Ditadura Militar – Página: 2

Crítica | Batismo de Sangue

2 de abril de 2017 by Filipe Pereira

Caio Blat, cassio gabus mendes, Daniel de Oliveira, Ditadura Militar, tortura

Violento, visceral e equilibrado nas funções entre ser uma denúncia e um produto artístico intimista, Batismo de Sangue é um interessante retrato sobre os traumas causados pela tortura que recaia sobre os opositores da Ditadura Militar brasileira. Baseado no livro de Frei Betto, a história contada pelo diretor Helvecio Ratton mostra a insurgência de lideranças religiosas católicas romanas no final dos anos sessenta contra o regime militar instaurado.

Tito (Caio Blat), Betto (Daniel de Oliveira), Fernando (Léo Quintão), Oswaldo (Angelo Antônio) e Ivo (Odilon Esteves) são os freis que resolvem engrossar o coro revolucionário, apoiando a logística do Ação Libertária Nacional, organização de Carlos Marighella (Marku Ribas),pessoa importante na luta armada com o qual alguns dos religiosos tem contato direto. O roteiro mostra de maneira didática a resistência dentro do clero a esses cincos religiosos, bem como a intimidade da militância.

O filme não se acovarda tampouco teme dar nome aos bois no referente aos personagens chave do jogo político vigente. As atuações são realistas e dedicadas enquanto Ribas é tímido como Marighella, Cassius Gabus Mendes faz do seu delegado Fleury um sujeito agressivo, servindo a perfeição como o “homem forte” do Esquadrão da Morte. As reações intempestivas e violentas casam bem com todas as descrições que fazem a respeito do militar.

Ao contrário do que ocorreu em Zuzu Angel, filme de temática semelhante e regulado em época com este, as cenas de tortura são fortes e não suavizam em nada para o público, de modo que causa no espectador um sufocamento semelhante ao ocorrido com os flagelados. Não estilização do martírio dos presos, tampouco preocupação preciosista em mostrar ângulos obtusos, as sequências são cruéis e viscerais, causando incômodo em quem as assiste.

A operação para assassinar Marighella leva em conta a versão comumente levantada por defensores, amigos e parentes próximos do revolucionário, como já foi muito discutido no documentário Marighella, de Isa Grinspun Ferraz. Esses eventos e a tortura pelos quais passam os religiosos marcam a vida de Tito, ao ponto dele perder a fé na vida, humanidade e até no Divino. A apreciação e digestão que o padre faz dos dias que passaram são reflexivas, interessantes e muito humanas, condizentes com a realidade de alguém que tem sua liberdade cerceada e seus sonhos violados. Mesmo no exílio, ele acha que Fleury o encontrará e sua solidão vai além até da distância de seu país natal.

Blat se entrega ao papel de uma jeito tocante e delicado, e pontua como um dos elementos mais interessantes e profundos do longa-metragem. Esse aspecto aliado a performance vilanesca de Gabus Mendes além modo direto como Ratton dirige seu filme fazem de Batismo de Sangue uma das melhores manifestações modernas a respeito dos anos de chumbo, mostrando tanto alguns dos defeitos dos militantes, quanto a total falta de respeito com a vida e direitos humanos empregadas pelos ditadores.

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Crítica | Cabra-Cega

1 de abril de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, jonas bloch, Leonardo Medeiros, Michel Bercovitch, toni venturi

Toni Venturi retorna ao cinema político, após o documentário Velho – A História de Luís Carlos Prestes. O longa ficcional Cabra Cega analisa o período conturbado da Ditadura Militar no Brasil, através da vivência de dois jovens militantes da luta armada, Tiago (Leonardo Medeiros), um homem ferido que está alocado no apartamento de um simpatizante da causa, e Rosa (Débora Duboc), que era sua amiga de militância e passa a cuidar dele enquanto está foragido.

A questão agravante é que Tiago é um homem arredio e desconfiado, se tornando um completo grosseiro quando é minimamente contrariado, fator que faz perguntar se valeria a pena as gentilezas a ele empregadas por seus companheiros e camaradas. O roteiro se pauta basicamente na sensação de paranoia extrema e dos males do isolamento de Tiago, que não consegue se sentir minimamente bem ao ter de ficar encarcerado, vendo importantes quadros políticos da luta armada caírem um a um, como Lamarca, Marighella e Toledo.

A locação quase unificada do apartamento causa um sentimento de claustrofobia e sensação de aprisionamento no espectador, visando claro equipar o público ao personagem de Medeiros. Aos poucos, o espectador se enche desse lugar e busca uma fuga, como foi com o personagem principal. A compleição física digna de pena de Tiago é um marco visual do desespero dele, a representação física da entrega a não esperança.

A trilha sonora é inteligente e bem colocada, maximiza as sensações de perseguição e de extrema solidão. As músicas são muito boas, mas não são empregadas de modo gratuito, ao contrário, servem a trama ao invés de funcionar como muleta ou despiste para um texto fraco.O roteiro aliás é minimalista, sem gorduras, mostra todo o ideal dos pretensos revolucionário sem cair no didatismo. Cada personagem é impreterível para a trama, desde os citados, até o veterano Mateus (Jonas Bloch), que serve de mentor para o grupo, além de Pedro (Michel Bercovitch), dono do apartamento e alvo de muitas desconfianças.

A tensão presente nos instantes finais mistura sentimentos como paixão, volúpia e desconfiança em uma sequência que põe em cheque até os juramentos dos militantes em torno do viés revolucionário. A sensação de estar cercado é presente em toda a trama de Cabra Cega, mas é maximizada quando o longa está próximo de se encerrar, em um conjunto de cenas de evocam a necessidade de sair da estática da não política que era pregada aos jovens da época, mostrando que a resistência era o único caminho possível para quem tinha qualquer ligação com o progressismo ou simpatia pelo livre pensar, mesmo que essa atitude significasse a morte.

Crítica | Galeria F

31 de março de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Emilia Silveira, Festival do Rio 2016

História pessoal, contada por meio de um documentário que se insere no cotidiano de seu biografado, Galeria F é o novo filme de Emília Silveira, a mesma diretora do excelente Setenta, sendo este também um novo longa sobre a resistência contra o Regime Militar. Theodomiro Romeiro dos Santos começou a se envolver com a luta política quando tinha 14 anos e foi capturado aos dezoito anos, passando boa parte de sua juventude em cárcere e tendo declarada sua sentença de morte.

O caminho percorrido pela câmera é o da fuga que ocorreu com o militante, reconstruindo cada um de seus passos até os lugares onde se hospedou quando estava foragido. Guga, seu filho, acompanha o pai e o ajuda nessa jornada de reconhecimento. O arquivo digital permite a diretora manter sua câmera ligada o tempo inteiro, fazendo finalmente seu objeto de análise sentir-se tranquilo para não mais atuar de frente das lentes.

Os relatos de Theo as vezes fazem falhar sua memória, sendo essas lacunas preenchidas por seus amigos e companheiros de lutas, que estiveram no presídio Lemos de Britto consigo, além dos partidários do PCBR (Partido Comunista Brasileiro Revolucionário) que servem para testificar suas palavras. O outro lado do filme é focado em Guga, que é quase um co-protagonista. O herdeiro busca entender a psique do pai e a rotina que o fez chegar onde chegou e o testemunho do filho é bastante emotivo e compreensivo, mesmo quando seu pai era rígido com ele na juventude, entendendo que a adolescência de Theodoro lhe foi tirada ao ficar tanto tempo aprisionado.

Silveira faz um mergulho profundo na vida de Romeiro dos Santos, inclusive mostrando rapidamente a proximidade dele com ACM – Antônio Carlos Magalhães – ex-governador baiano por três mandatos e coronel nordestino. No entanto, a fórmula de seu filme se esgota cedo demais, tornando-se pouco dinâmico e menos inspirado que Setenta, ainda que tenha bons momentos em sua projeção.

Crítica | Kóblic

20 de março de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

cinema argentino, Ditadura Militar, Ricardo Darín

Novo filme dirigido por Sebastián Borensztein – de Um Conto Chinês – Koblic mistura drama e ação, contando com Ricardo Darín como o protagonista da produção. O premiado ator vive o personagem título do filme, um ex-capitão das forças armadas que coordena operações aéreas conhecidas como voos da morte, onde se eliminam os inimigos da ditadura militar argentina nos anos setenta, ao jogar os corpos dos opositores do governo diretamente ao mar.

As primeiras cenas já dão vazão ao talento de Darín, mostrando-o em discussões com pessoas próximas, sendo esse sempre resignado apesar da alta patente que possuía e do livre trânsito entre os poderosos da sua pátria. Os motivos que o fazem sentir assim são explicitados em cenas com outros personagens, onde um jovem alistado trata com uma das maiores figuras de autoridade do filme, chamado Velarde, interpretado por Oscar Martínez. O rapaz, de certa forma, representa uma versão mais nova de Koblic, mostrando que o processo de lavagem cerebral começava desde cedo, com muita pressão psicológica, abuso de autoridade e assédio moral, ajudando a formar nos colaboradores uma cabeça mais obediente e facilmente manipulável.

