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Crítica | Mal Nosso

13 de março de 2019 by Filipe Pereira

Ademir Esteves, Fernando Cardoso, Maysa Pettes, Ricardo Caselle, Rodrigo Aragão, Samuel Galli, Victor Molin

Filmes de gênero no Brasil normalmente são relegados ao ostracismo pelo publico, que preferem as sessões pipoca estrangeiras, e pela crítica, que normalmente é ranzinza. No entanto, uma boa cena de terror tem surgido e é nesse contexto que Mal Nosso tenta embarcar, mostrando uma historia de começo bem tímido, com o personagem Arthur, de Ademir Esteves, ele é um homem solitário e silencioso, quase tétrico, e que precisa de um serviço estranho.

O filme de Samuel Galli começa com uma musica instrumental que remete ao mistério, e que casa muito bem com o ambiente ermo da fazenda. O gosto de Arthur é estranho, ele entra na deep web atrás de videos de assassinato, e logo está em um chat com um estranho sujeito. Os videos são bem violentos, cenas bem feitas, e que destoam um pouco do momento em que o filme larga um pouco de lado a face lisérgica.

Metódico, assim como o sujeito que contrata, Arthur vai a um lugar público, uma boate, onde encontra Charles (Ricardo Caselle), o assassino de aluguel que protagoniza os videos mostrados anteriormente. O grave problema é que no primeiro diálogo se nota uma falta de naturalidade enorme, seja nas atuações ou nos diálogos, e o método escolhido para tentar esconder essa construção dramática mambembe, o que é uma pena, pois o filme claramente tinha um potencial, sobretudo por conta do apelo não verbal do começo do filme.

As cenas de assassinatos são boas, já as que preparam as personagens que serão vitimadas carecem de um texto mais maduro do roteiro de Galli, fato que faz o filme decrescer muito. Ele passa a melhorar (bastante) quando resgata o passado de Arthur, que nessa fase, é vivido por Fernando Cardoso, um jovem que na idade em que deveria curtir, começa a ter visões de pessoas mortas, putrefatas, dominadas pelo mal, e a direção de arte traz a luz algumas criaturas que são muito bem feitas. O uso de efeitos práticos é louvável, e Galli conduz isso muito bem na sua trama, o problema é realmente quando há diálogos, onde o filme se aproxima demais dos teatros de igrejas evangélicos.

As partes que mostram Arthur lidando com exorcismo são muito bem dirigidas, as criaturas sobrenaturais seguem muito bem feitas, assim como a atuação física das vitimas, com direito a muito sangue e escatologias. A questão maior é que o momento em que o filme mostra isso, já é tarde, e o espectador sente dificuldade em se importar mais com aquelas situações. Os destaques positivos da produção vão para a fotografia de Victor Molin, a direção de arte de Maysa Pettes e claro, os efeitos especiais em maquiagem de Rodrigo Aragão. Talvez se não se levasse tão a sério, Mal Nosso pudesse ser melhor apreciado, mas certamente há muitos pontos positivos na produção, que infelizmente esbarra em um texto pouco maduro e na dificuldade que os interpretes tem em fazer seus papéis, mesmo no final lúdico que apresente.

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Entrevista | Beth Formaggini, diretora de Pastor Claudio

13 de março de 2019 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Beth Formaggini, Ditadura, Ditadura Militar, entrevista

Filmes sobre a Ditadura rendem uma boa discussão, ainda mais nos últimos tempos, e Pastor Claudio é um documentário de Beth Formaggini que é cirurgico ao analisar uma figura controversa, Claudio Guerra, o Pastor Claudio, que participou das sessões de tortura e para discutir o processo do filme conversamos com a diretora, com exclusividade;

Vortex Cultura: Desde quando o projeto foi pensado e quando começou a ser produzido?

Beth Formaggini: Quando saiu o livro Memórias de uma Guerra Suja, de autoria de Rogério Medeiros e Marcelo Netto, com depoimentos do ex-delegado do DOPS Cláudio Guerra em 2012, comecei a pensar em Ivanilda. Cláudio confessa no livro ter assassinado e ocultado corpos de militantes mortos na Operação Radar e no meu longa anterior Memória para Uso Diário Ivanilda Veloso procurava o marido desaparecido, Itair José Veloso, assassinado na Operação Radar. Então, pensei que ele talvez pudesse esclarecer o paradeiro de Itair e resolvi fazer o filme. Para mim Ivanilda encarna um dos “gritos” dentro do filme, ela pergunta para Cláudio, através de uma projeção, onde está seu marido, um dos poucos momentos que faz o pastor gaguejar. Fazer aparecer, dar visibilidade e “dizibilidade” aos agentes invisíveis e até hoje impunes que agiram nos porões da ditadura é gritar de outra maneira, porque é dar a ver e a ouvir essas ações por si mesmas gritantes e escondidas debaixo do tapete.

VC: Em outras tantas entrevistas de Cláudio Guerra se mostra como um sujeito frio, calculista e repleto de detalhes são seus relatos, no entanto, em seu filme foi ao meu ver o melhor depoimento dele. Foi difícil pra você enquanto cineasta e para Eduardo Passos enquanto entrevistador conversar com ele? Em algum momento ele esboçou alguma reação diferente do que se vê dele em tela?

BF: Cláudio foi um assassino responsável pela morte e incineração de pessoas desaparecidas que se opunham à ditadura brasileira apagando as marcas da violência do estado. Na volta à democracia, trabalhou na segurança pública replicando os métodos do passado e cometeu ainda outros assassinatos comuns. Suas motivações variam entre o orgulho em ser um cumpridor de ordens competente, um servo leal da luta contra o comunismo, o prazer de ser temido e o amor ao poder e ao dinheiro. Ora é um cristão arrependido, ora um assassino orgulhoso de seu trabalho.

Neste filme me propus a enfrentar o que para mim era claramente o inimigo, criando um dispositivo que permitisse a ele se confrontar com sua própria história. Propus uma conversa entre Cláudio e Eduardo, um psicólogo clínico durante a qual se projetam imagens de seus parceiros e vítimas nos permitindo ver a vinculação de Cláudio com a violência do estado praticada naqueles anos, além de perceber a sua frieza aterradora. Tratar o tema da violência do Estado entrevistando um agente da repressão foi uma tarefa muito difícil. Quando chamei o psicólogo Eduardo Passos para conversar com Cláudio Guerra queria alguém que fosse capaz de escutar, mas também que fosse um militante dos direitos humanos. Queria que ele trouxesse o personagem para dentro do filme e o convidasse a construir conosco o seu retrato, mas que tivesse uma posição a favor dos direitos humanos. Também optamos por não colocar Guerra no paredão, mas em nenhum momento Guerra ou o público deixaria de saber o lugar de onde falávamos. Em sua entrevista ao Forumdoc, Jean-Louis Comolli, autor de Ver e Poder nos orientou: “É preciso odiar o inimigo, sem dúvida, e combatê-lo sem piedade, mas para isso é preciso compreendê-lo e poder contar a história que é dele e que ele não conta.” Que nenhum deles conta. E não foi nada fácil essa convivência.

VC: Imagino que a época que foi exibido Pastor Cláudio nos festivais, não se tinha noção completa de como seria o rumo das eleições federais. Como você acha que seu filme conversa com o futuro e presente político e que tipos de repressões descritas por Claudio Guerra poderiam se repetir na atualidade tendo em vista que os anos 2010 são diferentes de 1960/70?

A grosso modo a mesma elite brasileira que forjou o Golpe de 64 e o sustentou por mais de 20 anos está hoje no poder. É claro que o que vivemos hoje é muito mais complexo e que mais de 50 anos se passaram mas não caberia me estender aqui. Não é por acaso que o atual presidente homenageia Ustra, um dos maiores assassinos e mais cruel torturador do regime militar. Nosso filme deixa claro que o que ocorreu em 64 foi um golpe civil, empresarial e militar que contou com o apoio de ruralistas, banqueiros e empresários, mas também de grande parte da sociedade que fingia não ver os crimes que eram cometidos. Quando Cláudio fala no filme que estes grupos são os mesmos de ontem e que estão se articulando para voltar ao poder o filme ganha uma atualidade impressionante, ele prenuncia o que virá a ocorrer dois anos depois.

VC: Como foi a preparação de Passos para conversar com Cláudio? Ele fez algo diferente ou especial?

BF: Jean Louis Comoli nos ensina que se você quiser filmar o inimigo deve trazê-lo para dentro do seu filme. Nós nos preparamos muito para enfrentá-lo. Assistimos e debatemos muitos filmes junto com Marcia Medeiros, a montadora que depois somou-se a Julia Bernstein na montagem com a consultoria de Marta Andreu. Assistimos a documentários como Teodorico, O Imperador do Sertão, de Eduardo Coutinho, onde ele “cede a palavra” para um “coronel” nordestino dono de terras, de gentes e da política local. Os filmes Duch, Le Maîtres Des Forges De L’enfer e S21, de Rithy Panh também foram muito importantes para a construção de um ethos da entrevista no filme. Neles o documentarista cambojano Rithy Panh dá passagem à narrativa dos violadores de direitos humanos no Camboja trazendo à tona uma visão aterrorizante da história. Eduardo destaca a importância de fazer aparecer estas violações enunciadas pelo próprio violador também como uma forma de resistência.

Assistimos muitas entrevistas dos agentes da Ditadura no site da Comissão Nacional da Verdade, lemos Hannah Arendt e os estudos sobre a ditadura nos anos 70, discutimos muito as entrevistas anteriores de Cláudio e preparamos uma pauta muito precisa. Mas ao meu ver a prática da psicologia clínica de Eduardo teve um papel muito importante.

VC: Depois de ter trabalhado em um filme cujo foco narrativo é na fala de um homem que colaborou demais com o regime civil militar, e de ter tido contato pessoal com o mesmo, como você pessoalmente enxerga a digestão que ele fez do passado? Acredita que ele está realmente arrependido ou que é algo da boca para fora, movido por obrigações religiosas?

A conversão de Cláudio e sua decisão de contar a sua versão dos fatos não foi assunto de nossas conversas. Nosso foco foi realmente a recuperação da memória sobre a repressão que se abateu sobre o Brasil naqueles anos e a sua repercussão nas práticas de desrespeito aos direitos humanos no período de exceção até os dias de hoje. O resultado do dispositivo criado pelo filme é nos colocar em presença não só de Cláudio mas de toda uma engrenagem que atuou na Ditadura Civil Militar e continua ativa até hoje, usando as milícias e esquadrões da morte como ferramenta, vide casos como a assassinato de Marielle e Anderson, ou o desaparecimento de Amarildo, além das inúmeras lideranças indígenas e camponesas assassinadas no país.

Este jogo de cena que Cláudio concorda em jogar conosco nos permite não só reconstruir este período terrível da história do Brasil, mas também ver a vinculação de Cláudio com a violência de Estado praticada na ditadura militar. Também vemos a sua frieza aterradora. O filme nos faz sentir que este terror faz parte de nossa vida cotidiana dentro de uma total normalidade. O que ocorre em Pastor Cláudio é algo inesperado. O que me passou e que acho que poderá passar com o público é surpreendente. Nos damos conta que o monstro também é uma pessoa. Esperava ver um monstro com chifres e rabo e encontrei uma pessoa e este fato nos faz pensar na banalidade do mal como algo que vivemos cotidianamente. Assim, vemos diariamente notícias das mortes de jovens assassinados pela polícia e a sociedade não se rebela contra esse genocídio. Sabemos que presos são torturados e poucos se importam e se mobilizam. O mais grave é que estas poucas vozes estão cada vez mais em risco nos dias de hoje. A violência dos homens e do Estado continua a nos assombrar no Brasil e no mundo onde a vida humana já não vale mais nada. O filme nos faz viver esta experiência aterradora pois também nos põe um espelho diante dos olhos.

VC: Qual é a sua visão particular sobre o personagem que é o Pastor Claudio? Você acha que há alguma criação consciente do personagem ou você acha que Claudio Guerra é realmente quem aparece no seu filme?

