Thiago Augusto Corrêa – Página: 8

Resenha | Cavaleiro das Trevas III: A Raça Superior #3

4 de março de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

andy kubert, Cavaleiro das Trevas 3, DC Comics, Frank Miller, Jim Lee, Klaus Janson, O Cavaleiro das Trevas

(Atenção: a crítica a seguir comenta acontecimentos dos números lançados de The Dark Knight III: The Master Race. Se não quiser saber nenhuma informação a respeito, interrompa a leitura mas retorne após ter lido as edições).

Após a interessante apresentação no primeiro número e um segundo volume desenvolvendo o argumento, finalmente, as personagens de The Dark Knight III: The Master Race se alinham dando inicio a derradeira narrativa. Mesmo em um futuro desolado, os heróis, considerados datados, ainda são uma representação ideal como último bastião da defesa mundial.

A grande personagem do título entra em cena com maior propriedade. Mesmo combalido fisicamente, Bruce Wayne ainda retém a força do combate ao crime e decide, mais uma vez, assumir o manto de Cavaleiro das Trevas – seja ele literal ou apenas devido a potência de seu status – para combater a raça mestre, kriptonianos outrora diminutos vivendo em Kandor. Este volume é conduzido pela destruição mundial deste grupo que deseja subjulgar a Terra, sem nenhum plano além da dominação. Sob este aspecto, há um estranho paradoxo situando a composição desta história. Ela parece mais uma alegoria direta dos tempos contemporâneos – e escrita para causar este impacto – do que uma trama que possui estrutura própria e, simultaneamente, dialoga com o tempo presente.

Miller e Azzarello parecem partir dos noticiários para, então, compor os ganchos da história. A raça mestre de Kandor representa o extremismo do Oriente Médio, com direito a kriptonianos se transformando em homens bombas para destruir capitais importantes do país. A metáfora não parece sutil, mas Miller há tempos deixou as referências implícitas de lado, demonstrando claramente suas opiniões em suas hqs. A contraposição entre a tecnologia e a falta de integração social também se destaca em uma cena a qual o grupo de vilões destrói a cidade e toda as pessoas na cidade observam seus celulares. O momento escolhido para causar impacto dramático ocorre quando o grupo destrói um satélite local e o sinal da rede virtual cai. Causa estranhamento, principalmente, pela escolha ruim para promover um impacto e, possivelmente, um debate a respeito.

De qualquer maneira, o número entrega cenas que o público espera, Wayne reassumindo o manto de Batman, em uma cena formatada para os fãs e o retorno de Superman, trazido pelo herói e o novo Robin de volta da Fortaleza da Solidão, local em que permaneceu desde os conflitos de Cavaleiro das Trevas 2. Há intensidade na jornada heroica de Wayne devido a força da personagem. Sua fragilidade é a novidade diante das diversas caracterizações anteriores.

A segunda história tem Lanterna Verde como personagem central e, ao contrários das duas edições anteriores, não apresenta uma trama fechada. Narrado pelo próprio Hal Jordan, o herói também se identifica como anacrônico, porém, retorna a seu papel devido a um chamado da Terra pedindo ajuda. A trama é somente uma justificativa inicial para explicar porque, diante da presença dos vilões de Kandor, outros heróis não vieram ajudar Batman e Superman. Até o momento, Átomo foi desintegrado, Mulher Maravilha continua no Olimpo – provavelmente aparecerá no próximo número – e Jordan tem seu anel roubado por três mulheres no Oriente Médio em outro dialogo claro sobre a cultura local nos diálogos em que elas apontam a subserviência feminina.

A vertente heroica é melhor composta do que a crítica social, ainda que nenhuma batalha tenha sido propriamente apresentada, levando ao ápice do que o público tradicionalmente reconhece como quadrinhos de heróis, a ação parece mais autêntica do que a crítica, ainda explícita em seu diálogo e, assim, vazia.

Resenha | iZombie: Morri Para o Mundo – Volume 1

29 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Chris Roberson, cw, DC Comics, Michael Allred, Vertigo, Zumbis

Lançado em 2010 a 2012 no selo Vertigo, iZombie foi lançado no país em quatro edições encadernadas pela Panini Comics, atendendo a uma demanda de leitores que pediam novas publicações do selo concomitantemente ao relançamento de histórias clássicas e aclamadas pelo público. Criada por Chris Roberson e Michael Alfred, a HQ chega em sintonia com a série lançada pela CW.

Ainda que identificados em diversas culturas como parte de seu universo mítico, os zumbis se tornaram representantes do panteão de monstros lendários, sendo a visão de George Romero e sua crítica à sociedade fundamental para o alcance desta figura. Como personagens que sempre atraem o público, independente do estilo narrativo, os mortos-vivos se mantêm sempre em destaque. Recentemente, a série The Walking Dead e paródias como Zumbilândia e Como Sobreviver a um Ataque Zumbi comprovam esta afirmação.

O primeiro compilado da série apresenta os cinco primeiros números mais uma edição extra publicada dentro de um especial da Vertigo para apresentar as personagens. A trama alinha em uma mesma narrativa diversas personagens do universo de terror como fantasmas, vampiros, zumbis e uma organização responsável por caçá-los durante séculos. O ambiente é semelhante àquele desenvolvido por Alan Ball em True Blood, adaptação da série de livros de Charlotte Harris, que inseriu lendas diversas em uma mesma narrativa para reestruturar e apresentar uma nova visão a partir dela.

A trama acompanha a outrora adolescente Gwendolyn “Gwen” Dylan, a qual revela aos leitores ter se transformado em zumbi. Como personagem principal, a garota narra os acontecimento e apresenta seus amigos, tanto aqueles de origem monstruosa, quando os parceiros do trabalho como coveira. O primeiro arco apresenta os diversos personagens definindo contornos para os vilões, diante de um mundo em que algumas regras tradicionais sobre estes seres monstruosos serão redefinidas.

A história falha em sua composição, sendo mais didática do que narrativa ao desenvolver as personagens e o universo sem um primeiro ato bem definido. Baseando-se somente na leitura, não é possível saber se a história é paródica ou não, mas é preponderantemente mais suave do que as narrativas maduras popularizadas pela Vertigo. Os personagens são inseridos em uma rotina normal como se não fossem monstruosos, um recurso interessante para fugir do estereótipo de personagens trágicos. Porém, a tônica juvenil é incapaz de apresentar qualquer bom personagem, neste primeiro momento.

Nada parece, de fato, inédito, mas sim apoiado em uma tradição de narrativas de referência que foram mais bem-sucedidas em sua composição. O apelo juvenil é tão aparente que a série adaptada foi desenvolvida para este público como uma alternativa possível do mesmo argumento mas sem a temática séria – e soporífera – da história baseada na HQ de Robert Kirkman. Diante de tantos lançamentos de quadrinhos no país, o primeiro número de iZombie não carrega força suficiente para conquistar o leitor em definitivo. Se observamos somente os lançamentos Vertigo no país, os clássicos ainda valem mais pelo custo-benefício.

Crítica | O Menino e o Mundo

26 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Animações, Emicida

Após indicação ao Oscar de Melhor Animação, a produção brasileira O Menino e o Mundo, que já havia sido lançada em home video no país, obteve um novo alcance merecido. A indicação foi suficiente para expandir a popularidade do filme dirigido por Alê Abreu e conquistar novos espectadores. Uma ação necessária diante da ainda precária atenção dada às animações brasileiras em circuito, tanto por parte de uma distribuição reduzida, quanto da recepção do público, sempre atento às animações estrangeiras.

Desenvolvido sem falas, a obra se vale do conceito clássico do cinema como símbolo visual para transmitir sua mensagem. Não bastando o estilo sem falas, que hoje causa ruptura por retomar um antigo padrão não mais vigente, os traços da animação se destacam ao se basearem em composições simples, como desenhos primitivos feitos por uma criança. São estes personagens delimitados de maneira simples que narram uma história simbólica.

A narrativa se inicia devido a um conflito primordial na sociedade moderna: a ausência de trabalho e a migração da população para polos urbanos. À procura de um emprego diante da escassez do campo, o pai se desloca para a cidade grande, deixando memórias e tristezas no filho, a personagem principal da trama. Pela saudade, o garoto percorre o mesmo trajeto do pai para procurá-lo na cidade grande.

O tom simbólico da trajetória se mantém devido à representação imagética apoiada nestes traços infantis. Trata-se de um mundo adulto visto sob a ótica infantil e, assim, modificando as construções reais para uma cidade simbólica, compreensível para o garoto. A agressividade da cidade é representada por objetos mecânicos antropomorfizados em animais, símbolos que dialogam com uma visão de mundo ainda pura. Ao transitar de seu espaço natural para a cidade, o local idílico da infância representado pela música e pelas boas memórias é violentado pela selva de concreto.

Ao acompanhar temporariamente personagens desta sociedade, identificando sentimentos e situações as quais nunca havia vivido, a história tece uma crítica severa ao conceito de uma sociedade e como ela, por motivos diversos, produz cidadãos infelizes vivendo um cotidiano vazio. Há uma clara contraposição da evolução da humanidade simbolizada pelos avanços mecânicos e tecnológicos em contraste com os seres inseridos nessa própria sociedade vivendo como engrenagens invisíveis.

A desesperança presente na história é potencializada por estes símbolos na transição do garoto, que observa sua inocência ser transformada por uma visão crua da cidade grande, reconhecendo, em escala geral, a falência da civilização e da existência como um todo. De maneira melancólica, a visão do garoto é desoladora e causa comoção pela triste constatação de que, além das cores e dos traços infantis, a realidade é composta desta maneira, sem nenhum filtro estético.

A ousadia em promover uma obra sem falas diante de um padrão acostumado com narrativas repletas de ação promove uma ruptura, conferindo à trama maior observação. Sob o viés infantil, O Menino e o Mundo, vencedor do Annie Awards deste ano, é uma delicada obra sobre a evolução humana, equilibrada entre certa poética e amargura.

Crítica | What Happened, Miss Simone?

23 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Documentário, jazz, Netflix

Ainda que a definição sobre a composição da arte seja delicada, há uma natural observação comum, pontuada tanto por uma análise geral quanto pela vertente crítica com base em biografias, de que parte da arte mundial foi esculpida através de sentimentos dolorosos. Um conceito simbólico que faz da tristeza um maior escopo fundamental para que artistas expurguem sentimentos pela criação, equilibrando a matéria interna com o labor de um trabalho visível.

A dor é uma das constantes de Nina Simone em sua longa carreira, cuja trajetória se destaca na biografia dirigida por Liz Garbus – a qual já dirigiu uma obra sobre Marilyn Monroe, outra figura trágica do show business – com distribuição da Nexflix. Desenvolvida em estilo documental tradicional, apoiada na trajetória temporal da cantora, a história apresenta altos e baixos dessa compositora de formação clássica cuja interpretação musical era carregada de uma intimidade intrínseca com a música. Obra indicada ao Oscar de Melhor Documentário, curiosamente concorre com outra grande cantora biografada, representada pelo médio Amy.

Nascida em 1933, Simone tinha o desejo de se tornar a primeira pianista negra de música clássica no país. Após um concerto aos quatro anos de idade, demonstrando um talento precoce, passa a estudar com duas tutoras por anos, assimilando a música clássica a qual seria fundamental em suas composições de jazz. A necessidade do trabalho a projetou em diversas casas de música interpretando canções fundamentais do jazz, o início do sucesso como intérprete.

