora do anime/mangá lançado pela Toei até então.

Goku, o Super Saiyajin ou Lorde Slug

De nome original Sūpā Saiya-jin da Son Gokū, lançado em 1991. Uma estrela vem na direção da Terra, e os heróis tem de desvia-la, mas sem destruí-la, correndo o risco de acabar as condições de vida no planeta, e claro, tendo alvo principal a Cidade do Oeste, que seria a principal metrópole da mitologia de Toriyama. Ao entrar na atmosfera, mesmo com os esforços de Goku e Kuririn, eles não conseguem deter a entrada do corpo celeste, e maremotos acontecem, além de outros eventos catastróficos de pequeno porte.

Na verdade, aquilo que entrou no planeta era uma nave invasora, liderada pelo vilão Senhor Slug. O filme de 51 minutos tem o cuidado de não dar muitos spoilers do anime/mangá, por isso não há o acréscimo de Vegeta como personagem fixo, uma vez que ele só se aliou a pouco tempo aos heróis na série animada. O vilão, ao se revelar mostra ser um namekusenjin, de porte grande, alto e mais forte até que Piccolo. Ele procura as esferas do dragão, após uma dica de Bulma, as pega e deseja a juventude eterna.

Os capangas genéricos de Slug fazem lembrar demais os demônios de Daimaoh. O filme se calca demais no sensacionalismo. Slug só se revela um nameki faltando pouco para o final, e depois de Goku atingir uma transformação de pseudo super saiyajin, conhecida como Fake Super Saiyajin pelos fãs, além disso, em um contato telepático, Kaioh Sama diz que Slug seria mais forte que Freeza. Vale lembrar que esse Fake SSJ foi mostrado antes do real Super Saiyajin no anime. O vilão fica gigante, como Piccolo fez antes, aliás é o antigo adversário de Goku que consegue atingir um ponto fraco do antagonista da vez, arrancando as próprias orelhas e pedindo para Gohan assobiar, porque isso supostamente derruba os namekuseijin. A solução deus ex machina é desnecessária e muito infantil.

Ao assistir Doragon Bōru Zetto: Sūpā Saiyajin da Son Gokū, se percebe que ainda não foi dessa vez que um dos especiais de DBZ acertou, seu vilão é fraco e tenta parecer super forte, as lutas são genéricas, há pouca ação dos outros guerreiros Z, não se teme realmente pela vida dos que aparecem e não há qualquer charme nos personagens novos, tampouco carisma.

Uma Vingança para Freeza ou Os Rivais Mais Fortes

De nome original, Doragon Bōru Zetto: Tobikkiri no Saikyō tai Saikyō foi lançado em 1991, curiosamente antes mesmo da morte de Freeza no anime, ou seja, Uma Vingança Para Freeza contém mais spoilers sobre a saga. O especial começa na destruição do planeta Vegeta, com Koola (ou Cooler ou Kooler, não me preocuparei com a grafia, pois de acordo com os fãs a grafia é discutível até hoje para esse e outros nomes) observando a nave de Kakaroto indo para a terra. Ele permite que isso aconteça, mostrando que não é exatamente o melhor planejador do universo.

Já no presente, Cooler decide ir a Terra, interceptar Goku e seus amigos. O grupo de elite do vilão faz uma coreografia bem semelhante a das forças especiais Ginyu, inclusive recebendo o mesmo prefixo, de Forças Especiais Koola. Aliás, demora muito para começar uma luta com o real vilão.

Não há a presença de Vegeta aqui, provavelmente porque cronologicamente, o especial se passa após ele tomar a nave que o pai de Bulma construiu, a fim de treinar. O filme tem 47 minutos, dos quais só há luta entre antagonista e herói nos 17 finais. Meia hora de enrolação, imitando o que é típico da saga Freeza. Aliás, a voz de Cooler na dublagem brasileira é a mesma de Freeza, de Carlos Campanille, que também faz a voz do narrador dos torneios.

Finalmente um vilão à altura de Goku aparece nos filmes. O irmão mais velho de Freeza, o primogênito é tão mais hábil que tem uma nova forma, uma quinta, anterior a de Golden Freeza e bem diferente visualmente desta. Seu design desenhado por Toriyama é bem legal.

Infelizmente, a primeira grande batalha dos filmes é curta e sem um clímax minimamente bem encaixado. Apesar de arrogante e estiloso, Cooler não é páreo para o Goku, e faltou um roteiro uma melhor exploração do potencial do personagem, o que é uma pena, porque esse é o filme que mais se aproxima de ser algo minimamente bom, ao menos até então.

O Retorno de Koola

De Daisuke Nishio, Doragon Bōru Zetto: Gekitotsu!! Hyaku-Oku Pawā no Senshi-tachi mostra o retorno do irmão de Freeza, Kooler, aparentemente com uma forma de cyborg metálico, bem melhor construído que a versão hibrida com máquina de seu irmão. Foi lançado em 1992 entre os episódios 129 e 130 do anime.

