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Ano passado fizemos nossa primeira lista coletiva de melhores filmes do ano, a partir da seleção pessoal de cada crítico do site. Uma lista que representava, mesmo que em um pequeno grupo, o melhor dos melhores. O sucesso nos fez repetir essa fórmula ainda que uma lista sempre tenha comentários a favor e contra.

Nada mais junto se considerarmos uma equipe heterogênica, formada por diferentes estilos de crítica, cada um com uma tendência cinematográfica diferente. O resultado sempre é positivo, ainda que alguns leitores se perguntem porque este ou aquele filme não está presente.

Em nossa lista dos melhor dos melhores, é perceptível que o grande filão atual de Hollywood, os filmes baseados em quadrinhos, vem sofrendo uma queda. Se as bilheterias ainda mantém uma fatia gorda do mercado, o mesmo não se pode dizer da qualidade, fator com que dividiu as produções de quadrinhos na lista dos piores e com apenas um representante na de melhores (particularmente, eu acrescentaria mais duas produções nessa lista, mas, apesar de estarem em minha lista pessoal, não foram bem pontuados na lista geral, desculpe Strange e Rogers). A lista talvez não seja surpreendente ressaltando alguma grande obra ignorada pela crítica em geral, mas demonstra o quanto é possível realizar um bom cinema tanto em facetas autorais como no mais básico – e bacana – cinema pipoca de explosões, sangue e, se possível, quartas paredes quebradas.

A lista, enfim.

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10. A Grande Aposta (Adam McKay, 2015) – Por Fábio Candioto

A Grande Aposta apareceu nos cinemas de 2016 quase como uma surpresa. Adam McKay, responsável pelo filme, era mais conhecido pelos filmes de Ron Burgundy, como O Âncora, mas nesta produção indicada ao Oscar de melhor filme do ano passado, o passo dado adiante é gigantesco, ao contar a história de como alguns economistas americanos conseguiram observar e prever a crise imobiliária e financeira de 2008. Contando com grande elenco e um tom misturando comédia e sarcasmo (devido ao nível do absurdo de como as operações financeiras eram realizadas), A Grande Aposta traz um excelente e didático filme, que consegue entreter com seus personagens, diálogos e principalmente uma narrativa que poderia ser embromada e confusa devido ao tema, mas flui naturalmente tanto para interessados quanto para leigos no tema.

9. Carol (Todd Haynes, 2015) – Por Filipe Pereira

Todd Haynes executa um filme sucinto e tocante, que menciona temas de ternura e amor através de manifestações puras. O drama de Carol carrega semelhanças com outra produção de sua filmografia, Longe do Paraíso, ainda que que sejam diferentes em destalhes cruciais. Além de conter uma fotografia que faz abrilhantar ainda mais o incisivo roteiro, o filme ainda conta com uma atuação inspirada de Cate Blanchett, que faz uma mulher forte e decidida, que não se dobra diante da vontade masculina e conservadora que predomina no restante da humanidade. Rooney Mara executa também um trabalho brilhante que dialoga com perfeição ao de Blanchett, mesmo que seu personagem seja completamente diferente de Carol. As trocas de olhares falam muito e tornam a interação entre o casal principal em algo profundo e sentimental, denunciando a inevitabilidade do destino de ambas, explicitando o quão profundo era o laço emocional que as unia.

8. Capitão Fantástico (Matt Ross, 2016) – Por Amilton Brandão

Não é por acaso que o novato diretor Matt Ross inicia seu filme com um ritual de iniciação primitivo. O ritual tem sua valia tanto para Bo (George Mckay), filho primogênito de Ben (Viggo Mortensen) quanto para o espectador. A crueza e intensidade da cena serve como preparação para o conjunto de valores e idéias que serão apresentados e discutidos ao longo do filme.

Ben vive com seus seis filhos em uma floresta reclusa, longe de praticamente todas influências da sociedade moderna como a conhecemos. Nesse pequeno refúgio eles cultivam uma vida de acordo com os valores da contracultura, onde discussões literárias ao redor da fogueira são casuais e incentivadas, assim como a música e artes em geral. Essa quebra do antiquíssimo modelo da família nuclear por si só traz uma reflexão necessária em tempos onde o moralismo e o conservadorismo ainda ameaçam qualquer vertente filosófica que desafie o status quo. Sempre entregando qualidade em sua atuação, Mortensen demonstra o quão difícil e conflituoso pode ser uma vida na qual um pai realmente têm que ouvir seus filhos argumentando e usando as ferramentas intelectuais que ele mesmo os ensinou para fazer valer suas próprias vontades.

O roteiro demonstra maturidade ao deixar claro as vantagens e as desvantagens desse estilo de vida. Os filhos de Ben são poliglotas, versados em literatura clássica e até física avançada. Seu pai é o próprio responsável por grande parte dessa educação e o mesmo estimula seus filhos a realmente pensar, analisar, refletir e argumentar suas idéias. Quando uma de suas filhas tenta usar a palavra “interessante” para descrever o livro que estava lendo no momento (Lolita), Ben replica dizendo que isso é uma “não-palavra”’ e pede que ela analise e discorra sobre sua visão da obra. Até os mais jovens, são capazes de um questionamentos sócio-político sagaz. O filme nos apresenta essas situações de maneira criativa e descontraída, casando com o tom do primeiro ato. Ao mesmo tempo deixando claro que a ausência da mãe começa a pesar cada vez mais sobre toda a família.

7. Os Oito Odiados (Quentin Tarantino, 2016) – Por Jackson Good

Certa vez definiram Quentin Tarantino como “o mais cool dos cineastas cult” – seja lá o que isso signifique exatamente. O fato é que diretor sempre transita entre as alas de quem curte analisar sub-textos e metalinguagens e daqueles interessados simplesmente numa diversão sanguinolenta. Ainda que sua imagem de ídolo “alternativão” construída pré-Kill Bill venha sendo contestada a cada novo filme lançado, é gratificante vê-lo solto e despreocupado, fazendo claramente o que quer no seu último longa, intitulado Os Oito Odiados.

Mais uma vez ambientando-se no Velho Oeste, assumidamente um dos seus gêneros preferidos, Tarantino naturalmente homenageia clássicos, começando pela trilha sonora do mito Enio Morricone. Há também espaço para auto-referências bastante claras, como uma releitura de Cães De Aluguel e o uso de seus atores-fetiche Kurt Russell, Tim Roth, Cristoph Waltz e Samuel L. Jackson (fantástico, aliás). Se você quiser dar pontos pela sátira/crítica à sociedade norte-americana e sua formação baseada em violência, misoginia, paranoia e imoralidades afins, tudo bem. Mas a impressão é de que o plot (diferentes personagens presos em uma estação de diligências durante uma nevasca, todos com segredos e interesses obscuros) é apenas uma desculpa para o velho Quentin se divertir com suas homenagens, cenas longas com diálogos expositivos onde os atores brilham, reviravoltas regadas a alguns litros de sangue, e outros de seus brinquedos habituais. E nem precisa de mais do que isso para ser um dos destaques do ano.

6. Deadpool (Tim Miller, 2016) – Por David Matheus

Se existe um exemplo de que a internet pode mover montanhas, esse exemplo é Deadpool. O filme solo do mercenário tagarela ficou anos no papel e só ganhou notoriedade graças à rede mundial de computadores. Há poucos anos, Hollywood tinha uma espécie de costume em que filmes para maiores de idade não faziam dinheiro algum, uma vez que se limitava a quantidade de público que iria ao cinema. Com isso, diversos personagens que mereciam ter suas histórias contadas de forma justa ganharam adaptações bizarras para as telonas para que todos as pessoas pudessem assistir. Wolverine é um caso recorrente e Deadpool, coitado, teve seu projeto enfiado debaixo dos tapetes após a bizarrice vista no filme solo do carcaju. Mas o astro Ryan Reynolds e o diretor Tim Miller seguiram em frente e gravaram apenas uma cena para convencer os executivos de que Deadpool merecia um filme à altura do personagem. “Não”, eles disseram. Então, porque não “vazar” a cena e ver o que o mundo acha? E o resultado foi estrondoso e a dupla Reynolds e Miller ganharam sinal verde para o que quisessem fazer, mas com um orçamento limitado. Deadpool não perdoa ninguém. Não perdoa o espectador, não perdoa o Lanterna Verde. Não perdoa a Marvel, não perdoa as celebridades e não perdoa nem a sua casa, a Fox, levando ao chão as super (e as vezes desastrosas) produções dos X-Men. O filme em si não é uma maravilha, mas está entre os melhores filmes do ano não por ser “violento e divertido” e trazer justiça para o personagem, mas sim por ser corajoso e por quebrar paradigmas e quartas paredes que foram levantadas ao longo dos anos em Hollywood.

5. Spotlight: Segredos Revelados (Tom McCarthy, 2015) – Por Bernardo Mazzei

Principal vencedor do Oscar do ano passado, Spotlight: Segredos Revelados poderia ter facilmente caído no melodrama barato ou no sensacionalismo, uma vez que lida com uma questão extremamente delicada. Entretanto, o diretor Tom McCarthy conduz o filme de forma segura e brilhante, conseguindo grandes atuações de todo o elenco, principalmente de Mark Ruffalo. Spotlight é um filme que se preocupa em contar bem uma história, mas é nas relações humanas em que se destaca. Todos os personagens tem nuances próprias e fogem dos arquétipos do gênero. Mais que isso, não há nenhuma forma de maniqueísmo. Executado de forma simples e direta, Spotlight é um excelente longa que fez por merecer a estatueta de melhor filme.

4. A Bruxa (Robert Eggers, 2015) – Por Flávio Vieira

O gênero de Terror parece ter se reinventado na última década, ainda que essa reinvenção seja questionável, já que a maioria dos bons filmes que têm saído nesses últimos anos ainda utilize seus principais nomes como referência, entre eles, William Friedkin, John Carpenter, Wes Craven, Tobe Hooper, entre outros. A Bruxa, de Robert Eggers, vai além do momento fértil que o cinema de terror vive e sabe como trabalhar suas influências e transmitir medo.

Na cena de abertura, acompanhamos o chefe de uma família sendo levado perante um conselho de seus concidadãos, sendo acusado e sentenciado ao banimento da colônia, tendo de sair com sua família e todas as suas posses para a floresta. Não sabemos qual o crime cometido, mas segundo o pai “ele apenas praticou o evangelho do Senhor”. O deserto e a escuridão os espera, como uma forma de provação, assim como Jesus foi provado. Os resultados não serão os mesmos, aqui remetem muito mais ao destino de Caim, após ser expulso do Éden. Um horror que não pode ser diminuído aguarda por cada membro da família, e esse horror, de maneira psicológica, é transmitido aos telespectadores.

A Bruxa relembra até mesmo os incrédulos que há momentos onde a racionalidade não tem lugar, neste momento não se pode varrer as cinzas ou apaziguar a maldade que existe dentro de cada um de nós.

3. Elle (Paul Verhoeven, 2015) – Por Rafael W. Oliveira

Se o cinema de Paul Verhoeven é marcado por subversões, satirizações, sensualidade desmedida e uma visão bastante ampla em suas particularidades sobre a análise de temas corriqueiros do cotidiano, Elle pode ser uma síntese tanto quanto foi Instinto Selvagem, RoboCop, Tropas Estelares ou Showgirls. E é nisso que olhamos para um destes filmes e dizemos: é puro Verhoeven. O “puro” define um cineasta cujo cinema sempre fora recebido com tamanho carinho pelo próprio, mesmo em seus projetos mais revistos por estúdios. Elle, lançado tanto tempo após o último longa de Verhoeven, é mais uma obra de sensibilidade singular sobre a banalidade das discussões em temas corriqueiros do cotidiano. E também sobre a força que o Cinema têm de nos fazer desafiar e reavaliar nossas próprias questões de moralidade.

Pois enquanto Elle faz uma sátira impiedosa sobre uma gama de tempos, em uma experiência extremamente prazerosa ao senti-los no decorrer da narrativa, Verhoeven também chega diante do caos do mundo e nos entrega um filme sobre o controle, podendo isso ser entendido como quisermos. E em uma Isabelle Huppert sólida, magnética e dona de uma presença de imposição assombrosa, o diretor encontra sua nova catarse sobre o cotidiano, o mundano, o banal, o sujo e o amoral. E levando-o a uma definição banal e ainda pouco representativa para tal, Elle é uma obra-prima.

2. Creed: Nascido Para Lutar (Ryan Coogler, 2015) – Por Rafael Moreira

Creed: Nascido Para Lutar é a retomada em grande estilo de uma das maiores mitologias do cinema. Continuando com Rocky passando o bastão de protagonista para o filho de seu grande amigo dos tempos áureos, Apolo Creed. Depois de uma boa retomada da franquia em Rocky Balboa que tirou o gosto amargo que o quinto filme tinha deixado com os fãs, Creed nos leva de volta a origem da série. Tanto em qualidade como nas próprias metáforas para a vida que o Sly sempre faz questão de colocar. Além disso, seja por mérito do diretor ou do próprio Stallone, essa é possivelmente sua melhor atuação.

Enfim, Creed é a história de uma vida. De um ator. De um lutador. Seja no ringue ou fora dele. Que luta tanto por si próprio quanto por quem está a sua volta. Podemos dizer que Creed é a materialização em forma de arte da melhor frase do cinema brucutu. “Não importa o quanto você bate. Mas sim o quanto aguenta apanhar e continuar. O quanto pode suportar e seguir em frente. É assim que se ganha”. Ah, Rocky. Que saudades que estávamos de você.

1. A Chegada (Denis Villeneuve, 2016) – Por Thiago Augusto Corrêa

Dennis Villeneuve se mantém como um dos diretores mais interessantes na ativa. Suas obras são capazes de integrar o roteiro e a imagem sem medo que a narrativa se torne parcialmente subjetiva. Baseado no conto de Ted Chiang, A Chegada mantém o estilo do diretor em uma potente história apoiada na tradição da ficção científica para destacar a falta de comunicação entre as comunidades. A transmissão da linguagem se transforma no conectivo de compreensão entre os povos, retomando simbolicamente o necessário uso da expressão e da palavra como transmissor de conhecimento.

A ficção científica na história marca o desconhecido, potencializa a mensagem principal da produção em um roteiro reflexivo que exige do público uma parcela de análise e comprensão, tanto em sua mensagem quanto no paradoxo exibido em cena. Enquanto outros diretores cedem ao caminho mais fácil, Villeneuve mantém a confiança no público para que seus filmes adquiram um significado completo.

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Confira também nossa lista dos Piores Filmes de 2016.

Participaram desta votação: Flávio Vieira, Rafael Moreira, Thiago Augusto Corrêa, Filipe Pereira, Amilton Brandão, Jackson Good, André Kirano, Pablo Grilo, Bernardo Mazzei, David Matheus, Douglas Olive, Marcos Paulo Oliveira, Fábio Candioto, Halan Everson, Dan Cruz, Leonardo Amaral, Cristine Tellier, Marlon Faria e Rafael W. Oliveira.

The OA | O Sonho impossível de Brit Marling

4 de fevereiro de 2017 by Vortex Cultural

Brit Marling, The OA

Durante um verão, quando Brit Marling era apenas uma criança em Winsconsin, ela contava histórias de fantasmas tarde da noite para as garotas no seu quarto. De inicio todo mundo amou, mas depois de algumas noites algo tinha mudado. “Eu acho que algo ficou sobrevoando a imaginação de todo mundo”, disse Marling. “Ligamos para os pais de cada uma que vieram pega-las. As histórias de fantasmas mexeram de verdade com todo mundo.”

Recentemente uma variação desse problema marcou a carreira de Marling. Como roteirista e atriz, ela criou pequenos porem muito bem recebidos filmes independentes. como o A Outra Terra, de 2011 e o Sistema de 2013. E de repente, quase que sem alarde nenhum e um pouco antes do natal, The OA, a série de oito partes estrelando Marling, que também co-roteirizou e dirigiu com o seu parceiro criativo Zal Batmanglij. A conturbada história da sobrevivente traumatizada de uma experiências de quase morte e uma misteriosa abdução rapidamente se tornaram o mistério mais comentado da internet. Marling compara a série á um livro, considerando uma nova forma de fazer TV. “The OA não teria existido três anos atrás”, diz a atriz.

Isso não é porque serviços de streaming como a Netflix ajudam criadores a se desvincilhar das limitações formais de TV e cinema. A atual audiência “madura” da TV, aquela que assiste Breaking Bad, Game of Thrones e Westworld está sedente por um material que não simplesmente rompa as barreiras mas que remodele elas. “Eu pensei The OA mas como algo fora da caixa. “Ficou um pouco afastado do que eu tinha imaginado”, disse Marling. “Mas parece que a audiência estava super pronta pro que veio. Eles querem ser surpreendidos, querem sentir novas emoções que eles não sabem o nome para etiqueta-las”.

Em The OA, um grupo de desajeitados se reúnem toda noite, incluindo o Bully e um garoto trans. Essa reunião é marcada pelo amor a Prairie, que é o condutor dessa ligação. Para criar um sentido em seus personagens adolescentes, Marling e Batmanglij passaram parte da produção da série em colégios do ensino médio do meio oeste, as vezes até se oferecendo em dar aulas de filmagem e fotografia em troca de entrevistas onde eles gravaram os gestos e maneirismos de cada um dos adolescentes para estudo de personagem. A geração dos Selfies estavam extremamente confortáveis de frente a uma câmera, mas também confessaram uma acerta alienação que Marling leu sobre o lado negro de uma vida saturada de tecnologia. “Como você aborda uma geração que tem acesso á um catalogo de pornografia ao acesso do seu dedo? Ou coisas que você não pode deixar de ter assistido!?. Eu senti que isso é um tipo de terreno arenoso, algo com raiva mas também cheio de inteligência e fome por algo a mais e imaginando onde eles podem conseguir”.

A empatia de Marling por adolescentes cresceu naturalmente. Ela cresceu em Chicago e Orlando e lembra de si própria como esquisita, baixinha e magrela. Sua mente era um moinho de ideias e energia que a mantinha sempre acordada. Mesmo assim, ela foi capaz de chamar as crianças da vizinhança para ensaiar as peças que ela escrevia, incluindo um mash up de Billie Jean e Sonhos de Uma Noite de Verão. Os pais pagariam qualquer coisa para ver suas crianças atuarem, então Marling cobrou 5 dólares de cada um e conseguiu uma boa quantidade de dinheiro.

Seus pais trabalhavam com construção, e Marling costumava brincar em casas não terminadas, não igual a casa em The OA, interpretando personagens e suas vidas. Nessa diferente vivência, as expectativas para os jovens eram muito mais limitadas do que a imaginação de Marling poderia conceber: advogados, médicos, banqueiros. Marling foi a Georgetown estudar economia e se apaixonou por matemática, ficando na biblioteca até as duas da manhã, com seus amigos nerds resolvendo cálculos.

Em e-mail Batmanglij (diretor de OA) relembra dela como uma jovem muito calma. “Me levou tempo pra perceber que Brit é o tipo de pessoas que ama aprender. O tempo, o trabalho e a paciência que levam para aprender algo não assustam ela”.

Em Georgetown, Marling cresceu desiludida com a forma como as aulas reforça o status-quo de visão do mundo. “Você aprende muito de educação num país que pode ser doutrinadora num sistema que já é falho e falha conosco”. Um interno da Goldman Sachs mostrou pra ela uma vida que ela não queria. “É como se você tirasse a venda do seu cavalo de corrida e ele de repente percebe que a corrida é dar volta em círculos. Você encara aquele aberto sem sentido e se pegunta, como eu vou sair daqui!?”.

Levou um tempo mas ela se mudou para L.A para atuar e encontrou ela novamente no mesmo problema; num quarto com mulheres que pareciam com ela encarando uma mesa com pessoas que iriam decidir seus futuros. Isso é o que atrizes jovens fazem, claro: atravessar um pântano de inciantes na esperança de que algo significativo surja da lama. Marling tinha o rosto pra interpretar a namorada do protagonista do filme de ação (e meio que ela interpretou no filme de Richard Gere, A Negociação) mas seus princípios não estavam ali pra isso. “Eu senti que nunca ia conseguir passar desse pântano, e se eu conseguisse, eu ia virar alguém que eu não sabia que eu era”.