Com este filme decidi enfrentar o que para mim era claramente o inimigo. Para isto encontrei um dispositivo forte que permitisse que Cláudio se encontrasse com sua própria história. Lhe propus uma conversa com um psicólogo durante a qual projetava imagens de arquivos da Comissão da Verdade, fotos de jornais, notícias e filmes relativos à sua trajetória.

Quando um personagem depara-se com um dispositivo fílmico ele se transforma não só num ator mas também em um autor que cria o seu autorretrato para o filme desenvolvendo uma narrativa sobre si próprio, uma performance. Seria ingênuo acreditar em verdades neste caso, mas às vezes no discurso, nas palavras e nas suas frestas aparece alguma coisa próxima do real. Embora ele tenha criado este personagem frio e monocórdio, Cláudio reage com orgulho dos seus atos quando fala que tem mais credibilidade do que seu opositor que o contradiz porque o outro apenas ouviu falar dos crimes de ocultação de corpos, mas ele – Cláudio – foi o autor destes crimes. Chega a repetir três vezes: “Eu, eu, eu fiz!” Para nós o momento fílmico é o que importava, o “jogo de cena”, como diria Coutinho, que é jogado naquele momento. O filme capta esse “tempo presente” de interação entre Cláudio com o psicólogo e com as imagens projetadas.

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Capitã Marvel | Quem é Quem nos Quadrinhos e nos Cinemas?

12 de março de 2019 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema, Quadrinhos

Capitã Marvel, Gene Colan, Nick Fury, Roy Thomas

Os filmes da Marvel geralmente tem aparições de muitos heróis e vilões, e é para esclarecer quais são as principais delas em Capitã Marvel que pensamos nessa lista. O objetivo é falarmos um pouco de cada uma delas, com suas respectivas versões nos quadrinhos, e também de alguns personagens-spoilers no final da postagem, devidamente notificado para não pegar nenhum desavisado. Vamos a cada um deles!

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Capitã Marvel

Nome Civil: Carol Danvers
Intérprete: Brie Larson
Poderes e Habilidades: Força sobre-humana, manipulação de energia, regeneração, consciência cósmica, voo
Primeira Aparição: Carol Danvers em Marvel Super Heroes 13, de 1968; Ms. Marvel em Ms. Marvel 01, de 1977; Capitã Marvel em Avenging Spider-Man 9, em 2012.
História: Criada por Roy Thomas e Gene Colan, foi introduzida como uma mulher que era piloto na Força Aérea dos Estados Unidos, e aos poucos, se tornou interesse amoroso do Capitão Marvel (Mar-Vell), um personagem cósmico da Marvel. Após muito tempo passar, ela sofre um acidente e fica sumida, até que nos anos setenta ela ganha poderes, iguais a de seu par, e se torna uma herói solo, apesar de ter proximidade ainda com o Capitão. Em Ms Marvel 20 ela muda de uniforme, rompe com Mar-Vell e se torna uma personagem totalmente diferente e independente, acompanhando o movimento feminista. Após idas e vindas, fases polêmicas, ela passou a ter uma importância grande no panteão da Marvel, tomando para si a alcunha de Capitã em 2012, ganhando uma nova fase nos quadrinhos, e foi aos poucos alçada a condição de mulher ícone da editora, ao menos em nível de poder. Sua composição é hibrida, entre humano e kree.

Nick Fury

Nome Civil: Nicholas Joseph Fury
Intérprete: Samuel L. Jackson
Poderes e Habilidades: Mestre marcial, estrategista, atirador, especialista em armas
Primeira Aparição: Sgt. Fury and his Howling Commandos 1, de 1963
História: Criado por Stan Lee e Jack Kirby nos anos sessenta, é um personagem militar, veterano da Segunda Guerra Mundial, como Sargento Fury, líder do Comando Selvagem, ele teria lutado até com o Capitão America. Ele é pego em uma mina terrestre, e é salvo por um cientista que injeta nele a Formula do Infinito, que o faz retardar o envelhecimento. Ele tem que tomar a formula anualmente. Ele perdeu seu olho com uma granada, e saiu do exército, só retornando repaginado quando foi contratado pela CIA, onde atingiu o posto de Coronel. Ele se tornou aos poucos um dos expoentes mais inteligentes das forças armadas dentro do universo Marvel, sendo um dos mandantes da S.H.I.E.L.D. A versão dos cinemas, introduzida no filme do Homem de Ferro na cena pós créditos é baseada na versão Marvel Millenium/ Universo Ultimate de 2001, um sujeito negro e claramente baseado no ator Samuel L. Jackson, que viria a interpretar o personagem. No filme da Capitã Marvel, Fury passou pelo trabalho de espionagem na Guerra Fria, e é um agente de alto grau na SHIELD e serve como personagem co-protagonista.

Talos

Nome Civil: Talos
Intérprete: Ben Mendehlson
Poderes e Habilidades: no filme, é um skrull metamorfo; nos quadrinhos, não consegue mudar de forma, mas possui força sobre-humana e treinamento militar
Primeira Aparição: Incredible Hulk 418, de 1994
História: Para quem não sabe e nunca leu absolutamente revista nenhuma da Marvel, os Skrulls são uma raça de individuo verdes, normalmente malignos que se transformam em qualquer pessoa que o sujeito vê. Talos foi criado por Peter David e Gary Frank, o personagem foi um importante oficial na guerra Kree-Skrull e não tinha a habilidade de se transformar em outras pessoas. Sua aparição no filme foi uma surpresa, uma vez que há personagens skrull mais conhecidos e alardeados que ele, e suas características foi bem modificada.

Agente Coulson

Nome Civil: Phillip Coulson
Intérprete: Clark Gregg
Poderes e Habilidades: Treinamento militar, tático e de espionagem
Primeira Aparição: Homem de Ferro, de John Favreau, em 2008
História: Personagem criado para o cinema em Homem de Ferro de John Favreau, ganhou bastante popularidade e até uma série solo, como mentor em Agentes da Shield. Ele teria morrido em Vingadores, mas voltou na série já citada e depois foi introduzido nos quadrinhos, junto ao segundo filho do Nick Fury original, Nick Fury Jr. que era negro e semelhante a Sam Jackson, sendo então no universo 616 o atual Nick Fury (o personagem original hoje é uma força cósmica, O Invisível, que atualmente mora na lua e deverá substituir o Vigia) e é um dos mais importantes comandantes da SHIELD.

Maria Rambeau

Nome Civil: Maria Rambeau
Intérprete: Lashana Lynch
Poderes e Habilidades: no filme, treinamento militar e pilota de avião; nos quadrinhos, costureira
Primeira Aparição: Avengers 246, de 1984
História: No filme, Maria é a melhor amiga de Danvers mas nos quadrinhos ela é a mãe da Monica (que também aparece no filme), ela nasceu em Nova Orleans, Louisiana e trabalhava como modista e era casada com o bombeiro Frank Rambeau. Seu papel é bem secundário, mais de apoio a Monica do que qualquer outra função, e no longa tem talvez seu maior mérito e crédito, por ser uma personagem crível, tangível e bem forte.

Monica Rambeau

Nome Civil: Monica Rambeau
Intérprete: Azari Akbar com 5 anos; Akira Akbat com 11 anos
Poderes e Habilidades: no filme, nenhum (é uma criança de 5 e 11 anos quando aparece nas duas linhas temporais); nos quadrinhos, absorção de energia, geração e manipulação, capacidade de viajar a velocidades até a velocidade da luz (enquanto em sua forma de energia), converter seu corpo em qualquer forma de energia dentro do espectro eletromagnético e viaja em forma de energia através do vácuo do espaço.
Primeira Aparição: The Amazing Spider-Man Annual 16, de 1982
História: John Romita Jr. e Roger Stern são os criadores da personagem, que foi a primeira Capitã Marvel nos quadrinhos e que no filme, é apenas uma criança, filha de Maria, amiga de Carol Danvers. A personagem teve uma certa importância, chegando até a liderar os Vingadores. Ela tinha ação em Nova Orleans, em uma tentativa de deter terroristas (era da guarda costeira), foi atingida por um acidente com energia extra-dimensional, e acabou ganhando poderes de se tornar energia viva, com capacidade de lançar rajadas muito fortes dessa energia. Ela logo deixou o nome para o filho de Mar-Vell, Genis- Vell, adotando o nome de Fóton (que depois perdeu novamente o nome para Genis-Vell), e passou a ser Pulsar. Nas suas ultimas aparições ela chama-se Pulsar. No filme, Monica é uma menina, mas pode aparentemente pode ser utilizada em futuros filmes da Marvel, já que ela tinha 11 anos nos anos noventa.

Korath

Nome Civil: Korath-Thak
Intérprete: Djimon Hounsoun
Poderes e Habilidades: Engenharia genética cibernética, força, resistência e durabilidade sobre-humanas, também localiza pessoas rastreando padrões cerebrais
Primeira Aparição: Quasar 32, de 1992
História: Criado Mark Gruenwald e Greg Capullo, é um Kree que trabalhava como cyber geneticista. Sempre foi muito útil à Suprema Inteligência, e ganhou poderes fazendo experiencias consigo próprio. No filme ele é um dos principais membros da Starforce, tal qual nas HQs, mas sua primeira aparição nos cinemas foi em Guardiões Da Galáxia.

Ronan, O Acusador

Nome Civil: Ronan
Intérprete: Lee Pace
Poderes e Habilidades: Intelecto superior, treinamento de combate e uso de armas muito poderosas
Primeira Aparição: Fantastic Four 65, de 1967
História: Criado por Stan Lee e Jack Kirby, sua primeira aparição nos cinemas se deu em Guardiões da Galáxia. Nos quadrinhos, ele é da elite Kree, nascido na capital do Império, e foi vilão do Quarteto Fantástico, e depois, de Mar-Vell. Algo que não ocorre nos cinemas é a transformação do personagem em alguém honrado, aos poucos, deixando de lado seu caráter obediente aos desmandos do Império Kree. Aqui, ele tem uma pequena participação, um pouco menos apagada que em Guardiões, onde tem tempo de tela mas é mostrado de maneira maniqueísta e meio boba.

Minn-Erva ou Doutora Minerva

Nome Civil: Minn-Erva
Intérprete: Gemma Chan
Poderes e Habilidades: Biogeneticista talentosa, força sobre humana, voo, alem de ser uma pilota exímia
Primeira Aparição: Captain Marvel 50, de 1977
História: Criada por Scott Edelman e Al Milgrom, ela é uma geneticista Kree, que fazia muitas experiencias com outras raças. Nos quadrinhos, chamada de Dra. Minierva (no longa é apenas Minerva) ela é par do Doutor Atlas que também aparece no filme,mas é bem desimportante, e sabe muito bem das maquinações da Suprema Inteligência (nos quadrinhos, essa inteligência artificial é maligna). Atualmente, é uma das principais antagonistas da Capitã, e no filme ela claramente tem uma rivalidade com “Vers” além de ser um bocado diferente das hqs, sendo uma sniper do grupo.

Goose ou Chewie

Nome: Goose
Intérprete: Reggie, Gonzo, Archie e Rizzo
Poderes e Habilidades: Tentáculos, possibilidade de armazenamento e transporte através de outras dimensões
Primeira Aparição: Giant-Size Ms. Marvel 1, de 2006
História: Apesar de parecer uma gata, ela é na verdade da espécie Flerken, Goose – que nas hqs chama-se Chewie, mas foi modificado para Goose para não ter ligação com Star Wars, além de ser macho nas Hqs – é um alienígena poderoso, uma raça que nos quadrinhos está quase em extinção. Nas hqs, ela está esperando filhotes, com centenas de ovos (117 para ser mais exato), e Rocket Racum tenta comprar da Capitã Marvel o “animal” para vende-lo no mercado negro. Goose/Chewie no filme tem importância por afastar Skrulls, além de guardar um universo inteiro dentro de suas bocas, fato que justifica a captura de tantas pessoas e até do Teseract.

