Marvel Comics – Página: 3

Resenha | Fabulosos Vingadores: Ameaça Vermelha

11 de julho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

O conflito envolvendo as duas grandes super equipes da Marvel Comics, Vingadores e X-Men, promoveu em 2012 uma saga escrita por Brian Michael Bendis, Matt Fraction, Jason Aaron, Ed Brubaker e Jonathan Hickman. Uma narrativa que finalizou conceitualmente uma era do estúdio, abrindo espaço para a Nova Marvel. Em consequência direta a tais acontecimentos, uma nova revista foi lançada unindo heróis de ambas as equipes e apresentando, de maneira eficiente, a unidade entre dois grupos normalmente distintos na editora.

Pertencentes a um mesmo universo, o projeto editorial das equipes sempre fora distinto. A saga que proporcionou uma batalha entre os heróis se tornou ponto de partida para uma nova postura, em que os heróis se integravam sem precedentes, evidenciando a tônica de uma igualdade super-heroica. Fabulosos Vingadores foi publicado inicialmente no país na revista mensal Avante, Vingadores. Ao lado das revistas Vingadores: Arena surge Assemble Avengers, nova série lançada para atrair novos leitores devido ao filme, sem amarras aparentes com a cronologia. Sendo assim, Fabulosos era o carro-chefe da publicação e motivo que justificava a compra do material. Em um momento em que a Panini Comics tem relançado a Nova Marvel em edições encadernadas, Fabulosos Vingadores: A Sombra Vermelha reúne o primeiro arco formado pelos cinco primeiro números do original.

Com arte de John Cassaday e roteiro de Rick Remender – o qual foi responsável pela reestruturação da Marvel na mega-saga vindoura Guerras Secretas – a trama dá sequências aos acontecimentos pós Vingadores vs X-Men. Scott Summers está preso em razão do assassinato do Professor Xavier, e um abatido Wolverine se vê obrigado a discursar sobre a morte do mestre e manter seu projeto ativo. Em paralelo, Capitão América reconhece que nunca havia observado a causa mutante com atenção e, prezando pela união e diversidade do mundo heroico, promove esta equipe reunindo mutantes e Vingadores.

A premissa é a justificativa para unificar leitores que, eventualmente, liam somente uma das vertentes da batalha. Explorar um universo dividido entre Vingadores e X-Men foi um trabalho editorial coeso desta Nova Marvel, desenvolvendo com qualidade uma unidade que privilegia cada equipe e desenvolve uma boa narrativa. Uma maneira encontrada pela editora para aumentar o potencial de suas tramas, unindo ativamente grupos até então estrategicamente separados.

A possibilidade de unir tais personagens se simboliza no vilão do primeiro arco: Caveira Vermelha. Como boa parte da Marvel sofreu uma espécie de reboot fajuto a partir do conceito da Nova Marvel, há um novo Caveira Vermelha em cena. Um clone criado na época da Segunda Guerra Mundial e congelado para reviver décadas após a guerra. Uma justificativa simples, porém aceitável, para que a personagem retorne e mantenha um plano de transformar a Terra em um novo Reich, como o Caveira inicial da época da guerra.

Ao estabelecer uma equipe mista entre as duas equipes, a história versa timidamente sobre estes personagens variados como um grupo amplo, demonstrando que a batalha anterior, além do conceito mercadológico de vendas, não foi apenas para atrair leitores, mas para modificar o status quo de antagonismo entre mutantes e outros heróis. A dinâmica entre o grupo apresenta atritos naturais visto em outras formações e, desde já, a batalha contra Caveira Vermelha, um vilão modificado que rouba o cérebro de Charles Xavier integrando-o ao seu, aponta um futuro gancho para um plano maior que será desenvolvido na saga Eixo.

Fabulosos Vingadores: Ameaça Vermelha abre mais uma fronte diante das possibilidades heroicas da casa em uma história bem desenvolvida e equilibrada, destacando cada personagem em um novo momento de coexistência entre mutantes e demais heróis. Um bom ganho graças à batalha anterior.

Compre: Fabulosos Vingadores: A Sombra Vermelha

Resenha | Capitão América: Branco

26 de junho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Capitão América, jeph loeb, Marvel Comics, tim sale

A coleção das cores, projeto de Jeph Loeb e Tim Sale, retomando a origem de clássicos personagem da Marvel sob uma ótica sensível – a qual promoveu Demolidor: Amarelo, Homem-Aranha: Azul e Hulk: Cinza –, sofreu um longo hiato até o lançamento do quarto título, Captain America: White. As primeiras informações desta edição datavam de 2008 quando um número zero foi lançado e elogiado pela crítica. O longo período de espera gerou especulações de que a história nunca seria lançada. Finalmente, no final do ano passado, a série foi lançada nos Estados Unidos e, posteriormente, em março deste ano, ganhou um encadernado em capa dura.

Captain America: White, ainda sem lançamento previsto no país, mantém o estilo narrativo da trilogia anterior, retratando o início de personagens consagradas, dessa vez, deslocando o epicentro dramático para uma relação distinta. Se as anteriores focavam em grandes amores do heróis, nesta trama é a amizade entre Steve Rogers e Bucky Barnes o destaque. No prefácio assinado por Christopher Markus e Stephen McFeely, roteiristas de Capitão América: O Primeiro Vingador, Soldado Invernal e Guerra Civil, os autores pontuam que a trama mantém a vertente de uma história de amor voltada para uma composição platônica, um laço de amizade perfeita criada em uma difícil época mundial.

A trama se passa em grande parte na Segunda Guerra Mundial, época em que Capitão América se tornava um representante do ideário americano na guerra como símbolo de força. Após o orfão Bucky descobrir a identidade secreta de Steve Rogers, este o treina para torná-lo um ajudante e incentivo para que os jovens da época se alistassem na causa.

A tônica narrativa enfoca uma época diferente e anterior daquela apresentada nas tramas de Demolidor, Homem-Aranha e Hulk, fundamentando a origem do primeiro vingador antes do período em que permaneceu congelado acidentalmente. O Branco do título pondera a tradicional batalha entre bem e mal, fator aparentemente explícito em uma guerra, e a dualidade de pensamentos opostos primários, sem uma matiz entre um e outro.

Steve Rogers se apresenta coerente como personagem, puro e motivado em fazer o bem. Um herói que retoma sua jornada a partir da amizade com Bucky e da dor de perdê-lo no mesmo acidente que congelou Rogers, um evento traumático ainda carregado pelo vigilante e, evidentemente, anterior às modificações realizadas por Ed Brubaker em sua revista. A relação entre Rogers e Bucky se estabelece com símbolo familiar, representando um irmão mais velho cuidando do mais novo. Figuras que transitam entre força, coragem e fragilidade. A pureza da narrativa não aborda nenhum contorno além dessa relação fraterna, nem mesmo configura como absurdo o fato de um adolescente ir ao fronte de guerra de maneira oficial, sancionada pelo governo.

As cores de Tim Sale são trabalhadas de maneira diferenciada das obras anteriores. Se elas tinham possíveis cores em destaque, resultando em quadros monocromáticos ou com poucas cores, o branco não se desenvolve da mesma maneira. Optou-se pelo uso de tons claros, mantendo uma escuridão aparente de um universo oprimido pela guerra mundial. Destaca-se o vilão Caveira Vermelha, feito com precisão entre uma caricatura em traços levemente exagerados, mas que se encaixa na visão realista da trama e demonstra como o lado “negro” da guerra seria, naturalmente, exagerado e vilanesco. No roteiro, há mudanças significativas devido ao fato de que Loeb modificou seu estilo narrativo, principalmente após o falecimento precoce do filho. De fato, o autor afirma que parte do desenvolvimento entre Rogers/ Bucky foi baseada na amizade com o filho. O sentimento de perda ainda se destaca pela presença da morte e da culpa como carga dramática.

Modificando o enfoque narrativo, Captain America: White se revela um exercício interpretativo coerente com a origem e desenvolvimento de Capitão América. Mas não resulta em uma história grandiosa, em parte porque a origem da personagem foi recontada diversas vezes em boas versões anteriores, além da dinâmica do projeto que, ao ser coerente e manter a mesma vertente, perde uma abordagem inédita.

Resenha | Homem de Ferro Noir

23 de junho de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Homem de Ferro, Manuel Garcia, Marvel Comics, Marvel Noir, noir, Panini, Scott Snyder

Como seria se alguns de nossos heróis favoritos vivessem nos anos 1930? Algumas respostas para essa pergunta podemos encontrar na série Noir da Marvel. Criada em 2009 e de forma bastante desbalanceada, diga-se, conta com Demolidor, Homem-Aranha, Wolverine, Justiceiro, X-Men, entre outros, que ganharam suas versões ambientadas no universo pulp-noir do período. Mas o resultado dividiu opiniões.

No caso específico de Homem de Ferro Noir, seria possível dividir essa resenha para tipos diferentes de público: o fã iniciado no universo dos comics ou aquele que é iniciante ou que apenas admira o Homem de Ferro. E o motivo é muito simples: o roteiro.

Totalmente inspirado em Indiana Jones, Tony Stark nos é apresentado praticamente da maneira que o conhecemos: um bon vivant, engenheiro, milionário, que herdou a herança do pai e que sofre de um problema crônico no coração, que precisa ser recarregado por uma bateria. Tony é um explorador, que assim como “o velho Indi”, busca encontrar os mais famosos tesouros mitológicos. Ocorre que essa busca desesperada de Tony, na verdade, é a busca para a cura de seu problema. O interessante é que Stark é uma espécie de Bear Grylls da década de 1930 e tem todas as suas expedições aventurescas publicadas numa revista serial chamada Marvels.

E é aí que a trama começa.

Numa espécie de prólogo, durante uma dessas expedições, os planos de Tony são frustrados quando a Dra. Gialetta Nefaria, amante de Tony, se revela uma nazista e o entrega ao Dr. Zemo e o Barão Strucker. Durante o conflito, Stark perde parte de sua equipe, sobrevivendo somente seu fiel amigo, Rhodes. Ao voltarem para a América somos apresentados a Jarvis, que volta a ser um mordomo, como nas histórias clássicas do ferroso, e à armadura do Homem de Ferro, que se assemelha à Mark I, porém, com um visual muito mais polido e agradável aos olhos. Vale destacar que o problema no coração de Tony, bem como os motivos que o levaram a construir a armadura, não é revelado. E não podemos colocar a culpa por preguiça de roteiro, uma vez que as histórias da série Noir são curtas, o que ajudou na omissão das origens do herói.

Dando continuidade, o protagonista encontra na gaveta de Nefaria algumas pistas que fazem ele reunir uma nova equipe em busca de Atlântida, o assunto principal da trama que fica um pouco mais interessante, já que passamos a conhecer Pepper Pots e o navegador Namor, numa versão completamente diferente da que conhecemos.

O problema é o que acontece daqui pra frente.

O verdadeiro fã de quadrinhos provavelmente odiará a história, principalmente por ela ter sido escrita por Scott Snyder, uma vez que o conhecido roteirista foi duramente criticado por ter praticamente copiado um arco e os personagens de Mandrake. E para piorar a situação, ainda tirou uma cena de uma obra sua, o spin-off de Vampiro Americano. E ainda tem o fato de o coração de Tony ser ligado a uma bateria, recurso muito semelhante ao do filme Adrenalina 2: Alta Voltagem, lançado na mesma época.

Porém, de um modo geral, Homem de Ferro Noir tem tudo que uma história em quadrinhos de aventuras precisa: locais exóticos, natureza, animais selvagens, nazistas, traições e o famoso resgate da mocinha no alto de um castelo. Um amontoado de clichês, mas que acaba por funcionar por tratar-se justamente daquilo que o público gosta.