As cenas de Velarde com Luiz são normalmente muito expositivas, atrapalhando um pouco as conclusões do público, que acaba tendo toda a questão de background muito mastigada. No entanto, as questões envolvendo outra face da história, ainda mais a questão que envolve Nancy (Inma Cuesta), amante de Koblic, que sofre abusos físicos de seu atual cônjuge, é melhor realizada. A demonstração de um relacionamento abusivo ocorrendo tão próximo a um agente do governo é uma boa metáfora do quão hipócrita e ignorante era a lógica dos defensores da ditadura militar e de tantos outros regimes, que se preocupam em controlar o povo sem prestar a mínima atenção em suas necessidades.

A duração de Koblic é curta, com pouco mais de noventa minutos, e é econômica em questões sentimentais. A dor que o protagonista sente e a culpa por ser um herói falido é sentida somente pelas expressões do ator e pelas cenas muito bem construídas dos despejos dos flagelados, com cores escurecidas tomando o ambiente, servindo como símbolo de todo o passado negro ocorrido na Argentina. A cena final em que Koblic ruma para o horizonte é poderosa e igualmente metafórica, sendo portanto a síntese das sensações que o personagem tem dentro de si, representando também tantos colaboradores forçados de governos tirânicos, sem descuidar também da culpa própria desses mesmos entes.

Crítica | Zuzu Angel

17 de março de 2017 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Alexandre Borges, Carlos Lamarca, Daniel Oliveira, Ditadura Militar, golpe de 64, Leandra Leal, Luana Piovani, paulo betti, sergio rezende, tortura

A trilha sonora de Zuzu Angel começa com a eletrizante música Dê Um Rolê dos Novos Baianos, interpretada por Pedro Luís e a Parede junto a Roberta Sá. Após uma apresentação enérgica dos créditos iniciais, o filme de Sergio Rezende já se insere no escopo novelístico típico do longa. O drama baseado na história real da personagem título mostra uma mulher da elite brasileira que vê seu filho sendo capturado pelos militares.

A estilista de classe média goza de uma influência grande da sociedade naquela época. Os detalhes de toda a questão envolvendo ela e seu filho Stuart Angel (Daniel Oliveira) são interessantes e um bom retrato dos martírios que a ditadura causava em seus opositores, mas fora alguns poucos momentos, a abordagem do filme é sensacionalista e pasteurizada, lembrando muito com Olga, de Jayme Monjardim outro filme que fez sucesso comercial em tempos recentes.

As ligações entre Stuart e Carlos Lamarca fizeram com que Rezende trouxesse novamente Paulo Betti para representar o guerrilheiro, como ele havia feito com o filme Lamarca de 1994. É curioso porque o escopo de realidade forçada é reprisada neste filme, ainda que seja relativizada pela modernidade com que é conduzido o cinema. Quase todas as interações são extremamente artificiais e feitas sob uma ótica com linguagem bem mais televisiva do que cinematográfica.

Patrícia Pillar tem um bom desempenho, como é esperado, mas a irrealidade do roteiro e da condução comprometem inclusive seu trabalho. As situações em que é posta com Stuart, seja na infância ou juventude dele são quase sempre exibidas de uma maneira forçada e nada natural. O filme carece de verossimilhança ou de qualquer intervenção mais enérgica por parte de seu realizador.

Apesar de tratar um tema complicado o modo como o filme é realizado é bastante desequilibrado, confundindo momentos leves com pesados e registrando as torturas com uma complicada estilização, quase glamourizando os momentos de sofrimento. Ao final da exibição, Zuzu Angel soa pueril e até oportunista, por explorar um tema histórico em um um roteiro engessado, que suaviza uma história forte apresentando-a como se fosse algo genérico, apesar de tentar prestar reverências e homenagens.

Resenha | A Resistência – Julián Fuks

1 de agosto de 2016 by Vortex Cultural

Literatura, Resenhas

Companhia das Letras, Ditadura Militar

“Meu irmão é adotado, mas não posso e não quero dizer que meu irmão é adotado.”
(pag.9)

A frase que abre o livro já dá ao leitor uma boa ideia do que está por ler e instiga nele a curiosidade de entender qual a motivação do narrador para se expressar dessa forma. O autor, filho caçula de um casal de psicanalistas, durante todo o livro “pratica” a dicotomia entre contar a história do irmão adotado e não querer explorar o fato de que ele seja adotado. Mas é o próprio irmão que dá ao narrador a missão de escrever sua história:

“(…) enquanto me empenhava em decifrar tudo aquilo que eu não entendi e jamais seria capaz de entender, meu irmão soltou a frase que não pude esquecer, a frase que me trouxe até aqui: Sobre isso você devia escrever um dia, sobre ser adotado, alguém precisa escrever.”
(pag.124)

O livro explicita principalmente a obsessão do autor com origens, talvez justificável por ser parte de uma família exilada no Brasil, fugida da ditadura na Argentina. Os capítulos alternam-se entre questionamentos sobre a origem do irmão – na tentativa de entender os motivos de ele ser como é – e a busca pelas origens de sua família – na tentativa de conhecer onde e como viviam antes de fugirem de seu país. O autor vai do macro, o drama de uma país e de um povo sob jugo de um regime militar, ao micro, o drama particular de uma família exilada cujo filho mais velho se ressente por ser adotado.

Percebe-se no texto o cuidado do autor na escolha das palavras, o trabalho não apenas no conteúdo mas também com a estética, com a sonoridade, com o ritmo. Longe de ser pedante, Fuks consegue, mesmo sem ser coloquial demais, dar uma fluidez ao texto que torna a leitura extremamente aprazível. Adicione-se a isso os capítulos bem curtos e tem-se em mãos um page-turner, mesmo que o gênero do livro não seja um daqueles que comumente se encaixa nessa denominação.

Em um dos capítulos, o narrador comenta sobre um nome que nunca tinha ouvido em casa, Marta Brea. Descobre, então, que era uma colega de trabalho de sua mãe. Mais que colega, era amiga e confidente. Um dia “removida” do hospital em que trabalhava e jogada num camburão sem placa. E, como era de se esperar, ninguém nunca mais soube nada sobre seu paradeiro. A chegada de uma carta muda isso, e Fuks descreve bem aquela sensação de não saber de algo sobre um acontecimento, cujas lembranças depois de um tempo aparentemente se perdem, e de repente descobrir o que realmente houve. Uma reorganização de nossas memórias face a novas informações.

“Só quando recebeu aquela carta, trinta e quatro anos mais tarde, a carta que convertia Marta Brea em Martha María Brea, vítima do terrorismo de Estado da ditadura civil-militar, jovem psicóloga cujos restos agora identificados ratificavam seu assassinato em 1o. de junho de 1977, sessenta dias depois de seu sequestro no hospital, só quando recebeu aquela carta pôde vasculhar em seu íntimo as ruínas calcificadas do episódio, pôde enfim tocá-las, movê-las, construir com o silêncio das ruínas, e com seus traços deformados, o discurso que proferiu em sua homenagem.”
(pag.78)

A precisão com que descreve sentimentos familiares ao leitor, sensações que por vezes nem sabemos que há como expressar em palavras, é cirúrgica. Por assim dizer, quase invasiva. Dá ao leitor aquela sensação indescritível de o texto ter sido escrito especialmente para ele. Indescritível, aprazível e incômoda ao um mesmo tempo.

Assim como Sebastián, o narrador, é e não é Julián, o texto todo é repleto de dualidades. Há ao longo do livro inúmeras oposições entre aquilo que é e o que poderia ter sido, ou que o narrador sonha que tenha sido. O uso da metalinguagem é recorrente quando o narrador fala do livro sendo escrito e sendo lido, sendo construído e desconstruído de acordo com o fluxo narrativo, de acordo com o que o autor quer mostrar (ou não) ao leitor.

“Só quando já partiram meus irmãos, só quando já passamos à segunda xícara de chá, é que o tom do encontro se faz mais grave. Na noite passada meus pais leram o livro que lhes enviei, enganaram a insônia com estas páginas, por algum tempo estiveram depurando o que poderia comentar, como lidariam com esta situação um tanto exótica. É claro que não podemos fazer observações meramente literárias, ambos ressalvam como se quisessem se desculpar, durante toda a leitura sentiram uma insólita duplicidade, sentiram-se partidos entre leitores e personagens, oscilaram ao infinito entre história e história. É estranho, minha mãe diz, você diz mãe e eu vejo meu rosto, você diz que eu digo e eu ouço minha voz, mas logo o rosto se transforma e a voz se distorce, logo não me identifico mais. Não sei se essa mulher sou eu, me sinto e não me sinto representada, não sei se esses pais somos nós.”
(pag.134)

É principalmente nesses trechos que a dualidade da narrativa é reforçada, literalmente – ou quase. E é principalmente nesses momentos que a linha entre biografia e ficção se torna ainda mais tênue.

