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Crítica | Mortos Não Morrem

28 de novembro de 2019 by Filipe Pereira

Adam Driver, Bill Murray, Caleb Landry Jones, filmes de zumbis, Jim Jarmusch, Selena Gomez, Zumbis

Normalmente quando se pensa em filmes, hqs, livros ou series sobre zumbis, se mostra uma cidade grande e central lidando com a tal praga. Não é o caso de Mortos Não Morrem, novo longa-metragem de Jim Jamursch, que vem nos últimos anos, visitando o gênero terror – em 2013 conduziu o filme de vampiros Amantes Eternos. A localidade é Centerville, um pacato vilarejo vigiado pela dupla de policiais chefe Cliff Robertson e oficial Ronald ‘Ronnie’ Peterson, interpretados por sua vez por Bill Murray e Adam Driver, que começam a perceber uma movimentação estranha no local.

Nos anos noventa Jamursch dedicou seu esforços a desconstruir alguns gêneros cinematográficos. Em Dead Man discutiu o Western, enquanto Ghost Dog perverteu os clichês de filmes de samurai, e ele parece querer fazer isso com as obras de George Romero neste, além é claro de referenciar os populares Guerra Mundial Z e The Walking Dead, ainda que aqui haja uma carga de humor não óbvio muito forte, causada pela força das circunstancias, e em uma freqüência de ironia poucas vezes vistas nas parodias recentes.

A câmera passeia pelo cotidiano bucólico de Centerville, mostrando algumas pessoas comuns, esperando sua comida, destilando preconceitos, se metendo em small talk em mais um dia comum. As pessoas estão tão entretidas com as futilidades comuns a si que não percebem que o mundo está mudando e está ruindo. É como se fosse mais um dia como outro qualquer, como se o fim do mundo não afetasse quem já está isolado do restante da “alta civilização”. Eles só percebem que algo está errado de fato quando os animais começam a sumir, e mesmo em meio a uma cidade de pequena população, há gente ainda mais excluída.

Não há pressa em mostrar o mundo sendo destruído, o registro sobre o bucólico e sobre a vida simples no campo dá o tom no primeiro terço do filme, só ocorrendo o alvorecer dos mortos após o passar da manhã e tarde, possivelmente referenciando o nome do clássico maior de George Romero, A Noite dos Mortos Vivos. As cenas dos primeiros ataques guardam um humor que mistura o não obvio, ao colocar os mortos vivos andando vagarosamente até suas vítimas, diferente do péssimo conceito de zumbis velocistas como em Madrugada dos Mortos, Zumbilândia ou Extermínio, além de fazer troça com a aparência de Iggy Pop, um dos ídolos do diretor e protagonista de seu último longa, Gimme Danger.

O roteiro também brinca com os fan services e referencias desnecessárias, utilizando uma discussão entre Zoe (Selena Gomez) e seus amigos com o frentista e fanático por filmes de horror b Bobby Wiggins (Caleb Landry Jones), mostrando um Pontiac LeMans, o carro utilizado pelos personagens de Uma Noite dos Mortos Vivos original de 1968. O modo que o filme reverencia as obras clássicas brinca com as obviedade do cinema de referencia e digere sua montanha de menções forma própria e debochada.

A proximidade do fim faz com que os personagens percebam o obvio, que não há escapatória. Os poucos que ousam ficar vivos se vêem cercados, com pouca ou nenhuma perspectiva de sobrevivência, basicamente esperando a morte chegar, ou os recursos acabarem, ou terem seus domicílios invadidos, no entanto isso não é explorado de maneira melodramática ou seria, e sim fazendo piada, de humor negro, com desdém normalmente, como quando os hipsters de Cleveland são decapitados pelos caipiras de Centerville.

Jamursch faz uma espécie de filme resposta ao que Rob Zombie empregou em seu Halloween: O Início – embora a acusação de simplismo e de preconceito com o rural seja discutível – mostrando o cidadão do campo como superior ao urbano, e ainda guarda para seus momentos finais uma intervenção inesperada, que faz com que tudo que foi visto até aquele momento, pudesse ser apenas um despiste. A virada do roteiro é digna dos clássicos de Ed Wood, tão cretina que soa engraçada, como aliás é toda a tônica do longa,

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Crítica | Zumbilândia: Atire Duas Vezes

18 de outubro de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

abigail breslin, emma stone, jesse eisenberg, Ruben Fleischer, Woody Harrelson, Zoey Deutch, Zumbilândia

Dez anos atrás em 2009 estreava o surpreendente sucesso Zumbilândia, comédia rasgada e de humor negro que reciclava o exploitation recente de zumbis. O filme de Ruben Fleischer foi bem recebido e acabou ficando marcado por ter um elenco afiado e que faria muito sucesso, ao menos no caso de três de seus quatro protagonistas. Depois de uma série que não passou de um piloto malfadado, finalmente o diretor de Venom retorna, para apresentar Zumbilândia Atire Duas Vezes, reforçando uma das regras estabelecidas por seu protagonistas, Columbus de Jesse Eisenberg.

O quarteto está em crise. Wichita (Emma Stone) não quer desenvolver uma relação duradoura em meio a um mundo pós apocalíptico, Little Rock (Abigail Breslin) quer conhecer novas pessoas e encontrar um par e Talhahese (Woody Harrelson) tem um complexo paterno estranho em relação a LR, agindo como um pai super protetor e sufocante.

É bem positivo que o roteiro sinalize que nem tudo está igual, ainda que as evoluções de drama dos personagens não escondam a reciclagem de conceitos. Columbus continua muito inseguro, as duas irmãs vivem fugindo e o homem de meia idade age como se estivesse sozinho, com dificuldades de socializar. Não há nada muito novo, mesmo os personagens novos são bem protocolares, exceção claro de Madison, uma bela menina vivida por Zoey Deutch que é bastante futil e burra, desafiando a ideia de que é preciso ser esperto para sobreviver.

Há de destacar que os zumbis evoluíram, e ganharam novas classificações da parte dos heróis, e isso conversa diretamente com os últimos volumes da quadrilogia de George A. Romero, em especial Dia dos Mortos e Terra dos Mortos. Há muitos momentos inspirados em matéria de “videoclipe”, como quando toca Master Of Puppets do Metallica, com cenas de violência em Slow Motion. Outros bons momentos incluem Columbus lendo as revistas de Robert Kirkman, The Walking Dead, e achando elas irreais demais. As alfinetadas em outros produtos de zumbis são bem encaixadas, assim como as brincadeiras com os doppelgangers dos personagens originais e a chacota com pacifistas e Justice Warriors.

Em determinado ponto o longa se torna um road movie que visa a direção de uma adolescente confusa. A abordagem em cima das mudanças típicas da puberdade é apresentada de maneira bem engraçada.

Há algumas coisas bem incomodas, como o fato das regras que Columbus estabeleceu pularem na tela de forma engraçadinha o tempo todo, fazendo lembrar os piores momentos do programa CQC, além é claro das referencias no final, com direito a Deus Ex Machina e desfecho típico de telenovela das sete, mas Zumbilândia: Atire Duas Vezes exagera o que deu certo no primeiro tomo, de maneira tão acertada que maximiza todas as boas sensações, com direito a uma cena pós crédito incrivelmente engraçada e esperada por quem curtiu o primeiro filme.

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Crítica | Jesus de Nazaré: O Filho de Deus

11 de maio de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Filmes Bíblicos, Jesus, Júlian Gil, Rafa Lara, Sergio Marone

Lançado na época dos feriados pascais a fim de angariar algum público durante as folgas religiosas, Jesus de Nazaré: O Filho de Deus é um filme espanhol, dirigido por Rafa Lara, que diz começar pelo ano um depois de Cristo, embora a gênese de sua história seja no ano da morte do Cristo. O primeiro cenário é um castelo, que tem uma legenda bem grande afirmando ser o Palácio de Caifás, um dos líderes religiosos judaicos, descrito no filme como servo do governo romano, ajudando o domínio europeu que é erguido com mão de ferro.

O primeiro dos aspectos discutíveis do filme é uma narração bastante intrusiva, que dita todas as emoções que o espectador vai sentir, sem permitir que o público tire suas próprias conclusões, pouco importando se atuações, roteiro e atmosfera do filme. A questão é que ao se assistir um pouco do desempenho dos atores, entende-se a escolha por esse artifício, já que o desempenho do elenco não funciona bem, talvez por conta do roteiro confuso, com passagens de tempo muito mal encaixadas, fortalecendo um formato de narrativa por contos.

Outra questão complicada é a atmosfera, que é pouco ou nada criada aqui. As locações, em meio ao deserto servem bem aos subúrbios das cidades de Israel ou aos lugares em que Jesus pratica seus bons atos, mas em alguns dos seus milagres ou no momento próximo de sua crucificação se nota as dificuldades orçamentárias. Na multiplicação de pães e peixes, o Jesus de Júlian Gil põe um pano sobre a cesta de alimentos, depois a levanta, e se percebe um corte mal feito, gritante quando se trata de um filme para o cinema, e na via crúcis, momento emocionante, se nota que os capacetes dos soldados foram totalmente improvisados. Há peças de igrejas católico-evangélicas que fazem isso melhor.

Gil não parece ser um mal ator, mas seu Jesus é sem carisma e sem beleza, não acompanha o visual histórico correto e nem consegue ser uma versão mais eurocentrista, como em Jesus de Nazaré, de Franco Zefirelli, ou Paixão de Cristo, de Mel Gibson. Pior, na cena em que se exige dele, em um momento de ira ao se deparar com o consumismo que tomou o templo de Deus, o ator sequer consegue parecer irritado ou ameaçador, e para piorar, a câmera ainda passeia pelo cenário, e tenta pegar ângulos mais alternativos, numa tentativa de direção moderna, mas que simplesmente não funciona.

Nenhum dos apóstolos se destaca, nem Pedro ou Judas. Há uma tentativa de dar importância aos papéis de Caifás e João Batista, mas eles também não sobressaem, nem mesmo Sergio Marone, ator brasileiro que interpreta Pôncio Pilatos consegue ter algum destaque – curiosamente, a cena mais simbólica e emblemática ao se lavar as mãos é feita no escuro, em secreto, longe dos olhos do povo e do espectador.

A maioria dos diálogos é artificial, com frases de efeitos que sequer combinam com uma adaptação bíblica, assim como os momentos que deveriam ocorrer ações sobrenaturais. O encontro de Moisés, Elias e Jesus parece tirado de um episódio barato de The Walking Dead (vazio de qualidade visual) e o diabo é claramente uma cópia do que Gibson já havia feito em Paixão de Cristo. Da parte narrativa, Jesus induz o traidor a escolher o caminho do mal.

Jesus de Nazaré: O Filho de Deus é um filme complicado, caça-níquel que não consegue ter pompa sequer para ser um bom filme religioso. Em seu começo a narração irrita, mas fato é que sem ela, talvez boa parte de sua trama não fosse entendida, e a escolha pela não linearidade se mostrou uma saída tola, tão fraca quanto o restante do filme.

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Winterfell: Protocolos de Gelo e Fogo – Análise e Teorias sobre Game of Thrones

15 de abril de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Emilia Clarke, Game of Thrones, Game of Thrones 8ª Temporada, GOT, Isaac Hempstead Wright, John Bradley, Kit Harington, Lena Headey, Nikolaj Coster-Waldau, Pilou Asbaek

Game of Thrones finalmente voltou, e com ela, a expectativa de como o Inverno chegará ao continente, os personagens usam roupas ainda mais reforçadas para o frio, e o primeiro episódio da oitava temporada tem o sugestivo nome de Winterfell. Pois bem, apenas a longa espera após Game of Thrones – 7ª Temporada, terminada por sua vez em Agosto de 2017, o resultado é um bocado óbvio, avançando bem pouco em relação ao que é visto em The Dragon and The Wolf, ultimo episodio do sétimo ano, ou seja quase nada se acrescenta dentro do que é considerado canônico no seriado/saga.

Muito se reclamou do autor George R. R. Martin, que não entregou os livros dentro do prazo que se esperava, ou ao menos a tempo de terminar a série com o material original já concluído. Quando a HBO começou a adaptar a literatura, haviam quatro livros, e durante o decorrer dela foi publicado o quinto. Deste a quinta temporada, as histórias são praticamente inéditas visto que já haviam coberto a maioria esmagadora do conteúdo escrito por Martin, acredita-se (sem comprovações oficiais, diga-se) que há consultoria do autor nesses eventos, com Martin dando dicas aos roteiristas do que aconteceria. Mas a realidade é que, apesar do escritor demorar bastante para entregar seus capítulos, o programa da HBO pouco avança, dando pouca vazão inclusive para as teorias que fãs tipicamente fazem após ver os episódios. Nos primeiros anos por exemplo, morrem muitos personagens importantes, mas de 2015 para cá poucos morrem, exceto vilões, como Ramsay Bolton, ou um ou outro vassalo carismático.

Talvez a maior revelação acontece exatamente no final de 801 de GOT, quando Jaime Lannister (Nikolaj Coster-Waldau) encontra Bran Stark (Isaac Hempstead Wright), fato que não acontece basicamente desde o piloto, quando o guerreiro responsável pela morte do “Rei Louco”, por amor, se livra da presença do menino logo após ser flagrado transando com sua irmã, Cersei (Lena Headey), jogando o rapaz pela janela para a morte, fato que obviamente não acontece. No entanto, essa é a única menção real a estranha união entre o Sul dos Lannister e o Norte que seria atacado em breve pelo exercito do Rei da Noite. Ora, não se sabe sequer se há ressentimento ali entre os dois, isso pode ou não ser explorado em GOT 8.02 mas não há garantia de nada, afinal esse capítulo apesar de ter muito reencontros, se restringe a reuniões mega óbvias. Aqui não se resolve nem a possível rivalidade entre os dois personagens, nem se dá vazão para que o espadachim maneta perceba o quanto cresceu o antigo menino, e o quão poderoso e estratégico para a tal guerra ele se tornou.

Ao invés de explorar por exemplo a questão que envolve o exercito do Sul ir ou não ao Norte combater os caminhantes brancos, o roteiro de Dave Hill resolve amarrar pontas soltas fúteis, como a união tão esperada pelos fãs virjões, entre Jon Snow (Kit Harrington) e Daenerys Targaryen (Emilia Clarke), relação essa que é morna, chata, e de interessante, só faz refletir sobre os Targaryen serem uma família incestuosa, uma vez que é difícil manter aquele cabelo branco por outras gerações – Aegon por exemplo, herdou as cores de cabelo de sua mãe, uma Stark – ainda que os dois apaixonados que ficam trocando gracejos típicos dos romances em folhetim das revistas Sabrina e Super Julia não saibam que são tia e sobrinho. A HBO rende-se a mania de shippar casais, tal qual a CW adora fazer em Arrow ou Flash, dali realmente se espera, até pelo tom juvenil dessas, aqui não.

