Quadrinhos – Página: 22 – Vortex Cultural

Resenha | Mulher-Maravilha: Terra Um – Volume 1

3 de outubro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Lançado pela Panini Comics com atraso nas terras brasileiras, com cinco volumes ainda não disponíveis (Superman: Earth One – Volume 3, Batman: Earth One – Volume 2 e Teen Titans: Earth One – Volume 1, Teen Titans: Earth One – Volume 2 e este Wonder Woman: Earth One), a série Terra Um, da Dc Comics, desenvolveu-se como um novo multiverso do estúdio, focado na reinvenção de personagens icônicos com uma equipe de autores renomados em sua concepção em um formato direto para encadernados.

Grant Morrison se alinha com outros grandes nomes como J. Michael Straczynski, Geoff Johns e Jeff Lemire, responsáveis pelas recriações lançadas até o momento, valendo-se do sucesso de seu currículo como mais um atrativo ao leitor, recompondo em Wonder Woman: Earth One uma nova leitura de Mulher-Maravilha. O escocês insano que sempre demonstrou apreço pela tradição das histórias em quadrinhos e pelo resgate de personagens obscuros ou acontecimentos antigos – e quase desconsiderados – traz a tona aspectos da origem da heroína que, estrategicamente, foram esquecidos pelo tempo.

Mesmo que William Moulton Marston, criador da personagem, tenha desenvolvido-a com o apoio de suas esposas, as quais apoiavam a filosofia feminista, muita das cenas de ação da época colocavam Diana em posição dominada, com excesso de correntes e outros adereços que evidenciavam como o público-padrão ainda era leitores masculinos em sua maioria. Sob esta ótica, retomar esta vertente de maneira explícita é proposital para causar um choque no leitor contemporâneo.

O roteirista permeia a conhecida origem da personagem através destes extremismos, configurando tanto a dominação quanto uma sexualização exagerada das Amazonas nos belos traços de Yanick Paquette. A dinâmica entre a sagrada Themiscyra se mantém a mesma, bem como o encontro com Steve Trevor. Porém, o personagem mudou de etnia, movimento realizado para ampliar o conflito e desenvolver uma mensagem sobre escravidão e liberdade, simbolo histórico das Amazonas quando se livram do julgo de outros povos rumo a cidade sagrada em contraposição a escravidão de africanos trazidos para a América.

Se grande parte das modificações parecem propositadas para causar choque ou estabelecer uma espécie de crítica que, ao mesmo tempo, demonstra a força da personagem mas não consegue evitar sua sexualização – ainda mais porque ainda não sabemos, ao certo, como isto será situado no futuro deste universo – há uma grande mudança em um dos aspectos da origem da deusa, que, para aqueles leitores que não desejam saber, devem evitar os parágrafos seguintes.

Logo no início da trama, há um flashback de Hipólita em uma batalha contra Hércules. Afinal, na conhecida saga grego-romana dos Doze Trabalhos de Hércules, uma de suas tarefas foi roubar o cinturão mágico da rainha. Neste cenário de batalha, o semi-deus subjuga Hipólita e a estupra, e Diana é a criança que nasce dessa violação. Uma visão bem mais realista e triste do que aquela da deusa vinda do barro. Porém, fator que justifica porque Diana seria treinada como uma guerreira: para destruir o patriarcado, em parte, pela violência sofrida pela rainha.

Evitando recontar a história de Diana apenas modificando detalhes, mesmo com críticas a favor e contra, Grant Morrison produz uma interessante história ainda que, como os primeiros volumes das histórias anteriores, ainda não apresenta um desenvolvimento sólido, justificando como tais elementos serão inseridos no futuro. Interessante, porém, imaginar como esse futuro universo será criado e se as personagens se encontrarão em algum momento, formando uma Liga da Justiça, principalmente porque os grandes heróis da Trindade ainda parecem tão vacilantes. Superman demora para assumir seu manto heroico, Batman é treinado por um mordomo militar sem nenhum senso emocional e os Novos Titãs são produtos de experiências genéticas. Aspectos diferentes e, de certa maneira, ousados diante dos conceitos originais de seus personagens.

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Resenha | O Girassol e o Samurai

26 de setembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Eder Modanez, Quadrinhos de Samurai, quadrinhos independentes

Desde a imigração japonesa em nosso país, no início do século 20, a conexão entre Brasil e Japão se mantém ativa, gerando bons frutos culturais. O mercado brasileiro de quadrinhos se mantém aquecido e receptivo aos diversos mangás lançados por diversas editoras e, simultaneamente, a cultura japonesa, e tal ligação com o oriente, transforma-se em material para que quadrinistas brasileiros desenvolvam suas tramas baseadas nesta rica cultura.

Lançado pelo designer e ilustrador Eder Modanez de maneira independente, O Girassol e o Samurai apresenta uma breve história, situando o leitor sobre uma lenda folclórica em época que o sol havia sido roubado do céu e um guerreiro parte em uma jornada para resgatá-lo a procura de demonstrar seu valor perante o clã. A edição retoma um estilo popular na década de noventa, em uma era pré-internet: o formato do zine, produzido de maneira simples e artesanal. Um formato definitivo para que autores apresentassem seu projeto sem gastos excessivos na produção.

A simplicidade da edição, composta em preto e branco, tradicional ao mangá japonês, se alinha com sua narrativa. Nesta primeira história, o autor optou por desenvolver a motivação de seu personagem central. Uma narrativa breve baseada em uma lenda, carregada de metáfora sobre a força do samurai. Uma história folclórica que evidentemente sintetiza a base da composição de seu personagem, fundamentando argumento central de uma trama que será explorada posteriormente e deve funcionar como força-motriz para a motivação e caráter de seu samurai.

De acordo com o próprio autor, a lenda foi inspiração para uma história que será desenvolvida posteriormente e terá o bairro da Liberdade, em São Paulo, típico e conhecido bairro oriental da capital, como cenário. Sendo esta história a introdução ao universo desenvolvido, bem como a ação inicial da personagem, uma história antes da história definitiva.

Modanez mantém o blog Gigante Guerreiro sobre seu trabalho com maiores informações para aqueles que se interessarem na leitura. Também é possível adquirir a edição diretamente com o autor.

Resenha | A História do Universo DC

24 de setembro de 2016 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

George Perez, Marv Wolfman

Pensado originalmente para ser os números 11 e 12 do evento Crise nas Infinitas Terras, misturando conteúdo enciclopédico com o estilo prosaico de Marv Wolfman e George Perez – co-autores da mega saga – A História do Universo DC é uma espécie de epílogo da história que modificou todo o multiverso da DC Comics, nas palavras de Wolfman, já no interessante prefácio Imprimindo a Lenda. A conclusão do roteirista é de que esta era um retrato de um período da editora.

Os bastidores da criação da história foram os mesmos de Crise e dos Titãs dos dois autores, com Perez desenhando primeiramente os quadros para inserção das falas de Wolfman após. A diferença está na estrutura, uma vez que para contar todas as conclusões da personagem Precursora, seria preciso mais campo, usando-se as bordas das páginas para explicitar a origem dos universos, usando as imagens como gravuras de uma publicação literária com edição ilustrada.

A narração da Precursora visa recolher a verdade, passando por diversos períodos históricos e eventos envolvendo os personagens da editora, contando a origem dos Oanos, explicando a ideologia e função dos guardiões ao tentar patrulhar todo o universo primeiro com os Caçadores e depois com a Tropa dos Lanternas Verdes. A memória passa pelos tempos mitológicos gregos, depois pelo Império Romano e pela lenda do Rei Arthur. Também discorre sobre a Atlântida pré Arthur Curry (Aquaman) além do Egito de Thet Adam (Adão Negro), além dos mitos gregos, romanos e saxões.

O desenrolar dos fatos emenda a realidade fora das revistas com outros setores universais, comoa a Nova Gênese de Jack Kirby, a Cidade Gorila e o velho oeste de Jonah Rex. De certa forma, a publicação faz o mesmo exercício que Superdeuses de Grant Morrison faria no futuro, apesar de ser menos didático e antropológico e mais dramatúrgico, organizando como uma bela desculpa para contar tudo como um último relatório para o mentor dela, o Monitor através da descoberta do viés heroico.

Além da questão de catalogar todas as eras heroicas, A Historia do Universo DC também faz um comentário político ao passant, associando a dissolução da Sociedade da Justiça da America com o que viria a acontecer com Watchmen e a famigerada Lei Keane, que proibia o vigilantismo. Ainda há a preocupação em estabelecer a Mulher Maravilha como um evento recente, já que ocorria a reformulação de George Perez.

Na revista publicado pela Panini, há duas histórias extras, uma chamada A História de UDC, onde Dan Jurgens faz roteiro e esboços, auxiliado por denhistas diversos. O apêndice mostra Donna Troy perdida no espaço tempo, explorando as incongruências do universo pós crise e contando do mesmo modo que a outra história tudo o que ocorreu após os eventos pós morte do Monitor, resumindo sagas como Lendas, Zero Hora, Crise Infinita etc. Também há como material extra, historias de apenas duas páginas, escritas por Mark Waid e desenhadas por grandes nomes da industria, como Ivan Reis, Andy Kubert e Adam Hughes. Esta versão do compilado visa trazer um panorama completo sobre os eventos ocorridos na historiografia da editora, atinge esse objetivo de maneira inventiva e inteligente, ainda que burocrática e corrida em certos pontos.

Resenha | Superman: Brainiac

19 de setembro de 2016 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

DC Comics, Eaglemoss, gary frank, Geoff Johns, Panini, Superman

Durante grande parte da primeira década do novo milênio, a DC Comics investiu em novas formas de reformular seu universo de super-heróis sem necessariamente zerar sua continuidade, como já havia feito antes com a saga Crise nas Infinitas Terras. Assim, o recurso utilizado com frequência era o retcon, histórias que contavam detalhes “esquecidos” das origens dos heróis ou alteravam completamente alguma coisa que fosse necessária. Com a saga Crise Infinita a editora deu uma explicação de dentro do universo para esses retcons: uma versão do Superboy de uma Terra paralela literalmente esmurrava as paredes da realidade, mudando assim a continuidade de tempos em tempos sem precisar passar uma borracha em tudo. Sim, era uma explicação bem esdrúxula, mas parece ter funcionado. Com isso, Superman teve sua origem pós-Crise alterada várias vezes, tornando a narrativa de John Byrne, O Homem de Aço, obsoleta.

Geoff Johns foi responsável por grande parte dessa fase, deixando sua marca de “reparador de danos” nos gibis do Superman. Assim, dentre muitas coisas que escreveu, o arco Brainiac tem um grande destaque por resgatar elementos clássicos das histórias do herói.

Assim como a Supergirl havia sido reintroduzida nas histórias do Azulão, com uma história de origem mais próxima da sua primeira aparição, na Era de Prata, Johns reapresenta o vilão Brainiac tal qual sua primeira aparição. Assim, fica estabelecido através da Supergirl que ele já era uma ameaça no passado, e que as outras versões do tirano confrontadas pelo Superman não eram “reais”. Brainiac era um conquistador de mundos, que absorvia toda a informação possível sobre civilizações planetárias, miniaturizava suas principais cidades e destruía o resto. Assim, em uma terrível lembrança de seu tempo em Krypton, a prima do Superman revela como a importante cidade de Kandor foi subjugada e engarrafada, com seus prédios e habitantes em forma diminuta, e armazenada na nave do vilão.

Quando Brainiac ataca a Terra, diminuindo e engarrafando a cidade de Metrópolis, Superman o enfrenta em uma batalha épica para trazer de volta aqueles que ama. O enredo é basicamente o mesmo da história de 1958 na qual o vilão surgiu, porém trabalhado de forma quase cinematográfica, explorando diferentes facetas de personagens já há muito conhecidos do público.

A arte de Gary Frank é de uma riqueza de detalhes impressionante. Seu Superman e Clark Kent realmente parecem pessoas distintas, e visivelmente emulam os traços característicos do ator Christopher Reeve, que imortalizou o herói nas telas do cinema por quatro filmes. Sua Lois Lane é uma versão mais jovem de Margot Kidder, que contracenou com Reeve nos filmes clássicos, e os personagens do Planeta Diário também apresentam traços marcantes que refletem suas personalidades. Cat Grant lembra muito a sua representação na série noventista Lois & Clark, com uma atitude ao mesmo tempo sexy e vulgar, muito diferente da mãe solteira que teve o filho de oito anos assassinado, na versão anterior dos quadrinhos. Grant não parece carregar a perda nos ombros como antes, e até mesmo Clark parece perceber isso. Assim, sua nova atitude seria decorrente do trauma, uma forma de abafar a dor. Infelizmente, isso fica apenas subentendido pela fala do repórter e não é explorado na história. Steve Lombard é o repórter de esportes, e se nos anos 70 era retratado como um galhofeiro que vivia pregando peças em seus colegas, aqui ele se torna um “tiozão do pavê”, completamente deslocado com suas piadas sem graça em um mundo que não mais admite seus preconceitos. Ron Troupe, Jimmy Olsen e Perry White permanecem basicamente os mesmos que já conhecemos de versões anteriores. Frank se utiliza de seu fino traço para fazer com que as expressões faciais desses personagens nos mostrem cada sentimento, cada interação entre eles, cada pequeno gesto, de forma a esquecermos um pouco dos vilões intergaláticos e possamos nos identificar com as “pessoas normais” da história.