A figura de Nina Simone é composta por contradições. Elementos apresentados na história que fortalecem sua trajetória como artista. Sua carreira se destaca logo após seu casamento, quando o marido, até então policial, se torna seu empresário. Uma relação de amor e ódio que causava desequilíbrio na cantora, apesar de ela sempre declarar seu amor. O relacionamento, assim, representava parcialmente a visão da época na qual o casamento se mantinha como uma instituição a ser seguida, mesmo que violentamente. Cobrada ao extremo para executar seu talentoso trabalho, o palco era seu momento de catarse com interpretações carregadas de sentimentalismo na voz e extrema técnica no piano.

Em 1964, quando a luta pelos direitos civis dos negros eclode, a pianista reconhece que parte de sua trajetória como artista vinha da afirmação de sua origem e raça, e se torna símbolo favorável ao movimento, compondo uma pungente canção após a morte do ativista Medgar Evers. Missisipi Godam marcava o início de um poderoso viés artístico, importante para sua época mas, devido à sua agressividade, foi responsável por afastá-la da mesma mídia que a consagrou. A brutalidade da luta pelos direitos leva-a a extremos, aliada a uma frágil psiquê que se desmonta e a faz odiar a própria arte que amava.

Simone era inimiga de si mesma sem saber, tardiamente diagnosticada com transtorno bipolar e psicose maníaco-depressiva. Somente em fase madura da vida pôde compreender que, além de sua personalidade distinta, da voz aberta para falar dos problemas e da alma capaz de transparecer em suas canções, tinha uma doença invisível. Em tratamento, restabelece seu público e aparece, pela primeira vez, em paz consigo mesma, compreendendo as pressões existentes na carreira, sua limitação devido à doença e o talento que a consagrou.

Nina viveu numa época em que o esforço artístico era fundamental para a carreira de um bom artista, sem aparato técnico, marketing ou qualquer outro artifício predominante. Bastava o talento como diferencial e uma motivação capaz de transformar a matéria do cotidiano em arte. Sua voz viveu boa parte da vida sob a redoma da dor; a música libertou-a para a eternidade.

Resenha | Gotham – DPGC: No Cumprimento do Dever

22 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Batman, DC Comics, Ed Brubaker, Gotham City Contra o Crime, greg rucka, michael lark, Panini

A carreira de Ed Brubaker e Greg Rucka demonstra carinho pela narrativa policial, trabalhando o estilo tanto dentro de histórias de linha quanto em narrativas fechadas em outros selos envolvendo, em maior ou menor grau, um universo policial e submundos de crimes, espaços situados em dois lados diferentes da lei.

Expandindo o universo do Homem-Morcego e da cidade Gotham City, em 2003 a dupla criou esta série mensal lançada em 40 edições originalmente, e agora relançado pela Panini Comics em edição de luxo, com capa dura, o primeiro de quatro encadernados no total, sendo este compilando os números 01 ao 10.

As aventuras acompanham um grupo de investigações especiais de Gotham, uma equipe selecionada pessoalmente pelo Comissário Gordon quando ainda era um ativo da polícia. A trama se passa logo após os acontecimentos da saga Terra de Ninguém, responsável por afastar a personagem de sua função. Desta maneira, a figura de Batman é vista oficialmente com outros olhos pela polícia local, sem um aliado definitivo que apoie o vigilante. Ainda que o considere parte importante para a cidade, oficialmente Batman deve ser combativo e tratado como uma espécie de lenda urbana, alimentada pela mídia.

Evitando colidir o desenvolvimento das personagens, Rucka e Brubaker desenvolveram uma estratégia eficiente de composição narrativa: cada um dos roteiristas se responsabilizaria por um arco e um grupo respectivo da polícia, o turno diurno ou noturno, à exceção da primeira história assinada por ambos. Dessa maneira, cada roteirista enfocava, além das investigações cotidianas da polícia de Gotham, a personalidade de seus policiais. Como muitos crimes envolvem a galeria de vilões do Morcego, com homens perigosos e, muitas vezes, além da força comum, a mistura entre o trabalho policial e os dramas internos de cada membro do esquadrão é aprofundada em um conflito mais intenso. Além do dilema do policial defensor da sociedade, uma equipe obrigada a conviver com seres mais mortíferos que fogem dos crimes comuns em uma delegacia.

É neste espaço que Rene Montoya, a personagem mais significativa na revista, conhecida do público na série animada de televisão e, posteriormente, como uma das personagens centrais da saga 52, desenvolve sua personalidade e ganha voz ao assumir sua homossexualidade. Rucka desenvolve o argumento demonstrando simultaneamente o preconceito do grupo policial após a revelação e o drama pelo qual a personagem passa ao ser exposta em contraposição à relação com a namorada, único laço consistente em sua vida, devido a uma família religiosa que se afasta da detetive. Um exemplo entre diversos outros pequenos dramas desenvolvidos no decorrer das investigações.

Focado na equipe policial, a revista, que já fora publicada no país com o título Gotham City Contra o Crime, explora a figura mitológica de Batman como um personagem excêntrico que a população admira e teme simultaneamente. Suas participações na trama são breves, apenas quando necessário em casos sem explicação aparente, apresentando um lado diferente da visão íntima proporcionada pelos roteiros de suas diversas revistas mensais. A força destes policiais comuns enriquece a história, fugindo da óbvia adoração à figura mais conhecida de Gotham City para explorar dramas cotidianos sem perder coerência e a vertente policial. Trata-se de uma Gotham mais urbana, menos idealizada e, sendo assim, uma visão inédita de um ambiente conhecido em demasia pelo público.

Explorando uma importante cidade no universo da Dc Comics, Rucka e Brubaker desenvolveram uma excelente nova série, premiada ao Eisner e Harvey por Melhor História em 2004 pelo arco Meia Vida, presente neste encadernado. Apesar do sucesso da crítica, a revista nunca esteve entre as 100 mais vendidas do mês e somente foi continuada graças às boas vendas das edições compiladas, sendo cancelada pouco antes da saga Crise Infinita que modificaria algumas bases da editora, não mais comportando esta narrativa sobre personagens comuns nos quais os autores se dedicariam. De qualquer maneira, uma excelente série.

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Crítica | O Quarto de Jack

18 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Brie Larson, Jacob Tremblay, Lenny Abrahamson, William H. Macy

Um ano após realizar Frank, obra metafórica sobre a criação artística, o diretor Lenny Abrahanson volta às telas em O Quarto de Jack, produção com maior apelo cinematográfico e com maior sensibilidade em sua narrativa. Baseada no romance de Emma Donoghue, a qual também assina o roteiro, a obra apresenta a delicada história de Joy e seu filme Jack, isolados em um quarto há sete anos, cativos de um homem conhecido como Velho Nick.

O difícil tema do abuso sexual e psicológico vivido pelas personagens é narrado sob a ótica do garoto Jack ao recém completar cinco anos de idade. Local em que é concebido, o quarto, ao qual o título original se refere, representa o mundo palpável do garoto. A escolha de uma criança como ponto de vista narrativo faz parte de uma vertente literária que transforma a voz infantil em um observador diferente do usual, nem sempre capaz de compreender com profundidade os atos dos quais é testemunha. Obras como Pelos Olhos de Maisie, de Henry James, e Extremamente Alto e Incrivelmente Perto de Jonathan Safran Foer partem de premissas comuns a diversos romances mas reciclam seu contexto ao explorar a psicologia infantil dentro de situações-limite. Inserido neste contexto, o menino é como um personagem criado com lobos, vivendo uma visão à parte daquela narrada pela mãe e vista na televisão. Sob um espaço determinado e condicionado a uma situação desde que nasceu, o garoto observa a tudo com intensa novidade, mesmo que seja um observador limitado, como um representante de um mito da caverna.

Mesmo sendo uma história ficcional, o enredo atinge o espectador pelo choque e se transforma em um símbolo que representa de maneira ampla, devido ao alcance do cinema, os casos anônimos de sequestro e cárcere privado. A escolha de adaptar um romance ficcional diante de histórias reais sobre casos de sequestro é favorável na exploração dramática do roteiro sem recorrer a liberdades artísticas para esconder nomes ou intensificar o relato. Ainda que não seja um testemunho, a veracidade da história se projeta em casos reais, como o de Jaycee Dugard, raptada aos onze anos de idade e encarcerada nos 18 anos seguintes em um local semelhante ao visto na produção. Autora do livro Vida Roubada, sobre seu longo período vivendo sobre o jugo de uma família, Dugard narra sem nenhuma projeção o drama vivido ano após ano em companhia de seu captor. Se literariamente a obra não transcende nenhuma barreira, é forte suficiente pelo intenso relato.

A trama delimita bem o espaço-tempo em cena, desenvolvendo tanto a intensa agonia das personagens no cárcere, e a maneira pela qual mãe e filho se unem para viver um universo paralelo sob o peso da dor, como demonstrando quanto seria difícil um processo de adaptação de volta à sociedade. A narrativa é bem conduzida no limite entre um tema explosivo, de alto impacto, e a vertente dramática, ainda que em sua parte final o drama se estabeleça em um tom mais leve do que inicialmente. Em cena, Brie Larson se destaca centralizando a agonia dos anos aprisionada e a dor de uma personagem que perde a liberdade devido ao delito doentio de outra pessoa. À procura de verossimilhança para a interpretação, a atriz revelou que se condicionou em espaços fechados para compreender a sensação de aprisionamento de sua personagem. Sem recorrer a uso de maquiagens, aliado a uma fotografia pálida de Danny Cohen, O Quarto de Jack se transforma em uma cruel representação da realidade em um bom drama.

Crítica | O Novíssimo Testamento

17 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Catherine Deneuve

Como tema, a religião sempre se traduz como sensível na discussão. O conflito entre fé e incredulidade permanece ecoando por séculos e as diversas parábolas narrativas com a mensagem cristã, bem como seus doogmas, transformaram-se em temas para diversas histórias, tanto por uma vertente explicitamente religiosa, voltada para os fiés, como o recente Os Dez Mandamentos – O Filme, adaptação da novela da Record, como produções que partem de histórias específicas e adquirem um novo viés narrativo como A Última Tentação de Cristo e Êxodo: Reis e Deuses.

Dirigido e escrito por Jaco Van Dormael, O Novíssimo Testamento parte da bases dos evangelhos rumo a uma trama de realismo fantástico para apresentar um Deus burocrático, que sente cansaço com sua criação, tratando sua própria família de maneira oposta aos ensinamentos propagados em suas escrituras. Rabugento e mal humorado, o criador permanece cuidando de seu universo a partir de um computador. Morando em algum local da Bélgica com sua esposa e a filha de dez anos, o patriarca sente o fardo de anos e anos executando o mesmo trabalho. Cansada da índole do pai, a filha foge de casa para promover um novo testamento. Antes de ir embora, contudo, a garota invade o computador do pai e envia a todos os habitantes da Terra a informação sobre a data de suas mortes.