Então para conseguir a carreira que ela queria, ela começou a escrever e viajar. ela e Batmanglij deixaram L.A literalmente viajando EUA com pessoas que aceitavam dar carona, caminhoneiros e pessoas que viviam a margem da sociedade. Essa experiência resultou no filme O Sistema, mas também mostrou a atriz qual seria seu modelo de arte. “Algo que eu realmente aprendi dessas pessoas que passam sua vida na estrada é que eles simplesmente fazem. Eles não esperam permissão. Tem um prédio abandonado pertinho de você, vai lá fazer um jardim no telhado. Se você começar a criar e continuar praticando, eventualmente você vai alcançar um lugar que você vai estar contando uma história que transcende a simples prática”.

The OA soa exatamente como essa sensação, de uma narrativa eventualmente com temas de liberdade passaram a espelhar a própria carreira de Marling. Ela é um novo tipo de autor nos moldes de Sarah Polley ou dos irmãos Duplass, aristas que não conseguiram seu espaço no mainstream e migraram daquilo pra construir seu próprio modelo. O surpreendente é que esse momento surge um novo tipo de TV, parece que o mainstream cresceu a ponto de encontrar com ela novamente, mesmo considerando que o que ela construiu é muito afastado do que o próprio é. Quando Prairie é abduzida, ela e seus amigos planejam escapar não esmagando suas jaulas de vidro mas transcendendo seus corpos através de cinco movimentos que podem curar os doentes e guia-los para outros planos de existência. Um estudioso não cientifico na internet parece que tinha identificado os movimentos pelo episódio 5. É o tipo de situação que o espectador fica tão ansioso para ver algo que nunca viu antes que passa a imaginar o que está por vir.

É claro, se trata apenas de uma experimentação com dança moderna. E Marling considera os movimentos desconfortáveis para o espectador “Nós odiamos o corpo nesse país. Sentimos vergonha de nossos corpos. E isso é estranho, Você está se movimentando, se expressando. Claro que nas primeiras vezes todo mundo riu. O riso vem de estar desconfortável, e o desconforto vem do medo, e o medo da vaidade. O momento que você começa a se mover, aquela vergonha realmente caí por terra. Isso acontece com todos nós. Quanto mais fazíamos os movimentos e os praticávamos, mais eles se tornavam outro tipo de linguagem”.

É difícil de imaginar The OA sendo produzida com pouca dinheiro, mas Marling e Batmanglij foram bem sucedidos em persuadir a produtora de Brad Pitt, a Plan B a bancar o projeto com antecedência, e logo depois indo atrás de uma emissora para comprar o primeiro episódio. Enquanto tentavam vende-lo eles ficavam em pé numa sala, atuando durante oito horas seguidas, mudando de locação e planejando as viradas de roteiro. “Eu acho que as pessoas sentem tipo: Eu não sei exatamente o que é, mas parece que eles levaram muito tempo nisso”, disse Marling rindo.

Houveram outras propostas, mas a Netflix foi a mais abrangente quanto as suas inovações. Marling disse que teve que maneirar na durações inconsistentes entre os episódios e não se zangar de ter que quebrar parte do seu roteiro por questão de regras e não passar quatro horas introduzindo um personagem novo.

Marling e Batmanglij já planejaram o que ocorrerá na segunda temporada , mas ainda não foi renovada oficialmente. Ou quem sabe já tinha sido renovada, toda a produção da primeira temporada foi mantida em segredo. Não houveram anúncios de quem havia sido contratado para o elenco, nem fotos de filmagem, tudo foi feito fora de Nova York e o roteiro era codificado em linguagem baseada no braile. Foi decisão da própria Netflix não divulgar noticia nenhuma sobre a série, simplesmente a jogando antes da temporada de natal sem publicidade nenhuma. Marling disse que estava ok com essa estratégia, que parece ter vingado.

Agora que essa estranha série habita nosso mundo, e a atriz está feliz com a exclusividade digital. The OA, dentro e fora das telas parece ter conectado as pessoas que era algo que Marling sempre desejou que seu trabalho fizesse. “Eu acho que o que você quer por pra fora seja o que for, você tem que estudar o que puder e depois desligar todas as luzes, e voltar pra caverna de onde você veio e tentar contar histórias de maneira cada vez melhor”.

– Esse artigo está presente na edição de 23 de janeiro de 2017 da New York Magazine.

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Texto de autoria de Halan Everson.

Piores Filmes de 2016

1 de fevereiro de 2017 by Flávio Vieira

Deuses do Egito, esquadrão suicida, porta dos fundos, Tirando o Atraso, Warcraft, X-Men: Apocalipse

2016 foi um bom ano para os amantes de Cinema, ainda assim isso não impediu de nos depararmos com toda a sorte de sacrilégios nas telonas, desde filmes bíblicos a action movies, “artísticos” a adaptações de games, ninguém se viu livrou de assistir algumas das principais bombas do ano que se encerrou.

Como de costume, nossa lista é focada apenas no que foi lançado em 2016 e sua composição se dá de forma coletiva pela equipe do Vortex Cultural, que a partir das escolhas individuais de cada redator é realizada uma lista popular que reflete a opinião de todo o site no que diz respeito aos Piores Filmes de 2016. Vamos à lista!

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10. Assassino a Preço Fixo 2: A Ressurreição (Dennis Gansel, 2016) – Por Flávio Vieira

De um início bastante promissor com Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes e Snatch: Porcos e Diamantes, alçado a astro de ação que substituiria Arnold Schwarznegger, Sylvester Stallone e outros, e atualmente, dono de um carreira questionável dentro do gênero, Jason Statham segue em frente escolhendo uma série de trabalhos de qualidade duvidosa e roteiros medíocres, mas este é sem dúvida um dos seus pontos mais baixos.

Assassino a Preço Fixo 2: A Ressureição segue a fórmula de tantos outros filmes de ação genérico, conseguindo nem mesmo soar como uma boa diversão, diferente de seu antecessor – remake do filme com Charles Bronson nos anos 1970. A trama sem cabimento, as tentativas rasteiras e infantis de humanização de personagens, CGI malfeitos e utilizados sem moderação, inexpressividade dos atores e o péssimo trabalho de direção ao sequer criar um clímax ou mesmo gerar boas cenas de pancadaria tornam o longa metragem de Dennis Gansel um dos piores exemplares de 2016. Está na hora de trocar de agente, Statham.

9. Tirando o Atraso (Dan Mazer, 2016) – Por Dan Cruz

Vencedor de dois Oscars e renomado ator, já faz algum tempo que Robert De Niro parece se esforçar pra acabar com sua carreira. Mas Tirando o Atraso parece ir além de ser apenas um filme ruim. É um filme péssimo que se orgulha disso, foi feito pra ser assim! Zac Efron faz o papel do jovem advogado que precisa escoltar seu recém-viúvo avô em uma viagem na qual ele descobre logo de início que o velhinho despirocou de vez e agora só pensa em depravações. Só que nunca o vimos antes como um bom velhinho, com exceção da rápida tomada no funeral! Não existe uma desconstrução da figura do avô, apenas um velho racista, machista e homofóbico soltando impropérios durante o filme inteiro. A primeira vez em que De Niro realmente aparece o vemos constrangedoramente se masturbando. E daí pra frente, só piora. Aparentemente, o veterano ator descobriu uma maneira fácil de ganhar dinheiro com filmes medíocres e pseudo-atuações já faz algum tempo. Tirando o Atraso chega a ser mais constrangedor que sua atuação em As Aventuras de Alceu e Dentinho!

8. Warcraft: O Primeiro Encontro de Dois Mundos (Duncan Jones, 2016) – Por Marcos Paulo Oliveira

O ano de 2016 começou com uma triste notícia, do falecimento de David Bowie, nas vésperas do lançamento de seu último disco, Black Star. O pai de Duncan Jones, teria visto um corte inicial do filme que conta a história do qual Jones é fã, apaixonado, admirador, inveterado: O encontro de dois mundos, dos Orcs e dos Humanos, em uma batalha pela vida, princípios e pelo futuro.

Neste contexto tão emocional, torna-se uma missão complicada não gostar de Warcraft: O Encontro de Dois Mundos, mas nem crítica e nem público abraçou aquilo que é visto em tela, gerando um pequeno fracasso e a primeira marca na carreira de Duncan Jones. Com grande sucesso na China, hoje pra alguns filmes um mercado quase tão grande quanto o americano, é viva a possibilidade de uma sequência, mais lúcida e interessante do que este filme, que só causou mesmo é sono e tristeza pelo que poderia ser.

É triste, pois vê-se lá a admiração que a equipe nutri pelo material. Vê-se, desde trabalhos anteriores, a seriedade com que Jones trabalha suas histórias. Mas temos aqui um caso clássico de quando a paixão ultrapassa nossas ações, e faz notas mirradas e dissonantes soarem como trombetas distorcidas e cintilantes, mesmo sem a mínima pressão sonora. O som está nos ouvidos do apaixonado, e as vezes só ele é capaz de ouvir.

7. A Garota Dinamarquesa (Tom Hooper, 2015) – Por Leonardo Amaral

A Garota Dinamarquesa está entre piores do ano não só pelo desserviço que faz dentro da temática LGBT, mas por ser, acima de tudo, um filme ruim. Eddie Redmayne entrega uma performance caricata de Lily, enquanto o elenco de apoio não tem material o suficiente para trabalhar algo mais aprofundado. A única que se salva é Alicia Vikander, o que demonstra sua capacidade como atriz, mesmo com um roteiro como esse. Graças ao desenvolvimento narrativo precário, piorado por uma condução brega e sem personalidade, Tom Hooper ingressa a lista com uma história que merecia um diretor melhor.

6. Porta dos Fundos: Contrato Vitalício (Ian SBF, 2016) – Por Rafael Moreira

Contrato Vitalício, é como o filme do terremoto. Acontece algumas coisas interessantes, você até quer dar uma chance ao filme e tudo mais, mas no fundo você preferia ter ido ver o filme do Pelé. E aparentemente o Fábio Porchat também tava mais interessado em interpretar o Pelé, e o Gregório Duvivier, talvez uma versão em que o Pelé abraça árvore e não fala merda, e convenhamos, nenhuma merda que o Pelé falou até hoje, chega aos pés da cagada que é esse filme.

5. Os Dez Mandamentos – O Filme (Alexandre Avancini, 2016) – Por Filipe Pereira

Desde que a emissora Record foi comprada por um conglomerado religioso, suas pretensões mudaram, a tentativa do canal é desbancar a liderança que a Globo tem no monopólio das comunicações e para isso se investiu não só em jornalismo como teledramaturgia. Entre os eventos recentes dos mandatários há o ingresso na política e também a veiculação de novelas, séries de temática bíblica, sendo Dez Mandamentos a primeira em formato de telenovela, terminada com duas temporadas. Quando a notícia de que o folhetim se tornaria filme foi confirmada, surgiu o receio de que o longa tivesse problemas de ritmo e ele de fato o tem, já que o filme dirigido por Alexandre Avancini tem um roteiro confuso, cujas relações não fazem sentido exatamente por ser este um resumo das centenas de capítulos exibidos durante as noites de meses inteiros. É inegável o sucesso de público do programa televisivo, visto que em muitas vezes ele desbancou a novela global da liderança, no entanto, analisar o fenômeno de bilheteria do filme não é assim tão simples, uma vez que grande parte dos ingressos foi vendido enquanto as mesmas salas não necessariamente estavam ocupadas. Como filme Dez Mandamentos falha tanto que é mais fácil e cômodo falar sobre tudo, menos sobre suas qualidade cinematográficas. Fotografia, edição, montagem, trilha e roteiro não foram feitos para o formato da tela grande, fatores que fazem tudo nele soar extremamente patético e desimportante, além de ser moroso, chato e muito aquém de tantos outros clássicos de temática cristã.

4. Deuses do Egito (Alex Proyas, 2015) – Por Douglas Olive

É notório, feito doença crônica e incurável, a forma catastrófica e bandida que o cinema dos EUA vem catalogando e regurgitando, no pior sentido do termo, releituras de histórias que pertencem ao imaginário do mundo desde muito antes da possibilidade do Cinema existir sem manifestada pela aurora das novas mentes tecnologias do século XIX e XX. A bravura dos 300 de Esparta. O Mistério sobre a construção da Muralha da China, a glória e queda de Cleópatra, e muitos outros mitos ocidentais e orientais, como se esses eventos reencarnados e miseravelmente revitalizados pelo cinemão blockbuster (não em alma, mas em forma), por não terem direitos autorais, estivessem a disposição de qualquer visão (ou falta de) para revirar e abusar de seus fatores lendários e fabulosos como a magia do CGI bem entender, sem nenhuma responsabilidade decente com o prestígio de uma ideia, com a sanidade do público que por X motivo se submete a essas incógnitas que a pobremente rica cultura pop produz, ou à essência da própria arte cujo potencial tanto machuca, humilha e vulgariza ao investir em monstruosidades cancerígenas como Deuses do Egito; um desses tristes e caros (à arte e à produção) tumores anuais que, por pior que o romântico e tolo Ed Wood fosse (e foi), com seus cenários de isopor, sua paixão pelo filmar e sua ficção tão pecadora, quanto inocente, jamais iria ousar pôr em prática.

3. Batman vs Superman: A Origem da Justiça (Zack Snyder, 2016) – Por Fábio Candioto

Grande sensação “nerd” do ano, Batman vs Superman: A Origem da Justiça foi o filme mais odiado que arrecadou mais dinheiro. Enquanto seus críticos apontavam os inúmeros buracos de roteiro, trama desconexa e personagens insossos, seus defensores mostravam um filme que arrecadou quase 1 bilhão de dólares pelo mundo e dominou o debate por alguns meses. O fato é que Zack Snyder, desde seu Homem de Aço de 2013, mostra dificuldades em contar uma história simples quando não tem um material fonte específico para copiar. Apesar da fortuna arrecadada, o filme foi considerado um fracasso pois tinha os dois maiores heróis da cultura pop e arrecadou quase o mesmo que Deadpool, um ilustre desconhecido com orçamento de filme B. Nem mesmo uma atuação interessante de Ben Affleck como Batman em suas cenas de ação conseguem salvar o marasmo total de um Superman depressivo, um Lex Luthor “on cocaine”, uma Mulher Maravilha enfiada no filme apenas para promover o vindouro filme da Liga da Justiça e uma história completamente confusa do “Save Martha”, que virou piada nas redes sociais graças a solução preguiçosa do roteiro para transformar Batman e Superman em amigos. Agora nos resta esperar os próximos filmes, e torcer para que não precisemos ver Thomas e Martha Wayne sendo mortos novamente.

2. X-Men: Apocalipse (Bryan Singer, 2016) – Por Bernardo Mazzei

Em um determinado ponto de X-Men: Apocalipse, Jean Grey e seus amigos saem de uma sessão de O Retorno de Jedi e dizem que a terceira parte é sempre a pior. O terceiro filme da segunda trilogia não foge à regra: Apocalipse é o pior deles. Me atrevo a dizer que é o pior de todos das duas trincas de filmes com os heróis mutantes. Bryan Singer erra a mão em praticamente tudo. A direção é frouxa, o filme é enorme em escala e minúsculo em conteúdo, a cena de ação protagonizada por Mercúrio é a única que presta, ainda que seja uma reedição em maior escala de uma sequência de Dias de Um Futuro Esquecido, personagens excelentes dos quadrinhos não são desenvolvidos e um bom vilão é desperdiçado. Sem contar a judiação que é feita com Magneto, Xavier e Mística. Singer devia largar o osso da franquia mutante e passar pra mãos menos megalomaníacas.

1. Esquadrão Suicida (David Ayer, 2016) – Por David Matheus

Depois do inesperado e estrondoso sucesso de Guardiões da Galáxia, o ótimo e divertido filme produzido pela Marvel, a DC/Warner viu potencial nos seus personagens “expendables” e trouxe o Esquadrão Suicida dos quadrinhos à vida no cinema. O projeto foi tratado como ambicioso e trouxe nomes de peso como Viola Davis, Will Smith e outros bons atores como Margot Robbie, Jay Courtney e Joel Kinamman. Foi criado um buzz absurdo em torno do Coringa, de Jared Leto e da maneira quase doentia e ameaçadora que o ator, adepto do método, agia no set de filmagens. A expectativa só aumentava por causa dos dois ótimos trailers que traziam uma versão obscura de I Starded a Joke, do Bee Gees, além de Bohemian Rhapsody, do Queen, deixando quase como certo que o filme seria um sucesso, fazendo as pessoas esquecerem do controverso Batman Vs Superman: A Origem da Justiça. Infelizmente, o que se viu foi um desastre completo. Esquadrão Suicida tem problemas sérios de ritmo, com roteiro ruim, sobre um vilão com potencial, mas com uma resolução péssima e que apresenta personagens fracos e mal desenvolvidos. A performance criticada de Leto, por sorte, não tem espaço de tela o suficiente para mais reclamações, deixando somente como ponto positivo Viola Davis, como Amanda Waller, e Margot Robbie, como Harlequina (que vai liderar um filme solo de uma equipe de vilãs, ou seja, outra bomba anunciada). De qualquer forma, o demérito do diretor David Ayer, junto de toda a equipe por trás da produção, foi tentar copiar sem escrúpulos Guardiões da Galáxia, o que deixa o filme forçado, com uma trilha sonora descabida e desencaixada, que parece ter sido colocada de última hora. Uma pena.

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Confira também nossa lista dos Melhores Filmes de 2016.

Participaram desta votação: Flávio Vieira, David Matheus Nunes, Halan Everson, Fábio Candioto, Leonardo Amaral, Douglas Olive, Bernardo Mazzei, Filipe Pereira, Marlon Faria e Marcos Paulo Oliveira.

Sobre o Cinema | O Cinema de ação

30 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

cinema de ação

Palco, luz e ação. O cinema de ação é um gênero brilhante, manipulador do tempo e do espaço em prol da apoteose do ser

Talvez não seja tão difícil definir um filme como sendo daquele ou este gênero prioritariamente, embora possamos definir 2 grandes gêneros: Drama, e Comédia. Os demais hibridizam estes. O drama tem sua narrativa se move à partir da trama e diálogos. Comparativamente, o filme de ação, é um drama onde substitui-se os diálogos pelos atos e feitos do protagonista (Herói).

Assista à cena do filme Matrix Revolution:

E responda rápido: O que os personagens buscam?

Tanto nesta cena acima, como na que ilustra este artigo, ambas da trilogia Matrix, os personagens estão obviamente disputando espaço. Eles se posicionam numa cena típica de duelo, e a câmera os flagra simetricamente. Desta cena em diante, os personagens, Agente Smith (Hugo Weaving) e Neo (Keanu Reeves) dialogam, e neste diálogo Smith se mostra superior. Se assistir à cena sem áudio verá quê o que mostra isso, é o fato de Smith se aproximar de Neo, e este, recuar uns instantes até perceber que não deve demonstrar receio e se firmar no local. Ao fazer isso, Smith para de avançar, e a câmera mostra novamente ambos na mesma posição simétrica, porém, mais próximos. Smith está ganhando o embate, e isso é claro ao vermos que ele ganha o espaço disputado. Em seguida, Neo é cercado pelos agentes Smith, perdendo todo seu espaço para o vilão. Esta é então, uma cena de ação. A ação é independente do dinamismo, o que conta é a disputa pelos espaços.

Na ação, o ponto central não é o objetivo, mas sim a estética de como se alcança o objetivo. Você tem trechos de narrativa e diálogos, entrecortados por opções estéticas que devem representar essa dificuldade de se chegar ao objetivo. Reparem como em diversas vezes, aparecem obstáculos seguidos, onde o herói deve: Se equilibrar, passar por trechos estreitos, escalar uma parede, vencer uma curva com o carro, passar com a nave/avião por um espaço mínimo, acertar a mosca, acertar o soco na hora certa… E geralmente, conseguir esse espaço, é a única chance do herói se manter em ação, ele tem de ser preciso e sempre parecer que sabe o que está fazendo e o quê acontecerá a seguir, ele precisa ser aquele que tem total domínio do espaço.