–

Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Resenha | Hulk: Cinza

19 de junho de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

hulk, jeph loeb, Marvel Comics, Panini, Stan Lee, tim sale

Após um retorno ao passado sob vertente sentimental de dois heróis populares da Marvel Comics, Demolidor e Homem-Aranha, personagens centrais de Demolidor: Amarelo e Homem-Aranha: Azul, os parceiros Tim Sale e Jeph Loeb dão continuidade à série das cores em uma história que, até ano passado, figurava como o último volume de uma trilogia, agora ampliada com Capitão América: Branco.

Lançado em 2003 em seis edições, Hulk: Cinza demonstra um equilíbrio narrativo entre as duas histórias anteriores. É perceptível que erros e acertos foram ponderados para compor essa trama, que repete o mesmo estilo memorialista narrando a origem fundamental do Golias Esmeralda. Diferentemente das anteriores, em que havia um interlocutor oculto representando parte da memória das personagens, Bruce Banner dialoga com seu psiquiatra, ponderando os acontecimentos do passado e analisando breves intervenções do analista.

A inserção de um personagem que dialoga com o narrador é uma boa escolha para se diferenciar das tramas anteriores. A composição de Hulk se apoia no paradoxo entre inteligência versus brutalidade, um fardo que faz com que seu alter ego carregue alta carga de culpa. A trama acompanha linearmente os primeiros momentos de Banner ao se transformar nesta forte criatura, apresentada aqui de maneira primitiva e com uma psiquê infantil, adquirindo um tom sensível sobre um monstro que desconhece a si mesmo e os motivos de sua existência. O analista serve de contraponto para Banner, dando-lhe uma nova dimensão de suas dores passadas.

Não compreendendo o motivo do mundo tratá-lo com agressividade, Hulk se preocupa somente com Betty Ross, alguém que, em sua psicologia, merece ser protegida a todo custo. Como a história aborda os primeiros dias após o acidente que propiciou sua origem, a ação é bem concentrada neste período temporal específico, sendo a obra mais metafórica das três incursões da dupla até então. Não há um grande aprofundamento psicológico como nas anteriores, em que o lado sensível e sentimental se destacavam, principalmente porque Loeb demonstra conhecer a personagem, identificando que, neste primeiro momento, não haveria base para um aprofundamento dramático. O paralelo traçado pelo Banner narrador ao retomar sua história inicial é suficiente ao colocar a culpa como arrependimento e dialogar com sensações básicas e primitivas dos seres, como amor e raiva. Estruturalmente, a trama é simples, sem um desfecho bem delineado, soando como uma saída fácil para finalizar a história.

A falta de aprofundamento, ainda que coerente com o conceito proposto, distancia-se brevemente de Amarelo e Azul anteriores. Motivo que faz Hulk: Cinza ser a obra menos destacada entre as três. Apesar da boa tônica narrativa com alta carga simbólica e a composição visual perfeita graças ao talento de Tim Sale, há um senso de incompletude no desfecho, como se fosse encerrado às pressas, sem planejamento adequado.

Resenha | Viúva Negra – Vol. 1

25 de maio de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Marvel Comics, resenhas, viúva negra

Criada como uma das vilãs de Homem de Ferro, a personagem de Natasha Romanoff passou por mudanças eventuais nestes últimos anos devido ao sucesso do universo Marvel nos cinemas. A Viúva Negra sempre participou de histórias diversas desde sua criação e posterior mudança de status quo ao se tornar uma Vingadora. No início da década passada, estrelou edições especiais e duas revistas próprias, cancelada com poucos números. Sua visibilidade surgida desde Homem de Ferro 2 garantiu mais uma revista em momento oportuno, situada na segunda fase da Era Nova Marvel intitulada Totalmente Nova Marvel, época em que a personagem se destaca como uma das grandes heroínas da editora.

Nathan Edmondson, que também assina a nova fase de Justiceiro em Justiceiro: Preto e Branco, é o responsável pelo roteiro, enquanto os desenhos ficam a cargo de Phil Noto. Como a maioria das edições desta nova fase busca um ponto de partida, a história apresenta Natasha tentando reparar seus erros do passado como agente da KGB, aceitando missões em que possa ajudar a manter a paz mundial, seja com extermínio de ditadores ou de outros homens com alto grau de peliculosidade. Ao seu lado, um advogado serve como apoio, cuidando das transações bancárias e do background da ação em cada local de origem, um planejamento que Viúva intitula de teia: um estudo sobre o local da missão, bem como um ambiente para se esconder após concluí-la.

Lançado em encadernado pela Panini Comics, este primeiro volume compila as seis primeiras edições desta nova fase. As tramas são narradas pela própria personagem, vivendo um conflito interno sobre a potência de seu trabalho e a criação de possíveis laços, afastando-se, até mesmo, de uma gata de rua, para manter a frieza como espiã. Assim, as tramas acompanham missões de Natasha pelo mundo.

Para uma das espiãs mais letais da Marvel, Edmondson comete o mesmo erro de concepção em suas histórias de Justiceiro, como se não conhecesse, de fato, a personalidade do personagem central. Natasha não transparece confiança, muito menos alta inteligência. As narrações apresentadas ao leitor soam pueris, e não de alguém com um histórico poderoso e dramático profissionalmente. Nenhuma história tem enfoque ativo na espionagem, e ainda nos coloca em dúvida se situarmos tais tramas no contexto geral envolvendo Os Vingadores: diante de um cenário em que a personagem claramente é uma mercenária de aluguel, como sua equipe de heróis reagiria diante disso? Parece incongruente e, ainda assim, o roteiro nem mesmo se questiona a respeito, nem demonstra sua faceta como Vingadora.

Se o roteiro se mantém tão morto quanto a outra obra do autor no estúdio, a arte é o grande destaque. Compondo em tons pasteis, Noto produz um visual diferente dos quadrinhos tradicionais, com cores mais claras do que de costume, que harmonicamente completam belos painéis detalhados mas sem excessos. Quadros limpos contendo somente a informação necessária e bem equilibrada em cores harmônicas, nas quais o vermelho se destaca devido à associação com a personagem central.

Dentro do universo dos Vingadores, a Viúva Negra chama a atenção como uma super-espiã com poucos superpoderes. Em sua trajetória, conta somente com modificações corporais na época em que atuava na KGB, dando-lhe maior habilidade e resistência. Em outras palavras, é quase como uma heroína humana. Tal argumento é um fator interessante que poderia ser explorado com mais atenção, demonstrando como uma personagem com menos poder letal se destaca para se tornar uma vingadora, bem como ter aproveitado o background da personagem e inseri-la em boas tramas de espionagem.

Tais possibilidades são deixadas de lado pelo roteirista, que opta por tramas voltadas para a ação de uma agente que não aparenta perícia em nenhuma de suas artes e ainda se apresenta ao público com dúvidas risíveis de existência. Uma história que apenas merece destaque graças à arte de Noto, visualmente notável.

Review | Agente Carter – 2ª Temporada

11 de maio de 2016 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Capitão América, Dominic Cooper, Hailey Atwell, Marvel Comics

Após Agent Carter – 1ª temporada, série que cresceu muito desde o tímido curta-metragem de Louis D’Esposito, Agente Carter apresenta uma história de cunho feminino protagonizada por uma figura que contém elementos do paladino típico utilizando métodos pouco ortodoxos. Peggy Carter (Hailey Atwell) já começa o segundo ano frustrando os planos de Dorothy Underwood (Bridget Regan), sua rival do ano anterior, em uma batalha que envolve inteligência estratégica e truculência comum a tantos outros filmes da Marvel Studios, movimentando uma época que é normalmente associada à monotonia.

Já no primeiro dos dez episódios, comprova-se que este ano terá um conjunto maior de elementos fantásticos, apelando mais para a origem quadrinística das aventuras, mas sem deixar a seriedade de lado. Peggy não aparenta ser indestrutível, ao contrário, sofre com a solidão de não ter um par romântico, se sentindo desolada quando encontra um possível substituto amoroso para Steve Rogers, e desamparada após uma experiência traumática, falhando em manter a posição de ser inabalável por muito tempo. A complexidade desta configuração humaniza a personagem, tornando toda a história ainda mais plausível.

O plot passa a ter mais conexões com o escapismo das histórias em quadrinhos contemporâneas à época em que a serie se passa. A inserção da Matéria Zero faz alusão a um novo patamar das histórias da Marvel Studios, já que liga o universo convencional a um protótipo do que seria a Dimensão Negra, novidade a ser explorada futuramente no filme do Doutor Estranho. A inserção da sub-trama da Isodyne Energy se mostra um pouco confusa de início, em especial quando se trata das motivações dúbias de Whitney Frost (Wynn Everett), que basicamente transita entre a figura de vítima e de mal-intencionada.

Os criadores Stephen McFeely e Christopher Markus escolheram um viés de maior ambiguidade, emulando o início da Guerra Fria, valendo-se de muito desenrolar político escuso dentro do embrião da S.H.I.E.L.D – isso sem sequer tocar em toda questão da Hidra explorada em Capitão América: Soldado Invernal –, deixando o antagonismo para figuras de fora da organização que aos poucos se erguia, além de alguns conchavos com gente poderosa.

Mais uma vez o protagonismo é incontestavelmente de Peggy, ainda que haja muito mais espaço para os personagens masculinos nesse segundo ano, em especial para as tramoias envolvendo a estranha substância que o doutor Jason Wilkes (Reggie Austin) descobre, incluindo no decorrer dos fatos a mudança de sua consistência física. Ainda assim, tudo orbita as ações da agente estrangeira, que já tem todas as dificuldades inerentes à segurança de sua própria pátria, além de ter de lidar com um ambiente hostil e misógino.

Próximo do final do programa, há um mergulho na psiquê da personagem título, mostrando sua insegurança com os rumos que sua trajetória toma em um número musical mental. Quase todas as pessoas que passaram pelos dois anos de seu programa dançam e cantam, resumindo um momento emocional em uma atuação próxima do que a Broadway costuma fazer.

Talvez a figura mais controversa desta fase seja Vernon Masters, interpretado por Kurtwood Smith, que é um veterano do departamento de inteligência do exército durante a Segunda Guerra Mundial, tornando-se bastante influente na política do país pós-conflito. A ligação de Masters com Thompson ocasiona um caráter duplo no personagem mais moço, motivado pelo passado do ancião com o pai do atual agente. A ligação dos dois se faz perguntar se o oficial e Peggy já tinham conhecimento sobre a tentativa de tornar a substância gama em uma bomba, em mais um dos paralelos que Agente Carter faz com o resto do universo cinemático da Marvel.

O interessante nas relações entre os membros do pelotão que investigam as futuras ações de Frost e dos demais opositores, é que não há maniqueísmo nas relações. As colaborações de possíveis traidores são contínuas, indo na contramão da insistente paranoia que tomava a opinião pública de toda a população dos Estados Unidos.

Em alguns pontos, as piadas de Howard Stark (Dominic Cooper) destoam do momento de tensão que ocorre nos 15 minutos finais, banalizando o que deveria ser um momento de extrema tensão, fator jocoso que combina, em ausência de qualidade, com a interferência da máquina mágica em forma de carro pilotada por Jarvis, que consegue encerrar o imbróglio da Matéria Zero. Sexismo por parte de um dos financiadores é algo que desautoriza todo o drama: mesmo que isso esteja atrelado a sua personalidade, não havia momento mais inoportuno do que este para dar vazão.

O ciclo se fecha, com Peggy portando passagem marcada para Nova York, encerrando assim suas atividades no departamento ao qual se dedicou desde o fim de Capitão América: O Primeiro Vingador, e que está dissolvido graças aos últimos acontecimentos. Cada um dos personagens toma seu rumo, em final a princípio adocicado, com formação de casais como em telenovelas. Há um cliffhanger deixado pouco antes dos créditos finais.