A trama é dividida em partes simbolizando os livros bíblicos, inicialmente, apresentando a fuga da garota para a busca de discípulos para compor o novíssimo testamento do título. A vertente do humor improvável, destacando a figura ranzinza do pai, estabelece uma crítica contra a tradicional visão do criador. A paródia aproxima Deus dos homens no tédio do cotidiano e lhe dá contornos malévolos ao decidir viver rindo de nossa miséria. Todos os problemas humanos, incluindo decepções simples, como o pão caindo com o lado da manteiga no chão, seriam leis divinas feitas sob abuso de autoridade para rir da desgraça humana diária. Atos de um homem egoísta à procura de diversão e vingança em não ser louvado como deveria, sendo a morte um dos poucos triunfos do criador, um feito diminuído pela filha ao divulgar as datas da morte de todos pelo globo.

Longe de casa, a garota procura discípulos para compor o novo testamento, e cada capítulo destas personagens apresenta-as de maneira distinta daquela apresentada em cena. São homens caracterizados por extremos, vivendo à margem de si mesmos. Ainda que a história as mostre como personagens limítrofe e quase imorais, sua índole não parece nociva. A revelação das mortes propagadas pela filha carrega a mensagem da finitude, um ato que possibilitaria aos humanos viverem com mais coerência os desejos e sonhos, visto que não mais havia o medo da morte.

Conforme agrega discípulos com histórias incomuns, o roteiro perde equilíbrio sob um verniz extremamente metafórico. Falta uma base realista para que o fantástico seja desenvolvido com precisão. Os símbolos surgem cena após cena e se amontoam sem significados aparente, beirando um vazio interpretativo. Aspecto que faz o público considerar uma obra aberta à reflexão, sem dúvida, uma vertente possível se cada símbolo ou metáfora corresponder a um significado aparente. Ao exceder-se nessas camadas, a história perde sua força pelo exagerado.

Van Dormael demonstra força ao desenvolver sua paródia mas a leva a um momento insustentável, incapaz de lidar com o simbolismo de seu próprio roteiro, ainda que o argumento seja interessante como base. A visão paródica talvez seja o motivo pelo qual a produção tenha conquistado indicações em diversas premiações europeias. Ainda assim, insatisfatória como filme.

Resenha | Stormwatch – Volume 1

15 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Jim Lee, Panini, Ron Marz, Tom Raney, Warren Ellis, wildstorm

Criado na editora Wildstorm, selo independente de Jim Lee, em 1993, a série Stormwatch sofreu mudanças significativas quando Warren Ellis assumiu o roteiro na edição 37. O britânico deu nova estrutura ao conhecido grupo comandado pelo Homem do Tempo, acrescentando maior densidade em sua narrativa, permanecendo até o final do título quando a DC Comics adquiriu os direitos da obra e inseriu-a em seu universo.

Lançado pela Panini Comics, Stormwatch – Volume 1 é o primeiro de quatro edições que reúnem toda a fase do roteirista à frente da revista, sendo este primeiro número uma compilação das seis primeiras histórias. Ao público que desconhece a origem do grupo, não é necessária nenhuma apresentação anterior. Na primeira história, as equipes são realinhadas, novos personagens surgem e antigos membros da equipe saem de cena ou ganham nova função, e a base necessária é apresentada de maneira enxuta: vivendo em um satélite na órbita da Terra, a equipe dos Stormwatch, criada pelas Organização das Nações Unidas, atende qualquer chamado para conter crises.

A visão mundial da época do lançamento original das edições demonstra variáveis em relação a percepção contemporânea. Tal afirmativa advém tanto da concepção do roteiro quanto da arte. Distante da era da informática em que o mundo se mantém conectado, a visão de uma equipe centralizadora e vigilante parecia mais urgente do que hoje. A personagem do Homem do Tempo, mesmo líder do grupo, adquire contornos dúbios como alguém além de um mero observador. Ainda que realize ações de contenção e viva sob um protocolo heroico, a personagem demonstra ganância diante da contenção de tanto poder e informação. Uma característica que parecia proeminente para um vilão da ficção mas que hoje soa profético devido ao fato de grandes países guardarem informações sobre seus próprios cidadãos, e a internet mantida sob vigia constante. Alguns aparatos tecnológicos especulados na época soam datados, mas funcionam dentro do conceito ficcional da trama.

Da mesma forma, a arte de Tom Raney mantém também o marco temporal, representando o ápice do estilo Image de personagens estilizados em corpos perfeitos e cenários com poucas sombras e excesso de informação e cores. Embora algumas cenas de ação sejam perceptivelmente mal realizadas, sem uma continuidade possível de ser interpretada, os traços mantêm coerência com a narrativa e, mesmo causando possível estranhamento no leitor que não acompanhava quadrinhos na época, são bem delineados nesta vertente.

As seis histórias que acompanham este primeiro encadernado contêm histórias fechadas, fundamentando as três equipes Stormwatch criadas por Ellis: Prime, Red e Black, cada uma voltada a um tipo de apoio diferente, difundindo frontes diversas e ampliando a possibilidade do autor desenvolver tramas diferentes com formações distintas. É evidente que há uma trama que perpassa as histórias com um viés político, apresentando uma crítica à possível ideologia totalitária de vigilância de países. Ao mesmo tempo, nascia nesta revista – em edições posteriores – o conceito da Sangria, fundamental também na história do Planetary e que hoje faz parte do tecido que permeia o espaço interdimensional multiverso da DC Comics, a editora a qual reintegrou a equipe.

Bem-sucedida desde seu lançamento, Stormwatch é uma grande história, demonstrando a qualidade costumeira de Ellis em compor, a partir dos quadrinhos, uma narrativa densa cuja aventura se desenvolvia em paralelo a temas mais profundos, sem perder força em nenhuma destas vertentes.

Resenha | Deadpool: Meus Queridos Presidentes

12 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Brian Posehn, Deadpool

Desde que o personagem foi criado em 1992 por Rob Liefield e Fabian Nicieza, a caracterização de Deadpool se manteve como uma figura cômica, irônica e clinicamente insana em tramas focadas em ação e humor. Eventuais renovações foram inseridas na passagem de novos roteiristas, os quais nunca deixaram de lado a vertente de um herói incômodo dentro do universo Marvel.

Desde a primeira aparição, a personagem se manteve presente na editora, porém nem sempre estrelando uma revista própria, destacando-se em histórias fechadas especiais. Desde 2011, a Panini Comics vem lançando frequentemente as histórias do mercenário tagarela. A primeira série da revista Deadpool alinhava duas revistas publicadas simultaneamente no exterior: Deadpool (2008) e Merc With a Mouth (2009). Parte da fase de Daniel Way, responsável pela revista de 2008, foi inicialmente publicada no país em X-Men Extra e somente fez parte do mix da revista própria na edição brasileira nº8. A partir de então, a fase foi concluída na segunda série da revista, com numeração zerada, em época em que a editora observava ser mais lucrativo a publicação de compilados do que mensais de certos títulos – uma vertente que também foi explorada com o Demolidor de Mark Waid e, atualmente, contempla parte das revistas da Nova Marvel.

O mercenário tagarela sempre foi um personagem difícil de se encaixar nas publicações no país. Após esta última revista própria, a personagem voltou ao mix de X-Men Extra na fase Nova Marvel. Escrito por Gerry Duggan e Brian Posehn, Meus Queridos Presidentes é o primeiro arco publicado na revista que ganha reedição em capa dura em sintonia com o filme estrelado por Ryan Reynolds. Da mesma forma, como na fase anterior, seu início foi publicado dentro de um mix para, em seguida, ganhar uma revista própria. É difícil compreender qual a estratégia da Panini ao lançar uma nova revista a partir de um arco específico, ainda que, provavelmente, atenderam a uma demanda do público, ou as primeiras histórias não tinham qualidade suficiente para se sustentarem em um título solo.

Ainda que a tônica bem-humorada se mantenha, incluindo a quebra da quarta parede e eventos exagerados diante de um personagem inserido na cronologia Marvel, o contexto da história é místico quando um necromante faz um feitiço que ressuscita os ex-presidentes americanos e a S.H.I.E.L.D. contrata os serviços do mercenário para conter este problema. O roteiro mantém a vertente cômica mas desenvolve-a em um estilo diferente da fase anterior de Way, um autor que explorava o quanto o personagem era chato e dissonante dos outros heróis sérios. Nesta nova fase, tudo é paródico e exagerado, fazendo com que o ritmo narrativo se perca a cada parte. Apesar de um bom início, a caça aos ex-presidentes transita de evento improvável a evento improvável, sem equilíbrio ou refreio neste exagero, deixando tudo hiperbólico.

Há citações e referências demais na fala de Deadpool e dos demais personagens, como se não houvesse filtro e todos os personagens fossem tão histriônicos e falantes como o mercenário, desde a equipe da S.H.I.E.L.D. até o sempre contido Doutor Estranho. A falta de contraposição de qualquer personagem com maior proximidade à realidade e que veja as situações como um absurdo compromete a narrativa. Deadpool sempre foi uma espécie de alívio cômico dentro da Marvel e hoje é quase obrigatório que suas histórias contenham um viés absurdo explorado cada vez mais em excesso. Em suas histórias de anos anteriores, por exemplo, Wade ao menos sentia dor enquanto o rápido fator de cura funcionava. Neste arco, tripas, pernas e sangue pulam de um quadro a outro e o tagarela permanece alheio a eles, uma tentativa mal executada de explorar a violência mas que soa pueril em excesso – como se vísceras fossem um recurso narrativo de violência estética que sempre traduz rentabilidade e um estilo cool.

A Panini tem sido coerente em lançar compilados de novas séries, bem como explorar a vertente de edições especiais em movimento semelhante ao mercado americano, que compila seus mensais em encadernados. Porém, apesar da popularidade que a personagem pode conquistar devido à adaptação cinematográfica, Meus Queridos Presidentes é um início ruim tanto como história de Deadpool, ainda mais considerando o sucesso da fase de Way, como também no projeto da Nova Marvel, a qual deveria ser um ponto de partida interessante para atrair novos leitores.

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Crítica | Um Senhor Estagiário

11 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Anne Hathaway, Comédia, rene russo

Produtora e roteirista desde a década de 80, a diretora de Nancy Meyers – que atualmente é composta por seis produções – possui uma carreira relativamente nova em relação às suas outras funções. Uma filmografia voltada a histórias leves focadas no humor de situação. Nos últimos filmes, personagens adultos se destacavam vivendo conflitos de um mundo maduro.

Lançado em 2016, Um Senhor Estagiário, com Robert De Niro e Anne Hathaway no elenco, mantém a unidade temática ao escolher como um dos personagens centrais um viúvo aposentado. Aos 70 anos de idade, Ben Whittaker leva uma vida monótona e decide se inscrever em um estágio para a terceira idade. Escolhido para trabalhar com Jules Ostin, a criadora de um bem-sucedido site de vendas, as personagens caem no tradicional choque de gerações. Inevitavelmente, a figura de De Niro se transforma em uma espécie de pai conselheiro que ajuda Jules a manter o equilíbrio diante de situações difíceis.

O embate evidente de lideranças distintas se destaca inicialmente, porém Ben se torna mais um apoio para o desenvolvimento de Jules do que um personagem central. O drama primordial centra-se na moça e reacende a antiga discussão da força de trabalho feminina. Um argumento coerente devido às notícias na mídia sobre o direito das mulheres e a luta pela igualidade dos sexos no mercado de trabalho, entregando à personagem uma escolha evidente entre a carreira consolidada e uma família frágil com um provável marido adúltero.