“Eu sei, nós sabemos que é um livro saturado de cuidado, carregado de carinho, eu sei que a duplicidade não se restringe a nós, que o livro é duplo em cada linha.”
(pag.137)

Pouco importa o que é autobiográfico e o que é ficcional. Importa é que Fuks consegue mesclar ambos sem que o leitor seja capaz de distingui-los e é essa ambiguidade de conduz a narrativa e cativa o leitor.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Resenha | Como um Cavalo Salvou a Vida de um Preso Político

29 de julho de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Ditadura Militar, quadrinhos políticos, Sobral Pinto, tortura

A política brasileira é marcada por uma série de características, a maioria delas negativa. Porém, uma das que mais me incomoda é justamente a de construir heróis completamente discutíveis (ou indiscutivelmente condenáveis) juntando-se com um certo messianismo, ou seja, aquele personagem político que viria para salvar-nos de um dia para outro. Neste sentido, Getúlio Vargas provavelmente é o que mais simboliza essa questão de transformar em herói aqueles que não deveriam merecer esse pedestal. O chamado “pai dos pobres” não foi apenas aquele ligado às leis trabalhistas no Brasil, mas também um ditador que proporcionou perseguições políticas com tortura, censura e violências físicas e simbólicas diversas.

Esta realidade, que muito brasileiros desconhecem, é tratada na interessante história em quadrinhos Como um Cavalo Salvou a Vida de um Preso Político, com o texto de Evaldo Novelini e arte de Fernandes, no qual eles recontam a triste, e verídica, história do alemão Harry Berger e de seu advogado Sobral Pinto. Após a tentativa de levante comunista em 1935, houve uma verdadeira caça ao comunismo por parte do governo de Getúlio Vargas e seus órgãos de repressão, no qual o político alemão e sua esposa acabam presos e passam pelas mais variadas técnicas de torturas e maus-tratos. Enquanto isso, seu advogado tentava de todas as maneiras suavizar as críticas condições em que se encontrava o seu cliente. Só lhe foram concedidos uma cela e condições minimamente humanas quando Sobral entrou com um pedido baseado na lei de proteção aos animais, o que chocou a sociedade da época.

A obra em si é por demais interessante, pela arte que se assemelha a recortes de jornais e imagens de época, o que causa uma sensação mais séria e sóbria, que combina bastante com a temática abordada. De certa forma, a leitura nos lembra um documentário relatando os acontecimentos da época, mas não só os fatos em relação ao preso, as torturas e seu advogado. Os autores nos mostram recortes de jornais em que o leitor passa a se inteirar melhor do contexto em que essas ações aconteciam, o que demonstra que o clima de ódio e intolerância não pertencia apenas ao governo, mas também a setores da sociedade civil.

A abordagem é bastante crua, com a citação de torturas que o preso em questão passou, e também as humilhações consequentes, portanto, para alguns, pode gerar um incômodo e estranheza a leitura da HQ (aliás, se ela não gerar esse incômodo, sugiro que você procure um psicólogo, pois não é normal considerar os eventos narrados na HQ como normais). Em momento algum os autores se furtam de serem diretos e claros em relação ao que acontecia e os violentos procedimentos da época.

Sendo assim, essa HQ contribui para mostrar uma produção nacional importante e demonstrar que diversifica em relação a temáticas e abordagens. Porém, em minha opinião, o maior valor e contribuição da história é deixar claro que não havia heróis naquele período, e que a perseguição política e tortura não eram práticas fortuitas, mas uma política de Estado empreendida com o total conhecimento do então presidente Getúlio Vargas, que pode ser considerado tão culpado quanto os torturadores. Deixa-se claro que não há herói, santo ou mesmo “pai dos pobres”, mas um ditador. Leitura que dialoga com o presente da política brasileira, uma vez que pessoas e políticos dos dias de hoje podem ler e considerar que as torturas sofridas por Berger foram justas, por ser um comunista.

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Texto de autoria de Douglas Biagio Puglia.

Crítica | O Outro Lado do Paraíso

13 de julho de 2016 by Flávio Vieira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, eduardo moscovis, Golpe Militar, João Goulart

Em 1981, Luiz Fernando Emediato publicou o conto autobiográfico O Outro Lado do Paraíso, que narra a trajetória de uma família mineira sob a ótica de um menino de 11 anos. O conto é um excelente retrato sobre a transição do governo democrático e o golpe militar. Três décadas depois, o diretor André Ristum aceitou o desafio de adaptar o romance para os cinemas.

Na trama, assim como no livro, a história é narrada sob o ponto de vista de Nando (Davi Galdeano), que relata as aventuras de seu pai, Antônio (Eduardo Moscovis), um garimpeiro sonhador que se encanta com as propostas de reforma do Presidente João Goulart e decide abandonar o interior de Minas Gerais para começar nova vida em Brasília junto com sua família. A capital ainda estava em obras, proporcionando a possibilidade de prosperidade para diversas famílias que para lá se mudavam.

A mudança, a princípio, proporciona ao garoto um sentimento doloroso, pois, ao se mudar para Brasília, Nando deixa seu primeiro amor, Alice (Tais Andrade), no interior de Minas. Suas tardes se resumem a escrever cartas para sua amada com juras e declarações de amor e relatos sobre a cidade de Taguatinga – cidade onde moram os trabalhadores responsáveis pela construção de Brasília – e sua família. Aliás, a família é um ponto bastante interessante desenvolvido na obra original, como também no roteiro adaptado de Marcelo Muller. Ristum sabe muito bem o material que tem em mãos, já que a relação existente entre pai e filho é um dos pontos centrais do longa, como também um tema caro ao diretor, como podemos observar no seu filme anterior, Meu País. Interessante notar que, pouco a pouco, Nando substitui sua paixão por Alice por dois novos amores: o primeiro deles são os livros, paixão essa alimentada por sua nova professora, Iolanda (Adriana Lodi); e o segundo, a atrevida e esperta Iara (Maju Souza), filha de Iolanda.

O outro tema importante do filme é sem dúvida a grande metáfora do “sonho interrompido”, já abordado pelo diretor em seu filme documental Tempos de Resistência. O clima onírico existente na película já se demonstra pela bela fotografia de Hélcio Alemão Nagamine, que utiliza uma paleta de cores vivas simbolizando as esperanças e reconstruções da família e dos habitantes de Taguatinga, mas que abruptamente se torna acinzentada com o advento do golpe militar. Apesar dos aspectos políticos serem descritos através da visão ingênua de um garoto de 11 anos, é possível traçar paralelos políticos importantes do regime por meio de questões pontuais, como a ascensão do movimento sindical durante o período do Presidente João Goulart, que se dá através do engajamento de seu pai Antônio, como também com a chegada dos generais, gerando um esmagamento violento dos sindicatos da região pelos militares, culminando na prisão e tortura de Antônio.

O mesmo paralelo pode ser descrito com a relação de Nando pela política e seu interesse pelos livros, o que novamente acabaria de maneira trágica com a chegada dos militares ao poder, com o incêndio da biblioteca construída pelos habitantes de Taguatinga, uma referência escancarada ao clássico distópico de Ray Bradbury, Fahrenheit 451. Da mesma forma, não deixa de ser uma metáfora aos anos de chumbo e à perda intelectual após o período, seja em nível de ensino como também simbolizando a morte e o exílio de grandes pensadores brasileiros à época.

Importante que se diga que, apesar da competência narrativa do roteiro adaptado de Muller e da direção de Ristum, um dos grandes destaques do longa-metragem é sem dúvida seu elenco. Davi Galdeano se destaca como protagonista e demonstra um nível de sensibilidade em cena que comove: sua química com Maju Souza é divertidíssima, e quando se faz necessário ambos entregam uma carga de tristeza em cena que convencem. Apesar de executar um papel sub-aproveitado, Camila Márdila se destaca. Vivendo a irmã mais velha de Nando, a jovem se envolve com um militar, e seu pai pouco a pouco ascende como um dos líderes sindicais da região, fato que promove o choque entre essas duas figuras afetivas ao longo do filme. Infelizmente o roteiro não a privilegia, no entanto a atriz demonstra uma atuação interessante, bastante diferente daquela que vimos em Que Horas Ela Volta?, em que interpreta Jéssica.

Flavio Bauraqui, o líder sindical Jorjão, esbanja carisma assim como as aparições pontuais de Murilo Grossi como o subversivo Padre Alberto. Jonas Bloch, surge como avó de Nando, em uma atuação dura mas repleta de amor. Contudo, o destaque é sem dúvida para Eduardo Moscovis, como Antônio, que quando em tela acaba com os demais atores orbitando à sua volta ou sendo engolidos por ele.

O filme conta ainda com cenas de época, inclusive algumas retiradas do curta documental de Joaquim Pedro de Andrade, Brasília: Contradições de Uma Cidade Nova, de 1967, curiosamente censurado pelo regime militar por mostrar as diferentes realidades da capital e dos candangos – trabalhadores que migraram de outro Estado para a construção de Brasília, o que nos remete ao excelente trabalho de direção de arte de Beto Grimaldi e sua reconstrução de época. Por fim, a trilha sonora de Patrick de Jongh em alguns momentos anda por uma linha tênue entre o piegas e o sentimental, mas o resultado final é bastante satisfatório, contando com uma bela interpretação de Clube da Esquina 2, com Milton Nascimento, e a inédita Ventos Irmãos, também interpretada pelo velho Bituca.