É preciso um palco, uma plateia, luz, câmera e ação

Vejam que a cena que ilustrou a primeira parte desta matéria acontece em uma praça, rodeada de prédios repletos de janelas. Apesar da sensação de que o local é deserto, todas aquelas janelas são os “olhos da ação”. Reparem como é muito comum a principal cena de um filme de ação ter uma construção como cenário. Em geral, ela justifica os holofotes, pontos instáveis para se pisar, e etc; e fazem daquele ambiente algo muito parecido com o palco de um teatro gigantesco. Tudo isso parte dum grupo básico de clichês que nos fazem perceber o gênero. Operários, holofotes, helicópteros de TV, personagens se confrontando no metrô… E por quê isso? É a consciência dum olhar externo, é quase uma quebra de quarta parede, já que o filme de ação, em geral vem carregado de um certo hedonismo, onde o espetáculo conta e esse olhar externo auxilia na suspensão de descrença, além do quê, é preciso ter um palco para delimitarmos espaços. É por isso que temos nos “westerns”, duelos na “Av Principal” da cidade, vilões chamando seus oponentes pra briga através da TV. Nada é discreto em um filme de ação, e mesmo nos mais discretos como por exemplo, “O bom, o Mau e o Feio”, deve existir ao menos um corvo, ou um túmulo para filmar a ação e manter esse olhar externo. Dentro disso, todo um cuidado com a estética é necessário, pois ela faz parte do “diálogo” seja com um estilo mais poético, como em O Tigre e o Dragão (Ang Lee), ou mais crua como na Trilogia Bourne (Paul Greeengrass).

Segundo Aristóteles…

Segundo Aristóteles, “A ação é o principio vital, a alma mesma do drama. Uma imitação não de pessoas, mas de ações” , e segundo ele, a ação é mais eficiente quando estabelece:

Uma única unidade de tempo- Quanto mais contido e claro o período de tempo em que se passa, mais eficiente é o drama de ação.

Única unidade de lugar/geográfica– De preferência, deve-se passar em uma única unidade geográfica, onde se dá sua o obstáculo e sua resolução

Unidade de ação- É mais eficiente restringir a trama à uma única cadeia de eventos relacionados por causa e efeito.

Duro de Matar, e sua continuação, Duro de Matar 2, ocorrem ambos numa unidade geográfica muito específica, um no aeroporto e outro em um prédio. E ambos, ocorrem ao longo de um dia. Por isso é comum recursos como desfechos ao pôr do Sol, timers de bombas relógios, indicações para que o heróis esteja em tal lugar, a tal hora ou tudo explode.

Os obstáculos, preferencialmente devem estar ligados ao herói de alguma forma, e quanto mais desafiadores os obstáculos, mais o herói responde a altura. Devem representar um impasse em seu modo de agir e pensar, e redimi-lo de suas condutas e falhas. É comum vermos o herói sendo obrigado a corrigir um erro do passado em sua jornada, ou ver seu erro (Que Aristóteles chama de Hermatia, errar o alvo) se voltando contra ele.

Os elementos-chave…Perseguição e Confronto

Como em todo gênero à exceção da comédia, o objetivo é que nosso herói é terminar sua jornada o mais distante possível de como começou ela. Se era imaturo, se tornará maduro, se só seguia regras, aprenderá a fazer concessões…

Sendo isso, esses dois elementos protagonistas dos filmes de ação precisam agir em conjunto para levar a trama e o herói à algum lugar e fazer evoluir a narrativa. A perseguição e o confronto devem eventualmente fechar problemas iniciados no começo da trama, e de preferência, criar novos desafios, numa cadeia de eventos que venham como avalanche até alcançar o clímax da trama.

Confronto e perseguição devem demonstrar algo sobre a natureza de nosso herói e seu oponente. As situações importas devem mostrar as diferenças de caráter, habilidade, modo de agir de um para o outro. É o herói que irá jogar sua arma fora no confronto pois o vilão ameaça a vida de outra pessoa. Enquanto para um a vida do outro não importa, para o outro, vale mais do que a sua. O diálogo do herói e vilão, são suas atitudes.

É preciso representar perigo, tanto as ações do vilão quanto do herói. O herói deve entender que sua vida pode se perder a qualquer momento, apesar de sua habilidade, e o vilão deve oferecer situações onde o herói possa sair perdendo, e até se sacrificando pelo bem. Se não há gravidade, e consequências nas ações extraordinárias que acontecem na tela, tudo aquilo não passa de um exercício de futilidade. Um herói que não sangra e não sofre, não é um herói.

Tudo isso levando à catarse, o clímax do filme que é capaz de nos fazer despertar o herói que poderíamos ser, e nos identificarmos com ele através de suas ações e sofrimento. O bom herói se sacrifica, e nos desperta os sentimentos mais básicos. Todos querem ser heróis, e se um filme for capaz de lhe fazer querer ser aquele herói, ele atingiu seu objetivo.

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Texto de autoria de Marcos Paulo Oliveira.

Friamente Calculado | Guerreiro do Blockbuster – Parte 2/5

25 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

blockbuster, friamente calculado, Narrativa

(Leia a Parte 1/5).

O Sol quente iluminava as florestas úmidas do litoral colombiano. As águas calmas do oceano pacífico foram subitamente perturbadas pela emersão de um corpo atlético e másculo, como um tritão viciado em anabolizantes e fitas VHS de aeróbica. Essa criatura era Jackson Good, o Guerreiro do Blockbuster!

Chegou nadando vigorosamente até a praia, cuspiu um bocado de água e ajeitou seus óculos negros, olhando para o horizonte de uma maneira épica. Logo depois nosso bravo soldado do cinema de ação foi surpreendido por barulhos de tiro, porrada e bomba. Imediatamente se embrenhou na mata repleta de perigos empunhando seu Magnum 44 com confiança.

Seguindo o odor familiar de plantas da família Erythroxylaceae, ele logo encontrou um acampamento de guerrilheiros das Forças Revolucionárias. Jackson percebeu que o acampamento estava sendo invadido por um grupo paramilitar estranho, com as iniciais CN no uniforme preto como a noite. As pacíficas forças das FARC não tinham chance contra a selvageria desse grupo desconhecido. Eles não poupavam ninguém em seu caminho: matavam mulheres, chutavam crianças e queimavam as inocentes plantações de coca.

– Puta merda! – gritou Jackson, indo em direção à ação.

O defensor do cinema de ação entrou na batalha sem temor contra o violento exército escuro, alternando golpes mortais de Karatê com disparos precisos (e infinitos) de sua pistola. O combate foi brutal. Logo centenas de corpos rodeavam a figura imponente de Jackson que continuava a golpear implacavelmente seus inimigos. Era como assistir a um tigre destroçando ratos.

– Parado aí, filho da puta! – exclamou uma voz escrachada.

Jackson se virou e percebeu que um dos poucos sobreviventes das forças CN estava segurando uma mulher refém, com uma pistola apontada para a cabeça dela.

– Larga a arma, babaca! Ou a belezinha aqui uma vai ganhar uma cranioplastia instantânea! – disse o fanático da CN, com olhos vidrados e péssima higiene pessoal.

Jackson largou a arma no chão, lentamente.

– Tá bom amigão – disse o guerreiro – Você quer conversar? Vamos conversar.

– Eu quero sair daqui! Quero um iate e… E uma real doll! Daquelas bem caras!

– Não posso fazer isso – respondeu Jackson, olhando nos olhos do fanático.

– Por que não?

– Porque malandro é malandro e mané é mané – disse Jackson.

– Eu sou um caçador! Um herói do Cinema Novo! – gritou o fanático.

– Não… Você é só um hipster de merda que acha que manja de cinema. E eu sou o maior fã do Michael Bay.

– Morra! – disse o soldado, apontando a arma para Jackson.

Naquela fração de segundo Jackson jogou seu canivete, que ele havia escondido anteriormente em sua mão, no olho direito do pretenso sequestrador, matando-o imediatamente. Ele caiu no chão, sem nem sequer ter tempo de disparar um último tiro dramático. A mulher se desvencilhou de seu sequestrador e Jackson se aproximou dela.

– Qual é seu nome, benzinho? – ele perguntou, em português.

– Meu nome é Conchita Alonso Gonzalez – ela respondeu, em um inglês perfeito.

Jackson a olhou de cima para baixo. Ela era uma mulher belíssima. Pele morena, alta, atlética, de cabelos negros esvoaçantes. Jackson flexionou seu bíceps direito com toda sua força na frente dela. Conchita ficou molhada e se apaixonou por ele no mesmo momento. Jackson colocou seu braço ao redor dos ombros dela e comtemplou o horizonte cheio de fumaça de explosões com um olhar perdido.

– Ele disse Cinema Novo… Agora tudo faz sentido!

– O que faz sentido? – indagou Conchita.

– As Forças Fundamentais do Cinema de Ação me enviaram aqui para impedir que esse grupo destrua os campos de coca.

– Mas porque eles fariam isso?

– Você não percebe, coração? O cinema de ação é movido a cocaína! Quem quer que seja que esteja comandando o grupo CN quer destruir os blockbusters! – declarou Jackson, acompanhado por uma trilha sonora de suspense.

CONTINUA…

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Texto de autoria de “The Nindja”.

Melhores Animes de 2016

23 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

Animes, JoJo's Bizarre Adventure, Mob Psycho 100

Que 2016 foi um ano desgraçado, em diferentes níveis, estamos todos cansados de saber. Mas, por incrível que pareça, o mundo dos animes parece ter sido poupado, ao menos parcialmente, desse caos todo. Nos cinemas, foi o ano em que Makoto Shinkai se firmou definitivamente como uma das mais importantes figuras do meio, quebrando com seu Kimi no na wa todos os recordes de público previamente estabelecidos pelo estúdio Ghibli, o que lhe concedeu o título de animação de maior bilheteria da história do arquipélago. Foi também o ano de sanar expectativas de longa data, com as há muito aguardadas estreias de Kizumonogatari e Koe no Katachi. Já na televisão, foram quatro temporadas de estreias diversas, algumas decepcionantes, outras bastante boas – e é dessas últimas, ou, mais precisamente, das que considero as dez (na verdade onze) melhores entre elas que eu gostaria de falar a seguir.

10. Boku dake ga Inai Machi

Histórias de viagem no tempo são fáceis de gostar. Porém, tão simples quanto embarcar numa jornada dessas, é perceber as falhas e deslizes cometidos ao longo do trajeto – deslizes esses dos quais poucas tramas desse tipo conseguem escapar. Boku dake ga Inai Machi, adaptação de um mangá homônimo (encerrado quase simultaneamente a animação), é exemplo recente desse dilema: a empreitada de um homem de 29 anos que, tendo a habilidade de voltar no tempo em certas ocasiões (habilidade que nunca é explicada, diga-se de passagem), precisa regressar a sua infância para impedir um serial killer, começa muitíssimo bem, mas se perde aos poucos ao longo de seus 12 episódios.

Contudo, as indisfarçáveis falhas do anime, como o fato da identidade do assassino se tornar bastante obvia antes do que deveria ou sua conclusão no mínimo piegas, não bastam para eclipsar suas também inegáveis qualidades: um cast forte e carismático de personagens, boas reviravoltas e decisões estilísticas inteligentes tomadas pelo diretor Tomohiko Itou (como a mudança de proporção de tela que serve para distinguir as cenas que se passam no presente das ambientadas no passado) são o suficiente para garantir seu lugar entre os títulos que marcaram o ano.

9. Uchuu Patrol Luluco

Se há um lugar em que as mais inventivas mentes da indústria da animação japonesa estejam hoje reunidas, esse é sem dúvida o estúdio Trigger, e Uchuu Patrol Luluco é um microcosmo que, partilhado em 13 episódios de apenas 7 minutos cada, reflete com exatidão a dimensão do potencial criativo dos talentos que ali se encontram. Co-dirigido por Akira Amemiya, responsável por Inferno Cop e Ninja Slayer, duas divertidíssimas animações de curta duração, e sob a coordenação geral de Hiroyuki Imaishi, que já nos trouxe Tengen Toppa Gurren Lagann e Kill la Kill, essa pequena série, que transita entre o humor nonsense e o romance adolescente, é um passeio pelo pequeno, porém imponente catálogo de títulos do estúdio, não apenas por contar com a participação especial de personagens de outros shows por ele produzidos, mas também, e principalmente, por tudo o que pode oferecer em termos de animação e ideias visuais. Talvez por isso mesmo seja um anime sobre o qual é tão difícil falar: é algo que precisa ser visto.

8. Hibike! Euphonium 2

Poucas sequências são tão eficazes quanto a de Hibike! Euphonium: ela parte exatamente de ontem a história foi deixada e faz com ela exatamente o que deveria ser feito. Mas, se a manutenção da qualidade (sobretudo técnica, uma vez que falamos de uma produção do Kyoto Animation) já era algo esperado, os rumos tomados na parte temática foram positivamente surpreendentes. Continuamos a acompanhar a trajetória de uma banda escolar desacreditada rumo à competição nacional, mas, nessa nova fase, os dilemas enfrentados pelas integrantes do grupo se afastam um pouco do rotineiramente visto em um slice of life escolar – fato que pode ter decepcionado os que esperavam por algum desenvolvimento amoroso padrão, mas que certamente deixou contente quem ansiava por qualquer coisa que fosse para além disso.

Com um final agridoce, que coroa uma experiência permeada pela melancolia, apesar de alguns momentos de humor e das sempre impressionantes sequências musicais, essa segunda temporada consegue ainda o feito de ser conclusiva, isso sem esgotar as possibilidades do enredo. Em suma, Tatsuya Ishihara e sua equipe terminaram de contar uma história aqui. Não é necessário que eles deem continuidade a ela. Mas eles podem fazê-lo, caso queiram. E seria ótimo se assim quisessem.

Sangatsu no Lion

Considerando que mais de ¼ desta lista consiste em animes de esporte, parece seguro supor que 2016 foi um bom ano para o segmento. Contudo, assim como Yuri!!! on Ice é antes sobre romance que sobre patinação, 3-gatsu no Lion, adaptação do mangá de Chika Umino (também autora do excelente Honey & Clover, lançado no Brasil anos atrás pela editora Panini), é bem mais um detalhado estudo da depressão de seu protagonista adolescente, Kiriyama Rei, que uma história sobre shogi, esporte que o personagem principal pratica profissionalmente. Ainda que não consiga fugir dos maneirismos inerentes ao estúdio Shaft (companhia que demonstra estar tão dominada pela marca de seu principal realizador, Akiyuki Shinbou, que parece querem adequar todo e qualquer material, independente de suas nuances, a um mesmo padrão estético), o anime, único da lista que ainda está em exibição, tendo entrado há pouco em seu segundo cour, merece atenção pelas emoções fortes, e muitos vezes conflitantes, que é capaz de despertar.

7. Natsume Yuujinchou Go

Foram mais de três anos sem novos episódios de Natsume Yuujinchou. Algumas coisas mudaram nesse tempo; outras, continuam as mesmas. Desde sua primeira temporada, exibida em 2008, o anime passou por transformações. O estúdio Brain’s Base sofreu uma debandada de membros, que fundaram o Shuka, atual responsável pela produção, e a série perdeu o talento de Takahiro Kishida, único responsável pela animação dos encerramentos das quatro primeiras temporadas. Mas a qualidade das histórias contadas – histórias que, apesar do pano de fundo sobrenatural, sempre acabam tratando do que há de mais humano em seus personagens –, e sua capacidade de tocar o espectador, permaneceram intactas.

Em se tratando de animação, ou de qualquer outra indústria, existem bons e maus anos. Mas parece-me que, sempre que houver uma nova temporada de Natsume, ela terá lugar cativo em minha lista de destaques. E, tendo sido a 6ª já anunciada para 2017, deve dizer que estou otimista quanto ao futuro.

6. Fune wo Amu

Já vi um ou dois desenhos na vida, mas nenhum com uma premissa tão desinteressante quanto Fune wo Amu: a saga de um departamento editorial lutando para concluir um grande dicionário. Mas se não se deve julgar um livro pela capa, tampouco é aconselhável taxar uma história por sua sinopse. Não que, ao término desses 11 episódios, vá-se ter vontade de devorar o Houaiss que só faz acumular pó na prateleira, mas você talvez repense a função de tal livro e a natureza do trabalho dos profissionais que o confeccionaram.

Esse é, acima de tudo, um anime sobre comunicabilidade. Sobre como encontrar as palavras certas para alcançar os demais e como melhor compreender aquelas ditas por eles. Com grande atenção aos detalhes, principalmente em sua animação de personagens, que, embora não solte aos olhos, confere a eles grande expressividade, a série me fez querer repetir a todos uma única palavra: assistam!

5. Mob Psycho 100

Surgindo na esteira do sucesso de One Punch-Man, esta nova adaptação de um trabalho do mangaká ONE, uma vez mais entregue pelo estúdio Bones, não só não mede esforços para não ficar à sombra de seu antecessor, mas parece fazer de tudo querer superá-lo em termos de inventividade. No aspecto visual, estamos falando do grande vencedor do ano passado: começando pelo design de personagens e consistência na direção de animação de Yoshimichi Kameda, e passando por cenas não menos que antológicas animadas por alguns dos maiores nomes da indústria, como Yutaka Nakamura e Norio Matsumoto, além de contar com a inserção no mercado de novos e promissores talentos, como Yuki Igarashi e Sara Moroyuki, Mob Psycho 100 é um tour de force para qualquer um que goste de ver desenhos em movimento, o que, por si só, é motivo mais que o suficiente para que ele seja visto.

4 – Haikyuu!!: Karasuno Koukou VS Shiratorizawa Gakuen Koukou

Após duas temporadas de dois cour, com 25 episódios cada, recheados com diversos jogos e uma longa curva de evolução de personagens, a terceira temporada de Haikyuu!!, adaptação de um dos mais populares títulos da atual Shonen Jump, chegou com um formato diferente e até mesmo desafiador: apenas dez episódios, que englobariam uma única partida de vôlei. Dada essa proposta, pareciam só haver dois caminhos: ou veríamos algo pra lá de arrastado ou um verdadeiro épico. Agora, findada a exibição da série, me arrisco a dizer que todos os seus espectadores concordam que ela acabou por trilhar o segundo caminho.

Por se tratar do confronto final de um torneio iniciado na season anterior, mas já anunciado desde idos da primeira temporada, tudo nesse embate tem um caráter de conclusão – vemos arcos de personagens sendo fechados, vemos as frustrações de derrotas passadas se transformarem em lições que ajudam a pavimentar o caminho da vitória. Essa é uma das raras continuações que trazem consigo não apenas parte, mas todo o peso dos acontecimentos pregressos; foram exatos 60 episódios até que chegássemos a esse ponto, e é como se, de fato, tivéssemos acompanhado um time pequeno, desacreditado, erguer-se ao ponto de enfrentar o aparentemente invencível campeão. A tensão e a emoção que pairam no ar até o último apito é real, palpável, como se esses time de fato existissem, como se algo muito importante estivesse em jogo. Particularmente, não acho que haja elogio maior para um anime de esporte.

3 – Yuri!!! on Ice

O anime certo no momento certo. Em tempos de profunda mudança na relação do público com os produtos de entretenimento, tempos em que diversidade e representatividade são cobradas como nunca antes, surge um anime criado por duas mulheres de grande talento, Sayo Yamamoto, responsável pelo ótimo Michiko to Hatchin (que, aliás, foi idealizado após uma viagem da diretora ao Brasil, e que está repleto de referências a nossa cultura), e Mitsurou Kubo, mangaká que forneceu o conceito original e o character design do projeto, que narra a história de amor e superação de dois patinadores. O resultado? Um estrondoso sucesso, em mais de um sentido.

Yuri!!! on Ice provou ser um dos animes com maior poder de engajamento já exibidos na era das redes sociais, conseguindo atingir um público em geral não relacionado com animação (entre eles, muitos patinadores profissionais), em grande parte por conta de seu uso inteligente de ferramentas como o Instagram. Com um design de produção rico em detalhes, sobretudo no que diz respeito aos figurinos dos personagens, e uma gama de belas coreografias, que refletem com exatidão as personalidades de seu diversificado elenco, o título, apesar de alguns problemas técnicos difíceis de ignorar, ainda mais no que diz respeito a gradual queda da qualidade da animação, é um dos grandes acertos de 2016, independente de escolhermos um viés temático, mercadológico ou simbólico para analisa-lo.