Resenha | Thor: O Deus do Trovão – O Carniceiro dos Deuses

29 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Esad Ribic, Jason Aaron, Marvel Comics, mitologia nórdica, Thor

Iniciando uma nova fase de Thor na era Nova Marvel, ponto de partida desenvolvido para novos leitores após a saga Vingadores VS. X-Men, Thor: O Deus do Trovão foi o título escolhido para a nova revista do deus nórdico com Jason Aaron (Wolverine e os X-Men, Justiceiro MAX) nos roteiros e Esad Ribic (Namor: Nas Profundezas) nos desenhos.

Como a ideia fundamental desta nova editoria é desenvolver uma trama que atraia um novo público, mesmo inserido em um contexto temporal e cronológico da Marvel, a primeira história desta nova fase, O Carniceiro dos Deuses – publicado inicialmente na mensal Homem de Ferro e Thor e posteriormente lançado em encadernado em capa dura – se desenvolve, ao máximo, sem nenhuma amarra do presente, lhe conferindo um ar atemporal e destacando a figura central do herói.

Quando Stan Lee, em 1962, configurou Thor como um personagem, o deus mitológico oriundo de uma tradição nórdica era inserido em um contexto heroico na Marvel. Esta tradição e os dogmas aos quais pertenceu o deus do trovão e das lutas permaneceram como partes narrativas de suas histórias, ainda que muitos roteiristas não souberam utilizar este passado histórico com qualidade, transformando em um deus quase simbólico.

Pautada nesta dimensão divina, a narrativa apresenta três diferentes representações de Thor, cada uma situada em um espaço-temporal específico: passado, presente e futuro. Em comum apresentam um mesmo inimigo, um assassino de deuses. Denominado Carniceiro dos Deuses, a trama traça um paralelo destes três tempos apresentando os encontros de Thor com a entidade.

O roteiro é equilibrado ao focar estes três tempos, alternando com precisão cada momento, ampliando a dramaticidade narrativa. O público é convidado a se perguntar como a batalha prossegue, e se o herói sairá vencedor, se até mesmo em um futuro provável Thor permanece lutando contra o Carniceiro dos Deuses quando, cada vez mais, aparenta fragilidade.

Em um mesmo universo, diversos deuses de religiões distintas se alinham através da figura do Carniceiro, alguém com conhecimento suficiente para matá-los. Ao retomar um grande número de seres divinos, hoje mantidos por nossa história como deuses pagãos ou oriundos de panteões politeístas, a concepção da fé de diversos povos é apresentada. Mostrando um notável panorama de que, mesmo em épocas distintas, os homens exploram a religião, bem como uma entidade superior como forma de criação, divindades e crenças alimentam um círculo de fé universal. Deuses que indistintamente foram vivos e esquecidos, seja pela dizimação de seu povo ou pela morte nas mãos do carniceiro.

Tal conceito de diversos deuses interconectados se assemelha à obra Deuses Americanos de Neil Gaiman, uma homenagem a divindades de diversos tempos alicerçadas na adoração como parte fundamental de sua existência. Aaron desenvolve temática semelhante, mas a explora através de um fiel que, ao não ter sua prece atendida por seu deus, resolve negar qualquer divindade existente e, consequentemente, inicia um plano para matá-los, expurgando a fé da Terra.

A história versa sobre a fé e a ideia de que a receptividade divina nem sempre se destaca a todos, e também como um mesmo ato apresenta interpretações distintas. Afinal, o que o carniceiro considera um ato de traição de seu deus, outros interpretariam como uma prova divina. Intercalando esta simbologia e os encontros com Thor, os deuses cronais estão presentes na trama, pressupondo que o vilão poderia viajar para tempos diversos e, assim, exterminar a existência dos primeiros deuses do universo, expurgando o conceito de deus, além de justificar porque no passado, presente e futuro, Thor estaria em constante batalha com a personagem.

Como se não bastasse uma potente história sobre fé e negação, Thor faz parte fundamental na trajetória do Carniceiro por ser um exemplo de deus adorado e bem quisto pelo povo, uma divindade que não vive em um panteão distanciado de ordem e devoção mas também aquele que convive com seus homens em conjunto, uma encarnação divina na terra que conduz seus homens pela palavra e suas ações nas batalhas. Uma representação que se torna conflitante para um vilão descrente de qualquer benevolência divina.

Aliado ao roteiro primoroso, a arte de Ribic integra a narrativa à perfeição em traços compostos sem lápis, semelhante a pinturas, configurando uma perenidade à história como se ela representasse atemporalmente uma narrativa fabular sobre a fé e seus deuses. Diante de tantas novas edições lançadas na Nova Marvel, equilibradas entre uma nova abordagem de temas conhecidos, a vertente escolhida para esta trama se destaca pela temática, além da boa condução, ainda mais se considerarmos que a publicação foi realizada na linha mensal, e não em um projeto especial. Esse é o motivo que engrandece este belo início: uma narrativa circular que redefine Thor como um deus, ao mesmo tempo em que o articula como grande personagem do estúdio fazendo uma reflexão sobre a necessidade humana de acreditar em seres superiores como símbolos de virtudes máximas e benevolentes. Uma fábula nórdica contemporânea.

Compre: Thor: O Deus do Trovão – O Carniceiro dos Deuses

Resenha | Cavaleiro da Lua – Vol. 1

11 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

cavaleiro da lua, Declan Shalvey, Marvel Comics, Warren Ellis

A construção de Cavaleiro da Lua sempre foi difícil devido a seu histórico psicológico, pautado em múltiplas personalidades, e a semelhança com a base de outros protagonistas, um milionário que ostenta um arsenal heroico. Criado por Doug Moench e Don Perlin e inserido como parte do heróis urbanos da Marvel, o personagem alterna revistas próprias e participações em diversas edições da casa, nunca atingindo um destaque definitivo.

Em 2011, Brian Michael Bendis e o parceiro desenhista Alex Maleev relançaram-no em nova revista mostrando argumento que dialogava com outros três grandes personagens do estúdio, história cancelada após doze edições. Após esse período, o alterego de Marc Spector permaneceu como coadjuvante, participando da revista de Demolidor em apoio ao herói na saga Terra das Sombras, estrelando a equipe de Vingadores Secretos liderada por Steve Rogers, aliando-se a personagens famosos mesmo sem destaque próprio, além de participar da saga A Era de Ultron.

Em sintonia com um novo começo da editora com Totalmente Nova Marvel, O Cavaleiro da Lua retorna em mais uma tentativa de conquistar popularidade e um novo público. Criador de grandes obras adultas para o selo Vertigo e outras histórias autorais, bem como da própria fase dos Vingadores na qual o Cavaleiro participou, Warren Ellis retoma a personagem nos seis primeiros volumes desta nova fase em edição publicada pela Panini Comics diretamente em formato encadernado.

O roteirista evita qualquer recomeço narrativo utilizando o repetido conceito de uma origem, optando por apresentar a personagem através de seus talentos de investigador. As seis histórias do encadernado são fechadas, focadas em missões específicas de Marc Spector, agora dividido entre duas personalidades heroicas, o conhecido Cavaleiro da Lua e Mr. Knight, ajudando a polícia local. No interior destas investigações, há a inserção de conceitos base sobre a personagem, a origem de seu poder partindo de um totem egípcio, e a loucura gerada a partir deste poder, responsável pelas diversas personalidades de Spector.

A intenção desta nova fase é conquistar o público pela ação enxuta, bem executada pelo roteirista que trabalha com qualidade o ritmo e a quantidade de informação inserida a cada página, levando em conta o limite máximo de vinte e cinco páginas. O formato de uma história fechada a cada edição se diferencia do mercado atual, apoiado em demasia em séries e arcos longos. Os traços de Declan Shalvey com cores por Jordie Bellaire ganham destaque na figura central. Como o manto trajado é branco, a dupla optou por evitar qualquer pintura em seu interior, deixando-o inteiramente preto e branco em cena, um conflito de cores que causa impacto e, de maneira simples, potencializa sua força e a mística em torno de sua figura.

Ennis foi escolhido devido a seu talento como roteirista e a seu nome, que carrega um histórico narrativo de sucesso. Sua intenção é promover um background de histórias de aventura para conquistar os leitores. Como elas não são interligadas, a leitura flui ainda que o formato, se seguido a longo prazo, possa se esgotar. Como um recomeço, o escopo da ação é uma abordagem interessante, ainda que seja necessário, em algum momento, um conflito maior e coerente para a personagem.

A nova versão de Cavaleiro da Lua durou dezessete edições e foi publicada no exterior posteriormente em três encadernados que a Panini Comics deve lançar na íntegra (o segundo volume foi lançado recentemente). Atualmente, uma nova revista se inicia pela Marvel com Jeff Lemire e Greg Smallwood na equipe. Entre cancelamentos e releituras, a personagem se mantém ativa.

Resenha | Deadpool: A Guerra de Wade Wilson

1 de abril de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Deadpool, Marvel Comics, Salvat

Desenvolvido como uma paródia do perfil tradicional de um herói, a carreira de Deadpool como personagem se iniciou em minisséries especiais até conquistar uma edição mensal. Desde sua primeira aparição, o Mercenário Tagarela teve três revistas com seu nome, além de uma ao lado de outro personagem de Rob Liefield, Cable. Em simultâneo a estas edições, estrelou diversas aventuras fechadas, normalmente com histórias que ganhavam mais liberdade ao fugirem de qualquer cronologia.

O sucesso da produção cinematográfica consequentemente alinhou relançamentos em sintonia com a recepção do público. Além do primeiro encadernado da Nova Marvel, Meus Queridos Presidentes, a Panini Comics lançou Deadpool Clássico – Volume 1 com o início de suas aventuras, e a Coleção Graphic Novels Marvel, distribuída pela Salvat, republicou A Guerra de Wade Wilson, na expansão da coleção.

Composta por quatro edições, a história já havia sido publicada em Deadpool 5 lançada pela Panini em maio de 2014, uma revista bimestral que inicialmente compilou a fase de Daniel Way e, em seguida, lançou material anterior a esta fase mas ainda inédito no país. Apesar da brevidade da trama, o roteiro de Duane Swierczynski e arte de Jason Pearson são um eficiente representativo da personagem e de seu conceito básico.

A trama tem início com uma investigação do governo à procura de responsáveis por um sangrento massacre no México com um único sobrevivente: Deadpool. Depondo em uma corte sobre os acontecimentos, apresentando sua visão dos fatos sobre a missão, a narrativa retoma a origem do herói criado a partir de experiências da Arma X ao mesmo tempo que desenvolve uma história paralela sobre a ilegalidade do grupo.

Como o próprio Wade Wilson desenvolve os acontecimentos, a realidade possível é permeada por suas manias: o excesso de ironia, a visão egocêntrica de si mesmo e o exagero característico ao narrar seus feitos. Como único personagem histriônico da história, os demais personagens geram um equilíbrio incrédulo, reconhecendo que os acontecimentos foram provavelmente distorcidos por sua mente e produzindo comicidade pelo espanto. Como sua insanidade confunde realidade com imaginação, a dúvida no leitor permanece sobre o que, de fato, ocorreu.

Membro integrante do projeto Arma X, Wade e sua equipe integrada por Silver Sable, Dominó e Mercenário seriam um tipo de grupo de elite trabalhando às escondidas nas piores missões possíveis. Um grupo de mercenários que aceita qualquer missão, desde que seja bem paga. A brevidade da história em quatro partes traz uma trama enxuta em que não há espaço para ganchos desnecessários, representando com qualidade a personagem e fazendo um resumo breve sobre sua origem, bem como demonstrando como o conceito metalinguístico pode ser bem utilizado e equilibrado dentro da história. A trama se encerra com uma provocação sobre a própria lucidez da personagem e se mantém com qualidade, ainda mais se comparado a outro recente relançamento do Tagarela, o equivocado primeiro arco da Nova Marvel.