Uma das poucas coisas positivas nesse capitulo, é a reunião do que restou dos Starks, exército esse que tem tendência a crescer, independente até de conseguir mais alistados. A verdade revelada a Jon Snow sobre sua origem e parentesco é feita sim, por seu fiel escudeiro, Sam (John Bradley), mas carece de emoção ou dramaticidade. Soa como um artifício obrigatório e sem necessidade de ocorrer de forma tão tacanha e previsível, isso faz perder bastante do impacto que era esperado.

Talvez o único ponto fora da curva,plantado nesse episódio, seja o fruto da relação de Cersei e Euron Greyjoy (Pilou Asbæk), afinal, ela poderá dizer que o filho que espera é dele, e não do irmão, fato esse que obviamente não seria inédito, e que casaria com uma profecia dos livros, de que seria o destino de Jaime ser o King Slayer, para muito além de ter assassinado o Rei Louco, até por conta de uma conhecida teoria de que seria ele o responsável por acabar com o sangrento mandato de sua irmã / amante, já que ela claramente é insana e não abraça a causa continental contra o Rei da Noite. Natural que seu irmão tente repetir seu ciclo de regicídio, dadas as circunstâncias.

No entanto, ao invés de desenvolver isto, se escolhe dar vazão a romances, e a piadas de casal, como foi feito em outra serie nerd, como em The Walking Dead, onde mais se vibrou com a relação de Rick e Michonne ao invés de refletir sobre a condição humana em um ambiente pós apocaliptico. Aqui também, o inverno e os inimigos dos homens se aproximam, mas sempre há vazão para uma relação de amor e para comunicados com zero surpresas. Dito isto, é impressionante com Jon se preocupa mais que a honra do finado Ned Stark, que não lhe contou a verdade por conta de ter perdido a cabeça, e sempre o protegeu, diante da enormidade de situações estranhas que lhe ocorreram, com ele ressuscitando, ser descendente legítimo de duas grandes famílias é tranquilo, o que não é tranquilo é a Khaleesi falar para ele “esquentar a rainha”, aos olhos de dois dragões ciumentos…isso é difícil engolir, mas ainda há o que teorizar nos próximos seis capítulos (assim esperamos).

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Review | Titãs – 1ª Temporada

2 de janeiro de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Akiva Goldsman, Alan Ritchson, Anna Diop, Brenton Thwaites, Geoff Johns, Greg Berlanti, Teagan Croft

Titans inaugurou o serviço de streaming da Warner como uma novidade em matéria de conteúdo original. O trio de produtores Geoff Johns (escritor de quadrinhos e envolvido com Richard Donner na produção de Superman O Filme), Greg Berlanti e Akiva Goldsman (dono do roteiro de pérolas como a franquia Transformers e Torre Negra) resolveu trazer a luz uma versão sombria dos Jovens Titãs, onde Dick Grayson (Brenton Thwaites) evita agir como Robin, já que agora é um policial de Detroit, que basicamente encontra a jovem perturbada Rachel Roth (Teagan Croft), que é a contra parte de Ravena, e logo depois encontra também a prostituta alienígena Koriand’r (Anna Diop), que é a Estelar, e também Garfield Longa (Ryan Potter), o Mutano.

Nós já analisamos o piloto da série, e Titans prosseguiu sendo exibida, mostrando a inteiração do grupo de pessoas super poderosas ainda que claramente eles não sejam exatamente um grupo como nas historias clássicas de Marv Wolfman e George Perez, talvez o motivo disso seja exatamente fortificar a ideia de que essa uma serie de conteúdo adulto, mas a vagarosidade dela em reunir os personagens faz tudo ficar enfadonho.

No segundo episodio são introduzidos Rapina e Columba, feitos por Minka Kelly e Alan Ritchson, que nessa versão são namorados, e tem as identidades civis de Dawn Granger e Hank Hall. Aqui se percebe que Grayson e Granger já se envolveram emocionalmente no passado, e as cenas em flashback são usadas bastante, de uma maneira até exagerada. Ao menos, já no começo se percebe que por mais que o antigo Robin tenha deixado de lado seu mentor, sua mentalidade é parecida com a do Morcego, pois ele também acolhe uma criança em apuros, mostrando uma senso de paternidade muito forte.

A parte adulta da série, que mereceu elogios no piloto e que parecia ser uma boa e nova exploração de paradigma novo vai aos poucos se perdendo. Estelar encontra Ravena basicamente por que são ambas excluídas, e isso faz sentido, mas a sensação de pertencimento que os personagens tinham em outras encarnações inexiste aqui, eles tem em comum a rejeição, mas são unidos por isso. Talvez o ideal fosse que o grupo já estivesse estabelecido, afinal os fatos poderiam desenvolver melhor e de forma menos lenta.

O desenrolar da trama é meio mecânico, os encontros não parecem acontecerem por mero acaso e se realmente a ideia era deixar um clima de destino conspirando pela união, deveria ser mais explicito o texto de Akiva Goldman. O que o produtor acertou em não se envolver com os produtos spin offs de Transformers – Bumblebee foi muito bem sem ele – não acontece aqui.

Os demônios que atormentam Rachel não assustam, a serie ao tentar ser hiper madura soa apenas cafona e desequilibrada. No entanto, há alguns pequenos acertos, como o episodio com a Patrulha do Destino, que apesar de ser meio como um filler, é absolutamente divertido, seu problema na verdade é o modo como termina, de maneira brusca a apressada.

Ao menos em uma coisa o publico nerd mais chato e conservador estava errado, o visual e poderes de Estelar não comprometem em nada, são bem utilizados até, assim como a transformação de Mutano em tigre. Não se sabe se o alienígena pode se transformar em outros animais e ao menos nessa temporada ele só vira o felino, graças claro a um orçamento de TV, que é reduzido, mesmo que essa seja bem cara. A grande questão é o tom mesmo, por mais que em boa parte dos momentos de interação do personagens hajam eventos e situações interessantes e bem filmadas, não há muita justificativa para uma abordagem tão obscura e com tendências adultas, tampouco há como explorar boa parte dos poderes dos heróis, claramente esse era um projeto para ser feito no cinema, com orçamento mais pomposo e robusto, onde Garfield poderia se transformar em outros animais e ser totalmente verde, onde Estelar poderia ter as cores laranja o tempo inteiro e onde Ravena poderia liberar seus demônios quando precisasse de fato, contra inimigos que não fossem necessariamente os seus parentes, em mais um evento genérico envolvendo daddy issues.

Há algumas apelações meio desnecessárias, cenas de sexo genéricas, unicamente propostas porque pretende-se atingir um público mais velho, mas em alguns pontos o seriado tenta lidar com outras formas de discutir ciclos, como quando é introduzido Jason Todd (Curra Walters) e há uma relação de mentor e pupilo entre o antigo garoto prodígio e o atual, embora Dick não tenha aposentado seu manto. A rejeição do Morcego nem é um assunto muito discutido, e sim o legado de um sidekick, Thwaites consegue surpreender com uma atuação sóbria e austera, de um homem que quer demonstrar que superou o vigilantismo – afinal virou detetive – mas que se vê tendo sua vocação reavivada com união que faz aos Titãs, ainda com o grupo em formação.

Incrivelmente Akiva Goldsman introduz bons conceitos, como essa relação de Todd e Grayson, e a Patrulha do Destino (que obviamente está lá só para fazer propaganda da futura série) mas também é incrível como falta foco narrativo a série, que varia entre a trama principal e investigação que Richard Grayson faz e esses capítulos stand alone, envolvendo Rapina e Columba, o segundo Robin e ate Donna Troy. Falta identidade a Titans, eles não sabem escolher nem entre ser uma série de conseqüências tradicionais e historia retilínea ou se é procedural.

A luta entre Donna Troy (Conor Leslie), a antiga Moça Maravilha e Estelar é muito bem coreografada, apesar de bastante curta. Donna tem uma maturidade que Grayson não tem, ela já entendeu que o vigilantismo não é um estilo de vida para ela, ao contrário do antigo pupilo do Batman, que já acha que não há mais como ser o Robin, mas também não consegue largar o manto. Nesses últimos episódios claramente se nota uma propensão a se tornar finalmente o Asa Noturna, mas se demora tanto em verbalizar quanto em ser colocado em prática.

Como era esperado, o ultimo episódio (11º) é chamado Dick Grayson, e começa alegre, em um dia ensolarado na California, com o personagem que dá nome ao capítulo relaxando, enquanto brinca com seu filho, Johnny. Fica claro em todo esse desenrolar que aquilo não corresponde a realidade, pois todo o status de comercial de margarina não combina em nada com as encarnações do Titãs, nem a vista em Titans. O começo da ruptura com a perfeição começa quando Jason Todd aparece na casa do antigo Robin, em uma cadeira de rodas, dizendo que seu mentor enlouqueceu.

Esse episodio é dirigido por Glen Winter e escrito por Richard Hatem, e a construção da tensão e do futuro alternativo de Dick não é ruim, enquanto ele se propõe a explorar os detalhes dessa versão alternativa há muitos acertos, talvez os mais meritosos de todo o programa, mas os momentos finais são tão apelativos e de certa forma covarde, que fazem lembrar os season finales de The Walking Dead, não pela temática, obviamente, e sim pelo adiamento da resolução do conflito, para algo que só estreará ano que vem.

É difícil avaliar o que Goldsman, Johns e Berlanti quiseram traduzir nesta primeira temporada de Titans, é tudo tão diferente iconograficamente de tudo que se conhece sobre Robin, Mutano, Estelar, Ravena, e até de Moça maravilha, Rapina e Columba e do grupo de heróis como um todo. Akiva foi um dos escritores de Batman e Robin, e retorna aqui para mais uma vez demonstrar que não entende muito como funciona a psique e comportamento do antigo garoto prodígio, e dessa vez nem com o auxilio de um roteirista experiente como Johns ele conseguiu criar algo nem ligeiramente semelhante (talvez Johns tenha aparado alguns excessos, vá saber), fato é que esta parece mais uma versão genérica, tirada de qualquer Revista Elseworld da DC, onde sequer a cena pós crédito envolvendo personagens do universo do Superman salva o programa da mediocridade. Espera-se que a segunda temporada corrija alguns equívocos, mas a vocação dos personagens certamente seguirá a mesma

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Crítica | Em Chamas

14 de dezembro de 2018 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

cinema coreano, cinema sul-coreano, Festival do Rio 2018, Steven Yeun

Em Chamas é um dos chamados filmes de reencontro, onde a tônica dos eventos gira em torno basicamente de retornar a memória dos personagens a um encontro com gente do passado dando vazão assim a novas experiências e sentimentos. A história conduzida por Lee Chang-dong mostra o entregador Jong-soo (Shin Hae-mi) em um dia de trabalho, quando encontra com Hae-mi (Jeon Jong-seo), uma antiga amiga que já foi bastante próxima, mas agora está a caminho do exterior.

Jong-soo se compromete a cuidar do animal de estimação da moça, um gato, e antes dela ir eles se envolvem sexualmente, e esse fato torna ainda mais estranhos os eventos que vêm a seguir. O modo que Lee escolhe dramatizar os eventos evidencia um cuidado enorme com os detalhes sentimentais, revelando as camadas mais complexas da história de maneira lenta, sem expor as intenções do roteiro logo de cara, até para fazer o espectador entender toda a atmosfera proposta e compreender que são e o que fazem os personagens ali, a duração de quase 150 minutos ajuda a massificar essa ideia.

Um novo elemento é posto na equação, um rapaz chamado Ben (Steven Yeun, o Glenn de The Walking Dead) um rapaz que ela conheceu na Africa, sujeito esse com manias e costumes incomuns, seu linguajar é diferenciado, ele chama seu próprio alimento de sacrifício, além de guardar consigo alguns artigos femininos, que não se sabe se são seus ou de outra pessoa. Jong começa a se aproximar dele, para entender o que passa ali, movido por algum sentimento ou sensação que não é em um primeiro momento revelado.

A obsessão do personagem principal extrapola (muitos) limites do aceitável, envolvendo perseguição e observação de todos os hábitos do sujeito, em uma paranoia digna dos filmes mais cínicos de Alfred Hitchcock, como Janela Indiscreta, embora a motivação desse personagem seja diferenciada em caráter da que James Stewart carrega, assim como os rumos que a trajetória de Jong toma.

A face benevolente de Ben é tão corretamente construída que mesmo quando ele aparentemente está movido por algum ato estranho ou que meramente pareça falso fica difícil julga-lo como se fosse um sujeito dissimulado. Ele é extremamente agregador, pacifista e afável, ao contrário do apressado Jong, que é inquieto e cheio de neuroses, sendo mostrado em mais de um momento correndo, esbaforido, normalmente na direção do nada, ainda que claramente ele tenha um objetivo em mente, embora nem ele saiba direito o que é e por isso essa sensação de nada e vazio.

Em Chamas é um filme de incertezas e de uma busca não planejada por identidade, onde a sensação de pertencimento a algo impera sobre as ações dos humanos vistos em tela, manipulando estes para cumprirem seus destinos, mesmo que essa manipulação e controle seja inconsciente e a subserviência dos mesmos também não seja escolha dos próprios.

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Resenha | Batman Nº 1 (Abril Jovem – 3ª série)

13 de maio de 2018 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Batman, DC Comics, Editora Abril Jovem, Jim Aparo, john byrne

As dinâmicas diferentes entre o mercado americano de quadrinhos em comparação ao brasileiro inviabilizam certas opções editoriais. Salvo exceções pontuais como algumas edições da Image na época da Abril e, recentemente, The Walking Dead republicado pela HQM em edições únicas, nossas revistas sempre se formaram pelos mixes. Ainda hoje, o custo-benefício de um mix permite a leitura de mais de uma revista a um preço ainda atrativo. Se há pontos positivos como o preço, há arbitrariedades negativas que sempre incomodaram os leitores como a escolha dos títulos bem como uma arbitrariedade para publicação de novas revistas.

Ainda hoje, a Panini Comics compõe suas revistas mensais – tanto mix quanto as revistas lançadas no mês – de uma maneira difícil de compreender, para dizer o mínimo. Muitas vezes, certos títulos se iniciam em algum mix e depois de alguns arcos ganham revistas próprias (dois exemplos, um de cada casa: Deadpool da Nova Marvel, lançado inicialmente em X-Men Extra, antes de ganhar revista própria, e Esquadrão Suicida dos Novos 52, lançado primeiro em uma edição conjunta com a Aves de Rapina, depois em três encadernados solo, em seguida para a revista do Arqueiro Verde, finalizando suas edições em uma revista própria, ufa.).