2 – JoJo’s Bizarre Adventure Part 4: Diamond is Unbreakable

Menos é mais. E Diamond is Unbreakable, quarta fase de JoJo’s Bizarre Adventure, é um dos exemplos que fortificam essa máxima. Aqui, em vez de batalhas épicas que põem em jogo o destino do mundo, acompanhamos eventos em uma escala muito reduzida, envolvendo apenas o estranho cotidiano da fictícia cidadezinha de Morioh, habitada por um igualmente estranho – e carismático – grupo de personagens.

Uma dos pontos fortes da franquia é, sem dúvida, sua capacidade de contar histórias completamente diferentes sem sacrificar a coesão de um universo que se expande a cada nova saga, e em nenhum lugar isso fica mais patente que em DiU. Trata-se de uma continuação, personagens e elementos apresentados em Battle Tendency e Stardust Crusaders, respectivamente as partes 2 e 3 da franquia, exercem papel central na trama, mas é também uma abordagem diferente de tudo o que fora anteriormente apresentado, em que os pequenos causos, os arcos de dois ou mesmo de um único episódio são mais significativos que a grande trama que acaba por se descortinar no terço final da série. E é essa capacidade de sempre apresentar algo novo, ainda que com uma roupagem já conhecida, que faz dessa sequência de adaptações da obra de Hirohiko Araki, promovida pelo David Production, uma das melhores coisas que aconteceram ao mundo dos animes nos últimos tempos.

1 – Shouwa Genroku Rakugo Shinjuu

Duvido que, há pouco mais de um ano, antes de sua estreia na temporada de inverno de 2016, alguém pudesse falar com honestidade que esperava ansiosamente por Shouwa Genroku Rakugo Shinjuu. Mas acredito que, passado esse tempo, qualquer um que o tenha assistido possa fazê-lo a respeito de sua continuação, lançada algumas semanas atrás. Mais que uma boa surpresa, essa adaptação do mangá de Haruko Kumota (finalizado em idos do ano passado, com 10 volumes), é o tipo de obra que nos faz pensar em quantas grandes histórias ainda estão por aí para serem contadas.

Rakugo é uma centenária vertente do teatro japonês, baseada no monólogo, em que uma única pessoal representa todos os personagens. É uma tradição oral, e seus intérpretes são contadores de histórias que devem decorar, de forma minuciosa, uma grande variedade de peças. Embora tenha outrora gozado de grande popularidade, tal arte entrou em franca decadência no século XX, sobretudo no após a Segunda Guerra, com a ocupação americana e a disseminação de variadas formas de entretenimento no país. O anime, que abrange um período de mais de meio século, narra, por meio de uma cadeia correlacionada de personagens, esse movimento descendente da apreciação do rakugo e a luta de seus admiradores para mantê-lo vivo.

A trajetória de uma arte decadente, um acurado retrato das transformações culturais do Japão pós-guerra e um dos melhores dramas animados da década, Shouwa Genroku Rakugo Shinjuu impressiona não só pela densidade do texto, mas também pela entrega do mesmo, uma vez que o time de produção, desde o diretor, o pouco experiente, mas promissor Shinichi Omata, até os seiyuus (dubladores), se emprenham ao máximo para tornar essa experiência, que, a primeira vista, poderia parecer entediante, em uma das mais emocionantes que a mídia é capaz de fornecer.

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Texto de autoria de Alexandre “Noots” Oliveira.

As Séries que Você não viu em 2016

18 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

Big Little Lies, The OA

Tá cada vez mais difícil alocar mais um espaço na semana pra encaixar uma nova série pra ver. A quantidade de produções americanas e britânicas realmente dificultam o simples esboço mental do que querer ver simplesmente porque sai muita coisa, sem contar as tantas outras que acabamos nem ouvindo falar as vezes. Com o intuito de mostrar o que foi lançado ano passado e talvez você não tenha visto porque estava vendo Black Mirror, Westworld, Game of Thrones, Stranger Things, The Walking Dead, Vikings, The Flash, Arrow, The 100, entre tantas outras, segue aqui uma pequena lista de séries lançadas em 2016:

Channel Zero

Produzido pelo canal SyFy e concebido por Nick Antosca (roteirista do recente Floresta Maldita), Channel Zero é o resultado da internet imitando a vida e a série imitando a internet. A série tem como proposta uma antologia de curtas baseados em creepypastas como Candle Cove e a Casa Sem Fim disposta numa temporada curta de 6 episódios com segunda temporada já confirmada para esse ano.

Big Little Lies

Três mães com filhos no jardim de infância se tornam amigas, uma amizade que infelizmente vai acabar… em assassinato. Ok, essa série não saiu em 2016, mas deixou todos completamente na expectativa pois foi anunciada no inicio do ano e agora foi reagendada para o meio de fevereiro de 2017. Muitas das séries de prestígio da ultima década são protagonizadas por homens — Sopranos, Mad Men, Breaking Bad, The Wire — muitos desses mesmos shows prezam também pela presença de personagens femininas no elenco mas poderia Big Little Lies fazer o que a série True Detective fez com a carreira de Matthew McConaughey e Woody Harrelson a Nicole Kidman e Reese Witherspoon? O projeto inicial era adaptar o roteiro da autora australiana Liane Moriarty como um longa antes de mudarem o projeto para uma série da HBO. Jean-Marc Vallée (Clube de Compras Dallas, Livre) é o encarregado de dirigir todos os sete episódios, num ar de Cary Fukunaga. No elenco Alexander Skarsgard, Adam Scott, Laura Dern, James Tupper e Zoë Kravitz.

Designated Survivor

A nova produção da ABC traz Kiefer Sutherland como o astro nessa nova empreitada. Designated Survivor conta a história de Tom Kirkman, um funcionário do baixo escalão do gabinete do presidente que no mesmo dia em que foi demitido acaba se encontrando como o presidente dos EUA devido a um ataque terrorista que deixa pouquíssimos sobreviventes. Você ainda acompanha na trama toda a investigação por parte do FBI acerca do que aconteceu durante o ataque. É impressionante como a série consegue balancear as duas tramas paralelas, fazendo seu episódio piloto de uma hora parecer que se passou em 10 minutos. A série é escrita e produzida por David Guggenheim (Protegendo o Inimigo, O Resgate e Bad Boys 3) que já colaborou com Antoine Fuqua em projetos pra TV e Conta com um respaldo de filmes de ação e suspense no currículo.

https://www.youtube.com/watch?v=N_f1v0Nx5Sw

Billions

Essa inclusive já foi até citada anteriormente, mas imagine se O Lobo de Wall Street fosse misturado à A Grande Aposta num embate entre Paul Giamatti e Damien Lewis se confrontando indireta e diretamente num jogo de poder?

A série do canal Showtime conta com o roteiro de Andrew Ross Sorkin (Grande Demais Para Quebrar), que basicamente só escreveu roteiros focados em filmes falando sobre o mercado financeiro e junte tudo isso com o carisma dos dois astros da produção numa série pequena de 12 episódios, sem fillers, sem enrolação no roteiro.

The Girlfriend Experience

Que Steven Soderbergh não dorme desde a chegada do novo milênio todo mundo já sabe, mas imagina se duas discípulas de sua essência workaholic decidissem adaptar um de seus filmes para uma série de TV com ele mesmo como produtor? Na trama uma estudante de direito de Chicago faminta por dinheiro é introduzida ao mundo das acompanhantes de luxo. Produzida pelo canal Starz a diretora Lodge Kerrigan trabalha em conjunto com Amy Seimetz tanto no roteiro quanto em direção. A influência de Soderbergh se estende até no elenco da série, já que Riley Keough, que está em Magic Mike, está no papel principal da série. Além disso no elenco também temos Paul Sparks (Mickey Doyle, de Boardwalk Empire) e Mary-Lynn Rajskub.

Hap and Leonard

Junte um trapaceiro e um veterano da guerra do Vietnã pra resolverem crimes nos anos 80 no Texas e você tem uma das séries mais legais do ano. A sensação começa pelo próprio elenco com James Purefoy, que é basicamente o Thomas Jane inglês, que após o desastroso The Following ficou sem uma série para trabalhar. Produzida pela SundanceTV, Nick Damici e Jim Mickle foram contratados como co-roteiristas para adaptar o que era previamente um filme baseado num romance de Joe R. Lansdale e foi depois transformada numa série de 6 episódios. A série parece ter vindo em um momento mais que correto agora para preencher o coração brucutu das viúvas de Justified. Também no elenco Christina Hendricks, Bill Sage e Jimmi Simpson.

The OA

Essa certamente foi uma surpresa, saindo no último mês do ano, a série criada pela terceira colaboração de Brit Marling e Zal Batmanglij é um etéreo sci-fi indie de baixo orçamento. A Netflix por pouco não consegue essa série feita pela produtora de Brad Pitt, a Plan B. A trama é focada em Prairie Johnson, uma moça cega que está desaparecida por anos. Agora na casa dos 20 anos, ela retorna para sua cidade natal com sua vista parcialmente restaurada. Ainda que alguns membros da comunidade chamem de milagre, sua presença é considerada mal agouro e perigosa para as outras pessoas. Fora isso existe um mistério a mais com o fato de Prairie se recusar a contar à seus pais e ao FBI o que ocorreu com ela nesses 7 anos em que esteve desaparecida.

De tudo o que pode se dizer sobre The OA, é que você nunca vai esperar que uma dança experimental a lá Pina Bausch lhe diga alguma coisa, mas estranhamente diz.

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Texto de autoria de Halan Everson.

Vai se foder, 2016

14 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

donald trump, esquadrão suicida

No Brasil, o ano de 2017 começou com um assassino de extrema direita invadindo uma festa de final de ano e matando 12 pessoas da mesma família (9 mulheres, 2 homens e 1 criança). Entre essas pessoas, estavam sua ex-mulher e seu filho de nove anos. Porque ele fez isso? Bem, segundo sua cartinha, o imbecil estava cansado das vadias que estragaram sua vida, ele não suportada mais a Lei “Vadia da Penha”, e queria matar todas as vadias… Vadias, vadias, vadias. Você sabe, o tipo de falta de raciocínio que faria um fã fervoroso de Jair Bolsonaro chorar de orgulho.

No hemisfério Norte, a Nova Guerra Fria está prestes a acabar em 20 de janeiro, quando o novo presidente-fantoche dos EUA, Donald Trump (ex-apresentador de realities shows idiotas e cabeça de esquemas de fraude e estelionato), “assumir” a presidência do maior poderio industrial-militar da história para obedecer aos mandos e desmandos de seu novo mestre: Vladimir Putin (pessoalmente, eu acho essa situação toda hilária e extremamente irônica).

E esse é só o começo de 2017.

Mas não se engane, 2017 é só uma consequência. A verdadeira causa de tudo que estamos vivendo e vamos viver pelas próximas décadas é o ano de 2016, que será lembrado como o ano em que o século XXI ficou literalmente louco. Se esse século fosse uma pessoa, poderíamos dizer que ele teve uma infância difícil desde 2001, mas que, apesar dos pesares, ele ainda tinha potencial para crescer e se tornar um século respeitável. Infelizmente 2016 foi o ano em que esse adolescente chamado século XXI descobriu sua paixão incontrolável pelas pedras de crack.

Se 2016 tivesse um rosto… seria esse. (Fonte)

BRASIL: O Bom Gigante Adormecido.

Esse tópico vai ser difícil. 2016 foi o ano em que nossa política passou de péssima para porra!

Tudo começou em dezembro de 2015, quando o ex-presidente da câmara de deputados federais e atual presidiário Eduardo Cunha decidiu aceitar um pedido de impeachment contra a presidenta Dilma Roussef, porque descobriu que sua barra não seria limpa no Conselho de Ética pelos crimes que acabaram cassando-o posteriormente.

O parecer do impeachment foi desenvolvido pela desvairada e descontrolada advogada Janaína Paschoal, que recebeu 45 mil reais do PSDB para fazê-lo (de maneira apartidária, é claro). O argumento usado foi o de “pedaladas fiscais”, termo criado por entusiastas de futebol para se referir à operações orçamentárias realizadas pelo Tesouro Nacional. Mas ninguém liga para isso.

O impedimento foi para votação na Câmara de Deputados, em que tivemos bastante vuvuzelas, balões, camisetas da CBF e confete. Tivemos gritos de sim acompanhados de “pela minha família”, “pela maçonaria” e “pela paz de Jerusalém”. A imprensa internacional ficou surpresa em descobrir que o Carnaval está presente também na nossa política.

Após o fim do processo na Câmara, Eduardo Cunha foi convenientemente afastado de seu cargo como presidente pelo STF, e o novo presidente da Câmara dos Deputados, Waldir Maranhão, anulou o impeachment. Menos de 12 horas depois, ele anulou a anulação. Não entendeu? Tudo bem, ninguém entendeu também.

Após a aprovação pela Câmara, o processo rodou no Senado, onde a perícia chegou a conclusão que Dilma autorizou 3 decretos incompatíveis com a meta fiscal (lembrando que essa meta foi revista pela PLN 5/2015), mas não havia cometido nenhuma pedalada fiscal. Mas isso é irrelevante, porque Dilma sofreu o impeachment devido o “conjunto da obra“, o novo crime (?) do momento. E para surpresa de todos, especialmente Fernando Collor, ela perdeu seu cargo mas manteve seus poderes políticos.

Após a provação do impeachment pelo Senado, Michel Temer assumiu definitivamente a cadeira de presidente do Brasil, para a alegria de sua esposa, Marcela Temer, que se veste muito bem. Ah, e talvez ele seja satanista. Talvez.

Tivemos também (novamente) o surgimento da figura do Salvador da Pátria. O homem que vai limpar esse Brasil sozinho, com o poder da Lei e da Ordem. O inigualável e incrível juiz Joaquim Bar… Sérgio Moro. Aquele juiz implacável do caso Banestado, lembra? Que sua graça divina nos ilumine! (E por favor, Pai Moro, se estiver me ouvindo, não divulgue meu histórico de navegação da internet)

Esse ano de 2016 foi também agraciado pela nova dupla sertaneja, Marx e Hegel. Com participação do novo princípio legal de convicção sobre provas e, meu favorito, o PowerPoint do mau! É impressionante perceber o que um estagiário pode fazer com um computador nesses dias.

“Podemos ver nessa fotografia que o ex-presidente Lula destruiu a cidade de Tóquio em 1954. ”

Há também a reforma nas escolas, que não agradou os especialistas e muito menos os estudantes. Mas o Governo permanece confiante.

E quanto a economia? Não se preocupe, tudo ficará resolvido com uma reforma da previdência em que você terá que trabalhar ininterruptamente desde os seus 16 anos até os 65 para conseguir o teto da aposentadoria (militares e policiais estão fora dessa, porque eles não são cidadãos de segunda classes como nós). A justificativa para isso é que previdência social está quebrada, segundo o governo. Mas os Auditores Fiscais da Receita Federal afirmam que a previdência é superavitária (eles têm até uma cartilha!). Se eu não soubesse com quem estou lidando eu poderia pensar que o Governo que nos ferrar, né?

Tivemos a maravilhosa proposta da PEC 55, que pretende congelar por 20 anos nosso orçamento na saúde e educação, algo sem precedente na história da humanidade. Bem, espero que nesses próximos 20 anos a população não aumente, senão podemos ter um probleminha em nossas mãos. Sem falar no benefício de 100 bilhões que o Governo queria dar para as empresas de telecomunicações. (Mas o Brasil não estava quebrado?)

Em 2016 tivemos também o melhor momento da história do STF: a tentativa patética de retirada de Renan Calheiros de seu cargo como presidente do Senado. Renan Calheiros, a cobra que é, mostrou aos deuses do STF como funciona a política em uma república de bananas. Contemple a humilhação que esse oficial de justiça sofreu ao tentar fazer seu trabalho e ser tratado como um nada pelo velho Renan. Ele nunca se sentiu assim em toda sua vida. Tenho que admitir, é um feito e tanto.

E eu nem vou falar da maravilhosa atuação da Rede Goebbels nisso tudo. Eles merecem um post só sobre eles.

Resumindo: é por isso que eu parei de assistir “House of Cards” em 2016.

EUROPA: Apertem os cintos, a Inglaterra sumiu!

Vou deixar isso bem claro desde o início: ingleses são babacas. Isso não é uma ofensa, é a constatação de um fato. Não é culpa deles, eles não fazem de propósito, eles não querem ser babacas… Mas eles são. Faz parte da cultura deles. Se eles não fossem babacas, não poderiam ser ingleses. Entendido? OK. Então, estamos realmente surpresos que os ingleses disseram não à União Europeia? O que você esperava? Eles são babacas.

O BREXIT talvez tenha sido o único evento desse ano maldito que faz sentido. Quer dizer, não é como se os britânicos jamais gostassem da Europa. Ou se sentissem parte dela. Ou se identificassem com ela. Eles permanecem isolados do continente, quase como se fossem… uma ilha.

Somando isso à crise dos refugiados, a crise econômica que erodiu o bloco econômico e o crescente número de atentados terroristas em capitais europeias… Bem, vamos dizer que as empresas de armamento militar estão bastante otimistas.

Ah, e Mein Kumpt voltou a ser um best-seller na Alemanha. (Quem caralhos ganha dinheiro com essa merda?)

EUA: Donald Trump, ou como eu parei de me importar a passei a amar a bomba.

Nas eleições ianques de 2016 o mundo todo se voltou para os EUA e disse, em tom de preocupação: “Você não pode ser tão idiota assim”. Em resposta, a grande nação norte-americana olhou para o resto do mundo com desdém e falou: “Você não pode me dizer o quão idiota eu posso ser”.

E aqui estamos nós: Donald Trump foi eleito presidente dos EUA. O que dizer dessa criatura?

Dizer que ele é um misógino, homofóbico, racista, islamofóbico, imbecil, estuprador, mentiroso, estelionatário, incompetente, tira sarro de pessoas especiais, ladrão, estúpido, anticientífico e insano seria chover no molhado. Todo mundo sabe disso.

Então por que eles votaram nele? Porque aparentemente eles não gostaram de Hillary Clinton, o novo bicho papão da direita norte-americana. Se você perguntar a um republicano convicto porque ele não gosta de Hillary ele vai dizer que é porque ela voa em uma vassoura e joga praga nas pessoas. E logo depois dessa declaração vai haver uma reportagem completa na Fox News explicando como ela faz essas coisas. Dica: ela vendeu sua alma imortal para Lúcifer.

A parte mais triste foi que os democratas tiveram medo de colocar Bernie Sanders, um socialista convicto, para concorrer com o palhaço laranja. Eles pensaram que Sanders não tinha chance de vencer. E agora eles devem estar dando chutes nas próprias cabeças ao perceberem que sim, você pode eleger qualquer pessoa nos EUA.

Mas a melhor parte dessa eleição não foi a vitória da pessoa mais inepta da história ianque a assumir o cargo do maior poderio militar do planeta. Mas o fato dessa pessoa estar trabalhando para os interesses russos. Especificamente, os interesses de Vladimir Putin. Aquele ex-agente da KGB, lembra? Isso mesmo, a Rússia tem um novo presidente… Na Casa Branca.

Você consegue imaginar Putin sentado com seus amigos (?), bebendo a vodka mais cara do mundo, olhando ao redor e perguntando com um sorriso incrédulo: “Alguém imaginou que iríamos estar aqui nesse momento? ”. Eu posso, porque no momento que Donald Trump foi eleito, eu pude ouvir a risada maligna do velho Vlad à um hemisfério de distância.

As eleições ianques de 2016 foram como a reversal russa. Na Rússia, a queda do seu país não acaba com a Guerra Fria… É a Guerra fria que acaba com o seu inimigo.

Ура, товарищи!

AMÉRICA LATINA: Jogos, Trapaças e Dois Países Fumegantes

Na Colômbia, um plebiscito popular mostrou que diante da possibilidade de paz com as FARC, parece que o povo quer mesmo é ver bandido no chão. Mas parece que a Lei de Anistia foi aprovada pelo Congresso mesmo assim. Aparentemente foi mais uma terça-feira na Colômbia. Aliás, eles não estavam enviando ônibus cheios de comunistas para Brasília? Não? Ok.