Compre: Deadpool – A Guerra de Wade Wilson

Resenha | Justiceiro – Vol. 1

25 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Justiceiro, Marvel Comics, The Punisher

Após o reboot da DC Comics, a Marvel aproveitou o final de uma grande saga para realinhar os títulos, promovendo novas equipes criativas, fazendo modificações dentro da cronologia e outros processos para manter leitores, além de propor novos argumentos. Como mudanças sempre regem o mercado, uma novidade é sobreposta a outra em um curto período, motivo que proporcionou uma nova fase dentro da Nova Marvel intitulada Totalmente Nova Marvel. Nada de novo diante da anterior, somente um novo ponto de início normativo.

Com o fim da revista The Punisher lançada em 2011 e roteirizada por Greg Rucka, O Justiceiro estava em hiato de sua revista solo. A personagem participou da equipe dos Thunderbolts na Nova Marvel e retornou em uma série em 2014, a qual Justiceiro: Preto e Branco publica os seis primeiros números, com roteiro de Nathan Edmonston (também responsável por Viúva Negra e Deathlock) e desenhados por Mitch Gerards.

Frank Castle agora está em uma nova cidade, ainda mantendo a mesma visão de destruir qualquer um que não considera inocente, focado no tráfico de drogas como um dos grandes males da sociedade. Na história, Castle enfrenta a gangue dos Dos Sols aliada à I.M.A., mas também é um homem caçado pelo Comando Selvagem. A série tenta manter uma narrativa séria e adulta, na medida do possível, para está versão da personagem, ainda que não seja tão forte quando o Justiceiro da fase Marvel Knights, pré-Max, de Garth Ennis.

Duas narrativas se entrelaçam na história: a busca de Castle pelos traficantes e um grupo de elite cuja missão é matar o Justiceiro. Narrado pela própria personagem, Castle parece conhecer sua supremacia tática diante de outros. Não há nenhuma dúvida sobre sua falhas e ele mesmo parece se ver como um personagem mais destemido do que aquele de outrora. O início se mantém interessante ao pontuá-lo em Los Angeles, aproximando-se de uma visão mais realista de um homem que trabalha sozinho com planos bem delineados. Talvez pela necessidade de personagens de maior apelo, um vilão conhecido entra em cena parecendo mais uma obrigação do que um argumento inédito. Quando surge Electro, a história perde qualidade ao configurar o embate entre vilão e mocinho, ou vilão e um vilão maior.

Se Castle havia ganhado profundidade na passagem de Ennis na versão Max, mantida por Jason Aaron, aqui a personagem parece reduzida a um estereótipo com frases de efeito, reafirmando que não é um homem, mas um justiceiro, como se fosse mais que um humano. Uma visão equivocada desta personagem apoiada no conceito de um anti-herói. Talvez evitando a sombra de grandes roteiristas anteriores, como Ennis e Rucca, Edmonston escolheu explorar um lado oposto, dando um apelo mais popular e menos sombrio a seu personagem principal. Como este primeiro arco não se destaca, a sensação que permanece é de estranheza como se, de fato, este não fosse o Justiceiro conhecido. A ação parece burocrática, sem impacto e preocupante quando se trata de um personagem altamente bélico e violento.

Justiceiro é um início morto da nova fase da personagem, ainda que exista um bom gancho para a trama seguinte podendo melhorar significativamente a narrativa em geral. Considerando o destaque recente da personagem devido à série do Demolidor, sem dúvida, leitores que preferirem fases clássicas terão maior qualidade garantida.

Especial | Demolidor

24 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Especiais

Alex Maleev, Brian Michael Bendis, Demolidor, Frank Miller, jeph loeb, Klaus Janson, Mark Waid, Marvel Comics, Stan Lee, tim sale

Criado por Stan Lee e Bill Everett, Demolidor, O Homem Sem Medo, fez sua estreia em abril de 1964, em Daredevil #1, e desde então, permanece como um dos principais personagens urbanos da editora. Na época de seu lançamento, o personagem se destacou entre as diversas criações da Marvel ao escolher como alter-ego um homem cego, conquistando leitores e ganhando status de representante dos leitores cegos que o admiravam pela força de superar problemas.

Representante da faceta urbana do estúdio, Demolidor é um herói solitário. Trabalha sempre a favor da Cozinha do Inferno e raramente participa de grandes grupos. Um isolamento que proporciona um senso de urgência em suas histórias. Alguns períodos se destacam em sua trajetória, entre eles as fases de Frank Miller e Ann Nocenti, responsáveis por desenvolver bases importantes para a personagem, como também outros roteiristas como Brian Michael Bendis, Ed Brubaker, Karl Kesel, DG Chichester e Kevin Smith desenvolveram uma visão realista da personagem em tramas que situavam tanto o herói quando o alter ego Matt Murdock. Em seguida, coube a Mark Waid dar um novo tom ao personagem, em uma elogiada fase que voltava a uma faceta aventureira e mais bem-humorada que remetia as fases clássicas de Marv Wolfman e Gerry Conway. O Homem Sem Medo se mantém coeso, com grandes momentos nos quadrinhos.

Quadrinhos

(1964 – 1965) Biblioteca Histórica Marvel: Demolidor – Volume 1
(1979 – 1971) Demolidor – Por Klaus Janson e Frank Miller – Volume 1
(1981 – 1982) Demolidor – Por Klaus Janson e Frank Miller – Volume 2
(1993) Demolidor: O Homem Sem Medo
(2001) Demolidor: Amarelo (Jeph Loeb e Tim Sale)
(2001) Demolidor: Revelado (Brian Michael Bendis e Alex Maleev)
(2004) Mercenário: Anatomia de Um Assassino
(2009) Demolidor Noir
(2011) Demolidor #1 (Mark Waid)
(2011) Demolidor #2 (Mark Waid)
(2011) Demolidor #3 (Mark Waid)
(2012) Demolidor – Fim Dos Dias

Filmes e Seriados

(2003) Demolidor – Versão do Diretor
(2015) Demolidor – 1ª Temporada
(2017) Os Defensores – 1ª Temporada
(2018) Demolidor – 3ª Temporada

Podcasts

VortCast 05 | Filmes da Marvel
VortCast 22 | Ben Affleck
Agenda Cultural 53 | Angeli, Demolidor e Guerra Mundial Z

Resenha | Demolidor: Amarelo

21 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Demolidor, jeph loeb, Marvel Comics, Stan Lee, tim sale

Diante de grandes publicações, a dupla Tim Sale e Jeph Loeb se tornou uma representação contemporânea de parceria de sucesso nos quadrinhos. Iniciada na DC Comics, em histórias solos que compuseram a coletânea Dia das Bruxas, a equipe produziu grandes narrativas fechadas focadas em aspectos distintos de personagens do estúdio, como O Longo Dia das Bruxas e Vitória Sombria para Batman e As Quatro Estações para Superman. Na Marvel, desenvolveram uma trilogia de cores – agora acrescida de uma nova aventura com Capitão América – retomando a origem fundamental de três personagens e compondo uma trama sentimental e dramática sobre suas trajetórias.

Em geral, as narrativas de cores formadas por Demolidor: Amarelo, Homem-Aranha: Azul, Hulk: Cinza e o recém-lançado Capitão América: Branco, retornam ao início das personagens, a partir de definições feitas por Stan Lee, para uma história de cunho mais pessoal, centrada em acontecimentos chave, narrados pela própria personagem. Trabalhando com um histórico de acontecimentos, a trama vai além de uma releitura de fatos, reordenando, com qualidade, as tensões da biografia do herói em uma nova visão.

Demolidor: Amarelo foi o primeiro destes lançamentos em uma minissérie em seis edições publicada originalmente entre 2001 e 2002. No país, três edições foram publicadas com toda a série, no formato Panini, maior do que o americano. Loeb reordena o passado de Matt Murdock a partir de acontecimentos recentes da personagem. Assim, dialoga tanto com um drama atual das histórias como retoma seus primeiros dias. O ponto de partida se situa na morte de Karen Page, um acontecimento narrado por Kevin Smith em Demônio da Guarda, primeira história do Volume 2 de Daredevil. A narração é composta por uma carta escrita para a falecida Karen, repassando os primeiros momentos em que tiveram contato em uma época a qual o Homem Sem Medo ainda utilizava o manto amarelo em homenagem ao pai – um figurino modificado a partir de Daredevil #8, em agosto de 1965, o que prova a abordagem em momento precoce na carreira.

A releitura adquire maior cunho dramático, perpassando acontecimentos do início da carreira, revivendo o trauma de outra namorada perdida. Ao dialogar com um personagem morto, a carga dramática se eleva e produz uma composição sensível que corrompe a estrutura de um herói perfeito. A morte nas tramas de Murdock sempre desenvolveram um conceito trágico na personagem, e o efeito causado por ela, sempre realista, é apoiado em dor e luto. O que o mantém como um representante heroico é a forte personalidade e o senso de obrigação moral de fazer o bem. Feitos que se sobrepõe e sempre abrandam as perdas violentas de Murdock desde a infância com a morte do pai, um traço psicológico que, desde sua fundamentação, foi inserido com precisão.

Loeb e Sale trabalham em sincronia, entrelaçando roteiro e imagens, desenvolvendo uma obra que ambos os aspectos se completam. Loeb inicialmente desenvolvia os roteiros com sugestões para o desenhista que expandia as informações, melhorando a visão artística em belos quadros. A edição também apresenta um novo estilo de colorização por computador, a partir das imagens preto e branco de Sale.

Cada capítulo retoma um aspecto diferente da vida de Murdock explorando a trajetória anterior, os momentos iniciais, a luta com os primeiros vilões, o amigo Foggy Nelson e a tensão amorosa existente entre ambos na relação com Karen Page. Uma retomada memorial que adquire tom pessoal em uma estética impecável, homenageando artistas que passaram pela primeira longeva série da personagem encerrada em Outubro de 1998 para um novo grandioso inicio com Smith que se manteve em qualidade com David Maack, Brian Michael Bendis, Ed Brubaker, Andy Diggle e Mark Waid nos roteiros.

Demolidor: Amarelo nunca foi relançado no país e se trata de uma história cuja reedição é necessária, pelo bom conteúdo além do natural pedido dos leitores, ainda mais considerando o novo formato estabelecido pela editora em edições capa dura. Nos Estados Unidos, há tanto uma reedição solo quanto uma contendo as três histórias, uma edição defasada devido ao lançamento de Capitão América.

Resenha | Justiceiro: Bem-Vindo de Volta, Frank

18 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Garth Ennis, jimmy palmiotti, Justiceiro, Marvel Comics, Salvat, Steve Dillon, The Punisher

O encontro com deuses e anjos em uma narrativa sobrenatural foram temas de The Punisher: Purgatory, uma mini-serie escrita por Christopher Golden e Thomas E. Sniegoski, a qual gerou uma recepção altamente negativa do público e o cancelamento de qualquer história envolvendo o Justiceiro. Por dois anos, a personagem permaneceu distante do público quando Garth Ennis apresentou a Marvel uma proposta de retomar a essência de Frank Castle, negando os últimos acontecimentos e explicitando a vertente urbana de um anti-heroi cuja missão sempre foi exterminar qualquer pessoa ruim do planeta, de acordo com sua percepção dos fatos.

Publicado originalmente em 12 edições, Bem-Vindo de Volta, Frank foi lançado no país pela Panini Comics em um compilado em capa cartão e, recentemente, retornou as bancas em dois volumes em capa dura pela Coleção Graphic Novels Marvel da Salvat. Retomando a parceria com Steven Dillon, de Preacher, a série marca o início da longa passagem de Ennis pelo título da personagem, inicialmente pelo selo Marvel Knights, depois no Max, quando atinge o ápice narrativo nesta fase com planos de republicação no país pela editora.

O enredo é ágil, focado em diversas cenas de ação, apresentando o retorno de Castle a cidade de Nova York ciente de que, em sua ausência, houve uma maior taxa de crimes. Assim, o Justiceiro foca sua cruzada contra Mamma Gnucci, a chefe de uma família mafiosa local. Destruindo seus principais membros, além de capangas e afiliados, transformando no principal inimigo da criminosa. Paralelamente, a polícia da cidade inicia uma força-tarefa para investigar a controvérsia personagem do vigilante, enquanto outros vigilantes surgem em bairros específicos em homenagem ao retorno do Justiceiro.