Ao sair dos tipos costumeiros de seus roteiros, Meyers evita o tom cômico de suas produções anteriores, resultando em uma trama menos inspirada que soa como qualquer outra produção do gênero. O humor de situação focado em temas adultos sempre foi o aspecto diferente de suas tramas, ainda que a leveza na trama esteja presente. Ao menos, a história evita armadilhas comuns a outras narrativas semelhantes, e em nenhum momento sugere uma relação amorosa entre o casal, ampliando a completude no vínculo entre os dois sem a necessidade de fundamentar um óbvio relacionamento. Ainda assim, prossegue uma trama sem nenhuma novidade ou evolução narrativa mostrada nos filmes anteriores.

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Melhores Leituras de 2015

Devido ao maior tempo dedicado a uma leitura do que assistir a um filme ou a episódios seriados de uma temporada, é natural que uma lista de Melhores Leituras seja um tanto anacrônica aos lançamentos. A isso soma-se o fato de que, ao encerrar 2014, planejei a leitura de alguns autores que desejava conhecer ou me aprofundar em suas obras, e assim chegamos às edições selecionadas abaixo como as melhores leituras do ano passado.

Como não havia número suficiente para formatar uma única lista de livros, decidi pela abordagem mista ao introduzir e pontuar os bons quadrinhos lidos no ano. Neste aspecto, é evidente que foquei as leituras no eixo tradicional da Marvel/DC Comics, um aspecto que pretendo evitar este ano, realizando a leitura de outras obras mais autorais (possivelmente veremos esse impacto em uma futura lista deste ano, a ser publicada em 2017).

Explicitando a falta de sincronia com lançamentos e formatos, a lista nem mesmo se ajusta à tradicional recomendação de dez itens selecionados. Mas sim doze obras, seis livros e seis HQs, para que nenhuma das boas leituras ficasse de fora. Algumas dessas indicações também foram analisadas no site logo após a leitura, dessa forma peço desculpas aos leitores por eventuais repetições de abordagem.

Manual de Pintura e Caligrafia – José Saramago (Companhia das Letras)

Narrativa de estreia do lusitano José Saramago – posteriormente, uma obra anterior seria lançada após sua morte – Manual de Pintura e Caligrafia é um vigoroso romance de estreia. O autor inverte a lógica sobre a carreira e descreve sua proposta literária logo no primeiro lançamento, contrariando manuais tradicionais de autores que sempre, em um estágio avançado da carreira, versam sobre o ofício. Misturando duas narrativas, a personagem atravessa a arte da pintura rumo à escrita, uma transição feita pelo próprio autor, transformando esta obra em um misto de metalinguagem e tese literária, ainda que os elementos narrativos que o consagraram ainda não estivessem presentes.

Demolidor – Fim Dos Dias (Panini Comics)

Inserido na série O Fim da Marvel Comics, Fim dos Dias é uma clara homenagem à trajetória do Homem Sem Medo. Sob a batuta de Brian Michael Bendis, a história leva Ben Ulrich a uma última reportagem quando os heróis perderam sua força como defensores. A equipe de primeira linha desenvolve uma história sem igual, simultaneamente apresentando grandes momentos e figuras de Demolidor ao mesmo tempo em que se configura como mais uma grande história de um dos personagens mais coesos do estúdio.

Romeu e Julieta – William Shakespeare (Saraiva de Bolso, tradução de Bárbara Heliodora)

Casal mais conhecido da dramaturgia de William Shakespeare, Romeu e Julieta são símbolo de amor universal, representado, transcrito e transformado em um amor perfeito. A peça considerada uma das mais líricas do autor é fundamental para destruir o conceito das personagens através dos tempos, evidenciando que o amor de dois adolescentes termina de maneira trágica devido ao frenesi impulsivo e a imaturidade. Versando com qualidade sobre a agressividade desse amor, o casal permanece no imaginário coletivo em uma bonita história trágica.

Pantera Negra – Quem é o Pantera Negra? (Salvat / Panini Comics)

Anterior a modificações estruturais de personagens representativos de uma causa, a Marvel fundamentou, dois anos após a nova lei de direitos civis nos Estados Unidos, um personagem negro com uma bela mitologia. Erigido como um deus no coração de um país futurista na África, local que nunca cedeu a colonizadores, a concepção do Pantera Negra atinge versão definitiva na narrativa de Reginald Hudlin. Retomando conceitos de tradições africanas, T’Challa adquire simultaneamente uma história coesa e uma tradição tribal forte, tornando-se um importante e imponente personagem político no cenário da editora.

O Silêncio do Túmulo – Arnaldur Indridason (Companhia das Letras)

Impressiona que em uma literatura normalmente considerada formulaica como a narrativa policial se possam desenvolver tantos estilos diferentes e histórias genuinamente interessantes a partir de um crime. Arnaldur Indridason compõe sua narrativa a partir de dois focos: a investigação de um esqueleto encontrado nas imediações da Reykjavík, Islândia e uma trama familiar sobre um pai abusivo. O leitor reconhece de imediato que as narrativas iram se entrecruzar e, mesmo enfocando tais tramas de modo diferente, o autor é capaz de mantê-las em um mesmo tom que, quando chega em seu ápice, desvenda o crime e revela um aspecto crítico sobre a condição social e psicológica que fomentou o assassinato. É a partir desta obra que Indridason alcança sua melhor forma.

Gotham DPGC: No Cumprimento do Dever (Panini Comics)

Ed Brubaker e Greg Rucka partiram de uma premissa interessante ao indagar como seria o contingente policial de Gotham City vivendo à sombra do Homem-Morcego. O resultado é uma revista que destaca personagens comuns vivendo em um cotidiano padrão, no qual a figura de Batman é vista com mística, sem explorar a personagem interiormente como em suas revistas mensais. A partir de dramas pessoais em meio a atentados e crimes de grandes vilões e bandidos comuns, a equipe de crimes hediondos de Gotham sobrevive diariamente nesta pesada rotina criminal. Com uma vertente narrativa genuína de histórias policiais, a equipe apresenta uma visão diferente deste universo tão explorado e querido do público.

Here, There And Everywhere: Minha Vida Gravando os Beatles – Geoff Emerick e Howard Massey (Novo Século)

Na vasta bibliografia sobre The Beatles, dividida entre obras de jornalistas experientes, críticos renomados e personagens que pontualmente passaram pela carreira da banda, a biografia de Geoff Emerick é fundamental como uma figura de autoridade intrinsecamente ligada à banda. Responsável pela formatação da fase mais prolífica da carreira do quarteto, Emerick narra brevemente sua trajetória até conhecer a banda e nos brindar com informações daquilo que fizeram dos Beatles a banda por excelência: sua qualidade musical. Detalhes técnicos, informações e curiosidades são costuradas em uma prosa suave que nos coloca ao lado da intimidade do Fab Four sob a visão daquele que esteve acompanhando a progressão a cada ensaio e moldando o som da banda. A obra é prazerosa e nos aguça a ouvir de maneira diferente a discografia do quarteto.

Superman – A Queda de Camelot (Panini Comics)

Publicada simultaneamente a outra grande saga de Superman, O Último Filho, esta Queda de Camelot é um longo épico dividido em duas partes. Conduzida por Kurt Busiek, um dos responsáveis pelas revistas do herói ao lado de Geoff Johns na época pós Crise Infinita no projeto Um Ano Depois. Trabalhando em linhas temporais de passado, presente e futuro, o autor cria uma história provável sobre um futuro apocalíptico ao mesmo tempo em que desenvolve o passado do vilão Arion e as crescentes ameaças do presente conhecido. O tamanho da série cria uma narrativa aventureira cíclica, composta de diversos ganchos e conduzida pela aventura, dando sequência à explícita homenagem a Era de Prata desenvolvida desde o primeiro arco de Um Ano Depois. Se O Último Filho é uma reflexão pretensiosa e fabular sobre passado e descendência, A Queda de Camelot faz da aventura o fio condutor.

Dragão Vermelho – Thomas Harris (Record)

Um dos grandes vilões do cinema, Hannibal Lecter inicia sua trajetória nesta narrativa escrita em 1988. Thomas Harris explora com eficiência a psicologia de seu assassino e compõe um interessante laço entre o investigador Will Graham e o psicanalista canibal, o qual colabora no caso. Em um thriller psicológico aclamado por James Ellroy como um dos grandes livros do gênero, a história é pautada no desenvolvimento do caso e no suspense, demonstrando talento na composição narrativa ao criar densos personagens bizarros, inovando ao introduzir com esmero a mente criminosa em cena. Mais impressionante que esta trama é o fato do autor, após a sequência O Silêncio dos Inocentes, ter produzido duas obras sobre a personagem sem nenhum apelo e vigor equivalentes a esta obra inicial. Mesmo com uma carreira desequilibrada, Dragão Vermelho é uma narrativa impecável.

Os Vingadores – O Mundo Dos Vingadores (Panini Comics)

Responsável por assumir duas revistas dos Vingadores após oito anos sob comando de Brian Michael Bendis, Jonathan Hickman iniciava um novo ponto de partida para os Heróis Mais Poderosos da Terra, reconfigurando a equipe em sintonia com o novo processo editorial intitulado Nova Marvel. O Mundo dos Vingadores alinha novos e antigos personagens em uma renovada formação da equipe, ao mesmo tempo em que introduz novos vilões que seriam fundamentais para futuras sagas da editora. Sem medo da sombra do sucesso da passagem de Bendis, o arco é simultaneamente uma boa história como também funciona como um início para novos leitores.

A Ditadura Envergonhada – Elio Gaspari (Intrínseca)

Com intensa pesquisa em fontes diversas e uma prosa ensaística de primeira qualidade, Elio Gaspari produz uma das obras definitivas sobre a ditadura militar brasileira. Indo além da formalidade dos fatos, o autor insere um estilo narrativo próprio que aviva a época e os dramas dos conflitos vividos e seus delicados detalhes. Traçando um panorama da sociedade, observando tanto o movimento militar como os levantes contra o golpe, este é o primeiro volume de uma vasta obra sobre o período que, ainda este ano, ganha o último e definitivo desfecho.

Batman: Cidade Castigada (Panini Comics)

A saga Silêncio, anterior a Cidade Castigada, talvez tenha eclipsado a atenção voltada a esta história escrita por dois grandes parceiros: Brian Azzarello e Eduardo Risso. Se a anterior pretendia ser um grande épico em doze partes, apresentando diversões heróis e a galeria de vilões do Morcego, Cidade Castigada enfoca o Batman investigador em uma história mais eficiente e coesa que a de Jim Lee e Jeph Loeb. Gotham adquire contornos noir entre poesia e corrupção enquanto o roteiro foge de uma tradicional narrativa feita pelo morcego, acrescentando tanto uma reflexão erudita sobre a cidade quanto ampliando a limitação física do herói, sem contar uma improvável cena em que Bruce Wayne faz seu próprio jantar, desmitificando, com certo humor sem perder o tom sério da narrativa, os fatos cotidianos que o personagem, como um reflexo de um ser humano normal, executa todos os dias.

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Menção Honrosa: Cidades de Papel – John Green. Considerando o público-alvo de sua narrativa, Green surpreende com uma história pontual sobre a transição entre a adolescência e o mundo adulto e uma percepção madura de um grupo de amigos. Um romance de formação que tem potencial para se tornar significativo no crescimento do leitor jovem.