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A partir daqui, não leia se não quiser spoiler

Yon Rogg

Nome Civil: Yon-Rogg
Intérprete: Jude Law
Poderes e Habilidades: Super força, super agilidade e vigor físico aprimorado
Primeira Aparição: Marvel Super Heroes #12, de 1967
História: Nos quadrinhos, quando Carol era uma mulher comum, ele a rapta para atingir Mar-Vell, o capitão Marvel original ( ela era o interesse amoroso do herói). É em um combate entre Yon-Rogg e Mar-Vell que ocorre o acidente que dá poderes a Carol, e a personagem fica um tempo no ostracismo para em seu retorno, estar já com poderes e sem memoria, tal qual no começo do filme. No longa, muito se pensou que Law faria o Capitão, e a inversão de expectativa poderia ser boa, e é, em premissa… A execução do roteiro o faz parecer um personagem maniqueísta e estranho, onde suas atitudes não fazem muito sentido e sua aparição soa desimportante.

Mar-vell/Suprema Inteligência

Nome Civil: Mar-Vell
Intérprete: Annette Benning
Poderes e Habilidades: Mar-Vell possui força sobre-humana, manipulação de energia, regeneração, consciência cósmica, voo; Suprema Inteligência possui poderes psiônicos e super inteligencia
Primeira Aparição: Mar-Vell, em Marvel Super-Heroes 12, de 1967; Suprema Inteligencia, em Fantastic Four 65, de 1967
História: Nos quadrinhos, Mar-Vell era um kree de cor rosa, ao invés de azul como era comum entre seus iguais, e daí ele era já mal visto por parte da sua raça. Isso de certa forma é dito no filme, na personagem de Annette Benning, ainda que a personagem da atriz seja uma mescla entre o Capitão Marvel e a Suprema Inteligência, que por sua vez, era um ente que mandava nos krees, uma reunião de cérebros dos krees mortes, que serve de inteligência artificial que se tornou um imperador da raça e até, uma figura religiosa nos quadrinhos. A mudança de gênero no filme causou muita polêmica, mas sinceramente, esse é o menor dos problemas do filme, que trata de maneira complicada alguns dos traumas de Carol Danvers, invertendo de certa forma a condição de mentor/mentora da personagem.

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Crítica Capitã Marvel

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Crítica | Moloch

12 de março de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Aleksandr Sokurov, Elena Rufanova, Filme sobre Nazismo, filmes de guerra, Filmes Políticos, Leonid Mosgovoy, Nazismo

Moloch é um mergulho na intimidade da cúpula nazista, um filme que se passa em 1942 e mostra um pouco do que seriam os dias comuns dos destes homens em dias onde o esforço de guerra não era o principal mote. No início há uma cena estranha, de uma bela mulher andando nua pelos corredores de um castelo antigo. A loira pratica atos em uma tranquilidade que não combina nada com a ansiedade dos conflitos que ocorrem no restante da Europa.

Entre fumaça e a névoa está o cenário do filme de Aleksandr Sokurov. Os Alpes da Bavária eram o refugio do ditador Adolf Hitler, meticulosamente escolhido como um esconderijo exatamente para não causar suspeitas e para ficar distante dos tiros e bombas que dilaceram corpos e almas de jovens soldados e de variados civis. Não fosse por um ou outro artefato utilizado pela atriz Elena Rufanova, com símbolos da suástica, mal se daria para notar suas inclinações políticas. Rufanova vive a amante do Fuhrer, Eva Braun, que aguarda ansiosamente a chegada do seu amado.

Não demora a comitiva do Terceiro Reich chegar, onde o personagem de Hitler, interpretado por Leonid Mosgovoy é um sujeito impertinente e inconveniente ao extremo, sendo um sujeito que incomoda até os seus. As interações dos personagens que compõem a cúpula de poder alemã não fazem muito além de se divertir e brincar, e o fato de serem comuns e tangíveis adiciona camadas a esses personagens que a historia recente normalmente retrata apenas como vilões malvados, maniqueístas e monstruosos e perder de vista que pessoas assim eram humanos comuns mas que corromperam seus corações e mentes é péssimo.

Ainda sobre Hitler, sua composição é de um homem frágil e inseguro, isso ajuda a explicar sua mania de grandeza e obsessão em perseguir quem pensa ou é diferente do que ele egoisticamente considera ideal. O autoritarismo que pratica e suas bravatas são explicadas facilmente pelas imperfeições que ele mesmo assume que tem e por sua baixa auto estima. Isso conversa bastante com a nossa realidade atual, embora por parte dos mais lembrados projetos de autoritários de extrema direita não haja exatamente um sentimento de auto comiseração tão forte, mas sim uma mediocridade facilmente lida por terceiros, por quem cerca os governantes atuais e por quem é governado por eles. Neste ponto, o Adolf que Sokurov registra é mais imponente, pois ele só permite se mostrar fraco no quarto, na intimidade com sua mulher, e para um ou outro agente de confiança, ele não se super expõe, ao contrário dos chefes de estado da atualidade que através das redes sociais, derramam suas fraquezas, fragilidades de discurso e incongruências de pensamento.

A rotina dos que interagem no castelo é bem desinteressante, entre jantares, provas de sopas de aparência asquerosa e apreciação de filmes da maquina nazista, mas para Eva e Adolf os momentos são bem diferentes, entre transas e brigas ambos demonstram o quanto são desequilibrados emocionalmente e o quanto cedem a paranoia e insanidade. Eles vão mais as vias de fato do que se entregam ao prazer e parecem estar sempre a beira de um ataque de nervos. Moloch carrega o nome de um figura mitológica que os amorreus veneravam perto de 1900 a.C, era chamada na versão brasileira da Bíblia de Moloque e aos seus pés eram praticados atos sexuais e sacrifício de crianças. Diante da carreira retratada no longa de Sokurov, o nome faz sentido, e o estudo a respeito da intimidade das pessoas históricas é complexo, profundo e cômico em muitos pontos, um deboche às figuras odiáveis da história.

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Crítica | RBG

11 de março de 2019 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Betsy West, documentários políticos, Julie Cohen

“Eu não peço favores para o meu sexo.Tudo o que peço aos nossos irmãos, é que eles tirem os pés dos nossos pescoços”
(Sara Grimke)

No filme dirigido por Julie Cohen e Betsy West, acompanhamos a história de Ruth Bader Ginsburg, segunda mulher a ocupar uma cadeira na Suprema Corte dos EUA, e consequentemente toda sua trajetória que ficou marcada por uma série de lutas judiciais, quase sempre grifadas por uma insaciável busca pela legitimação da igualdade de gênero.

‘RBG’ trata-se de um apelido dado por uma internauta à juíza, apelido esse que por sua vez foi inspirado no rapper Notorious B.I.G., algo totalmente plausível, visto que Ruth da noite pro dia se viu alçada como ícone da cultura pop norte-americana, sendo frequentemente lembrada em programas televisivos, memes e afins, evidenciada praticamente como uma celebridade, apesar de ser dotada de um caráter íntimo comedido, extremamente paradoxal diante sua fama.

Ginsburg desde a adolescência teve de quebrar paradigmas. Cursou Harvard em uma época onde as mulheres viviam em constante estado de segregação imposto pelo machismo vigente, fator esse que (lógico) acabou desembocando em inimagináveis preconceitos em sua profissão, das mais variadas maneiras e formas possíveis. Traçado esse breve mapa, deixo a cargo do expectador descobrir outros tantos desafios que serão demonstrados ao longo do filme.

Enquanto fórmula, o documentário é bastante formal, seguindo uma linha bastante protocolar, sendo palatável para qualquer público. Expõe contexto de forma bem didática. Narra toda a saga de Ruth Bader Ginsburg desde sua infância, perpassando por sua formação, desembocando no status mítico que a magistrada alcançou; tudo isso sem perder um olhar intimista para com a protagonista. Aliás, é justamente na dinâmica direta de entrevistas com a juíza e seus posicionamentos ideológicos que reside o grande trunfo do projeto. É através do cotidiano, de suas palavras e silêncios que RBG vai demonstrando sua real persona, fazendo assim com que acabemos por conseguir traçar uma lógica semiótica de todo o discurso que moveu sua vida e profissão. O projeto cênico em sua totalidade tem como objetivo principal exaltar os feitos da personagem que dá título ao filme, porém, toda essa narrativa de maneira indissociável traz consigo camadas múltiplas, fidedignas de um tempo e suas mais profundas contradições.

Um dos maiores legados que o escritor tcheco Franz Kafka deixou ao mundo em sua literatura foi sobre a consciência da existência do espírito da lei e a lei fria quando se trata de justiça.

Eis aqui o cerne de RBG.

Sua figura pública é tão fascinante justamente porque sempre buscou lutar por um senso cívico que esteve muito à frente de seu tempo, situada em uma época onde “equidade” para com o gênero feminino era visto como uma mera utopia sem nexo. Por tudo isso e mais um pouco, sem dúvida a biografada merece ter sua história ressaltada e lembrada. Possivelmente, grande parte do público sairá desse documentário encantado com uma mulher tão cativante e indômita. Talvez até cantarolando I’ll Fight, canção tema do documentário. Caso algum leitor se interesse muito pela ministra que segue em atividade na Suprema Corte até hoje, deixo aqui a dica do filme Suprema, estrelado por Felicity Jones, outra obra que também reconstitui e narra os feitos de RBG.

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Texto de autoria de Tiago Lopes.

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Resenha | No Que Acredito – Bertrand Russell

11 de março de 2019 by Douglas Olive

Literatura, Resenhas

Bertrand Russell, filosofia, l&pm

“[…] A preocupação da moralidade é com aquilo que o mundo deveria ser, muito mais do que como ele é.”

Bertrand Russell se fazia entendível aos ouvidos presentes. Com suas palavras acerca da natureza, do homem (coisas distintas), sobre a ciência, Deus, a moral que pode mover ou não o indivíduo e o seu social, do poder dos nossos impulsos e o que são, de fato, as virtudes atemporais favoráveis a uma vida realmente vivida, o filosofo humanista e palestrante, a favor até a morte da emancipação feminista e da globalização, e contra as guerras mundiais e o potência alienante de todas as religiões na mentalidade humana, tinha o prazer supremo de providenciar aos seus leitores e ouvintes, que viam nele uma espécie de sábio, alguns minutos de reflexão sobre os temas mencionados, em busca das verdades que possam vir a ser confirmadas pelo(a) leitor(a), ou não, a partir de um pensamento crítico honesto, livre, e bem articulado.

Mas elas custam caro, um clichê antigo e atual. Ciente de que um pensamento calado é o combustível da ignorância, e da auto destruição, Russell manteve suas atividades de cunho pacifista, e altamente independente do militarismo logo no auge da Primeira Guerra Mundial. Por conta dos debates encorajados por seus questionamentos, na universidade de Cambridge, demonstrando a verdadeira exuberância de sua dialética, sempre claro e acessível no raciocínio entre leigos e alunos, passou a ser proibido de dar palestras devido sua filosofia política regrada basicamente sobre dois impulsos básicos ao ser-humano: O criativo, que estimula a criação de algo útil sem ninguém sair perdendo com isso, e o impulso possessivo, cujo fim é sempre custoso. Prêmio Nobel em 1950, Russell acreditava na presença de ambos os estímulos em nosso DNA, mas sobretudo, punha toda sua fé nas pessoas – e nenhuma na ideia de Deus.

Nada é sagrado, quanto mais as noções bélicas, tão presentes ainda em 1925 no cenário político no qual ousava ter voz. Para o galês, o conflito era absolutamente irracional – tiro no pé da humanidade consigo mesma. Noções estas explicitamente bem conservadas neste No Que Acredito, no Brasil pela famosa Editora L&PM. Eis aqui um compêndio literário que visa reunir cinco capítulos curtos, originalmente publicados em formato de panfleto, e que tratam de maneira magistral temas de interesses universais: a natureza e o nosso papel nela (destacando que o homem faz parte intrínseca dela, e por isso não pode a ela se opor), ou ainda, através de uma prosa de extrema elucidação, que não se pode levar uma vida virtuosa se a mesma não for inspirada pelo amor, e guiada pelo conhecimento. Nisso, porém, Russell não propõe melhorar a conduta dos homens a serviço de nós mesmos. Isso seria moralismo.