O Outro Lado do Paraíso é um filme importante sobre memórias e a dura realidade política e social do Brasil dos anos 1960 e dos dias atuais. O olhar inocente e ingênuo de uma criança é acertado mas gera questionamentos se esta seria a melhor decisão a ser tomada, já que retira um pouco do peso do período que ele procura retratar, remetendo muito ao filme de Cao Hamburger, O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias, e pouco ao chileno Machuca, de Andrés Wood, e o argentino Kamchatka, de Marcelo Piñeyro. A abordagem, de certa forma, nos traz reflexões se seria a melhor alternativa a ser realizada, dado o crescimento de uma juventude que apoia o golpe militar nos dias atuais ou figuras políticas atreladas a ele.

Apesar da visão romântica, o filme cumpre o seu papel demonstrando o impacto do período militar numa família interiorana típica, desde a proibição da leitura de um livro até a prisão e tortura de um cidadão lutando por melhores condições de trabalho. Uma aventura quixotesca de um pai em busca de sua Shangri-La, admirado e amado por seu filho, apesar de toda a dor, tristeza e melancolia decorrente desta aventura.

Resenha | O Golpe de 64

16 de junho de 2016 by Vortex Cultural

Quadrinhos, Resenhas

Ditadura Militar, editora três estrelas, Getúlio Vargas, Jango, quadrinhos políticos

“Em 31 de março de 1964, as forças militares brasileiras deflagraram um golpe de Estado contra o presidente João Goulart e instalaram no país uma ditadura que duraria décadas.”
(quarta capa do livro)

Oscar Pilagallo, jornalista e vencedor do Prêmio Esso em 1993 na categoria de Reportagem Especializada, juntou-se ao quadrinista, cartunista e ilustrador Rafael Campos Rocha, autor de Deus, Essa Gostosa, para transformar as chatíssimas aulas de História do Brasil numa história ilustrada que conta com riqueza de detalhes esse período conturbado da História nacional.

A narrativa se inicia 10 anos antes, em 1954, com o suicídio de Getúlio Vargas e percorre os anos seguintes discorrendo sobre as origens e os meandros dos acontecimentos que levaram ao golpe. Com conspirações para todo lado, vilões para todos os gostos e reviravoltas mirabolantes, os fatos históricos deveriam ser um prato cheio para uma trama rocambolesca ilustrada.

Mas infelizmente, o texto de Pilagallo é didático demais na maior parte do tempo. O leitor se sente de volta à sala de aula lendo um daqueles livros de História do Brasil, só que agora em quadrinhos. Talvez não fosse intenção do autor, mas poderia ter explorado mais a verve romanesca, quase burlesca dos eventos. Trabalhar a narrativa como se fosse ficção, aproveitando-se de aspectos e circunstâncias que parecem tirados duma narrativa ficcional (apesar de infelizmente serem reais), teria deixado a leitura bem mais envolvente.

Em contrapartida, Rocha teve total liberdade para ilustrar a história. Apesar de várias imagens serem ilustrações feitas a partir de fotos de acontecimentos da época, muitas delas pendem para a caricatura, enfatizando a faceta non-sense dos eventos. É o que garante o alívio cômico e certa leveza – se é que é possível – à narrativa. Rocha usa muitas metáforas e alegorias visuais para representar as ideias e conceitos expostos no texto.

Como livro paradidático, deve funcionar muito bem, já que o apelo visual da história em quadrinhos o torna mais palatável aos alunos. Não é uma HQ de entretenimento, é uma HQ informativa. É uma ótima opção para quem tiver interesse em saber mais sobre esse período e não quiser encarar longos textos analíticos.

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Texto de autoria de Cristine Tellier.

Crítica | Dossiê Jango

31 de maio de 2016 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, documentários políticos, Filmes Políticos, Golpe Militar, Jango, João Goulart, Paulo Henrique Fontenelle

Organizado por Paulo Henrique Fontenelle, Dossiê Jango traça o perfil de João Goulart. Iniciando com uma narração poetizada, a obra estabelece o histórico de Jango desde a época em que foi vice-presidente da república, em 1956, com Juscelino Kubistchek no cargo máximo da política nacional. Carlos Lyra, Cacá Diegues, Jair Krischke e outros famosos falam sobre a era dourada pela qual passava o Brasil, tanto política quanto artisticamente, com a ascensão do Cinema Novo. Quando se passa a falar dos eventos pós renuncia de Jânio Quadros em 1961, curiosamente o entusiasmo dos entrevistados é derrubado.

Segundo o longa, a viagem de Jango para a China foi fundamental para a tomada de poder que ocorreria na disputa que duraria até 1964. Há um destaque quase didático do roteiro em explicar que a excursão era justificável, visto que o país era um mercado interessante de se tratar, tanto em importações quanto em exportações. O longa utiliza um tempo demasiado detalhando a movimentação de Leonel Brizola, então governador do Rio Grande do Sul, a fim de defender a volta ao país e subida ao planalto de Goulart, contra o recrudescimento dos militares que se iniciava ali.

Contra as suposições de que iria implantar um regime comunista – já refutado no filme de Silvio Tendler, Jango – o documentário mostra a coalizão contraditória de Goulart em apresentar, de modo muito pacífico, as reformas estruturais e de base, além de propostas de reforma agrária, a um estilo capitalista, distante da visão socialista moderada ou não.

O filme não tem receio em associar a interferência dos Estados Unidos, mostrando inclusive ligações do presidente Lyndon Johnson e Sr. George Ball temendo que o Brasil se tornasse uma nova Cuba, com proporções continentais. Da parte de pensadores políticos brasileiros, havia o receio de dividir o país, como se fez no Vietnã e Coreia, factoide pouco explorado em filmes documentais antigos.

A frase do assessor de Jango, Cláudio Braga de que ‘o exilado é um morto vivo’ resume a melancolia do político, que era aos poucos deposto pela tentativa primeiro de parlamentarismo, bem-sucedida em vias práticas, depois pela tomada de poder militar, mesmo que, segundo o Ibope, as intenções de voto subissem para mais de 78%. A gravidade da situação para Jango pioraria de vez com a execução da Operação Condor e a queda da democracia uruguaia e demais nações do cone sul.

Dossiê Jango é bem mais pessoal em relação ao biografado do que em Jango, de 1984. O mergulho na intimidade ganha importância pela distância temporal entre filme e acontecimentos. Mesmo o escritor Carlos Heitor Cony destaca que a perseguição a Goulart era só mais um eco do auge da Guerra Fria.

O longa dá vazão a uma teoria da conspiração, logo após tratar sobre o falecimento de Jango, discorrendo sobre a morte quase seguida de Carlos Lacerda, Juscelino e do próprio personagem-título, unindo a tentativa de envenenamento de Brizola no Uruguai, o que justificaria o caráter de dossiê presente no nome oficial do filme, mostrando que um dos motivos do filme foi fortalecer a hipótese e tese de que havia uma mini chacina dos políticos influentes brasileiros, teoricamente capazes de destituir os militares do poder.

A contestação à palavra dos historiadores ocorre especialmente por parte de seu filho, João Vicente Goulart, que destaca que são estes mesmos estudiosos que defendem a manutenção da anistia. Gasta-se um tempo demasiado, na teoria do amigo uruguaio de Goulart, Foch Diaz, que teria procurado a família do mesmo e que foi ignorado. A partir daí, um relatório seria aprovado e assinado pelo parlamentar Miro Teixeira, que associa o nome do presidente a uma lista de assassináveis, ainda que não confirme que o óbito veio por esses meios.

A animação, vista no final do filme de Fontenelle, passeia por corredores mal iluminados, repletos de arquivos enferrujados, trancados e lotados de segredos estatais, intactos graças à decisão de não serem violados de modo algum. Dossiê Jango não expõe verdades absolutas, mas serve muito bem ao intuito de gerar discussão e expor conjecturas normalmente ignoradas tanto pelo oligopólio midiático da época, quanto pelos membros atuais da imprensa, que tendem sempre a desmerecer os argumentos a respeito dos contestáveis laudos da morte de Jango.

Melhores Leituras de 2015

Devido ao maior tempo dedicado a uma leitura do que assistir a um filme ou a episódios seriados de uma temporada, é natural que uma lista de Melhores Leituras seja um tanto anacrônica aos lançamentos. A isso soma-se o fato de que, ao encerrar 2014, planejei a leitura de alguns autores que desejava conhecer ou me aprofundar em suas obras, e assim chegamos às edições selecionadas abaixo como as melhores leituras do ano passado.

Como não havia número suficiente para formatar uma única lista de livros, decidi pela abordagem mista ao introduzir e pontuar os bons quadrinhos lidos no ano. Neste aspecto, é evidente que foquei as leituras no eixo tradicional da Marvel/DC Comics, um aspecto que pretendo evitar este ano, realizando a leitura de outras obras mais autorais (possivelmente veremos esse impacto em uma futura lista deste ano, a ser publicada em 2017).

Explicitando a falta de sincronia com lançamentos e formatos, a lista nem mesmo se ajusta à tradicional recomendação de dez itens selecionados. Mas sim doze obras, seis livros e seis HQs, para que nenhuma das boas leituras ficasse de fora. Algumas dessas indicações também foram analisadas no site logo após a leitura, dessa forma peço desculpas aos leitores por eventuais repetições de abordagem.