A contradição junto ao seriado começa pelo fato de Piccolo aparecer aqui, enquanto deveria estar lutando contra 17 pouco antes de Cell absorve-lo, e isso se dá porque Vegeta e Goku se transformam em SSJ enquanto Gohan ainda não o faz, ou seja, ele não entrou ainda na sala do tempo e conseguiu atingir sua nova fase. Outra contradição monstruosa é que Dende já é o Kami-Sama da Terra, e é ele que revela aos guerreiros Z que a nova nameki foi invadida por uma nave/máquina estranha.

Essa invasora é uma estrela, chamada Estrela Gete (a pronuncia adotada no Brasil foi Bigue) e foi ela que encontrou Kooler vagando pelo espaço, semelhante a quando o Rei Cold encontrou Freeza. Essa repetição de arco soa infantil e oportuna demais, bem como as lutas que ocorrem no planeta quando os sayajins e demais guerreiros viajam pelo espaço. Basicamente só se enfrenta Metal Kooler, para depois, aparecer centenas de “clones” dele, na verdade, sendo só autômatos, organizados pela estrela/nave para capturar a energia dos adversários. Tudo ali foi feito como uma armadilha, para atrair Goku e os outros a fim de capturar suas forças a seu favor.

Vegeta e Goku são presos dentro do compartimento da estrela, onde sofrem o roubo de suas forças, e onde se mostra a real aparência de Kooler, somente uma cabeça flutuante. Sem falar que a exploração dos robôs como antagonistas, sejam os mais baixos como os Metal Kooler é demasiado mal feito, e a tentativa de emular o que dava certo na animação seriada simplesmente não funciona, pois esses robôs daqui não tem personalidade como as criações de Maki Gero.

Além do mais, apesar de ter dado mais trabalho aqui, Kooler aparentava ser mais ameaçador no filme anterior, e consegue ser derrotado de uma forma ainda mais esdrúxula do que no capítulo passado, o que é uma pena, pois ele tinha potencial para ser algo a mais do que uma cópia.

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Os 10 Melhores Momentos do Mickey Mouse

21 de novembro de 2018 by Dan Cruz

Artigos, Cinema, Games, Séries

Animações, Mickey, mickey mouse, Walt Disney

Em novembro de 2018 o camundongo mais famoso do mundo completa 90 anos de sua primeira exibição ao público norte-americano. Entre altos e baixos, com produções memoráveis e outras nem tanto, Mickey Mouse permanece como um símbolo da Walt Disney Company até hoje e influencia até mesmo as leis de direitos autorais através de lobby no governo dos EUA. Em homenagem a essas nove décadas, preparamos uma lista com os melhores momentos do ratinho na televisão, cinema e videogames!

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10. O Point do Mickey (2000)

Especial de Dia das Bruxas de House of Mouse, Os Vilões da Disney fez sucesso em home video

Em último lugar nessa lista, o desenho animado House of Mouse ficou conhecido no Brasil por uma gíria que não sobreviveu à metade da primeira década do século 21. O tal “point” era uma espécie de clube ou casa noturna da qual Mickey era sócio junto ao Pato Donald na série. O clube era frequentado por praticamente todos os personagens animados Disney, desde os clássicos Pateta, Pluto, Minnie e Clarabela até personagens de filmes como O Rei Leão, Pinóquio e Dumbo. Era possível ver na mesma cena o urso Balu, a sereia Ariel e os Sete Anões. A maioria dos personagens não tinha fala, apenas faziam uma ponta – a não ser que o roteiro assim pedisse. No palco, Mickey apresentava segmentos de desenhos clássicos e novos, alternadamente, dando uma sobrevida ao programa anterior que havia sido cancelado, Mickey Mouse Works (no Brasil, com o péssimo nome OK Mundongo da Disney). A série seguiu esse formato por quatro temporadas e 52 episódios, sendo que os episódios de natal e halloween são até hoje reprisados com certa frequência. Embora a animação das cenas no “point” seja bastante limitada, a série merece entrar nesta lista por apresentar material antigo – e de qualidade – a um público novo.

09. A Casa do Mickey Mouse (2006)

Mickey e sua turma conquistam pais e filhos com programa educativo

Seguindo a linha de programas educativos para crianças bem pequenas, como Dora, a Aventureira, A Casa do Mickey Mouse fez um estrondoso sucesso também com os pais. Fofinho, colorido e mantendo o visual clássico dos icônicos personagens, era também uma novidade por ser um programa feito completamente em computação gráfica. Os roteiros são bem infantis e os personagens se envolvem em situações que só parecem problemas reais para crianças de cinco anos, mas isso é o suficiente para manter olhinhos atentos na tela. Para resolver os problemas, Mickey conversa com a câmera representando as crianças, e espera um tempo para que elas respondam em casa, num exercício de quebra da quarta parede pra pato nenhum botar defeito (“É mole?”, diria um certo penoso semi-famoso nas redes sociais). Para ajudá-lo a resolver os problemas, Toodles surgia com os Mickey Objetos – que sempre vinham a calhar e nunca eram inúteis.

A Casa do Mickey Mouse, embora não tenha um primor de roteiro para aqueles que já são alfabetizados, ganha lugar de destaque nessa lista pelos seus 125 episódios que, disputando com o fenômeno nacional Galinha Pintadinha, manteve o interesse da criançada no personagem.