Crítica | 45 Anos

4 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Charlotte Rampling, Tom Courtenay

As relações amorosas e a convivência diária são comumente associadas em uma equação paradoxal. O tempo sempre é citado como aquele que desgasta a base das relações e, salvo a possibilidade de uma renovação constante, é natural que afetividades se arruínem. Se a maturidade possível do crescimento carrega uma maior carga de sabedoria, a qual se imagina certo manejo ao lidar com adversidades, nem sempre o equilíbrio entre a razão e o lado emotivo é funcional. A dúvida atinge a todos, independente da idade, ainda que na maturidade a trajetória do casal seja significativa para eclipsar qualquer armadilha sentimental.

Baseado em um conto, Another Country do escritor britânico David Constantine, 45 Anos apresenta em cena um casal maduro formado pelos competentes Tom Courtenay e Charlotte Rampling. Prestes a completar 45 anos de casado, o marido recebe uma carta da Alemanha informando que o corpo de sua paixão juvenil, Katya, morta em um acidente nas montanhas, foi encontrado por bombeiros e, devido ao gelo, está preservado como se o tempo fosse inexistente. A partir deste acontecimento e da reação excessiva de Geoff, a esposa Kate coloca em perspectiva sua longa relação sobre a dúvida de ter sido amada de fato ou se viveu à sombra desta paixão anterior.

A história foi baseada em um acontecimento real na França sobre um pai desaparecido na década de 30. Ao ser encontrado anos depois com o corpo intacto, o filho, que nunca conhecera o pai, teve um choque psicológico traumático irrecuperável. Constantine move o mesmo impacto para uma relação amorosa, espaço mais passível de efeito dramático pela ausência de um laço sanguíneo.

O roteiro de Andrew Haigh, que também dirige a produção, focaliza um recorte de uma semana na trajetória desse casal, uma semana anterior à comemoração das bodas de platina. Contrapondo um espaço de tempo ruim, despertado pela revelação do corpo, há um casamento duradouro que, no início da história, é inferido como bem-sucedido. A contraposição é delicada e parece executada para gerar uma discussão sobre o desgaste das relações e a desconstrução que a memória nostálgica é capaz de realizar.

A narrativa conduz o público aos conflitos internos da mulher, denotando, assim, uma maior ênfase em sua defesa. Em nenhum momento se conhece os sentimentos do velho Geoff em relação a este fatos. A interpretação contida dos atores abre espaço para esta discussão. É presumível que um casal que permanece tanto tempo unido possui laços fortes. Em cena, porém, fica claro que o tempo, acrescido de fatos que naturalmente promovem um choque momentâneo, causa rupturas.

A falta de comunicação entre o casal reside nas entrelinhas. O homem chocado com a informação recebida age de maneira indelicada com a parceira; ela, por outro lado, mergulha em um medo interno e se torna incapaz de compreender o quão impactante a notícia foi para o marido. A trama aponta afirmativas universais sobre uma relação como a impossibilidade de conhecer por completo o ser amado, bem como o incômodo do passado, principalmente aquele nostálgico e afetivo, causa impacto mesmo em uma relação vivida intensamente. A discussão é deixada ao público para ponderar se a relação das personagens foi ou não sustentável. Apesar de uma semana parecer incapaz de abarcar toda a relação de quase 50 anos, o longa suscita a fragilidade de cada um diante de seus lugares escuros e a incompletude de que qualquer casal será vítima.

Sutil como uma boa prosa narrativa, cujo tema está em suas entrelinhas, 45 Anos trabalha com qualidade os dramas das personagens, os quais se elevam graças às intensas interpretações de seus atores, não à toa indicados e premiados em diversas premiações por estes personagens.

Crítica | Roger Waters: The Wall

2 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Pink Floyd

O álbum The Wall lançado pelo Pink Floyd dava continuidade à tendência de álbuns conceituais da banda de rock progressivo e se tornou um dos pilares da banda, ainda hoje considerado um dos 100 melhores discos de todos os tempos tanto pela lista da Billboard quanto a da Rolling Stones. A ideia da obra surgiu na turnê In The Flash, quando Rogers Waters, sentindo uma desconexão com seu público, criou o conceito da parede que o separa de seus ouvintes, gerando, assim, este álbum dedicado a um traumático e metafórico trajeto de isolamento.

Desde seu lançamento em 1979, o álbum se transformou em uma turnê de sucesso, um disco ao vivo, uma animação idealizada por Alan Parker e um futuro musical da Broadway. Em 2010, Roger Waters, o mentor por trás do álbum, desenvolveu um novo show utilizando os recursos tecnológicos vigentes para produzir um espetáculo que desse vazão ao conceito de sua ópera rock e ampliasse seu significado em narrativas visuais que interagiam com as músicas. A turnê The Wall foi apresentada mundialmente nos três anos seguintes, com direito a quatro apresentações no Brasil em 2012.

Filmado em três shows produzidos especialmente para esta versão, além de um show com a participação do público, Roger Waters – The Wall é um espetáculo cuja magnitude é justificada por esta nova grande produção. Em 1990, Waters já havia feito uma gravação deste show em Berlim e, ao refilmá-lo anos depois, dialoga com a evolução da tecnologia a favor de sua história em um show definitivo.

O conceito teatral por detrás da obra se apresenta desde o início, antes da abertura do show. Uma parede cenográfica construída nas laterais no palco é o cenário que introduz o público a trajetória de Pink, o alter-ego de Waters no álbum conceitual. A metáfora narrativa sobre a evolução de um ser humano passando por fases de dor e perda inicialmente, a do pai morto no fronte de guerra, e delineando outras opressões como o protecionismo materno e o conflito das relações amorosas.

A abertura do show, bem como início do álbum, é uma quebra de expectativa que rompe a barreira de um show tradicional. Um ditador entra em cena acompanhado de seu exército, informando que a diversão será diferente daquela imaginava pelo público. Não contente com a natural teatralidade do álbum, há a inclusão de uma pequena narrativa diluída durante o show sobre a perda de seu pai na guerra. A batalha é vista pelo viés social, da destruição causada nas famílias que perderam seu patriarca e o quanto isto causou marcas em uma geração. É este o marco zero de Pink que atravessa sua história. Nesta narrativa filmada exclusivamente para esta edição, Waters ruma a uma jornada pelo país até o local em que seu pai foi morto para prestar homenagens. Mesmo nesta composição simples, a viagem se adensa pela história do álbum se integrando a sua metáfora.

A parede é esta representação de insatisfações. Conforme cresce e é construída durante o espetáculo, se universaliza a partir da dor da personagem. O trauma é interno, simbólico, invisível mas ainda pulsa forte e adquire uma tônica crítica contra o imperialismo americano e da cultura de massa. O cenário é como personagem sempre mutável, graças às diversas projeções que estão expostas. Assim, a jornada de autoconhecimento de Pink é compartilhada com o público, a princípio, na destruição de todos os conceitos conhecidos para, após um surto que o divide entre juiz e acusado, destruir o isolamento da parede e voltar a se reintegrar.

Walters revoluciona ao compor um show em que o público perde o contato com a banda. Um convite à reflexão do motivo pelo qual há a parede em cena. Infelizmente, a edição lançada no país pela Paramount Pictures segue a tendência dos lançamentos de shows do país em que não há legendas em português nas canções, somente nas intervenções do cantor. Um erro de concepção da empresa ao ser incapaz de observar que, além de um show, a narrativa de The Wall possui uma história contada por suas letras. Dessa maneira, mesmo quem conhece o álbum de longa data, terá que rememorar as letras para conectá-las ao espetáculo. Um erro que poderia ser suprimido se se compreendesse que mais que um show, trata-se de um álbum-show conceitual.

Rogers Waters – The Wall foi lançado em DVD e Blu-Ray no país, sendo o último lançado em edição especial com luva, cards e um pôster. A edição apresenta poucos extras sobre bastidores e dois documentários expandindo a história inédita filmada especialmente para esta versão. Infelizmente, ainda falta um documentário que apresente toda a espantosa tecnologia por trás da produção, em que Waters eleva um incrível álbum a um conceito artístico múltiplo que transforma esta apresentação em uma das versões definitivas de The Wall.

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Crítica | Horas de Desespero

2 de fevereiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Owen Wilson, Pierce Brosnan

O cinema de ação da década de 80 fundamentou um estilo narrativo com grandes personagens e atores de destaque em histórias simples e lineares, baseadas no tradicional mocinho versus bandido para desenvolver o argumento, repetido em muitas outras tramas, com diversas cenas de ação ainda lembradas pela sua competência e certa extravagância. Atores baseados em um porte físico fundamentaram tais produções e, mesmo que as modificações temporais tenham acrescido novos atores e perfis para o gênero, o retorno ao estilo dessa época é inevitável e rentável, dada a nostalgia.

Horas de Desespero marca o resgate deste estilo logo nas primeiras cenas de ação intensa, finalizadas com o título do filme ampliando-se na cena, assemelhando-se a muitos outros feitos nesta era de ouro da ação. Em um primeiro momento, parece improvável que Owen Wilson, ator de comédias e sempre verborrágico em seus papéis, seja personagem principal em uma história de ação. Dirigido por John Erick Dowdle, a produção apresenta uma família que, após uma proposta de trabalho oferecida ao patriarca, muda-se para um país asiático fictício no mesmo dia em que o local sofre um golpe de estado.

Na filmografia breve do diretor, o terror predomina como narrativa e, assim, o medo é utilizado como aliado para desenvolver a tensão nesta produção. Inserido em um país sem nome, o qual nem mesmo sabe a língua, o desconhecido é parte do desespero da família – composta por marido, esposa e duas filhas, um círculo de elementos frágeis que o obrigam a se tornar um obrigatório herói. Alguns críticos fizeram a leitura desta obra como uma ode à supremacia americana, rindo de países de terceiro mundo, com uma família tentando fugir deles. Porém, o roteiro assinado pelo diretor em parceria com Drew Dowdle usa este artificio de família em país estranho somente como ponto de tensão. A maneira plana a qual mocinhos e bandidos são apresentados, acrescidos pela urgência e medo da família, configura o enredo em uma trama de terror. Muda-se o contexto, mas a estrutura é a mesma. O medo ainda é um objeto específico, porém, em vez de um personagem inexistente, zumbis, vampiros e qualquer outros, utiliza um golpe de estado para tal.

A crítica não parece o escopo desta história. A ação é pautada do começo ao fim e Dowdle utiliza recursos do gênero para intensificar suas cenas, dando vazão a câmeras lentas e eficientes, provando que o recurso usado em demasia nos últimos anos ainda pode ser visualmente coerente, além de cenas que acompanham um personagem em fuga com a família, colocando o público em primeiro plano para saltos, quedas e outras ações de fuga. São estas cenas bem trabalhadas que refletem ansiedade e tensão no público.

Nesta composição hibrida entre a urgência e o medo do terror e a eficiência de uma trama de ação, Horas de Desespero entrega uma história que homenageia parte do estilo nostálgico da ação da década de 80 com um herói improvável em cena, porém, eficiente na proposta de um filme de entretenimento autêntico.