Declaradamente averso a concepção de heróis como superseres, o roteirista evita ao máximo a participação de qualquer personagem do universo Marvel. No texto enviado para editora ao apresentar sua nova proposta narrativa, Ennis informava que, no máximo, ciente da necessidade de chamariz e vendas, inseriria a participação de algum personagem conhecido. Assim, coube a Demolidor uma participação especial em um dos volumes do arco, de qualquer maneira, sem perder o tom urbano e realista proposto na história. A ausência da comunidade heroica seria o primeiro passo para compor uma trama linear e paralela a qualquer evento da editora.

Ennis mantem um estilo misto de realismo e humor negro coerente com sua proposta, transformando os atos mais improváveis em boas cenas que representam o exagero de seus personagens. Frank Castle, além de um vigilante que utiliza da maneira mais agressiva para exterminar seus inimigos – uma violência visual que choca o leitor pela improbabilidade – esta ciente de seus atos hediondos e simultaneamente é gentil com aqueles que considera inocente. Reconhecendo ser um exército de um homem só, o vigilante sabe que sua potência não pode exterminar todo o crime, mas continua exercendo sua obsessão.

Desenvolvendo sua trama principal em paralelo a subtramas menores, a narrativa reapresenta a personagem ao mesmo tempo em que desenvolve seus argumentos estruturais para o futuro com o azarado detetive Martin Soap escalado para a força-tarefa, ao lado da detetive Molly von Richthofen, para investigar os diversos assassinatos de Castle. Uma vertente que explora socialmente a personagem, demonstrando que embora exista uma obrigação de investigá-lo, grande parte da corporação admira o vigilante por sua eficiência.

Os traços de Dillon se destacam nas cores de Chris Sotomayor e na arte-final de Jimmy Palmiotti. São econômicos nos detalhes de cenários mas suficientes para intensificar as diversas e improváveis cenas de ação. Além da afinidade natural com o roteirista, sem dúvida, o traço de seu Justiceiro se tornaria um dos mais conhecidos da personagem.

Bem Vindo de Volta, Frank é uma estupenda reintrodução a um interessante personagem do estúdio que, a partir dessa história, ganhou novo alcance e uma versão definitiva em sua concepção. Ainda que existam antigas histórias eficientes, como a primeira aventura na mini-série Círculo de Sangue, Ennis expandiu a personagem além de sua função inicial como coadjuvante, inserindo-lhe uma trajetória própria mais detalhada, com conflitos internos e explicitando a força de sua violência.

Compre: Bem Vindo de Volta, Frank (Vol 1. | Vol. 2)

Resenha | Demolidor Por Frank Miller & Klaus Johnson – Volume 2

14 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Bill Mantle, David Michelinie, Demolidor, Elektra, Frank Miller, Klaus Janson, Marvel Comics

Após se responsabilizar pela identidade visual de Demolidor, Frank Miller assume também os roteiros e inicia sua revolução narrativa na história da personagem. Demolidor – Por Frank Miller & Klaus Janson – Volume 2 representa um dos ápices da composição do autor pelo título, destacando-se, sem dúvida, a morte de Elektra Natchios.

O Volume 1 termina após uma história em três partes envolvendo um grande conflito entre O Rei do Crime e Demolidor. Nas cinco edições desenhadas e escritas por Miller, a personagem de Elektra surge, o Mercenário se envolve em um grande embate com o Homem sem Medo, e o Rei do Crime demonstra sua força como um vilão cerebral. Miller realiza desde o início um planejamento com o protagonista e, neste número, dá prosseguimento a histórias breves, desenvolvendo outros vilões, enquanto trabalha em paralelo com a presença de Elektra na cidade.

Como o roteirista havia desenvolvido recentemente mudanças significativas no universo do herói, as tramas deste segundo volume se baseiam nestas circunstâncias anteriores, sem nenhum novo personagem como gancho. Há uma habilidade ímpar em conduzir o roteiro tanto em sua ação quanto no drama, uma agilidade que se equipara na composição dos quadros, nos desenhos e cores que evitam excesso de informação.

Miller parece compreender Matt Murdock, tanto o herói quanto seus medos internos, oriundos da perda do pai e da visão na infância. Enquanto a cada edição desenvolve uma aventura específica, tangenciando o conflito com Elektra bem como a relação amigável entre dois personagens em lados opostos da lei, os medos inconscientes são explorados na trama, resultando em uma excelente história na qual Demolidor procura novamente Stick, após um acidente que o faz perder seu radar. O mestre conduz Murdock a um labirinto interno de culpas e dores, aspectos que seriam responsáveis por seu desequilíbrio. Uma narrativa que resume a trajetória do protagonista e demonstra como, por si só, a figura do advogado é trágica e carregada de bom material para uma trama.

A amada Elektra permanece presente na maioria das histórias, mesmo quando não é personagem central. Inicialmente, age a favor do herói às escondidas, até ser contratada pelo Rei do Crime como sua nova assassina, já que Mercenário está encarcerado após um surto psicótico. Quando ela retorna à sociedade após uma fuga, o encontro de vilões resulta em uma das cenas mais clássicas da trajetória de Demolidor, uma morte causada por raiva pura, demonstrando que não há nenhuma psicologia por trás de Mercenário se não a loucura. Mesmo em batalha com uma ninja mortal, o roteiro desenvolve a luta de maneira crível, com subterfúgios que dão vantagem a cada um, equilibrando as cenas até a investida final.

Explorando também o viés urbano e político, o Rei retorna em cena tentando eleger um prefeito corrupto, popular por conta de campanhas fraudulentas e um sistema de corrupção e lavagem de dinheiro. Tentando eliminar vestígios e provas do crime, cabe a Demolidor, com a ajuda do amigo jornalista Ben Urich, a investigação para derrubar o prefeito antes de sua eleição. A atenção equilibrada entre Murdock e Demolidor é evidente e demonstra a intenção do roteiro em nunca transformar a personagem central em um homem com uma única faceta. Ainda que em outros quadrinhos o herói se sobressaia, ambos os lados são fundamentais na história, tanto como base quanto em argumento para dramas diversos.

Demolidor Por Frank Miller & Klaus Janson – Volume 2 mantém a qualidade narrativa em suas frontes e demonstra, mais uma vez, a importância de seus autores no cenário dos quadrinhos e diante desta grande personagem da Marvel. Um terceiro volume ainda será lançado, finalizando a primeira passagem de Miller na revista, um volume que se inicia colocando frente a frente o Homem sem Medo e Justiceiro, o embate central da segunda temporada da série da Netfix.

Compre: Demolidor Por Frank Miller & Klaus Janson – Volume 2

Resenha | Justiceiro: Círculo de Sangue

11 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Gerry Conway, Justiceiro, Marvel Comics, Salvat, The Punisher

Nos anos em que Stan Lee desenvolvia novos personagens para o Universo Marvel, uma vasta gama de novos heróis e vilões foram criados, oriundos de uma forma inédita de criação que explorava estilos, arquétipos e representações diferentes para produzir um universo próprio. Em anos posteriores, após o roteirista, ainda havia a produção de personagens diversos, hoje populares e reconhecidos pelo público.

A criação do anti-herói vigilante Justiceiro teve inspiração em outros personagens vigilantes, representando uma voz contra o sistema. A intenção original era que Frank Castle aparecesse somente uma vez como vilão, em sua estreia na revista The Amazing Spiderman #129, quando foi contratado pelo Chacal como atirador para matar o aracnídeo amigão da vizinhança. Mesmo ainda voltado a uma faceta plana, havia uma base semelhante ao personagem atual. Um homem com alto treinamento de planos de ataque e que não gostava de ser enganado por ninguém. Diferente do estilo contemporâneo, ainda assim a história é significativa como uma primeira aparição.

Um ano depois desta estreia, a personagem ganhou um contexto definitivo. Em One Shot Marvel Preview nº2,: Marvel Presents The Punisher a base para a transformação de Castle para Justiceiro é apresentada com a morte de sua família. A história de Gerry Conway desenvolvia a sólida origem e a motivação primordial da personagem. Dez anos se passaram com Justiceiro em breves aparições em outras revistas, quando uma nova minissérie foi lançada destacando-o. Justiceiro: Círculo de Sangue, também assinado pelo roteirista do especial anterior, retorna às bancas dentro da coleção Os Heróis Mais Poderosos da Marvel, da Salvat, apresentando também sua estreia na Marvel.

No prefácio assinado pelo editor britânico da Marvel Panini Comics, Ed Hammond, é mencionado que o lançamento desta revista explorava ao máximo os limites da Comics Code Authority na exploração da violência para a época. A história tem início com o vigilante preso na Ilha Ryker, convidado para participar de uma fuga organizada por um mafioso. Ajudado a sair da prisão por um grupo denominado Cartel, um grupo secreto formado por membros da sociedade estabelecendo uma justiça paralela, o Justiceiro volta às ruas para executar um plano definitivo de destruir a máfia.

Se contrapormos o Castle atual, considerando a partir do início de Garth Ennis até sua nova série na fase Totalmente Nova Marvel por Nathan Edmonston, vemos um personagem decidido mas ainda imaturo em seu plano de guerra, ainda que a filosofia de acabar com o crime esteja presente. Acompanhando diretamente os pensamentos do vigilante, suas dúvidas e a culpa são maiores do que atualmente, principalmente, quando o plano se transforma em uma guerra entre gangues, gerando mais violência e danos colaterais. Mesmo com a agressiva fama de assassino, sua humanidade é desenvolvida pelo erro, diferente da violência perfeita e centrada de alguém descrito hoje como invencível, tanto na batalha como na capacidade de se curar de qualquer luta corporal.

Semelhante com a filosofia da personagem, o Cartel representa um grupo de homens apoiados no amplo conceito de desejar uma sociedade melhor, desenvolvendo um grupo de elite de exterminadores. Revelando suas intenções além daquelas apresentadas ao Justiceiro, Castle trata o grupo como inimigo e chega a sofrer lavagem cerebral para se tornar uma eficiente máquina mortal. Ainda que o vigilante nunca negue sua concepção e a maneira delicada como faz justiça, sempre assumiu o fardo somente para si próprio, aceitando sua condição diante das fatalidades da vida, mas ideologicamente o único capaz de realizar esta guerra contra o crime sem nenhuma traição.

A violência extrema transborda na trama, ainda que não seja explícita e gráfica como a de edições atuais. Os traços de Ross Andru se mantêm coerentes com a época, ainda em cores claras sem tonalidades e uma visão mimética realista. De qualquer maneira, a ausência de uma ambientação carregada de cores escuras não retira o peso desta narrativa definitiva para marcar o modus operandi da personagem e elevá-la ao panteão de grandes personagens da Marvel. A partir dessa história, Justiceiro ganhou três revistas mensais que perderiam o fôlego somente na década de 90, histórias que foram além do escopo permitido por sua composição básica.

Compre: Justiceiro (Coleção Heróis Mais Poderosos da Marvel – nº 24 )

Resenha | Demolidor: Revelado

7 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Alex Maleev, Brian Michael Bendis, Marvel Comics

Quando a primeira série de Demolidor (Daredevil Vol. 1) foi cancelada em Outubro de 1998, A Marvel encerrava uma revista que passara por fases áureas, marcadas desde a concepção de Stan Lee até a fase clássica e definitiva de Frank Miller. No mês seguinte deste, foi iniciado um segundo volume. Kevin Smith desenvolveu o começo de uma das revistas mais coesas do estúdio em uma trama que colocava a fé de Matt Murdock em xeque. Em seguida, David Mack levou ao extremo o conceito gráfico dos quadrinhos e ainda criou Echo, uma personagem em contraponto com Demolidor, interpretações distintas de alta qualidade.