A relação de Clark com seus pais é explorada de uma forma como jamais viria a ser novamente nos quadrinhos posteriores. A vida no campo moldou a personalidade de Kent, e vemos em flashbacks momentos de sua educação que o levaram a ser quem ele é. O final trágico da história remete justamente a isso: Superman precisa fazer duras escolhas pelo bem maior, mesmo que isso pese sobre seus ombros por não conseguir salvar a todos ao mesmo tempo.

Se as cenas de ação são muito bem desenvolvidas, as cenas do cotidiano não ficam longe. Em uma época em que as relações entre os personagens de Metrópolis estavam sendo quase que ignoradas, Superman: Brainiac as traz de volta de forma simples, porém certeira. Talvez seja isso que faz desse arco algo digno de figurar, no Brasil, duas versões encadernadas de capa dura ao mesmo tempo, por editoras diferentes.

A importância dessa história também está em suas consequências nas revistas do Superman nos anos seguintes, já que o destino de Kandor e de seus habitantes kryptonianos seria o fio condutor da grande saga Nova Krypton, que tomaria as páginas das revistas de aço no meses posteriores. Também virou filme animado da DC Entertainment, com o título de Superman Sem Limites. Ainda assim, Superman: Brainiac apresenta uma grande aventura, com aquilo que pode ser considerado a essência do Homem de Aço, de uma forma moderna e ao mesmo tempo, clássica.

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Resenha | Pato Donald por Carl Barks: Perdidos nos Andes

16 de setembro de 2016 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

carl barks, Disney, Pato Donald, Tio Patinhas

A coleção dedicada a republicar todas as histórias do Homem dos Patos começou de maneira sensacional! Pato Donald por Carl Barks: Perdidos nos Andes é o primeiro volume da série a chegar às bancas e livrarias brasileiras – embora seja o sétimo da coleção, que não está sendo publicada cronologicamente, da mesma forma que a editora Salvat faz com sua coleção de graphic novels da Marvel – e não poderia ter começado melhor. Publicada nos Estados Unidos pela Fantagraphics, a série apresenta todas as histórias escritas e desenhadas por Carl Barks, e resgata a paleta de cores originais da época (diferentes das últimas republicações, que tinham as cores remasterizadas) além da arte original, sem alterações. Barks foi o mais importante quadrinista Disney, e esta edição mostra porque ele é tão reverenciado.

Perdidos nos Andes traz a clássica história homônima, na qual Donald e seus sobrinhos Huguinho, Zezinho e Luisinho encontram uma civilização perdida onde não existe nada na forma circular, chamada de Quadradópolis. A expedição começa quando acidentalmente, Donald descobre que as rochas em exposição no museu eram, na verdade, ovos quadrados! A investigação sobre a origem dos ovos quadrados (cúbicos, na verdade) leva Donald e seus sobrinhos a uma busca pelas montanhas do Peru, em antigo território inca. É interessante notar como Barks representa os nativos de forma a sempre parecerem exóticos e não-civilizados, além de um tanto quanto preguiçosos ou oportunistas. Parece ser a visão que se tinha na década de 1940 dos povos de terceiro mundo. Mas ao encontrar a tal civilização perdida, num local isolado por montanhas e névoas, vemos que a assimilação de hábitos e costumes norte-americanos está representada através da música que os nativos cantam e da língua que falam (inglês, evidentemente perdido na tradução). Assim, a família Pato passa por diversas situações em um cenário deslumbrante, fruto da melhor fase criativa de Barks.

Além da história-título, ainda vemos na primeira parte do volume – dedicada às grandes aventuras – um outro clássico absoluto: Donald na África. Essa aventura emocionante é também alvo de duas polêmicas. A primeira está na representação dos nativos africanos como figuras sombrias e assustadoras, parte da iconografia estereotipada – e por que não dizer, racista – da época em que foi produzida. Outras edições recentes nas quais essas histórias foram publicadas tiveram sua arte alterada para amenizar o estereótipo. Desta vez, manteve-se todos as caricaturas racistas da época (inclusive um personagem que aparece na primeira página da história, Bop-Bop, que é claramente inspirado nos black faces dos minstrel shows), porém com textos explicativos que contextualizam a obra. Assim, ao invés de varrer pra debaixo do tapete esse momento vergonhoso das representações gráficas de povos afrodescendentes (como fez a Warner com seus desenhos antigos do Pernalonga), a Disney assume seus erros do passado. A segunda polêmica envolvendo essa história é a afirmação do Tio Patinhas de que teria contratado mercenários para expulsar as tribos das terras africanas que ele tomou posse, no passado. São detalhes importantes e com grande significado para entendermos as mudanças pelas quais nossa sociedade passou no último século, mas que não atrapalham ou fazem muita diferença na história em si. Na trama, Donald é perseguido por um zumbi africano que o confunde com seu tio rico e lança nele uma maldição vodu. Donald viaja então para a África pra livrar-se dessa maldição, encontrando o feiticeiro que a conjurou. Interessante notar como o velho Patinhas, em sua breve aparição, faz pouco caso disso, enquanto Donald é movido pelo medo e superstição. Parece que Barks, ao inserir o ceticismo como parte da personalidade do Tio Patinhas, faz uma crítica à credulidade da sociedade.

Mais duas grandes aventuras recheiam o volume, sendo elas A árvore de natal dourada (que já foi republicada há pouco tempo no especial Contos de Natal, porém com colorização diferente) e Primo, você é que tem sorte, onde Donald e Gastão disputam uma corrida naval para salvar seu velho tio em uma ilha perdida.

Embora alguns estereótipos salte aos olhos do leitor moderno, as histórias não são pautadas nas polêmicas, e sim nas personalidades de seus protagonistas. Donald, embora um pato, reflete todos os aspectos da personalidade humana. Ambição, desejo, frustração, medo, raiva… Seja qual for o sentimento, não poderia estar mais humanizado do que nas expressões do Pato. Nos identificamos com Donald, pois não temos a fortuna do Tio Patinhas, a sorte do Gastão ou a esperteza dos seus sobrinhos: o Pato é um homem comum como qualquer um de nós. Embora não possua uma mente brilhante, é um trabalhador esforçado que faz de tudo para sobreviver. Seus sobrinhos funcionam ora como sua consciência, como na história principal, ora como antagonistas, como na história em que Donald é um inspetor de alunos que os flagra cabulando aula.

Além das longas aventuras, temos mais duas partes no livro: uma dedicada a histórias curtas de dez páginas e outra com gags de uma página só. Barks, que trabalhou anteriormente nos estúdios de animação da Disney, sabe conduzir todas elas com maestria. Os personagens aparentam ter volume, peso e ocupar realmente um lugar no espaço do cenário, e a ação ocorre de forma fluida e fácil de acompanhar. Os ricos detalhes dos desenhos não atrapalham a leitura da trama.

Para encerrar o livro, temos vários textos explicativos, comentando cada uma das histórias, assim como uma biografia de Carl Barks nas primeiras páginas. O papel utilizado para o miolo é diferente do que vinha sendo usado nos outros especiais de capa dura da Abril, mas por um motivo peculiar: para preservar a leitura de forma mais parecida possível com a original. Assim dispensou-se o couché, que deixava as cores brilhantes e optou-se pelo off-white, que é mais fosco e cansa menos a vista. Na verdade, tanto seu formato quanto conteúdo fogem do padrão que a Abril estabeleceu nos últimos encadernados, notoriamente por se tratar de uma outra coleção. O volume tem metade das páginas da edição dedicada aos quadrinhos de DuckTales, porém sua qualidade é bastante superior, tanto nas histórias quanto no material extra. Tanto fãs antigos como quem nunca leu uma história dos patos tem nesse volume uma excelente compilação de histórias do maior artista que passou pelas histórias em quadrinhos de Walt Disney.

Resenha | Desengano

12 de setembro de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Que me perdoem os saudosistas, mas atualmente se vive um dos melhores momentos para se colecionar quadrinhos no Brasil, não só pelo acesso, que com a internet e outros meios de comunicação facilitou bastante o acesso, porém a produção e o espaço para quadrinistas brasileiros tem aumentado (com isso não quero dizer que é ideal, a maioria destes artistas ainda não vivem de quadrinhos, precisam de outro emprego e ocupações, entretanto se comparado com outras épocas já se avançou muito) o que nos faz conhecer novas formas abordagens e novos artistas.

Entre eles gostaria de destacar Camilo Solano e sua forma prosaica de contar histórias: não se trata de contos épicos ou grandes narrativas de heróis impossíveis, o que se vê é valorização do cotidiano e como esse mundo é extramente rico e capaz de nos mostrar diferentes interpretações e proporcionar boas histórias. Assim é Desengano, onde um jovem rapaz (jovem Camilo na verdade), vai passar um carnaval em uma cidade do interior onde os avós moravam (tradicional viagem de família) e descobre coisas sobre o cotidiano da cidade e dele mesmo que o impressionam, além claro, da descoberta do amor. Sim, a sinopse é essa, simples e aparentemente clichê, mas não se engane (trocadilho ridículo, confesso), Desengano é muito mais do que isso.

Primeiro a forma como o cotidiano é retratado, não de forma literal ou puramente descritiva, mas de acordo com a representação da personagem principal, toda a HQ é a maneira como Juca (protagonista) vê e entende a viagem, a cidade pequena, as pessoas e a sua própria vida. A realidade muitas das vezes é uma apreensão, quem confere sentido são as pessoas, e Solano consegue deixar isso bem claro através de Juca, a compreensão toda daqueles momentos de acordo com as concepções do protagonista. Muito legal e interessante. Simples, porém sensacional da forma como foi realizado.

O que nos leva a arte e as cores da HQ, a expressividade é impressionante. Considero uma arte boa quando você não precisa dos balões para te explicar o que está acontecendo, e Desengano consegue atingir isso com êxito, seja pelas expressões caricaturais dos personagens e pelo uso das cores que confere vida para a HQ.

Gostaria ainda de destacar mais dois pontos: a música e a representação da cidade pequena. Percebe-se que o autor tem um amor pela música muito grande, especialmente por Chico Buarque, o que se pode perceber em várias passagens do quadrinho, as vezes até de forma literal, o que confere um ar bastante interessante.

Quem conhece a fundo pequenas cidades vai adorar esta história, os tipos e locais retratados pelo autor, apesar de específicos daquela localidade, são bastante comuns em cidades pequenas de forma geral, portanto, você facilmente identifica e se reconhece nos quadros e diálogos (a caixa do mercado questionando sobre a cerveja é uma típica atitude de pessoas em cidades pequenas). Se você for do interior, então, a leitura fica ainda mais legal.

E por fim, o amor. Que o protagonista descobre em toda essa simplicidade, o que fecha a HQ com brilhantismo. E, não sei se a referência seria essa, mas Rita não lhe roubou o sorriso, e sim, lhe concedeu o sorriso na conclusão da história.

Sendo assim, se trata de uma bela HQ, com prefácio de Robert Crumb (claramente o autor tem em Crumb sua maior influência), e que mostra que existe um cenário brasileiro de quadrinhos bastante interessante e que um maior espaço para essas pessoas se faz fundamental.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

Resenha | Homem-Aranha Superior: Sem Saída

5 de setembro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Slott, Giuseppe Camuncoli, Homem-Aranha, Humberto Ramos, Marvel Comics, Panini

Lançado pela Panini Comics em julho, Homem-Aranha Superior: Sem Saída é o quarto volume em capa dura relançando esta nova fase do aracnídeo com Otto Octavius como o famoso herói. Compilando as edições #11 a #16 da revista original (publicada inicialmente no Brasil em edições mensais), o encadernado apresenta três histórias, mantendo o estilo das narrativas mais enxutas, sem se estender além do necessário.

A primeira história que também nomeia a edição, Sem Saída, é um desdobramento de um arco anterior, a saga Ilha das Aranhas. A trama apresenta a execução do vilão Esmaga-Aranha, responsável por assassinar a esposa do prefeito J. J. Jameson na ocasião. Para garantir que nada fuja do esperado, Jameson convida o novo Homem-Aranha para acompanhar a execução que será realizada na Balsa, local prestes a ser desativado.

A trama trabalha a tentativa de fuga do vilão e as diversas armadilhas feita pelo teioso para detê-lo. Trata-se de uma história simples, focada em um ambiente fechado, desenvolvendo uma tensão pontual sobre a ação. Porém, ainda assim, sem muito impacto ou destaque evidente. Um enredo que funciona, apenas, para mostrar como o Homem-Aranha Superior é diferente do tradicional (um fato percebido pelos leitores em histórias anteriores), trabalhando em alinhamento com a tecnologia para facilitar seu trabalho como herói, além de manter um traço vilanesco ao chantagear Jameson para lhe ceder o local onde havia a super prisão como sede de trabalho, a qual nomeia como Ilha das Aranhas 2 (em boa cena humorada).