A fim de expandir nossa consciência, o livro guarda aos seus momentos finais uma das frases mais célebres de um filósofo no século anterior: “A coragem deve ser democratizada antes que possa tornar os homens humanos”, diminuindo, neste caso, a influência dos medos sociais a nós, indivíduos. Ademais, Russell não propunha um caminho, mas sua filosofia apontava o estudo sobre possíveis destinos na investigação sobre a(s) múltipla(s) verdade(s) que pode(m) existir. Nesta última afirmação de grandeza incalculável para o empoderamento da sociedade, o mestre expõe sua total falta de empatia para com as regras, o policiamento, a doutrinação, o totalitarismo e as normas que podem limitar a força do pensamento crítico, e os comportamentos humanos.

Assim, não sendo um sujeito imoral unicamente por enxergar o cinismo e a hipocrisia que se escondem na moralidade cristã, por exemplo, e por isso negando-a como o ateu que foi, Russell seria, hoje, um prato cheio aos moralistas de plantão que resistem, de geração a geração, e julgam os outros com todo o imediatismo covarde de internet que conseguem juntar em seus comentários rápidos, de duas linhas, e mal embasados. Mais um achismo no mar incoerente de achismos que se transformaram as redes sociais do século XXI, fenômeno este (Ágora do pós-modernismo) que Russell não chegou a presenciar – mesmo com ele apostando na ciência como a grande provedora de conhecimento aos seus bisnetos e tataranetos do amanhã (teria ele profetizado o Google?). Com No Que Acredito nas mãos, o(a) leitor(a) precisa estar ciente do valor progressista e reflexivo desta joia da literatura, comensurável portanto em dois sentidos: Pequena no tamanho e descomunal em seu conteúdo.

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Crítica | Red 2: Aposentados e Ainda Mais Perigosos

10 de março de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Anthony Hopkins, Bruce Willis, Catherine Zeta-Jones, Cully Hammer, Dean Parisot, Erich Hoeber, helen mirren, john malkovich, Jon Hoeber, Mary Louise Parker, Red, Warren Ellis

Red 2: Aposentados e Ainda Mais Perigosos também começa com os créditos iniciais referenciando a revista da DC Comics, com o traço característico, mostrando Frank Moses (Bruce Willis) lidando com seu par, Sarah (Mary Louise Parker) um mercado mega store, despreocupadamente, quando é interrompido por seu velho amigo Marvin (John Malkovich), para que retornasse a agencia de super espiões. Eis que o antigo amigo do protagonista sofre com a explosão do carro e o chamado a aventura passa a ser algo impossível de ignorar. A forma como o roteiro de Jon Hoeber e Erich Hoeber lida com a recusa do protagonista é inteligente, ainda mais em se tratando de uma adaptação de quadrinhos.

A ação que se segue após a sequencia inicial é frenética, e Willis se mostra muito bem fisicamente para esse tipo de historia, que não exige dele mais do que ser um sujeito forte mas que entende as limitações que a idade lhe impõe. 2013, o ano de lançamento desta continuação é o mesmo de Duro de Matar: Um Bom Dia Para Morrer, e nesse capitulo cinco da saga de John McLane claramente não há o mesmo nível de comprometimento do interprete e nem de veracidade e fidelidade com o personagem, apesar de que a adaptação dos quadrinhos de Warren Ellis e Cully Hammer seja caricata e irreal também, mas dentro dessa proposta, funciona.

O modo que Dean Parisot conduz o filme é baseado demais em um caráter super estiloso, que põe os personagens que são preparados ou não para o trabalho de super espiões para fazer proezas mil e para serem heróis de ação custe o que custar. Isso evidentemente tem um preço, a suspensão de descrença é completamente abdicada, mas em um produto que mira ser um pastiche das historias em quadrinhos isso não é exatamente um problema.

Mesmo a exploração de clichês baixos, como a ressurreição de personagens e crises de ciúmes de outros é bem justificada, pelo fato do texto final não se levar a sério. Red 2 usa e abusa do escapismo e de algumas breguices, mas isso em nada denigre o resultado final, e apesar de esse não ser superior a Red: Aposentados e Perigosos, as cenas de ação são muito boas e o conteúdo é divertido e entretém sem dúvida nenhuma.

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Review | Birds of Prey

9 de março de 2019 by Filipe Pereira

Reviews, Séries

Aaron Paul, Mark Hammil

Há muito tempo, quando séries e filmes de super-heróis eram eventos raros, foi produzida uma série que reunia elementos dos heróis da DC, especialmente do universo do Homem-Morcego. Quando comprada para transmissão na TV aberta, o SBT achou por bem traduzir Birds of Prey para Mulher-Gato, em alusão a uma das personagens da série, mesmo que a ladra cujo alter-ego era Selina Kyle tenha morrido já nas duas versões do piloto.

O nome original do programa faz alusão a revista Aves de Rapina, que ganhou sucesso e notoriedade em 1996, seis anos antes dessa versão. O programa de Laeta Kalogridis reunia a figura de Helena Kyle (Ashley Scott) como personagem principal, que usa o codinome de Caçadora e é filha de Batman e Mulher-Gato (tal qual sua versão nos quadrinhos pré-Crise). Todas as personagens principais têm um passado trágico, Helena perdeu a mãe e foi abandonada pelo pai (teoricamente, e essa versão varia entre os pilotos); Dinah Redmond (Rachel Skarst) também teve sua mãe morta; e Barbara Gordon (Dina Meyer) perdeu o movimento das pernas ao ser alvejada pelo Coringa, como em A Piada Mortal.

Sete anos separam os eventos trágicos do epílogo, onde a Mulher-Gato morreu e o Batman desapareceu do presente da série. Não se explica o motivo do nome do cidade ter mudado para New Gotham, bem como não há muita construção da relação entre as personagens. A união das mulheres é muito dada, não há trabalho narrativo para construção dessa união. No piloto definitivo, a abertura da série mostra um mapa da cidade, narrado por Alfred Penyworth (Ian Abercromble, o mesmo ator que dublou Alfred na série animada do Batman de 1992), que explica como Helena perdeu sua mãe, mostrando o Coringa – dublado por Mark Hammil e feito por Roger Stoneburner como dublê de corpo – esfaqueando a mulher, e posteriormente, atirando na coluna de Barbara, já sabendo que se tratava da Batgirl.

A cena onde Helena salva Dinah lembra muito a cena onde Mulher-Gato de Michelle Pffeifer salva uma inocente no filme de Tim Burton. A maioria dos predicados positivos são referências, os outros pontos são medíocres, como a trilha repleta de músicas que eram moda na época, fato que data terrivelmente a série. Ao menos há um elemento novo: o dom da premonição de Dinah. Isso poderia dar alguma importância para as aventuras das moças, mas obviamente é pouco explorado durante os capítulos.

A série falha em muitas conceitos, como por exemplo, porque a Caçadora seria uma “meia meta-humana” se tanto Batman quanto Mulher-Gato eram humanos. Há outros problemas sérios, como um episódio que brinca com o clichê de que toda mulher nasce para ser mãe, onde as aves de rapina encontram um bebê que cresce muito rápido e ao longo dos quarenta e poucos minutos elas têm de lidar com a criança. Para uma série protagonizada por mulheres, o produto de Kalogridis soa extremamente simplista e machista.

Birds of Prey denuncia uma questão maior, envolvendo a falta de planejamento da DC que vai muito além da péssima qualidade do seriado. Os executivos da Warner sempre foram muito indecisos e confusos sobre seus produtos ligados à editora. Ao mesmo tempo que a série surfava na popularidade de Smallville, sua iconografia tinha muito dos filmes de Burton, mas também os ignorava completamente, ora, como o Coringa retornou dos mortos após cair do alto de uma catedral? Além disso, o uniforme que Meyer usa como Batgirl é o mesmo de Alicia Silvertone pintado, assim como o do Batman é o mesmo de George Clooney, repintado e com o capuz que Val Kilmer utilizou – porque a Batgirl é Barbara Gordon e não Barbara Penyworth? Essas referencias que pegam só o que é conveniente dos (supostos) episódios anteriores da franquia e cronologia é até acertada, pois Barbara sobrinha do Alfred é uma situação idiota de qualquer forma, mas é impressionante como os mesmos defeitos daqui se repetiram até no cinema.

A série foi cancelada em seu décimo primeiro episódio, mas os estúdios permitiram fazer mais dois capítulos, que serviriam para ao menos tentar fechar a história do programa. Birds of Prey chega ao fim com uma boa ideia repleta de pontas soltas e nada enxuta, além de um elenco que poderia ter entregue muito mais do que ofereceu. A conclusão se dá com Alfred ao telefone, falando supostamente com Bruce, dizendo que o pai deveria se orgulhar muito da filha, deixando em aberto se seria um devaneio ou se realmente o protetor de Gotham largou sua cidade por conta de algo que aconteceu no passado.

https://www.youtube.com/watch?v=bU9EuqvK4tE

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Crítica | Albatroz

9 de março de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

alexandre nero, Andrea Beltrão, Bráulio Mantovani, Camila Morgado, Cinema Brasileiro, Daniel Augusto, Gustavo Machado, Maria Flor

Dirigido pelo escritor Daniel Augusto (do livro Nem o Sol Nem a Morte), Albatroz traz Alexandre Nero no papel de Simão, um fotógrafo com uma vida pessoa bastante complicada. No início é mostrado uma situação limite, onde o protagonista dirige, aparentemente, para salvar sua mulher, Catarina (Maria Flor), que está com problemas de saúde, não se sabendo ainda o que ocorreu.

Simão acorda no hospital, e nesse cenário percebe a intenção do filme, apresentando a possibilidade do acontecido ser fruto de seus delírios mentais. Os eventos que seguem envolvem personagens do passado do protagonista e o sumiço de sua esposa, mas tudo é apresentado da forma mais estranha e inesperada possível. O roteiro de Braulio Mantovani foge de fórmulas e métodos narrativos comuns ao cinema mainstream e se assemelham a Literatura Weird em vários momentos, e todo o drama mostrado em tela só funciona por conta da entrega de Nero já neste início.

Em determinado ponto, é introduzida outra personagem, a escritora Alicia (Andrea Beltrão), que na primeira cena, aparece violenta e ameaçadora, para logo depois ser mostrada refém em sua própria casa, que foi cena de um crime, com um sujeito morto. Aparentemente, os eventos que ocorreram até aqui podem ou não ser parte da literatura da mulher, e o Delegado de Gustavo Machado conversa com ela sobre o rascunho do livro, seus envolvimentos emocionais e alguns sonhos homicidas.

O filme é episódico, logo mostra Simão conhecendo Renée (Camila Morgado), com quem ele acaba tendo um caso amoroso. Em uma viagem à Jerusalém, ele registra um incidente: um homem linchado após tentar assassinar uma pessoa. As fotos que faz ganham prêmios e abre-se uma discussão ética do motivo dele não ter ajudado a evitar o linchamento. Toda essa celeuma faz Simão declarar que prefere registrar sonhos e não mais a realidade.

Os tons de viagem ácida que o roteiro revela ocorrem de acordo com o par de Simão. Próximo dos trinta minutos finais, o filme dá uma guinada rumo ao surrealismo. As brincadeiras narrativas com questões relacionadas ao registro fotográfico dos sonhos se eleva a um nível inesperado, e muitas possibilidades de explicações para o conjunto de eventos estranhos são levantadas perto do fechamento do filme, fazendo dela um quebra-cabeça inteligente e inesperado. Abrilhantado pelas atuações de Flor, Nero, Morgado, Machado e Beltrão.

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Resenha | Gideon Falls – Volume 1: O Celeiro Negro

8 de março de 2019 by Lucas Fazola Miguel

Quadrinhos, Resenhas

Andrea Sorrentino, dave stewart, Gideon Falls, Image Comics, Jeff Lemire, Mino

Existem histórias em quadrinhos que são aclamadas por seu texto, existem histórias em quadrinhos que são aclamadas por sua arte. E existe Gideon Falls, que atinge a excelência tanto no aspecto verbal quanto no imagético.