Quando Brian Michael Bendis assumiu o roteiro da revista, o autor ainda não havia começado suas modificações estruturais diante dos Vingadores e se dedicou ao Homem Sem Medo pela afinidade anterior como leitor. Relançado pela Panini Comics em edição de luxo, Revelado apresenta o primeiro volume da fase de Bendis ao lado do desenhista Alex Maleev. Reunindo as edições #26 a #40 de Daradevil Vol. 2, uma reedição que, devido ao sucesso no país, receberá um segundo encadernado de três lançados no exterior contendo toda a fase da dupla.

A boa base desenvolvida por Smith e Mack nesta nova fase do herói permitiu que Bendis iniciasse sua longeva passagem pelo título em alta potência, implodindo conceitos base de suas personagens centrais. O Rei do Crime é assassinado em um plano de traição por parte de um novo integrante de seu grupo, encerrando, a princípio, o legado de um dos grandiosos vilões de Demolidor. Ao mesmo tempo, a identidade de Matthew Murdock é revelada pela imprensa.

Sem apelar para novos personagens para causar um conflito, o argumento parte da concepção da identidade para promover sua narrativa. Um tema que se tornaria fundamental para sagas futuras da Marvel, discutindo o papel do herói dentro da sociedade. A morte do Rei do Crime e a revelação do alter-ego de Demolidor são dois pares contrapostos que simbolizam percepções destruídas; Para o vilão, a ruptura de sua visão invencível, destruída a facadas em um ato violento por seu próprio séquito; ao herói, a necessidade de optar por uma abordagem entre o advogado que vive sob a lei e o vigilante que a distorce. Atos que derrubam o status conhecido das personagens e, por consequência, atingem o leitor em cheio.

O roteirista explora a faceta urbana da personagem e insere este conceito na condução narrativa com personagens realistas presentes no cotidiano da cidade, um efeito que projeta Demolidor em um universo levemente diferente daquele tradicional da editora. Os traços de Alex Maleev se encaixam com perfeição a esta visão, explicitando a sujeira da metrópole em uma palheta de cores sempre escura em que quase não há cores claras. Uma ambientação desolada que reforça a importância de Murdock como advogado e de Demolidor como herói.

Além da inversão inicial do status dos personagens centrais da revista, o roteirista demonstrou que traçava a longo prazo um plano para Demolidor ao não transformar esta primeira história somente em uma trama de impacto para conquistar um novo público. Suas modificações iniciais causaram consequência para a personagem e elas foram exploradas em facetas diversas no decorrer de sua passagem pelo título.

Demolidor: Revelado apresenta, além desta grande história inicial, uma trama em três partes, O Julgamento do Século, focado na faceta da personagem como advogado. Uma pausa necessária após uma mudança significativa e suficiente para explorar como a figura de Murdock se torna impopular devido a sua ligação explícita com um herói. Bendis e Maleev promoveram uma parceira perfeita, integrada entre roteiro e desenhos, em uma excelente história, marcada como mais um ponto alto do Homem Sem Medo.

Deadpool e o Fim da Moda dos Super-Heróis

1 de março de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Cinema

Deadpool, Marvel Comics, ryan reynolds, super-heróis

As caracterizações do gênero

Normalmente se nomeia um gênero pelas características:

– Narrativa
– Caracterização dos personagens
– Temas básicos
– Ambiente
– Iconografia
– Técnicas
– Estilos

E a princípio, temos quatro grandes gêneros definidos por Aristóteles, que são: Comédia, Ação, e Tragédia/Drama e Thriller. Disso temos subgêneros, como o sci-fi, que normalmente se estabelece como drama por contar com embates existenciais, o papel do ser humano, seu destino e sobrevivência. Eventualmente há intercepção entre estes gêneros e subgêneros, como no caso da Soap Opera (Ex: Star Wars).

Elementos em comum não são o bastante para a categorização. Normalmente identificam-se certos elementos bem específicos para perceber um gênero. Mas esta é a forma como identificamos a criação de um gênero, que é sempre “a posteriori”, já que, em cinema, gênero sempre teve uma definição flutuante, pois um grupo de signos apenas se torna gênero de acordo com a percepção da crítica e do público. Você não cria um gênero, mas sim elege um gênero.

Agora os filmes com super-heróis: não formam um gênero

Tudo indica que o filme de super-herói não é um gênero em si, mas sim um gênero tautológico, ou seja, não existe realmente como gênero ou subgênero, mas apenas como formato.

O termo Tautologia vem da lógica proposicional, em que uma sentença é tautológica se for verdadeira para valores diferentes de suas variáveis. Em português isso ganha status de redundância, mas neste contexto é quando um gênero passa a depender de certos signos independente do seu tema ou de sua dinâmica. Por exemplo, cinema surrealista é um “gênero tautológico”, pois independente de ser comédia, ação ou suspense, tem signos redundantes em comparação com outros filmes surrealistas e que o identifiquem como “surrealista”, mesmo que isso não diga nada sobre o conteúdo, mas apenas sobre o formato. Algo parecido acontece com as “escolas cinematográficas”, que apesar de possuírem signos em comum não representam um gênero.

Tanto é assim que a saída dos estúdios para carregar o formato é atribuir gêneros com clichês mais bem definidos, mas usando como pano de fundo o mundo super-heroico. Você teve o filme de ação/assalto de Homem-Formiga, a aventura clássica de Capitão América: O Primeiro Vingador, o thriler político de Capitão América: Soldado Invernal e diversos outros expedientes para protelar essa deterioração do formato.

A moda e seu ciclo

Certa vez, um amigo disse ter lido que Hollywood tira leite de uma vaca até secar e, quando o leite acaba, sacrifica a vaca com a paródia. Em meados dos anos 30, após um período de intensa popularidade, os Monstros da Universal só sobreviveram na forma de filmes que parodiavam esses monstros.

E é mais ou menos assim que funciona, pois podemos delimitar as seguintes etapas do ciclo:

– Enunciação
– Solidificação
– Apogeu ou Era de Ouro (Etapa onde geralmente surgem os clássicos)
– Fórmula (Era dos tais “filmes eficientes”. Acontece quando o cinema já entendeu o que funciona)
– Dissolução / desconstrução / crítica (Autorreferência, incômodo com o status quo)
– Retomada / hibridização / sátira (O cinema ri de si mesmo e mostra o ridículo de seus clichês)

A aplicação disso é não linear. Claro que surgem filmes antecipando essas etapas, mas a historiografia do cinema dá base a esse ciclo, como o cinema noir, que começou como uma espécie de paródia.

Deadpool estreou com valores e recordes para o mês, para uma obra de classificação Rated-R, próximo de completar U$ 55 milhões em sua segunda semana de exibição, totalizando U$ 235 milhões, ultrapassando o até então vencedor da Fox entre os super-heróis X-Men 3: O Confronto com seus U$ 234 milhões. Mundialmente é o segundo da franquia, atrás apenas de X-Men: Dias de um Futuro Esquecido. O filme também quebrou todos os recordes para o mês de fevereiro, considerado um mês ruim para o cinema.

Isso resume o filme num grande sucesso para seu orçamento abaixo dos U$ 60 milhões, com uma campanha de marketing genial por ser concisa e utilizar-se das redes sociais e do carisma de Ryan Reynolds como poucas campanhas conseguiram. A que mais se aproximou deste sucesso em rede foi a de Batman: Cavaleiro das Trevas, no já longínquo 2008, utilizando uma complexa campanha viral que incluiu corridas de caça a uma maleta do Coringa pelas principais cidades do mundo.

Mas talvez o sucesso de Deadpool reflita uma questão bastante comum em Hollywood que se assemelha ao ciclo da moda nas passarelas. Assim como os estilistas, estúdios visam antecipar tendências e, quando possível, criá-las. Não à toa, é comum em um mesmo ano haver diversos filmes de uma mesma espécime ou até mesmo personagem (dois filmes do Mogli esse ano e um muito semelhante chamado Meu Amigo Dragão, bem como alguns filmes sobre o personagem Tarzan). E assim como a moda volta, se estabelece em ciclos que relativamente se repetem a cada determinado período de tempo, fazendo voltar inclusive as terríveis calças saruel, o cinema, a música, games e demais formas de cultura.

O melhor exemplo deste tipo de ciclo, ou a forma mais simples de identificar a questão, talvez seja a música. Como uma variação e releitura do blues, o rock n’roll surgiu como uma resposta à música conservadora dos anos 50. Mas pelo dinamismo cultural e novas influências ele sofreu uma nova variação, mais pessimista e menos festiva (punk, entre outros), que foi se estilizando mais até ficar uma autorreferência, e então virar uma paródia de si em larga escala e mais popular (emo), sendo este o final do ciclo. Nesse ponto, o mercado esgotou-se, e aí o gênero precisa se reinventar.

A paródia dos filmes de super-heróis

A paródia nos filmes de super-heróis como apontamento do fim do ciclo modal se deu bem antes, com Shane Black em Homem de Ferro 3 fazendo Tony Stark invadir covis usando armas feitas com brinquedos, e a gag do vilão étnico super poderoso, que no fundo não é tão super poderoso ou ameaçador assim. Ao antecipar-se ao momento de fim de ciclo, e pela falta clara de homogeneidade e estrutura narrativa, o filme levou duras críticas, mas principalmente pelos motivos errados. O vilão de brincadeira/ ator falido era apenas uma autorreferência de o que é um filme de super-herói.

Em 1989 surgiu Batman, dirigido por Tim Burton, com uma proposta bem específica e concebida. Com o passar dos anos e tentativas fracassadas de estabelecer filmes semelhantes, os filmes do Batman foram ganhando contornos cada vez mais suaves, recebendo finalmente a sua paródia em 1998 com o filme Batman & Robin, por Joel Schumacher. Em 2000 surgiu X-Men com um argumento muito mais sério e baseado no subgênero sci-fi, o que ajudou a dar o tom das próximas adaptações em conjunto com Homem-Aranha, de 2002.

Após Homem de Ferro 3 como representante da desconstrução do formato, pode-se olhar para Kick-Ass, Guardiões da Galáxia, Homem-Formiga, e até mesmo Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância), bem como Super, filme de James Gunn anterior a seu estrelato, como exemplos do mesmo momento. Estes filmes todos estariam então representando a dissolução do cinema de super-herói, e Deadpool é um passo além de todos esses ao estabelecer um teor autocrítico extremamente contundente. Para desespero ou não, sátira, ou autocrítica, é a etapa que surge antes da paródia dos irmãos Wayans.

–

Texto de autoria de Marcos Paulo Oliveira.

Crítica | Deadpool

13 de fevereiro de 2016 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Brianna Hildebrand, Deadpool, Ed Skrein, Fabián Nicieza, Marvel Comics, Morena Baccarin, Rob Liefeld, ryan reynolds, T. J. Miller

Desde que foi anunciado, em 2014, o filme solo do controverso e falastrão Deadpool, os fãs de quadrinhos ficaram com sentimentos divididos. Se por um lado Ryan Reynolds já tinha interpretado o papel de forma ridícula no desastroso X-Men Origens: Wolverine, por outro os spots, imagens e depois trailers trouxeram um certo alívio ao mostrar que as origens do personagem seriam respeitadas. Mais do que isso: o filme parecia ser bom.

Deadpool é um personagem criado nos anos 90 por Rob Liefeld (citado no filme) e Fabian Niciesa. Apesar de ter surgido como paródia do vilão da DC Exterminador, Wade Wilson logo ganhou uma personalidade própria, com um humor ácido e extremamente irônico, incapaz de levar qualquer situação a sério. Esse fato, e também o de ser mentalmente instável, o fez participar dos mais variados grupos de heróis dos quadrinhos da Marvel, mas também incapaz de permanecer lá. Esse fato torna sua trajetória nas HQ’s um tanto quanto errática.