Manual de Pintura e Caligrafia – José Saramago (Companhia das Letras)

Narrativa de estreia do lusitano José Saramago – posteriormente, uma obra anterior seria lançada após sua morte – Manual de Pintura e Caligrafia é um vigoroso romance de estreia. O autor inverte a lógica sobre a carreira e descreve sua proposta literária logo no primeiro lançamento, contrariando manuais tradicionais de autores que sempre, em um estágio avançado da carreira, versam sobre o ofício. Misturando duas narrativas, a personagem atravessa a arte da pintura rumo à escrita, uma transição feita pelo próprio autor, transformando esta obra em um misto de metalinguagem e tese literária, ainda que os elementos narrativos que o consagraram ainda não estivessem presentes.

Demolidor – Fim Dos Dias (Panini Comics)

Inserido na série O Fim da Marvel Comics, Fim dos Dias é uma clara homenagem à trajetória do Homem Sem Medo. Sob a batuta de Brian Michael Bendis, a história leva Ben Ulrich a uma última reportagem quando os heróis perderam sua força como defensores. A equipe de primeira linha desenvolve uma história sem igual, simultaneamente apresentando grandes momentos e figuras de Demolidor ao mesmo tempo em que se configura como mais uma grande história de um dos personagens mais coesos do estúdio.

Romeu e Julieta – William Shakespeare (Saraiva de Bolso, tradução de Bárbara Heliodora)

Casal mais conhecido da dramaturgia de William Shakespeare, Romeu e Julieta são símbolo de amor universal, representado, transcrito e transformado em um amor perfeito. A peça considerada uma das mais líricas do autor é fundamental para destruir o conceito das personagens através dos tempos, evidenciando que o amor de dois adolescentes termina de maneira trágica devido ao frenesi impulsivo e a imaturidade. Versando com qualidade sobre a agressividade desse amor, o casal permanece no imaginário coletivo em uma bonita história trágica.

Pantera Negra – Quem é o Pantera Negra? (Salvat / Panini Comics)

Anterior a modificações estruturais de personagens representativos de uma causa, a Marvel fundamentou, dois anos após a nova lei de direitos civis nos Estados Unidos, um personagem negro com uma bela mitologia. Erigido como um deus no coração de um país futurista na África, local que nunca cedeu a colonizadores, a concepção do Pantera Negra atinge versão definitiva na narrativa de Reginald Hudlin. Retomando conceitos de tradições africanas, T’Challa adquire simultaneamente uma história coesa e uma tradição tribal forte, tornando-se um importante e imponente personagem político no cenário da editora.

O Silêncio do Túmulo – Arnaldur Indridason (Companhia das Letras)

Impressiona que em uma literatura normalmente considerada formulaica como a narrativa policial se possam desenvolver tantos estilos diferentes e histórias genuinamente interessantes a partir de um crime. Arnaldur Indridason compõe sua narrativa a partir de dois focos: a investigação de um esqueleto encontrado nas imediações da Reykjavík, Islândia e uma trama familiar sobre um pai abusivo. O leitor reconhece de imediato que as narrativas iram se entrecruzar e, mesmo enfocando tais tramas de modo diferente, o autor é capaz de mantê-las em um mesmo tom que, quando chega em seu ápice, desvenda o crime e revela um aspecto crítico sobre a condição social e psicológica que fomentou o assassinato. É a partir desta obra que Indridason alcança sua melhor forma.

Gotham DPGC: No Cumprimento do Dever (Panini Comics)

Ed Brubaker e Greg Rucka partiram de uma premissa interessante ao indagar como seria o contingente policial de Gotham City vivendo à sombra do Homem-Morcego. O resultado é uma revista que destaca personagens comuns vivendo em um cotidiano padrão, no qual a figura de Batman é vista com mística, sem explorar a personagem interiormente como em suas revistas mensais. A partir de dramas pessoais em meio a atentados e crimes de grandes vilões e bandidos comuns, a equipe de crimes hediondos de Gotham sobrevive diariamente nesta pesada rotina criminal. Com uma vertente narrativa genuína de histórias policiais, a equipe apresenta uma visão diferente deste universo tão explorado e querido do público.

Here, There And Everywhere: Minha Vida Gravando os Beatles – Geoff Emerick e Howard Massey (Novo Século)

Na vasta bibliografia sobre The Beatles, dividida entre obras de jornalistas experientes, críticos renomados e personagens que pontualmente passaram pela carreira da banda, a biografia de Geoff Emerick é fundamental como uma figura de autoridade intrinsecamente ligada à banda. Responsável pela formatação da fase mais prolífica da carreira do quarteto, Emerick narra brevemente sua trajetória até conhecer a banda e nos brindar com informações daquilo que fizeram dos Beatles a banda por excelência: sua qualidade musical. Detalhes técnicos, informações e curiosidades são costuradas em uma prosa suave que nos coloca ao lado da intimidade do Fab Four sob a visão daquele que esteve acompanhando a progressão a cada ensaio e moldando o som da banda. A obra é prazerosa e nos aguça a ouvir de maneira diferente a discografia do quarteto.

Superman – A Queda de Camelot (Panini Comics)

Publicada simultaneamente a outra grande saga de Superman, O Último Filho, esta Queda de Camelot é um longo épico dividido em duas partes. Conduzida por Kurt Busiek, um dos responsáveis pelas revistas do herói ao lado de Geoff Johns na época pós Crise Infinita no projeto Um Ano Depois. Trabalhando em linhas temporais de passado, presente e futuro, o autor cria uma história provável sobre um futuro apocalíptico ao mesmo tempo em que desenvolve o passado do vilão Arion e as crescentes ameaças do presente conhecido. O tamanho da série cria uma narrativa aventureira cíclica, composta de diversos ganchos e conduzida pela aventura, dando sequência à explícita homenagem a Era de Prata desenvolvida desde o primeiro arco de Um Ano Depois. Se O Último Filho é uma reflexão pretensiosa e fabular sobre passado e descendência, A Queda de Camelot faz da aventura o fio condutor.

Dragão Vermelho – Thomas Harris (Record)

Um dos grandes vilões do cinema, Hannibal Lecter inicia sua trajetória nesta narrativa escrita em 1988. Thomas Harris explora com eficiência a psicologia de seu assassino e compõe um interessante laço entre o investigador Will Graham e o psicanalista canibal, o qual colabora no caso. Em um thriller psicológico aclamado por James Ellroy como um dos grandes livros do gênero, a história é pautada no desenvolvimento do caso e no suspense, demonstrando talento na composição narrativa ao criar densos personagens bizarros, inovando ao introduzir com esmero a mente criminosa em cena. Mais impressionante que esta trama é o fato do autor, após a sequência O Silêncio dos Inocentes, ter produzido duas obras sobre a personagem sem nenhum apelo e vigor equivalentes a esta obra inicial. Mesmo com uma carreira desequilibrada, Dragão Vermelho é uma narrativa impecável.

Os Vingadores – O Mundo Dos Vingadores (Panini Comics)

Responsável por assumir duas revistas dos Vingadores após oito anos sob comando de Brian Michael Bendis, Jonathan Hickman iniciava um novo ponto de partida para os Heróis Mais Poderosos da Terra, reconfigurando a equipe em sintonia com o novo processo editorial intitulado Nova Marvel. O Mundo dos Vingadores alinha novos e antigos personagens em uma renovada formação da equipe, ao mesmo tempo em que introduz novos vilões que seriam fundamentais para futuras sagas da editora. Sem medo da sombra do sucesso da passagem de Bendis, o arco é simultaneamente uma boa história como também funciona como um início para novos leitores.

A Ditadura Envergonhada – Elio Gaspari (Intrínseca)

Com intensa pesquisa em fontes diversas e uma prosa ensaística de primeira qualidade, Elio Gaspari produz uma das obras definitivas sobre a ditadura militar brasileira. Indo além da formalidade dos fatos, o autor insere um estilo narrativo próprio que aviva a época e os dramas dos conflitos vividos e seus delicados detalhes. Traçando um panorama da sociedade, observando tanto o movimento militar como os levantes contra o golpe, este é o primeiro volume de uma vasta obra sobre o período que, ainda este ano, ganha o último e definitivo desfecho.

Batman: Cidade Castigada (Panini Comics)

A saga Silêncio, anterior a Cidade Castigada, talvez tenha eclipsado a atenção voltada a esta história escrita por dois grandes parceiros: Brian Azzarello e Eduardo Risso. Se a anterior pretendia ser um grande épico em doze partes, apresentando diversões heróis e a galeria de vilões do Morcego, Cidade Castigada enfoca o Batman investigador em uma história mais eficiente e coesa que a de Jim Lee e Jeph Loeb. Gotham adquire contornos noir entre poesia e corrupção enquanto o roteiro foge de uma tradicional narrativa feita pelo morcego, acrescentando tanto uma reflexão erudita sobre a cidade quanto ampliando a limitação física do herói, sem contar uma improvável cena em que Bruce Wayne faz seu próprio jantar, desmitificando, com certo humor sem perder o tom sério da narrativa, os fatos cotidianos que o personagem, como um reflexo de um ser humano normal, executa todos os dias.

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Menção Honrosa: Cidades de Papel – John Green. Considerando o público-alvo de sua narrativa, Green surpreende com uma história pontual sobre a transição entre a adolescência e o mundo adulto e uma percepção madura de um grupo de amigos. Um romance de formação que tem potencial para se tornar significativo no crescimento do leitor jovem.