A equipe criativa, formada por Jeff Lemire, Andrea Sorrentino e Dave Stewart construiu em Gideon Falls um verdadeiro clássico moderno, um tratado estético que lida com os limites da narrativa gráfica e os subverte em prol de uma experiência sensorial única, por meio de uma trama envolvente e instigante.

O trabalho conjunto de texto, arte e cor resulta em uma poderosa e intrigante narrativa de horror, que se utiliza da fragmentação diegetica para contar sua história, a partir dos pontos de vista do Padre Wilfred e do mentalmente instável Norton, duas pessoas absolutamente diferentes e igualmente destroçados pela vida.

É uma verdadeira aula de narrativa, a forma como Lemire descortina os mistérios escondidos em Gideon Falls e o enigmático Celeiro Negro que assombra a cidade. Toda a dinâmica entre os personagens é muito bem desenvolvida, de forma que a história não apresenta oscilação em seu ritmo, sem deixar o andamento da trama de lado em nenhum momento. Lemire concebe o terror em Gideon Falls através das entrelinhas de cada cena, cada diálogo, deixando que a tensão sobrenatural escape em alguns momentos, mas sem deixar muitas pistas para o leitor, sobre tudo o que se esconde por trás de toda a angústia que permeia a narrativa.

Lemire foge da abordagem intimista de seus trabalhos autorais anteriores, criando uma dinâmica de relações intrincadas e complexas entre os personagens ao longo da narrativa, sem a necessidade de um subtexto familiar para conduzir as trajetórias de seus protagonistas. Sanidade e fé são colocadas em perspectiva pela escrita do autor canadense, através dos dilemas pelos quais Wilfred e Norton passam ao longo da história.

A diagramação que Sorrentino faz através das páginas é igualmente deslumbrante e demonstra o pleno domínio que o quadrinista exerce sobre a história que se propõe a contar. Navegar pelas disposições dos quadros em Gideon Falls se revela uma viagem quase lisérgica pelos recônditos mais assustadores da mente humana. A alternância entre os requadros padrões e as diferentes configurações de composição de página, típicas do artista, refletem o próprio estado psicológico dos personagens em cada momento capturado no espaço-tempo contido no quadro.

O trabalho em conjunto de Sorrentino com o colorista Stewart confere o tom psicodélico que a obra necessita, sem deixar de se preocupar em criar uma ambientação bem característica para Gideon Falls, em seus mais distintos núcleos. A arte casa perfeitamente com o brilhante texto de Lemire, de maneira que não se encontra uma sobreposição de arte pelo texto ou de texto pela arte, mas sim uma simbiose estrutural poucas vezes vista em uma história em quadrinhos.

Gideon Falls foi de longe a melhor série lançada nos EUA em 2018 pela Image Comics e publicada no Brasil pela Editora MINO, quase que simultaneamente ao lançamento no mercado norte-americano, sendo assim um trabalho editorial digno de todos os aplausos possíveis. O encadernado brasileiro, editado por Janaína de Luna e traduzido por Dandara Palankof, compila o material originalmente publicado em Gideon Falls #01 a #06, totalizando 160 páginas, com papel de excelente gramatura e uma belíssima capa dura.

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Crítica | Uma Noite de 12 Anos

8 de março de 2019 by Douglas Olive

Cinema, Críticas

Alfonso Tort, Álvaro Brechner, Antonio de la Torre, Chino Darín, Ditadura Militar, Filmes Políticos

Temos uma clássica narrativa de cunho militar/ditatorial, sob a perspectiva de três prisioneiros, ou melhor, reféns de um governo uruguaiano ainda totalitário, e implacável com os seus subversivos. Aqui, o ditador ri da cara de quem queria mudar o mundo. Ameaça, e ri mais um pouco. Porcos a serviço da própria podridão, enquanto as humilhações e o escárnio a dignidade humana não cessam. Curioso como, em 2019, tudo isso parece retornar (após um curto período) na América Latina de sempre: super-instável, violenta, turbulenta. Refém das cobiças do primeiro mundo que nos vê tal um laboratório de experimentos sociais, facilmente manipulável. Dócil. Frágil.

O filme de Álvaro Brechner consegue denunciar, graças ao uso pertinente de uma mise-en-scène pesada e amplamente realista, grande parte da tensão sufocante que tanto corrompeu, e se infiltrou na estrutura das políticas latino-americanas. Explorando o peso de uma ditadura sentida na pele por três dos seus mais famosos sobreviventes compatriotas, mantidos em cativeiro sob forte guarita, e expostos a todo tipo de tortura física e psicológica dentro e fora das suas jaulas imundas, eis aqui o semi-triunfo de Uma Noite de 12 Anos, durante sua sessão cheia de altos e baixos: tornar perspicaz e tangível, na tela, a sensação de injustiça e perseguição quando as liberdades parecem ser coisa do passado, e a democracia, uma utopia além de quaisquer possibilidades.

Um drama a serviço do ato de resistência perante a uma intolerância absolutista, enquanto a sociedade é novamente (incansavelmente) levada a crer num certo e errado conveniente a um jogo de poder atual, presente no Uruguai dos anos 70 e 80 (e na infeliz Venezuela, dos anos 2010). José Mujica, num futuro já de outrora, viria a ser o presidente desta nação, o mais humilde e populista de todos os chefes, mas antes, junto de Mauricio Rosencof, jornalista e escritor, e Eleuterio Huidobro, ex-ministro da Defesa, tiveram de sentir a queimadura dos grilhões históricos que os seus e os nossos antepassados também sentiram, “de mãos atadas”, sonhando com as liberdades sociais como três meninos que sonham em ser astronautas.

Brechner confunde dramatização com sentimentalismo, rendendo boas cenas, simbólicas como precisam ser, mas mostrando-se inseguro quanto a capacidade da plateia em absorver a pressão que esses corpos e mentalidades sofreram. Assim, o cineasta torna este Uma Noite de 12 Anos um tanto pretensioso nos temas que expõe, sem a habilidade narrativa de debatê-los como mereciam – exceto em alguns rápidos (e rasos) momentos, como quando Mujica, vulgo Pepe, por meio de um delírio psicológico sendo submetido a tortura militar, vê todos em um bar algemados, e vendados, ao redor das mesas. A visão impressiona, evidencia a angustia onipresente de um período agressivo. Uma paranoia que começa a assolar a população, por inteiro, quando esta é pulverizada no ar, como os agrotóxicos e os preconceitos sociais que são borrifados para adoecer a população, em todos os sentidos.

Com nada de novo, e tudo de velho, vimos Pepe sendo preso junto de outros rebeldes, e seus maiores desafios enfrentados no cárcere. Seu inferno começa, entre escadas de sangue e tirania institucional – e os de fora também sofrem, famílias que compartilham de um mesmo sofrimento. É curioso como, ao longo de uma tempestade, o sol parece nunca mais voltar, e a cinebiografia transmite isso de forma eficiente, sendo esta sua principal função, devido a forma denunciativa na qual foi construída. Seus fortes apelos não passam em vão, mas tampouco fazem Uma Noite de 12 Anos ser tão marcante quanto poderia ser. Filme que se vale pelos seus temas, sua ambientação, e se isso já basta ao espectador, temos aqui um bom registro de uma época premiado na Mostra Horizontes do Festival de Veneza, e também no prestigiado Festival de Berlim, em 2018.

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Resenha | ZDM: Terra de Ninguém – Volume 1

7 de março de 2019 by Filipe Pereira

Quadrinhos, Resenhas

Brian Wood, Panini, Riccardo Burchielli, Vertigo, ZDM

Brian Wood se juntou ao desenhista Riccardo Burchielli, que o ajudou a construir a atmosfera de ZDM: Terra de Ninguém, uma história que surpreende pela junção de fatores tão diferentes, mas que funcionam dentro da trama. O drama tem como ponto de partida os Estados Unidos tendo que enfrentar a negligência às suas próprias fronteiras, onde milícias dominaram o mapa e se auto-instituíram como outro tipo de estado, chamado de Estados Livres.

Os livres são conhecidos por cometerem ataques em condições inesperadas, ao menos é assim que boa parte da imprensa dos EUA se refere a eles. A realidade é revelada aqui de um modo violento e visceral e não há muita introdução de personagens neste primeiro volume, as pessoas que habitam aquele cenário são homens e mulheres comuns que basicamente vivem na zona de guerra e tentam não morrer. O que mais se aproxima de um protagonista é o enviado dos EUA, Matheus Matty Roth, um iniciante que tenta registrar o sofrimento dos refugiados, fotografando os mutilados pelos bombardeios como seu primeiro exercício de investigação, e essas cenas em especial são bastante chocantes. Matty é mostrado em condições precárias, não só de sobrevivência mas de trabalho, ele é tido apenas como o assistente de um dos magnatas/aristocratas que vivem acima dessa realidade.

As cenas que Burchielli desenha dão uma beleza e grafismo ímpar para os horrores causados guerra, e a posição política de Matty acaba sendo próxima da neutralidade pois mesmo prestando serviços e tendo origem nos Estados Unidos, as pessoas que o ajudam a viver são dos Estados Livres, e permanecer incólume diante de tanta tristeza é praticamente impossível. No entanto, é o instinto de sobrevivência que prevalece em seu pensamento, ao quase ser atingido por fogo amigo, por militares que incursaram em território hostil. Antes de sofrer a humilhação de ter que se despir diante das armas, ele chora, por pensar que poderia morrer, e mesmo que isso possa parecer egoísmo, é uma boa forma de retratar o que habita o imaginário das pessoas em situação tão extrema.

Os quadrinhos mostram um ambiente frágil, sob vigilância de adversários que não hesitam sequer em matar famílias civis sob o pretexto de estarem fazendo seu trabalho, sob ordens de alguém poderoso. Terra de Ninguém termina de maneira crua, mostrando a terra arrasada que a ilha de Manhattan se tornou. Após isso, é mostrado o Central Park tomado de neve, com o inverno a situação muda um pouco, mas sem deixar de lado os cenários desolados. A partir desse momento, nas historias mais curtas se notam arcos mais isolados, com outros personagens periféricos, sempre com Matty em foco, registrando tudo com sua câmera e isso faz enriquecer a ideia que Wood tenta passar ao leitor.

A estrutura é interessante, o sentido de chocar nas primeiras histórias, para só depois mostrar situações mais episódicas é uma alternativa inteligente, onde claramente ainda se tem muitos problemas para lidar mas ainda assim existe uma taxa de normalidade, onde as pessoas vivem para evocar a capacidade de adaptação do homem. Denunciar todos esses males prossegue sendo um exercício hercúleo. No entanto, mesmo nessa ideia de normalidade existe uma denúncia forte à precariedade em que as pessoas vivem, sem mantimentos, algumas canibalizando os recursos de seus vizinhos. A sobrevivência supera o senso de comunidade, a exposição do quanto o homem pode pensar somente em auto-preservação em momentos de crise, como costuma acontecer nesse tipo de distopia.

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Crítica | A Última Gargalhada

7 de março de 2019 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Andie MacDowell, Chevy Chase, Greg Pritikin, Netflix, Richard Dreyfuss

A parcela dos seres humanos que se diverte com a mínima comicidade, seja numa piada, numa cena de filme ou numa fala de uma peça de teatro, é detentora, digamos, de uma espécie de dom. Sim, porque dar boas risadas é fundamental para uma vida saudável; e quão mais fácil para uma pessoa chegar às gargalhadas, mais diretamente ela obtém daí os benefícios mentais e para os sistemas imunológico e hormonal (fica aqui a sugestão de leitura dos trabalhos do prof. Lee Berk sobre o tema). Apenas com senso de humor elástico é possível dar algumas poucas risadas com A Última Gargalhada.