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Melhores Filmes de 2015

27 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Artigos

Listas são inevitáveis, mas necessárias, principalmente para estabelecer parâmetros de análise entre melhores e piores de um momento específico. Neste ano, a equipe se reuniu coletivamente a partir de suas listas individuais para compor uma democrática lista de Melhores Filmes de 2015.

Como cada um possui uma formação cinematográfica diferente, alguns destaque permaneceram foram da lista enquanto outros foram unanimemente votados. Destas obras que estiveram ausente, Sniper Americano permaneceu em boa posição, demonstrando a potência de Clint Eastwood. Os blockbusters Missão Impossível 5 – Nação Secreta e Homem Formiga também quase figuraram nossa lista, bem como novas produções de grandes diretores como Jean-Luc Godard e seu Adeus a Linguagem e Roman Polanski com A Pele de Vênus, além do filme nacional de Anna Muylaert, Que Horas Ela Volta?.

Em grande parte, nossa lista alinha produções americanas, explicitando vozes individuais voltadas a filmes em circuito que foram capazes de unir entretenimento e qualidade artística. Em geral, 2015 foi marcado por pequenas grandes obras e um retorno de grandes franquias, dando inicio a mais uma era de revival, apoiada também por outras mídias como séries e bandas que retornam após um hiato, uma nova década de 90 parece nascer.

2016 será marcado pelo retorno de grandes diretores em cena (Martin Scorsese, Terence Malick, Quentin Tarantino, Denis Vileneuve, Steven Spielberg), além das sequências e dos agora tradicionais filmes de heróis. No grande circuito a batalha por uma gorda bilheteria será intensa com Superman, Batman, Capitão América, Homem de Ferro e Star Wars. Frontes diferentes, os quais esperamos entregarem boas produções.

Sem mais delongas, os melhores de 2015 por nossa equipe.

10. Ex-Machina: Instinto Artificial (Alex Garland, 2015) – Por Cristine Tellier

Assistindo Ex-Machina: Instinto Artificial, tem-se certeza de androides não sonham mais apenas com ovelhas elétricas. O conceito de inteligência artificial de Steven Spielberg em A.I. parece muito romantizado quando comparado a Ex-Machina. Apesar de ser uma constante em histórias envolvendo entidades robóticas, o desejo de “ser humano” no filme de Alex Garland atinge uma riqueza de nuances difícil de conceber numa máquina. Torna-se difícil definir um limite para a evolução da mente cibernética, já que o desenvolvimento vertiginoso da tecnologia necessária para dar asas ao conceito parece, por sua vez, não ter limites.

Mesmo não sendo isento de defeitos, diferente de apenas se deslumbrar com a tecnologia, o roteiro de Ex-machina dá margem a questionamentos inerentes à inevitável evolução não só da mente como – e principalmente – da humanidade dos robôs. E a principal questão é levantada quase en passant por Nathan (Oscar Isaac) em um papo regado a álcool com Caleb (Domhnall Gleeson), em que o criador, referindo-se à criatura, comenta: “Um dia, a inteligência artificial irá olhar para nós da mesma forma que olhamos para fósseis nas planícies da África. Um macaco ereto vivendo na poeira, com linguagem e instrumentos rústicos, pronto para extinção.”

9. O Conto da Princesa Kaguya (Isao Takahata, 2013) – Por Karina Audi

Dirigido por Isao Takahata – co-fundador do estúdio Ghibli –, O Conto da Princesa Kaguya é uma produção baseada em uma antiga lenda japonesa. No conto, um bebê é encontrado por um lenhador de bambu no caule da planta, e a criança, depois transformada em princesa, precisa lidar com a separação do ambiente bucólico em que foi criada na infância, e também com o obstáculo que separa o amor aos pais adotivos e o retorno às suas verdadeiras origens. Flertando com o fantástico dos contos de fadas, a obra estabelece um universo em que a princesa é ativa e ciente de seu próprio destino na Terra, mas que precisa curvar-se aos desígnios de entidades mágicas e espirituais, apesar do amor devotado aos seres-humanos – argumento que se diferencia de A Princesa Mononoke, outra obra do estúdio dirigida por Hayao Miyazaki que mostra uma princesa enfurecida pela ação dos homens. Kaguya preza pela beleza gráfica (a animação foi toda desenhada a mão), pelo roteiro riquíssimo e melancólico e por uma bela trilha sonora que remete à tradição do país. Mais uma obra-prima imperdível do Ghibli.

8. Kingsman: Serviço Secreto (Matthew Vaughn, 2014) – Por Pedro Lobato

Com um mercado cinematográfico abarrotado de filmes baseados em quadrinhos, vez ou outra surgem algumas adaptações peculiares que fogem das famosas editoras Marvel Comics e DC Comics. Em 2015, tivemos a honra de ver nas telas Kingsman: Serviço Secreto, adaptação da HQ homônima de espionagem de ação e comédia criada por Dave Gibbons e Mark Millar.

O filme nos apresenta Harry Hart (Colin Firth), um super espião de uma organização secreta denominada Kingsman. Anos após o falecimento de um de seus colegas, o filho deste é escolhido para fazer parte da organização. Porém, para isso, ele vai ter que enfrentar um árduo treinamento da organização. Paralelamente, os Kingsman vão desmascarar os planos malignos de um magnata da tecnologia para dominar o mundo (Samuel L. Jackson). Recheado de ação desenfreada, explosões e um humor digno dos quadrinhos de Millar, Kingsman: Serviço Secreto é com certeza um dos melhores blockbusters de 2015.

7. Expresso do Amanhã (Joon-ho Bong, 2013) – Por Doug Olive

Um multiplot pós-apocalíptico e inter-racial do primo sujo e maldito de Mad Max, ainda mais pauleira, inconsequente e visceral que a ópera de Miller. Do pó, à neve, e da estrada aos trilhos de um comboio alojando em si o resto da humanidade: Uma raça que, sendo tal denuncia um dos grandes trunfos de o Expresso do Amanhã, nunca perderá seus vícios de hierarquia e sua herança de barbárie e instintos de cangaço global. O sensacional Joon-ho Bong, de O Hospedeiro, adianta: O futuro será primitivo, antes ou depois do trem descarrilhar, e filma o começo do fim resultando desde o início num filme escrachado, revigorante ao gênero ação em pleno século XXI, tempo cheio de heróis coloridos que não combinam com as cores de Expresso. Aqui, entre os vagões da nossa espécie, o Superman já foi e só sobrou a gente, carma coletivo e a certeza dum provável clássico moderno, sendo assim absolutamente palpável aos nossos sentidos.

6. Perdido em Marte (Ridley Scott, 2015) – Por Fabio Candioto

Após o desastroso Prometheus, qualquer indício de ficção científica vindo de Ridley Scott despertou uma apreensão nos fãs do gênero, afinal, sua última produção de qualidade datava de 1982. Felizmente, Perdido em Marte mostrou uma qualidade acima do normal não só para Scott, mas para as produções do gênero, tão combalido ultimamente.

Matt Damon entrega um Mark Watney de maneira leve e divertida, de uma forma que talvez não seja tão realista para alguém abandonado em Marte à própria sorte. Porém, sua maior aliada, a ciência, nos faz crer que seu otimismo é viável. Praticamente um panfleto da tão sofrida NASA com seus cortes de verba cada vez mais frequentes, o filme traz de volta em nós aquela criança que vibrava ao ver a missão Apollo 11 e imaginava o que estaria habitando toda a imensidão do Cosmos. Tornar o espaço e a ciência divertidas de novo é um dos vários méritos que o filme tem.

5. Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (Alejandro Iñárritu, 2014) – Por Filipe Pereira

Arroubo visual misturado a mensagem metalinguística, Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) não foi elencado pela academia como o vencedor da categoria de melhor filme à toa. Alejandro Iñárritu consegue aludir a arte audiovisual de maneira estilística e muito bela, contando com uma atuação maravilhosa de Michael Keaton, talvez o único ator capaz de representar o drama previsto no roteiro tanto fora como dentro da tela. As acusações de preciosismo narrativo amputadas ao filme por causa do plano sequência em que se enquadra não poderiam ser mais injustas, já que a fotografia, edição de som e montagem são primorosas e ajuda a compor o belo quadro visto no drama do personagem Riggan Thomson e seu antigo alter-ego Birdman. O filme aborda temas como esquizofrenia, dupla personalidade e dificuldade comum ao artista de seguir em frente e de superar o seu próprio trabalho e legado, tudo sob uma égide bastante lírica e pungente, fomentando uma bela história sobre decadência e destino.

4. Whiplash: Em Busca da Perfeição (Damien Chazelle, 2014) – Por David Matheus

O filme parcialmente autobiográfico escrito e dirigido pelo jovem Damien Chazelle foi uma das gratas surpresas no Brasil em 2015. O hype de Whiplash: Em Busca da Perfeição começou de forma tímida, em 2013, ao vencer pela votação do júri o prêmio de melhor curta-metragem do Festival de Sundance, obtendo apoio do próprio festival e do Sindicato Americano de Atores (Screen Actors Guild – SAG) para a realização de um longa-metragem. A oportunidade foi muito bem aproveitada. Chazelle entregou ao público um filme preciso, cativante com destaque à performance de Miles Teller, na pele de Andrew Neiman, um baterista que sonha em ser o melhor no seu instrumento e principalmente pela atuação de J.K. Simmons, seu cruel professor, um personagem tão cruel com seus alunos que chega a dar asco, o que resulta em cenas incríveis de muita raiva, dor e sangue. O filme (e a atuação memorável de Simmons) rendeu prêmios em Sundance, BAFTA, SAG, Globo de Ouro, além de 3 Oscar.

3. Divertida Mente (Pete Docter e Ronaldo Del Carmen, 2015) – Por Thiago Augusto Corrêa

Os bem sucedidos e elogiados filmes da Pixar, levaram-os a um patamar cuja própria trajetória da empresa fazia sombra aos últimos projetos. Quando Divertida Mente foi lançado, o melhor do estúdio estava novamente em cena: um roteiro inédito em um bom argumento e as camadas narrativas abrangendo a emoção de adultos e infanto-juvenis ao mesmo tempo. O resultado foi um grande filme que fazia do sentimento seu cerne.

A obra é original e ousada ao trabalhar com um conceito abstratos de emoções e transforma-las em personagens carismáticas que partem para uma trajetória interna sobre a importância de cada sensação humana, bem como a reflexão do aprendizado e a memória adquirida e vivenciada, parte fundamental de nossa essência. Com um drama sutil e pontual que produz emoção no público, a produção se equipara aos grandes clássicos fundamentais do estúdio e ainda demonstra criatividade e qualidade em suas histórias.

2. Star Wars – Episódio VII: O Despertar da Força (J. J. Abrams, 2015) – Por Pablo Grilo

Um dos blockbusters mais aguardados de 2015, Star Wars – Episódio VII: O Despertar da Força acabou se tornando um dos melhores filmes do ano. J.J. Abrahms conseguiu a façanha de reviver Star Wars no cinema com mais qualidade do que o seu antecessor e criador da saga com a trilogia de origem. O diretor conseguiu dar personalidade ao filme e deixou a sua marca nas cenas mais memoráveis, sobretudo na metade para o final.