08. Hora de viajar! (2013)

Passado e presente, juntos na mesma animação

No final de 2013, uma “febre congelante” avassalou as crianças do mundo inteiro com o longa animado Frozen. O que poucos comentam, contudo, é que antes do lérigou foi apresentado nos cinemas um dos curta-metragens mais divertidos do Mickey desde a sua criação. Hora de viajar! mistura animação clássica em preto e branco com o que há de melhor em efeitos visuais 3D. Em uma sequência alucinante, a impressão que temos é que os personagens realmente saem da tela e interagem com a sala de cinema. Talvez por isso esse curta seja tão pouco lembrado, pois só quem assistiu no cinema e em 3D obteve a sensação de imersão necessária, nunca reproduzida totalmente em home video.

07. Castle of Illusion (1990/2013)

Diversão eletrônica

É impossível falar de Castle of Illusion sem citar suas duas versões: a clássica, de Mega Drive e Master System dos anos 90, e o excelente remake de 2013 para PlayStation e XBox. Ambas as versões seguem a mesma história: Minnie foi sequestrada pela bruxa Mizrabel. O jogo apresenta todos os clichês presentes em jogos de plataforma como Mario ou Sonic, mas aposta em um personagem igualmente carismático e imensamente mais popular.

Cada fase do jogo apresenta um tema diferente do universo mágico da bruxa, sendo florestas sombrias, bibliotecas encantadas, casa de brinquedos e até doces e guloseimas os cenários que, magicamente, se escondem no castelo de ilusões de Mizrabel. Os chefões das fases não são muito difíceis de derrotar, apresentando uma certa lógica bastante previsível em seus movimentos. Diferente de DuckTales Remastered (que usou exatamente o mesmo jogo de NES com uma roupagem gráfica moderna), a nova versão reformulou completamente as fases, mecânicas e jogabilidade do cartucho original, e é ainda hoje uma excelente experiência tanto para o público mais novo quanto para os saudositas.

06. Epic Mickey (2010)

Clima sombrio marca retorno de personagem esquecido

Epic Mickey é um marco não só nos videogames como também na história recente dos Estúdios Disney por reintroduzir na empresa o primeiro personagem de Walt Disney: Osvaldo, o Coelho Sortudo. Walt havia perdido os direitos do personagem pouco depois de criá-lo, e por muito tempo o coelho ficou nos estúdios de Walter Lantz, o mesmo da turma do Pica-Pau. O personagem faz nesse jogo seu retorno triunfal, antagonizando seu “irmão” Mickey numa terra de personagens esquecidos ou rejeitados que é uma paródia sombria aos parques temáticos da Disney, incluindo animatrônicos defeituosos de personagens como Pateta e Margarida. O jogo foi lançado para Nintendo Wii e utilizava-se da tecnologia de captura de movimentos que era novidade na época com o Wiimote, que servia para simular o pincel mágico que Mickey “emprestou” do feiticeiro Yen Sid (o mesmo de Fantasia).

O jogo tem um roteiro deslumbrante e gráficos espetaculares, mas apresenta alguns problemas de jogabilidade, principalmente com os ângulos de câmera, que ficaram ainda mais limitados na sua sequência direta, Epic Mickey 2: The Power of Two. O jogo ainda rendeu uma adaptação em quadrinhos roteirizada por Peter David (conhecido por sua longa fase no Hulk, da Marvel e pela revitalização do Aquaman na DC nos anos 90).

05. Mickey Mouse (2013)

“O meu amor está no Carnaval!”

Também chamada popularmente de Curtas do Mickey, essa série mantém o ritmo alucinante e o espírito aventureiro e jovial dos primeiros desenhos em preto e branco do camundongo. A série mistura design clássico com humor nonsense e a agilidade das mais modernas animações de comédia para revitalizar os personagens de forma estranha e hilária ao mesmo tempo. Os episódios são totalmente independentes entre si, e não mantém nenhum compromisso com cronologia ou mesmo tempo e espaço. Vemos Mickey e sua turma morando e trabalhando na França, na Rússia ou em qualquer parte do globo, e nesses episódios eles falam a língua local, sem precisar de dublagem localizada (com exceção dos episódios no Brasil que foram redublados, talvez para não causar estranheza ao ouvir o Mickey falando português com outra voz que não seja a do seu atual dublador, Guilherme Briggs).

Os roteiros também não se intimidam em fazer piada com nada. Em um episódio, Pateta é um zumbi em decomposição, rodeado por moscas. Em outro, descobrimos que Donald nunca foi marinheiro! Nos dois episódios ambientados no Brasil (o primeiro sobre futebol e o segundo, claro, carnaval) temos a aparição rápida, porém pontual, do nosso representante no Universo Disney, Zé Carioca, e são episódios muito divertidos. A série está, atualmente, em sua quinta temporada.

04. Runaway brain (1995)

Ah, os anos 90!