A ideia do roteiro, escrito e dirigido por Greg Pritikin (Dummy: Um Amor Diferente), até que é boa: a história de um agente de talentos, Al Hart (Chevy Chase), aposentado, que diante do ócio da “vida pós-laboral” se sente compelido a voltar à ativa; e nessa tentativa “redescobre” um antigo agenciado, o humorista Buddy Green (Richard Dreyfuss), o qual apesar de muito talentoso abandonou a carreira muito cedo em busca de outra que o permitisse maior estabilidade para manter sua família. Tanto como drama como comédia, a trama tem um potencial interessante, mas assim como seu personagem central, não consegue realizar esse potencial.

Além de entregar muito pouco de cômico, o longa também tem enorme furo de linha temporal. A passagem do tempo na história não condiz com o que é narrado, a partir do momento em que os dois saem em turnê. Ainda menos com o percurso feito de carro pelos personagens (o que demandaria muito mais tempo que aquele passado na narrativa). Para completar a falha, o roteiro só “entrega” o drama real da história no seu desfecho. Embora isso seja claramente intencional da parte de Pritikin, aponta para exploração empobrecida da história.

Para os saudosos de um cômico Chevy Chase de Clube dos Pilantras, Três amigos! ou da trilogia Férias Frustradas, a atuação mediana do ator é (com a licença do trocadilho) frustrante. Já Dreyfuss se destaca no papel de Green. Se há um ponto alto no filme, aliás, é justamente a atuação do novaiorquino, que conta com mais de 120 atuações em sua carreira até aqui, tendo sido agraciado com o Oscar de melhor ator em 1978 por sua interpretação de Elliot Garfield em A Garota do Adeus.

Se incapaz de fazer um pouco mais pelos telespectadores, A Última Gargalhada é um passatempo válido e faz pensar um pouco sobre abrirmos mão de fazermos o que amamos em função de estabilidade profissional e financeira. Acredito que poucas pessoas gargalhem vendo o filme, mas algumas risadas incidentais podem acontecer. Similarmente ao que a maioria das pessoas vai fazendo com suas vidas até se darem conta e perceberem que é um pouco tarde para ajustes de rumos.

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Texto de autoria de Marcos Pena Júnior.

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VortCast 63 | Capitã Marvel

6 de março de 2019 by Flávio Vieira

Podcasts, VortCast

Capitã Marvel

Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira), Thiago Augusto Corrêa, Jackson Good (@jacksgood), Filipe Pereira e Rafael Moreira (@_rmc) se reúnem para comentar um pouco sobre Capitã Marvel, o novo filme do Marvel Studios, que tem em sua protagonista um dos principais pilares dessa nova fase do universo cinematográfico de super-heróis.

Duração: 56 min.
Edição: Flávio Vieira
Trilha Sonora: Flávio Vieira
Arte do Banner: Bruno Gaspar

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Crítica | Grande Hotel

6 de março de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Alexandre Rockwell, Allison Anders, Antonio Banderas, Lawrence Bender, Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Tim Roth

Em 1995 a Miramax do produtor Lawrence Bender resolveu juntar quatro diretores para fazer um filme colaborativo onde Quentin Tarantino, Robert Rodriguez, Alexandre Rockwell e Allison Anders contariam cada um uma história curta, em Grande Hotel. A abertura animada talvez seja o ponto mais memorável do filme, normalmente esquecido por boa parte dos fãs dos cineastas dado seu caráter nada sério. A realidade é que boa parte dos segmentos não são inesquecíveis de fato, compondo assim histórias genéricas em sua maioria.

The Missing Ingredient tenta soar transgressor, mas não consegue ir além de um humor pastelão misturado a pitadas de sensualidade da parte do elenco feminino que Anders conduz. O outro quadro, Wrong Man, de Rockwell, começa por um pedido de gelo de um dos quartos, que é na verdade feito pelo personagem do produtor, Lawrence Bender, mas acaba em um mal entendido com um casal que tem fantasias em fingir participar de um sequestro. As histórias são chatas e enfadonhas, sendo a segunda ligeiramente melhor.

The Misbhavers é dirigido por Rodriguez e tem Antonio Banderas fazendo um pai nervoso, que obriga Ted a cuidar de seus dois filhos enquanto ele está fora. Aqui claramente o cineasta mexicano usufrui de alguns dos elementos que poria na franquia Pequenos Espiões, e apesar de alguns absurdos e surpresas do roteiro, não há muito diferencial. A última parte cabe a Tarantino, que estrela, dirige e escreve uma história sobre um cineasta hospedado no hotel que tem muitas exigências. Chester Rush é uma versão do próprio realizador de Pulp Fiction, em uma brincadeira onde ele revela sua vaidade, que o fez tentar durante um bom tempo emplacar uma carreira como ator. O grave problema é que The Man From Holywood é repleto de diálogos, mas nenhum tão inspirado quanto de costume.

E assim termina Grande Hotel, um filme que pretendia ser uma alternativa despretensiosa a filmografia dos que estão ali envolvidos, mas que é tão desprendida de compromissos com histórias bem desenvolvidas que soa apenas como um pequeno filme onde cineastas famosos podem exercer alguns de seus caprichos em um micro-universo onde os personagens e situações se cruzam, mas que não tem qualquer significado ou qualidade ímpar.

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Crítica | Capitã Marvel

5 de março de 2019 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Anna Boden, Annette Bening, Ben Mendelsohn, Brie Larson, Jude Law, Lashana Lynch, Ryan Fleck, Samuel L. Jackson

Cercado de muitas expectativas, Capitã Marvel finalmente chega aos cinemas, dirigido pela dupla Anna Boden e Ryan Fleck, mais de dez anos depois do marco inicial do universo compartilhado da Marvel, com o Homem de Ferro de John Favreau, e o resultado é um filme divertido e despretensioso, mas que tem um desenvolvimento inicial um pouco desnecessário.

Carol Danvers (Brie Larson) nos quadrinhos sempre foi uma personagem controversa, teve fases entre os codinomes de Miss Marvel, Binária e Warbird em que tratou de temas pesados como alcoolismo e abuso sexual, e de certa forma, o ponto de início da personagem no filme conversa com isso, estabelecendo no roteiro que a heroína teve um passado que não se recorda, e por algum motivo, não há esforço ou curiosidade para se explorar esse ponto. É como se ela estivesse se distanciando dessa época, simplesmente pelo fato de ali habitar traumas tão grandes que fazem a moça esquecer quem era.

A composição visual desta parte soa estranha e artificial, bastante genérica, curiosamente há um efeito oposto ao visto em Homem de Aço, com Krypton sendo a melhor configuração visual do filme de Zack Snyder para logo depois cair sobre um texto sofrível. Em Capitã Marvel ocorre o exato oposto disso. Neste ponto há uma boa relação do personagem de Jude Law com a protagonista, variando entre a figura do mentor, preocupado com sua talentosa aprendiz, e o sujeito castrador, que impede sua aluna de voar, apelando sempre para o clichê da humanidade, de que ela é muito emocional, afirmando que isso atrapalha sua função de protetora da cultura Kree. A grande questão é o que ocorre depois, onde as curvas dramáticas de certa forma invertem um pouco o sentido desse relacionamento, e caem sobre clichês batidos. Essa pecha de desqualificar a pessoa por conta das suas emoções é um clichê muito utilizado para desqualificar as mulheres e a maior riqueza do roteiro é a desconstrução desta questão, resultando inclusive nesse ser o diferencial da personagem enquanto guardiã da justiça.

O retorno à Terra é sem dúvida nenhuma um dos melhores momentos do longa. Tudo que envolve a chegada da heroína ao planeta é carregada de paranoia extrema, que começa pelo conflito entre Krees e Skrulls. Essa dicotomia traz ecos da Guerra Fria, e é acertada demais à época em que o filme de passa, nos anos noventa, com a humanidade que já viveu a Guerra Fria e que se permite não ser mais tão maniqueísta e preocupada quanto os dois povos em conflito. De inteligente também existe o comentário sobre o quão vazias podem ser as razões para a guerra, além da desconstrução da demonização de ambos os lados, pois durante as mais de duas horas de filme os dois povos alienígenas são mostrados como cruéis e honrados quase na mesma medida.

O Nick Fury de Samuel L. Jackson se torna um coprotagonista, a quantidade de tempo e de importância que tem no filme talvez seja maior do que toda a soma de suas participações nos outros capítulos do MCU. A reconstrução visual de sua juventude é muito bem feita, a maquiagem o deixa mais jovem e ele claramente está em boa forma. Não faz lembrar o seu personagem Zeus em Duro de Matar: A Vingança, mas ainda assim ele aparenta ter entre 30 e 40 anos. Boa parte das piadas e momentos engraçados do longa passam por ele, e a relação entre ele e a personagem-título flui muito bem entre o receio mútuo dos dois e a parceria franca e crédula. A dinâmica de filmes policiais com parceiros diferentes funciona bem demais, fazendo o fracasso de Homem de Ferro 3 soar ainda maior por ter tentado isto com os filmes da Marvel e simplesmente não ter conseguido.

As piadas com a tecnologia descartável da década de 90 são muito boas, e apesar de não ter um vilão muito inspirado tal qual a maioria absoluta dos filmes da Marvel, as relações de Capitã Marvel são muito críveis, seja as de Larson com Annette Benning, que faz uma mentora que se baseia em um personagem clássico dos quadrinhos, mas com diferenças importantes, ou com Talos, o personagem de Ben Mendelsohn, que faz um sujeito desconfiado, sorrateiro mas que é capaz de travar uma amizade que varia entre a rivalidade e a cooperação amistosa com Fury — aliás poucas vezes se viu uma versão tão acertada e diferenciada dos Skrulls quanto aqui.

Há uma outra relação interessante, embora não tenha muito tempo de tela, entre Danvers e sua amiga e antiga copilota Maria Rambeau, interpretada por Lashana Lynch, que além de carregar o sobrenome da personagem Monica Rambeau (a primeira Capitã Marvel), ainda dá ares de antigo par romântico de Danvers, ainda que isso não seja dito com todas as letras, de qualquer forma é louvável que tenha se levantado essa possibilidade, ainda mais se tratando de um filme feito para o público nerd, que tem sido um reduto de conservadores nos últimos anos.

Apesar de alguns problemas com a história muito formulaica, a obra de Boden e Fleck tem mais acertos do que equívocos, sobretudo no que não é dito e no que é implícito. Se Larson não é tão brilhante, ao menos seus coadjuvantes são, em especial Jackson e Mendelsohn, que pavimentam bem o caminho para que a personagem heroica consiga atingir seu apogeu, a despeito até do fraco desempenho de Law no ingrato papel que lhe cabe. Ao menos nesse filme não existe a mesma problemática de tantos outros filmes de origem, embora seja um pouco necessário ter assistido Capitão América: O Primeiro Vingador e Guardiões das Galáxias para relembrar alguns personagens e situações. As cenas pós-créditos pouco acrescentam e ao menos neste filme não se justifica o fato de Fury não ter chamado através do pager uma mulher tão forte e poderosa em Vingadores, Vingadores: Era de Ultron ou em Capitão America: O Soldado Invernal, e as possibilidades para o futuro da Marvel nos cinemas seguem como antes do lançamento do filme, intactas, abrindo a possibilidade para talvez terem histórias mais fechadas em si, como esta, onde o escapismo e a falta de pretensão cronológica possam reinar de modo livre e sem pudor de ser somente isso.

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Disney e o Antinazismo

5 de março de 2019 by Filipe Pereira

Artigos, Cinema

Filme sobre Nazismo, mickey mouse, Nazismo, Pato Donald, Walt Disney

Desde sempre, a cultura e a arte tem ligação íntima com a política, e não é incomum que os produtores de audiovisual tomem partido quando o contexto histórico assim pede. O combate ao totalitarismo alheio é bem comum em especial em épocas de conflitos e basta dar uma olhada nos quadrinhos para perceber o enorme esforço de guerra que era empregado nos anos quarenta pelos heróis populares. Batman e Robin, Superman e Mulher-Maravilha estampavam capas nos anos 40 com tanques e armamentos de guerra. Na Marvel/Timeless não era diferente, pois a capa mais clássica do herói símbolo Capitão América era justamente dele desferindo um soco no rosto de Adolf Hitler.