A história seguinte retorna ao ambiente natural das personagens, apresentando pistas sobre uma futura aventura envolvendo o Duende Macabro e o Duente Verde. Dan Slott tem boa estratégia em pontuar o universo do Aranha com novos e velhos vilões. O Duende Macabro em questão é um novo vilão (a primeira aparição foi em Janeiro de 2011) que comprou a armadura e os direitos de usá-la direto de Roderick Kingsley, o Macabro original. Ainda que a personagem seja, neste encadernado, inicialmente apenas coadjuvante em Fazendo vista grossa, uma história focada na destruição da Terra das Sombras dominada pelo Rei do Crime, o vilão ganha destaque na história seguinte, Bola da vez: Duende Macabro – Aprendiz de consertador, ao ter sua identidade revelada publicamente pelo Aranha e sendo salvo pelo Duende Verde que vem reunindo um exército nos esgotos da cidade.

Como em outros arcos anteriores, é perceptível a estratégia narrativa focada em ações curtas mas pontuais que desenvolvem, simultaneamente, a ação da história em si como apresenta ao leitor futuros ganchos e conflitos. Ainda que Sem Saída seja uma leitura sem muito destaque, ainda mais se considerarmos o bom arco anterior, Homem-Aranha Superior: Mente Conturbada, é perceptível como a trama leva o leitor a querer acompanhar esta nova fase do Aranha.

Se Dan Slott continua surpreender o leitor, o mesmo não pode ser dito da arte de Humberto Ramos. Ainda a frente desta fase do Aranha, o desenhista permanece sem evoluir seu estilo artístico, com diversas personagens levemente rebuscadas – para não dizer tortas – e as características bocas abertas, tradicionais de seu traço. Porém, as cenas de ação, ao menos, são bem desenvolvidas e compreensíveis quadro após quadro. Muitos leitores reclamam de seus traços mas é notável que, se o desenhista ainda se mantém a frente da revista, deve manter uma parcela fiel de fãs.

A esta altura dos relançamentos, é improvável que os leitores abandonem a coleção, apesar de uma história inferior as demais. De qualquer maneira, em linhas gerais, Homem-Aranha Superior: Sem Saída não perde a força erigida pelas histórias anteriores e apresenta um interessante gancho para uma futura história, mantendo com qualidade a longeva passagem de Slott no título.

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Resenha | Patrulha do Destino: A Pintura Que Devorou o País

29 de agosto de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Grant Morrison, Panini, Vertigo

A Panini Comics tem feito um interessante trabalho em resgatar algumas fases clássicas de personagens pouco conhecidos do público, como a publicação de todo o arco do Monstro do Pântano, no momento em que Alan Moore foi o roteirista e também de o Homem-Animal, de Grant Morrison, como exemplo. Neste esteio um grupo mais underground (é chique o uso de termos em inglês em seu texto, dá a ideia de que você tem um conhecimento maior do que o real, se for em francês então…) entrou neste processo de publicação A Patrulha do Destino, de Morrison, talvez um dos grupos menos conhecidos da DC Comics e também interessantes, já que a sua premissa básica são super seres com poderes bizarros, como se fossem os párias do mundo dos heróis.

O fato de serem desconhecidos se trata de uma vantagem já que há um a possibilidade de liberdade editorial que não aconteceria em outros personagens. E essa liberdade é o destaque do segundo arco publicado aqui no Brasil A Pintura Que Devorou o País, no qual Morrison, com arte de Richard Case e John Nyberg, que são fundamentais para o sucesso da História, nos apresentam uma verdadeira viagem, tanto no que se trata de conceitos estranhos e interessantes como em termos de exploração de princípios artísticos.

Basicamente, existe uma pintura que tem o poder de absorver as coisas que estão a sua volta, a Irmandade do Mal, que passou a se chamar Irmandade de Dadá, toma posse desta obra de arte e consegue que ela absorva a capital da França. Neste ponto, a patrulha do Destino entra em cena e na pintura para combater a Irmandade e também devolver paris para a sua realidade.

Neste ponto que as coisas ficam mais interessantes e a HQ ganha o seu destaque, dentro da pintura existem múltiplas realidade e cada qual obedece a lógica de uma determinada escola artística, o que faz com que o experimentalismo dos desenhistas ganhem força, já que tem emular os conceitos e prerrogativas de cada movimento artístico nas páginas da HQ. Ainda neste quesito de arte, não sei se proposital, mas a capa da edição lembra muito a arte do álbum Ummagumma, do Pink Floyd. Dentro do quadro se descobre uma ameaça ainda maior que une heróis e vilões, e a resolução dos problemas também é sensacional.

Ainda neste encadernado há outros arcos: “Nos subterrâneos”, “A seita do livro inescrito ou o descriador” e “A alma de uma nova máquina”. Todas são boas histórias, mas destacaria “Nos subterrâneos”, uma passagem que aprofunda em uma das personagens que considero mais interessantes, Crazy Jane (basicamente ela múltiplas personalidades e cada qual tem um poder), se trata de um arco mais sério e interessante no qual se entende como funciona a caótica psique de Jane, porém bem explorado por Morrison.

Enfim, para quem procura algo diferente, mas ainda tem medo de ler coisas que não envolvam super heróis ou fora do eixo Marvel – DC, se trata de uma HQ bastante interessante de fácil acesso já que é comercializada em bancas e de preço razoável. E também é uma oportunidade de conhecer Grant Morrison em um momento mais inicial de sua carreira.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

Resenha | Homem-Aranha Superior: Mente Conturbada

15 de agosto de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Slott, Homem-Aranha, Humberto Ramos, Marvel Comics, Panini, Victor Olazaba

Dando sequência à nova fase do aracnídeo, Homem-Aranha Superior apresenta uma primeira boa nova história após Otto Octavius, outrora o vilão Doutor Octopus, assumir o corpo de Peter Parker em Homem-Aranha: Último Desejo.

A dúvida sobre este novo projeto editorial se apoiava em como o roteirista Dan Slott conduziria a ação sem o carismático Peter Parker como personagem central. Porém, sua longeva passagem pelo título do herói lhe deu boa sustentação, conhecimento necessário da personagem, além do talento para trabalhar com qualidade um argumento que, por si só, parecia exagerado. A força de Peter Parker no imaginário dos leitores é tão grandiosa que, mesmo em pequenas aparições nesta história, causam impacto e contrastam com as atitudes do novo Aranha. Sem cair na problemática comparativa entre um Aranha melhor do que outro, a narrativa pontua bem as diferenças entre eles, fazendo cada um interessante sob uma ótica distinta.

Reunindo as edições #5 a #10 de Superior Spider-Man, Mente Conturbada, publicada no país originalmente nas mensais e relançado pela Panini Comics em edição capa dura, segue o estilo das tramas anteriores com um enfoque preciso. Assim, o encadernado compila duas pequenas histórias de 25 páginas e o arco do título, formado apenas por três edições. Ao evitar arcos longos, Slott desenvolve boa dinâmica. Ainda que interligue as histórias, não há um excesso de informação ou ação, enfoques específicos que destacam cada trama.

A primeira delas situa a diferença entre o novo Homem-Aranha e o anterior. Octopus tem um histórico diferente de Peter, e tal fato é expressado no excesso de violência aplicada contra os bandidos, novamente quase matando um personagem. Isto possibilita uma intervenção dos Vingadores, examinando-o minuciosamente. A tensão entre Parker/Octopus ser revelado ou não é pontual, e o roteirista sabe utilizá-la com precisão, sem exceder demais em um argumento breve.

A história Mente Conturbada apresenta a evolução mental de Peter Parker dentro da cabeça de Oquinho mas, contrariando novamente estender o fato, logo Otto reconhece a mente de Parker em suas ondas cerebrais. Nas primeiras edições, havia a impressão de que a partícula ínfima da consciência de Parker estaria presente durante toda esta fase. Um engano. Após o ato final desta história, em que os dois batalham dentro da consciência – uma espécie de A Origem encontra Homem-Aranha – o nosso querido aracnídeo, ao menos momentaneamente, é apagado de sua própria memória, restando somente Otto, alguém que tem se revelado carismático, apesar da violência excessiva.

Otto consegue enganar Os Vingadores, mas a ex-namorada de Peter, Carlie Cooper, se mantém em dúvida sobre as mudanças do herói. Neste aspecto, há outra qualidade da trama ao equilibrar tanto uma personagem nova como possível destaque quanto os consagrados como Mary Jane e os vilões tradicionais.

A evolução de Otto como personagem também merece destaque ao trazer um acréscimo de maior responsabilidade a Peter Parker e maior presente familiar, equilibrando a vida de Aranha com tecnologia robótica para que a família e os estudos se destaquem. Assim, é explorando tanto a faceta heroica da personagem como o cotidiano com o qual muitos leitores se identificam.

Se em Meu Pior Inimigo havia uma apresentação interessante do novo conceito, mas ainda sem grande empolgação, Mente Conturbada se revela um primeiro bom momento que mantém a base do Aranha e trabalha bem novas emoções e ganchos em uma ótima aventura. Talvez os leitores nunca imaginaram que iriam simpatizar-se com o velho Otto – Oquinho – Octopus.

Compre: Homem-Aranha Superior – Mente Conturbada

Resenha | Capitão América: O Novo Pacto

8 de agosto de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Capitão América, John Cassaday, Marvel Comics, Panini, Salvat

A estrutura do universo Marvel se sustenta como uma projeção paralela da Terra em que super-heróis habitam nosso cotidiano. Direta ou indiretamente, a editora sempre refletiu acontecimentos mundiais como parte de suas narrativas. Quando em 2001, o ataque terrorista em solo americano deflagrou a destruição do World Trade Center, em Nova York, uma revista em homenagem às vítimas foi lançada. Inserindo os heróis no mutirão de apoio e ajuda como reflexo da sensação americana na época.

Diante deste fatos, diversas representações artísticas em frontes variáveis surgiram. No cenário realista desenvolvido pelo estúdio, havia a delicada questão de como abordar o tema de maneira plausível para que a existência de heróis mundiais possibilitasse um ataque como este, desenvolvendo a reação de seus personagens sem descaracterizá-los. Coube a John Ney Rieber e John Cassaday realinhar o Capitão América após onze de setembro.

Lançado no país na revista Marvel 2002 na época, e compilado recentemente na Coleção Graphic Novels Marvel da Salvat, O Novo Pacto se divide em dois momentos narrativos. A primeira história apresenta uma análise metafórica sobre os fatos, com Steve Rogers refletindo o acontecimento. De maneira poética, a trama evidencia o Capitão como um homem comum, um cidadão americano como outro qualquer que, heroísmo à parte, compartilha a dor, o luto e o sentimento de impotência perante o fato. Em meio a cores carregadas de tons cinzas, o herói lamenta o acontecimento, explicitando a força de seu ideal como um símbolo de liberdade. Esta primeira parte da história funciona como metáfora para a o mote da trama, envolvendo uma pequena cidade sofrendo um concentrado ataque terrorista.

A forte vertente realista posiciona a personagem de maneira emocional diante de um cenário que parece repetir o fato real. Expiando a raiva contida, Rogers assume um papel ativo além de seu símbolo, promovendo uma cisão entre Capitão América e o homem por trás desta figura. Como soldado, Rogers falhou em proteger a nação. A dor simbolizada como uma batalha perdida desenvolve a reflexão sobre a necessidade da guerra, pontuando as motivações de ambos os lados. Rogers e o Capitão adquirem ideais divididos. Enquanto o símbolo permanece indelével, o homem se mostra em dúvida sobre sua trajetória.

O roteiro é preciso ao estabelecer a metáfora sobre a guerra, pontuando que o lado terrorista também possui motivações e uma coerência interna nos atos. Mas falha ao desenvolver uma ação pontual que expande a trama além da reflexão natural. Como primeira história após tais acontecimentos, é uma bonita homenagem mas, a cada edição concentrando-se mais no desenvolvimento de ação, percebe-se um desequilíbrio. A dupla acerta na vertente mais delicada, falha na execução simples de uma boa história com a personagem. Talvez preocupados em excesso em situar o Capitão América neste novo tempo, a trama em si permaneceu em segundo plano.

O Novo Pacto se mantém como homenagem maior que a narrativa. Marcando uma transição comentada na época mas que, em futuro próximo, tornou-se fundamental à personagem, quando o homem por trás do símbolo adquiria contornos gerais focados na liberdade, sem nenhuma ideologia como bandeira.