O roteiro sólido de Lawrence Kasdan está mais atento às situações que movimentam a história, além de criar novos e apaixonantes personagens que estão a altura do desafio de substituir os icônicos. Porém, o roteiro conservador decidiu não correr tanto risco, e o que se viu em tela acabou sendo a repetição de uma estrutura narrativa já vista e algumas homenagens aos filmes antigos. No fundo acabou sendo um filme de ação bem dirigido, e o mais importante, com a essência de Star Wars.

1. Mad Max: Estrada da Fúria (George Miller, 2015) – Por Bernardo Mazzei

George Miller acabou com uma espera de 30 anos em 2015, já que Mad Max: Além da Cúpula do Trovão foi lançado no longínquo 1985. Após passar por vários adiamentos, Miller finalmente pôde entregar mais uma aventura situada no universo pós-apocalíptico criado por ele no ano de 1979. Em espetacular forma, ainda que não tenha dirigido nada do gênero nos últimos tempos, o diretor não decepcionou: entregou um filme que contém, provavelmente, as cenas de ação mais eletrizantes dos últimos anos. Utilizando-se de uma trama aparentemente simples, temas como sobrevivência, vingança, redenção e, principalmente, empoderamento feminino, foram suscitados e muito bem tratados no filme. Contando ainda com um elenco e atuações sensacionais, Mad Max: A Estrada da Fúria foi o melhor filme do ano de 2015. Com todos os méritos.

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Participaram desta votação: Flávio Vieira, André Kirano, Pedro Lobato, Pablo Grilo, Thiago Augusto Corrêa, Karina Audi, Cris Tellier, Carolina Esperança, Doug Olive, Marcos Paulo, Fábio Candioto, David Matheus Nunes, Bernardo Mazzei, Filipe Pereira, Halan Everson e Matheus Mota.

Crítica | Los Hermanos: Esse é Só o Começo do Fim Da Nossa Vida

26 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Documentário, Maria Ribeiro, Rodrigo Amarante

Os dez anos em atividade de Los Hermanos foram o suficiente para transformar a banda de um promissor grupo de rock, fundamentado pelo hit radiofônico Anna Júlia, a uma banda que flertava com o rock alternativo e uma mistura de estilos variados que lhe proporcionaram dois grandes álbuns. Após anunciar um recesso em 2007, a banda retornou após cinco anos para uma turnê comemorativa do 15º aniversário da banda, feito realizado novamente em 2015 com um sucesso semelhante que demonstra a devoção de seu público.

Dirigido por Maria Ribeiro, Los Hermanos – Esse é Só o Começo do Fim da Nossa Vida é um registro que compartilha com o espectador a afeição pela banda, motivo que revela parte da intensão deste longa-metragem que vai além de registros de shows mas pouco se expande como um documentário. A câmera acompanha in loco a banda durante a turnê comemorativa por diversas capitais do país como um observador natural, inserido no cotidiano das viagens, registrando conversas, momentos de lazer e o antes e após dos espetáculos.

Há poucas falas diretas dos envolvidos para a câmera, exceto em pequenos momentos para pontuar acontecimentos que marcaram a banda, como um breve resumo da trajetória, cujo primeiro passo importante foi no evento Abril Pro Rock em Recife; o retorno aos palcos após o hiato e, talvez, uma das dúvidas que mais incomodaram os fãs: os motivos de encerrar a banda. Depoimentos que, mesmo importantes, não configuram um estilo narrativo devido a sua escassez.

O registro se sustenta fundamentalmente como um observador da intimidade da banda, com canções filmadas na íntegra no palco, além da reação dos fãs. Como tais shows foram realizados somente em capitais, podem ser representativos para a parcela que não conseguiu estar presente nestas apresentações. Ainda que nada de novo se apresente, o documentário confirma a boa integração da banda e a adoração de seus fãs que ainda continuam fervosoros mesmo após quase dez anos do encerramento do grupo.

Como o documentário segue a cronologia da turnê, o final é eficiente ao registrar na íntegra a última canção do último show comemorativo. Simbolizando a trajetória da banda por estes shows e encerrando a obra no momento preciso em que as cortinas se fecham após o último espetáculo, uma estratégia pontual para demonstrar a intenção do registro, bem como trazer ao público a emoção catártica do encerramento.

Compre: Los Hermanos – Esse é Só o Começo do Fim Da Nossa Vida

Crítica | As Sufragistas

19 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Anne-Marie Duff, Ben Whishaw, Brendan Gleeson, Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Meryl Streep

Na história das civilizações, os domínios de poder sempre foram associados aos homens, fazendo da mulher um habitante de um universo paralelo, ambos unidos apenas na composição da sociedade. Diante destes papéis, a luta feminina por uma voz igualitária eclodiu em diversos momentos conforme o desejo da época: a procura de salários igualitários, presença na sociedade pelo voto e outros temas atuais comprovando a necessidade constante desta discussão.

Dirigido por Sarah Gravon, As Sufragistas é lançado em momento oportuno aproveitando discussões em voga sobre o feminismo contemporâneo, para apresentar um movimento feminino no início do século XX, na Inglaterra, quando um grupo lutou pelos direitos de voto no Reino Unido. Focado na trabalhadora Maud Watts (Carey Mulligan), a trama apresenta o cotidiano da classe operária britânica e a pressão diária enfrentada pelas mulheres, tratadas socialmente como inferiores e cuja remuneração também era menor do que os homens no mesmo posto de trabalho. Mesmo sem formação política, diante de um cotidiano de violência, a moça assume uma postura ativa para combater tais desigualdades e passa a colaborar com o movimento sufragista, marcado por protestos a favor da mulher.

A roteirista Abi Morgan (Shame, A Dama de Ferro) opta por uma personagem central para representar o contexto da época, tentando fugir de outros filmes históricos que apresentam grandes personagens e falham em sua execução. Porém, a trama não entrega uma personagem forte para representar este importante tema. Mesmo que se compreenda que Watts é uma mulher reprimida e se entenda suas motivações em, a princípio, não querer se envolver com o movimento, as demais personagens que surgem em cena parecem mais ricas dramaticamente, como a líder do movimento Emmeline Pankhurst, na época conhecida suficiente para aparecer pouco em público, evitando a polícia que tentava prendê-la. Ainda que esteja presente no pôster de divulgação, a personagem de Meryl Streep aparece pouco e tem somente uma cena como principal e nem mesmo forte suficiente para causar comoção. Uma participação que parece um chamariz de público – ainda mais considerando suas recentes declarações sobre feminismo e direitos iguais – e que nos deixa a impressão de que se a trama fosse focada nesta personagem histórica haveria maior intensidade narrativa.

Com uma composição semelhante ao filme Pride, lançado ano passado, sobre os levantes trabalhistas da era Thatcher em simultâneo com a luta por direitos iguais do homossexual, a narrativa se destaca mais por abordar uma época importante do que como um bom filme a respeito. A dramatização de fatos históricos é primordial para o debate mas necessita também de apelo dramático para que se conecte com seu público além da vertente informativa. As Sufragistas funciona como obra que destaca um movimento importante da história mas não se sustenta ao representar este momento. À procura de um didatismo histórico, a trama perde fôlego e força quando deveria comover e ser um símbolo significativo de um período específico.

Resenha | Snowden: Um Herói do Nosso Tempo

18 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Quadrinhos, Resenhas

Editora Wmf Martins Fontes, Política, Wmf Martins Fontes

Saindo do anonimato em 2013, a trajetória do analista de sistemas Edward Snowden foi destacada em diversos veículos ao redor do globo apresentando-o através de sua denúncia contra o governo americano em documentos sigilosos que demonstravam um intrincado – e ainda vigente – sistema de espionagem global. Desde então, tornou-se uma figura controversa divida entre opiniões positivas e negativas da mídia.

Lançado pela Editora Martins Fontes, Snowden: Um Herói do Nosso Tempo, do desenhista americano Ted Rall, é uma biografia em HQ que traça a breve trajetória do analista de sistema, apresentando o destaque midiático e a polêmica denúncia dos documentos sigilosos. Atento ao contexto geral e a linearidade narrativa, o autor evita qualquer arroubo criativo na composição do livro para produzir um objeto informativo que resume a história do biografado, apontando momentos importantes e decisivos, responsáveis por sua conduta diante dos dados sigilosos que possuía em mãos.

Diante de um cenário delicado, em que se descobriu uma extensa espionagem americana realizada tanto no exterior quanto por parte de seus cidadãos, Snowden sai do anonimato para ser responsável por uma persistente discussão a respeito dos direitos e liberdades das nações. Dividido em três partes abordando antes, durante e depois das denúncias expostas nos jornais The Guardian e The Washigton Post, o livro, em formato próximo ao de bolso, contém uma história simples cuja composição a cada página se assemelha ao conceito tradicional da graphic novel formatado por Will Eisner com texto e um painel ilustrativo, interagindo simultaneamente na leitura.

Hall inicia a obra em um comparativo com a famosa narrativa de George Orwell, 1984, sobre um mundo totalitarista com domínio e vigília do governo e, em seguida, apoia-se em momentos chave para apresentar sua história, resumindo os fatos e a recepção midiática ao redor deles, traçando um panorama efetivo sobre um tema atual da política americana. Engajado na política desde o início de sua carreira, o autor insere no texto seu discurso a favor da liberdade de expressão, mantendo sua vertente crítica coerente com uma trajetória que sempre fez da nona arte um objeto de crítica social.

A figura de Snowden foi epicentro para trazer à tona uma discussão contemporânea, tema preponderante da política de segurança dos Estados Unidos. Sua contribuição marcante o fez uma das figuras em destaque no ano e, ainda hoje, se mantém exilado de seu país, que o acusa de traição. Preparando um futuro livro, o analista afirma que mais informações sigilosas serão reveladas. Além de uma futura publicação, Edward é tema da nova produção de Oliver Stone com Joseph Gordon-Levitt no elenco.

Snowden: Um Herói do Nosso Tempo mantém a discussão ativa e é suficientemente informativo para leitores leigos conhecerem esta figura e sua denúncia, fundamentando uma base para maiores pesquisas dos leitores conforme o interesse de cada um. O marco causado pelo analista ainda é novo para uma análise a longo prazo, mas sem dúvida é fundamental para uma discussão futura dos limites governamentais, uma história distante de um final necessário.

Compre: Snowden: Um Heroi de Nosso Tempo – Ted Rall

Review | The Following – 3ª Temporada

13 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Reviews, Séries

crítica de série., James Purefoy, kevin bacon, Kevin Williasom

Terceira temporada da série, The Following finalizou seu último ano com um anuncio de cancelamento, ato justificável diante de uma média audiência e ausência de um roteiro sólido. Após encerrar o principal embate entre Tom Hardy e Joe Caroll na temporada anterior, o roteirista Kevin Williasom tinha nas mãos duas alternativas: abordar novos personagens ou mais uma vez utilizar o mesmo vilão para outro conflito.

A escolha do roteirista foi uma abordagem mista. Aproveitando-se da mitologia criada em sua trama sobre um serial killer com pupilos fieis e desconhecidos entre si, potencializou novos assassinos seriais. Ao mesmo tempo em que fechava as pontas soltas da trama anterior como a fuga de Mark Gray, único sobrevivente da família, além iniciar o julgamento do mentor de Caroll, Dr. Strauss. Uma estrutura que une muitos psicopatas em cena, como se a narrativa os produzisse em serie, destruindo parte da credibilidade da história em um primeiro momento.