Um dos melhores curtas já feito, Runaway Brain trouxe o Mickey dos anos 1940 para os anos 1990. Tudo nele lembra seus episódios clássicos, mas aqui ele come pizza e joga videogame. O roteiro é bastante sombrio para um desenho do Mickey, com referências a diversos filmes de terror – sendo os mais evidentes O Exorcista e Frankenstein. Mickey tem seu cérebro trocado com o de um monstro com a cara do Bafo de Onça ao tentar arrumar um jeito de agradar sua namorada Minnie. O curta apresenta vários easter eggs, desde um jogo de videogame estrelado pelo Dunga, de Branca de Neve e os Sete Anões, até a aparição de um certo mordomo real da Pedra do Rei. Apesar de esquecido do grande público, merece um lugar bem perto do topo na nossa lista de grandes momentos!

03. Fantasia – O aprendiz de feiticeiro (1940)

Com grandes poderes…

Segmento de Fantasia, terceiro longa animado de Walt Disney, O aprendiz de feiticeiro é talvez o mais importante papel que Mickey já atuou em todos os tempos. Prova disso é a constante volta a essa história em outras mídias, como no especial de halloween Os vilões da Disney, ou em videogames, como o já citado Epic Mickey e o mundo aberto de Disney Infinity.

No curta, Mickey é ajudante do feiticeiro Yen Sid (nome digno de personagens de rpg pouco inspirados, como Namtab, Alucard ou Redav Htrad) e descobre poderes cósmicos fenomenais ao colocar o chapéu mágico de seu mestre. Claro que os grandes poderes a ele concedidos fogem ao seu controle e o ratinho precisa lidar com as consequências da magia ilimitada! A trilha sonora de Paul Dukas, baseada na obra de Johann Wolfgang von Goethe encaixa perfeitamente com a magistral animação e o primoroso roteiro de um dos maiores clássicos Disney.

O curta está entre os top 3 dessa lista por um motivo curioso: o Mickey roubou o papel que seria de outro personagem Disney famoso na época! A princípio, o aprendiz de feiticeiro seria interpretado por Dunga, de Branca de Neve e os Sete Anões. Aparentemente, o senhor Mouse deve ser um ator influente nos estúdios, roubando até mesmo alguns dos trejeitos e parte do figurino do anão para esse filme…

02. Uma cilada para Roger Rabbit (1988)

Miska, muska, o que que há, velhinho?

Uma cena épica no cinema aconteceu no longa de Robert Zemeckis Uma Cilada para Roger Rabbit: quando o detetive humano Eddie Valiant cai de um edifício em Toontown (ou Desenholândia, dependendo da dublagem), dois paraquedistas aparecem para ajudá-lo (mais ou menos). Trata-se do primeiro encontro entre Mickey Mouse e Pernalonga da história!

O filme em si já foi um marco, tanto pela técnica que misturava cenas reais com animação quanto pela quantidade absurda de personagens de estúdios diferentes em cena ao mesmo tempo. Mas a cena do paraquedismo com Mickey e Pernalonga é realmente icônica, pois ambos os personagens são considerados os maiores representantes de seus respectivos estúdios. Os estúdios Disney e Warner, após longa negociação, concordaram em ceder os dois personagens, desde que tivessem o mesmo tempo de tela. O resultado não poderia ter sido mais satisfatório, e merece o segundo lugar nessa lista!

01. Steamboat Willie (1928)

Clássico é clássico!

Em primeiríssimo lugar, não poderia ser diferente! O barco a vapor foi lançado em 18 de novembro de 1928 e é um marco da animação mundial! Aqui, vemos um Mickey muito diferente do que estamos acostumados nos dias de hoje: embora já fosse aventureiro e enfrentasse problemas muito maiores que ele mesmo, o Mickey desse curta é também atrapalhado como o Pateta seria mais tarde e se irritava com facilidade da mesma forma que o Pato Donald! Essas características seriam diluídas anos mais tarde entre seus dois co-protagonistas, e se perderiam com o tempo, dando espaço apenas ao bom-mocismo do personagem-símbolo da Disney. Mas em seu primeiro trabalho, Mickey se mostra mais disposto a burlar regras, como trazer sua namorada à bordo do barco com um anzol ou desrespeitar o comandante. O design do personagem também não era algo original , pois emprestava muitas características do Gato Félix e do Coelho Osvaldo. O desenho também não foi o primeiro a ser produzido com o ratinho: Plane Crazy surgiu antes, mas com o advento do cinema sonoro, O barco a vapor viu as telas e o público antes e fez história! Hoje, o segmento em que ele pilota o timão do barquinho enquanto assobia se tornou a vinheta de abertura dos longas animados do estúdio. E assim se vão 90 anos do camundongo mais famoso do mundo! Parabéns, Mickey Mouse!

Review | Carcereiros – 1ª Temporada (Parte 1)

4 de novembro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Ailton Graça, Dennison Ramalho, Drauzio Varella, Fernando Bonassi, Marçal Aquino, Othon Bastos, Serie Nacional, Thogun Teixeira

Série baseada na obra de Drauzio Varella e herdeira espiritual de Carandiru, ainda que tenha uma temática mais atual, Carcereiros mistura momentos de ficção com relatos reais e entrevistas. No piloto, ocorre uma rebelião em um dos pavilhões do presídio, e que não demora muito a contaminar os outros setores. Sobra para Adriano (Rodrigo Lombardi) trazer o filho de Engenheiro (Thogun Teixeira) em segurança até esse local, já que se não o fizer em 24 horas, matarão outro funcionário, Valdir, interpretado pelo veterano Tony Tornado. Adriano seguiu os passos de seu pai, Tiberio, vivido por Othon Bastos, se tornando também um agente da lei que trata do dia dos presos.