E a Venezuela nos provou que ter petróleo em quantidade não significa porra nenhuma se você for imbecil. Ponto para a direita batedora de panelas, que nos avisou que os comunistas bolivarianos sanguinários do djabo são incompetentes e assassinos. E pensar que o Brasil sofreu com uma ditadura comunista dessas por 13 anos… Quer saber, esses venezuelanos estão reclamando de boca cheia.

E nossos hermanos argentinos? Bem, estão daquele jeito.

Pelo menos sempre teremos o Uruguai.

CORÉIA DO SUL: Cara, cadê meu presidente?

Quando fiquei sabendo dos acontecimentos políticos na Coréia do Sul no ano passado, devo admitir que minha primeira reação foi achar que a coisa toda era um hoax ruim, criado para pessoas facilmente impressionáveis e fanáticos por teorias da conspiração. Acreditar em teorias da conspiração, tudo bem. Acreditar que a política é influenciada por variados fatores culturais e econômicos, é óbvio. Agora, acreditar que a presidente eleita da Coréia é fantoche de uma seita chamada Igreja da Vida Eterna e que praticamente todas as decisões presidenciais eram resultado dessa influência religiosa… Você tem que estar de brincadeira, certo?

Mas eu estava totalmente errado. Era real… Ou melhor, é real. E quando eu me dou conta disso, eu percebo que o que aconteceu na Coréia só demonstra como ano de 2016 foi o ano em que a humanidade ultrapassou a barreira da ficção e está vivendo uma espécie de simulacro bizarro, provavelmente escrito por David Lynch. O que aconteceu na Coréia do Sul foi tão surreal que eu não ficaria surpreso se após o impeachment da presidenta Park Geun-hye, Rod Serling aparecesse na televisão explicando que o que acabamos de ver foi mais um episódio de Além da Imaginação.

“E se Alexandre Frota desse conselho sobre a Educação de um país? E se o Kojak fosse ministro da Justiça? Isso e muito mais nesse episódio de… 2016 – Um ano do Barulho. ” (Fonte)

ENTRETENIMENTO: Burrice V Sanidade.

2016 foi um ano especial para o entretenimento. Principalmente para a comunidade antissocial, que se masturba compulsoriamente, usa óculos e tem espinhas no rosto.

Tivemos Capitão América: Guerra Civil, onde vários personagens amados da Marvel desceram a porrada uns nos outros e todo mundo se divertiu no final. Tivemos o Dr. Estranho boladão, com suas macumbas doidas e inimigos merdas, mas que também foi divertido no final. E Stranger Things, a série que nos fez lembrar porque os anos 80 foram tão bons conosco (exceto por Ronald Reagan).

Mas também tivemos Batman V Superman. Nossa, tivemos Batman vs Superman. Caralho. Eu poderia começar a falar desse atentado ao cinema perpetrado pelo Visionário, mas se eu começar eu não vou parar até estar espumando pela boca e falando Aklo.

E depois tivemos Esquadrão Suicida… Caralho.

Bem, acho que se aprendermos alguma coisa em 2016 é que a única chance da DC dar certo no cinema a partir de agora é contratando a Marvel.

FUTEBOL: Apocalipse Gol

Poderíamos dizer que 2016, apesar de muito ruim, não foi o pior ano de todos. Exceto se você for torcedor da Chapecoense.

Não há mais nada a dizer sobre essa tragédia que já não tenha sido dito centenas de vezes anteriormente. Os mortos foram enterrados, mas as mágoas continuam. Força Chape.

(Fonte)

(Menção Honrosa ao Internacional, com seu timing perfeito. O time de Porto Alegre conseguiu cair para a Série B no mesmo ano em que seu rival, o Grêmio, ganhou um título de relevância nacional… Depois de 15 anos. Parabéns, nem operações militares são tão precisas assim.)

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Eu gostaria de escrever algo engraçado no final desse texto para dar alguma esperança a você, leitor… Mas eu não posso. Se tem uma coisa que eu aprendi com Max Rockatansky é que a esperança é um erro. Se você não consegue consertar o que está quebrado, você acaba ficando insano. Portanto eu vou terminar esse texto com um clipe irônico: It´s the end of the World, do REM. Porque realmente é o fim do mundo como o conhecemos, mas eu não me sinto bem. Na verdade, acho que nunca mais vou me sentir bem de novo.

Boa sorte em 2017. E vai se foder, 2016.

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Texto de autoria de The Nindja.

Metrópolis | O precursor do Sci-Fi completa 90 anos

10 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

cinema alemão, Cinema Mudo, expressionismo alemão, Ficção Científica, fritz lang, Metropolis

Hoje em 1927, Metrópolis era lançado nos cinemas alemães e logo iria percorrer o mundo todo. Se trata do primeiro filme no World Register Memory da Unesco e considerado como uma obra prima da sétima arte, o filme de Fritz Lang dividiu a crítica no seu lançamento original e foi mal recebido em bilheteria. Mas quais seriam as outras facetas dessa obra!?

Quando o diretor nascido em Vienna em 1890, decidiu fazer Metrópolis, o mesmo já era reconhecido como um renomado realizador de cinema, um workaholic de forte personalidade estabelecido em Berlim desdo fim da primeira guerra mundial. Casado desde 1922 com a escritora, roteirista e atriz Thea Von Harbou, que iria escrever todos os seus roteiros até sua fuga da Alemanha em 1933. Fritz Lang já havia feito filmes ambiciosos como Dr. Mabuse, O Jogador (1922) e Anel dos Nibelungos (1924). O diretor se tornou um dos grandes nomes do cinema alemão que depois se espalhou pela Europa, época essa que Berlim vivia um período próspero de vanguardas artísticas como o teatro de Bertolt Brecht e todo o expressionismo inspirado previamente pelas obras de Edward Munch, assim como filmes importantes, realizados com grande financiamento técnico da UFA (Universum Film AG), uma grande produtora daqueles anos, que produziria Metrópolis.

As gravações duraram quase um ano e custou 36.000 mil dólares além do orçamento previsto, que seria depois gerenciado de maneira imprudente por um diretor que era comumente criticado pela sua falta de empatia com o elenco. Dificuldade absurda de filmagem, mobilização e uma magnifica técnica deram nascimento ao filme que Lang diz ter gostado de filmar, mas que ele mesmo se arrepende pelo cenário pobremente estruturado.

Na trama é narrada a estória da cidade de Metrópolis, que ao mesmo tempo que ricos vivem em luxuosos arranha céus e ignoram tudo o que ocorre nas partes mais baixas da cidade que os mantêm vivos, onde milhares de trabalhadores, escravos do maquinários e completamente desumanizados. Quando Freder, o filho do mestre de Metrópolis se apaixona por Maria, uma pobre trabalhadora, ele percebe a desigualdade social em que sua casta próspera. Falhando em convencer seu pai, ele vai até a parte baixa da cidade onde a revolta nasce. Mas enquanto todo o filme pousa na sobrevivência da população desprezada pelos poderosos, o fim culmina a possibilidade de um acordo entre as duas partes graças a mediação de Freder e Maria que os unirão “o coração será capaz de realizar a união entre cabeça e braços”.

Apesar disso, o diretor afirma que depois ele considerou o cenário deplorável do longa, com uma lição de moral muito simples e irreal. Uma moral que é perseguida de acordo com a sensibilidade política de cada um. De acordo com uma entrevista feita por Nöel Simsolo, o jovem diretor búlgaro Slatan Dudow, que colaborou durante as filmagens largou o projeto no meio devido a suas convicções Marxistas que não poderiam aceitar a moralidade proposta no fim do filme. Mas Fritz Lang reconheceu por outro lado sua fascinação pelos efeitos técnicos e visuais alcançados por um filme considerado precursor da ficção cientifica. Como “exploradores” Fritz Lang e seus colaboradores experimentaram e criaram sem saber todo um gênero que seria explorado e criado no futuro, vale o exemplo star trekiano do videofone que é usado para comunicação.

Em entrevista de 1984, Noël Simsolo retornou ao programa “film Tuesdays” para comentar sobre a recepção do filme. Na verdade ele é considerado um fracasso comercial dividindo a crítica entre a desproporção entre a narrativa e a exposição de elementos visuais. O diretor Luis Bunuel escreveu na época: “Metrópolis não é um único filme. São dois longas presos com um cinto, mas com necessidades espirituais divergentes, um antagonismo extremo. Aqueles que consideram cinema como uma forma discreta de se contar história encontrarão uma grande decepção com Metrópolis. O que nós é falado é trivial, pedante e um romance antiquado. A anetoda é que se você estiver atrás de algo “fotogenicamente-plástico”, então Metrópolis vai realizar todos os seus desejos, você irá se maravilhar como se fosse o livro de imagens mais belo já composto.”

Ao mesmo tempo, o longa termina adquirindo status de ícone da sétima arte, pela sua beleza visual e poder evocativos retratando um universo social e maquinista. Em entrevista de 1965, Fritz Lang comentou do sucesso que Metrópolis fez ao ser exibido na cinemateca francesa além de seus filmes em geral. Para Jean-François Balmer, Metrópolis é um filme admirável, que centraliza toda a capacidade visual da fotografia cinematográfica.

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O que acaba tornando mais curioso o cinema mudo como um todo é a capacidade de você poder mudar um aspecto dele até hoje que é sua trilha sonora, durante o festival Endeavours de documentários o compositor eletrônico Paul Searless entregou uma trilha a Metrópolis que assim como a de Cliff Martinez para The Knick consegue que algo que não se encaixa em momento algum ao longa fazer todo sentido no contexto da produção ( o video está legendado).

Vale relembrar que esse longa está em domínio público e você pode assistir a sua versão restaurada no youtube com legendas em português aqui no link abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=QkHOwwPKZ78

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Texto de autoria de Halan Everson.

Top 20 | Diretores de Fotografia – Parte 2

6 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

fotografia, Robert Elswit, steven soderbergh

Dando continuidade a lista de Diretores de Fotografia, retomamos com outros dez nomes que representam hoje na indústria diferentes maneiras e estilos de fotografar e entreter o espectador.

10 – Adam Arkapaw

Trabalhos: True Detective, Macbeth, Animal Kingdom.

Lembram do espetáculo visual que é a primeira temporada de True Detective? Então o responsável é Adam Arkapaw. Um fotografo australiano que dominou com excelência a escuridão, oferecendo um imagético tão digno de qualidade que transcende muito dos padrões, tornando a algo completamento bonito. Seu trabalho na televisão com True Detective e o etéreo Top of the Lake é impressionante, mas ele se mostra muito competente quando o assunto é adaptação exemplificando esse com seu trabalho oferecido ao estonteante Macbeth. Ele agora trabalha novamente com o diretor Justin Kurzel no filme Assassin’s Creed, a ao que tudo indica pelo trailer desse, Arkapaw mais uma vez acertou em cheio.

9 – Mike Gioulakis

Trabalhos: Corrente do Mal, John Morre no Final.

Mike Gioulakis pode ser resumido em maior parte pelo seu trabalho em curtas, mas foi com Corrente do Mal que seu nome pode ser sondado a partir de agora. A fotografia é o elemento chave para permear o horror de Corrente do Mal como aquela ameaça sem forma e invisível precisa ser sentida na tela. Através de longos e angustiantes enquadramentos, Gioulakis mantêm a audiência na ponta dos pés, apenas aguardando seus tremendos resultados. Corrente do Mal está entre os melhores longas de 2014, e com um caminho primoroso a sua frente Gioulakis certamente merece sua atenção.

https://www.youtube.com/watch?v=JxWSFfPcyTY

8 – Robert Richardson

Trabalhos: Kill Bill, JFK, O Aviador.

É possível que dos presentes nessa lista, Robert Richardson é o que tenha trabalhado com a maior variedade de realizadores que qualquer outro fotógrafo (quem sabe competindo com Lubzeki) e mesmo assim ainda consegue manter o seu próprio ponto de vista quando trabalha com Quentin Tarantino, Martin Scorsese e Oliver Stone. Ele tem um talento especial pra projetar a pura visão de um realizador como Tarantino e Scorsese filtrando a mesma através de sua câmera, das lutas ridiculamente sangrentas de Kill Bill até as tomadas experimentais em O Aviador, que fizeram Richardson e Scorsese retratando passagens de tempo com o tipo de filme e o tipo de processo que eram disponíveis de acordo com aquela época. Richardson e Scorsese continuariam a sua parceria de experimentação quebrando os limites do 3D com Hugo Cabret, e então Richardson foi lá e ressuscitou a fotografia Ultra Panavision 70 com Os Oito Odiados. No mais, não parece a toa que Richardson parece apenas trabalhar com os melhores.

7 – Greig Fraser

Trabalhos: A Hora Mais Escura, Foxcatcher, Rogue One.

Honestamente o trabalho de Greig Fraser em O Homem da Máfia já o faria merecedor de estar nessa lista, mas a escuridão crespa na estética de Fraser brilha em todos os seus trabalhos. Em A Hora Mais Escura, ele captura toda uma parte do longa fotografando com óculos de visão noturna para trazer os momentos de mais pura tensão; Em Foxcatcher a fria e calculada câmera apenas aumenta progressivamente a tensão entre os dois personagens na tela, e até em um filme como O Caçador e a Rainha de Gelo seu visual é muito fascinante. E agora ele foi responsável por retratar um universo de Star Wars com Rogue One, que também se mostra um acerto na carreira do fotógrafo.

https://www.youtube.com/watch?v=tDyaNnrgdp4

6 – Robert D. Yeoman

Trabalhos: Moonrise Kingdom, Missão Madrinha de Casamento, Dogma.

Na mesma escola que Robert Elswit, Robert D. Yeoman é um fotógrafo que forjou sua carreira através de um forte laço com o cinema autoral, que foi responsável por extrair o melhor do seu talento. Você não consegue confundir um filme de Wes Anderson exatamente pela estética artesanal que Yeoman vem desenvolvendo ao redor da obra do diretor. Da suntuosa estética de Louco Por Você ou até numa atmosfera mais controlada como Missão Madrinha de Casamento, Yeoman é constantemente surpreendente. Mas seu trabalho mais surpreendente fora de sua colaboração com Anderson é sem dúvida veio em 2015 com a cinebiografia de Brian Wilson, Beach Boys: Uma História de Sucesso que coloca o espectador dentro da mente do gênio dos Beach Boys, com uma narrativa dividida em dois períodos de tempo diferentes, e registrando o calculado caos de uma sessão de gravação dos Beach Boys ao mesmo tempo.

5 – Robert Elswit

Trabalhos: Sangue Negro, Boa Noite, Boa Sorte, Missão Impossível – Protocolo Fantasma.

Talvez um dos mais versáteis fotógrafos trabalhando atualmente, o ganhador do Oscar Robert Elswit passeou por inúmeros gêneros, trabalhou com muitos diretores e os resultados são surpreendentes. O simples fato de que ele fotografou Vicio Inerente e O Abutre no mesmo ano, capturando duas Los Angeles completamente diferentes é no mínimo digno de registro, e seu trabalho em Protocolo Fantasma e Nação Secreta o fez pular de dois autorais para dois blockbuster com aparente facilidade. Sua carreira é muito alinhada com a do diretor Paul Thomas Anderson, tendo fotografado todos os seus filmes autorais, mas considere que depois de todos esses exemplos, esse mesmo profissional saiu de Sangue Negro e Duplicidade para Atração Perigosa só mostra mais uma vez seu talento.

Trabalhos: Magic Mike, The Knick, Traffic.

Pode parecer trapaça colocar Steven Soderbergh considerando que o mesmo é reconhecido por ser diretor primeiramente, mas o fato é: ele é um dos mais empolgantes fotógrafos trabalhando atualmente. Ele lapidou sua marcante estética através de sua carreira como diretor mas foi em The Knick que ele mostrou o seu potencial com uma câmera apoiada nos ombros. Sendo diretor, diretor de fotografia e operador da câmera, a mesma se torna um vital e importante personagem para a série da Cinemax vista em tela, não só isso mas transformou ela numa ousada produção onde não se via tamanho rigor estético há muito tempo na TV.

3 – Brandon Trost

Trabalhos: Vizinhos, É o Fim, Halloween II

Normalmente, direção de fotografia não é um foco em comédias. Só põe bastante luz e deixa o atores trabalharem. Mas Brandon Trost tem revivido o interesse estético no gênero, com visuais únicos, adicionando uma intensidade que normalmente é reservada para Blockbusters muito bem conceituados, não para filme de fraternidade de faculdade. E mesmo assim, na cena de festa do filme Vizinhos, Trost mantêm um variedade de cores de uma rica paleta. Só pra vocês terem uma ideia, ele refinou sua habilidade durante um longo período de parceria com o diretor Rob Zombie em filmes como Senhoras de Salem e Halloween II, o que ja é incrível mas o que realmente marca no trabalho de Trost é o que ele trouxe para o gênero da comédia. Sexo, Drogas e Jingle Bells é realmente um tesouro pela enorme variedade visual que reflete o clima natalino da estória, assim como seu trabalho em É o Fim que possui uma escolha única de luzes para montar suas cenas.

2 – Hoyte van Hoytema

Trabalhos: O Espião Que Sabia Demais, Ela, Interstellar.

Do sueco Deixa Ela Entrar, era claro que o fotografo suíço Hoyte van Hoytema tinha talento, e mesmo assim ele continuou a crescer em escopo e ambição nos últimos anos. Da rica textura do Espião Que Sabia Demais até a sutil paleta do não tão distante futuro de Ela. Quando Roger Deakins não estava disponível para fotografar 007 – Contra Spectre, Hoytema capturou varias sequências de ação e panorâmicas com vigor e entusiasmo, e quando Christopher Nolan embarcou no seu épico sci-fi Interstellar, o diretor chamou Hoyte. O homem está formalmente na alta roda agora, e sua marca parece cada vez mais pessoal. A empolgação que fica agora é aguardar o que Hoytema irá fazer em seu próximo projeto.

1 – Bruno Delbonnel

Trabalhos: Inside Llewyn Davis, O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, Harry Potter e o Cálice de Fogo.

Quando você pensa em na fotografia de Bruno Delbonel, a palavra “suntuoso” vem a minha mente. Existe uma beleza inegável a cada enquadramento do trabalho de Delbonnel e é exatamente por ele que o Cálice de Fogo é considerado o mais belo visualmente dentro da franquia Harry Potter. Mas enquanto a fotografia de Delbonnel é única, ela é igualmente proposital. Os enquadramentos de Delbonnel prendem a audiência, permitindo que o espectador quase que adentre o próprio filme. Algo como Sombras da Noite que, apesar de ser um filme ruim, você ainda mantêm essa relação com o imagético do longa. E você já pode se considerar alguém importante quando os Irmãos Coen te selecionam para filmar seu próximo filme devido a Roger Deakins estar ocupado, você está fazendo alguma coisa certa.

Essa é a segunda parte do artigo traduzido do Collider, para conferir a primeira parte clique aqui.

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Texto de autoria de Halan Everson.

O Arquiteto que há 100 anos construiu o Sci-Fi

3 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

Blade Runner, Ficção Científica, Metropolis, Primeira Guerra Mundial

Esquerda: Antonio Sant’Elia, *Estação de trem e aeroporto com passagens funiculares em três niveis distintos deA Nova Cidade*, 1914; Direita: Antonio Sant’Elia, *Habitação com elevadores externos e sistemas de ligação a diferentes niveis da rua* de *A nova Cidade,* 1914. Imagens via Wikimedia Commons.

Em 10 de Outubro de 1916, Antonio Sant’Elia faleceu lutando contra as forças do Império Austro-Hungaro na oitava batalha de Isonzo próximo a Monfalcone perto da costa Adriática. O arquiteto Italiano tinha apenas 28 anos e deixou apenas um único prédio construído, seu Villa Elisi em Brunate, fora de Como. Mesmo assim, nem é por esse prédio que o Sant’Elia é lembrado. Qualquer um que tenha assistido ao clássico mudo de Fritz Lang, Metropolis (1927) ou viu Harrison Ford caçando replicantes no longa de Ridley Scott Blade Runner (1982) já está familiarizado com o trabalho visionário de Sant’Elia do que seria uma cidade do futuro. Seus fantásticos visuais inspiraram o imagético desses dois filme, e mesmo hoje, 100 anos após sua morte, o seu futuro ainda ressoa no nosso.