Resenha | Homem-Aranha Superior: Meu Pior Inimigo

5 de agosto de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Slott, Edgar Delgado, Homem-Aranha, Marvel Comics, Panini, Ryan Stegman

A era Nova Marvel promoveu uma maciça modificação dentro do estúdio, fundamentando um novo ponto de partida para a leitura, sem a necessidade de um reboot oficial, desenvolvendo novos conceitos a partir das bases tradicionais. Diante deste cenário, Dan Slott foi um dos roteiristas que, devido a um bom trabalho editorial anterior iniciado em 2008, se manteve à frente do mesmo título nesta nova fase.

Quando o roteirista assumiu as edições de Amazing Spider-Man, o aracnídeo passava por uma reestrutura editorial. Diversas revistas do herói foram canceladas para que Amazing ganhasse maior periodicidade, com três novos números ao mês. Enquanto, na trama, parte de acontecimentos recentes, como a revelação pública de Peter Parker na Guerra Civil e um atentado que vitimou Tia May, era anulada devido a um pacto com Mefisto, que em troca exigiu as memórias do casamento com Mary Jane Watson. O argumento controverso e simplista gerou um resultado eficiente, retomando parte da essência do Aranha em sua fase inicial e introduzindo novos dramas e personagens, além de vilões repaginados. Até uma nova reviravolta, cinco anos depois, iniciando a fase Nova Marvel.

Neste novo início, há uma transformação radical em que o grande vilão Doutor Octopus, finalmente, vence o herói e transfere sua mente para o corpo de Parker, deixando-o em seu velho e doente corpo. Publicado originalmente no país pela Panini Comics na nova mensal Homem-Aranha Superior, a trama de Meu Pior Inimigo compila as edições #1 a #5 de Superior Spider-Man em edição encadernada em capa dura.

A intenção primordial desta nova fase é proporcionar ao leitor uma nova visão de um universo conhecido. No arco anterior, Último Desejo, trama de transição entre uma fase e outra, havia a inferência de que, mesmo em corpos trocados, parte da consciência de Peter acompanhava Octavius. Dessa maneira, a personagem se mantém presente neste novo Homem-Aranha como um observador crítico dos passos de Oquinho em sua pele e, consequentemente, sendo a ligação explícita com o leitor.

Neste novo ambiente, Slott mantém o mesmo estilo narrativo anterior, feito que demonstra que, apesar de uma modificação temática, estruturalmente a coerência se mantém. E, pela confiança de boas histórias anteriores, há maior chance desta fase ter credibilidade, ainda que neste primeiro momento não saibamos como o argumento será desenvolvido. A trama opta por inserir pequenas ações demonstrando as diferenças básicas entre o Aranha clássico e este superior. Desde aspectos íntimos sobre origens familiares, como também o comportamento em ação.

Otto Octavius não é um herói tradicional como Peter Parker. Sem uma explícita emoção, trabalha de maneira técnica e científica. Desenvolvendo aparatos e sistemas para que possa monitorar remotamente a cidade inteira e, assim, dedicar tempo a situações que o aracnídeo negligenciava em detrimento do heroísmo: a família e as relações amorosas do alter-ego. Se um novo Homem-Aranha causa estranheza inicial, o roteiro ilumina outra faceta de Octavius, destruindo o senso de um vilão tradicional e plano, para um personagem com dramas internos que começa, a partir da vivência como herói, a ter uma nova visão sobre si mesmo, o conceito de vilania e o próprio Homem-Aranha.

Ainda que o recurso de inserir Parker como um observador de sua própria história seja fantasioso, afinal as personagens trocaram de consciência e não deveriam existir reminiscências, as duas personalidades promovem um interessante contraste que corrobora a favor de Slott, evidenciando que esta nova fase faz parte de um planejamento bem realizado para causar impacto e boas vendas. Afinal, o público sabe que, em um futuro breve, o Homem-Aranha tradicional estará de volta.

Mesmo sem uma grande primeira história, Homem-Aranha Superior se desenvolve com qualidade, e demonstra afinidade de um roteirista que conhece bem o universo da personagem a ponto de modificar certas bases sem retirar a essência.

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Resenha | Caveira Vermelha: Encarnado

31 de julho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

caveira vermelha, Greg Pak, Marvel Comics, Panini

Na linha de edições especiais dedicadas a personagens significativos, a Marvel enfocou alguns de seus grandes vilões em minisséries, uma vertente para reapresentar origens sob uma nova ótica e atrair leitores. No país, tais histórias foram lançadas direto em capa dura e, informalmente, denominadas como a série vilões, com setes encadernados lançados atualmente. Entre eles, obras como Mercenário: Anatomia de um Assassino e A Ascenção de Thanos.

Roteirista de Testamento: Magneto, Greg Pak retoma o mesmo contexto histórico do surgimento do mutante para apresentar a origem de outro vilão. Em Caveira Vermelha: Encarnado, assim como a trajetória do jovem Max Eisenhardt, a personagem tem um contexto histórico real, apoiado nos eventos que levaram Hitler ao poder na Alemanha e eclodiram a Segunda Guerra Mundial.

As belas capas de David Aja sugerem que o público lerá uma origem com o Caveira Vermelha estabelecido como personagem. Porém, o recorte selecionado é anterior, indo de sua infância à adolescência. A intenção evidente é humanizar o vilão, como aconteceu na história de Thanos, em A Ascenção de Thanos, retratando um passado em que a trajetória e o peso psicológico das escolhas evidenciam seus futuros atos. Um feito que não necessariamente exclui a maldade de sua personalidade mas acrescenta-lhe uma camada extra.

Como em Testamento, o roteirista peca no desenvolvimento narrativo. O espaço é limitado demais para abranger o contexto histórico necessário e, com isso, há diversos saltos temporais mal estruturados. Como a leitura é composta para um público amplo e variável que não necessariamente conhece a história da Alemanha, o autor decide pontuar algumas cenas com um texto explicativo, evidenciando momentos-chave da história presenciada pelo personagem. Na obra citada com Magneto como personagem central, ao menos havia destaque deste contexto desde o início, incorporando-o ao estilo da trama. Aqui, porém, o recurso é utilizado poucas vezes, parecendo a escolha mais fácil para situar o leitor, como se o roteiro não pudesse conter tais informações em suas entrelinhas.

A trajetória de Johann Schmidt representa o ciclo de um cidadão comum vivendo os percalços da época. Orfão, morador de lares adotivos abusivos ao lado de pessoas brutas. Até que, diante destes fatos, revida agressivamente, dando vazão a um mal que culmina no encontro com Adolf Hitler. É louvável situar a origem de um vilão ficcional diante de uma história real, dando-lhe uma maior carga dramática apoiada por feitos conhecidos do público. Porém, o roteiro nunca atinge seu ápice. Falta uma linha condutora que equilibre a história e não apresente somente os traumas de Schimidt. Se a intensão é desmitificá-lo para que o público compreenda, em parte, suas motivações, Pak apresenta somente os pontos drásticos de sua história, sendo tão fatalista quanto origens planas de um vilão cujas motivações são a conquista mundial e a propagação de um novo Reich. Mesmo um bom personagem como Caveira Vermelha parece mal explorado em sua própria história.

Caveira Vermelha: Encarnado faz parte dos encadernados impressos no exterior pela Panini Comics com um preço mais acessível. Mesmo que seja atrativo pelo bom preço, se a releitura de uma origem é um processo naturalmente delicado, esta versão nada entrega de novo, e nem mesmo causa impacto momentâneo.

Compre: Caveira Vermelha: Encarnado

Rebirth: O Renascimento da DC Comics – Parte 2

29 de julho de 2016 by Filipe Pereira

Artigos, Quadrinhos, Resenhas

Aquaman, arqueiro verde, Batman, DC Comics, DC Rebirth, DC Renascimento, Flash, Lanterna Verde, Liga da Justiça, Rebirth

Após a nossa análise da primeira parte de Rebirth – O Renascimento da DC Comics, com os volumes especiais com nome vinculado à saga, prosseguimos com os primeiros números de Liga da Justiça, Asa Noturna e Hal Jordan e os Lanternas Verdes, além de um interessante material extra de revistas mensais que corroboram este novo momento na editora.

Sem maiores delongas, vamos aos reviews:

Liga da Justiça – Renascimento #01

Esperada não só por ser a publicação do principal grupo de heróis da história, a publicação também era cercada de expectativas por ser escrita e desenhada por Bryan Hitch, que havia brilhado bastante nas publicações de Os Supremos e Authority. A história se passa em um ataque alienígena urbano, em que a equipe clássica – Flash, Batman, Mulher Maravilha, Cyborg – as exceções estão em missões paralelas, com Lanterna explorado na próxima revista e o Superman Clark Kent analisando a sua vida de casado com Lois Lane, estranhando sua atual rotina.

O grupo se vê em dúvida em aceitar a aposentadoria do Azulão e abraçar a nova versão do último kriptoniano, uma vez que não confiam nele. Há uma leve semelhança entre a ameaça alienígena vista nesta e a criatura de Ozymandias em Watchmen, mas não parecida o suficiente para associá-la a um easter egg.

Prós: Hitch desenha muito bem e consegue equilibrar texto e arte. O mesmo deverá deixar os desenhos a cargo de outrem, uma vez que tem um terrível histórico de atrasos. Interessante também é a utilização de Jessica Cruz e Simon Baz como os Lanternas Verdes da história.

Contras: A revista não possui muitas conclusões, o que torna o arco um pouco capenga, deixando uma grande dúvida de quais perspectivas serão traçadas na linha regular da Liga.

Hal Jordan e os Lanternas Verdes #01

A revista correspondente às aventuras do piloto que veste o manto do gladiador esmeralda começa mostrando a ação da Tropa Sinestro e de seu comandante, já bem idoso, variando entre o encantamento com a suposta vitória naquele setor espacial, já que a lanternas verde nada fazem, e a obsolescência programada que sofre, não aceitando qualquer mimo a si causado por sua saúde pouco abundante.

No roteiro de Robert Venditti há uma repetitiva, porém interessante recontagem da origem de Jordan, atrelando seu destino a cada um dos terráqueos detentores do poderoso anel, bem como aponta novos rumos de rivalidade com Sinestro e Parallax. Essa talvez seja a revista mais inspirada até aqui, e a química entre a equipe criativa é enorme.

Prós: Mais uma vez Ethan Van Sciver consegue êxito ao capturar um clima aventuresco e escapista mesmo em poucas páginas e em uma história introdutória. A chance que tem de destacar cada um dos representantes das tropas coloridas é plenamente cabível, e não se preocupa em termos de argumentos de explicar todas as ações.

Contras: Há poucos defeitos, talvez o maior é a necessidade de sempre precisar mostrar Hal recebendo o anel de Abin Sur, fato que rivaliza com a morte dos Wayne e a destruição de Kripton como clichê mais repetido da editora.

Asa Noturna – Renascimento #01

A história de Tim Seeley começa com uma explicação sobre a alcunha do herói, ligando esta a uma lenda de Kripton, dos heróis Asa Noturna e Flamejante, para, mais tarde, mostrar Dick Grayson retomando sua relação com Damian Wayne. Há um cuidado em lembrar-se das histórias do herói órfão como Agente 37, inclusive dando uma finalização deste arco transitando para outro. O reencontro do herói com seu mentor soa frio mas não burocrático, repleto de emoções conflitantes, como se houvesse emoções ali guardadas, de um vigilante que quer provar aos outros e a si mesmo seu valor.

Prós: A curiosidade em assistir a interação entre Grayson e o antigo análogo da Wildstorm para o Batman, e atualmente herói recorrente da DC, Meia-Noite, é bastante proveitosa, e gera no público a vontade de ver mais daquela interação. O desfecho dribla seus próprios defeitos e soa nostálgico ao finalmente retornar do herói ao seu clássico manto.

Contras: O link com a Noite das Corujas – com a diferenciação nominal de Planalto das Corujas – soa muito longínqua da historia de Scott Snyder, por mais que faça sentido se lembrado.

Aproveitando o hype, analisamos também algumas das revistas de linha, lançadas quinzenalmente. Abaixo, algumas opiniões sobre:

Aquaman #01

A história começa com uma conversa franca e íntima entre Arthur Curry e Mera, em terra, após uma noite de prazer. A discussão envolve o assumir dos atlantes aos habitantes da superfície. A publicação, com roteiros de Dann Abnett, consegue harmonizar bem a importância que o Aquaman deveria ter no universo DC, com as pitadas de humor e escapismo necessárias para a boa fruição de uma simples história em quadrinhos. Esse é o início do arco Afogamento e mostra consequências bastante adultas para um ingresso de uma nova raça/espécie no cenário político mundial, com o acréscimo surpresa de um dos maiores vilões do rei atlântico. Os prós envolvem os desenhos inspirados de Brad Walker e a cobertura midiática do Planeta Diário, ainda que grande parte do que é aventado seja apenas um despiste e, até este momento, haja poucos defeitos neste pontapé inicial.