Nesse contexto, Walt Disney também teve uma contribuição. Sua carreira controversa por outros tantos motivos – entre eles a falta de crédito aos diretores, como é o caso da maioria desses – ganhou também esse capítulo, onde ele utilizou os seus estúdios e animações no mesmo esforço, produzindo obras em curta-metragem, com temáticas diferenciadas entre si, mas que tinham como norte o combate à tirania de Hitler e o chamado eixo do mal.

Um tempo atrás, analisamos Aprendizado Para a Morte (ou Education For Death), que mostra a construção do ideal nazista e a doutrinação que ocorria entre crianças, com o estado nazista afetando o destino da infância desde o nascimento, proibindo certos nomes (os que se associam a judeus) além de estimular que as famílias cresçam para que haja gente que ocupe as fileiras de alistados.

Outro filme que Walt Disney encomendou com seus produtores foi A Face do Fuhrer (ou no original Der Fuehrer Face), protagonizado pelo Pato Donald e lançado em 1943, vencedor do Óscar de Melhor Curta de Animação. Seu começo é musical, e mostra um trio de soldados opositores cantando, cada com um jeito bem peculiar, no idioma inglês, mas com forte sotaque alemão e japonês. Na música, falam sobre a nova ordem mundial de Hitler, e de como eles são como super homens.

Logo, o hino acorda o pato, que assim que desperta, passa a fazer a saudação nazista a retratos na parede, de Adolf Hitler, Benito Mussolini e ao imperador japonês. Pelo céu e por toda a casa de Donald se percebem desenhos dos símbolo da suástica, tão abundantes em tela que passam a ideia de que os seguidores desse pensamento e modo de governo eram vítimas de lavagem cerebral. Quando não está comendo, ou fazendo suas necessidades, o pato lê Mein Kampf, como forma de ocupar seu tempo.

O trabalho dele é repetitivo, ele verifica se as munições, entre balas, granadas e demais projéteis, mas a quantidade é tão grande e a indústria da guerra exige tanto dele que acaba entrando em colapso, vítima de um ataque nervoso, por não conseguir suprir a demanda. O filme de Jack Kinney por mais que termine de maneira propagandista, existe um aprofundamento interessante da condição do proletariado, que é a parcela do povo que mais sofre em períodos de guerra.

The Thrifty Pig, de 1941, um conto dos três porquinhos com algumas pequenas alterações na roupa do Lobo Mau, que usa faixa com a suástica além de um quepe com o mesmo símbolo. Mas não há muita diferença entre essa a história principal, exceto por uma bandeira da Grã Bretanha na casa dos tijolos. Ao final dele há uma propaganda nada velada, que evocava a vitória dos ingleses. Curiosamente o filme foi lançado em novembro, no mês anterior ao ataque a Pearl Harbor. Parecido com este é The New Spirit, de 1942, menos elaborado aos outros citados anteriormente, e ligeiramente melhor que o anterior. Ele começa com uma canção original sobre o espírito yankee. Tem um caráter de propaganda fortíssimo, pedindo investimento na indústria armamentista.

Há um outro curta, Reason and Emotion, narrado de maneira tão quadrada que faz lembrar até um documentário. Na trama, Razão e Emoção brigam no cérebro das pessoas para tomar o controle, de certa forma, como foi visto na premissa de Divertida Mente, da Pixar. Na metade final do curta, é mostrado uma ideia de como Hitler dominou corações e mentes alemãs, a Razão é diminuída através das falácias de Adolf e a Emoção, e a forma como o Fuhrer propaga suas inverdades ludibria facilmente a parte emocional. Apesar de didático, o filme de Bill Roberts consegue transmitir bem a ideia de lavagem cerebral que ocorria no III Reich.

Private Pluto é protagonizado pelo cachorro de Mickey Mouse, que marcha de maneira quadrúpede e com um capacete de soldado, seguindo ordens de um comandante estrangeiro, aparentemente alemão. De 1943, dirigido por Clyde Geronimi, a história mostra o cão se envolvendo em uma intriga com dois pequenos esquilos, que seriam os famosos personagens Tico e Teco, os dois acabariam sendo coadjuvantes em muitos desenhos do Pato Donald e depois teriam até uma animação famosa nos anos 90. Para efeitos da Guerra, fora o sucateamento do equipamento que os bichinhos fazem, não há muito a acrescentar, exceto que seu diretor Geronimi ganharia notoriedade anos mais tarde pela direção, seria ele o diretor dos clássicos animados Cinderela, A Bela Adormecida, Alice no País das Maravilhas, As Aventuras de Peter Pan, A Dama e o Vagabundo, além de nos anos sessenta ter feito dezenas de episódios nos desenhos desanimados do Namor, Hulk e no Homem Aranha.

Voltando ao Pato Donald, Commando Duck lançado em 1944 mostra o protagonista como um soldado americano, que desce de paraquedas em um campo de batalha genérico, mas que está tomado de caricaturas de soldados japoneses. A animação é engraçada e repleta das piadas de humor físico típicas do personagem, com os exageros que mostram um bote militar se enchendo d’água e ficando tão grande quanto o espaço físico de um cânion, mas tão frágil quanto uma bexiga.

Outra situação cômica estranha é o fato de brincar-se demais com armas e munições, onde se tira boa parte do peso. Jack King conduz uma história bem engraçada, tal qual faz também em Fall Out Fall In, um ano antes, que é levemente menos inspirado que os outros citados. Nele, Donald é um alistado que enfrenta a chuva, lama e outros percalços comuns aos soldados rasos. Ao esforço de guerra, serve para valorizar a bravura e a estafa que os alistados tinham, e veladamente, uma reflexão sobre quão fútil poderia ser o serviço de alistamento militar.

King ainda faria The Old Army Game, que começa com Bafo de Onça de vigia do exército, verificando o sono dos soldados, até perceber que um deles pôs um boneco em seu lugar na cama. Depois, ficam os dois brincando entre si, com Bafo se sentindo mal por fazer troça com o pato. Para terminar, há Sky Trooper, mais antigo dos filmes, de 1942. Como o nome diz, é focado em uma instalação aeronáutica. Donald é um recruta responsável por descascar batatas, mas seu desejo real é voar. Ele lida com um oficial superior vivido pelo Bafo de Onça, que o engana, fingindo que ele irá voar nas aeronaves como os pilotos, mas ele é posto com os paraquedistas sem o mínimo de treinamento para tal. Esse é mais um vídeo de bastidores, feito para entreter o público e para tornar mais leve o dia a dia das tropas americanas, com uma temática divertida e escapista, diferente dos horrores da guerra que os jovens soldados viviam. Se por um lado, seu caráter é desimportante, por outro não há a arrogância propagandista típica de Disney como houve com A Face do Fuhrer. É curioso apreciar hoje em dia o esforço cultural contra o avanço de Hitler e do nazifascismo, e serve a história por ser registros de uma época diferente.

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Resenha | Salobre – Thiago Scarlata

5 de março de 2019 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Editora Urutau, Thiago Scarlata

Salobre, do poeta carioca Thiago Scarlata, publicado pela Editora Urutau, reúne poemas que buscam alcançar o tempero das coisas; mas não qualquer sabor associado ao acaso, Scarlata preocupa-se em expor aquele gosto salgado que ganha a boca. Versos áridos curtos e longos tomam o paladar do leitor e transformam a leitura em também experiência gastronômica, como uma metáfora do amargo, do forte, do pungente efeito que o mundo tem de nos surpreender, mas não ao poeta, este cientista.

Em “Salobre” temos uma predominância de versos curtos que primam pela concisão da linguagem, como se fossem uma pitadinha de sal na língua – aquela pequena dose capaz de temperar toda a refeição. Versos curtos criam um ritmo mais forte e vigoroso na leitura; as imagens poéticas se formam com mais facilidade e ganham os ouvintes de tal poesia. Aliás, poesia perfeita para ser declamada, os versos de Scarlata funcionam tanto por sua concisão e excelente força vocabular, como também pelas metáforas que reúnem, num efeito de mostrar o não dito, aquilo que não cabe inteiro no poema. Scarlata faz isso muito bem: esconde na simplicidade (e todos sabemos que simplicidade é o mais difícil na escrita).

Mas o poeta não vive apenas de versos curtos. Temos outros poemas de frases mais longas com o recurso de enjambement (técnica onde um verso é lido como continuação do anterior), que Scarlata utiliza em descrições e odisseias do Eu Lírico. Em “tutorial para caçar baleias”, por exemplo, o poeta traz o máximo de precisão ao narrar uma caça de baleias através de uma alternância de versos maiores e menores, o que também visa expor o movimento de caça e fuga do animal. O final é chocante.

Dividido em três partes, a saber: soro, salário e salinas, o livro reúne intensidades diferentes de sabor. A primeira parte é mais forte e reúne poemas que tratam de assuntos amargos com um certo descontentamento com o mundo (ou com o homem), poemas sobre o que tentamos afastar, mas que por vezes retornam a nós. Em “Salário”, o tema principal são as relações do trabalhador com o seu ganha pão. Scarlata nos faz refletir sobre aquelas dores diárias que cicatrizam pela constância e nos tornam, pouco-a-pouco, mais máquinas e menos poetas. São poemas-protesto, em maioria. “Salinas”, a terceira parte, reúne versos mais reflexivos, distintos e metalinguísticos, que dão conta da poesia que busca tocar o novo do mundo ou filosofar sobre aquilo que nos rodeia e que perdemos de vista frente à maquinação do cotidiano.

“Salobre” é um livro bem resolvido com um fluxo poético notável e versos precisos, certeiros, sem nada em excesso. Este terceiro livro de Thiago Scarlata mostra um poeta consciente de sua poesia e seguro com o efeito que deseja transmitir; o efeito do sal, do amargo, do poema-que-arde-e-tempera-a-boca e transmite, vibra, e nos impressiona. Livro muito recomendado. Mas leia devagar, hipertensão é um risco.

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Texto de autoria de José Fontenele.

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Crítica | Todos Já Sabem

4 de março de 2019 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Asghar Farhadi, Bárbara Lennie, javier bardem, José Luis Alcaine, Penelope Cruz, Ricardo Darín

De uma certa maneira, Todos Já Sabem (Todos Lo Saben/Everybody Knows) é a culminação nem tão saudável dos interesses de Asghar Farhadi (À Procura de Elly, A Separação, O Apartamento) como contador de histórias. Se por um lado as tensões e a própria narrativa são bem costuradas ao longo do filme, também é verdade que nada parece muito sincero e natural além da química entre os estrelados componentes de seu elenco. Talvez exista um filme recôndito menos bombástico e mais genuíno em Todos Já Sabem, mas Farhadi não o apresenta e permite, até compreensivelmente, que tal franqueza seja posta de lado em favor das atuações de Penélope Cruz, Javier Bardem, Bárbara Lennie e Ricardo Darín.

Girando em torno do desaparecimento súbito de Irene (Carla Campra), filha adolescente de Laura (Cruz) e Alejandro (Darín), durante a visita de quase todo o núcleo familiar, residente na Argentina, à pequena cidade nos arredores de Madrid onde Laura viveu durante boa parte de sua vida e na qual suas irmãs e seu pai ainda moram e o casamento de uma delas, a mais nova, ocorrerá, o longa introduz de maneira relativamente expositiva e direta os temas que conduzem sua narrativa: dilemas e imperfeições familiares escondidos ou negligenciados em nome da harmonia e da felicidade alheia. A família de Laura não passa por dificuldades que vão além de questões cotidianas, e é justamente esta a razão para o ocaso causado pelo evento extraordinário que leva o filme adiante e move as peças pelo tabuleiro – pessoas consternadas e razoavelmente perdidas diante de algo além de seu controle e aparentemente distante de uma resolução.