Sant’Elia é mais conhecido pelo seu trabalho em Città Nuova (Cidade Nova) que vem com super estruturas meio que robóticas, próximos a passagens aéreas acopladas a passarelas suspensas que ficam superiores ao chão. Desenhadas durante 1912 e 1914, a intenção era que fosse um remédio arquitetônico para a percepção indiferente do modernismo a vida cotidiana. No primeiros anos do século XX, máquinas mudaram de acordo com a forma como os homens viviam no mundo, facilitando o movimento e a produção industrial numa aceleração constante. Os Futuristas que exaltavam a velocidade, acreditavam que a maneira tradicional de vida ao lado das formas tradicionais de arte e arquitetura sufocavam o progresso humano. Esses eram os valores inscritos nos desenhos de Sant’Elia para a Città Nuova. Mas a cidade nunca foi construída, não nesse pequeno espaço de 100 anos após sua morte.

Esquerda: Antonio Sant’Elia, Rua para pedestres com elevadores no meio, 1914; Direita: Antonio Sant’Elia, Esboço dearquitetura, 1914. Imagens via Wikimedia Commons.

Sant’Elia não foi o único futurista que lutou e faleceu na primeira guerra mundial. Ele e muitos outros que se alistaram previamente acreditando que o mundo deveria ser limpo no campo de batalha, destruíndo a velha ordem para dar caminho ao futuro, os futurista tinham uma obsessão com a novidade. Eles se viam como pioneiros forjando uma civilização do zero. “Estamos no último pedestal dos séculos” disse Filippo Tommaso Marinetti no “Manifesto Futurista” de 1909, o documento primal do Futurismo. “Porquê deveriamos olhar pra trás, quando o que queremos é quebrar as misteriosas portas do impossível?” Marinetti declarou o fim da obrigatória veneração ao canone artistico do ocidente deveria ser mutua — ” Um carro de corrida… é mais belo que a própria Vitória de Samotrácia” e seria o começo de uma era que a estética da velocidade reinaria sobre todas as outras.

Sant’Elia acreditava que a tarefa principal de uma cidade na era industrial deveria facilitar o movimento da maneira mais eficiente o possível. Para sua Città Nuova, ele propôs três niveis de trafego de acordo com o veículo e sua velocidade: passagens para pedestres, estradas para carros, e trilhos para trens. Isso ao lado de elevadores, seriam as unicas maneiras de se locomover dentro da cidade. Sant’Elia também propôs que a cidade estivesse em estado de continua construção. “Devemos inventar e reconstruir a cidade” ele escreveu. “Isso deve ser como uma imensa, tumutuosa, viva e dinâmica comunidade nobre de trabalhadores de todas as partes”

Seus protótipos para “Casa a Gradinata,” e “Casa Nuova,” demonstram prédios como arranha céus com uma torre a parte para os elevadores, posicionados um atrás dos outros, criando um corredor interno que seria entrecruzado com pontes e passagens. Isso criaria um efeito de paisagem artificial, com os prédios agindo como montanhas e os espaços entrelaçados como vales. No mundo de Sant’Elia, naturalismo se tornaria urbanismo e o individual seria consumido pelo maquinário.

Esquerda: Antonio Sant’Elia, Casa escadaria com elevadores para as quatro estradas, 1914; Direita: Antonio Sant’Elia, Casa escadaria, 1914. Imagens via Wikimedia Commons.

Através de pintores, escultores e poetas que produziram trabalhos artisticos que capturaram o movimento e dinamismo que centralizava o projeto Futurista, o simples fato deles terem feito tanto significa de certa maneira que eles falharam. A finalização de seus trabalhos como A velocidade abstrata + som de Giacomo Balla (1913-1914), com o verde, branco e vermelho da bandeira Italiana demonstrando através disso um azul esmagado e lançado ao seus como um carro em velocidade, ou o poema onomatopéico de Marinetti Zang Tumb Tumb (1914)—inadvertidamente os amarrou aquele exato momento histórico.

Esses trabalhos já datados sofreram danos colaterais do tempo, onde o trabalho que nem viu a luz do dia como Città Nuova, permanece para sempre no reino do realismo utópico. Seu legado apenas é carregado dentro do próprio sci-fi. Seus desenhos influenciaram tecnocratas e planejadores urbanos durante todo o século passado, o mais famoso deles sendo Le Corbusier, que também deixou um trabalho não realizado com Ville Radieuse 1930 (“Cidade Radiante”), que assim como a Cidade Nova de Sant’Elia, foi caracterizada por essa sensação de centralizar tudo, facilidade de transporte, e super organização de seus habitantes. Enquantos nossas cidades contemporâneas podem não ser tão técnológicas como a metrópole de Sant’Elia, com carros que dirigem sozinhos, Wi-fi subterrâneo e Smatphones automatas, esse futuro concebido por ele não parece muito longe também.

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Texto de autoria de Halan Everson.

Cinema 2006 | Uma Década Depois

31 de dezembro de 2016 by Douglas Olive

Alfonso Cuaron, cartas de iwo jima, Clint Eastwood, Comédia, David Fincher, Ficção Científica, guillermo del toro, michael mann, Pedro Almodovar, Terror

Talentos ascenderam, carreiras acabaram, os prodígios tiveram seu tempo e, quem sobreviveu, viu os holofotes virar sobre febres e tendências corriqueiras, aqui, dez anos depois. Tudo mudou mesmo? A seguir, dez filmes cuja qualidade permanece inalterada, talvez até mesmo elevada após suas revisões, contudo, muito além do tempo que nos rege.

Zodíaco, de David FincherÉ possível quase tocar na rede de suspense que vai se fechando ao longo do filme, traçada tal degradé de pintura num jeito cirúrgico só pra ser desconstruída, e revirada num ponto, e reconstruída constantemente na excelência da projeção. David Fincher realizou um dos mais icônicos filmes americanos dos anos 90, e aqui não fica pra trás.

O Labirinto do Fauno, de Guillermo Del ToroTodo mundo queria pelo menos uma vez na vida escapar da realidade. Guillermo Del Toro, no auge de sua criatividade, nos dá essa chance com esse filme, driblando a linha tênue de quando acaba e começa tais dimensões, apelando para uma pretensão irresistível, típica e solidária à sua filmografia e indiscutivelmente própria – e linda.

Cartas de Iwo Jima, de Clint Eastwood

Melhor e melhor a cada revisão, sem dúvida é um dos melhores já dirigidos pelo Clint cineasta. As cores do mundo projetadas pelo artista estimulam ainda mais a essência de uma história quiçá necessária no que tange os dois lados de uma guerra. Uma procura artística tão ambiciosa e impecável quanto lúcida em sentido.

Volver, de Pedro AlmodóvarO filme definitivo sobre as mulheres, as divas, os arquétipos de Pedro Almodóvar projetados em suas Atenas de cenário quente e alma feminina. Nunca o cineasta encontrou um hibridismo tão forte e saudável entre história e filme, intenção e encenação, com limites inexistentes no caos das relações humanas. A linguagem de Almodóvar no ápice.

Miami Vice, de Michael MannUma dupla história de amor invariavelmente trágica e impossível, caçada em êxito na tela por imagens digitais belíssimas que capturam e expandem nossa fascinação pelo todo; uma desculpa para o cineasta de Fogo contra Fogo retratar os absurdos, incoerências e as alienações impregnadas numa realidade, enfim, real. Dos melhores do seu ano.

Medos Privados em Lugares Públicos, de Alain ResnaisMuitos podem dizer que é, e acusam o filme, de fato, sobre ser apelativo, mas sem a sua elevada carga emocional seria superficial, e com certeza, não seria a obra-prima sobre os fundamentos e as reflexões de uma sociedade que é. Ambicioso e singelo na medida certa, tanto se apropria do mundo para convertê-lo em drama, trama e fantasia, quanto para provocar e estender nosso fascínio pela enorme e singela abertura crítica que o filme carrega; mais um filmaço para a conta de Alan Resnais, mestre francês morto em 2014 e vivo em seu legado de proporção gigantesca.

O Hospedeiro, de Joon-ho BongNotem que os clássicos sempre reinventam a roda e sempre de maneira diferente; aqui, um “filme de monstro” datado pelo uso do objeto de terror, jamais pelo abuso do mesmo. Estilizado, quase cult, numa história que se apropria do drama de uma família para retratar a força da instituição, da união, e da natureza enfim do próprio cinema, fadado ao combate eterno entre o realismo e o surrealismo artísticos inerentes à forma. Eis o filme mais cinematográfico de 2006.

O Céu de Suely, de Karim AïnouzO desejo de representar a solidez de um universo brasileiro esquecido por Deus e lembrado pelo Cinema encapsula a angústia e a agressividade árida do cosmos das Suelys, dos Josés e seus cães Baleias. À quem e sobre quem é resultado de um terceiro mundo implacável, numa perícia audiovisual cuja improvisação no método da representação torna o filme poderoso. Um Brasil sem condição para escolher lado político e visto pela ótica do real que não merece ser fábula.

Filhos da Esperança, de Alfonso CuarónNum projeto desses, o esforço de um cineasta ganancioso (no bom sentido) tal Alfonso Cuarón – ímpeto incerto até o ponto-chave que sucumbimos no universo distópico onde ninguém mais engravida – é o de conseguir extrair o caos de uma situação como essa, e convertê-lo numa nova e possível esperança. É o triunfo concretizado de um artista no domínio da essência científica de uma ficção justificada por cada imagem construída.

Borat: O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América, de Larry CharlesA comédia da década, adiantando vícios culturais do novo milênio que, em 2006, ainda não estavam tão em voga assim. Borat é o puro suco do mamilo verde em termos do humor globalizado de hoje em dia: Explícito, polêmico, hiper-crítico consigo mesmo e sem pudores no estilo doa a quem doer, numa escala ainda mais impressionante devido ao talento descomunal dos humoristas envolvidos. High Five!

Contos | O Princípio do Fim

31 de dezembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura Brasileira

Para ler ouvindo: Black Sabbath – End of The Beggining

Nunca voltei a entrar no mar após quase me afogar quando criança. Foi a primeira experiência frágil que sofri sem que minha mãe fosse capaz de me ajudar. Eu ainda não sabia que a vida era uma sucessão de ações de quase-morte ou quase-vida. Espanta-me, portanto, anos depois, agora adulto, estar com os pés na areia, aguardando as ondas me abraçarem.

Quando N. me disse para mudarmos de cidade, pois o mundo ficaria mais fácil com o novo emprego, eu achei, por um curto período de tempo, que ela estaria em minha vida para sempre. Que brindaríamos a existência a cada dia, enterraríamos muito dos nossos entes em conjunto, sepultura após sepultura, um ao lado do outro. Mas, em minhas mãos, sobraram apenas os dedos e uma única taça de cristal que, de maneira patética, será dedicada a um novo ano enquanto adentro o mar dando saltos a cada onda que virá.

Nós estivemos aqui uma vez. “Larga de ser medroso, eu estou com você”, ela me disse. Mas permaneci no hotel, sozinho, enquanto ela, após uma discussão de bater portas, foi comemorar o ano novo em oferendas ao mar. Ela voltou quando os fogos tinham se dissipado, o olhar frio de quem não aceitava meus abismos. “Você é um babaca”, e deitou na cama com o vestido branco.

Escolhi este mesmo local como um desafio. Para provar que ela estava errada diante de meus medos. Mas, provavelmente, ela riria de mim. “Abram alas para o senhor dramático, ele precisa de atenção”. Ela sabia ser cruel quando contrariada, mas creio que o fim transforma todas as relações em brumas.

Os casais passam por mim com suas crianças birrentas. A cada passo dado na areia, os smartphones brilham pela praia para registrar os segundos. Não há nada que se deva manter para o futuro, eu penso, mas eles não param. Pergunto-me, diante de um mundo efêmero, se os registros são uma tentativa de traçar um caminho. Pedaços de pão na estrada que significam sequência e continuidade. Vimos, vivemos e vencemos. E imagino um corvo seguindo o caminho dessa estrada imaginária, comendo as trilhas de pão como um prenúncio para o caos. Eu rio pensando no quanto eles ficariam desesperados se perdessem estes registros preciosos.

Uma garota esbarra em mim, a taça cai no chão. Ela pede desculpas, sorri, pega a taça, nossas mãos se tocam por um instante. “Um feliz ano novo para você”, diz, e seu sotaque estrala ao som das palavras. “Feliz para você também”, respondo com o mesmo som estralado. Permaneço sibilando a palavra feliz para ninguém até perceber o quanto isso soa idiota. Feliz. Feliz. O que estou fazendo aqui?

Eu vim para enterrar um morto. Para sepultar trezentos e sessenta e cinco dias de merda pelos quais passamos. Como um mártir escolhido pelo meu povo, eu desejo que minhas preces sejam atendidas e que tudo pareça diferente quando o sol estiver de novo queimando nossas retinas. Dois mil e dezesseis foi um ano tomado pela loucura. Descemos a um novo círculo do inferno mas não há Alighieri como narrador desta jornada. Sobrevivemos de nossas ilusões.

O bem e o mal sobre a terra como cura ao tédio enquanto tudo se desmancha. Estamos rindo, entupidos até o rabo com ansiolíticos, ouvindo fitas de gurus paraguaios dizendo que tudo ficará bem. A mentira contada mais de uma vez para evitarmos o fato de que estamos fodidos por completo.

As horas informam que em breve um novo ano desponta no horizonte. No ar, existe uma eletricidade invisível que transforma a ilusão em esperança. Eu me imagino saltando cada onda como um astro de rock cujos movimentos são louvados pelo público. Cada movimento ruim sendo reprisado em minha memória como se pudesse ir embora pelo mar: pai, N., e cada partícula infeliz daqueles que me cercam.

O universo realiza mais uma de suas voltas paquidérmicas, situando o espaço, o sol, e toda a artilharia espacial em um jogo que faz do futuro um novo presente. Em meio aos fogos que subirão aos céus como deuses mortos, demonstrando talento para a pirotecnia em meio ao caos, nasce um novo momento. Enquanto as mãos estão ao alto pedindo preces, as cordas invisíveis continuam nos pescoços. Em largas passadas a distância, o carrasco se prepara para a execução.

Carrie Fisher (1956 – 2016) | Vida Longa à Princesa

27 de dezembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Carrie Fisher, Star Wars

Ao grande público, Carrie Fisher sempre foi uma atriz de um único personagem. Uma afirmativa que a própria intérprete, honesta em sua trajetória, reconheceu anos depois. Se, assim como outros atores da trilogia clássica, houve momentos de amor e ódio em relação ao seu papel como princesa Leia, nada retirou a robustez de sua atuação.

Leia era uma princesa por título, mas distante daquela do imaginário popular. Não era frágil, nem precisava de resgate como a maioria delas nos clássicos contos de fadas. Envolvia-se diretamente com a ação, era irônica, geniosa e foram estes fatores que a transformaram em ícone admirado por fãs como um bom personagem. Para as mulheres, era um novo símbolo de representação. Em época em que as mulheres ainda tinham um papel figurativo em histórias de ação, Fisher estava em equilíbrio com o elenco masculino. Para os homens, foi uma das paixões platônicas da adolescência. Um misto de admiração pela força interna além de uma beleza inevitável, destacada pela discutida cena do biquíni em Star Wars: Episódio VI – O Retorno de Jedi, considerado hoje uma cena fetichista e desnecessária.

Enquanto Leia como personagem sempre permaneceu no topo, tornando-se maior do que sua interprete, Fisher sofreu por diversos anos devido ao abuso de cocaína e analgésicos, além do diagnóstico de um transtorno bipolar. Porém, foi capaz de rir da própria destruição, fez shows de humor narrando sua trajetória de superação, bem como viveu a mencionada fase de amor e ódio com sua grande personagem, assim como Mark Hammill. Nenhuma crítica forte o suficiente para destruir sua imagem diante do público que a amava em Star Wars.

A Princesa Leia se tornou Carrie Fisher, assim como Carrie Fisher é a Princesa Leia. A morte da atriz encerra a dinastia de um grande personagem amado do público. Uma figura que a despedida não será capaz de subtrair, mantendo-a no imaginário da cultura como um forte personagem.

Fisher derrotou na vida diversos ataques de seu Império Galáctico pessoal, nunca feneceu. Mas mesmo os membros mais graduados da Aliança Rebelde precisam descansar. Carrie Fisher sai de cena em paz com sua grande personagem e em sintonia com seu público-fiel. A princesa está morta. Longa vida a princesa!

(Carrie Fisher lançou este ano biografia Memórias da Princesa – Os Diários de Carrie Fisher)

Eduardo Risso e Alan Davis: Aprendendo com os Mestres

20 de dezembro de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Quadrinhos

Alan Davis, Batman, Eduardo Risso, Frank Miller, Mark Farmer

Ainda sobre a CCXP, evento que ocorreu entre os dias 1 e 4 de dezembro, trazemos hoje mais algumas informações. Em comparação com o texto anterior – Diário de Bordo – Um Final de Semana na CCXP -, esse deveria conter uma quantidade absurdamente maior de conteúdo (supondo-se que o anterior tenha tido alguma utilidade), e espero conseguir transmitir tudo que pude absorver de pessoas com um conhecimento, vivencia e experiência absurdas no meio dos quadrinhos.

Por ordens do nosso coronel tentamos visitar quatro painéis, sendo eles; Eduardo Risso, Alan Davis, Mark Farmer e Frank Miller. Fracassamos com Frank. Mesmo chegando com uma hora de antecedência, eis a fila que nos esperava.

Apesar da vontade, a vida é curta demais para isso.

Assim, foquemos no que foi possível aprender e apreciar. No sábado estivemos no painel de Eduardo Risso, artista argentino muito conhecido pelo seu trabalho com Brian Azarello em 100 Balas (100 Bullets), qualquer outra informação supérflua pode ser encontrada na Wikipédia, de forma que iremos ao que interessa. O painel de Risso tinha um foco na argumentação dos quadrinhos em geral, mas não impediu o artista de falar sobre sua carreira, seu modo de ver a indústria e fazer critica ao modo como tudo é administrado no meio.

Eduardo Risso em sua masterclass.

Fazendo um paralelo com o cinema, Risso falou aos aspirantes presentes sobre os principais desafios atualmente presentes na indústria dos quadrinhos e sua visão sobre como lidar com tal fato. Em vista da popularização do universo das comics tanto para o cinema como para a TV (e nesse ponto ele colocou aspas enormes), o modo de retratar os dramas, ações e diálogos precisou ser revisto por toda a mídia. Existe uma facilidade de impacto visual óbvia no cinema, com os orçamentos astronômicos dispensados aos efeitos especiais e ao retorno quase certo por parte da audiência, não existe limite para o que se pode mostrar ou fazer. Em contrapartida, nos quadrinhos, têm-se as limitações já inerentes à arte, como o espaço dispensado para representar ações, as ações em si que são limitadas ao traço do quadrinista e ao tempo e orçamento limitados pelas editoras. Dessa forma ele foi bastante claro quanto à necessidade de talento, criatividade (apesar de ser claramente contra a utilização dessa palavra) e técnica para aproveitar cada aspecto da percepção do leitor, e conseguir leva-lo à fantasia de tornar móvel o que é imóvel, e emocionar com poucas palavras e imagens, o que na verdade é apenas um conjunto de rabiscos.

Sem poupar críticas ele ainda ressalta que tal dificuldade de se lutar contra a indústria cinematográfica por um lugar ao Sol se deve ao fato da falta de cultura da geração atual, onde a imagem e a facilidade de entendimento deram lugar ao imaginário e a beleza de se interpretar os traços e as escritas de uma maneira particular e única para cada um. Segundo ele, não é interessante para governos e instituições que os jovens sejam leitores, e sim jovens espectadores, e a eles sejam dadas as coisas prontas e sem margem para interpretação e livre pensamento. Perguntado sobre a visão do Brasil no plano dos quadrinhos, ele volta a falar sobre a cultura (ou falta de…) dos jovens, buscando facilidade e conforto nas mídias atuais, mas sem isentar a falta de incentivo governamental para a leitura e a divulgação da cultura. Nessa linha de raciocínio, ele toca em outro ponto sensível para alguns, que é a banalização da arte em função dos super-heróis.