A prática, porém, não é somente da atual editora. Desde a Abril, a escolha de novas edições e novos números fundamentavam pontos de partida ao leitor, sempre promovendo novas revistas com o atrativo nº1 na capa. A 3ª série de Batman lançada a partir de 1990 pela editora representa esta afirmação. A nova revista em um espantoso formato americano, foi arbitrariamente lançada sem nenhuma mudança editorial vinda de fora. Observando com distanciamento, a primeira edição de Batman apresentava o que hoje a Panini segue tanto em formato quanto em número de páginas. (Desde o Renascimento, as edições mensais tem saído com 50 páginas, com duas histórias por mês. A exceção é o tipo de papel atual em couchê ou alguma variação brilhante).

A primeira edição da nova revista apresenta uma boa fase do Morcego reunindo um time de ouro: John Byrne e Jim Aparo compondo uma aventura em três partes intitulada As Muitas Mortes de Batman. Se hoje o processo de fortificação do personagem o faz um humano quase perfeito (um contrassenso que os leitores não ligam porque, afinal, trata-se do Batman), é interessante observar uma abordagem mais leve, tanto na narrativa que não abusa do fator-morcego como nos traços ainda sem uso excessivo de cores pretas e sombreamentos.

A trama se inicia com uma possível morte de Batman. Uma cena do crime em que o morcego é encontrado crucificado. Aos poucos, percebe-se que há um assassino na cidade que traveste seus mortos com o uniforme do herói. Byrne mostra sua excelência narrativa ao compor um primeiro ato sem nenhuma fala. Apenas desenvolvendo as cenas para que Aparo desenhe com a qualidade costumeira. Assim, o primeiro ato marca a urgência da morte do Morcego, bem como mostra a reação dos personagens queridos do público a essa notícia. O herói só aparece de fato na trama na segunda parte.

Seguindo uma estrutura narrativa tradicional dos quadrinhos com um narrador em terceira pessoa desenvolvendo o enfoque da trama – um resquício literário presente na nona arte – se debruçar sobre histórias antigas sempre evocam as comparações sobre as diferentes formas de se compor uma HQ e, ainda assim, produzir uma trama eficiente. Se hoje há um excesso de sagas e prolongamentos desnecessários, com histórias normalmente com 4 a 6 partes no mínimo, é sempre positivo observar como, ainda que seja uma frase exageradamente batida, o menos é mais. Em somente três partes, a dupla cria uma boa trama investigativa, explora os conceitos tradicionais da personagem e ainda não se prolonga além do necessário, resultando em uma história robusta que se não tem certa visão cerebral como se tem dos quadrinhos atuais, é divertida ao extremo.

Review | Arrow – 5ª Temporada

Após uma boa temporada de estreia (Arrow – 1ª Temporada), uma ótima segunda temporada, seguida por um dos maiores fiascos da história do Canal CW, a quarta temporada de Arrow precisou provar que a série ainda merecia seu lugar no canal para manter o já estabelecido arrowverse. Com muita dificuldade, a temporada que começou fraquíssima se reergueu firmando a série, livrando-a de um possível cancelamento. Parte disso se deu por algumas cobranças da estrela da série, o ator e intérprete de Oliver Queen/Arqueiro Verde, Stephen Amell, que tem uma ligação direta com os fãs. A cobrança de Amell deu resultado e Arrow ganhou um bom respiro em sua quinta temporada, se tornando a melhor temporada desde a segunda aventura do Arqueiro Verde nas telas da TV.

Após a morte de Laurel Lance/Canário (Katie Cassidy) e após Thea/Speedy (Willa Holland) e John Diggle/Espartano (David Ramsey) aposentarem seus uniformes (mas ainda sendo personagens principais), o Arqueiro Verde busca recrutar novos heróis para dar continuidade ao legado de Lance e é assim que passa a trabalhar com Rene Ramirez, o Cão Raivoso (Rick Gonzalez), que há tempos vinha sendo um vigilante em Star City, Evelyn Sharp, a Artemis (Madison McLaughlin) e um velho conhecido dos fãs e da série, o cientista Curtis Holt, que assume o nome de Sr. Incrível (Echo Kellum), que junto de Felicity Smoak (Emily Bett Rickards), agora estabilizada como a Observadora, divide o núcleo cômico da série. Enquanto Oliver Queen não veste o capuz do Arqueiro Verde, ele é o prefeito da cidade, sendo o ex-capitão de polícia, Quentin Lance (Paul Blackthorne) seu vice prefeito, enquanto Thea vira sua assessora e Diggle retoma à sua função original de segurança de Oliver. Junta também ao elenco o novo e ótimo promotor da cidade, Adrian Chase (Josh Segarra), que na primeira metade da temporada parecia mais ser um Christian Bale genérico do que qualquer coisa, mas que depois, se mostrou um ótimo personagem, inclusive quando se tratava de entraves políticos/jurídicos que foram constantes nessa temporada.

A quinta temporada de Arrow teve como premissa aparição do perigoso e violento Tobias Church, vivido por Chad L. Coleman, o Tyrese de The Walking Dead e logo de início, o team Arrow passa a ter sérios problemas com Church, principalmente porque a equipe é completamente desengonçada e não sabe trabalhar unida, o que acaba trazendo sérios problemas a Oliver, que passa a ter um temperamento extremamente explosivo, inclusive, dando surras severas nos membros do time durante os treinamentos. Logo sabemos que Church é apenas uma pequena peça de um quebra cabeça muito maior, cuja peça principal é o vilão Prometheus, um rival que possui habilidades idênticas ou até melhores que o próprio Arqueiro Verde e a caçada ao vilão foi um dos pontos altos dessa temporada. O problema ficou por conta da revelação de sua identidade, já que mais uma vez os produtores resolveram esconder a informação, assim como fizeram sobre a revelação de quem havia morrido na temporada passada, contudo, as coisas ficaram melhores após o vilão parar de usar uma máscara. Acontece que, mesmo após usarem um artifício chato, desta vez houve um motivo plausível.

Algo que surpreendeu nessa temporada foi o enredo dos tradicionais flashbacks da série, que mostram a jornada de Oliver Queen desde que se tornou um náufrago até seu retorno para a casa, cinco anos depois. Como esta foi a quinta temporada, os flashbacks convergiram com os acontecimentos dos primeiros episódios da série. Aqui, Oliver busca cumprir a promessa feita à Taiana na temporada anterior: matar Konstantin Kovar, vivido por Dolph Lundgren que faz um líder da máfia e do crime organizado russo e que gosta de ir para a porrada. Para combater Kovar, Oliver se alia a um velho conhecido, Anatoly Kniazev (David Nykl) e finalmente podemos ver respondidas várias perguntas sobre a estreita relação do herói com os russos e com a organização chamada Bratva, algo que já foi mostrado por diversas vezes ao longo desses cinco anos.

Outro ponto positivo dessa temporada foi que todos os personagens secundários tiveram suas respectivas tramas paralelas, mesmo que elas não tenham contribuído com o desenrolar da trama principal, o que passa despercebido por terem sido muito bem encaixadas. Os destaques ficam para a história de Rene, que teve um episódio próprio e o porquê dele ter se tornado o Cão Raivoso e sua estrita relação quase paterna dele com Quentin Lance, haja vista que, quem acompanha o seriado sabe que, assim como Rene, Lance viveu um inferno em sua vida. Também teve destaque a história da ex-policial Dinah Drake (Juliana Harkavy), que foi afetada pela explosão do colisor de partículas de Harrison Wells na primeira temporada de Flash, enquanto fazia uma investigação com seu parceiro que faleceu no acidente. Dinah é a primeira meta humana a integrar o elenco de Arrow, se não considerarmos as várias participações dos personagens de Flash já feitas até então. Os poderes de Drake são exatamente os mesmos da vilã Sereia Negra, a Laurel Lance (também, Katie Cassidy) da Terra 2 e que também passou a integrar o elenco na temporada. Por enquanto só fica a pergunta: teria Dinah Drake alguma relação de parentesco com Tim Drake?

Como já é costume, logo no início da temporada tivemos o episódio que adaptou a saga Invasão, da DC Comics, que fez parte do já tradicional mega crossover da CW, que juntou, desta vez, o elenco de Flash, Supergirl, Arrow e Legends of Tomorrow. Confira todos os detalhes desse encontro clicando aqui.

Assim, como na terceira temporada de Flash, houve uma diminuição considerável dos episódios chamados de monstros da semana, que foram incluídos dentro da história principal, fazendo com que o episódio seguinte sempre complementasse o anterior, seguindo assim, praticamente, do início ao fim da temporada. Mas apesar de toda a trama envolvendo Prometheus, os jogos políticos que Oliver precisou enfrentar na prefeitura, as tramas paralelas de todos os personagens que integraram o elenco, ainda sobrou espaço para que os produtores colocassem um novo e sanguinário vigilante diversas vezes em cena, muitas vezes combatendo os heróis que são totalmente contra à maneira de agir do cara. A propósito, sua identidade ainda permanece um mistério.

Com essa quinta temporada, Arrow conseguiu o respiro que precisava, se firmando, novamente, como a principal série de seu universo dentro da CW e se firmando de vez como uma série auto suficiente, sendo que sua sexta temporada parece ser muito promissora e provavelmente manterá o mesmo nível da temporada que passou. É muito provável que seja renovada para uma sétima temporada e por que não, uma oitava.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

Review | Star Trek Discovery – 1ª Temporada (Parte 1)

21 de novembro de 2017 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Akiva Goldsman, Alex Kurtzman, Bryan Fuller, Doug Jones, Jason Isaacs, jornada nas estrelas, michelle yeoh, Sonequa Martin-Green, star trek, star trek discovery

Cercada de muitas expectativas, Star Trek – Discovery finalmente estreou mundialmente em setembro via streaming , começando por uma entrada animada belíssima, que viaja pelo espaço até a discussão de uma horda de klingons, evidenciando um dos temas polêmicos pregressos a essa série, que seria a aparência dessa raça alienígena. Além dos aspectos visuais não incomodarem – diferente do que é normalmente visto em Jornada nas Estrelas, sobretudo a série Clássica – claramente há um enfoque diferenciado nos primeiros episódios dessa nova fase, além de uma preocupação legítima em parecer atrativa aos olhos das novas plateias, levando em conta todo o grafismo estabelecido no início da parte da saga da Kelvin Timeline, iniciada em Star Trek de J.J. Abrams.

Assinada em criação por Alex Kurtzman, Akiva Goldsman e Bryan Fuller(que não é mais um dos showrunners), os eventos se passam após a série Enterprise, e anteriormente a Série Clássica (aproximadamente dez anos, ao menos no prelúdio) fato que faz ser curiosa a tecnologia e visual, como ironicamente ocorreu com a saga cujos fãs mantém uma certa rivalidade com Trekkers, em especial no advento do Star Wars Episódio 1 – A Ameaça Fantasma, capitaneado por George Lucas.

A nave que batiza a série não é mostrada de início, e sim a Uss Shenzhou, que é comandada pela Capitã Phillippa Georgiou (Michelle Yeoh) e tem como imediato (ou número um) Michael Burnham , cuja interprete Sonequa Martin-Green saiu recentemente de The Walking Dead. A primeira inteiração entre as duas é na superfície de um planeta arenoso, que faz lembrar demais a introdução de Além da Escuridão, também em um ambiente diferenciado.

Apesar de lançados no mesmo dia, os dois primeiros episódios The Vulcan Hello e Battle at The Binary Stars servem para introduzir a personagem principal e outros integrantes da Discovery que viria, entre eles, o alienígena kalpien Saru, executado por Doug Jones, o mesmo que trabalha com Guillermo Del Toro frequentemente, em Hellboy, O Labirinto de Fauno e A Forma da Água, por exemplo. Sua compleição é o de ser fruto de uma raça que é normalmente predada, e ele age sempre com cautela e receio, inclusive externalizando seus medos através de guelras que surgem em seus pescoços, quando está perto de um perigo iminente. Já no início se estabelece uma dicotomia entre ele e Michael, que é uma personagem impulsiva, apesar de sua criação vulcana e da proximidade com seu pai adotivo, Sarek (James Frain), que já foi apresentado antes na franquia.

Os nervosismos e tensões ocorridas com os klingons nesse grande episódio piloto se explica entre outras coisas pelo passado de Michael, que perdeu seu pais através de um ataque desse vilões. A partir dali ela foi obrigada a deixar de lado sua humanidade, por ser criada em um ambiente onde se reprime as emoções, em Vulcano. Além dos confrontos entre naves grandiosos em comparação com quase todos os outros produtos da marca Jornada nas Estrelas, há um prevalecimento de uma paranoia traumática, que começa com Michael tentando tomar o controle da Shenzoou a fim de atacar os seus inimigos tradicionais e termina com um confronto inevitável entre o Império Klingon e a Federação. O fim desse arco é trágico…

Grande parte do corpo de fãs trekkers chiou bastante com as mudanças, entre elas a compleição dos klingons, a camuflagem das naves adversárias e os hologramas utilizados para comunicação interna. De fato, cada uma dessas características realmente saltam aos olhos dos que estudam o canône de Star Trek, em especial a linha do Universo Prime (que é a linha do tempo das séries clássicas), no entanto se apegar a isso é uma prática sobretudo fútil, há mais mistérios e posturas estranhas do que as simples corruptelas dos detalhes que só são caros aos fãs hardcore. Mais preocupante que isso certamente é a postura do Capitão Gabriel Lorca, vivido por Jason Isaacs, sob quem está a tutela da nave título do seriado. Ao ser remanejada, como prisioneira após os atos extremos que cometeu em Battle at The Binary Stars, Michael tem novos desafios, os de tentar se reabilitar diante da frota, de ter de lidar com antigos colegas que comandou, como Saru que agora é Comandante Oficial, além de ter que se submeter as ordens pouco ortodoxas de seu capitão.

A tripulação da Discovery é diferenciada, mesmo em tempos de guerra, onde se há um maior estresse e conflitos frequentes, há de se guardar alguma cordialidade e mínima diplomacia e o que se vê é uma tensão forte entre os tripulantes, com trocas de ofensas que pouco tem a ver com a utopia pregada por Gene Ronddenberry. Apesar de incomoda, há alguns fatos que atenuam tal situação, como a postura de Lorca como um sujeito indócil e pouco inspirador de confiança. Sua forma de comando é agressiva e nada acalentadora. Ele é grosso e completamente diferente dos outros capitães, inclusive de Archer (Scott Bakula) de Enterprise, que é o mais próximo do século atual, já que suas aventuras são no século XXII. Tal postura faz perguntar uma série de questionamentos, que por sua vez geram especulações entre os trekkers, de que possivelmente essa fosse uma série no Universo Espelho, dado o comportamento agressivo geral, ou a simples ligação deles com a vindoura Seção 31, que é uma divisão de assuntos secretos introduzida em Deep Space Nine.