Resenha | Memórias do Esquecimento – Flávio Tavares

18 de dezembro de 2015 by Filipe Pereira

Literatura, Resenhas

Ditadura, Ditadura Militar, Flávio Tavares, l&pm

Narrado em primeira pessoa pelo ativista, preso político em três oportunidades, comunista “subversivo” e banido junto ao grupo de 15 prisioneiros trocados pelo embaixador americano que foi raptado pelo movimento MR-8, Memórias do Esquecimento serve como desabafo literário do escritor que só retornaria a sua terra natal dez anos depois de exílio, só angariando coragem para escrever suas memórias após 30 anos de todos os acontecimentos e sofrimentos impingidos a si. Flávio Tavares não poupa seu leitor da crueza e crueldade dos torturadores e nem salva seus colegas de expor as suas tolas e irreais ilusões de mudar o mundo.

Antes de começar seus capítulos, falando franca e diretamente ao leitor, ele se preocupa em sempre deixar uma citação de algum pensador ilustre, para embasar e testificar o seu testemunho. Já na introdução ele contesta qual a real necessidade de retomar as memórias daquela vivência marginal, e a resposta para tal indagação é respondido ao longo dos capítulos. Parte do que ele lamenta é ter de enfrentar toda a avalanche de emoções, pela qual ele passa, em silêncio absoluto, sem voz ativa, castrada da possibilidade de contestar seu estado.

A imersão no cotidiano de Tavares é muito fácil de ser estabelecida, pois sua escrita é docemente envolvente, repleta de situações rotineiras que facilitam a identificação, além de demonstrar facilidade do autor em transmitir sentimentos e sensações. Seu sofrimento é passado ao leitor, e um exemplo disto é como Tavares descreve uma tremedeira, não causada pelo frio, mas pela temeridade em repetir os maus agouros que já tinha vivido. Rememorar era exercício de dor e a empatia gerada por seu “relatório” é muitíssimo exitosa em causar desconforto no analista. A temeridade e o medo são tão grandes que qualquer som estranho o faz remeter aos torturantes momentos de cárcere, os quais viveu e dos quais jamais esquecerá, mesmo com o título da publicação – o esquecimento certamente seria um alívio para a mente cansada e para a sua alma aflita. Tais episódios servem de aliterações, nas quais o autor conta, em detalhes desagradáveis e por vezes escatológicos, os meandros de suas estadias na prisão política, assim como os detalhes das sessões de tortura que sofreu. A ideia das torturas, segundo o jornalista, era triturar física e emocionalmente o preso, destruí-lo e chegar muito perto da morte, mas sem alcançá-lo, de um modo que o sujeito envolvido até desejasse que sua vida findasse.

Os detalhes do embate ideológico que viria a rachar o PCB (Partido Comunista Brasileiro) são explicitados, inclusive sendo citadas as saídas de Carlos Marighella e Joaquim Câmara Ferreira por estes optarem pela luta armada ao invés do engajamento mais teórico.

Apesar de muitas dificuldades em conseguir informações dentro dos presídios, havia formas de conseguir ouvir os noticiários, que davam conta do rapto do embaixador americano Charles Elbrick. A fonte de informações também trazia maus agouros, como a morte de companheiros de luta. Mesmo com toda a truculência e violência que sofriam e que os tornava mais cascudos, os militantes ainda sentiam demais a queda de seus semelhantes, também por temerem que aquele destino fosse o deles..

Por estar entre o grupo de libertados, chamados de os “15”, ele tinha informações privilegiadas sobre os segredos e meandros do rapto do embaixador. As informações registradas evidenciam o baixo nível de organização dos grupos, além da clara falta de estrutura destas células. O embaixador declarou que foi muito bem tratado pelos capiturantes e que eles eram “jovens idealistas”. Nas entrelinhas há uma afirmação de que os militantes estavam muito mais preparados para morrer do que para matar. Esse ponto de vista certamente não era somente dele, mas de muitos dos analistas da ação dos revoltados.

A segunda parte começa com duas citações das mais emblemáticas no sentido da luta entre esquerdistas e militares: “Aquele que se opõe a uma ditadura tem de aceitar a guerra civil como meio de derrubar a ditadura. Aquele a quem repugna a guerra civil deve desistir da oposição e aceitar a ditadura” a frase de Arthur Koestler mostra como funcionava a cabeça de muitos opositores do governo, a outra, “Um dia vai haver uma guerra grande neste sertão. Uma guerra sem a cegueira de Deus e do Diabo“, do cineasta Glauber Rocha seria profética. Em Brasília, Tavares acompanharia em 1964 a saída de Jango do Palácio do Planalto sem conseguir sequer preparar suas malas decentemente, amedrontado e sem o mínimo de dignidade. Suas afirmações vai na direção de desmentir o argumento de que a tomada do poder foi leve e tranquila, afirmando que já de início o tratamento dado para quem discordava destes era truculento, violente e sem espaço para dignidade. Depois disso, “a rosca do parafuso enroscaria ainda mais”, segundo o autor. O cerco aumentava cada vez mais, gradativamente as reprimendas tornavam-se mais e mais humilhantes e agressivas.

Com 30 anos de idade, o autor não via nenhuma saída que não incluísse uma postura contestadora mais firme, chamada por este de “reação moral”. O capítulo Os Conspiradores ganha como introdução uma emblemática frase de Gaston Bachelard: “Querer o esquecimento é a maneira mais aguda de se recordar“. O escritor discorre sobre a ideia, ainda em 1964, de derrubar o recém instituído poder, mas todo o planejamento era tosco, mal organizado e nada profissional. Os militantes deveriam viajar para a URSS, para fazer cursos – de alcunhas curiosas como Curso Stálin e Curso Lênin – mas não o faziam até por falta de verba. Os contatos com os exilados eram complicados: Jango no ano de 1965 residia em Montevidéu e somente se envolveu na militância ajudando a alocar os exilados. Leonel Brizola manteria uma granja onde os rebeldes plantariam tomates e receberiam uma preparação psicológica para mais tarde serem instruídos em combate. Implantar o foco guerrilheiro consumiu dois anos.

A tortura é relembrada em muitos momentos, e no capítulo O Atentado é discorrido o absurdo de tratar tal postura como invenção e em incorrer a culpa desta aos vitimados, que receberiam o tratamento graças a sua insubmissão. A lógica seria “destruir o prisioneiro e tornar natural o medo”. Primeiro se tortura ou se ameaça, o que vai contra o atual discurso de alguns de que os militares só teriam “quebrado umas unhinhas” dos comunistas.

A parte em que Flávio descreve a dor de sua filha Isabela é absolutamente emocionante. A dor causada pela separação do exílio só não era maior que a dúvida a respeito de qualquer retaliação a si que envolvesse a sua herdeira, visto que, em uma das torturas, tal possibilidade foi cuspida por seus agressores. A distância entre uma bravata dita simplesmente para amedrontar, em comparação com uma séria ameaça, não era totalmente clara na cabeça de Tavares, já que a situação mexia com a parte passional de sua mente, combalida demais para raciocinar tranquilamente a despeito de toda essa situação.

O exílio marcou muito a vida do autor, desde o início deste período e a vontade de retornar a sua terra, até o sequestro que sofreu em terra estrangeira. Apesar de todo o cunho pessoal em seu livro, o jornalista diz que em seus últimos capítulos não tentou fazer qualquer julgamento meritocrático nas ações suas e de seus “inimigos”; seu papel era só relatar suas vivências.

Em determinado ponto ele assume que a sua linha de pensamento era utópica demais, e que a luta dos manifestantes jamais viria de encontro à realidade. Já terminando o livro, o autor assume que a sua revolta começou ao conhecer Che no Uruguai, em 1961. Lá em Punta Del Leste, ele fotografaria um frágil asmático que trajava uma jaqueta verde-oliva e que teria em seu semblante muito significado, mais do qualquer tanque do regime brasileiro. Seria naquele mesmo Uruguai que o jornalista “cairia” e consequentemente veria sua primeira morte, e onde começaria as memórias que ele tanto queria esquecer.

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VortCast 36 | O Que Restou da Ditadura

4 de novembro de 2015 by Flávio Vieira

Podcasts, VortCast

Ditadura, Ditadura Militar, Podcast

Bem-vindos a bordo. Flávio Vieira (@flaviopvieira), Filipe Pereira e Fábio Candioto (@fabiozcan) se reúnem para debater sobre o impacto do golpe aplicado pelos militares, em 1964, e a herança nefasta que insiste em se perpetuar não só na figura do Estado, mas também em todos os desenlaces na sociedade civil brasileira. Para tanto, Filipe teve a oportunidade de entrevistar o militante, jornalista, professor e político, Cid Benjamin, autor de Gracias a la vida, para um retrato conjuntural do que foi o regime, a esquerda e a luta armada e o cenário político atual.