O programa de Marçal Aquino, Fernando Bonassi e Dennison Ramalho tem direção artística de José Eduardo Belmonte e estrearia ano passado, mas devido a casos extremos de violência ocorridos em uma penitenciária no Espírito Santo passou somente no streaming, sendo adiada até junho de 2018 na TV aberta. Os episódios tem pouco mais de 30 minutos, e são autossuficientes, se resolvem no próprio capítulo, normalmente, embora haja claramente uma cronologia a ser observada.

A música de abertura do programa é do Rapper Projota, que além de trazer um ritmo atual e elaborado, também há a participação do músico como ator. O seriado se vale de imagens do documentário Diários da Tranca, mostrando pessoas reais falando, misturando com os relatos dos personagens. “Se o preso pedir na rua pra matar um agente, o sujeito simplesmente morre”, “O agente penitenciário não pode dormir de costas pra porta”, como é dito por alguns dos personagens focados em tela, e esse tipo de perigo apesar de absurdo é bem comum a vida de quem entra e sai todos os dias dos presídios.

Em alguns pontos, as inserções de pessoas reais quebra um pouco o ritmo dos capítulos, partes que deveriam emocionar soam burocráticas pela quebra narrativa. Para além disso, há outros defeitos, em especial na parte do roteiro, em um episódio se arranha a superfície no assunto ligado aos crimes do colarinho branco, revelando em boa parte dos trabalhadores que estão empregados na rede carcerária uma mentalidade bastante simplista. “Deputados e senadores devem ter a possibilidade de viver no dia a dia da cadeia, pra sofrer o mesmo que o preto, nordestino e o pobre sofre”, tal fala é Juscelino, personagem de Ailton Graça. Isso na teoria é exemplar, mas só engana quem não se informa minimamente dado o quão raso tais coisas são tratadas dentro do capítulo em questão.

A série tenta ser pragmática e realista e as vezes soa um pouco irreal, mas nada absurdo. Há inclusive demonstrações de pessoas que trabalham no sistema carcerário e se corrompem, dada a tentação que é ocorrida ali. Aos poucos, Adriano sobe de cargo e se torna uma das lideranças entre os trabalhadores, e tanto a atuação de Lombardi quanto os roteiros conseguem fluir bem e servem à trajetória do personagem. A série que seria feita para Domingos Montagner é muito bem conduzida pelo protagonista substituto, um personagem rico, com detalhes interessantes de sua intimidade e um final acachapante, repleto de reviravoltas, mostrando que Adriano não é um personagem perfeito, e sim falível, humano.

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Review | Assédio

22 de outubro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Adriana Esteves, Antonio Calloni, João Miguel, Paolla Oliveira, Paulo Miklos, Serie Nacional

De Maria Camargo, Assédio é uma minissérie, de dez episódios, baseada no livro A Clínica: A Farsa e os Crimes de Roger Abdelmassih, de Vicente Vilardaga. Embora seja dito que a adaptação é livre em relação ao fatos que ocorreram com Abdelmassih. Roger Sadala é um especialista em reprodução in vitro, conhecido como Doutor Vida e que ajudou muitas pessoas a engravidar. O médico, interpretado Antônio Calloni, era na verdade um abusador que se aproveitava das fragilidades de muitas mulheres para se envolver sexualmente com elas.

A abertura com tema natalino soa estranha, por remeter a uma música que trata de felicidade ao mesmo tempo em que a trama foca na desgraça de muitas mulheres e famílias. O primeiro caso é de 1994, com Stela (Adriana Esteves) que tem sua intimidade mostrada bem aos poucos, primeiro como uma mulher que quer engravidar e não consegue, e que depois deposita todas as suas esperanças no doutor Sadala. No primeiro episódio mostra o abuso sem focar no rosto da paciente, evitando qualquer risco de erotização da vítima. Esse cuidado que Camargo tem é muito valido e até necessário, pois independente da beleza ou não das atrizes, a última coisa que deveria acontecer é transformá-las em algo fetichista, seja pelas mulheres ou pelo ato sexual criminoso.

Já no segundo episódio se quebra qualquer trégua da trama com seu vilão. Roger lambe a vítima, de maneira animalesca – a ideia é mostra-lo como um ser sub humano, abaixo de qualquer atitude ética ou moral. Essa primeira mulher mostrada não estava totalmente desacordada, fato que a fez lembrar em detalhes do estupro que sofreu, e gradativamente, a falta de pudor de Roger vai sendo revelada. O médico se esconde atrás de uma aura de carinho e ternura, fingindo se importar com os outros, alegando que sua família é toda assim, de abraços e afagos e que por isso pode ser confundido com alguma aproximação pseudo-amorosa ou aproveitadora.