Nas telonas, o filme dirigido pelo novado Tim Miller mantém todas as características do personagem, o que irá agradar à maior parte dos fãs de filmes baseados em super-heróis, que começaram nos últimos anos a dar sinais de desgaste. Com baixo orçamento em comparação aos filmes do mesmo tipo, Deadpool se foca quase exclusivamente no protagonista, e Reynolds felizmente consegue carregá-lo inteiramente de forma competente. Ciente de suas limitações, sente-se bem à vontade no papel do personagem que satiriza tudo e todos à sua volta, os quais servem como escada para seu incessante repertório de piadas.

Wade Wilson no filme é algo próximo de um “mercenário do bem”, que aceita pequenos serviços de pessoas comuns (geralmente não muito dentro da lei) em troca de pagamento. Em uma das noites em que passa no bar (que também funciona como o balcão de agendamentos de seus serviços) conhece Vanessa (Morena Baccarin), e a partir dali a vida de ambos muda para sempre. Porém, ele descobre que tem câncer terminal e tem pouco tempo de vida. Desiludido, recebe uma proposta de um misterioso homem prometendo curar seu câncer e lhe dar habilidades especiais. Wilson deixa Vanessa com pesar e se submete ao processo, que se mostra totalmente diferente do que havia imaginado, com sessões de tortura cujo objetivo era ativar um gene mutante nas cobaias e transformá-las em super soldados, tudo conduzido Por Ajax (Ed Skrein) e Angel (Gina Carano). Tal processo deforma Wilson fisicamente. Ao conseguir fugir, promete vingança e dedica sua vida a encontrar Ajax e fazê-lo reverter o processo que o deixou assim.

Tudo isso é explicado ao espectador através de flashbacks que vêm e vão no início do filme enquanto Deadpool tenta capturar Ajax após uma implacável perseguição, que termina com a participação de outros X-Men, Colossus (Greg LaSalle / Stefan Kapicic) e Negasonic Teenage Warhead (Brianna Hildebrand), que buscam capturá-lo e tentar conscientizá-lo de que suas ações são irresponsáveis. Colossus inclusive garante uma ótima participação como o grandalhão forte, ingênuo e de bom coração em contraste com o escrachado Deadpool. Em alguns momentos sua ingenuidade chega até a lembrar Drex, de Guardiões da Galáxia. Sua luta com a personagem de Gina Carano também é um ponto alto do filme, inclusive mais interessante que o próprio combate entre Deadpool e Ajax, que, por não ser um vilão com muita profundidade, não deixa o espectador investido emocionalmente em seu destino. A grandiosidade um pouco desnecessária dessa batalha final também não ajuda, a não ser em criar um espetáculo visual que destoa da simplicidade do filme. Afinal, destruir tanta coisa assim é coisa dos Vingadores.

Deadpool se encaixa bem nos tempos atuais, onde a seriedade sombria dos heróis da DC/Warner se contrasta com a linguagem divertida e engraçadinha dos heróis da Marvel. Neste contexto, ele chega justamente para tirar sarro de todos esses filmes e seus clichês, por isso funciona muito bem. As piadas com as escolhas do ator no passado, tanto de sua interpretação anterior do mesmo personagem quanto com o seu Lanterna Verde em 2011, são explícitas e tiram risadas do espectador antenado na cultura pop. As referências também passam pelos filmes do X-Men, de ambas as linhas do tempo, e de vários outros heróis, filmes e personagens icônicos da atualidade. Tantas referências acabam deixando o filme com um certo gosto enjoativo da preguiçosa série The Big Bang Theory, cujo roteiro inexistente é compensado justamente pela devoção dos fãs às referências ao que eles já conhecem. A sorte é que Deadpool ao menos tem uma história a ser contada e não se deixa levar por essa fácil saída.

Mas é justamente em seu ponto forte reside um pequeno porém. O humor do protagonista funciona, mas é cômodo e em momento algum arrisca. As piadas sempre possuem o mesmo pano de fundo sem desafiar o espectador. Isso não é um problema em si, mas um filme que quer se destacar pela violência em si, poderia se arriscar mais neste quesito, tendo no roteiro um pouco mais de coragem. Alguém também poderia criticar avanços temporais, onde Wilson aprende sozinho a fazer uniformes e a conduzir investigações minuciosas sobre figuras grandes do submundo do crime, aparentemente do dia pra noite, mas por se tratar de uma adaptação totalmente fiel aos quadrinhos, e por ao mesmo tempo homenagear e satirizar esta mídia, essas sequências acabam integrando justamente o imaginário coletivo de tantos filmes de origem que já vimos com os mesmos clichês.

Ao quebrar toda hora a “quarta parede” e conversar com o espectador da mesma forma que fazia nos quadrinhos (e ao mesmo tempo em que diz que faz isso), Deadpool subverte não só os padrões estéticos da onda recente dos filmes de herói da Marvel e DC, como também padrões narrativos. Ele nos lembra a todo instante que super-heróis são bregas, ultrapassados e infantis. E tudo bem ser assim.

–

Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

Melhores Leituras de 2015

Devido ao maior tempo dedicado a uma leitura do que assistir a um filme ou a episódios seriados de uma temporada, é natural que uma lista de Melhores Leituras seja um tanto anacrônica aos lançamentos. A isso soma-se o fato de que, ao encerrar 2014, planejei a leitura de alguns autores que desejava conhecer ou me aprofundar em suas obras, e assim chegamos às edições selecionadas abaixo como as melhores leituras do ano passado.

Como não havia número suficiente para formatar uma única lista de livros, decidi pela abordagem mista ao introduzir e pontuar os bons quadrinhos lidos no ano. Neste aspecto, é evidente que foquei as leituras no eixo tradicional da Marvel/DC Comics, um aspecto que pretendo evitar este ano, realizando a leitura de outras obras mais autorais (possivelmente veremos esse impacto em uma futura lista deste ano, a ser publicada em 2017).

Explicitando a falta de sincronia com lançamentos e formatos, a lista nem mesmo se ajusta à tradicional recomendação de dez itens selecionados. Mas sim doze obras, seis livros e seis HQs, para que nenhuma das boas leituras ficasse de fora. Algumas dessas indicações também foram analisadas no site logo após a leitura, dessa forma peço desculpas aos leitores por eventuais repetições de abordagem.

Manual de Pintura e Caligrafia – José Saramago (Companhia das Letras)

Narrativa de estreia do lusitano José Saramago – posteriormente, uma obra anterior seria lançada após sua morte – Manual de Pintura e Caligrafia é um vigoroso romance de estreia. O autor inverte a lógica sobre a carreira e descreve sua proposta literária logo no primeiro lançamento, contrariando manuais tradicionais de autores que sempre, em um estágio avançado da carreira, versam sobre o ofício. Misturando duas narrativas, a personagem atravessa a arte da pintura rumo à escrita, uma transição feita pelo próprio autor, transformando esta obra em um misto de metalinguagem e tese literária, ainda que os elementos narrativos que o consagraram ainda não estivessem presentes.

Demolidor – Fim Dos Dias (Panini Comics)

Inserido na série O Fim da Marvel Comics, Fim dos Dias é uma clara homenagem à trajetória do Homem Sem Medo. Sob a batuta de Brian Michael Bendis, a história leva Ben Ulrich a uma última reportagem quando os heróis perderam sua força como defensores. A equipe de primeira linha desenvolve uma história sem igual, simultaneamente apresentando grandes momentos e figuras de Demolidor ao mesmo tempo em que se configura como mais uma grande história de um dos personagens mais coesos do estúdio.

Romeu e Julieta – William Shakespeare (Saraiva de Bolso, tradução de Bárbara Heliodora)

Casal mais conhecido da dramaturgia de William Shakespeare, Romeu e Julieta são símbolo de amor universal, representado, transcrito e transformado em um amor perfeito. A peça considerada uma das mais líricas do autor é fundamental para destruir o conceito das personagens através dos tempos, evidenciando que o amor de dois adolescentes termina de maneira trágica devido ao frenesi impulsivo e a imaturidade. Versando com qualidade sobre a agressividade desse amor, o casal permanece no imaginário coletivo em uma bonita história trágica.

Pantera Negra – Quem é o Pantera Negra? (Salvat / Panini Comics)

Anterior a modificações estruturais de personagens representativos de uma causa, a Marvel fundamentou, dois anos após a nova lei de direitos civis nos Estados Unidos, um personagem negro com uma bela mitologia. Erigido como um deus no coração de um país futurista na África, local que nunca cedeu a colonizadores, a concepção do Pantera Negra atinge versão definitiva na narrativa de Reginald Hudlin. Retomando conceitos de tradições africanas, T’Challa adquire simultaneamente uma história coesa e uma tradição tribal forte, tornando-se um importante e imponente personagem político no cenário da editora.

O Silêncio do Túmulo – Arnaldur Indridason (Companhia das Letras)

Impressiona que em uma literatura normalmente considerada formulaica como a narrativa policial se possam desenvolver tantos estilos diferentes e histórias genuinamente interessantes a partir de um crime. Arnaldur Indridason compõe sua narrativa a partir de dois focos: a investigação de um esqueleto encontrado nas imediações da Reykjavík, Islândia e uma trama familiar sobre um pai abusivo. O leitor reconhece de imediato que as narrativas iram se entrecruzar e, mesmo enfocando tais tramas de modo diferente, o autor é capaz de mantê-las em um mesmo tom que, quando chega em seu ápice, desvenda o crime e revela um aspecto crítico sobre a condição social e psicológica que fomentou o assassinato. É a partir desta obra que Indridason alcança sua melhor forma.

Gotham DPGC: No Cumprimento do Dever (Panini Comics)

Ed Brubaker e Greg Rucka partiram de uma premissa interessante ao indagar como seria o contingente policial de Gotham City vivendo à sombra do Homem-Morcego. O resultado é uma revista que destaca personagens comuns vivendo em um cotidiano padrão, no qual a figura de Batman é vista com mística, sem explorar a personagem interiormente como em suas revistas mensais. A partir de dramas pessoais em meio a atentados e crimes de grandes vilões e bandidos comuns, a equipe de crimes hediondos de Gotham sobrevive diariamente nesta pesada rotina criminal. Com uma vertente narrativa genuína de histórias policiais, a equipe apresenta uma visão diferente deste universo tão explorado e querido do público.

Here, There And Everywhere: Minha Vida Gravando os Beatles – Geoff Emerick e Howard Massey (Novo Século)

Na vasta bibliografia sobre The Beatles, dividida entre obras de jornalistas experientes, críticos renomados e personagens que pontualmente passaram pela carreira da banda, a biografia de Geoff Emerick é fundamental como uma figura de autoridade intrinsecamente ligada à banda. Responsável pela formatação da fase mais prolífica da carreira do quarteto, Emerick narra brevemente sua trajetória até conhecer a banda e nos brindar com informações daquilo que fizeram dos Beatles a banda por excelência: sua qualidade musical. Detalhes técnicos, informações e curiosidades são costuradas em uma prosa suave que nos coloca ao lado da intimidade do Fab Four sob a visão daquele que esteve acompanhando a progressão a cada ensaio e moldando o som da banda. A obra é prazerosa e nos aguça a ouvir de maneira diferente a discografia do quarteto.

Superman – A Queda de Camelot (Panini Comics)

Publicada simultaneamente a outra grande saga de Superman, O Último Filho, esta Queda de Camelot é um longo épico dividido em duas partes. Conduzida por Kurt Busiek, um dos responsáveis pelas revistas do herói ao lado de Geoff Johns na época pós Crise Infinita no projeto Um Ano Depois. Trabalhando em linhas temporais de passado, presente e futuro, o autor cria uma história provável sobre um futuro apocalíptico ao mesmo tempo em que desenvolve o passado do vilão Arion e as crescentes ameaças do presente conhecido. O tamanho da série cria uma narrativa aventureira cíclica, composta de diversos ganchos e conduzida pela aventura, dando sequência à explícita homenagem a Era de Prata desenvolvida desde o primeiro arco de Um Ano Depois. Se O Último Filho é uma reflexão pretensiosa e fabular sobre passado e descendência, A Queda de Camelot faz da aventura o fio condutor.