Duração: 103 min.
Edição: Victor Marçon
Trilha Sonora: Victor Marçon
Arte do Banner: Bruno Gaspar

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Resenha | As Ilusões Armadas: A Ditadura Envergonhada – Elio Gaspari

3 de novembro de 2015 by Thiago Augusto Corrêa

Literatura, Resenhas

Ditadura, Ditadura Militar, Elio Gaspari, Intrínseca

Em 1984, o ítalo-brasileiro Elio Gaspari, agraciado com uma bolsa de estudos na Wilson Center for International Scholars, desenvolvia um artigo sobre a ditadura brasileira, destacando a atuação dos generais Ernesto Geisel e Golbery do Couto e Silva no processo; um ensaio cuja estimativa era alcançar a média máxima de 100 páginas. Conforme avançava nas pesquisas, percebeu que seria impossível manter tal número e imaginou um texto de maior fôlego, inicialmente, dividido em duas partes. Em 2002, o fruto de sua pesquisa chegava às livrarias em dois volumes lançados pela Companhia das Letras de um total de quatro que seriam lançados posteriormente.

Relançada pela Editora Intrínseca, As Ilusões Armadas e O Sacerdote e o Feiticeiro, uma quadrilogia formada por estes pares de nomes distintos (As Ilusões Armadas: A Ditadura Envergonhada e A Ditadura Escancarada, respectivamente volume 01 e 02 e O Sacerdote e o Feiticeiro: A Ditadura Derrotada e A Ditadura Encurralada, volume 03 e 04), é um denso e precioso documento narrativo que exibe em qualidade impecável boa parte dos 21 anos os quais o Brasil esteve sob regime da ditadura. Os quatro volumes formam um panorama geral desde os dias que antecederam o golpe, até 1977 e a demissão do general Sylvio Frota, ministro do Exército durante o governo Geisel. Os quatro volumes foram revistos pelo autor contendo um novo prefácio, fotos inéditas, eventuais correções da edição anterior e novos documentos revelados recentemente pelo Arquivo Nacional, como uma ata de julho de 1968 que apontava a intenção de decretar estado de sítio cinco meses antes do AI-5 e gravações que comprovavam que John F. Kennedy discutiu a possibilidade de uma ação militar no país contra o comunismo.

Utilizando o ensaio como narrativa, Gaspari mantém entrelaçado o desenvolvimento histórico ao mesmo tempo em que desenvolve uma voz literária para apresentar nossa história. A fluidez pela qual pontua os acontecimentos é pautada em sutilizas narrativas que fazem do texto um objeto além de um mero registro historiográfico, produzindo um ritmo fluído que nunca perde a fidelidade história e a voz autoral. Fundamentado por Michel de Montaigne e Francis Bacon, o ensaio é considerado a forma mais livre da literatura, pela ausência de formalidades obrigatórias para sua execução. Um espaço que permite o desenvolvimento de certa lírica ou narrativa sem que se perca a fidelidade da informação em seu conteúdo.

A pesquisa do autor é intensa, apoiando-se em uma literatura anterior de grandes livros sobre o tema, tanto de estudiosos, com biografias de homens que viveram sob o golpe, quanto de documentos oficiais do país, além de notas e diários íntimos que formam um panorama concreto destes acontecimentos, focando diversos polos diferentes. Além disso, o escritor desenvolveu uma pesquisa direta promovendo entrevistas com personagens centrais, como o general Geisel. Todo este longevo trabalho de pesquisa e fidelidade aos fatos resultou em um excelente livro de não-ficção que intenta ser uma voz definitiva de parte de nosso passado histórico.

Este primeiro volume abarca o espaço temporal antes do golpe, nas tensões que o presidente Jango Goulart causavam em parte da sociedade, e se encerra na composição do Ato Constitucional nº5. Um fato que, além de explicitar este momento como um ponto de transição da ditadura, promove um gancho narrativo para a segunda parte do ensaio. É brilhante a maneira pela qual o autor conduz este momento final, fazendo da fundamentação do AI-5, no capítulo A Missa Negra, um registro de conflito interno do governo sem perder a vertente narrativa. Gaspari se baseou na transcrição da reunião feita pelo governo, tanto a escrita quanto a sua gravação, para criar uma ambientação que insere o leitor na cena, mostrando as discrepâncias do governo Costa e Silva sem nenhum julgamento, entregando ao leitor os fatos e evidenciando que, neste caso, a verdade dos acontecimentos é mais forte do que qualquer composição literária.

A obra observa em seu todo tanto o movimento militar quanto os levantes contra o regime, reconfigurando uma difícil linha histórica em um relato coerente que ilumina o período. Não à toa, recebeu o Prêmio Ensaio, Crítica e História Literária de 2003 da Academia Brasileira de Letras, em 2003, e se mantém como uma narrativa brilhante e bem equilibrada entre os aberrantes fatos históricos do país e uma voz talentosa para narrar tais acontecimentos.

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Crítica | Memórias do Chumbo: O Futebol nos Tempos do Condor

23 de maio de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Documentário, Eduardo Galeano, ESPN, Filmes Políticos, futebol, golpe de 64, João Saldanha, Lúcio de Castro, Ricardo Teixeira

Unindo dois assuntos primos, o jornalista Lúcio de Castro organizou quatro episódios exibidos no canal ESPN Brasil, onde seria explorado a proximidade entre as ditaduras direitistas que tomaram a America do Sul, e o futebol. Memórias do Chumbo – O Futebol Nos Tempos de Condor. As sedes dos estudos seriam Argentina, Uruguai, Brasil e Chile, e escrutinaria a influência semelhante ao ópio que o esporte – e mania – faria no povo, assim como o uso indiscriminado deste como arma governamental.

A análise sobre o regime que tomou a Argentina começa por depoentes de idades variadas, alguns que presenciaram o início da tomada do poder, e outros que relatam as experiências de pais e outros parentes. O enfoque dado as gravações é muito mais emocional que didático, graças a sensibilidade do feitor em entrevistar as pessoas próximas das vítimas dos desmandos dos militares, sempre ligados ao futebol. No episódio Argentina a Operação Condor é esplanada, com o detalhamento da completa falta de educação, crueldade e violência, mesmo a pessoas que nada tinham a ver com os desígnios socialistas.

A Copa de 1978 pareceu ao grupo de poderosos uma boa alternativa para retirar da opinião pública mundial a imagem de uma país opressor, mesmo que o custo fosse absurdo, beirando os setecentos milhões de dólares, incluindo nesta equação, o então presidente da FIFA, o brasileiro João Havelange, recentemente investigado por gigantescos escândalos de corrupção. É curioso como a uma distância mínima dos estádios, onde a torcida pulava e gritava, comemorando com Villa, Houseman e Kempes, havia salas de tortura, onde os cidadãos eram humilhados, fazendo daquela conquista a mais contestada da história das Copas. As falas das vítimas revelam um temor ainda existente, mesmo após décadas do acontecido, fortificando a sensação de que eram os militares os “donos da morte” dos prisioneiros, que nada fizeram, a não ser discordar do modo de governo.

No episódio do Uruguai os depoimentos começam com as falas de Eduardo Galeano, com a revelação de que o país era campeão em torturados e mortes durante os anos negros da América Latina, inclusive com participação, conivência e patrocínio do governo brasileiro. Segundo o autor de Veias Abertas da América Latina, a tortura não era útil para colher informações, mas sim para incutir medo na população e em qualquer oposicionista, semeando e disseminando o pânico.

O primeiro momento em que Castro se permite exibir-se para a câmera de Rosemberg Faria, é a conversar com Galeano, com quem tinha uma amizade bastante próxima. A intimidade faz com que os relatos do escritor sejam ainda mais intensos, agravados pelos detalhes do tratar dos poderosos, associando a esquemas de supostos favorecimentos, como num campeonato nacional para o Defensor Sporting, e um mundialito para a seleção uruguaio, associado a um campeonato inventado para desvirtuar a atenção do povo. Curioso é que nos relatos de Eduardo, revela-se uma das primeiras e mais notórias ações populares de torcida/sociedade, que gritava quase em uníssono “se va acabar, se va acabar, la ditadura militar”, fazendo da plebe finalmente um braço contrário aos desejos dos poderosos.

Chega de Saudade, executada por Tom Jobim remete ao fim dos anos cinquenta, que apresentavam uma nova era de glorias para os brasileiros, especialmente pela Bossa Nova. Na esteira do receio de os discursos de Ernesto Guevara tornar-se verdade, e apoiado pelo presidente dos Estados Unidos Lyndon Johnson, os militares assumem o poder após a renúncia de Jânio Quadros. Subitamente, toda a informação passaria a ser controlada pelos militares recém “empossados”.

No futebol não foi diferente, visto que ocupava uma boa parte do imaginário popular. Grande parte dos mandantes de federações estaduais, era aliada ou amiga dos poderosos, homens de confiança, que ajudava a alastrar a mentalidade dos governantes. Segundo o historiador Carlos Fico, o número menor de mortes em comparação com os outros pais do cone sul não fazia dos ditadores brasileiros menos implacáveis, piorando muito pela mentalidade reacionária se propagar no imaginário civil também.

A perseguição ao técnico João Saldanha é revelada, focando em práticas covardes dos censores, que o encaravam como informante comunista, com a suspeição de que ele fornecia documentos a estrangeiros nas viagens com a seleção canarinho, pós Copa de 1966. O extenso monitoramento abarcava toda a população, o que vinha de encontro também ao futuro time tricampeão mundial com a introdução de um major dentro da comissão técnica.