Há uma personagem sempre em suspeição, a jornalista Mira (Elisa Volpato) que no início é apenas uma estagiárias, mas já suspeita que a perfeição pintada em volta de Roger é estranha demais. Ela recebe ligações anônimas e passa a investigar mesmo que seu chefe a mande parar. Com o decorrer dos dez episódios, ela ganha autonomia, principalmente quando a redação é comandada por Suzana (Bete Coelho), que entende o drama que Mira conta por solidariedade feminina.

O roteiro mostra em tom de denúncia quantas vidas foram destruídas pelas atitudes de Roger. Casamentos desfeitos, condições psicológicas severas nas mulheres vilipendiadas, entre elas Eugenia (Paula Possani), aconselhada por advogados a deixar a história de lado, afinal era a palavra dela contra a dele, um homem famoso, respeitável e amigo de gente poderosa. A ideia de onipotência de Roger é muito bem pontuada pela postura de Calloni, que convence os espectadores que não viram seus crimes quanto a sua inocência. A construção do personagem beira a perfeição.

O seriado tem alguns núcleos diferenciados, como o da família Sadala, que vive junto a Roger e é toda bancada pelos seus milhões, entre filhos, netos, sua mãe e sua esposa, Gloria. Mariana Lima vive uma mulher obcecada, que se sente mal ao assistir a maioria das traições do marido e mergulha em um estado depressivo terrível, graças não só a infidelidade mas também ao câncer que contrai. Apesar do melodrama que a envolve, Lima consegue mostrar bem como uma pessoa que é exposta à convivência pode ser tão envenenada. Ela literalmente definha, sentimental e fisicamente.

Calloni fala diretamente com o espectador, com a cara mais lavada do mundo. Com o tempo se percebe que isso na verdade é um depoimento que ele deu ao advogado especialista vivido por Paulo Miklos. Os casos mostrados são diversos, de pessoas pobres, que viviam no Nordeste e que fizeram muitos sacrifícios para pagar o caro procedimento, e casos onde os estupros aconteciam sem qualquer medicamento.

Apesar de um elenco que conta com gente muito boa já citada – além de João Miguel, Paolla Oliveira, Herminia Guedes e outras participações menores – Assédio depende muito de Calloni – inspiradíssimo no papel, capaz de demonstrar muitas camadas humanas, sendo odiável, mentiroso e capaz de comover por seu carisma típico dos mitomaníacos. O fato dele ser descolado da realidade não justifica seus atos, mas faz entender os motivos que o fizeram cometer atos tão vis, ele já está alienado ao mundo tangível há muito, envolto em hipocrisia, crueldade e sangue frio para cometer atrocidades com qualquer mulher que ele meramente ache atraente. A naturalização do abuso frente à qualquer homem que aparece diante das câmeras que gravam esse drama faz justificar não só o debruçar na história de Roger Abdelmassih, como a denúncia em forma de programa televisivo de massa. Forte, atual e certeira em seus comentários.

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Review | Dragon Ball Z – A Saga Majin Boo

18 de outubro de 2018 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Akira Toriyama, Dragon Ball Z

A paz reina após sete anos passados da ameaça envolvendo o vilão Cell e do Torneio do Outro Mundo, a quarta saga grande de Dragon Ball Z começa na cidade de Satan City, em homenagem ao homem que – para todos os efeitos – matou Cell. Gohan corta o céu com a nuvem voadora de seu pai, provavelmente para não rastrearem seu ki nesses tempos de bonança, enquanto se dirige à escola secundária Estrela Laranja.

O primeiro capítulo do garoto na escola não é exatamente um filler, mas os eventos são tão banais que parecem ser apenas preenchimento de tempo e espaço. O rapaz impede um assalto, transformado em super sayajin, e logo percebe que precisa usar uma identidade secreta se quiser fazer isso de novo, uma vez que quase foi pego pela raivosa e bonita Videl, sua colega de sala e filha de Mr. Satan, o falso vencedor da batalha que salvou o mundo. É curioso notar que ele, o real sujeito que derrotou Cell teria com a filha do outro uma família estabelecida.

Gohan é ingênuo, não percebe como deve esconder algumas informações, como a distancia de sua casa para a cidade, que daria de carro umas cinco horas. Toda essa seqüência é divertida e completamente descompromissada, o único evento realmente comprometedor são as suspeitas de Videl sobre quem é Gohan. Para manter sua identidade secreta, Gohan pede para Bulma uma roupa especial, e passa então a usar a alcunha de Grande Saiyaman – Saiyaman é uma referencia clara a tokusatsus como Kamen Rider, Jaspion e Jiraya. Antes de receber o relógio que guarda as vestes (em uma referência clara ao herói velocista da DC), ele se encontra com Trunks, repetindo o dueto que teria no especial Guerreiros do Futuro, em que combateriam o pós-apocalipse provocado pelos androides. Na fazenda onde mora, é mostrado o irmão caçula de Gohan, uma cópia exata de Goku criança, Son Goten, ou seja, na batalha de Cell, Chichi já estava grávida. A dubladora dele era o mesmo de Gohan criança na dublagem brasileira, Fátima Nova.