Batman #01

Eu Sou Gotham começa na vista aérea da metrópole, observada por um infante, enquanto o Morcego se ocupa de tentar salvar um avião em chamas mesmo sem ter os poderes de seus companheiros de Liga, como o Lanterna Verde, Superman e afins. As tramas escolhidas pelo roteirista Tom King e desenhista David Finch soam harmoniosas com a historiografia do personagem, alem de contar com uma boa dose de heroísmo. O poder heroico do vigilante é emocionante, mas é interrompido por uma interferência externa que soa como o aspecto mais negativo da publicação, por utilizar um deus ex machina banalizado e que será trabalhado mais para frente.

Flash #01

Joshua Williamson retorna aos roteiros para descortinar as consequências no cotidiano de Barry Allen, após o retorno de seu velho amigo Wally West e a consequente descoberta da perda geral de dez anos, para todos que habitam aquele universo. Apesar de levar em conta essas novas informações, o decorrer da história é morno, exceto pelo final que guarda um mistério sobre o uso da força da aceleração.

Arqueiro Verde #01

A trama segue os eventos diretos de Arqueiro Verde – Renascimento #01, com a mesma equipe criativa – roteiro de Benjamin Percy e arte de Otto Schmidt – com o Arqueiro e Canário enfrentando um grupo de assalto misterioso. Uma das artes de capa variante é assinada por Neal Adams, que mostra ainda estar afiado, apesar da distância temporal em que desenhava as aventuras de Oliver Queen. A despeito de toda ação escapista, o evento mais digno de nota na revista é a discussão que Dinah propõe, de que todas as relações de Olliver tem a ver com seu dinheiro, inclusive dos bandidos que enfrentaram em Seattle, os quais estavam atrás dos materiais da Companhia Queen, usando uma discussão normalmente relegada ao Batman como possível fonte do desequilíbrio social de sua respectiva cidade. O desfecho contém um cliffhanger interessante, que inclusive põe personagens presentes na primeira temporada de Arrow para conviver com esta versão do vigilante.

Conclusão:

Rebirth ainda não consegue mostrar a que veio, em um limbo entre reboot e retorno às origens. Ao menos, vale o intuito de reprisar origens dos personagens, além de resgatar de maneira inteligente o tom heroico clássico, que sempre foi a marca registrada do corpo de personagens da DC Comics.

Resenha | Como um Cavalo Salvou a Vida de um Preso Político

29 de julho de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Ditadura Militar, quadrinhos políticos, Sobral Pinto, tortura

A política brasileira é marcada por uma série de características, a maioria delas negativa. Porém, uma das que mais me incomoda é justamente a de construir heróis completamente discutíveis (ou indiscutivelmente condenáveis) juntando-se com um certo messianismo, ou seja, aquele personagem político que viria para salvar-nos de um dia para outro. Neste sentido, Getúlio Vargas provavelmente é o que mais simboliza essa questão de transformar em herói aqueles que não deveriam merecer esse pedestal. O chamado “pai dos pobres” não foi apenas aquele ligado às leis trabalhistas no Brasil, mas também um ditador que proporcionou perseguições políticas com tortura, censura e violências físicas e simbólicas diversas.

Esta realidade, que muito brasileiros desconhecem, é tratada na interessante história em quadrinhos Como um Cavalo Salvou a Vida de um Preso Político, com o texto de Evaldo Novelini e arte de Fernandes, no qual eles recontam a triste, e verídica, história do alemão Harry Berger e de seu advogado Sobral Pinto. Após a tentativa de levante comunista em 1935, houve uma verdadeira caça ao comunismo por parte do governo de Getúlio Vargas e seus órgãos de repressão, no qual o político alemão e sua esposa acabam presos e passam pelas mais variadas técnicas de torturas e maus-tratos. Enquanto isso, seu advogado tentava de todas as maneiras suavizar as críticas condições em que se encontrava o seu cliente. Só lhe foram concedidos uma cela e condições minimamente humanas quando Sobral entrou com um pedido baseado na lei de proteção aos animais, o que chocou a sociedade da época.

A obra em si é por demais interessante, pela arte que se assemelha a recortes de jornais e imagens de época, o que causa uma sensação mais séria e sóbria, que combina bastante com a temática abordada. De certa forma, a leitura nos lembra um documentário relatando os acontecimentos da época, mas não só os fatos em relação ao preso, as torturas e seu advogado. Os autores nos mostram recortes de jornais em que o leitor passa a se inteirar melhor do contexto em que essas ações aconteciam, o que demonstra que o clima de ódio e intolerância não pertencia apenas ao governo, mas também a setores da sociedade civil.

A abordagem é bastante crua, com a citação de torturas que o preso em questão passou, e também as humilhações consequentes, portanto, para alguns, pode gerar um incômodo e estranheza a leitura da HQ (aliás, se ela não gerar esse incômodo, sugiro que você procure um psicólogo, pois não é normal considerar os eventos narrados na HQ como normais). Em momento algum os autores se furtam de serem diretos e claros em relação ao que acontecia e os violentos procedimentos da época.

Sendo assim, essa HQ contribui para mostrar uma produção nacional importante e demonstrar que diversifica em relação a temáticas e abordagens. Porém, em minha opinião, o maior valor e contribuição da história é deixar claro que não havia heróis naquele período, e que a perseguição política e tortura não eram práticas fortuitas, mas uma política de Estado empreendida com o total conhecimento do então presidente Getúlio Vargas, que pode ser considerado tão culpado quanto os torturadores. Deixa-se claro que não há herói, santo ou mesmo “pai dos pobres”, mas um ditador. Leitura que dialoga com o presente da política brasileira, uma vez que pessoas e políticos dos dias de hoje podem ler e considerar que as torturas sofridas por Berger foram justas, por ser um comunista.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

Resenha | Shockrockets: Esquentando os Motores

27 de julho de 2016 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Image Comics, kurt busiek, Stuart Immonem

Originado na obra de Kurt Busiek, Shockrockets: Esquentando os Motores se localiza num cenário pós-guerra espacial, em um momento político catastrófico, quando um general despótico comanda os rumos dos territórios entre o México e Estados Unidos. O protagonismo cabe ao latino Alejandro Cruz, um sujeito que se vira como pode, com sua autocicleta, um veículo munido da tecnologia alien para se locomover e levar sua vida em tempos de crise e racionamento de comida.

A dobradinha com Stuart Immonem – com quem fez uma dupla formidável em Superman: Identidade Secreta – ajuda a fortalecer o nível de qualidade alto da publicação, assim como estabelece um viés de contestação semelhante às outras parcerias dos dois. Cruz vive com sua família, diferente de tantos outros órfãos nesse mundo pós-calamidade, mas em si há um descontentamento que o faz recusar o trabalho terrível de buscar algas no fundo do mar, conceito que alude a indignidade e futilidade do trabalho comum e a vontade de fazer a diferença no ambiente usual.

Apesar de tratar de um personagem de minorias, o cunho das aventuras é escapista ao misturar a utopia de união mundial, já referenciada em Jornada nas Estrelas, de Gene Ronddenberry, com o espírito massavéio das produções japonesas que colocavam, em contraponto, máquinas poderosas e monstros gigantes. As camadas superficiais e mais profundas são exploradas de uma forma fluida neste começo.

A mistura de influências visuais de Capitão Sky e O Mundo do Amanhã e Rocketeer funciona ao juntarem-se com os elementos kubrickianos de Doutor Fantástico, resgatando para os quadrinhos parte dos elementos escapistas dos três filmes citados, servindo como uma rede de confluência curiosa e rica em detalhes temáticos.

O modo de contar a história faz o leitor perder um pouco do interesse no sub-texto, em especial por causa do ritmo, que varia entre momentos estáticos narrativamente e ações desenfreadas. Sensação compartilhada em Shockrockets mescla escapismo e representatividade, sem deixar de lado a diversão, ainda que esteja longe de ser um produto de qualidade indiscutível.

O desfecho mistura uma sequência de urgência enorme, que traz de volta a adrenalina perdida no decorrer da publicação, com um cliffhanger que determinaria um viés revolucionário, mas que não teve prosseguimento nem por parte dos autores, nem da Image Comics, infelizmente – ao menos para os amantes da arte de Busiek e Immonem.

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Resenha | Capitão América: O Ódio Se Chama Sangue

25 de julho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Capitão América, john byrne, Panini, Salvat

A longevidade de uma equipe assinando um título, comumente, marca uma continuidade elogiada por considerarmos que o tempo também denota sucesso, e ainda fornece espaço suficiente para que um roteirista e um desenhista desenvolvam seu estilo. Em contrapartida, há passagens que são marcadas por sua brevidade destacada, pela alta qualidade que causaram impacto em seu lançamento e permaneceram no cânone. Um exemplo desta afirmativa é a breve fase em nove edições de Roger Stern e John Byrne à frente de Capitão América, resultando em, ao menos, duas memoráveis histórias.

Como era costume nos quadrinhos antigamente, as tramas não possuíam nomes específicos como as sagas que são lançadas progressivamente hoje. A passagem da dupla por Captain America nunca ganhou um título oficial. Nos Estados Unidos, um encadernado lançado em 2007 intitula-a como Captain America: War & Remembrance. No Brasil, a fase já foi lançada pela Panini Comics no volume único de Maiores Clássicos do Capitão América, sem nenhum nome formal. Recentemente, a Salvat lançou os números em sua coleção vermelha sob o nome O Ódio Se Chama Sangue, referência mantida neste título. De qualquer maneira, o público conhece esta edição como aquela que contém a história de Capitão América como presidente dos Estados Unidos.

As nove edições acompanham quatro histórias distintas, duas delas focadas no lado aventureiro da personagem e duas em uma vertente mais subjetiva, analisando o significado de sua figura heroica. A primeira trama, À primeira luz da aurora!, é a mais fraca delas, com um vilão computadorizado que, como os tradicionais vilões quadrinescos, deseja destruir o Capitão América. A segunda trama nesta abordagem, com uma equipe mais entrosada, tem maior carga de efeito e, explorando uma vertente que hoje não está presente nas tramas do estúdio, compõe uma boa aventura.

A edição mais conhecida é aquela que coloca o herói como um possível candidato à presidência do país. Capitão Para Presidente! é um interessante olhar sobre a figura do Capitão América a partir da ótica pessoal de Steve Rogers, que analisa como as virtudes de uma única pessoa se confundem na composição de um líder natural e, por consequência, um candidato supostamente ideal como representante máximo dos Estados Unidos. A trama versa sobre a força da personagem como um símbolo que demonstra um ideal americano puro mas que, não necessariamente, se posta como força política. Saindo do contexto da época, a história ainda é potencialmente forte, ainda mais se contrapormos a composição atual da personagem, que tangencia parte do american way of life para ser um maior símbolo de liberdade, explicitando-a como um direito inerente ao homem, e não apenas a um conjunto de regras e leis americanas.

Após essa reflexão, a trama retoma a vertente aventuresca inserindo Stever Rogers em uma incursão pela Inglaterra, ajudando um antigo amigo, na época em que fez parte da brigada britânica. Mesmo neste lado mais aventureiro e simples, a personagem e a tônica da história funcionam pela boa composição narrativa. Por fim, a passagem de Byrne e Stern encerra com uma aventura que explora a tradicional e repetida vertente da origem, além de comemorar os 40 anos da personagem. Um processo que se tornou natural na evolução dos quadrinhos para que a biografia do herói sempre esteja conectada com o estilo vigente da narrativa.

As transições de estilo dentro destas nove histórias provam a versatilidade do roteirista, bem como a composição desse clássico herói pode ser formatada para diferentes abordagens que enriquecem sua trajetória. Mesmo criado como um ideário americano, Capitão América conseguiu se expandir para além de uma propaganda de uma cultura hegemônica.

Resenha | Ducktales: Os Caçadores de Aventuras (1)

20 de julho de 2016 by Dan Cruz

Quadrinhos, Resenhas

carl barks, Disney, Ducktales, Marv Wolfman, Tio Patinhas

Entre 1987 e 1990, a Disney produziu aquela que viria a ser sua mais famosa série animada, estrelada por ninguém menos que o velho sovina Tio Patinhas e seus sobrinhos-netos Huguinho, Zezinho e Luisinho. Ducktales é ainda hoje lembrada com muito carinho por quem foi criança na época, e grande parte do seu sucesso foi devido à capacidade dos produtores em manterem-se fiéis às histórias em quadrinhos. Mesmo com algumas criações exclusivas para a série e algumas licenças poéticas que mudariam personagens já consagrados, o espírito aventureiro das obras clássicas de Carl Barks estava presente em cada episódio.

Não demorou muito para que a transição inversa de mídia acontecesse: uma série baseada em quadrinhos acabou baseando, também, histórias em quadrinhos! Esses quadrinhos diferiam das habituais por incorporarem elementos antes exclusivos da série, como personalidades diferentes para cada um dos Irmãos Metralhas ou a origem escocesa do Pão-Duro MacMônei, que nos quadrinhos era sul-africano. Além de uma revista mensal, os patos tiveram algumas minisséries publicadas pela Editora Abril, sendo que três delas estão reunidas nesse volume de capa dura intitulado apenas Ducktales: Os Caçadores de Aventuras.