Os episódios apesar de terem eventos procedurais – como os famosos casos da semana – são caracterizados por ter uma narrativa contínua, onde os eventos dos capítulos anteriores tem muita influência sobre o que ocorre posteriormente. A questão ética envolvendo o uso da critatura que Michael começa a chamar de Tardígrado é muito bem vinda, em especial por mostrar as inconsequências de Lorca, como chefe de equipe e claro, todas as questões morais que cercam o usufruir das capacidades de um ser que mesmo com uma atitude selvagem e bárbara pode ser inteligente, como se prova com o tempo.

Em Choose your Pain, Lorca se vê em situação de prisioneiro, onde se depara com dois personagens enigmáticos, sendo o primeiro Ash Tayler (Shazad Latig), um sujeito preso no cárcere dos klingons, que depois é admitido entre a equipe da Discovery e claro, Harry Mudd (Rain Wilson), que já havia sido mostrado em Mudd’s Women e I, Mudd da série Classica. Essa versão é bastante diferente do visto no capitulo antigo. Claramente há uma tentativa de tornar Discovery na série mais pessimista dentro do canône, e em se tratando de uma época bélica, mais próxima da realidade do século XXI, natural que assim o seja

O arquétipo de Burnham envolve dois personagens anteriores, primeiro Worf, o klingon interpretado por Michael Dorn, em TNG e DS9 que foi adotado por humanos, e Tom Paris (Robert Duncan McNeill), de Voyager, que é um sujeito párea, um criminoso em reabilitação que embarca na nave que acabou por se perder, comandada pela capitã Janeway (Kate Mulgrew). Ainda assim, o comportamento guarda características únicas, que normalmente a aproximam do ideal vulcano, tão intensa em si que ela tem uma ligação de alma com Sarek,

O fato de fazer um diário de bordo faz Michael usar uma narração em off um pouco didática, mas é uma boa lembrança em Magic to make the sanest man go mad, que é um dos poucos momentos procedurais até então. Apesar de pouco compor a história geral, esse certamente é o mais rico e divertido capítulo até aqui, por resgatar a ideia jocosa original de Mudd, por brincar de maneira criativa com um clichê do gênero sci-fi e também por mostrar um lado curioso do engenheiro Paul Stamets (Anthony Rapp), que se mostra um personagem rico e envolvido com quase todas as sub-tramas importantes da temporada, uma vez que é ele quem tem contato direto com os esporos que permitem viajar no tempo e que terão sua razão e funcionamento melhor explorados na segunda parte dessa temporada, além de ser um personagem de personalidade dura, mas com um coração sensível. Já o momento seguinte foi complicado, em Si Vis Pacem Para Bellum, com uma sequência que conseguiu reunir todos os defeitos na confecção de Saru em um só episódio, piorando-os ainda mais, seja com as motivações torpes e ilógicas dele, ou com o CGI mal encaixado e artificial.

Talvez a problemática mais discutível em qualidade desse primeiro momento em Discovery passe pelo uso dos klingons como antagonistas, não por eles serem factualmente os adversários, poderiam ser romulanos, andorianos, vulcanos, tanto faz, mas sim porque é um clichê tremendo dentro da franquia usá-los como contraponto, e também porque a serie anterior Enterprise mostra que não há tensões tão grandes entre a federação e esse povo. Além disso, as maquiagens dos personagens foram tão mal pensadas que alguns dos klingons que aparecem recorrentemente nem parecem que são os mesmo, a exemplo de L’rell (Mary Chieffo), que só se nota quem é graças as manchas de seu rosto.

Ao menos, Into the Fores I Go consegue equilibrar bem os elementos bons de Discovery até aqui, que é o nervosismo comum diante de uma situação de guerra contra um adversário desconhecido, além da paranoia de Michael sendo justificada para um momento que lembra demais o comentário visto no piloto dividido em duas partes, onde se relembra o pecado da antiga imediata da Sheenzu, dessa vez com a oportunidade de se fazer um acordo mais amistoso com os seus adversários tradicionais.

A discussão travada entre Burnham e Kol (Keneth Mitchell) tem algumas camadas, inclusive na simples questão do tradutor universal, que para a humana é a mostra da tentativa pacifica e estabelecer diálogo e para o general é apenas mais uma tática para fazer o seu povo perder sua identidade. Até mesmo o a briga entre os dois personagens é surpreendentemente condizente com a realidade estabelecida para os klingons nas outras series do que tudo o que foi visto até então no que toca esta espécie em Discovery. A honra e o caráter klingon sempre passou pelo desempenho dos seus no campo de batalha e nada mais justo do que haver um confrontamento nesses moldes, para provar que alguém tem valor, a questão é que não há qualquer mínima chance de redenção ou de acordo amistoso, ao menos não nesse período, ainda há de se explorar bastante o tema, infelizmente.

De qualquer forma, o potencial de desastre que rondou Star Trek – Discovery ainda não se justificou de fato. Como dito antes, romper com o canône não é exclusividade da serie de Goldsman e Kurtzman, tampouco a má recepção por parte dos fãs mais xiitas, basta ver o como grande parte dos trekkies viram Jornada nas Estrelas a Nova Geração. Ainda que tardiamente, o senso de aventura escapista e utópica foi resgatada, mesmo com tantas corruptelas, que em parte, são explicadas por serem esses tempos mais difíceis e menos maniqueístas. Questões éticas como saltos no tempo, uso franco de habilidades da tripulação para se favorecer em um momento de confronto são tratadas de forma parecida com o que faziam Brannon Braga e Rick Berman.

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Crítica | Um Cadáver para Sobreviver

13 de abril de 2017 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Daniel Radcliffe, Paul Dano, Zumbis

Comédias do absurdo são tão antigas quanto andar pra frente, ou para as gerações mais novas, tão ancestrais quanto a fama de Daniel Radcliffe como Harry Potter. Na esteira de seu rosto universalmente reconhecido, e não menos apático por isso, o que combina com seu personagem literalmente já falecido do filme em questão, vem Paul Dano, que explodiu como o adolescente rebelde e indignado de Pequena Miss Sunhine, o mais adorável dos road-movies americano estilo família.

É claro que Dano tem mais carisma que o bruxinho, que fez sua carreira apoiado no carisma de Radcliffe (ou seria o contrário?) e nas possibilidades do amado personagem, e é mais claro ainda o quanto Um Cadáver para Sobreviver tenta equilibrar 1) o potencial de seus dois atores principais em cena, e 2) o frenesi de sua trama naturalmente desequilibrada diante do real e do racional, numa história que, de nonsense e escrachada, sem limites quanto ao delírio, se equipara a qualquer clássico com Leslie Nielsen – ou a qualquer passagem surrealista de Kafka, mas com muito mais senso de ridículo e astúcia que as comédias pastelão com Adam Sandler e cia, com nada a oferecer senão ofensas a sanidade humana. Esquece-se que o absurdo não precisa ofender, então, muito pelo contrário.

Resta ao filme apostar suas fichas ao humor impactante de situações inacreditáveis, relegando ao jovem Hank (Dano) a única opção de escapar de uma ilha, aonde, por alguma razão, foi parar, apostando na flatulência de um corpo-humano à beira-mar para escapar da prisão natural e sobreviver. Com sérios problemas intestinais e parecendo um zumbi desidratado, afinal o corpo muda abruptamente durante o óbito (como se o filme precisasse ser realista depois de uma cena dessas…), o cadáver peida mais que um corpo humanamente poderia aguentar; tanto, que na ausência de responsabilidades realistas (ou morais), Hank monta nas costas desse morto muito louco e bye-bye aos arquipélagos. Simples assim. Dai em diante, o que esperar senão o tudo? Felizmente, Um Cadáver para Sobreviver (entendeu o título agora?) tem tantos momentos inspirados que fica difícil não se converter a histeria proposta. O inacreditável, tal a sagacidade inesperada da obra, esbarra até na piada de que um homem pode morrer, mas seu pênis não, e após essa (hilária) cena entre os dois protagonistas e uma foto sedutora, no meio da floresta, a história rasteja tímida e vacilante para o romantismo e o senso de amizade que também podem resistir num corpo flácido e em processo de putrefação.

Uma podridão que, aparente e subitamente, seria só externa.

Um filme que nos vence pela criatividade e a coragem dos seus produtores. É indiscutível, também, o quanto Radcliffe está inspirado, transparecendo seu esforço narrativo de atuação debaixo de uma maquiagem que o faz lembrar uma das criaturas de The Walking Dead, só que com mais apatia e olhos mais bonitos. Também não deixa de saltar aos olhos o uso modesto, como tudo nesse filme, dos signos semióticos que o Cinema do Absurdo precisa se apoiar e aludir ao extremo, como os elementos de O Lobo de Wall Street (dinheiro, bolsa de valores, luxo, prostitutas, drogas…) ou o japonês Hausu (o espírito, o sangue, a casa mal-assombrada, o grito…). É como se o mestre David Lynch quisesse enfiar o pé na jaca e dirigir uma comédia romântica pra molecada, só que sem uma grande textura atmosférica, ou sequer uma notável consistência dramática por ser este um filme que nunca precisou ser cinemão de verdade, nunca comprometeu-se com reflexões atmosféricas sobre vida, ou arte, mas contagia e entretém de forma indiscutível por suas questões idealistas, suas imagens fantásticas, seu gosto de fábula na tela, sempre bom, e pela graça que pode ser extraída de situações divertidas e inimagináveis. Fail.

Review | Santa Clarita Diet – 1ª Temporada

2 de março de 2017 by Vortex Cultural

Reviews, Séries

Comédia, Drew Barrymore, Netflix, Zumbis

A quesito de comparação, e isto num nível bastante pessoal, assistir a primeira temporada de Santa Clarita Diet, mais recente série original da Netflix, foi como reviver as reações que tive com As Panteras: Detonando, filme também estrelado por Drew Barrymore: há um descompromisso tão fiel com a ausência de “realismo” (ou se preferir, sem as aspas mesmo) e um apego tão carinhoso ao absurdo de nível cavalar, que já não seria surpresa encontrar quem condenasse a série justamente por buscar como identidade esses exageros.

Mais do que estar ali apenas para acentuar o nível da brincadeira, e no fundo não passa disso, o absurdo desmedido de Santa Clarita Diet está ali a serviço de um recorte satírico do American Way of Life e do próprio gênero tão banalizado que se tornaram as histórias de zumbis. É como se os irmãos Farrelly encontrassem O Albergue, de Eli Roth, em tempos da andança em círculos de The Walking Dead, Santa Clarita Diet chega como um refresco bem-vindo.

E na vontade de escrachar o que a abordagem oferecer pelo caminho, o próprio ponto de partida do seriado já brinca com a banalidade: Sheila (Barrymore) é uma corretora de imóveis da cidade Santa Clarita, que vive com seu marido Joel (Timothy Oliphant) e a filha Abby (Liv Hewson). Em uma de suas visitas a imóveis com clientes, Sheila simplesmente despeja litros de vômito verde e… morre. Mas ressuscita. E se torna uma espécie de morta-viva, que nesse retorno do mundo dos mortos, passa a ter a necessidade de unicamente se alimentar com carne humana! Agora a família precisa descobrir como se adaptar às necessidades de Sheila, ao tempo em que precisam lidar com a inconveniência de um certo vizinho.

Criada por Victor Fresco, o mesmo de Better Off Ted, Santa Clarita Diet busca ser, antes de uma comédia sanguinolenta e irreverente, uma brincadeira sensível sobre até onde uma família é capaz de ir para permanecer unida. Porque sim, é notável a preocupação do roteiro, ao longo de seus 10 episódios, em nos fazer criar um mínimo de empatia com Sheila e Joel (e nisso, o carisma e a química entre Barrymore e Olyphant é indispensável), e a partir desse entrosamento, extrair seu humor da quebra do cotidiano familiar através da súbita presença do gore.

Aliás, o próprio exagero do gore é o que parece ter afastado alguns espectadores de apreciar o espetáculo de humor da série. Sheila aparece comendo pés, braços, bate vários dedos dentro de um liquidificador para fazer uma vitamina, devora troncos inteiros… Enquanto que para uns este exagero proposital (pois sim, não há como não ser) revira o estômago e lhes serve como motivo para recusar o humor, para outros a série pode ser uma comédia de humor negro das mais divertidas, insanas e abusadas, e tudo isso regado por uma vibe de leveza e ingenuidade que seguram com firmeza o seriado no terreno das produções inofensivas, mesmo com algumas polêmicas envolvendo até o próprio marketing da série.

E com seus míseros 30 minutos por episódio, ela sabe como se auxiliar dessa metragem para ir se revelando de forma empolgante, ser inteligente dentro do que lhe cabe ser e usar e abusar da dinâmica entre Barrymore e Olyphant, visivelmente envolvidos na brincadeira e divertindo-se em cena e, consequentemente, gerando risadas genuínas no público sem muito esforço. Há apenas uma queda ligeira lá pelos episódios finais, quando o roteiro fecha algumas pontas de forma abrupta e que pareciam prometer mais do que ofereceram, além de um desfecho que serve mais como anti-clímax do que uma forma de nos manter curiosos pelo que virá na próxima temporada.

Se compreendida pela forma com que lhe é cabível, Santa Clarita Diet pode ser uma diversão descompromissada das mais competentes, bem-humoradas, e considerando as limitações, até mesmo subversiva. É ponto para a Netflix.

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Texto de autoria de Rafael W. Oliveira.

https://www.youtube.com/watch?v=qobxBv9x3Qk

As Séries que Você não viu em 2016

18 de janeiro de 2017 by Vortex Cultural

Artigos, Séries

Big Little Lies, The OA

Tá cada vez mais difícil alocar mais um espaço na semana pra encaixar uma nova série pra ver. A quantidade de produções americanas e britânicas realmente dificultam o simples esboço mental do que querer ver simplesmente porque sai muita coisa, sem contar as tantas outras que acabamos nem ouvindo falar as vezes. Com o intuito de mostrar o que foi lançado ano passado e talvez você não tenha visto porque estava vendo Black Mirror, Westworld, Game of Thrones, Stranger Things, The Walking Dead, Vikings, The Flash, Arrow, The 100, entre tantas outras, segue aqui uma pequena lista de séries lançadas em 2016:

Channel Zero

Produzido pelo canal SyFy e concebido por Nick Antosca (roteirista do recente Floresta Maldita), Channel Zero é o resultado da internet imitando a vida e a série imitando a internet. A série tem como proposta uma antologia de curtas baseados em creepypastas como Candle Cove e a Casa Sem Fim disposta numa temporada curta de 6 episódios com segunda temporada já confirmada para esse ano.