Os fillers mostram Gohan vivendo entre encontros pré-romance com Videl e sua preocupação em não se revelar como homem poderoso exatamente para não alarmar as pessoas comuns. A abertura e boa parte dos números musicais muda, assim como boa parte das idéias primordiais de Dragon Ball. Gohan está se importando demais com sua identidade, tanto que cede a chantagem de Videl, para participar do Tenkaichi Budokai. Vegeta decide também ir ao torneio, e Goku, magicamente, decide se comunicar depois de tanto tempo, basicamente para lutar, não para ver seu filho primogênito Gohan, nem para ver seu caçula ainda não conhecido ou sua viúva, que aliás, mudou bastante de postura. Chichi se preocupa em parecer bonita para seu falecido esposo, ela deixou de ser tão severa com Gohan sobre os estudos, e fala para ele treinar a fim de conseguir o premio em dinheiro, que é alto, já que a família de Goku está quase sem dinheiro.

Enquanto se ocupa de falar com todos os personagens, Gohan passa pelo set do filme sobre o Grande Saiyaman, e até participa das gravações. Aqui quase nada acontece de relevante, exceto algumas semelhanças que o diretor de cinema tem com o comandante Red, da saga Red Ribbon. Logo, aparecem os outros personagens, Kuririn deixa seu cabelo crescer e treina com sua esposa 18; Piccolo está no lar de Kami-sama, ao lado de Popo e Dende.

Goten consegue facilmente se tornar um SSJ, e pelo visto já conseguia antes, e não faltam teorias para essa transformação ter ocorrido tão cedo, entre elas, a condição de Goku ter engravidado sua esposa quando já tinha um nível alto de poder. Trunks também se transforma, e Vegeta ao engravidar Bulma ainda não era um SSJ. Há um tempo demasiado dedicado a mostrar uma rivalidade entre Videl e Chichi, mostrando ambas como pessoas explosivas e muito parecidas, basicamente para mostrar que pai e filho tem gostos similares.

Antes do torneio, o narrador reconhece os guerreiros Z, e é um dos poucos que intuiu que não foi Satan que venceu Cell, alias o comentário a respeito da idolatria ao ícone muda com tempo, mostrando-se como crítica agora, mas admirável e útil quando no final se precisa de energia da genki-dama dos moradores da Terra. No torneio infantil, Trunks mostra uma certa presunção com seus adversários, apesar de obviamente ser bem mais forte que os meninos, e quando o filho de Vegeta vence o torneio e disputa com Satan o público acha mesmo que Satan perdeu de propósito.

No meio do torneio, apareceram quatro personagens misteriosos, Yun e Spopovitch, além de Kaioshin e Kibito, duas duplas muito diferentes, com objetivos completamente opostos. A partir daí se revela o real vilão da saga, que é o Mago Babidi, que busca tirar do casulo o demônio Majin Boo, junto ao rei das trevas Dabura. A partir daí começa uma série de lutas em uma nave. Aqui, a enrolação acontece por muitos episódios, e as lutas são enfadonhas, inclusive a que poderia ser acirrada, entre Dabura e Gohan. Tudo isso só serve para Vegeta ser enfeitiçado pelo mago.

Vegeta demonstra que não mudou, ou ao menos não mudou muito, visto que seu desejo por vencer seu rival é maior até que manter seu orgulho, já que só consegue ultrapassar os poderes de Goku com auxílio de terceiros, ao menos é o que pensa. Como foi na saga Cell, ele não calcula direito o perigo, e após alguns longos episódios, decide por tentar se redimir, assumindo que permitiu Babidi dominar sua mente para aumentar seu poder e tencionando também matar o Majin Boo recém desperto, mas ele não consegue se manter assim por muito tempo, e cede ao sacrifício, mesmo quando alertado por Piccolo de que se realmente morresse, dificilmente iria para o paraíso onde Goku estava, ou seja, não poderia dar vazão a sua revanche e provavelmente reencarnaria.

Muito se discute em torno da criação de Majin Boo, e materiais oficiais como as Daisenchus afirmam que o demônio não foi criado por Bibidi, e sim dominado por ele já que era um mago habilidoso e bem poderoso. Essa explicação faz mais sentido, uma vez que os magos, tanto pai quanto filho não são tão poderosos, e não conseguiriam trazer à vida uma criatura forte o bastante para se tornar um adversário tão poderoso.

Duas frentes de treinamento são estabelecidas, uma envolvendo Goten e Trunks que tem de aprender a fusão metamoru, e outra com Shin e Gohan. Enquanto isso, Goku vai distrair o vilão, mostrando seus poderes como super Saiyajin. Há momentos bizarros, como quando Majin Boo vira um vilão educativo, que mostra às crianças como escovar os dentes e usar o “troninho”. Esse é o mesmo que comete um genocídio. É nesse tempo que o Boo gordo se afeiçoa por Mister Satan e enfim o bufão ganha alguma importância de fato no anime. Nesse momento, ele se divide em dois e a parte má consome a outra, ocasionando uma transformação.