Em busca da Número Um

A primeira saga do volume é também a melhor das três e tem o roteiro assinado pelo consagrado escritor Marv Wolfman, conhecido pelo seu trabalho na DC Comics com os Novos Titãs e a maxissérie Crise nas Infinitas Terras. Wolfman resgata a atmosfera aventureira das histórias de Barks e demonstra um grande cuidado na caracterização de cada personagem. A história em sete partes começa com a vilã Maga Patalójika sequestrando a patinha Patrícia – neta da governanta Madame Patilda e para a qual Patinhas demonstra o mesmo carinho que tem pelos seus sobrinhos. Pelo resgate de Patrícia, Maga obriga Patinhas a entregar sua moedinha da sorte, a Número Um. Essa moeda foi a primeira que ele ganhou na vida e tem para ele um grande valor sentimental.

O Tio Patinhas de Marv Wolfman é muito menos sovina e tem um coração muito mais mole do que as versões com as quais estamos acostumados por aqui – principalmente se comparado às hqs italianas ou mesmo brasileiras. Embora ainda tenha uma enorme sede por acumular riquezas, o velho não se importa em desfazer delas se isso significar o bem de seus entes queridos. Assim, vemos Patinhas abrindo mão de sua moedinha para resgatar a querida Patrícia, mas acaba caindo em um golpe sujo da bruxa.

A saga então passa a ser sobre o resgate dessa moedinha e a busca pela Maga Patalójika, levando a família de patos e seus amigos a aventuras ao redor do mundo, tal qual na série animada. Destaque para o Capitão Bóing, que aqui aparece caracterizado como na primeira temporada da série animada: meio atrapalhado, porém valente e aventureiro. Paralela à história da moedinha, temos uma outra trama envolvendo o Pão-Duro MacMônei (que nessa história teve seu nome traduzido como MacMônei Coração-de-Pedra) na qual o rival se apropria das empresas Patinhas através de golpes financeiros. Patópolis é rebatizada como MacMópolis, e vemos a total ausência do poder público na cidade, sendo que todos os bens e serviços são advindos da iniciativa privada (asfalto, iluminação pública, saneamento básico…).

Maga Patalójika está muito mais poderosa do que o habitual e sua presença é realmente assustadora. A habilidade de Wolfman de contar uma grande história, com muitos personagens, é visível e tudo se encaixa com sagacidade. Personagens como Madame Patilda, Asnésio, Professor Pardal e Leopoldo, embora não sejam importantes para a trama e alguns sequer tenham fala, marcam presença e garantem a atmosfera do desenho na saga, fazendo parte do cenário. Carl Barks também faz uma aparição na história como um aliado do vilão, e é uma bela homenagem ao Homem dos Patos.

A odisseia do ouro

A segunda saga do volume, com roteiro de Bob Langhans, trata de um meteoro de ouro descoberto por Patinhas e MacMônei e uma viagem pelo espaço para tomar posse dele. O clima de aventura também permeia toda a história e alguns momentos são bem divertidos. Asnésio, o patinho escoteiro rechonchudo, ganha uma importância maior, tendo um arco focado nele. Incomoda um pouco o uso de “ganchos” pelo roteirista a cada final de capítulo, que parece não ser usado de forma muito inteligente. Esses ganchos dão a impressão de que os capítulos simplesmente acabam “pela metade”, e a resolução na próxima parte soa corrida. Mais uma vez, vemos um Patinhas não muito apegado aos seus tesouros, e isso contrasta com a personalidade de MacMônei na história. Capitão Bóing continua aventureiro, porém mais falastrão do que na primeira saga.

Alguns cuidados por parte da equipe de tradução foram negligenciados, e temos balões trocados em um quadro, assim como o nome de um dos sobrinhos em uma parte da história. Além disso, o topete do Bóing aparece sem cor em vários quadros, o que embora não atrapalhe o entendimento da história, causa certa estranheza ao leitor mais atento.

Legítimos donos

A terceira e última saga do volume é uma pena. Escrita por Warren Spector, designer do jogo Epic Mickey, a premissa é muito interessante, mas desperdiçada de uma forma tão inacreditável que chega a dar dó! A história parte do princípio de que muitos dos tesouros do Patinhas foram adquiridos através de apropriação cultural e, portanto, devem ser devolvidos aos seus legítimos donos. Uma excelente ideia, mas muito mal desenvolvida.

Mesmo assim, temos alguns pontos pertinentes. A arte é bem diferente das duas séries anteriores, mais moderna e flertando com o estilo Disney italiano. Embora seja boa, não se mantém constante e as proporções dos personagens mudam muito de um capítulo para outro. As cores são definitivamente a melhor parte, e é a única coisa na história superior ao resto do volume.

A história começa com uma exibição no museu de Patópolis dedicada às aventuras de seu mais notável cidadão. Assim, os tesouros conquistados por Patinhas em diversas ocasiões são expostos orgulhosamente, o que causa um certo constrangimento em Patrícia, que acaba convencendo o tio a devolvê-los. Junto a isso, o também ricaço esbanjador Patacôncio faz uma aposta com o velho Patinhas “nos termos de sempre”, o que significa que o perdedor deverá comer seu chapéu. Assim inicia-se uma jornada à tribos remotas para a devolução dos pertences.

Mas o roteiro não funciona direito. A começar com a escolha do rival Patacôncio, que nunca sequer apareceu na série animada e não é tão popular nos Estados Unidos quanto no Brasil ou Itália. Peninha faz uma ponta que poderia passar despercebida, e Donald, apesar de citado e de aparecer em dois quadros, não teve nenhuma notoriedade na história – diferente do que a condução do roteiro parecia sugerir. Margarida – outra que nunca apareceu no desenho – surge como repórter, talvez uma referência à série Quack Pack, e o Capitão Bóing está muito diferente das histórias anteriores. Menos aventureiro e muito mais abobalhado, Bóing lembra mais sua versão no spin-off Darkwing Duck, inclusive citando sua temporada em St. Canard. Muitas e muitas referências às aventuras passadas são simplesmente jogadas na história, sem causar empatia a leitores que não as conhecem, e nem nostalgia aos fãs antigos. O desenvolvimento da primeira parte não se mantém no mesmo ritmo, forçando a história a correr na última parte, atropelando a narrativa. E ainda se encerra com um gancho forçado, que em nada contribui para o entendimento da trama. O resultado é uma história confusa, fraca, com personagens rasos e que mais parece uma fanfic do que um produto oficial.

Acabamento de luxo

Embora tenha seus problemas, o volume é muito bom. A capa dura com reserva de verniz tem a aparência de uma peça de pedra de algum templo antigo e é realmente muito bonita. Impossível não comprar com a arte dos filmes de Indiana Jones, clara inspiração para a série. O material extra traz um excelente texto contando a trajetória dos Caçadores de Aventuras em diversas mídias, e é realmente muito bom. As páginas em couché dão um brilho às histórias e a encadernação é perfeita, como vem sendo nas outras edições de capa dura da editora. É uma peça para se guardar na coleção e, mesmo com seus problemas, no coração de quem já cantou a música tema de Ducktales com empolgação um dia!

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Resenha | Homem-Aranha: Último Desejo

18 de julho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Dan Slott, Homem-Aranha, Humberto Ramos, Marvel Comics, Panini

A passagem de J. Michael Straczynski no título Amazing Spider-Man durou seis anos e foi marcado por acertos pontuais e erros difíceis de serem assimilados. Havia um bom início, inserindo uma nova profissão para Peter Parker, mas o passado de grandes personagens foi modificado sem uma história sólida.

As últimas tramas tiveram um ganho de qualidade graças à saga Guerra Civil, ponto de transição para Peter Parker que revelou sua identidade publicamente. Os arcos A Volta do Uniforme Negro e Um Dia a Mais exploraram as consequências desses feitos e explicitavam a dificuldade de como lidar com uma modificação explícita do status quo da personagem. A resposta para esta pergunta foi entregue aos fãs em uma saída fácil, na qual Peter realiza um pacto com Mefisto, apagando seu casamento com Mary Jane e mantendo Tia May viva, na ocasião, prestes a morrer devido a um atentado.

A situação abusava da credulidade dos leitores mas desenvolvia uma nova postura em Peter Parker, retomando uma época da carreira em que a aventura dominava a narrativa sem as preocupações envolvendo a relação amorosa, aspecto que os fãs, diziam os editores da época, dividiam-se em opiniões distintas. Coube a Dan Slott promover esta nova vertente com competência e, mesmo em momentos oscilantes, obter um saldo positivo. Homem-Aranha ganhou novos pares românticos, o retorno de vilões do passado e uma dinâmica que retomava a energia da fase clássica de Stan Lee em novas situações, modificando a vida financeira de Parker que, pela primeira vez, adquire um trabalho longevo e de qualidade explorando sua força científica, por exemplo.

Slott criou um alto desafio para sua passagem, sendo essa história, Último Desejo, o marco final de sua primeira fase à frente do aracnídeo, criando um segundo ato que marca o início da Nova Marvel e transpõe o Doutor Octopus no corpo de Peter Parker, uma reviravolta exagerada até mesmo para conceitos hiperbólicos dos quadrinhos. Publicado originalmente no país em Homem-Aranha #142 e #143 e Homem-Aranha Superior #1, a edição compilada pela Panini Comics em capa dura se inicia com um dia perfeito na vida de Peter Parker: sucesso no trabalho, com diversos vilões derrotados, decidindo reatar com a mulher que ama quando Otto Octavius, preso na Balsa, está prestes a morrer. O público descobre, ao final da primeira parte, que o herói apresentado é, na verdade, Octavius.

Este grande vilão do teioso apresentou nesta fase uma doença degenerativa, a qual, entre diversos planos, tenta superá-la e falha. A ação apresentada nesta história é um último e derradeiro ato, quando o vilão converte sua consciência para o corpo de Parker e deixa-o em seu corpo moribundo. A trama opta por causar a reviravolta e justificar seu motivo em momento posterior. É difícil ao leitor imaginar um tradicional personagem modificado desta maneira, ainda que ação de corpos trocados entre inimigos seja potencialmente eficiente.

Pelo histórico de boas narrativas, Slott merece crédito nesta história de transição entre uma fase a outra, ainda que a trama em si não seja tão destacável, evidenciando um desafio do roteirista em lidar com um novo conceito da personagem, momento que causa estranheza no leitor. Evidente que nada é tão radical assim e a consciência de Peter, ou ao menos parte dela, acompanha Otto e causa um conflito interno no vilão que, agora com acesso as suas memórias, observa no arqui-inimigo sua força heroica.

O arco marcou a transição entre a revista Amazing Spider-Man que lançava seu 700º número para uma nova revista intitulada Superior Spider Man. Um evento comemorativo que transformava o conceito conhecido da personagem, e corajoso o suficiente para levá-la a um novo patamar narrativo que será melhor delineado em histórias futuras.

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E se o Cinema Desprezasse Super-Heróis?

15 de julho de 2016 by Douglas Olive

Artigos, Cinema, Quadrinhos

Batman, Deadpool, Disney, Hollywood, Star Wars, Superman, Vingadores

“Não há espaço para super-heróis, nunca houve. Filmes baseados em HQ’s sempre foram um problema pra indústria. Tipos como Superman, Homem-Aranha, Flash e os X-Men simplesmente não conseguem respirar fora dos quadrinhos – imaginem um filme sobre Os Vingadores, com heróis e mais heróis pipocando na tela; impossível. A plateia iria recusar salvadores criados para crianças, principalmente por se sentir inferiorizada diante de outros tão poderosos. Não iria ter identificação com o mundo real, não como acontece nas revistas. Aliás, não há como convencer as pessoas a pagar pra ver um bando de adultos vestindo uniformes e lutando contra o crime, certo? Rapidamente essa fórmula iria se esgotar, o encanto teria prazo para acabar, e, antes de encontrar o fim, é melhor que essa mania de adaptar tudo nem comece! Já bastam os filmes do Superman que, de bom mesmo, só os dois primeiros e o Batman, do Tim Burton. Chega! Quem precisa de super-heróis fora do gibi?”

Hollywood, e mais do que nunca. A indústria está carente, feito um solteirão trancado num apartamento com dez gatos por uma semana, ou até mais que isso. As grandes ideias ou simplesmente caíram da ampulheta, ou estão sendo poupadas há décadas nas gavetas dos poderosos produtores da Warner, Fox, Disney e cia., com medo do futuro caso de fato boas ideias sejam coisa do passado, ou se a moda de reciclar tudo em infinitas sequências não colar mais e todo mundo começar a pedir algo diferente de Velozes e Furiosos 98 ou Star Wars – Episódio 50. Uma hora vai cansar, né? Tudo cansa, ou melhor, muita coisa já cansou, tipo Transformers, que número está, 78º filme? Nem Optimus Prime dá conta. Mas se a Sociologia explica tudo (quase tudo), nesse caso nem vamos precisar ir fundo na análise… Não é só o Cinemão, que um dia foi comandado pelos grandes cenários de Victor Fleming e William Wyler, e hoje se nutre pelos efeitos visuais de James Cameron que precisa da Marvel e da DC: A sociedade também.