Big Little Lies

Três mães com filhos no jardim de infância se tornam amigas, uma amizade que infelizmente vai acabar… em assassinato. Ok, essa série não saiu em 2016, mas deixou todos completamente na expectativa pois foi anunciada no inicio do ano e agora foi reagendada para o meio de fevereiro de 2017. Muitas das séries de prestígio da ultima década são protagonizadas por homens — Sopranos, Mad Men, Breaking Bad, The Wire — muitos desses mesmos shows prezam também pela presença de personagens femininas no elenco mas poderia Big Little Lies fazer o que a série True Detective fez com a carreira de Matthew McConaughey e Woody Harrelson a Nicole Kidman e Reese Witherspoon? O projeto inicial era adaptar o roteiro da autora australiana Liane Moriarty como um longa antes de mudarem o projeto para uma série da HBO. Jean-Marc Vallée (Clube de Compras Dallas, Livre) é o encarregado de dirigir todos os sete episódios, num ar de Cary Fukunaga. No elenco Alexander Skarsgard, Adam Scott, Laura Dern, James Tupper e Zoë Kravitz.

Designated Survivor

A nova produção da ABC traz Kiefer Sutherland como o astro nessa nova empreitada. Designated Survivor conta a história de Tom Kirkman, um funcionário do baixo escalão do gabinete do presidente que no mesmo dia em que foi demitido acaba se encontrando como o presidente dos EUA devido a um ataque terrorista que deixa pouquíssimos sobreviventes. Você ainda acompanha na trama toda a investigação por parte do FBI acerca do que aconteceu durante o ataque. É impressionante como a série consegue balancear as duas tramas paralelas, fazendo seu episódio piloto de uma hora parecer que se passou em 10 minutos. A série é escrita e produzida por David Guggenheim (Protegendo o Inimigo, O Resgate e Bad Boys 3) que já colaborou com Antoine Fuqua em projetos pra TV e Conta com um respaldo de filmes de ação e suspense no currículo.

https://www.youtube.com/watch?v=N_f1v0Nx5Sw

Billions

Essa inclusive já foi até citada anteriormente, mas imagine se O Lobo de Wall Street fosse misturado à A Grande Aposta num embate entre Paul Giamatti e Damien Lewis se confrontando indireta e diretamente num jogo de poder?

A série do canal Showtime conta com o roteiro de Andrew Ross Sorkin (Grande Demais Para Quebrar), que basicamente só escreveu roteiros focados em filmes falando sobre o mercado financeiro e junte tudo isso com o carisma dos dois astros da produção numa série pequena de 12 episódios, sem fillers, sem enrolação no roteiro.

The Girlfriend Experience

Que Steven Soderbergh não dorme desde a chegada do novo milênio todo mundo já sabe, mas imagina se duas discípulas de sua essência workaholic decidissem adaptar um de seus filmes para uma série de TV com ele mesmo como produtor? Na trama uma estudante de direito de Chicago faminta por dinheiro é introduzida ao mundo das acompanhantes de luxo. Produzida pelo canal Starz a diretora Lodge Kerrigan trabalha em conjunto com Amy Seimetz tanto no roteiro quanto em direção. A influência de Soderbergh se estende até no elenco da série, já que Riley Keough, que está em Magic Mike, está no papel principal da série. Além disso no elenco também temos Paul Sparks (Mickey Doyle, de Boardwalk Empire) e Mary-Lynn Rajskub.

Hap and Leonard

Junte um trapaceiro e um veterano da guerra do Vietnã pra resolverem crimes nos anos 80 no Texas e você tem uma das séries mais legais do ano. A sensação começa pelo próprio elenco com James Purefoy, que é basicamente o Thomas Jane inglês, que após o desastroso The Following ficou sem uma série para trabalhar. Produzida pela SundanceTV, Nick Damici e Jim Mickle foram contratados como co-roteiristas para adaptar o que era previamente um filme baseado num romance de Joe R. Lansdale e foi depois transformada numa série de 6 episódios. A série parece ter vindo em um momento mais que correto agora para preencher o coração brucutu das viúvas de Justified. Também no elenco Christina Hendricks, Bill Sage e Jimmi Simpson.

The OA

Essa certamente foi uma surpresa, saindo no último mês do ano, a série criada pela terceira colaboração de Brit Marling e Zal Batmanglij é um etéreo sci-fi indie de baixo orçamento. A Netflix por pouco não consegue essa série feita pela produtora de Brad Pitt, a Plan B. A trama é focada em Prairie Johnson, uma moça cega que está desaparecida por anos. Agora na casa dos 20 anos, ela retorna para sua cidade natal com sua vista parcialmente restaurada. Ainda que alguns membros da comunidade chamem de milagre, sua presença é considerada mal agouro e perigosa para as outras pessoas. Fora isso existe um mistério a mais com o fato de Prairie se recusar a contar à seus pais e ao FBI o que ocorreu com ela nesses 7 anos em que esteve desaparecida.

De tudo o que pode se dizer sobre The OA, é que você nunca vai esperar que uma dança experimental a lá Pina Bausch lhe diga alguma coisa, mas estranhamente diz.

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Texto de autoria de Halan Everson.

Crítica | Invasão Zumbi

26 de dezembro de 2016 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

cinema sul-coreano, filmes de zumbis

Fenômeno popular recente entre os cinéfilos e obviamente cercado de expectativas boas, Invasão Zumbi é um filme sul-coreano, comandado por Yeun Sang-Ho, diretor que tinha experiência anterior com animes em longa-metragem, como O Impostor e Rei dos Porcos. A primeira mostra da situação de calamidade do filme se dá quando um cervo é atropelado e largado no asfalto, levantando em seguida após a fuga do atropelador, já em um aspecto decrepito e mórbido.

O elo que liga o público ao drama retratado em tela está presente na relação de pai e filha entre Sok-woo (Gong Yo) e Soo-ahn (Kim Soo-Ahn), que estão em um trem que leva de Seul a cidade de Busan. Os parentes estão isolados do resto da civilização, e de dentro do transporte, se percebe que no lado externo há algo muito errado acontecendo, até que um dos tais contaminados tem sua transformação ocorrida com o trem em andamento, tornando aquele ambiente fechado um lugar propício para uma predação sem maiores resistências.

As primeiras transformações acontecem lentamente, enquanto as próximas ocorrem mais rápido, em uma perversão de conceito que exala entropia e demonstra o quão imprevisível é essa contaminação. Sang-Ho posiciona a câmera com maestria, estabelecendo uma aura de desconforto e claustrofobia imensa, que torna toda a situação em algo ainda mais urgente, especialmente se o espectador assiste na tela grande. O filme possui um ritmo frenético, quase não dando tempo ao público para se recompor entre uma sequência de ação e outra, pondo em perspectivas muito mais assustadoras do que outros produtos semelhantes, como Madrugada dos Mortos e Extermínio.

Até pela velocidade com que se estabelece o caos, não há muito tempo para mostrar o background dos sobreviventes, restando então o uso de arquétipos universais, que poderiam até soar rasos, não fosse a abordagem emotiva e realista escolhida pelo cineasta. O pouco do que se mostra em tela faz com que o espectador se importe de fato com o destino dos humanos que ainda vivem, fatores que se tornam ainda mais poderosos graças a trilha sonora forte e repleta de suspense.

O maior diferencial de Invasão Zumbi em comparação com os zumbiexploitation recentes é a urgência com que se trata toda a história e a busca por ainda subsistir. Em The Walking Dead perde-se um tempo considerável com romances bobos, rivalidades infantis e embromação. O texto que Yeon redigiu é certeiro, rápido e repleto de conflitos, que mostram a pior face do egoísmo humano sem necessitar apelar para saídas baratas de emoção. Não há invencionices em relação as situações de privação dentro dos vagões e o terror mais assustador do longa mora principalmente nas cenas onde as mortes não são explicitas, tendo uma harmonia enorme entre o fato de mostrar as dilacerações dos personagens via mortos vivos e a contemplação distante das pessoas perecendo, normalmente com uma janela de distancia entre um carro e outro.

As discussões morais e éticas não possuem a mesma força dos clássicos Despertar dos Mortos e A Noite dos Mortos Vivos, de George A. Romero, mas ainda levanta algumas questões éticas válidas, mesmo que se apele nos últimos momentos a velha questão do sacrifício pessoal para se consertar um caos familiar pregresso. O melodrama e os sonhos do personagem principal estabelecem um diálogo inteligente com O Dia dos Mortos, terceiro tomo da saga zombie de Romero, onde o homem em estágio zumbificado tem consciência de que precisa se afastar dos seus para que esses não sejam igualmente infectados, pondo em cheque até a questão de que não há volta para esse estado de morto vivo, ainda que não haja um diálogo realmente sério em relação a isso, já que o teor do filme é pragmático, e não esperançoso, fortificando a ideia de que Invasão Zumbi é mesmo uma pérola recente, em especial por seu ritmo forte e por saber usar bem até os clichês do gênero, principalmente nos ambientes extremos.

Crítica | Orgulho e Preconceito e Zumbis

3 de dezembro de 2016 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

george romero, Jane Austen, livro, Parodia, seth grahame-smith, The Walking Dead, Zumbis

Se o Orgulho e Preconceito de 2005 (filme de ‘inhos’: lindinho, certinho, e muito mais bobinho que o astuto livro de Jane Austen, mas acerta por não tentar ser o novo Barry Lyndon) aposta no poder do casamento entre palavra e visual clássicos e simbólicos, a soma de Austen, a escritora do belo romance de 1813, com The Walking Dead já avisa, tal em Sangue Negro, que a leveza dos campos ensolarados será inevitavelmente tingida de vermelho, cedo ou tarde*. O problema é que na sátira de 2016, sangue é jorrado tão vulgarmente quanto as influências de um dos filmes mais confusos do ano: Ao invés de se espelhar nos melhores exemplares de um sub-gênero que infecta tudo, hoje em dia, tal o ótimo A Noite dos Mortos Vivos, de 1968, deixa para se apoiar no grotesco e na banalidade da violência que a série da AMC tanto abusa, talvez para cativar um público que já não liga em assistir miolos e outras nojeiras explodindo. George Romero não queria isso, o rei dos zumbis não perderia seu valioso tempo com amálgamas que só tornam inferior seu legado de horror e terror artístico; qualidade essa que Orgulho e Preconceito e Zumbis, longa baseado na obra de humor de Seth Grahame-Smith, tenta bravamente ao menos cutucar, mas surpreende nem mesmo suas traças por não conseguir o mínimo alcance almejado.

*nota-se a observação, acima, pois o “cedo ou tarde” simplesmente não existe, ou seja não há nenhuma busca pelo refinamento de uma trama que dialoga com conceitos ancestrais pré-globalização (a valorização da linhagem familiar) e atuais (a banalização violenta da vida humana, com pais matando filhos e vice-versa nos noticiários). Logo no começo, sente-se o paradoxo que esse paralelo não pode funcionar, numa época que não combina com a violência inevitável em torno de uma pandemia contra cavalheiros, donzelas e suas relações quase virginais. Assim, inserir zumbis nessa fórmula mais do que clássica (e clichê, de tanto que foi repetida) não revitaliza nada, e ao invés de passar verniz em mobília velha, acaba invalidando qualquer intenção de paródia ou antítese ao material original. Não à toa, o filme demorou demais para ser produzido, já que os produtores previam o desastre que estava a caminho.

Não que o desastre profetizado (e ensaiado) de fato aconteça, posto que a diversão, pelo menos, é quase garantida para uma plateia que não se interessa no drama emocional de donzelas virgens assistindo o pôr-do-sol em pastos viçosos. Mesmo assim, tanto no belo filme de 2005 quanto neste, os discretos charmes e absurdos da burguesia sobrevivem, postulando uma seriedade que em Orgulho e Preconceito e Zumbis torna-se um tiro no pé para uma versão que tenta apostar na sátira, e é incapaz de fazê-la acontecer. Por exemplo: Se na história de origem, as cinco irmãs (a maioria insuportável) da família Bennet são cultivadas para se casar, unicamente, e assim viverem “felizes para sempre” com seus pretendentes, aqui elas vão à luta desde o começo, quase que perfeitas amazonas, matando seus mortos-vivos que, na melhor das hipóteses, podem representar suas gaiolas, seus donos e tradições crônicas que as enjaulavam, sob vestidos, silêncio e regras sociais britânicas ultra-rígidas. Metáfora bacana, mas super mal aproveitada.

Mesmo esse empoderamento feminino, aqui, é subvertido pela deselegância que a violência, não apenas traz, mas sobretudo do jeito que é mostrada e até celebrada, cuja importância vital para (o fiapo d)’a trama gira em torno de momentos constrangedores, como os conflitos amorosos (ninguém liga, cadê os zumbis?!), ou a teoria do livro do apocalipse, quando o filme tenta nos fazer entender os motivos de uma pandemia zumbi no século XIX (oi?), e francamente: Esclarecimentos num filme satírico colam tanto quanto o desempenho do elenco; Sam Riley como Mr. Darcy vai atualizar sua concepção de ‘ridículo’, no mesmo ano que tivemos o palhaço do Jared Leto. Entenda como quiser… Salpicado por poucos momentos de honestidade sobre o que a obra, realmente, poderia vir a ser (sob a tutela de uma visão e condução melhores), uma saudade certamente se acentua e cresce quando percebemos o peso do equívoco na tela: Planeta Terror, de Robert Rodrigues. Foco na premissa, foco na abordagem, e de repente a soma dá certo. Não é mágica, mas um filme bom faz parecer que é.

E dane-se a coerência do título com a obra, não é mesmo? O absurdo aqui não vem da situação, portanto, mas de como essa é desenvolvida, beirando o ofensivo; beirando a vergonha e a falta de bom-senso. E eu nem citei como tudo parece uma versão piorada dos terrores medievais do mestre Mario Bava… Mas, afinal, Orgulho e Preconceito e Zumbis é mais romance, mais drama ou terror estilo gore? Nenhuma das coisas, é lógico, e há até episódios superiores de The Walking Dead (da 1ª temporada, é lógico²). É, bem antes do final, uma reles salada mal-temperada de intenções irregulares que, inevitavelmente, só não irá direto para o inferno das paródias que saíram pela culatra de sua investida no Cinema, pois será alvejada no purgatório das ridicularizações de crítica e público, esse segundo cada vez mais atento e crítico, idem, já que aqui nem os figurinos deslumbram ninguém – o que é aquele tapa-olho na coitada da Lena Headey, diva de Game of Thrones? Conclusão: O preço do aluguel anda desumano.