Há alguns destaques curiosos nessa parte, como o advento da Espada Z, que lembra a mesma que Trunks utiliza quando vem do futuro, mas que na verdade serve apenas de receptáculo para Dai Kaiohshin, um ser de quinze gerações atrás. Gohan tem seu último suspiro como protagonista da saga Dragon Ball em geral, quando termina seu treinamento com Dai Kaiohshin e atinge seu nível Místico, que é a manifestação de seu poder oculto. O filho mais velho de Goku desce à Terra e luta contra Boo, ao ponto de vence-lo facilmente, mas também caindo na tentativa dele de ludibria-lo. A absorção de Gotenks foi uma das manobras mais burras possíveis, uma vez que os meninos não precisavam se fundir de novo. Depois que Goku retorna a vida, há uma explicação sobre os brincos Potara, e o guerreiro também dá mole, assim que a fusão do Gotenks acaba, permitindo que Gohan Mistico seja absorvido, em mais um subestimar da inteligência do vilão.

Nesse ponto, são ditas as regras sobre a fusão Potara e isso seria revisto mais a frente, em Dragon Ball Super, a princípio pelo que se diz uma vez colocados os brincos não haveria como separar os fundidos, e Vegeta e Goku só se separaram por estarem no organismo de Boo, que poderia ser encarado como um anti Supremo Senhor Kaioh. A aparição de Tenshinhan, além de divertida, abriria possibilidade de fusão de Goku com ele, se não estivesse obviamente inconsciente, mas faz perguntar se Goku poderia se tornar um SSJ, e isso também é de certa forma respondido em Super.

Nesse ponto também há muita enrolação, e pior que a demora de Vegetto em finalizar Boo, é a busca de Dabura, Bulma, Chichi e Videl pelo paraíso atrás de Gohan, que está vivo. Vegetto entra no corpo de Boo, conseguindo libertar os amigos e até mesmo a versão bondosa do vilão. Depois de voltar a ser o Kid Boo, Kibitoshin (a fusão potara de Kaiohshin e Kibito) lembra de quando o demônio apareceu pela primeira vez, e absorveu dois supremos Kaiohs, o do norte, que era super forte, e o Sagrado, que era um homem gordo e bondoso. Após isso, Boo se tornou mais dócil e mais manipulável por Bibidi, o que ainda não explica o fato dele ter trancafiado a sua criatura no recipiente que seu filho tentou abrir no início desta saga.

Depois de muitas reviravoltas, e mudanças de cenário de luta, os terráqueos decidem usar as esferas para ressuscitar as pessoas boas mortas pelo demônio. Após a Terra ser destruída, os saiyajins atraem Boo para o planeta supremo, Goku assume que poderia ter matado o Boo gordo, mas queria que a Terra se protegesse sozinha. Isso é uma demonstração de egoísmo tremenda, pois ele encara como algo comum deixar a Terra em apuros só para provar seu ponto.

Vegeta tem um plano de criar uma grande Genki Dama para derrotar o vilão. Goku decide pedir auxílio, e muitos personagens das fases clássicas aparecem, como os índios Bora e Apu e seu pai, o androide número 8, e até Launch, que estava sumida há muito, desde que largou a casa do Kame para ir morar com Tenshinhan, que inclusive tem bastante aparições em DBZ, mas não com ela como par, o que é no mínimo estranho, ou a demonstração clara de que eles não estão mais juntos.

Nos últimos episódios pouca ação ocorre, o que se vê é a tentativa dos guerreiros em se readaptar a vida comum, e claro, seguir treinando. Há alguns fillers bastante chatos, envolvendo o demônio tentando conviver com a questão monetária evidente. Nesses momentos o grande Saiyaman ataca, agora em dupla, com Gohan e Videl. Depois dos insuportáveis fillers mostrando a rotina dos heróis, passam-se dez anos nos últimos três capítulos. Trunks, já adulto vai visitar Goten, e ao não acha-lo, procura Gohan, que já está casado com Videl, e tem uma filha pequena chamada Pan.

Além do torneio de artes marciais que apresenta o pequeno Oob, também se notam algumas coisas interessantes, como o envelhecimento da maioria dos humanos, e a mudança de cabelo de Goten, que mais velho se parece bem menos com seu pai do que quando era garoto. Isso provavelmente ocorreu por conta da reclamação dos fãs, de que os penteados eram parecidos demais, e também ocorreu para não haver confusão entre os personagens. Satan também está diferente, está calvo, e tem um acordo com Boo, para que ele ganhe de todos, e chegue a final entregando a luta para Satan.

O que se diz é que Goku e Bulma não se encontram há pelo menos 5 anos, ou seja, os amigos e rivais saiyajins Vegeta e Kakaroto não se enfrentam a um bom tempo, além disso, Pan possui 4 anos nesse momento, fato que faz contradizer alguns pontos em Dragon Ball Super. Independente dessa questão, é um absurdo Goku abandonar sua família e amigos para treinar com Oob. O final de DBZ pontua a obsessão de Goku/Kakaroto com lutas e com aumento dos seus níveis de poder, mostrando que os ciclos da vida do personagem giram em torno disso. Essa sem dúvida é a mais enfadonha e esticada das sagas originais e Toriyama parecia já estar cansado de escrever sobre Goku, mas ainda tinha alguns bons momentos, e por mais que tenha mais de noventa episódios é bem menos chato que Dragon Ball GT e seus filmes recentes.

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