Precisamos de parâmetros, de espelhos, e precisamos a todo momento. Alguém sem ídolos, como deixa claro O Mestre, de Paul Thomas Anderson, praticamente não existe. Todo mundo precisa de um fôlego, de um “Você me representa!”. Por isso a utopia apresentada no começo, em que os super-heróis jamais seriam aceitos pelo público, é pura mentira, mas se aplica diretamente aos filmes baseados em videogame, os quais, se realmente querem ser aceitos, irão precisar jogar do jeito que Bryan Singer, Sam Raimi e Christopher Nolan fizeram (amém), pavimentando o caminho. Não pode vencê-los? Junte-se ao modo Marvel-DC de fazer as coisas (editoras que hoje estão na Disney, Fox e Warner, e o resto que corra atrás de livros famosos, rápido!). Ainda na exibição de Batman vs Superman, ou em Capitão América: Guerra Civil, é nítido o prazer de assistir a pessoas iguais a nós salvando o mundo. Fazendo a diferença! Nos dá quase um gosto de missão cumprida, não é? Isso não cansa nunca, ou pelo menos demora pra gente dar um O.K., e procurar algo melhor para fazer, para assumirmos que vale a pena.

Beleza, mas E SE, brincando no universo paralelo das conjecturas, aquele cenário (apocalíptico) fosse uma realidade, tal qual a situação ainda indecisa e inexpressiva dos filmes de videogame, e o primeiro X-Men, dos anos 2000, ou o Homem-Aranha de 2002 e Batman Begins de 2005 tivessem sido enormes fracassos, e ninguém ousasse mais vestir um ator com capa na Comic-Con de San Diego?! Nesse caso, então, a indagação suprema seria outra: como estaria o Cinemão americano, todo lindo e divertido, em 2016, se a gente nunca tivesse chamado a galera pra assistir a quadrinhos numa tela gigante? Muito doente, obrigado.

Mas calma, estaria vivo SIM, com roteiristas a preço de ouro. Mas seria um sobrevivente como sempre foi, desde muito antes de Spielberg mostrar aos poderosos que dá pra fazer MUITA grana fazendo as pessoas se divertirem, e não apenas se emocionarem como ficou provado com … E O Vento Levou, a maior bilheteria da história levando-se em conta a inflação (três bilhões e meio de dólares, quer mais?). Como imaginar numa situação saudável, tranquila e good vibes, dependendo de franquias como 007, Piratas do Caribe e Avatar, uma indústria com a Marvel faturando 10 bilhões em uma década, e um personagem sozinho feito Batman com mais de quatro bilhões em caixa, com apenas oito filmes? Seria a mesma coisa de tirar o Chaves do SBT, resumindo. Hollywood viciou e nos fez viciar mais ainda nessa gente que voa, é diferentona e solta raios (foi a melhor coisa a fazer), e que essa fonte dure bastante, caso contrário…

Movimentos em forma de filme, como Avatar (O 3D duplica o valor do ingresso, o mercado está salvo de novo), Central do Brasil (num país pós-retomada do cinema nacional) e Pulp Fiction (ensinando Hollywood que “somos pobres mas somos limpinhos”) tiveram uma importância tão grande para o Cinema que, apagando-os da história recente ou da antiga da arte, iríamos sentir em demasia os efeitos de uma utopia positiva agindo sobre nós; no cenário das hipóteses, tudo pode acontecer. E fica fácil prever uma hipótese dessas se julgarmos o impacto na cultura pop caso George Lucas nunca tivesse criado Star Wars, em 1977. Se a saga dos sabres de luz resumiu uma geração (e levou a veneração à cultura pop, mundo afora, calcando bases sólidas no mercado do entretenimento em massa), sua inexistência deixaria Hollywood órfã de representação e adoração a longo prazo, inclusive na memória de todos nós, já que é isso o que realmente importa no jogo. Mais do que isso: Muito da identidade de uma época nunca teria existido, como aconteceria se o cinema não curtisse o Deadpool.

Sem a Marvel e DC na jogada, o jeito da cultura pop no Cinema seria apelar para franquias melhores que os tapa-buracos de hoje em dia (Divergente, Maze Runner, Jogos Vorazes, etc), desenvolvendo a qualidade de produtos de um jeito muito mais profundo e menos descartável do que atualmente faz, o que, dada a quantidade de estreias a cada semana, torna-se impossível de realizar em grande escala. A esperança é a última que morre, e sem heróis para fazer o povo continuar saindo da Netflix e indo ao Cinema, talvez teríamos até mais sequências que já temos (“Alice – A Vingança do Chapeleiro Maluco” poderia estrear semana que vem), além da usual avalanche de remakes que só iriam aumentar, obrigando a molecada a descobrir os filmes originais do passado. Outro “talvez” cabível seria o reinado, FINALMENTE, dos filmes de videogame, com ‘Diablo – Parte 4’ estreando em julho. Por que não? Tudo seria possível se a Marvel não reinasse, soberana, e se a DC não tivesse no comando uma ameba chamada Zack Snyder.

Levando o cinema a experimentar novas possibilidades de contar histórias, em 1977, lá em cima no espaço, Lucas passou o bastão para J.J. Abrams porque, agora, tudo parece ter mudado. Com as histórias de Stan Lee e Bob Kane, de 2000 pra cá, o que os super-heróis nos levam a sentir? Poder, auto-engano em massa, um chamado para salvarmos o mundo… O inconsciente e imaginário populares têm um trabalho importante nisso, e num mundo atacado com terrorismo, aquecimento global e o fim da privacidade, numa realidade dessa e cada vez mais cética sobre quem realmente tem poder nesse mundo (Oi, Google), seríamos nós nossos próprios heróis? O que representa a identidade do século 21 se não salvarmos a nossa própria pele? Isso explica porque eles não são suficientes no gibi, porque precisaram ir para a tela grande, e porque seu maior feito é salvar Hollywood. Isso explica muita coisa.

Resenha | Batman ’66: O Episódio Perdido

15 de julho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Batman, Batman 66, DC Comics, Len Wein, Panini

Algumas versões, interpretações ou fases de personagem se tornam tão marcantes que viram objeto de culto pelo público. Em 1966, Batman já havia estrelado em séries anteriores, porém a série produzida pela ABC conquistou grande audiência em suas três temporadas, em 120 episódios reverenciados. A vertente narrativa – diferente daquela conhecida hoje, focada em um herói mais inocente, sem uma personalidade taciturna – traduziu-se de formas diferentes ao abordar o Homem-Morcego. Mesmo hoje, tendo momentos quase cômicos, permaneceu no imaginário pelas boas aventuras de um período que não havia um conceito hiper-realista como representação.

Diante deste sucesso, a DC Comics desenvolveu uma nova revista destacando essa fase do herói, uma homenagem explícita explorando a narrativa da série, como os conhecidos cortes de cena e as cenas de luta cujas onomatopeias apareceriam na tela. Batman 66’ teve 30 edições e um especial lançado em 2015.

Contendo diversas histórias curtas, a revista conseguiu se manter por um bom período no mercado, ainda que, devido à ausência de uma cronologia, o projeto tivesse sobrevivido em um fôlego breve e se destacasse pela natural nostalgia dos leitores. Dentro destas histórias, Batman 66’ – O Episódio Perdido apresenta uma interessante intersecção entre a série original e os quadrinhos.

Lançado no país pela Panini Comics como edição capa dura, mesmo formato da série Batman 66’ regular, este especial adapta um roteiro que nunca foi ao ar, apresentando a origem do Duas-Caras. Portanto, trata-se de um episódio inédito cujo roteiro foi desenvolvido por Len Wein a partir do original de época, com arte assinada pelo grande José Luis García-Lopez.

Se a série como um todo é uma homenagem nostálgica, este especial é aquele que traz o maior ganho narrativo por simbolizar uma continuidade inédita da trama original. Estruturalmente, o estilo se mantém como nos anteriores: roteiro e desenhos se apoiam na dinâmica do seriado com falas de impacto, e ação simples e bem pontuada que, evidente, ressalta o talento de nossos heróis ao combater o crime.

Por se tratar de uma única história, a edição contém, além do especial, esboços da composição dos personagens e trechos do roteiro. Recheado com material extra que sempre agrada aos leitores, Batman 66’ – O Episódio Perdido é a edição que mais se destaca dentro da homenagem à série clássica. Ainda que não fuja da emulação do mesmo estilo narrativo, ao menos resgata um produto genuíno de uma época anterior, produzido como um registro novo de uma publicação presente na memória de grande parte dos leitores do Homem-Morcego.

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A Guerra Civil entre Leitores da Marvel

14 de julho de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Quadrinhos

Feminismo, Homofobia, Marvel Comics, preconceito, Racismo

Os camaradas do Vortex Cultural, cientes de minhas bravatas via rede social, me convidaram gentilmente para este breve conjunto de palavras formulando, neste perigoso mundo dos textos indevidos, escritos às pressas, popularmente chamados de textão, impressões sobre o recente movimento editorial da Marvel Comics baseado em impressões das impressões. Ou seja, uma análise daquilo que observei nas redes sociais nos últimos dias referente à nova notícia do estúdio, formuladas nestes artigos postados em Pop Liberal e outro em Contra 52 e no vídeo do Canal do Colecionador, envolvendo um novo personagem a assumir o manto de Homem de Ferro: uma garota – !!!!!!!!!!! – negra – !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! – de quinze anos – !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!.

A vontade de continuar este texto inserindo palavras de expressão popular, coerente com o estilo dos textões tenta escapar de meu pensamento. Seriam muito mais fáceis a ironia e o exagero para explicitar meu incômodo (as exclamações do parágrafo anterior, aliás, são meramente enfáticas e irônicas, tentando simbolizar a reação que observei na rede). Porém, reconheço que colocar em caixa-alta certas palavras, forçar o excesso de exclamações e outros recursos serviram apenas para empobrecer meu discurso. Este não é um daqueles textos que se possa chamar de estúpido. Naturalmente, você pode me chamar de estúpido, mas minha intenção é que você, o leitor, ao menos diga: ei, esse cara é um estúpido mas ele tem um ponto de vista.

Dito isso, registro o quanto os quadrinhos ainda se mantêm como uma potente força de expressão. Não fosse isso, a nova divulgação da Marvel não causaria tanto rebuliço na internet. Pontuo a expressão “na internet” por não ter acesso a outros materiais que não o virtual; e quando digo internet, restrinjo-me à manifestação de possíveis leitores de quadrinhos, não de críticos ou analistas internacionais com uma sólida carreira no ramo.

Dois espectros distintos de opinião se destacam na discussão contemporânea dos quadrinhos: a representatividade de certos personagens e certa rejeição – para não dizer uma espécie de ódio sentimental – à qualquer mudança, mesmo que insignificante, na narrativa quadrinesca. Aqueles que defendem a representatividade apoiam um conceito multicultural de que o Universo Marvel, como reflexo da realidade, deve ter espaço a etnias diversas, crédulos diversos e sexo diversos. Outros registram que a tradição destas obras foi fundamentada sem representação de certos grupos – para não dizer a maioria deles – e que assim é bom, afinal qualquer mudança trairia a própria tradição.

É necessário ponderar o que exatamente estes grupos querem dizer nestas afirmativas. Vamos a elas.

Primeiro caso: é necessário representatividade nos quadrinhos

Sim, é necessário. Porém, não cabe aos editores impôr esta representatividade. A Marvel sempre foi uma editora que refletiu acontecimentos globais direta ou indiretamente. Em época em que o órgão de controle de quadrinhos americano pedia reformulações sobre roteiros, a editora encontrava uma maneira de abordá-las de maneira diferente: invasões extraterrestre, crises existenciais, metáforas que revelavam não só o talento de seus roteiristas, como inventividade para manipular essa espécie de censura. O tempo trouxe mais liberdade aos quadrinhos e, com isso, a possibilidade de discutir temas difíceis como, em um exemplo recente, o Onze de Setembro, quando seus heróis também choraram e Capitão América lidou com as dores da perda pessoalmente.

Sendo assim, é natural que se busque uma representatividade coerente com a massa de leitores. Reproduzir um grupo variável não só mantém a identificação de cada grupo distinto de leitores como, culturalmente e socialmente, evita predispor uma cultura acima da outra, evitando qualquer possível sensação de etnocentrismo. Porém, e este porém é aquele que sempre causa discórdia, a editora não pode obrigar os leitores a aceitarem que os personagens canônicos mudem. E assim, chegamos à segunda questão.

Segundo caso: não se deve mexer em personagens consagrados

Antes de qualquer afirmativa ou negativa sobre isto, é necessário pensarmos como um personagem é criado. Uma base de preceitos, quem ele é, o que pensa, sua filosofia, é fundamentada para que, diante de histórias diversas, a estrutura não seja destruída. É como uma tábua de mandamentos a serem seguidos. Alguns personagens do estúdio foram tão explícitos neste tema que seu lema é capaz de defini-los. Um exemplo? Grandes poderes trazem grandes responsabilidades. Qualquer grande dilema de Peter Parker permeia esta questão. Observe em qualquer edição, quando o Aranha precisa tomar uma decisão, uma decisão das grandes: os grandes poderes e as grandes responsabilidades estão em suas entrelinhas.