Para Risso, apesar de necessário em alguns momentos de sua vida (e ele é bem sincero com suas necessidades financeiras), ele se arrepende e mostra desagrado por ter tido a necessidade de desenhar super-heróis. Em sua visão, uma vida como artista desenhando homens musculosos e heroínas de pouca roupa é uma vida perdida, e se mesmo por necessidade o artista se propõe a fazer isso por tempo demais isso pode significar sua morte como criador e potencial artista original. Os conceitos já estão por demais formados e travados na mentalidade de mercado atual, e não há espaço para coisas novas e de cunho filosófico. Apenas mais do mesmo. Uma repetição incessante de historias já contada, apenas com capas alteradas.

Foi-nos negada a possibilidade de questiona-lo sobre sua visão do futuro cinematográfico dos heróis, uma vez que segundo ele mesmo é um nicho fadado à mesmice e a mediocridade narrativa. Crendo que tal impossibilidade foi uma conspiração por parte dos sites rivais jovens e não tão culturais, nos resta esperar para ver.

Encaixando de forma fantástica com o show de Eduardo Risso, no domingo pudemos acompanhar o fantástico Alan Davis e seu finalizador Mark Farmer nos darem opiniões um pouco distintas com relação à indústria dos quadrinhos. Sem tanto conteúdo falado e de vivencia, Davis e Farmer trouxeram a experiência no desenho em si para a mesa e nos agraciaram com um enquadramento ao vivo do Cavaleiro das Trevas, desde o esboço disforme até a finalização a tinta.

Falando de sua experiência como quadrinista, Alan nos mostra uma apresentação de fotos de todos os seus momentos na indústria, explanando sobre diferenças de traços e sobre sua evolução como desenhista. Sobre aprendizado, ele deixou uma lição para aqueles que são pais, ou possíveis formadores de opiniões e profissionais. Nunca limite a mente de outra pessoa. Não existe forma de se expressar desagradáveis e erradas, e sim percepções divergentes sobre objetos, de forma que as percepções irão evoluir naturalmente, mas nunca da mesma forma.

Spider-man e Batman, pela sua neta.

Batman e Robin, segundo seu neto.

Sobre técnica, chegou a desdenhar da ideia de lápis e canetas mágicas, preços exorbitantes de materiais de desenho. Em sua visão, um traço é tão bom quanto o artista que o faz, seja no melhor papel com o pedaço de carvão mais barato. Uma lição para alguns que o questionam sobre seus materiais e técnicas diferenciadas de desenho. Ele deixa claro que liberdade de se expressar leva ao aprendizado, nunca tendo ele passado por nenhum tipo de formação acadêmica (ou treinamento de qualquer tipo) quando do inicio de sua carreira profissional.

Ensaia alguns argumentos sobre linguagem corporal e representação nos quadrinhos, mas não se aprofunda, mostrando e comentando alguns quadros onde usa poses e expressões para explicitar backgrounds que de outra forma precisariam ser descritos e, assim, contra produtivos. Em meio a descrições de formas de se produzir eficientemente em uma indústria bastante exigente com prazo, e histórias pouco amigáveis com colegas e editores, temos a entrada de Mark Farmer no painel de Alan.

“Esboço pobre”, segundo Davis, desenhado pelo mesmo.

Parceiros de trabalho, ambos trocam brincadeiras e logo temos um clima bem mais descontraído e menos formal com Farmer se apresentando e pedindo que Alan se retirasse, já que não entendia muito de desenho. Esse modo de agir ditou todo o painel de Mark, que apesar de bem mais descontraído e pouco preocupado em falar sobre técnicas e modos de produção, ainda pode dar um vislumbre de como é a vida de um desenhista/finalizador e quão dedicada e disciplinada deve ser sua administração de tempo.

Dizendo que já aprendeu a lidar com calotes de editoras, chamando Alan Moore de “gatinho manhoso” e se vangloriando de “sair” para trabalhar em seu sótão no inverno de chinelos e bermuda, vemos o lado que parece perfeito em todo profissional bem sucedido e feliz com seu trabalho. E se não somos todos desenhistas, ao menos foi possível ver o quão felizes podemos ser com dedicação e prazer no que fazemos.

Final do masterclass.

Uma demonstração de perícia absurda enquanto, distraidamente, faz piada e responde à plateia, foi o que tivemos em um painel bastante tranquilizador e que finalizou o masterclass da CCXP 2016 da melhor forma que um amador em desenho e leigo na indústria poderia esperar. Fiquei pessoalmente espantado com a demonstração de humildade e afeto mostrada pela grande maioria dos artistas no evento. Especialmente maravilhado pela pericia e conhecimento distribuídos àqueles que vão à busca disso em uma oportunidade única de reunir nomes tão significativos e variados de uma indústria que, segundo eles que fazem parte, dá poucas chances para os muito talentosos, e nenhuma para os de mente simples.

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Texto de autoria de Lucas Nunes.

Top 20 | Diretores de Fotografia – Parte 1

16 de dezembro de 2016 by Vortex Cultural

Bill Pope, Bradford Young, roger deakins

Direção de fotografia é uma forma de arte quase que subestimada. Quando muitas pessoas vão ao cinema, elas podem perceber que a fotografia foi bonita, mas são poucas as pessoas que vão atrás do responsável por dirigir esse trabalho. Na grande parte das vezes essa pessoa pode passar despercebida do público geral, tirando a ressalva dos indicados ao Oscar. Mas cinéfilos com a paixão pela fotografia sabem que a sétima arte é completamente um meio colaborativo que enquanto alguns diretores trabalham ao mesmo tempo na fotografia, a grande maioria dos resultados que vemos na grande tela envolve o diretor, fotógrafo, designer de produção, figurinista e etc.

Quando a fotografia digital começou a aparecer, de repente houve um boom de diferentes novas maneiras de capturar o filme. Alguns realizadores abraçaram as vantagens do digital, enquanto outros optaram por isso como um recurso visual extra. No fim do dia a câmera é uma das muitas maneiras de dar vida ao visual do seu filme. E hoje posso dizer que, vivemos um momento muito interessante para a fotografia.

Existe um número considerável de fotógrafos que tem trabalhos dignos de serem ressaltados, mas para fechar esse artigo eu selecionei apenas 20. Os citados aqui representam profissionais que atuam hoje na indústria, com diferentes maneiras e estilos para fascinar o espectador, o que ligam todos é que estão fazendo um trabalho fenomenal na sua área.

20 – Roger Deakins

Trabalhos: Skyfall, O Assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford, Fargo.

Roger Deakins é um mago. Ele vem lapidando seu talento há quatro décadas e só continua melhorando. Deakins recusou as escolhas óbvias, resultando na iconografia marcante que permeia Onde os Fracos não tem Vez e Um Sonho de Liberdade, e ele parece completamente confortável fotografando um longa cômico como Queime Depois de Ler assim como um épico histórico como Invencível. Suas colaborações mais frequentes são com certeza com os Irmãos Coen, mas comparando seu trabalho nesses filmes com A Vila ou Sicario de fato denota a competência do mesmo para atribuir diferentes estéticas para cada visão de diretor. Você conhece quando um filme é fotografado Deakins, mas o mesmo tem uma capacidade de camaleão de atravessar os gêneros. De uma maneira técnica Skyfall e O Assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford são suas obras-primas mesmo sendo filmes completamente diferentes.

19 – Jody Lee Lipes

Trabalhos: Manchester à Beira Mar, Girls (1ª Temporada), Martha Marcy May Marlene.

Jody Lee Lipes é relativamente um novato em comparação aos outros nomes da lista, mas ele chegou com o pé direito, estreando sua carreira com o sombrio Martha Marcy May Marlene e a primeira temporada de Girls, da HBO. Com esse último, Lipes aceitou o desafio de capturar Nova York de maneira completamente diferente, e ele conseguiu. Cada episódio de Girls parece que foi artesanalmente enquadrado, e muita dessa impressão vem das influências anteriores do mesmo. Desde então, ele pegou projetos como a comédia de Judd Apatow e Amy Schumer, Descompensada, mas é sua colaboração com o diretor Kenneth Lonergan no obra prima dramática Manchester à Beira Mar que marca sua posição como um dos d. de fotografia mais promissores de hoje. Aos que não viram Machester fiquem avisados que verão tomadas extremamente envolventes durante o longa.

18 – Bradford Young

Trabalhos: Selma, O Ano mais Violento, A Chegada.

Se você esta procurando por novos rostos no quesito direção de fotografia, Bradford Young deve estar no topo de sua lista. Nós sabíamos que pelo seu trabalho no Neo-Western Amor Fora da Lei que ele era capaz de capturar um gênero de maneira intimista, e Pariah provou sua capacidade de se adaptar a fotografia road-movie. Mas foi em 2014 com Selma que ele se mostrou muito mais que um fotógrafo competente. Young tem um controle intenso do ponto de vista do personagem, trabalhando em conjunto com Ava DuVernay, ele ajudou a narrar a solidão marcante que foi a vida de Martin Luther King Jr., fora a cena do terrível ataque na ponte Edmund Pettus. Com a ambientação oitentista de O Ano mais Violento, Young mais uma vez brilhou, e não é surpresa que ele foi escolhido pra substituir Roger Deakins no novo filme de Denis Villeneuve, o sci-fi/drama A Chegada.

17 – Bill Pope

Trabalhos: Matrix, Homem-Aranha 2, É o Fim.

Bill Pope tem uma carreira fascinante. Passeando por gêneros completamente díspares, de Uma Noite Alucinante a um longa de estúdio engessado como As Patricinhas de Beverly Hills, ele pode ter como seu trabalho mais reconhecido o revolucionário Matrix, de 1999, mas seu currículo não para por aí. Pope reprisou seu talento nas sequências da franquia e se manteve em blockbusters como Homem-Aranha 2 e 3, e ainda arranjou tempo pra trabalhar em filmes conhecidos por terem sido produções muito problemáticas como Team America: Detonando o Mundo, e agora se tornou o Diretor de Fotografia oficial do diretor Edgar Wright depois de sua primeira colaboração em Scott Pilgrim contra o Mundo. Pope tem uma incrível capacidade de produzir imagens pop, mas de um maneira intrigante, ele sabe como prosseguir cenas de ação. Mas o mais importante, Pope não aparenta ter medo de tentar coisas novas. Sejam bonequinhos, super-heróis, ou até a série Cosmos. Pope se prova o mais versátil até hoje com o lançamento desse ano Mogli: O Menino Lobo e o piloto da série Preacher mostram que ele se mantêm confortável tanto no ambiente em CG como numa cidadezinha no meio do nada no Texas, e os dois são incríveis!

16 – Maryse Alberti

Trabalhos: Creed, O Lutador, Velvet Goldmine.

Maryse Alberti é um dos exemplos mais interessantes dessa lista. Ela começou no ramo dos documentários. Suas tomadas mostravam uma carreira já promissora como no filme Um Táxi Para a Escuridão e mostrando ser altamente capacitada para longas quando colaborou com o diretor Todd Haynes, em 1998, com Velvet Goldmine. O trabalho de Alberti alcança destaque para a maioria dos espectadores no filme de Darren Aronofsky, O Lutador, novamente mostrando assim como Bradford Young um enorme talento em capturar o ponto de vista do protagonista. Se já não bastasse, ela foi a primeira escolha de Ryan Coogler quando estava desenhando a ideia de sua sequência de Rocky Balboa, resultando numa obra contundente e emocionante tanto dentro quanto fora do ringue. De fato, existem dois planos-sequências em Creed: Nascido Para Lutar que não são apenas visualmente incríveis mas que tem um propósito em cena. Você consegue sentir a ansiedade de de Michael B. Jordan dentro da montagem da cena.

https://www.youtube.com/watch?v=pqSSHmr8bR4

15 – Darius Khondji

Trabalhos: Se7en, A Imigrante, Meia-Noite em Paris.

Lá em cima com Deakins, Darius Khondji é um veterano da fotografia cinematográfica, trabalho esse que sempre parece ficar melhor. Nascido no Irã, o diretor de fotografia já deixou sua marca colaborando com David Fincher no longa Se7en – Os Sete Crimes Capitais, capturando a sujeira e o desespero da cidade sem nome com um tipo de beleza mal assombrada. E mais tarde, se tornou co-diretor de fotografia de Woody Allen em Meia -Noite em Paris. Fora isso, foi seu trabalho no longa de James Gray, em 2013, no drama histórico A Imigrante que solidificou seu lugar como um dos melhores de todos os tempos. O filme é carregado de sequências inesquecíveis, mas é nos closes que ele se mostra genial, reforçando de maneira curiosa a temática do longa.

14 – Claudio Miranda

Trabalhos: As Aventuras de Pi, O Curioso Caso de Benjamin Button, Tron: O Legado.

Como a fotografia em CG ganhou popularidade, a quantidade de diretores de fotografia para CG cresceu progressivamente. Claudio Miranda se tornou referência quando o assunto vem à tona. Miranda se tornou algo como a ponte entre a fotografia real e o CG, do realista O Curioso caso de Benjamin Button até o sci-fi Tron: O Legado. Ele sabe o seu caminho através do cada enquadramento, e nenhum deles é tão atraente quanto em As Aventuras de Pi, de Ang Lee. Os cenários e personagens são todos em CG, o ator Suraj Sharma é o único elemento real enquadrado em boa parte do filme e mesmo assim Miranda encontrou beleza que salta os olhos no longa, resultando em muitas indicações e estatuetas no Oscar.

13 – John Guleserian

Trabalhos: Questão de tempo, Paixão Inocente, Casual.

O diretor de fotografia John Guleserian marcou sua trajetória em passos largos. Iniciando sua carreira com a série Tim and Eric Awesome Show, Great Job!, foi seu trabalho com Drake Doremus em Loucamente Apaixonados e Paixão Inocente, e o último lançado Quando Eu Te Conheci que realmente mostraram o potencial do fotógrafo. Existe algo crespo no universo imagético de Guleserian que traz o espectador para muito perto do que ocorre em tela, e o uso frequente de câmera na mão apenas aumenta essa impressão dos personagens no filme. Mesmo com filmes muito focados em luz como em Questão de Tempo, algo permanece urgente e próximo que permeia até as cenas mais periféricas.

12 – Jeff Cronenweth

Trabalhos: Clube da Luta, Retratos de Uma Obsessão, Abaixo o Amor.

Se tem dito muitas vezes que David Fincher é um diretores que sabe fazer seu trabalho melhor que ninguém, mas existe um motivo pelo qual ele colaborou Jeff Cronenweth em Clube da Luta além de seus últimos três filmes seguidos. A diversidade na paleta entre A Rede Social e Os Homens que não amavam as Mulheres é chocante e o controle de Cronenweth sob cada enquadramento não é menos impressionante. O imagético muitas vezes de natureza estéril reflete a frieza de muitos dos personagens da trama, mas em filmes como Garota Exemplar e até Hitchcock, Cronenweth provou que ele pode manter esse consistência de qualidade a cada enquadramento até hoje.

11 – Emmanuel Lubezki

Trabalhos: Árvore da Vida, Ali, A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça.

A lista não poderia estar completa sem Emmanuel Lubezki, que está destinado a ser um dos maiores diretores de fotografia que já viveu. Foi indicado ao seu primeiro óscar por A Princesinha, de 1996, mas esse foi apenas o começo. Sua colaboração com Alfonso Cuaron trouxe um trabalho impactante para diversos filmes como E Sua Mãe Também, Filhos da Esperança e Gravidade. A inclinação de Lubezki para a fotografia “câmera-na-mão” é a primeira vista surpreendente e intimista, permitindo que a audiência sinta que elas também são parte importante da trama. Sua parceria com Terrence Malick provou francamente ser um pioneiro, trazendo a audiência tão próxima que chega a ser desconfortável, e mesmo assim conseguiu construir algo bonito e poético com A Árvore da Vida, onde a técnica parece tornar o longa de outro mundo. E nem precisamos citar Birdman e O Regresso. O homem é um mestre na fotografia, mago da natureza e acima de tudo um realizador excitante.

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Gostaram até aqui? Continue acompanhando o Vortex Cultural que em breve postaremos a segunda parte!

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Texto de autoria de Halan Everson.

Diário de Bordo – Um Final de Semana na CCXP

7 de dezembro de 2016 by Vortex Cultural

Cavaleiros do Zodíaco, saint seiya

Trazendo um pouco de inutilidade cultural para o Vortex Cultural, acompanhamos o final de semana na CCXP – Comic Con Experience, nos dias 03 e 04 de dezembro. Apesar de algumas missões designadas pelo coronel não serem cumpridas, no decorrer desse texto será possível entender os motivos de algumas tentativas infrutíferas de gerar conteúdo relevante para os leitores.

Psicologicamente preparados para filas de espera como no ano anterior, chegamos com antecedência na concentração para entrada do evento. Não importa se é sua primeira vez no evento, ou se é apenas mais um dia do pacote de 4 dias e com uma experiência nos anos anteriores; você vai sentir, mesmo que por simpatia, a excitação e a ansiedade que permeia a multidão aglomerada nas portas. Uma variedade de pessoas, estilos e interesses que, de forma alguma, pode ser tachada ou generalizada como erroneamente a mídia da massa faz parecer. E por mais deslocado que você se sinta habitualmente, essa espera faz com que você se sinta parte de uma multidão que, naquele momento, se torna comum.

Horas de espera e tempo morto são recompensados às nove da manhã, quando todos são liberados de suas filas organizadas e definidas para uma caminhada até a entrada principal do evento. E assim se descobre a primeira grande fila. Desorganizada, mas ainda assim prazerosa. Poucas coisas superam a antecipação de uma espera prestes a chegar ao fim. E é nesse ponto que as diferenças entre os grupos se faz mais claro. Tempo demais de espera envolvido por pessoas com interesses no mínimo semelhantes vai gerar uma troca de ideias e informações muito grande.

Primeiramente podemos falar das diferenças de poder de aquisição dos envolvidos. Se você escolheu o pacote mais acessível, você esta nessa fila absurda que te dará acesso às dez da manhã. Já o pacote mais (e bem mais) caro te dá um acesso antecipado e alguns outros benefícios. Mas entre todos esses envolvidos, abastados ou não, temos as diferenças entre colecionadores, curiosos, “empreendedores” (explico mais tarde), artistas aspirantes, fantasiados e aqueles que não sabem como foram parar ali. Parte vital do evento, essa diversidade é a engrenagem principal do alvo do investimento de tempo e dinheiro dedicados nesses dias. O consumismo descontrolado.

Esse que vos escreve, necessário fosse, se posicionaria entre os colecionadores que se envolvem nesse evento por uma oportunidade de exclusivos, raridades e sorte. Sempre há a possibilidade de se esbarrar em um estande mais separado com uma peça de difícil acesso, e que você talvez apenas tenha ouvido falar algum dia. Porém, qualquer que seja sua classificação, você está ali para consumir algo. Conteúdo, novidade, tempo com uma personalidade, conhecimento, bens, tudo que se possa desejar tem um preço. E ao leitor desinformado um aviso, nenhum preço é barato. Não é um lugar que foi feito para te fazer economizar ou poupar. Se você tem um propósito, qualquer que seja, vai lhe custar.

Em um balanço posterior, pode-se afirmar que o maior consumo no interior do evento é tempo. Se você é colecionador, pode-se esperar horas e horas em filas. Sim, no plural. Será leviano um colecionador que deseja uma peça exclusiva acreditar que a única fila que ele vai enfrentar será a de venda. As peças são limitadas, assim como seu tempo. Você, nesse ambiente, precisa estar preparado para investir pesado em um desejo. Madrugar nas portas para ser o primeiro a entrar? É válido. Só não esqueça, colecionador, ou simples amante de fotografias e atrações, que existe a opção de se pagar a mais por uma entrada antecipada. E essas pessoas já estarão lá dentro com seus lugares e itens garantidos. Bem vindo à Comic Con n Queue EXPERIENCE.

Fantasias e cosplayers. Normalmente são um ícone e uma característica de eventos como esses. Para quem vê de fora é uma atração a parte, para os envolvidos é uma arte e um modo de ser representar. Como todas as atividades têm-se aqueles dedicados e perfeccionistas, mas também temos as pessoas desleixadas e que simplesmente se divertem. De qualquer forma, é algo a ser admirado e vale a pena. A quantidade e variedade de personagens com que se cruza são absurdas e cativantes. Sempre com um sorriso, uma foto e algo de positivo a se dizer, são admiráveis a raridade de mesquinhez, preconceitos e desagrados que se encontra em meio a tantas pessoas se trombando, competindo por espaço e atenção.