A vingança é parte primordial destes argumentos e Ryan Hardy parece motivar uma fúria centralizadora nestes grupos como o único detetive e policial da cidade possível de investigá-los. Mark Gray deseja se vingar após o assassinato da mãe, expondo e recriando as cenas da morte de sua família, alertando as mentiras escondidas por Hardy, sua sobrinha e Mike Weston, em acontecimentos apresentados na segunda temporada. Um interessante argumento que poderia conduzir a equipe a ser investigada mas que, devido ao desejo de provocar muitos ganchos, é citada em poucos episódios.

Surge em cena um novo personagem assassino parte do séquito de Dr. Strauss. Considerado o mais brilhante aluno, o assassino sabe matar sem chamar atenção da polícia e a habilidade em computação lhe garante um sigilo maior ocultando sua identidade. Trabalhando de maneira solitária, sua vantagem sobre a polícia é tamanha e desproporcional, um método que se tornou comum na série ao transformar a investigação policial em um grupo desconexo sempre um passo atrás dos vilões. Como a procura pelo assassino é difícil e, consequentemente, sem substância, a trama retoma Joe Caroll dias antes de sua execução.

Os melhores momentos dessa temporada são as poucas cenas entre Kevin Bacon e James Purefoy. Após interpretar um detetive bêbado no primeiro ano e recuperado no segundo, Hardy está mais equilibrado mas consciente do mal que o cerca. Enquanto o vilão, prestes a ser executado, ainda possui seu charme de assassino que conquista o público, mesmo que os diálogos entre as personagens sejam exagerados e demonstrem uma ligação quase passional entre policial e bandido. Como a ação pauta a narrativa, o serial killer tem um último suspiro violento ao dominar uma sala da prisão com reféns. Outro ato exagerado para simbolizar o fim da personagem que, em seguida, cumpre sua pena de morte por injeção letal.

Um desfecho que poderia ser impactante e aceitável para o bom vilão se transforma em um clichê que, mais uma vez, retira a força da trama. Um Hardy combalido emocionalmente começa a dialogar com Carell em sua imaginação. É um recurso rasteiro para ter Purefoy em cena e que não ajuda no andamento da história. Demonstrando novamente a falha estrutural ao não ter roteiro coeso que cobrisse todos os episódios desta temporada.

A ausência de uma trama sólida faz a história ser dividida em vários pequenos núcleos, explicitando a possibilidade do surgimento de novos assassinos. Assim, entra em cena outro contato oriundo do Dr. Strauss, um grupo de milionários que, aparentemente, realizam festas excêntricas. Em poucas cenas, tem se a impressão de ser um clube que realiza fantasias limítrofes sem nenhuma moral, ainda que mais nada seja apresentado ao público. O apelo deste novo grupo é nulo e parece mais uma muleta criada as pressas do que uma peça fundamental a história.

Tais núcleos tentam convergir em uma única narrativa tendo Ryan Hardy como grande epicentro. Porém, o investigador não é tão ameaçador como seus inimigos imaginam. A mística em torno do homem que preendeu Joe Caroll parece exagerada, assim como é exagerado o fato de personagens diversos desejarem destruiu o herói como se não houvesse nenhum outro alvo.

O final da série parece ainda mais aleatório – ou desesperado – e trai a composição do personagem do policial ao transforma-lo em um vigilante oculto que promete desvendar este grupo excêntrico de poderosos. Durante toda a trama, Hardy nunca pareceu potencialmente inteligente como o episódio piloto inferia. Pouco técnico, viciado em bebida, era um líder com mais força bruta do que inteligência. Sua angústia e feitos nada incríveis lhe transformava em um policial comum, atrativo como personagem central. Porém, assumir um manto de vigilante após simular sua morte parece destoar de sua personalidade, um gancho narrativo que seria a investigação de uma nova temporada que não existiu.

Sustentada em muitos ganchos de ação, a série se manteve razoavelmente bem em suas duas primeiras temporadas, em grande parte, devido a química entre os atores principais. Sem o vilão em cena e com uso exagerado de clichês e de personagens, o terceiro ano não emplaca em nenhum momento e, não a toa, justifica o cancelamento da série. Em sua curta trajetória, The Following se tornou uma narrativa com um bom potencial que não soube reconhecer suas limitações e ousar quando poderia ser diferente de outras histórias policiais, recorrendo a velhos clichês sem nenhuma originalidade.

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Crítica | O Bom Dinossauro

12 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Animações, Disney, Elidio Sanna, pixar

Em espaço normalmente dedicado às novas animações do estúdio Disney, O Bom Dinossauro foge à regra de lançamentos anteriores como Operação Big Hero, Frozen – Uma Aventura Congelante e Detona Ralph promovendo mais um filme do estúdio Pixar após seis meses do lançamento de Divertida Mente.

Mesmo sendo um produto inédito após o grande sucesso da animação anterior e carregando o selo de qualidade da Pixar, o filme parece ecoar em argumentos anteriores, tanto da própria casa quanto de estúdios concorrentes. Em 2000, a Disney lançava a animação mais cara da época, Dinossauro, um gasto desproporcional à recepção morna da crítica. Dois anos depois, a 20th Century Fox lançava Era do Gelo em mais um retorno ao período jurássico. Recentemente, a Dreamworks realizou o mesmo em Os Croods, desgastando o tema pela repetição.

A trama subverte a extinção dos dinossauros, desenvolvendo-os uma evolução que os fazem dominante no planeta. Arlo é um dinossauro adolescente, caçula da família, vivendo o difícil período de auto-conhecimento e representação familiar. Após uma tempestade que o leva para longe de casa, o dinossauro deve demonstrar sua coragem ao retornar para seu lar. No caminho, conhece o jovem humano, Spot.

A narrativa se centra nestes dois personagens e na jornada de retorno ao seu habitat, transformando a trajetória no amadurecimento do dinossauro e no aprofundamento da relação com o garoto selvagem, o espaço para desenvolver os temas comuns de uma animação voltada para a família. Boa parte da história situa-se somente com a dupla em cena. Considerando que a parte humanoide não possui fala, a trilha sonora serve como apoio para nutrir os diálogos e a falta de ação, incorporando uma musicalidade que intenta ser selvagem, trabalhando-a a favor da história. Um recurso que não deixa de se aproximar da ousadia de Wall-E, demonstrando novamente a repetição de estilos narrativos além da trama.

Desde o anúncio do longa-metragem, a produção passou por modificações, intensificando uma incoerência interna no estúdio. Inicialmente, Bob Peterson de Up – Altas Aventuras estava a cargo da direção. Em 2013, a Pixar considerou vagarosa a continuidade de seu trabalho, promovendo Peter Sohn, da equipe técnica de Os Incríveis e Procurando Nemo, ao cargo. Embora o argumento principal tenha se mantido, a história foi remodelada e talvez nestas modificações o roteiro de Peter Sohn, Erik Benson, Meg LeFauve, Kelsey Mann e Bob Peterson se tornou plano ao extremo, distanciando-se do roteiro em camadas coerente com a tradição desenvolvida pela parceria Disney / Pixar.

Nesta estrutura simples, a aventura é a tônica em uma história linear com poucos momentos de emoção – eclodindo em um desfecho evidente e repetido das citadas tramas anteriores – e quase sem nenhum riso. A animação cresce em comparação com anos anteriores do estúdio, porém novamente se espelha nos avanços dos estúdios concorrentes que também são capazes de produzir bons produtos plásticos, mesmo de enredo pífio.

O Bom Dinossauro peca pela repetição, provavelmente desequilibrada pelos desencontros de sua produção, resultando em um produto final distante do selo de qualidade fundamentado pelo estúdio, retrocedendo mais um passo à sombra de sua própria trajetória.

Crítica | Snoopy e Charlie Brown: Peanuts, O Filme

11 de janeiro de 2016 by Thiago Augusto Corrêa

Cinema, Críticas

Animações, Elidio Sanna

Criado em 1950 por Charles M. Schulz, Peanuts é um dos quadrinhos mais populares do mundo, representando um dos pilares das tiras gráficas ao lado de Calvin & Haroldo e Garfield, universos que partem de uma mesma forma distinta de narrativa. Apoiado pelo sucesso, a turma de Charlie Brown e Snoopy – personagens mais reconhecidos do público – torna-se também um grande produto de mercado reproduzido além das reedições da obra completa do autor, muitas vezes dissociando sua intenção original e se destacando pelas personagens em si.

Os derivados mercadológicos trazem reconhecimento aos personagens, aproximando jovens e adultos, leitores das tirinhas, e as crianças pelo apelo infantil em brinquedos e outros produtos, indo além da mensagem de cunho filosófico contida na obra original e em adaptações animadas que tentavam equilibrar estes dois mundos. Com quase 65 anos de existência, Snoopy e Charlie Brown – Peanuts, O Filme é uma nova produção cuja intenção é acrescentar um novo público aos fãs, utilizando os conceitos vigentes na animação contemporânea, como o uso da terceira dimensão – tanto a estereoscopia quanto na composição do traços – e ainda mantendo os aspectos gráficos tradicionais da obra em um interessante contato com a fonte original.

O roteiro escrito por Craig Schulz, Bryan Schulz e Cornelius Uliano abrange os perfis característicos das personagens, as quais o público está acostumado. A trama desenvolve tanto uma história própria quanto apresenta pequenas ações rápidas, típica das tiras, narrando duas histórias em uma: a turma de Charlie Brown e outra para Snoopy e o amigo pássaro Woodstock. Mantendo-se dentro da estrutura conhecida, Charlie Brown é o menino azarado que se apaixona pela menina ruiva recém instalada no bairro. Inseguro quanto a sua abordagem, em um deslocamento que gera identificação a todos que se sentem diferentes, elabora planos para tentar conquistar a garota, enquanto permanece em sua rotina ao lado dos amigos, e filosofando pequenas pílulas de sabedoria, bem inseridas na histórias.

Em paralelo, Snoopy contrapõe sua história em entreatos da primeira, em uma meta-narrativa a qual o próprio cachorro imagina aventuras de um aviador desafiado pelo Barão Vermelho. As cenas apelam para o conceito primordial do cinema, explorando dois personagens que, sem falas, se comunicam através de sons e da trilha sonora, dando vazão a um humor cênico que, como nas tiras, se contrapõe as reflexões adultas das tiras, costuram e simbolizando as tentativas de conquista de Charlie Brown. Transitando em totalidade ao universo conhecido e consagrado.

Dirigido por Steve Martino de A Era do Gelo 4 e Horton e o Mundo Dos Quem, a longeva obra de Schutlz segue tendencia similar a adaptação de Os Smurfs tentando trazer um novo público a uma história tradicional e aclamada, um movimento semelhante com outra adaptação recente, O Pequeno Príncipe, que também ganha nova roupagem com uma narrativa contemporânea para dar força e se manter no mercado diante de novos lançamentos. A força das personagens garantiram uma abertura de US$45 milhões que surpreendeu positivamente a 20th Century Fox, uma prova da universalidade da obra do autor e uma evidencia de que o público também aceita antigos produtos desde que bem equilibrados ao apresentar uma história nova sem trair suas bases fundamentais.

thiago-augusto

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Resenha | Snowden: Um Herói do Nosso Tempo

Review | The Following – 3ª Temporada

Crítica | O Bom Dinossauro

Crítica | Snoopy e Charlie Brown: Peanuts, O Filme