A reunião familiar devido ao matrimônio de Ana estabelece rapidamente a dinâmica entre as personagens: Laura é uma filha distante apenas geograficamente, aparentemente bem casada com o ausente Alejandro e com um casal de filhos, Mariana (e sua família, Fernando e Rocío, respectivamente marido e filha passando por problemas no casamento e com uma filha pequena), mais velha que Laura, e Ana suas irmãs, todas filhas de Antonio (Ramón Barea), um idoso temperamental e de saúde em declínio. Completam o cenário Paco, amigo de infância e juventude de Laura e pessoa ainda muito próxima à sua família, seu sobrinho Felipe (Sergio Castellanos) e sua esposa/namorada Bea, cuja personalidade prática contrasta com a proximidade quase pueril das demais personagens.

Farhadi sempre demonstra interesse em situações não resolvidas ou mal acabadas e acomodações realizadas por indivíduos desprovidos de certezas a respeito dos rumos das próprias existências, bem como nas consequências inevitáveis destas virem à tona, e Todos Já Sabem, sua obra mais abrangente em termos de número de personagens e detalhes sobre suas vidas (até mesmo em função do suave exercício de gênero do cineasta, aqui flertando mais uma vez com um thriller) é um prato cheio para que o iraniano possa flexionar os músculos de sua curiosidade acerca da vida dos outros, do que os motiva e do que os impulsiona. Se a família de Laura e Alejandro parece carinhosa e harmônica, é porque seus problemas (bem ancorados na realidade) ficam afastados o suficiente para manter esta realidade; se o clima entre Paco, o pai de Laura e outros parentes e habitantes do vilarejo é um de intensa familiaridade, é porque a trégua para assuntos mundanos e picuinhas ainda funcionais é conveniente, apesar de tênue, e conserva a possibilidade de tantas pessoas diferentes não se entregarem à impessoalidade de tempos mais atuais e lugares mais metropolitanos. O roteiro de Farhadi preza por personagens autênticas, e na maior parte do tempo é exitoso ao demonstrar esta autenticidade em doses homeopáticas, evitando transformar cada cena em algo intenso e pautando eventuais revelações e interações mais drásticas por uma lógica interna de necessidade e oportunidade. Quando falha, não chega a comprometer tudo que ergueu, mas a aparente obrigatoriedade de momentos mais intensos por vezes se assemelha mais a uma tentativa de fermentar os dramas do que com o desenvolvimento natural e proporcional de revezes e embates iminentes.

Contudo, é difícil não esperar sequências dramáticas mais chamativas quando se tem atrizes e atores do calibre dos presentes em Todos Sabem, e embora Penélope Cruz exerça um potente magnetismo como Laura, são as personagens de Bardem, Darín e Bennie (na figura de Bea, companheira de Paco), todas pessoas tentando agarrar-se às próprias dignidades diante de complicações financeiras e morais, que acabam conferindo a seus intérpretes a chance de encarnar emoções mais contidas, mais sutis e que melhor conversam com a atmosfera do filme (nem sempre racional, e bastante afetada por algumas reviravoltas e soluções que soam mais oportunas e espertas do que a trama realmente precisava – as aparições de um policial aposentado que auxilia a família quando do sumiço de Irene, em especial, são fortuitas demais pra que possamos considerá-las orgânicas e não meras ferramentas pra incrementar a exposição de elementos acerca da família de Laura e do entorno do ocorrido).

Através de uma eficaz colaboração com José Luis Alcaine, habitual colaborador de Pedro Almodóvar, Farhadi faz um filme cálido e menos mergulhado em melancolia e angústia do que sugere sua premissa, e embora nem tudo seja concluído de maneira satisfatória (de um ponto de vista emocional E narrativo) e algumas pontas soltas pareçam importantes demais pra que não recebam a devida importância, é possível apreciar o resultado final, ainda que com moderação. Algo digno, se considerarmos a eficácia da realização a despeito de várias emoções e informações bastante telegrafadas — e é perfeitamente possível que os fãs do diretor/roteirista não se importem com isto, desde que continuem recebendo obras nas quais forma e conteúdo ainda se completam de forma exemplar, mesmo que sem o frescor e a vitalidade que fizeram do diretor um artista celebrado. Um Farhadi menos inspirado ainda é um Farhadi, e faz bem estar escorado em nomes que emprestam gravitas às suas ideias. Em especial quando estas comecem a exibir alguma fadiga.

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Texto de autoria de Henrique Rodrigues.

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Crítica | Clímax

4 de março de 2019 by Vortex Cultural

Cinema, Críticas

Gaspar Noé, Romain Guillermic, Sofia Boutella, Souheila Yacoub

Baseando-se em uma história real que aconteceu nos anos 90, Gaspar Noé retornou ao circuito em 2018 depois do seu último e controverso trabalho, o longa-metragem Love, de 2015. O argentino francês desde 1998 carrega consigo uma fama de causar grandes reações no público por conta de suas obras provocativas e consideradas por muitos como repulsivas, e o seu novo projeto não deixa de abrir portas para as mesmas interpretações, em uma fusão de gêneros e referências muito bem realizada o diretor entrega o melhor filme experiência do último ano.

Filmado durante 15 dias e com um roteiro sem falas pré-estabelecidas, Clímax é recheado de diálogos improvisados e extensos planos sequência, esses que trazem coreografias de dança impecáveis. A dança é importante pois no longa acompanhamos um grupo de jovens dançarinos que parecem estar hospedados durante um bom tempo em um galpão afastado da cidade, tudo para que possam passar por longos ensaios. Em uma noite, enquanto comemoram entre si o sucesso do trabalho, as coisas começam a sair do controle quando descobrem que um deles batizou a sangria da festa com LSD. Dividindo o protagonismo com boa parte do elenco, no meio de tudo isso está Selva, interpretada pela hipnotizante Sofia Boutella.

Noé começa o filme com entrevistas em uma televisão rodeada de DVD’s de grandes clássicos, e ao decorrer da narrativa consegue-se captar as diversas e pontuais referências desses filmes no trabalho do diretor, as cores do longa remetem imediatamente ao surrealismo do Suspiria, de Dario Argento, onde os cômodos carregam personalidades ditadas por suas cores específicas e faz com que a viagem alucinante das personagens aqui as levem a diferentes mundos. A performance poderosa de Boutella, por exemplo, relembra as cenas mais perturbadoras do clássico Possessão, de 1981, a atriz sustenta cenas extensas e indescritivelmente pesadas onde seu trabalho de corpo e voz soam tão reais quanto livres.

Em alguns momentos Clímax parece até um musical, existem performances de dança perfeitamente coreografadas e bem filmadas que com o tempo se justificam nas diferentes reações que cada dançarino tem com a sangria batizada. Assistimos por dezenas de minutos essas pessoas se expressarem com seus corpos que quando elas já não são mais elas mesmas pelo efeito do alucinógeno, suas respostas corporais revelam uma natureza humana primitiva e nada coreografada, mas sim imprevisível. Em meio a planos sequência extensos e absurdamente complexos, movidos por uma trilha musical quase desconcertante quando no lugar da ironia, nos encontramos como espectadores impotentes, reféns de situações absurdas e que tocam em territórios íntimos. De um lado personagens extrapolando limites, e do outro espectadores imersos pelo choque, o que me faz acreditar que o longa se enquadre tanto como uma experiência, é impossível chegar ao fim de uma hora e meia como uma pessoa imutável, o filme fica com você.

Noé segue com seu jeito único de filmar, sua câmera aplica estilo e ignora as leis convencionais, vemos de baixo, de cima, vemos girando, e ás vezes nem entendemos o que exatamente estamos vendo. Isso reflete também nos diferentes filmes que Clímax vai se revelando, vamos de um musical para um horror em instantes, é como se o próprio longa como unidade aproveitasse de limites ultrapassados para causar as mais diversas reações. O diretor faz algo parecido com um de seus outros filmes, Enter the Void, e nos embarcando em uma viagem difícil e que nos exige mais do que o normal, e no fim ter passado por essa montanha-russa deixa o mesmo gosto na boca que uma ressaca deixaria.

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Texto de autoria de Felipe Freitas.

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Crítica | Sin City: A Cidade do Pecado – Versão Estendida

A versão estendida do filme codirigido pelo mexicano Robert Rodriguez e o roteirista de quadrinhos Frank Miller começa com a história do Bastardo Amarelo, narrada em primeira pessoa pelo policial Hartigan, de Bruce Willis, característica que remete à obra original de Miller e os típicos policiais noir. Hartigan é o herói falido, o homem capaz de morrer a qualquer momento, graças a velhice e seu problema cardíaco que se agrava. Constantemente ele tem que convencer a si mesmo que é capaz de superar seus problemas.

A historia é violenta, mas tem um lirismo impar. A escolha da dupla de diretores pela filmagem que destaca o preto e branco, com pequenas notas coloridas – em especial o vermelho, seja do sangue, do batom das beldades ou dos vestidos. Por sua vez, no decorrer do longa, alguns personagens também ganham cores. O simbolismo indica de maneira sentimental quem é especial e quem é descartável. Dos filmes que Rodriguez dirigiu ate então, esse pode não ser aquele que possui o melhor roteiro (difícil ignorar a trilogia Mariachi e seu tom épico), mas certamente é o mais prosaico e filosófico. Incrível como uma história urbana e moderna, localizada em uma cidade imunda e repleta de pecados poderia falar tanto sobre os detalhes da intimidade do homem e da dificuldade dele em envelhecer e perceber que é falível. Tal qual as peças de Shakespeare, o amor, seja sexual ou paternal é acompanhado de dois fatores: a violência, vista não só neste tomo com Hartigan, mas em todos os outros capítulos, assim como o segundo fator, a tragédia, que recai sobre o protagonista.

Em O Cliente Tem Sempre Razão existe a cena que antes abria o filme, com o personagem de Josh Hartnett, assassinando as duas mulheres interpretadas por Marley Shelton (The Customer) e Alexis Bledel (Becky). Um exterminador de anjos. Essas duas cenas foram as que mais perderam, pois fora do contexto em que eram apresentadas, elas não fazem sentido, em uma perdendo a força e na outra antecipa boa parte da história que virá.

O Difícil Adeus tem Marv, de Mickey Rourke, como protagonista. O ogro, que só tinha relações sexuais por dinheiro tem em suas mãos Goldie (Jaime King) , uma mulher que se entrega e ainda é uma deusa para seus olhos. De novo as cores determinam o que é especial, a colcha onde o amor se estabeleceu, os cabelos ruivos da musa e sua pele, ainda que morta. A obsessão de Marv é só uma: encontrar o responsável pelo assassinato de Goldie. Marv se vê entorpecido pelos fantasmas de sua própria mente.

A Grande Matança tem um início despretensioso, com Shellie (Brittany Murphy) discutindo com seu ex, Jackie Boy (Benicio Del Toro), onde o sujeito era violento com a garota, que agora está acompanhada de Dwight (Clive Owen). Em comum com as outras histórias, existe a questão do herói se deparar com um vilão bobo, mas influente, fato que só vai ser revelado mais tarde, após introduzir à Cidade Velha e suas habitantes, as meninas de Gail (Rosario Dawson). A figura esquisita de Jackie faz lembrar um monstro dos filmes de horror do expressionismo alemão.

Jackie Boy é morto por um golpe de espada. Na cidade antiga a guerra se instalaria e na ânsia por resolver o problema que ele mesmo trouxe, Dwight tenta em vão solucionar o problema sozinho, mesmo que existam evidências suficientes para provar seu fracasso. No caminho, ele demonstra uma predileção para a insanidade ou para mediunidade, conversando com um detetive morto. Após esses eventos, o justiceira revela suas tendências suicidas, mas ele ainda tem missões a cumprir.

O amontoado de cenas de ação no final causa frisson, o ritmo que se acelera deixa o público com expectativa por mais violência gráfica e mortes plasticamente belas. O torpor das belas mulheres é compartilhado com quem assiste, e é uma sensação ruim perceber que o longa acaba, mesmo com 140 minutos de história, pois caberia mais historia e mais episódios como esses, que não encontraram na continuação, Sin City 2: A Dama Fatal um filme que fizesse jus ao original.

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