Compre: Orgulho e Preconceito e Zumbis

TOP 10 | Diretores Pé Frio ou que acabaram na geladeira

13 de novembro de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Cinema

debra granik, frank darabont, josh trank, Julian Schnabel, marc foster, Richard Kelly, walter salles

Você provavelmente já ouviu antes o termo “na geladeira”. Se refere a diretores ou produtores que cairam num ostracismo coletivo na indústria do cinema. Geralmente eles também conseguiram trabalhos muito bem recebidos pela crítica mas que o público ignorou nas bilheterias, e as vezes até pior, desastres de público que os deixaram mal vistos pelos estúdios. E o mais frustante sobre diretores que acabam virando pé frios ou acabam na geladeira é que na maioria dos casos todos são realizadores muito mais talentosos do que a produção que acabou amaldiçoando suas carreiras. Estranhamente, existem também talentosos diretores que apesar da crítica conseguem com filmes pequenos de baixo orçamento marcar sua presença na indústria e quando conseguem um trabalho num grande estúdio parece que o talento desaparece.

O Diretor M. Night Shayamalan novamente retorna a direção com um thriller estrelando James McAvoy e esse foi o estopim para essa lista. Segue o Trailer de seu mais novo filme, The Split:

Então apesar dos pesares dessa indústria, segue a lista aqui a lista de diretores pé frio ou que entraram na geladeira.

1 – Todd Field

Maior Realização: Entre Quatro Paredes (2001)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Pecados Íntimos (2006)

O que aconteceu: Após um relativo sucesso como ator na Tv e no Cinema, ele conseguiu respaldo na cena como roteirista e diretor de Entre Quatro Paredes que conseguiu 5 indicações ao Oscar incluindo melhor filme. A bilheteria rendeu consideravelmente bem totalizando 42 milhões nos EUA, sendo uma produção de apenas $1.7. Field seguiu essa mesma pretensão em Pecados Íntimos, outra produção aclamada pela crítica que rendeu três indicações ao Oscar incluindo seu segundo em roteiro adaptado. Infelizmente esse último não rendeu um bom retorno para sua produtora, a New Line, conseguindo apenas 14 milhões, sendo que custou $26. Diretores muito piores já perderam muito mais dinheiro em Hollywood e já estavam com outro projeto logo em seguida para dirigir mas não foi o caso de Field, que passou os 10 anos seguintes procurando desenvolver seu próximo projeto, só que na televisão. O canal Showtime bancou a adaptação de 20 horas do romance Purity, de Jonathan Frazen estrelando Daniel Craig. Field está dirigindo pelo menos 2 episódios.

2 – Julian Schnabel

Maior Realização: O Escafandro e a Borboleta (2007)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Miral (2011)

O que aconteceu: Reconhecido como pintor, Schnabel fez três grandes filmes: Basquiat (1996), Antes do Anoitecer (2000) e o Escafandro e a Borboleta. Antes do Anoitecer foi um dos mais aclamados filmes daquele ano e concedeu a Javier Bardem sua primeira indicação ao Oscar. Escafandro conseguiu quatro indicações incluindo melhor diretor para Schnabel. O drama quase alcançou a premiação de melhor filme e mesmo assim quase que nem se pagou mesmo com os lucros de mídia física. Seu filme seguinte, Miral, não foi muito bem recebido e financeiramente foi pior ainda. Em teoria Schnabel pode estar pesquisando para seu próximo filme, mas ele também pode estar na geladeira do cinema por falta de financiamento pelos seus últimos dois trabalhos.

3 – Frank Darabont

Maior Realização: Sonho de Liberdade (1994)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Cine Majestic (2001)

O que aconteceu: A vida de Darabont em Hollywood vai piorando a cada filme que o diretor lançou. O outrora roteirista do Jovem Indiana Jones alavancou sua carreira como diretor em 1994 com o que hoje é indiscutivelmente considerado um clássico, Um Sonho de Liberdade. Na época o filme foi um grande sucesso, sua segunda produção, A Espera de um milagre, o colocou na lista” A” de diretores da época. Ele não foi apenas um sucesso de critica como de público ($286 milhões mundialmente) além de ter rendido quatro Oscars incluindo melhor filme.

Infelizmente, Darabont foi quase ridicularizado pelo seu projeto seguinte, Cine Majestic, com Jim Carrey e Laurie Holden. O Filme realmente não é bom, mas a péssima bilheteria foi motivo para colocar Darabont na geladeira. Na verdade, seu próximo filme foi lançado apenas 6 anos depois, novamente uma adaptação de Stephen King, O Nevoeiro, filme que o diretor já tinha interesse de produzir por décadas, com um orçamento ridiculamente pequeno em relação aos seus trabalhos anteriores. E felizmente, O Nevoeiro na verdade fez dinheiro, mas Darabont mesmo assim não saiu da geladeira. Seu próximo projeto foi The Walking Dead, que acabou com a emissora o demitindo durante a pré-produção da segunda temporada (e só fica pior quando você percebe que logo nesse ano a série se tornou a segunda série mais popular no mundo). Ele contribuiu para o roteiro de Godzilla, e largou alguns projetos como Código de Conduta e O Caçador e a Rainha do Gelo por divergências criativas.

4 – Tamara Jenkins

Maior Realização: A Família Savage (2007)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: A Família Savage (2007)

O que aconteceu: O que teria acontecido com Tamara Jenkins? A diretora/roteirista que tinha dois impressionantes filmes no currículo: O Outro Lado de Beverly Hills e A Família Savage. O ultimo conseguiu duas indicações ao Oscar incluindo melhor roteiro original para a própria Jenkins. Desde de então ele ficou fora dos holofotes. E não é como se ela tivesse saído de hollywood; Seu marido é Jim Taylor, produtor ganhador do Oscar (Sideways). Ela recentemente escreveu o roteiro do filme Juliet Naked, projeto feito com seu marido para Jesse Peretz dirigir. Mas o filme não parece estar nem em fase de produção. Considerando a falta de espaço de mulheres por trás das câmeras e o talento da diretora, não é ao menos curioso sua situação atual!?

5 – Debra Granik

Maior Realização: Inverno da Alma (2010)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Não é claro.

O que aconteceu: Assim como Jenkins é no minimo muito estranho que não tenhamos ouvido nada sobre Granik desde Inverno da Alma. A sensação do festival de Sundance que mostrou o rosto de Jennifer Lawrence pro mundo e entregou duas indicações para mulheres no Oscar daquele ano torna a história muito curiosa. Vale lembrar que o filme custou apenas 2 milhões, rendendo $13.7 e foi o longa responsável por colocar a distribuidora Roadside Attractions no mapa. Em 2014, Granik lançou seu documentário Stray Dogs e esta rodando mais um drama chamado My Abandonment que tem lançamento previsto para o próximo ano. Dito tudo isso, como ela não conseguiu mais atenção dos grandes estúdios? Em 2012 ela desenvolveu uma série piloto para HBO que não saiu do papel em 6 anos.

6 – Walter Salles

Maior Realização: Diários de Motocicleta (2004)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Na Estrada (2012)

O que aconteceu: Salles, que se tornou o proeminente diretor do conhecido mundialmente Central do Brasil (1998). Um incrível drama com a talentosa Fernanda Montenegro, foi indicado ao Oscar em melhor filme estrangeiro, além de ter rendido cinco milhões apenas nos EUA. Sua produção seguinte, Diarios de Motocicleta é talvez seu melhor longa e ganhou melhor canção original em 2005. Porém o problema de Salles com Hollywood começou com a refilmagem do horror japonês, Água Negra, estrelado por Jennifer Connelly. O filme teria caido na onda de refilmagens de terror asiático como O Chamado e O Grito. O filme não foi apenas ruim mas péssimo em bilheteria, não conseguindo nem pagar seus 30 milhões de orçamento. Salles não fez outro filme em inglês até a adaptação da obra máxima de Jack Kerouac, Na Estrada. Com um elenco estelar incluindo Kristen Stewart, Amy Adams, Viggo Mortensen, Kristen Dunst e Elisabeth Moss (Aquela que estava em Mad Men, uma das maiores produções de TV da década). Infelizmente o filme não foi um sucesso, dividindo a crítica e rendendo apenas 8 milhões de uma produção com custo em $25. Até esse ponto, Salles provavelmente vai precisar de mais um novo pequeno filme que vai tira-lo da geladeira novamente.

7 – Marc Foster

Maior Realização: Em Busca da Terra do Nunca (2004)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Quantum of Solace (2007), Redenção (2011), Guerra mundial Z (2013)

O que aconteceu: Diretor superestimado ou autor subestimado? Ou os dois? Essa é a maior questão nas discussões sobre a carreira desse diretor. Que entregou obras muito interessantes como Em Busca da Terra do Nunca e a Última Ceia mas também parecia muito fora da sua qualidade quando trabalhou em grandes franquias como 007 – Quantum of Solace (considerando também que o derrame do roteirista na época também não favoreceu em nada na produção) e Guerra Mundial Z (Um filme que foi um desastre homérico dentro dos bastidores e até hoje não é claro a quem culpar) Forster tentou voltar as suas rotas independentes com o lançamento desse ano All I See Is You, que foi premiado no festival de Toronto desse ano, mas também dividiu a crítica além de não ter conseguido um distribuidor oficial nos EUA. Existem incontaveis exemplos de diretores que assim que entraram num grande estúdio simplesmente não conseguem fazer nada dar certo. Infelizmente Foster aparentemente está nesse balaio.

8 – Josh Trank

Maior Realização: Poder Sem Limites (2012)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Quarteto Fantástico (2015)

O que aconteceu: O que dizer que já não foi dito ainda? Ele demonstrou um enorme talento no seu Found Footage, mas se tornou o motivo de tudo ter se tornado um desastre na refilmagem do reboot do Quarteto Fantástico. Pior ainda que isso, Trank se tornou persona non grata por seus tweets culpando os problemas da produção por interferência do próprio estúdio. Isso não vai queimar sua reputação em todos os estúdio de Hollywood, mas a situação parece mais feia quando ele recentemente foi descartado de um spin-of de Star Wars em pré produção meses antes do lançamento do filme do Quarteto. O Comportamento do diretor no set e 100 mil dólares numa casa alugada durante a produção do Quarteto Fantástico fizeram sua fama de diretor prepotente e completamente impaciente. Ninguém esta dizendo que ele não é talentoso, a questão é que mesmo que ele encontre novamente um produtor que banque um novo projeto, é dificil pensar o que pode vir após seu último trabalho. Apesar de que ele já tem um filme do Al Capone em produção com o nome de Tom Hardy confirmado.

9 – Richard Kelly

Maior Realização: Donnie Darko (2001)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Southland Tales (2006)

O que aconteceu: Richard E. Kelly é muito talentoso. Muitos cinéfilos estão convencidos disso. Mesmo que não tenha um segundo grande filme, Donnie Darko é um filme criticado e discutido até hoje pela sua incrível capacidade de instigar dúvidas a cada transição de capitulo. Fez a primeira grande interpretação de Jake Gyllenhaal. Seu próximo filme Southland Tales, foi um desastre de proporções épicas. Lucrando miseros $374,743 mil dólares nos EUA mas custou $17 milhões para ser feito. De alguma maneira Kelly conseguiu outra chance com a Warner para dirigir um longa baseado no curta de Richard Mattheson “Button, Button”, mais conhecido no Brasil como A Caixa. Esse foi tudo o que Southland não foi: Bem dirigido, bem atuado e intrigante. Os críticos apesar de tudo não viram isso e o longa nunca recuperou seus 30 milhões de produção. Além disso Kelly tem essa má sorte; Ele perdeu a chance de fazer seu filme Amicus, que o protagonista seria o já falecido James Gandolfini, e até então não escreveu ou dirigiu nada em sete anos.

10 – Mimi Leder

Maior Realização: Impacto Profundo (1998)

Filme que iniciou seus problemas na indústria: Corrente do Bem (2000)

O que aconteceu: Um dos mais claros exemplos da maneira como Hollywood trata suas diretoras mulheres é o caso de Mimi Leder. Ela fez seu nome primeramente dirigindo E.R, e ganhando um Emmy por essa direção. Após tal realização a pressão dos estúdios foi consideravelmente substancial: O Pacificador, com George Clooney e Nicole Kidman recebeu críticas sólidas e conseguiu de volta seus 50 milhões de dólares que gastou durante a produção. Depois disso a Paramount e DreamWorks a contrataram para dirigir Impacto Profundo, o filme em contrapartida ao anteriormente lançado Armageddon de Michael Bay. Infelizmente o filme não fez tanto sucesso quanto o já citado, mas conseguiu um retorno muito mais positvo em críticas e foi um Blockbuster de $348 milhões no mundo inteiro. A verdade é que Leder fez história sendo a primeira diretora mulher a realizar um legitimo Blockbuster de Hollywood. Depois disso a diretora trabalhou num pequeno projeto no ano 2000 com Kevin Spacey e Helen Hunt, Corrente do Bem. Infelizmente, o filme só conseguiu críticas negativas, mas recebeu retorno do público. Leder entrou na geladeira mas o seu Corrente do Bem conseguiu se pagar e render algum dinheiro numa produção de 40 milhões que rendeu 55. Hoje Leder voltou para a TV, trabalhando e tendo seu trabalho reconhecido dirigindo episódios de The West Wing e The Leftovers, e outras séries.

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O Guillermo Del Toro poderia ter entrado nessa lista, pelo menos pé frio ele é…

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Texto de autoria de Halan Everson.

Cinco personagens odiados de séries de TV

1 de novembro de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Séries

Game of Thrones, homeland, Mad Men, The Walking Dead

Nós sabemos que personagens de série na real são somente atores fingindo ser alguém, mas não significa que suas interpretações não possam despertar fortes emoções em quem assiste. Alguns personagens são adoráveis, enquanto outros fazem nosso sangue ferver.

Por que alguns personagens são mais odiados que outros? Pode ser porque a série tenha intensão de apresentar um personagem tão horrível que faça o público desejar sua queda, outras vezes pode ser que o personagem seja desenvolvido para ser simpático e amigável mas simplesmente não agrada o público. Veja alguns exemplos de personagens mais odiados das séries ultimamente. Cuidado spoilers à frente!

Negan – The Walking Dead

Não precisa nem dizer, se você ainda não assistiu ao primeiro episódio da 7ª temporada de The Walking Dead, você deverá assistir antes de ler esse artigo.

Para aqueles que já assistiram o episódio, você já sabe o porquê odiar Negan. Ele foi introduzido no final da 6ª temporada, carregando seu amado taco de baseball enrolado com arame chamado Lucille, e ameaçando os principais personagens de morte. Negan cumpriu sua ameaça e matou dois personagens queridos logo no primeiro episódio da 7ª temporada.

Enquanto outros personagens de The Walking Dead também fizeram atos horríveis, Negan se destaca por ficar claro que ele se diverte nas suas maldades. Ao cometer suas perversidades Negan aproveita pra tirar sarro e fazer piadas enquanto mata outros personagens.