Dragão Vermelho – Thomas Harris (Record)

Um dos grandes vilões do cinema, Hannibal Lecter inicia sua trajetória nesta narrativa escrita em 1988. Thomas Harris explora com eficiência a psicologia de seu assassino e compõe um interessante laço entre o investigador Will Graham e o psicanalista canibal, o qual colabora no caso. Em um thriller psicológico aclamado por James Ellroy como um dos grandes livros do gênero, a história é pautada no desenvolvimento do caso e no suspense, demonstrando talento na composição narrativa ao criar densos personagens bizarros, inovando ao introduzir com esmero a mente criminosa em cena. Mais impressionante que esta trama é o fato do autor, após a sequência O Silêncio dos Inocentes, ter produzido duas obras sobre a personagem sem nenhum apelo e vigor equivalentes a esta obra inicial. Mesmo com uma carreira desequilibrada, Dragão Vermelho é uma narrativa impecável.

Os Vingadores – O Mundo Dos Vingadores (Panini Comics)

Responsável por assumir duas revistas dos Vingadores após oito anos sob comando de Brian Michael Bendis, Jonathan Hickman iniciava um novo ponto de partida para os Heróis Mais Poderosos da Terra, reconfigurando a equipe em sintonia com o novo processo editorial intitulado Nova Marvel. O Mundo dos Vingadores alinha novos e antigos personagens em uma renovada formação da equipe, ao mesmo tempo em que introduz novos vilões que seriam fundamentais para futuras sagas da editora. Sem medo da sombra do sucesso da passagem de Bendis, o arco é simultaneamente uma boa história como também funciona como um início para novos leitores.

A Ditadura Envergonhada – Elio Gaspari (Intrínseca)

Com intensa pesquisa em fontes diversas e uma prosa ensaística de primeira qualidade, Elio Gaspari produz uma das obras definitivas sobre a ditadura militar brasileira. Indo além da formalidade dos fatos, o autor insere um estilo narrativo próprio que aviva a época e os dramas dos conflitos vividos e seus delicados detalhes. Traçando um panorama da sociedade, observando tanto o movimento militar como os levantes contra o golpe, este é o primeiro volume de uma vasta obra sobre o período que, ainda este ano, ganha o último e definitivo desfecho.

Batman: Cidade Castigada (Panini Comics)

A saga Silêncio, anterior a Cidade Castigada, talvez tenha eclipsado a atenção voltada a esta história escrita por dois grandes parceiros: Brian Azzarello e Eduardo Risso. Se a anterior pretendia ser um grande épico em doze partes, apresentando diversões heróis e a galeria de vilões do Morcego, Cidade Castigada enfoca o Batman investigador em uma história mais eficiente e coesa que a de Jim Lee e Jeph Loeb. Gotham adquire contornos noir entre poesia e corrupção enquanto o roteiro foge de uma tradicional narrativa feita pelo morcego, acrescentando tanto uma reflexão erudita sobre a cidade quanto ampliando a limitação física do herói, sem contar uma improvável cena em que Bruce Wayne faz seu próprio jantar, desmitificando, com certo humor sem perder o tom sério da narrativa, os fatos cotidianos que o personagem, como um reflexo de um ser humano normal, executa todos os dias.

–

Menção Honrosa: Cidades de Papel – John Green. Considerando o público-alvo de sua narrativa, Green surpreende com uma história pontual sobre a transição entre a adolescência e o mundo adulto e uma percepção madura de um grupo de amigos. Um romance de formação que tem potencial para se tornar significativo no crescimento do leitor jovem.

Resenha | Homem-Formiga: Mundo Pequeno

9 de novembro de 2015 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

David Michelinie, Homem-Formiga, jack kirby, john byrne, Marvel Comics, Stan Lee, Vespa, Victor Olazaba

Devido à estreia de Homem-Formiga nos cinemas, a Panini Comics lançou uma edição encadernada reunindo três histórias da personagem, com três versões diferentes do herói. Mesmo que seja um dos membros fundadores dos Vingadores, atuando em diversas aventuras do grupo, seu alcance sempre foi menor em relação a outros membros da equipe, em parte por raramente, em comparação ao seus companheiros, possuir um título mensal. Motivo pelo qual este compilado serve como apresentação, selecionando fases distintas para apresentar os três homens por trás do manto de Homem-Formiga.

A primeira aventura, Mundo Pequeno, é a mais contemporânea da cronologia, com Eric O’Grady como o terceiro Homem-Formiga e Hank Pym sob o manto de Vespa, em homenagem a sua falecida esposa. A história promove uma parceria entre os dois personagens, após Grady descobrir que uma das invenções de Pym será roubada pela I.M.A. Uma aventura que contrapõe as personalidades de cada um para a eventual batalha que precisa da união de ambos para concluir a missão. Uma narrativa fraca que passa ao leitor a impressão de que o terceiro Homem-Formiga é apenas mais um característico personagem mais apoiado para o humor.

A leitura segue retornando a sua origem, apresentando a primeira história com Hank Pym e seu retorno após desistir inicialmente de seu projeto, ambos lançados em 1962. Mesmo que o estilo seja diferente daquela conhecida, Stan Lee era um excelente roteirista, criativo ao extremo para justificar a composição de seus heróis. Mesmo que menor que grandes origens das diversas criadas por Lee, o cientista Hank Pym é bem apresentado e, seguindo a tradição heroica, decide assumir o manto após perceber a potência de seu soro de crescimento e encolhimento, as famosas partículas Pym que ainda não recebiam esse nome.

A criatura de Kosmos!, publicada em 1963, introduz a parceria que faria de Pym um homem casado com Janet, a Vespa. O argumento de Lee reflete a visão inocente de suas personagens, com uma heroína que se apaixona arrebatadoramente por Pym no mesmo dia que o conhece. De qualquer maneira, marcando uma parceria clássica dos quadrinhos, ainda que em uma história pouco inspirada com a presença de uma criatura – é muito semelhante aos traços do Toupeira vistos na primeira edição do Quarteto Fantástico – que cresce com o soro do Dr. e começa a destruir a cidade.

A história final, dividida em duas partes, apresenta o herói visto no filme, Scott Lang, em sua estreia como Homem-Formiga. Trama publicada em 1979, é notável a evolução narrativa dos quadrinhos em relação ao início de Lee. A ação é mais equilibrada com a narrativa em off, resultando em um ritmo mais fluído. O roteiro de David Michelinie, com arte de John Byrne e Bob Layton, apresenta o ladrão Lang que encontra um uniforme de Pym em uma de suas fábricas e usa-o para ajudar sua filha, portadora de uma rara doença. Mesmo com um argumento simples, a história se desenvolve bem e demonstra a diferença entre o primeiro Formiga, um cientista brilhante, de um homem mais comum, vindo de um passado ruim que deseja esquecer, uma índole que encoraja Pym a confiar no novo herói e deixá-lo como herdeiro de seu uniforme.

Para o leitor ocasional de quadrinhos que tem um primeiro contato através dessa edição, as tramas são funcionais como introdução no universo da personagem, bem como no estilo de cada um dos Homens-Formiga. Porém, como nenhuma das tramas é significativa em qualidade, o encadernado se mantém mais como um objeto histórico de três personagens diferentes do que uma edição essencial entre as diversas boas opções que a própria Panini lança no mercado.

Compre: Homem – Formiga: Mundo Pequeno

Resenha | Wolverine: Origem II

30 de outubro de 2015 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Adam Kubert, Kieron Gillen, Marvel Comics, Panini, Wolverine

As lacunas deixadas no passado de Wolverine sempre foram um espaço pelo qual roteiristas desenvolveram novas histórias. Em 2002, a Marvel Comics iluminou parte dessa história na minissérie Origem, apresentando sua infância até então inédita. O sucesso de vendas e a repercussão da narrativa fizeram desta trama uma leitura obrigatória da personagem, dentre as diversas releituras feitas sobre seu passado. Visando sempre o lançamento de produtos lucrativos, uma sequência foi lançada no ano passado nos Estados Unidos.

A Panini Comics lançou a obra direto em encadernado com o atraso de um ano do original, uma defasagem natural dos títulos brasileiros em relação aos americanos. Formado por cinco edições, o roteiro de Kieron Gillen intenta retomar os acontecimentos da primeira história, mantendo um traço semelhante ao de Adam Kubert, assinado pelo irmão Andy. A princípio, Wolverine – Origem II não traz nenhuma novidade no passado de Logan, inserindo apenas conflitos básicos vistos em outras histórias.

A primeira parte da história apresenta o momento mais inventivo. Imerso na floresta, longe da sociedade, Logan encontrou a paz ao conviver com uma família de lobos no Canadá. Acompanhando estes acontecimentos que, consequentemente, terminam de maneira trágica para iniciar a história, a reflexão inicial é poderosa contrastando com a paz selvagem da personagem. As cores de Frank Martin e Rain Beredo destacam estes contrastes pela escolha de uma paleta de poucas cores, as quais enfatizam cada quadro e fogem do estilo à lápis da primeira narrativa, demonstrando que há um tempo diferente daquele visto na infância.

Além desta primeira história focada na floresta, Origem II nada acrescenta. Logan se mantém como um fugitivo que recorta pouco de seu passado e retorna à civilização como um recomeço, readaptando-se à sociedade e reconhecendo que a humanidade é terrível por definição. Um conceito comumente presente em muitas de suas histórias. Devido a boatos sobre um homem primitivo visto no Canadá, a personagem permanece em fuga enquanto grupos de caçadores tentam buscá-lo, destacando as mesmas bases da primeira Origem: há um vilão aparente – o vilão Nathaniel Essex antes de se tornar Sr. Sinistro – e uma mocinha que, coincidentemente, é gentil e com o rosto dilacerado, como aconteceu com Rose.

Gillen falha até mesmo ao tentar criar uma trama com algum espécie de polaridade positiva. O vilão não é ameaçador; Logan passa a maior parte do tempo desorientado, e falta um narrador à obra que conduza sua história. Sem utilizar um narrador em off, perdeu-se a possibilidade de uma possível reflexão como nos diários da jovem na trama anterior, comparação inevitável de se fazer quando estamos dialogando sobre uma obra de mesmo nome lançada como continuação. Ao final da história, o roteirista ainda tenta forçar um gancho sem impacto. Fazendo desta sequência uma trama pálida e comum a tantas outras tramas que apresentam a selvageria de Wolverine demonstrando que é melhor naquilo de faz.

Compre aqui: Wolverine: Origem II

marvel-comics

Resenha | Fabulosos Vingadores: Ameaça Vermelha

Resenha | Capitão América: Branco

Resenha | Homem de Ferro Noir

Resenha | Hulk: Cinza

Resenha | Viúva Negra – Vol. 1

Review | Agente Carter – 2ª Temporada

Resenha | Thor: O Deus do Trovão – O Carniceiro dos Deuses

Resenha | Cavaleiro da Lua – Vol. 1

Resenha | Deadpool: A Guerra de Wade Wilson

Resenha | Justiceiro – Vol. 1

Especial | Demolidor

Resenha | Demolidor: Amarelo

Resenha | Justiceiro: Bem-Vindo de Volta, Frank

Resenha | Demolidor Por Frank Miller & Klaus Johnson – Volume 2

Resenha | Justiceiro: Círculo de Sangue

Resenha | Demolidor: Revelado

Deadpool e o Fim da Moda dos Super-Heróis

As caracterizações do gênero

Agora os filmes com super-heróis: não formam um gênero

A moda e seu ciclo

A paródia dos filmes de super-heróis

Crítica | Deadpool

Melhores Leituras de 2015

Resenha | Homem-Formiga: Mundo Pequeno

Resenha | Wolverine: Origem II