Um adendo pessoal de um leigo apreciador de cinema. Senti-me impressionado como uma obra tão fraca como Esquadrão Suicida, com personagens pouco cativantes e uma pífia representação de um grupo pouco expressivo pode gerar um furor tão grande entre jovens adolescentes, adultos e inclusive respeitáveis senhoras (e rapazes, como se esquecer dos rapazes) a se vestirem como sua personagem feminina principal. Traumático em certos momentos e agradável em outros, só penso em como o mercado de bastões de beisebol se aqueceu nesse ano com Negan e Harley.

Artist Alley como sempre é um show a parte. A quantidade de talento por metro quadrado é gigante e assim como nos anos anteriores, contou com nomes renomados e já consagrados em suas mais diversas representações de tão digna arte. A grande maioria está sempre prestativa para conversar e te dar um autógrafo, infelizmente nos deparamos também com alguns egos inflados e olhares vazios. Miudezas que não diminuem em nada a beleza e a satisfação que podemos encontrar nesse ambiente. Os três painéis que serão apresentados no site foram de artistas presentes no Alley e que, cada um de sua forma, transbordaram conhecimento em uma hora e meia cada de apresentações.

A Disney dedicou-se a divulgar, em seu espaço gigante, os seus próximos blockbusters, com apresentações de trailers e eventos temáticos de Rogue One, Piratas do Caribe e Guardiões da Galáxia. Uma dedicação extraordinária do staff para divulgar obras que, independente de qualidade, irão gerar bilheterias enormes. Pouco há a se dizer além do que grande parte da mídia se compromete a dizer e repetir incansavelmente.

Para aqueles admiradores da fina arte japonesa, há estandes enormes dedicados à venda e publicidade de obras já renomadas que são relançadas em território nacional, também há um espetáculo a parte de demonstração de valor por parte das distribuidoras das obras. Completando trinta anos de lançamento, a franquia Saint Seiya recebeu atenção especial por parte do evento. Um estande impressionante apresentava ao público amante de tal franquia coleções já conhecida e futuros lançamentos de colecionáveis. Não suficiente, apresentava as conhecidas armaduras de ouro em tamanho real e completas. Um deleite para aqueles que cresceram sem nunca imaginar que veriam algo de um universo fantástico tão próximo do real.

Aos painéis será dada atenção mais especial, pois o que se pode absorver não é tão genérico, sendo voltado bastante a um publico de interesse mais especifico.

Em conclusão, o que se pode dizer sobre esses dias? Filas intermináveis? Sim. Horas e horas “perdidas” por uma assinatura ou uma peça exclusiva? Também. Mas nada desanima aqueles que encontram nesse evento diversos momentos dedicados à paixões tão particulares e peculiares. São momentos em que o pai, a mãe, os avós (e muitos deles estavam lá) e o garoto mais introvertido, podem se “tornar” os seus heróis e vilões favoritos, esquecendo-se de que devem algo além de seriedade para uma sociedade pouco tolerante e, sejamos sinceros, preconceituosa.

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Texto de autoria de Lucas Nunes.

TOP 10 | Diretores Pé Frio ou que acabaram na geladeira

13 de novembro de 2016 by Vortex Cultural

debra granik, frank darabont, josh trank, Julian Schnabel, marc foster, Richard Kelly, walter salles

Você provavelmente já ouviu antes o termo “na geladeira”. Se refere a diretores ou produtores que cairam num ostracismo coletivo na indústria do cinema. Geralmente eles também conseguiram trabalhos muito bem recebidos pela crítica mas que o público ignorou nas bilheterias, e as vezes até pior, desastres de público que os deixaram mal vistos pelos estúdios. E o mais frustante sobre diretores que acabam virando pé frios ou acabam na geladeira é que na maioria dos casos todos são realizadores muito mais talentosos do que a produção que acabou amaldiçoando suas carreiras. Estranhamente, existem também talentosos diretores que apesar da crítica conseguem com filmes pequenos de baixo orçamento marcar sua presença na indústria e quando conseguem um trabalho num grande estúdio parece que o talento desaparece.

O Diretor M. Night Shayamalan novamente retorna a direção com um thriller estrelando James McAvoy e esse foi o estopim para essa lista. Segue o Trailer de seu mais novo filme, The Split:

Então apesar dos pesares dessa indústria, segue a lista aqui a lista de diretores pé frio ou que entraram na geladeira.

1 – Todd Field

Maior Realização: Entre Quatro Paredes (2001)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Pecados Íntimos (2006)

O que aconteceu: Após um relativo sucesso como ator na Tv e no Cinema, ele conseguiu respaldo na cena como roteirista e diretor de Entre Quatro Paredes que conseguiu 5 indicações ao Oscar incluindo melhor filme. A bilheteria rendeu consideravelmente bem totalizando 42 milhões nos EUA, sendo uma produção de apenas $1.7. Field seguiu essa mesma pretensão em Pecados Íntimos, outra produção aclamada pela crítica que rendeu três indicações ao Oscar incluindo seu segundo em roteiro adaptado. Infelizmente esse último não rendeu um bom retorno para sua produtora, a New Line, conseguindo apenas 14 milhões, sendo que custou $26. Diretores muito piores já perderam muito mais dinheiro em Hollywood e já estavam com outro projeto logo em seguida para dirigir mas não foi o caso de Field, que passou os 10 anos seguintes procurando desenvolver seu próximo projeto, só que na televisão. O canal Showtime bancou a adaptação de 20 horas do romance Purity, de Jonathan Frazen estrelando Daniel Craig. Field está dirigindo pelo menos 2 episódios.

2 – Julian Schnabel

Maior Realização: O Escafandro e a Borboleta (2007)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Miral (2011)

O que aconteceu: Reconhecido como pintor, Schnabel fez três grandes filmes: Basquiat (1996), Antes do Anoitecer (2000) e o Escafandro e a Borboleta. Antes do Anoitecer foi um dos mais aclamados filmes daquele ano e concedeu a Javier Bardem sua primeira indicação ao Oscar. Escafandro conseguiu quatro indicações incluindo melhor diretor para Schnabel. O drama quase alcançou a premiação de melhor filme e mesmo assim quase que nem se pagou mesmo com os lucros de mídia física. Seu filme seguinte, Miral, não foi muito bem recebido e financeiramente foi pior ainda. Em teoria Schnabel pode estar pesquisando para seu próximo filme, mas ele também pode estar na geladeira do cinema por falta de financiamento pelos seus últimos dois trabalhos.

3 – Frank Darabont

Maior Realização: Sonho de Liberdade (1994)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Cine Majestic (2001)

O que aconteceu: A vida de Darabont em Hollywood vai piorando a cada filme que o diretor lançou. O outrora roteirista do Jovem Indiana Jones alavancou sua carreira como diretor em 1994 com o que hoje é indiscutivelmente considerado um clássico, Um Sonho de Liberdade. Na época o filme foi um grande sucesso, sua segunda produção, A Espera de um milagre, o colocou na lista” A” de diretores da época. Ele não foi apenas um sucesso de critica como de público ($286 milhões mundialmente) além de ter rendido quatro Oscars incluindo melhor filme.

Infelizmente, Darabont foi quase ridicularizado pelo seu projeto seguinte, Cine Majestic, com Jim Carrey e Laurie Holden. O Filme realmente não é bom, mas a péssima bilheteria foi motivo para colocar Darabont na geladeira. Na verdade, seu próximo filme foi lançado apenas 6 anos depois, novamente uma adaptação de Stephen King, O Nevoeiro, filme que o diretor já tinha interesse de produzir por décadas, com um orçamento ridiculamente pequeno em relação aos seus trabalhos anteriores. E felizmente, O Nevoeiro na verdade fez dinheiro, mas Darabont mesmo assim não saiu da geladeira. Seu próximo projeto foi The Walking Dead, que acabou com a emissora o demitindo durante a pré-produção da segunda temporada (e só fica pior quando você percebe que logo nesse ano a série se tornou a segunda série mais popular no mundo). Ele contribuiu para o roteiro de Godzilla, e largou alguns projetos como Código de Conduta e O Caçador e a Rainha do Gelo por divergências criativas.

4 – Tamara Jenkins

Maior Realização: A Família Savage (2007)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: A Família Savage (2007)

O que aconteceu: O que teria acontecido com Tamara Jenkins? A diretora/roteirista que tinha dois impressionantes filmes no currículo: O Outro Lado de Beverly Hills e A Família Savage. O ultimo conseguiu duas indicações ao Oscar incluindo melhor roteiro original para a própria Jenkins. Desde de então ele ficou fora dos holofotes. E não é como se ela tivesse saído de hollywood; Seu marido é Jim Taylor, produtor ganhador do Oscar (Sideways). Ela recentemente escreveu o roteiro do filme Juliet Naked, projeto feito com seu marido para Jesse Peretz dirigir. Mas o filme não parece estar nem em fase de produção. Considerando a falta de espaço de mulheres por trás das câmeras e o talento da diretora, não é ao menos curioso sua situação atual!?

5 – Debra Granik

Maior Realização: Inverno da Alma (2010)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Não é claro.

O que aconteceu: Assim como Jenkins é no minimo muito estranho que não tenhamos ouvido nada sobre Granik desde Inverno da Alma. A sensação do festival de Sundance que mostrou o rosto de Jennifer Lawrence pro mundo e entregou duas indicações para mulheres no Oscar daquele ano torna a história muito curiosa. Vale lembrar que o filme custou apenas 2 milhões, rendendo $13.7 e foi o longa responsável por colocar a distribuidora Roadside Attractions no mapa. Em 2014, Granik lançou seu documentário Stray Dogs e esta rodando mais um drama chamado My Abandonment que tem lançamento previsto para o próximo ano. Dito tudo isso, como ela não conseguiu mais atenção dos grandes estúdios? Em 2012 ela desenvolveu uma série piloto para HBO que não saiu do papel em 6 anos.

6 – Walter Salles

Maior Realização: Diários de Motocicleta (2004)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Na Estrada (2012)

O que aconteceu: Salles, que se tornou o proeminente diretor do conhecido mundialmente Central do Brasil (1998). Um incrível drama com a talentosa Fernanda Montenegro, foi indicado ao Oscar em melhor filme estrangeiro, além de ter rendido cinco milhões apenas nos EUA. Sua produção seguinte, Diarios de Motocicleta é talvez seu melhor longa e ganhou melhor canção original em 2005. Porém o problema de Salles com Hollywood começou com a refilmagem do horror japonês, Água Negra, estrelado por Jennifer Connelly. O filme teria caido na onda de refilmagens de terror asiático como O Chamado e O Grito. O filme não foi apenas ruim mas péssimo em bilheteria, não conseguindo nem pagar seus 30 milhões de orçamento. Salles não fez outro filme em inglês até a adaptação da obra máxima de Jack Kerouac, Na Estrada. Com um elenco estelar incluindo Kristen Stewart, Amy Adams, Viggo Mortensen, Kristen Dunst e Elisabeth Moss (Aquela que estava em Mad Men, uma das maiores produções de TV da década). Infelizmente o filme não foi um sucesso, dividindo a crítica e rendendo apenas 8 milhões de uma produção com custo em $25. Até esse ponto, Salles provavelmente vai precisar de mais um novo pequeno filme que vai tira-lo da geladeira novamente.

7 – Marc Foster

Maior Realização: Em Busca da Terra do Nunca (2004)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Quantum of Solace (2007), Redenção (2011), Guerra mundial Z (2013)

O que aconteceu: Diretor superestimado ou autor subestimado? Ou os dois? Essa é a maior questão nas discussões sobre a carreira desse diretor. Que entregou obras muito interessantes como Em Busca da Terra do Nunca e a Última Ceia mas também parecia muito fora da sua qualidade quando trabalhou em grandes franquias como 007 – Quantum of Solace (considerando também que o derrame do roteirista na época também não favoreceu em nada na produção) e Guerra Mundial Z (Um filme que foi um desastre homérico dentro dos bastidores e até hoje não é claro a quem culpar) Forster tentou voltar as suas rotas independentes com o lançamento desse ano All I See Is You, que foi premiado no festival de Toronto desse ano, mas também dividiu a crítica além de não ter conseguido um distribuidor oficial nos EUA. Existem incontaveis exemplos de diretores que assim que entraram num grande estúdio simplesmente não conseguem fazer nada dar certo. Infelizmente Foster aparentemente está nesse balaio.

8 – Josh Trank

Maior Realização: Poder Sem Limites (2012)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Quarteto Fantástico (2015)

O que aconteceu: O que dizer que já não foi dito ainda? Ele demonstrou um enorme talento no seu Found Footage, mas se tornou o motivo de tudo ter se tornado um desastre na refilmagem do reboot do Quarteto Fantástico. Pior ainda que isso, Trank se tornou persona non grata por seus tweets culpando os problemas da produção por interferência do próprio estúdio. Isso não vai queimar sua reputação em todos os estúdio de Hollywood, mas a situação parece mais feia quando ele recentemente foi descartado de um spin-of de Star Wars em pré produção meses antes do lançamento do filme do Quarteto. O Comportamento do diretor no set e 100 mil dólares numa casa alugada durante a produção do Quarteto Fantástico fizeram sua fama de diretor prepotente e completamente impaciente. Ninguém esta dizendo que ele não é talentoso, a questão é que mesmo que ele encontre novamente um produtor que banque um novo projeto, é dificil pensar o que pode vir após seu último trabalho. Apesar de que ele já tem um filme do Al Capone em produção com o nome de Tom Hardy confirmado.

9 – Richard Kelly

Maior Realização: Donnie Darko (2001)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Southland Tales (2006)

O que aconteceu: Richard E. Kelly é muito talentoso. Muitos cinéfilos estão convencidos disso. Mesmo que não tenha um segundo grande filme, Donnie Darko é um filme criticado e discutido até hoje pela sua incrível capacidade de instigar dúvidas a cada transição de capitulo. Fez a primeira grande interpretação de Jake Gyllenhaal. Seu próximo filme Southland Tales, foi um desastre de proporções épicas. Lucrando miseros $374,743 mil dólares nos EUA mas custou $17 milhões para ser feito. De alguma maneira Kelly conseguiu outra chance com a Warner para dirigir um longa baseado no curta de Richard Mattheson “Button, Button”, mais conhecido no Brasil como A Caixa. Esse foi tudo o que Southland não foi: Bem dirigido, bem atuado e intrigante. Os críticos apesar de tudo não viram isso e o longa nunca recuperou seus 30 milhões de produção. Além disso Kelly tem essa má sorte; Ele perdeu a chance de fazer seu filme Amicus, que o protagonista seria o já falecido James Gandolfini, e até então não escreveu ou dirigiu nada em sete anos.

10 – Mimi Leder

Maior Realização: Impacto Profundo (1998)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Corrente do Bem (2000)

O que aconteceu: Um dos mais claros exemplos da maneira como Hollywood trata suas diretoras mulheres é o caso de Mimi Leder. Ela fez seu nome primeramente dirigindo E.R, e ganhando um Emmy por essa direção. Após tal realização a pressão dos estúdios foi consideravelmente substancial: O Pacificador, com George Clooney e Nicole Kidman recebeu críticas sólidas e conseguiu de volta seus 50 milhões de dólares que gastou durante a produção. Depois disso a Paramount e DreamWorks a contrataram para dirigir Impacto Profundo, o filme em contrapartida ao anteriormente lançado Armageddon de Michael Bay. Infelizmente o filme não fez tanto sucesso quanto o já citado, mas conseguiu um retorno muito mais positvo em críticas e foi um Blockbuster de $348 milhões no mundo inteiro. A verdade é que Leder fez história sendo a primeira diretora mulher a realizar um legitimo Blockbuster de Hollywood. Depois disso a diretora trabalhou num pequeno projeto no ano 2000 com Kevin Spacey e Helen Hunt, Corrente do Bem. Infelizmente, o filme só conseguiu críticas negativas, mas recebeu retorno do público. Leder entrou na geladeira mas o seu Corrente do Bem conseguiu se pagar e render algum dinheiro numa produção de 40 milhões que rendeu 55. Hoje Leder voltou para a TV, trabalhando e tendo seu trabalho reconhecido dirigindo episódios de The West Wing e The Leftovers, e outras séries.

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O Guillermo Del Toro poderia ter entrado nessa lista, pelo menos pé frio ele é…

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Texto de autoria de Halan Everson.

10 Filmes de Terror em Preto e Branco, por Nicolas Pesce

6 de novembro de 2016 by Vortex Cultural

alfred hitchcock, david lynch, Horror, Nicolas Pesce, Robert Wise, Roman Polanski, Terror, vincent price

O filme “The Eyes of my mother” lançou seu segundo trailer há algumas semanas e parece apresentar uma trama interessante e mais uma vez um retorno por opção a fotográfia em Preto e Branco.

É interessante que filmes como Frankenweenie, Blancanieves e Frances Ha vão na contramão do que parece o óbvio a se fazer hoje e apostam novamente na velha maneira de se fazer cinema. Até o diretor de Mad Max: Fury Road, George Miller está lançando esse mês em DVD/Blu-ray e cinemas nos EUA a versão em “Black and Chrome” de Estrada da Fúria (será que vem pro Brasil essa?) Pensando nisso talvez, o diretor estreante de Eyes of My Mother, Nicolas Pesce, lançou no facebook oficial de seu filme de estréia um top 10 filmes de terror preto e branco que foram influência para sua produção e com pequenos comentários. Confira abaixo:

10 – Eraserhead – David Lynch (1977)

“Não há ninguém melhor para manipular o clima de uma situação que David Lynch. E não há nada mais aterrorizante que sentir algo estranho e não saber porque”

9 -Titicut Follies – Frederick Wiseman (1967)

O Diretor Frederick Wiseman registrou em 67 um hospital para doentes mentais e o tipo de vivência diária que eles passavam, o documentário foi alvo de processos e sua exibição foi proibida até o inicio dos anos 90.

8 – Repulsa ao Sexo – Roman Polanski (1965)

“Ele é impecavelmente simples mas faz uso de efeitos práticos de uma maneira bela e surreal. Não importa quão estranho a trama fica, no seu âmago tudo é sobre solidão e ansiedade. E sempre foi dessa maneira que eu absorvi ele.”

7 – Almas Mortas – William Castle (1964)

“Um poster com Joan Crawford segurando um machado? Por favor né … O visual se encaixa entre um mundo hiper estilizado do cinema noir com todo o gótico que existe no expressionismo alemão, adoro esse filme!”

6 – Desafio do Além – Robert Wise (1963)

“Esse é aquele filme que eu vi adulto e me assustou de verdade. Você nunca vê nada assustador e essa é a melhor parte.”

https://www.youtube.com/watch?v=YWU9zRb4RPY

5 – Psicose – Alfred Hitchcock (1960)

“Psicose é como uma cartilha pra mim. Além do seu mérito técnico e artesanal, eu amo como Hitchcock faz com que o público simpatize com um assassino. Acho que não existe nada mais assustador que isso.”

4 – A Casa Mau Assombrada – William Castle (1959)

“A voz de Vincent Price vai ecoar eternamente no meu cérebro sempre que pensar em horror gótico, e é por causa desse filme. A voz dele no monólogo de abertura é assustadora e e icônica. “

3 – O Mensageiro do Diabo – Charles Laughton, Robert Mitchum (1955)

“Esse é a maior influência para meu filme. Eu amo como o conto gótico minimalista se contrasta com as qualidades de uma fantasia com momentos de terror autênticos.”

2 – O Solar das Almas perdidas – Lewis Allen (1944)

“Vi esse filme com minha mãe quando ainda era criança. Foi minha primeira experiência com filmes de terror e foi a primeira vez que eu vi muitos maneirismos que viraram mais tarde trunfos de direção.”

1 – A Sétima Vitima – Mark Robson (1943)

“Com um clima pesado, luz atmosférica, e uma femme fatale gótica, é um conto pulp mas ao mesmo tempo um elegante cult de horror. Como não gostar?”

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Texto de autoria de Halan Everson.

Cinco personagens odiados de séries de TV

1 de novembro de 2016 by Vortex Cultural