Dana Brody – Homeland

Quando Homeland, uma série madura e inteligente estreou em Outubro de 2011, ela era focada em Nicholas Brody, um soldado americano que foi libertado pela Al Qaeda após passar anos sendo prisioneiro de guerra. Brody retorna para sua família, que inclui sua filha adolescente Dana. Ela era irritante na primeira temporada, mas ela ajudou Brody a se desenvolver como personagem principal, esse foi o preço a se pagar pela sua presença na série.

Com o passar da série, ao invés de focarem nos personagens principais, que fascinava os fãs com caçadas a células terroristas, a série passou a focar Dana e em seus problemas de adolescente e pior ela era uma adolescente insuportável, egoísta, sabe-tudo e que acha como funciona o mundo. Dana não é exatamente padrão de comportamento de todos os adolescentes, mas por que se importar tanto com ela quando temos na série uma agente da CIA bipolar e com problemas de relacionamentos com um homem que está envolvido com grupos terroristas?

Depois da 1ª temporada, Dana não adiciona nada a trama no geral, e ainda diminui o ritmo da série para um nível extremamente irritante.

Joffrey Baratheon – Game of Thrones

Adolescente pode ser bem irritante quando quer, mas Joffrey elevou o nível de irritação dos fãs ao máximo. Joffrey simplesmente conseguiu incorporar tudo de pior que um adolescente pode ter. Ele era de uma família nobre e usou sua posição na vida para ser um valentão sádico com aqueles que têm uma posição inferior a dele, simplesmente por que ele gosta de se sentir importante. Mas ao longo da série o jogo se virava contra Joffrey, ele agia covardemente. Ele era insuportavelmente presunçoso.

Pete Campbell – Mad Men

Não importa onde você trabalhou você provavelmente já cruzou com alguém como Pete Campell de Mad Men. Ele usa sua ambição como pele de cobra e se sentia no direito de ter tudo o que quisesse. Ele não se esforçava e ele não era melhor do que seus colegas de trabalho. Pete era egoísta, ambicioso e ele não tinha problemas de passar por cima dos outros para conseguir atingir seu objetivo. Ambição é aceitável, mas você pressionar alguém para ganho pessoal não é característica que é normal.

Ramsay Bolton – Game of Thrones

Um torturador sádico, estuprador e assassino em massa, Ramsey é essencialmente um serial killer em uma posição de poder feudal que comanda um exército, ou seja, o pior tipo de serial killer que você pode imaginar. Vindo de uma longa tradição de esfolar seus inimigos vivos, ele esfola seus inimigos até desmaiarem com a perda de sangue ou até morte.

Um selvagem, Ramsey brutaliza outros para sua própria diversão, olhos de louco sempre esperando uma oportunidade de humilhar ou mutilar qualquer um que atravessa seu caminho, ou qualquer um que olhe para ele atravessado.

E aí o que você achou do top 5 dos mais odiados das séries? Faltou alguém nessa lista? Deixe seu comentário.

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Texto de autoria de Tiago Cesar.

Crítica | Satânico

31 de outubro de 2016 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Os cinemas comerciais pelo mundo tem sido invadidos por uma nova onda de terror, que se vale dos mesmo clichês e estereótipos típicos dos anos noventa mas que tem por novidade a completa falta de carisma de absolutamente todos os personagens. Esse fenômeno ganhou muita força na década passada, com inúmeros filmes de qualidade sofrível que mais pareciam produzidos para tv do que para o formato em tela grande. Satânico bebe um pouco dessa fonte, piorado pelo fato de a direção ser de Jeffrey G. Hunt, mais conhecido por realizar séries como Vampire Diaries, os spin offs de CSI, Dark Blue e a famigerada Gotham.

A sinopse não poderia ser mais batida, são quatro jovens viajando para um lugar distante e que resolvem parar em Los Angeles para visitar locais onde ocorreram crimes hediondos. A partir daí eles encontram algumas pessoas que soam esquisitas aos olhares do grupinho, basicamente por essas possuírem um modo de vestir e viver diferente do deles. Depois de fazer referências diretas a filmes de qualidade discutível, como Ouija, A Face do Mal e Atividade Paranormal e claro, The Walking Dead uma vez que este é um filme dos mesmos produtores, a narrativa passa a investigar de maneira bastante preconceituosa os hábitos das pessoas, notam um ritual de sacrifício que remete aos tempos medievais, distantes demais dos tempos atuais.

O problema não seria maior caso essa ação de preconceito fosse só dos personagens, a questão e que o roteiro de Anthony Jaswinski (Águas Rasas e O Mistério da Rua 7) também julga essas pessoas como entes errados. O quadro muda ligeiramente quanto o quarteto resgata a prisioneira Alice, vivida pela bela Sophie Dalah. Seu papel até inicia bem, mostrando ser uma pessoa traumatizada e marcada por um mal inexplicável, mas logo as boas ideias de desconstrução de sexplotation são deixadas de lado, para dar vazão a mais um produto genérico.

Há algumas cenas interessantes na questão do gore. O filme varia entre a total falta de pudor em mostrar sangue e em fazer apologia ao ocultismo, mas isso é apenas um ensaio de uma mudança de patamar. Nos minutos finais o que ocorre é uma perseguição aos protagonistas sem qualquer culpa ou motivo aparente para que isso tudo ocorra. Não há explicação tampouco aura de mistério que faça valer o silêncio a respeito das mortes e da tal criatura que assombra os jovens.

As regras estabelecidas em Satânico não fazem sentido nem dentro dos clichês do gênero. A fotografia do filme é até em interessante, em face de toda a mediocridade que habita o filme, mas ainda assim é muito pouco, não salvando por exemplos os crassos erros de continuísmo. Não há quase nada durante os 84 minutos de exibição, exceção a exposição dos corpos sarados dos participantes do elenco, constituindo neste mais uma tentativa de esconder a pobreza de seu texto.

15 Séries Imperdíveis de Todos os Tempos

17 de agosto de 2016 by Vortex Cultural

Artigos, Séries

breaking bad, community, familia soprano, Mad Men, Seinfeld, Sherlock, six feet under, sopranos, The IT Crowd, the wire

Em tempos de jornalismo de listinha, aí vai uma lista das minhas séries que, além de grande qualidade estética e/ou narrativa, trouxeram grande contribuição para a qualidade na TV. Também coloquei menções honrosas, desonrosas e aquelas sem muita importância, sempre de séries que acompanhei. Para esta lista excluí algumas séries mais famosas e já debatidas em demasiado, que apesar de terem sido influentes, sofreram problemas graves de produção que afetaram sua qualidade, como Arquivo X ou Twin Peaks.

1. The Wire

A considerada “série das séries” realista da forma mais ficcional possível. Ou ficcional da forma mais realista possível. O tráfico de drogas. Tensões raciais. O crime. A polícia e todo o caldo cultural americano envolvido em uma narrativa simples, direta, crua e não perfeita, mas sempre honesta.

2. The Sopranos

A máfia ítalo-americana de Nova Jersey em sua forma mais crua. Com personagens densos e com dilemas sempre interessantes, mesmo os mais simples até os mais esdrúxulos, nunca menospreza o espectador. É O Poderoso Chefão sem glamour, mas com toda sua força narrativa, que também apesar de simples, não perde em nada por isso.

3. Six Feet Under (A Sete Palmos)

Uma família normal do subúrbio da Califórnia, a não ser pelo fato de serem extremamente disfuncionais e serem donos de uma agencia funerária. O humor negro, as alucinações narrativas e os personagens mais inconsequentes possíveis fazem qualquer pessoa se apaixonar pela série. Se você não gostou é porque não estava no momento certo. Veja de novo.

4. Seinfeld

A sitcom das sitcoms. Larry David e Jerry Seinfeld mudaram a TV quando trouxeram para ela esse formato repaginado da comédia sobre situações mundanas e da relação entre quatro amigos problemáticos e com personalidades diferentes, mas que se complementavam. A ajuda de roteiristas malucos também fez a diferença. Inimaginável a TV sem eles, pois daí surgiu a fórmula que deu origem a Friends e todas as outras sitcoms da atualidade.

5. Community

Um grupo de estudantes de uma universidade comunitária nos EUA seria algo super normal, não fosse o local mais estranho e que juntasse as pessoas mais desajustadas da sociedade no mesmo lugar. Utilizando de referências a cultura pop mas sem se apoiar exclusivamente nela, Community oferece uma comédia de alto nível raramente visto na TV. Por causa de problemas de produção algumas temporadas foram ruins, mas seu legado permanece.

6. The IT Crowd

O humor britânico em sua forma. Misturando situações esdrúxulas, tirando sarro de estereótipos de técnicos de TI e de todo o mundo corporativo, essa curta série britânica tem o maior índice de momentos memoráveis por episódios que já vi. São quatro temporadas de seis episódios. Curta demais para algo tão bom.

7. Mad Men

Uma das melhores produções da TV. Mad Men retrata o mundo corporativo da publicidade do auge do american way of life nos EUA, e retrata cruelmente não só o mundo dos negócios, mas também a sociedade da época sem fazer concessões.

8. Louie

Louis CK aqui deixa de lado seu humor mais escrachado e se volta a uma dramédia com toques surreais e situações inusitadas que divertem ao mesmo tempo que fazem o espectador se questionar porque está rindo daquilo. Também uma das melhores coisas em exibição hoje na TV.

9. American Dad

Ao estilo Family Guy, mas mais ácida, mais maluca e mais criativa, American Dad satiriza o estilo de vida americano de forma mais contundente e engraçada do que o principal produto de seu criador. Mesmo com vários problemas de produção, ainda se mantém como uma das melhores animações da TV.

10. Archer

Uma comédia adulta, só que nem tanto. Ao retratar como seria uma agencia de espionagem conduzida por pessoas com todos os distúrbios sociais e psicológicos possíveis, o resultado não poderia ser outro. É algo como uma mistura de Family Guy com 007, só que melhor que ambos.

11. Band of Brothers

Uma das primeiras séries que vi, e uma das primeiras produções fechadas da HBO, que ainda não sabia estar produzindo a chamada “Era de Ouro” da TV. Uma série sobre um destacamento de soldados americanos na 2ª guerra, ao melhor estilo O Resgate do Soldado Ryan.

12. Sherlock

O maior detetive de todos os tempos, mas modernizado. E feito por ingleses, garantindo uma atmosfera típica que só eles conseguem criar. Casos mirabolantes e cada vez mais inverossímeis não importam. A leveza com que os atores interpretam os excelentes roteiros e a química entre todos faz essa uma das melhores séries do gênero. FUJA da versão americana Elementary

13. Wallander

Livros policiais são moda na Suécia faz tempo, mas a série Wallander, também britânica, traz o veterano ator Kenneth Branagh como o também policial sueco Kurt Wallander, que além de resolver crimes com um faro policial aguçado, mas sem malabarismos, precisa cuidar dos problemas particulares com seus pais, filha e sempre na corda bamba para não ser vítima do próprio comportamento. Excelente para quem curte um bom drama policial.

14. Rectify

Daniel Holden fica preso numa solitária por 15 anos por um crime que não cometeu. É solto por evidencias de DNA e precisa reaprender a conviver em sociedade, mas em uma pequena cidade no interior dos EUA que ainda acha que ele cometeu o crime. Também um excelente drama.

15. Breaking Bad

Ok, essa todo mundo viu e nem precisaria falar, mas apesar de todos os problemas narrativos e atalhos preguiçosos, a jornada de Walter White se mostra muito interessante (menos por ele, uma cópia mal feita de Tony Soprano) especialmente por conta de outros personagens como Mike, Saul e outros. Porém, o ponto positivo ainda é a espetacular cinematografia, que ajudava a contar visualmente uma história.

Menções Honrosas

– Sons of Anarchy (história cafona, mas com personagens interessantes, vale a pena);
– Homeland (interessante história sobre terrorismo mas que as vezes se perde);
– Episodes (Muito boa série de comédia sobre bastidores de uma…série de comédia);
– Treme (do mesmo autor de The Wire, os mesmos elementos, mas dessa vez lidando com Nova Orleans pós-Katrina);
– The Knick (A NY do início do século XX é palco dessa série sobre médicos tentando expandir as fronteiras da cirurgia enquanto lidam com os mais diversos problemas e barreiras. Muito bem contextualizada social e culturalmente);
– True Detective 1ª temporada (Excelente série policial sobre um culto no sul dos EUA, com um grande destaque para a atmosfera e música americanas da região. Não veja a 2ª);
– Fargo (Baseada no filme dos irmãos Coen, adotando o formato de antologia, possui uma 1ª temporada Ok e uma 2ª excelente);
– Flight of the Conchords (como seria se os hipsters fossem engraçados ou interessantes como pensam que são);
– Séries da Marvel na Netflix (Demolidor e Jessica Jones são boas, mas não perfeitas. Problemas especialmente na narrativa. Mas Luke Cage eu nem vi e já gostei);
– House of Cards (apesar de cansativa, é um interessante debate sobre bastidores da política institucional);
– Mr. Robot (interessante história sobre hackers e cyber ativismo no século XXI, mas o lado pessoal da trama deixa a desejar);
– Black Mirror (Antologia britânica de minicontos de ficção científica com debates muito interessantes sob os mais variados temas);
– Friends (Praticamente a primeira sitcom que veio na esteira do sucesso de Seinfeld, trouxe um humor mais diluído e açucarado, mas a boa química entre os atores e algumas temporadas de nível acima de média – especialmente a 4ª e a 5ª – garante uma boa diversão, mesmo que no final a série perca muito o fôlego).

MENÇÕES “MEH”

– House M.D. (8 temporadas, OITO, da mesma coisa);
– Californication (7 temporadas, SETE, da mesma coisa);
– Game of Thrones (ok gente, 1ª temporada excelente, mas depois foi só ladeira abaixo, vamos agilizar esse novelão aí. Já, já encontra The Walking Dead na falta de coragem);
– Hannibal (Um clima muito bom, as vezes diálogos interessantes, mas derrapam demais na enrolação e condução da história);
– The Killing (Um clima muito bom, as vezes diálogos interessantes, mas derrapam demais na enrolação e condução da história);
– The Mentalist (Um protagonista interessante, mas só. Faltou desenvolver o lado crítico que começou forte contra os charlatães. A obsessão e consequente resolução desastrosa do vilão principal deixou muito a desejar);
– Boardwalk Empire (De uma 1ª temporada excelente a episódios cada vez mais comuns e uma trama mais diluída em conflitos menores e desinteressantes);
– Agents of Shield. (é tão ok que nem tem muito o que dizer. Não vale a pena nem para se manter por dentro do Marvel Cinematic Universe. Veja só caso não tenha absolutamente nada a ver. Ou caso goste do Phil Coulson e do ator que o interpreta);
– Narcos (era para todo mundo gostar, mas é um discurso sobre drogas tão raso, com vários elementos requentados de Tropa de Elite que… Veja The Wire. É melhor :P);
– Supernatural (Apesar de algumas temporadas muito boas no começo, a série definitivamente abandonou qualquer ambição em meados de sua 6ª temporada, onde os irmãos Winchester se viram morrendo, ressuscitando, visitando o céu, o inferno e no meio de um conflito celestial. Se mantém no ar pela grande audiência, mantida por um público cativo, especialmente de adolescentes).