As personagens funcionam, em geral, por conta dessa base bem fundamentada. Permite que diversos roteiristas escrevam sobre um mesmo herói – alguns escrevendo muito bem, outros mal e outros apenas sendo toscos e resultando naquele meh sonoro após a leitura de uma história ruim – sem que a essência se perca. Esta afirmação é funcional para a criação de qualquer personagem e, com um abuso de representação metafórica, para as pessoas em geral. Reflita sobre si mesmo e pense: qual minha essência? Qual fator eu não gostaria de mudar em mim? Bom, se você fosse um personagem em quadrinhos, além de ser algo super legal, essa seria sua base, sua filosofia de composição.

É por conta dessa base fundamentada que leitores se incomodam com modificações. As personagens devem usar os mesmos uniformes, ter as mesmas ações, as mesmas namoradas porque, afinal, as mudanças são sempre incômodas. São, filosoficamente exagerando, uma ruptura e qualquer novidade sempre causa espanto. Principalmente porque o novo é também potencialmente desconhecido. Assim, surgem as naturais reclamações sem nenhum conhecimento sobre a qualidade da história. E, no final, o que temos é uma genuína Guerra Civil, sem Stark ou Rogers para nos apoiar.

Mas o que você quer dizer com tudo isso, (seu estúpido)?

Os quadrinhos funcionam como uma mídia mista. É naturalmente autoral mas atende a um mercado. Quando falamos em mercado, consideramos uma quantidade vasta de material em diversas áreas culturais distintas: cinema, literatura, televisão, competindo de maneira agressiva com os quadrinhos. A mudança se torna fundamental para que leitores se mantenham como compradores das edições, falando bem ou falando mal.

Porém, qualquer leitor de quadrinhos além daquele esporádico sabe que, em uma grande editora como a Marvel, nada é para sempre. Sim, alguns personagens mortos nunca voltaram à vida e que os deuses da Marvel mantenham o velho tio Ben ainda como memória – boatos dizem que há uma futura série que ele pode voltar – , mas, geralmente eles voltam. E como voltam. Ed Brubaker trouxe Bucky de volta em O Soldado Invernal em meio a reclamações de leitores que hoje reconhecem a excelência de sua fase à frente de Capitão América. O próprio Capitão morreu e voltou, talvez quicou entre a morte e a existência; Frank Castle foi pro céu e voltou, aliás Bem Vindo de Volta, Frank; Elektra morreu. E voltou. E morreu de novo. E voltou. Eu já disse que ela morreu? Wolverine está – ao menos na cronologia brasileira – mortinho mas, ah, vocês já sabem.

Assim, a grande mudança significativa do novo Homem de Ferro é formatada justamente para isso: causar burburinho, polêmica e vender. Assim, me espanta que os leitores – ou aqueles que se denominam leitores e estão vociferando na rede – estejam incomodados com uma modificação que com certeza será breve e, considerando o sempre bom roteiro de Brian Michael Bendis, de qualidade. Afinal, o que é que este grupo tanto teme assim?

Há pelo menos dois textos brasileiros ou traduzidos no país elencando uma fase negra dos quadrinhos americanos. Para isso, utilizam números como argumento. A revista X não vende mais do que ano passado; não vende mais desde 1970; não vende mais desde que Stan Lee tinha cabelos pretos – sim, em algum momento Stan – The Man – Lee portava um irado cabelo preto adornando aquela linda cabecinha cheia de ideias. Mas os números são mesmos confiáveis? Os leitores de quadrinhos caíram de maneira geral ou somente a Marvel perdeu leitores? Se perderam, para quem? Quem está roubando os leitores da editora? A DC Comics? As outras mídias? Um dado isolado inserindo em um texto pode ser um possível parâmetro de uma análise inicial. Fora isso, é tão insustentável quanto um texto sem ele, feito pelo completo achismo.

Para afirmarmos de fato uma queda das vendas da Marvel além de números absolutos, teríamos que verificar variáveis tanto no mercado quanto na economia do país. Afinal, em um pais em crise, é de se esperar que um salário curto precise enfocar somente aspectos básicos, afinal Grandes poderes… já sabem. Além disso, a própria contextualização da época presente se revela ineficaz. Se analistas consideram difícil o estudo do presente, digamos, dos últimos dez anos, que dirá da especulação narrativa a respeito dos futuros dos quadrinhos?

Como, então, afirmar com precisão que a época em que vivemos, na qual dois destes textos afirma existir uma era negra dos quadrinhos, sendo um inferindo e outro definindo? O argumento central dos textos e replicado por muitos leitores é a modificação narrativa, personagens representativos que estariam tirando o lugar de destaque de nossos heróis consagrados. Mas há um erro. Não, diversos.

E quais são?

Nenhum herói será substituído. Principalmente, porque são eles os responsáveis pelas vendas. Wolverine não aparece em diversas histórias do estúdio porque ele é um baixinho peludo e bonitão. Mas porque ele alavanca as vendas mesmo se sua participação for diminuta. Mesmo se suas garras aparecessem no último quadro da página 21, no lado direito. Esse mesmo, está vendo? Isso, esses três risquinhos são a participação do Wolverine. E uma parcela de leitores comprou para ver esse baixinho nervoso. Vendas.

Em seguida, nenhum personagem, ao menos até aqui, foi modificado. Sim, reconheço que há pontuais modificações ativas de personagens e que estas modificações me causaram incômodo. Refiro-me aqui a Alan Scott, o Lanterna Verde. A princípio achei uma modificação arbitrária, porém sustentei-a com o pensamento a seguir. Por quê? Devido à construção da personagem à qual mencionei. Se um herói X muda sua sexualidade, ele não estaria apenas representando uma parcela de leitores, mas, dependendo de seu histórico, entrando em contradição com sua própria história, vamos dizer, sua própria história de vida. O exemplo é delicado, para não dizer ruim. Afinal, a sexualidade pode ser cambiante e descoberta em qualquer idade, sendo assim ainda é possível que um personagem x, outrora hétero, descubra-se homossexual. Em nível narrativo, não haveria contradição. Psicologicamente muito menos. Mas estamos lidando com personagens de uma tradição de leitores, e qualquer modificação neste status tem de ser, no mínimo, coerente para que seja aceita. E não por questões sociais, apenas coerente com a construção de seu personagem.

O que se apresentou até aqui foram apenas novos personagens trazendo representatividade tanto na Marvel quanto na DC Comics. Negros, asiáticos, gays e qualquer tipo de grupo que a mídia e as pessoas comumente tem chamado pejorativamente de minorias. E estas inclusões não são de hoje: mulheres que assumem o manto erigido por homens, e também personagens que assumem a identidade heroica de outros – citei Capitão América anteriormente e me mantenho nele: Steve Rogers, Bucky Barnes e Sam Wilson já estrelaram fases do herói. E outros criados no momento certo, dialogando com assuntos da época, como Pantera Negra: surgido na onda de protestos por igualdade racial nos Estados Unidos e um dos personagens mais coesos do Universo Marvel, ou simbolizando outras dificuldades técnicas: Matt Murdock é um herói cego. Tony Stark é alcoólatra. Natasha Romanov uma assassina. A lista de imperfeições segue de acordo com a memória de cada um.

Tais novos personagens trazem ganhos para aumentar o universo de cada herói. Como produto mercadológico, gerarão novas fases que podem ou não cair no gosto do público e, se forem bem recebidos e aceitos, permanecerão em cena e, se houver um bom roteirista, se tornarão grandes. É um tremendo exagero, um gigantesco exagero, pontuar estas modificações e incursões de nova personagem como um período negro nos quadrinhos. É especular demais sobre tramas vindouras e revelar um preciosismo de leitores que estão acostumados com modificações que nunca tiraram seus medalhões dos holofotes. Porém, estes textos se replicam facilmente na internet.

Como os quadrinhos ainda se destacam, é natural que a mídia reproduza suas modificações e com eles surjam notícias e textos analisando tais mudanças – afinal, é o que estou fazendo aqui. Porém, até onde pude observar, os dois textos citados anteriores se valem mais de uma opinião de fora do que de um leitor assíduo, daqueles que já reconhecem traços parecidos entre si lembrando nome e sobrenome dos desenhistas. Os textos citam momentos específicos com ilustrações de uma página sem contextualizar a história, os acontecimentos anteriores e posteriores. Assim, tudo parece exagerado, uma estratégia, por assim dizer, para corroborar com a narrativa imposta pelo texto. A Marvel está falindo, veja os números. Estão cedendo ao politicamente correto, veja essas fotos. Porém, como mencionei na problemática da amostragem de um único número sobre as vendas, uma página diante das diversas publicadas mensalmente pela editora é uma amostragem pequena demais para que se tire qualquer conclusão. Muito barulho por nada, ou quase nada.

A tradição versus mudanças

A tradição se mantém coerente na construção das personagens e não no engessamento eterno delas. Modificações são naturais em qualquer processo e, consequentemente, são inseridas nas trajetórias das personagens. Trata-se de saber se elas irão ou não modificar sua essência e trair sua composição. Se a resposta a essa pergunta for um sonoro não, mude. Assim como você, leitor, era diferente anos atrás, as personagens também se modificam, afinal, elas são um espelho de nossa realidade, uma mímesis projetada de nós. Se a resposta for sim, melhor repensar. O caso da mudança de Capitão América é emblemática neste aspecto. É evidente que quando o personagem assume ser da Hydra há uma descaracterização de sua essência. Porém, esta é a intenção da trama. Não tenham dúvidas de que deve haver uma revelação futura sobre manipulação, cubo cósmico, ou outro argumento que explique a mudança do Capitão. Afinal, narrativamente, personagens que quebram sua essência são fracos. Assim como nos chamam de incoerentes quando agimos de uma maneira e pensamos de outra.

A mudança se destaca para manter a coerência com o tempo. As histórias de Stan Lee são brilhantes, mas não funcionam mais nos dias de hoje, são puras demais, com textos reflexivos em excesso, sem contrabalanço com parte das imagens. Os leitores eram diferentes, as tensões mundiais eram outras. Hoje consumimos televisão diariamente e nos acostumamos com a narrativa ágil. Fora de suas histórias, os quadrinhos mudaram e evoluíram. Por que não podem mudar em seu interior com novas personagens que demonstre uma paleta mais diferenciada do que a consagrada? Grande parte da literatura de uma época reflete seu tempo, e se hoje há uma defesa ampla de igualdade e de representatividade, é natural que as obras artísticas reflitam isso. Se a tendência futura será maior ou menos neste aspecto, somente 50 anos no futuro dirão. É um tanto incoerente pedir que uma obra e um universo, que refletem um mundo possivelmente real, evitem a representatividade.

Assim, vamos à revisão.

Personagens serão modificados? Nunca mais lerei Tony Stark como Homem de Ferro? Não. Primeiro, porque, devido à tradição, eles são rentáveis. Além disso, os quadrinhos se sustentam em arcos, modificando temporariamente muitas personagens para que, na volta, eles retornem em alta classe. E nestas modificações, o que temos? Vendas! Elas são más? De jeito nenhum, mantém a empresa ativa e lançando edições, estas histórias que amamos tanto e reclamamos quando qualquer outro ser humano deseja tocar em nossa coleção. Se qualquer personagem nova criada for ruim, os leitores a rejeitarão e ela sairá naturalmente de cena.

Por que mudar personagens consagrados? Não quero ficar sem os heróis que eu cresci lendo. Nenhuma grande mudança acontecerá. Lembre-se, eles são rentáveis. Os heróis continuaram lá se o público desejar. A vertente dos quadrinhos americanos de heróis se pauta em seus roteiristas e nos leitores como uma criação parcialmente coletiva. Veremos somente um universo ainda maior como novos personagens que, independente de credo e raça, serão bons se os roteiristas forem bons, nada mais. Se nós gostarmos, veremos-os de novo, se não, vão virar lenda, como aquele Carro-Aranha.

Estamos entrando em uma era decadente dos quadrinhos? As vendas estão diminuindo. É necessário dados de frontes diversas para analisarmos essa afirmativa. Se o mercado está retraído, a economia pode também estar em uma retração. Caso não esteja, quais seriam os fatores para que isso tenha ocorrido? Histórias? Personagens? Mudanças? É necessário pensar de maneira interdisciplinar para que se evitem falácias ou você seja tendencioso.

Nunca mais lerei a Marvel, estou certo? Cabe a você decidir ler ou não. Porém, gosto da discussão. Ela é funcional para o mercado porque gera leitores, e se com isso começarmos a não tratar como skrulls o conceito de representatividade e qualquer outra modificações nos quadrinhos, talvez possamos compreender melhor suas dinâmicas entre obra, autor e público.

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Texto de autoria de Paulo Fonseca.