Menções Desonrosas feat NÃO VEJA ou PARE DE VER

– The Big Bang Theory (Dez anos de atores repetindo falas, bordões e comportamentos são legais apenas porque fazem referencia a quadrinhos? Zorra Total é mais eficiente que isso);
– The Walking Dead (George Romero já disse que a série é ruim. E é. Drama arrastado, com personagens chatos, e que se baseia apenas em cliffhangers para manter a audiência. Desonesta e mal produzida até o osso);
– Lost (Um dos começos mais promissores com um dos piores finais que já foram exibidos na TV. Não perca seu tempo);
– Dexter (Um dos começos mais promissores com um dos piores finais que já foram exibidos na TV. Não perca seu tempo)²;
– Séries de heróis da DC. Não veja.

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Texto de autoria de Fábio Z. Candioto.

Resenha | iZombie: Morri Para o Mundo – Volume 1

29 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Chris Roberson, cw, DC Comics, Michael Allred, Vertigo, Zumbis

Lançado em 2010 a 2012 no selo Vertigo, iZombie foi lançado no país em quatro edições encadernadas pela Panini Comics, atendendo a uma demanda de leitores que pediam novas publicações do selo concomitantemente ao relançamento de histórias clássicas e aclamadas pelo público. Criada por Chris Roberson e Michael Alfred, a HQ chega em sintonia com a série lançada pela CW.

Ainda que identificados em diversas culturas como parte de seu universo mítico, os zumbis se tornaram representantes do panteão de monstros lendários, sendo a visão de George Romero e sua crítica à sociedade fundamental para o alcance desta figura. Como personagens que sempre atraem o público, independente do estilo narrativo, os mortos-vivos se mantêm sempre em destaque. Recentemente, a série The Walking Dead e paródias como Zumbilândia e Como Sobreviver a um Ataque Zumbi comprovam esta afirmação.

O primeiro compilado da série apresenta os cinco primeiros números mais uma edição extra publicada dentro de um especial da Vertigo para apresentar as personagens. A trama alinha em uma mesma narrativa diversas personagens do universo de terror como fantasmas, vampiros, zumbis e uma organização responsável por caçá-los durante séculos. O ambiente é semelhante àquele desenvolvido por Alan Ball em True Blood, adaptação da série de livros de Charlotte Harris, que inseriu lendas diversas em uma mesma narrativa para reestruturar e apresentar uma nova visão a partir dela.

A trama acompanha a outrora adolescente Gwendolyn “Gwen” Dylan, a qual revela aos leitores ter se transformado em zumbi. Como personagem principal, a garota narra os acontecimento e apresenta seus amigos, tanto aqueles de origem monstruosa, quando os parceiros do trabalho como coveira. O primeiro arco apresenta os diversos personagens definindo contornos para os vilões, diante de um mundo em que algumas regras tradicionais sobre estes seres monstruosos serão redefinidas.

A história falha em sua composição, sendo mais didática do que narrativa ao desenvolver as personagens e o universo sem um primeiro ato bem definido. Baseando-se somente na leitura, não é possível saber se a história é paródica ou não, mas é preponderantemente mais suave do que as narrativas maduras popularizadas pela Vertigo. Os personagens são inseridos em uma rotina normal como se não fossem monstruosos, um recurso interessante para fugir do estereótipo de personagens trágicos. Porém, a tônica juvenil é incapaz de apresentar qualquer bom personagem, neste primeiro momento.

Nada parece, de fato, inédito, mas sim apoiado em uma tradição de narrativas de referência que foram mais bem-sucedidas em sua composição. O apelo juvenil é tão aparente que a série adaptada foi desenvolvida para este público como uma alternativa possível do mesmo argumento mas sem a temática séria – e soporífera – da história baseada na HQ de Robert Kirkman. Diante de tantos lançamentos de quadrinhos no país, o primeiro número de iZombie não carrega força suficiente para conquistar o leitor em definitivo. Se observamos somente os lançamentos Vertigo no país, os clássicos ainda valem mais pelo custo-benefício.

Crítica | Maggie: A Transformação

18 de agosto de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

abigail breslin, Arnold Schwarzenegger, Joely Richardson

Após uma miscelânea de zombie exploitation, unida também a ressurreição dos heróis de ação oitentistas via ações como a trilogia Mercenários e filmes mequetrefes como Rota de Fuga, a inevitável mescla de conceitos finalmente ganha contornos reais, ao reunir um ícone do cinema brucutu com os famosos mortes errantes. Maggie tinha tudo para ser mais um subproduto dos dois filões aos quais pertence, mas não é, pois apresenta uma faceta alternativa a simples corrida pela sobrevivência vista em produtos como The Walking Dead.

Arnold Schwarzenegger vive Wade Pace, um pai amoroso e atencioso que encontra sua filha após um choque com os mortos vivos que povoam seu mundo. Maggie, vivida pela bela e singela Abigail Breslin tem seu destino cortado pela contaminação via mordida que sofre, com o diagnóstico claro de transformação. A diferença básica se encontra no cronos, uma vez que sua mudança demora muito mais para ocorrer, fator este que torna o filme de Henry Hobson ainda mais diferenciado, mesmo dos produtos semi-novos de George A. Romero, até por ainda conter alguns pequenos traços de civilização sobrevivendo pelo mundo.

A métrica usada pelo diretor estreante em longas é diferenciada também, sobrando dramaticidade e melancolia em detrimento do gore e da adrenalina em níveis cavalares. O terror de Maggie: A Transformação consiste na inevitabilidade da sina da personagem título e de sua resignada família, que assiste impotente a degradação física e morte lenta de sua herdeira.

A decomposição lenta e gradual faz sofrer cada um dos personagens, especialmente os que não a estão sofrendo, tendo na entropia uma questão quase tão periclitante quanto a catástrofe da morte anunciada. Mesmo o choque de expectativa é aplacado com o desenrolar da trajetória de Maggie, ajudada é claro pela evolução dramática que acometeu Abigail Breslin, que já dava mostras de um talento ímpar desde Pequena Miss Sunshine. Para que sua persona seja desenvolvida de modo pleno, é absolutamente preponderante o trabalho de Joely Richardson, sabidamente uma boa atriz, e principalmente os esforços de Arnold, que dentro de suas limitações, consegue apresentar um comportamento de pai preocupado e dedicado, estabelecendo bem a regra de ser a base do pilar familiar.

As estrias e varizes se proliferando pela bela pele de Breslin compõem um belo quadro visual, alcançando até questões universais, como a inexorabilidade da morte em detrimento de tudo que um dia foi belo. O acinzamento da epiderme faz grafar esses aspectos ainda mais, relembrando ao espectador e até às personagens que o fim está próximo, e que não há nenhum remédio ou resposta adocicada para o causo.

À medida que a metamorfose ocorre, aumentam-se os instintos selvagens, em um misto de Tanatomorphose, no quesito transformação corporal, aliado ao descontrole emocional derivado de transformações de caráter, deturpando o que deveria ser o comportamento de uma infanto-adolescente em algo absolutamente selvagem, digno dos filmes B de Ken Russell e David Cronenberg.

A despedida da moça aos seus entes queridos é feita de modo simples, emocional e até óbvio, mas consegue impressionantemente não perder força, lembrando os principais aspectos positivos de Dia dos Mortos amadurecendo o argumento. Na essência, Maggie serve de paralelo com a difícil tarefa que um pai deve exercer ao deixar seus descendentes caminharem por suas próprias pernas, agravado, claro pelo fardo estabelecido por uma questão preponderante, como uma doença terminal, e o filme de Hobson não deixa nada a desejar para nenhum produto desta estirpe, apoiado num texto simplificado, direto e conclusivo, sem apelar para muitos clichês, como era esperado.

Crítica | V/H/S 2

2 de março de 2015 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Adam Wingard, Brad Miska, Eduardo Sánchez, Gareth Evans, Gregg Hale, Jason Eisener, Simon Barret, Simon Barrett, Terror, Timo Tjahjanto

V/H/S 2 foi lançado sob muita expectativa. O trailer que o promoveu era interessantíssimo, e havia a promessa de que o filme fosse uma grande produção de horror, trazendo contos que superariam o original. Ocorre que, após o sucesso de seu antecessor, V/H/S, o projeto – novamente sob responsabilidade do criador do site Bloody Disgusting, Brad Miska –, mesmo tentando inovar em certos aspectos, perdeu fôlego, não por repetir a mesma fórmula do filme original, mas por, talvez, ouvir as críticas negativas relativas a detalhes técnicos que a fita tenha recebido – a qualidade técnica do primeiro filme é de fato precária, mas não atrapalha em nada a diversão.

Ainda assim, V/H/S 2 conta com um dos contos mais insanos já escritos e filmados, superando todas as histórias restantes, inclusive os contos do filme anterior.

TAPE 49

Como dito, Brad Miska repete a fórmula que o consagrou, trazendo uma história principal que intercala com os outros contos. Aqui, Simon Barret escreveu e dirigiu Tape 49, que conta a história de um casal de detetives investigando o sumiço de um jovem. Ao adentrar a casa do rapaz, eles se deparam com diversas fitas VHS, às quais passam a assistir em busca de provas.

Assim como no primeiro filme, a história é vazia e sem graça, não atraindo o espectador em nenhum momento, principalmente aqueles que já estão familiarizados com a franquia.

PHASE I: CLINICAL TRIALS

Logo de início, o primeiro conto propriamente dito já mostra o motivo de V/H/S 2 ser menos interessante que o seu antecessor.

A fita dirigida por Adam Wingard e escrita por Simon Barret se inicia exatamente quando a câmera é ligada. e logo se percebe que o protagonista perdeu um olho e está fazendo um tratamento inovador que consiste na instalação de uma câmera atrás de uma prótese ocular realista, fazendo com que seu cérebro receba as imagens daquilo que a câmera está captando. E não preciso nem dizer que a câmera do rapaz capta mais do que deveria.

O mais interessante em Clinical Trials são os truques de cinema utilizados em todas as vezes que o protagonista se olha no espelho, pois, teoricamente, a câmera está dentro de seu olho direito e, realmente, parece estar.

Os pontos negativos se repetem por quase todos os contos, e consistem na qualidade das imagens, todas elas muito nítidas, contradizendo com o padrão (hoje) precário das fitas VHS, além das cenas de susto virem acompanhadas de sons altos de interferência ou trilha sonora, o que mostra certa falta de cuidado com o conteúdo da história, uma vez que usar esse tipo de artifício é como jogar um jogo de videogame com códigos de invencibilidade e munições infinitas. Totalmente sem graça.

A RIDE IN THE PARK

Dirigido pela dupla que, respectivamente, dirigiu e produziu o sucesso A Bruxa de Blair, Eduardo Sánchez e Gregg Hale, e escrito por Jamie Nash, A Ride In The Park é uma produção totalmente azarada por um único motivo: The Walking Dead. Talvez, se o grande sucesso apocalíptico zumbi não existisse, esse passeio no parque seria mais interessante. Trazendo um conceito interessante que mostra um ciclista (com sua GoPro acoplada no capacete) sendo atacado por um zumbi, podemos acompanhar sua transformação e o ataque a uma festa de aniversário sob o ponto de vista da câmera no capacete. Porém, todos os zumbis do conto são muito mal feitos, deixando qualquer membro da Zombie Walk aqui no Brasil totalmente orgulhoso de sua maquiagem.

SAFE HAVEN

De longe, Safe Haven é o melhor e mais insano conto de toda a franquia V/H/S, E não é por menos, uma vez que a fita é dirigida pelo louco Gareth Evans, responsável pelo premiado filme indonésio Operação Invasão. As cenas de violência que consagraram Evans permanecem intactas, sendo que as cenas de luta dão lugar à mente doentia do roteirista Timo Tjahjanto que, junto com diretor, mostra a história de um grupo de cineastas que estão filmando um documentário sobre uma estranha seita religiosa indonésia, cujo líder – um cidadão muito sinistro, por sinal, está sendo acusado de promover abusos sexuais às crianças da seita entre os demais membros do grupo.

Para o azar da equipe de filmagem, eles se descobrem exatamente no meio do “juízo final”, a chamada “redenção” dos membros da seita. Sangue. Muito sangue. Assassinatos, suicídios coletivos, pessoas explodindo e uma cena de parto que deixa encabulado até o mais cético.

Se você não se interessou pela franquia V/H/S, procure por Safe Haven na Internet. É obrigatório.

SLUMBER PARTY ALIEN ABDUCTION

Hollywood parece sentir falta de filmes de suspense/terror com temática de abdução por alienígenas, e Slumber Party Alien Abduction, de certa forma, tenta (sem sucesso) preencher o vazio deixado após o lançamento de grandes clássicos como Contatos Imediatos de Terceiro Grau e Fogo no Céu.

O segmento se parece bastante com o clássico B de abduções Estranhas Criaturas, de 1998. Com o sucesso de A Bruxa de Blair, o filme, em found footage, conta a história de uma família que, durante o jantar do feriado de Ação de Graças, recebe em sua propriedade a visita de seres extraterrestres nada amigáveis.

O conto, dirigido pelo talentoso Jason Eisener, diretor de Hobo With a Shotgun, mostra de forma muito inteligente a invasão da residência e consequente abdução de uma família sob o ponto de vista do cachorro da casa, que teve uma câmera acoplada em sua coleira durante uma festa do pijama.

Mesmo que o filme seja urgente e frenético, os bons momentos da fita são atrapalhados pelo auxílio de sons impertinentes que buscam causar sustos, o que de certa forma deixa o espectador irritado. Numa produção assim, espera-se que a própria trama, aliada a um roteiro e uma direção competente, cause medo por aquilo que está acontecendo em tela, e não por causa de um barulho alto quando se menos espera.

Mas, em que pesem todos os aspectos negativos, o saldo de V/H/S 2 ainda é positivo, porque além de trazer Safe Haven, possui ótimos momentos, fazendo com que o fã do terror se sinta agraciado com histórias de qualidade criadas e dirigidas por diretores conhecidos ou promissores do cinema underground, sendo exatamente esse o conceito de toda a franquia.

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Texto de autoria de David Matheus Nunes.

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