A tramoia do episodio varia entre os ditos sobre a guerra psicológica via slogans, como o “Brasil, ame ou deixe-o”, e claro, os relatos de torturados, como o de Cid Benjamin, professor e jornalista, motivador do grupo MR-8, que sequestrou o embaixador estadunidense Charles Elbrick. Os detalhes sobre as condições insalubres do cárcere assustam, especialmente pela sujeira, frequentemente deixando os presos chafurdados em seus próprios excrementos.

O estudo piora com a exposição da Operação Condor, onde se exportava tecnologias de tortura, pontuadas emocionalmente pela narração do funcionário da ESPN Luis Alberto Volpe, que imprime um caráter de denúncia mesmo em questões não tão espinhosas, agravado em momentos como nestas narrações. O episódio se encerra com a participação de Galeano expondo alguns detalhes das atividades de João Havelange e seu então genro, Ricardo Teixeira, que lucravam muito ainda nos tempos de chumbo, o que agravava ainda mais o martírio dos brasileiros comuns.

O espécime que analisa o quadro do Chile começa mostrando o motim que vitimou Salvador Allende, um complô que – mais uma vez – envolvia os governantes brasileiros, sendo a embaixada palco até de reuniões dos golpistas. O roteiro é prodigioso ao comparar a hipocrisia dos atos com o bom mocismo das atitudes pragmáticas dos homens fortes do Mercosul, exibindo a contradição entre teoria e prática.

O episódio é tomado por muitos depoimentos dos ex-jogadores da seleção chilena, que assumiram se sentirem como palhaços, graças a prática comum da ditadura em tornar o esporte como um circo. Ao mesmo tempo em que os atletas eram “protegidos”, seus familiares não o eram, então qualquer ato de rebeldia sofria represálias por torturas indiretas, a entes queridos, incluindo até suas mães.

Mas foi em um jogo, que uma das maiores manifestações ocorreu, ainda que por “acaso”. Um dos jogadores, que exercia mal seu papel tinha seu nome gritado, por coincidência, homônimo do ditador, e o “Fora Pinochet” tomou os pulmões das arquibancadas, que refutavam claro, um dos soberanos mais nefastos daqueles tempos.

Apesar de não haver uma ordem cronológica prévia para assistir a Memórias do Chumbo, é interessante tomar o capítulo chileno por último, por ser este encerrado de modo emocional, com depoentes prestes a chorar, em virtude do genocídio que ocorreu em seu país, quando os atletas corriam em atividades desportivas, com a certeza de que eventos como o túnel que ligava o campo de futebol a um local de fuzilamento, não se repetiria. O costume no Chile, Uruguai, Argentina e outros países é o de total desprezo por quem defende tais regimes, até por valorizar os homens que lutaram em favor da vida. Apesar do otimismo em seu final, não há qualquer aplacamento da realidade, ao contrário, a apresentação é visceral, informativa e emotiva, da parte de um estudioso que leva a sério o ofício de informar o espectador a qualquer preço.

Episódio Argentina

Episódio Uruguai

Episódio Brasil

Episódio Chile

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Crítica | O Grande Kilapy

20 de maio de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Cinema Brasileiro, Ditadura Militar, Lazaro Ramos, Zezé Gamboa

Com um início narrado como um conto de um senhor lusitano de meia-idade, O Grande Kilapy necessita de legendas para ser completamente contemplado e entendido. Curiosamente, é com este mesmo espírito que se faz necessário analisar a trajetória do personagem de Lázaro Ramos. Kilapy é sinônimo de trapaça, golpe, e João Fraga é um autêntico malandro que, em um ambiente que deveria ser para ele o da exploração de mais valia, acaba sendo um picadeiro para suas peripécias.

A atmosfera política do filme compreende o período de ditadura de Salazar, e expõe sem pudor o modus operandi dos repressores aos possíveis comunistas, ainda que aborde tal questão com uma espírito cômico. A Angola, prestes a se livrar do julgo português, serve como símbolo da ainda muito presente escravização dos colonizados, e João servia como uma resposta sexualizada àquela opressão que sofria todo o país, barbarizando as moças de alta classe, como um Don Juan que ainda assim teimava em não se envolver com política.

A direção do angolano Zezé Gamboa é pontual para revelar os meandros do cenário político de seu país. As cenas em plano americano são bem urdidas, pressionando o filme a uma profundidade que não se compreende no roteiro de Luís Alvarães e Luis Carlos Patraquim. O elenco feminino é muito bem amarrado, munido de belas moças que fazem jus à fama de galanteador do personagem-título.

Apesar de estar bastante à vontade no papel, Lázaro Ramos não consegue fazer abrilhantar o filme, sem sequer superar os agravos da produção ser orçamentada por baixo. O conteúdo sequer chega a beirar o ativismo político, mas se preocupa em fazer graça com o tratamento que o exército tem com o cidadão que nada faz. João é vítima da típica e irônica paranoia dos mandatários do regime ditatorial, mas não há uma preocupação demasiada em traçar perfil nenhum de política e nação no argumento original.

Apesar de o final sinalizar uma maior maturidade na discussão, O Grande Kilapy carece de uma abordagem mais assertiva, uma vez que tem buracos imensos no roteiro e uma clara dificuldade em contar uma história que tenta se equilibrar entre uma comédia e um filme de mote político, não acertando nem no humor, visto que faz pouco rir, e nem no espectro social, já que arranha a superfície do que foi o panorama da ditadura angolana. Gamboa até mostra uma boa predileção em suas cenas filmadas, mas nada que salve o filme da mediocridade do circuito.

Crítica | Sobral: O Homem Que Não Tinha Preço

1 de abril de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Documentário, documentários políticos, filmes jurídicos, golpe de 64, Luis Carlos Prestes, Paula Fiuza, Política, Sobral Pinto

A origem latina da palavra “resistência” vem de resistire, que faz lembrar o conceito de “ficar firme, aguentar”, relacionando a manter posição. Em tempos de ditadura militar, em plena efervescência cultural e política mundial, o Brasil vivia aquém, sem liberdade para o povo, sem vazão ao poder popular. Apesar de mentes envelhecidas nadarem normalmente a favor desta correnteza de mazelas, havia alguém que fazia a contramão desses ideais, destacando a militância no ambiente jurídico.

Sobral Pinto era um senhor de alta idade que teimava em legislar em favor dos direitos humanos, em um período no qual o conceito era completamente ignorado e tratado como assunto subestimado, uma vez que o regime impunha sua vontade para quem quer que tentasse resistir a ele.

A pesquisa de Paula Fiuza – diretora e roteirista, interessada pessoalmente pelos assuntos legais dos tempos em que a esquerda somente habitava os porões do regime – leva o espectador ao ano de 1999, quando ocorreu o resgate das fitas com os julgamentos dos presos políticos, os quais o jurista Sobral, que destacava sua tremida e passional voz, ainda teimava em defender; tudo através de um material adquirido por um jovem advogado que visava preencher o espaço de sua tese de conclusão de curso na faculdade. As defesas serviam de inspiração para alguns bons defensores de direitos, além de fornecer a garantia da lei, tão ignorada no absolutismo de farda.

A intimidade do já idoso protestante realiza-se através dos depoimentos de seus convivas e descendentes, dos que foram bravamente defendidos por ele. A obra também reúne boas imagens da época, com falas do próprio advogado. A briga para fazer da liberdade a bandeira universal teve um episódio especial na união do biografado com Luis Carlos Prestes, mostrando que mesmo o marxista e militante extremo não tem necessidade de conflitos extremos com o comportamento católico praticante do causídico, exemplificando o quanto tem em comum em relação ao discurso socialista e do moderno modo de Jesus tratar os excluídos dos evangelhos.

O subtítulo do filme reflete a verdade atrás de sua personalidade e trabalho. Não ter preço não era uma expressão, especialmente por poucas vezes cobrar de seus clientes, a maioria formada por gente humilde, de poucas posses. Sobral era um homem do povo, refutava que o chamassem de Vossa Excelência. Por suas virtudes no Direito terem a ver com sua extrema humanidade, contraditas no passional modo de enxergar o futebol e as fases ruins de seu time de coração, o América da Tijuca. A sabedoria do jurista não o salvaguardava do fanatismo do futebol ou do bom humor e sacanice em relação a belas mulheres, inclusive Sônia Braga. Os fatos narrados em relação ao tema, prendem-no à realidade, distanciando-se da ideia de um androide em prol da justiça.

A influência da religião fez Sobral se autopunir quando cometeu o pecado da infidelidade conjugal: a renúncia ao próprio ofício de procurador e a diversões sãs, como partilhar dos estádios de futebol em dias de jogos e sessões de cinema. A marca do erro se fixou em sua alma, revelando o lado conservador do advogado, que só teve sossego sobre o caso quando conseguiu o perdão de sua esposa.

Segundo as falas dos depoentes, Sobral apoiou o movimento “revolucionário” dos militares, por medo igual do possível regime vermelho. A partir do momento em que a constituição passou a ser transgredida, o jurista mudaria de lado. A fala é dada em gritos, com a voz claramente alterada em razão da passionalidade, possivelmente pela indignação consigo próprio ao ter caído no engodo dos que viria a combater. Nem mesmo sua verve e inteligência foram capazes de identificar a tomada de poder ilegítima: mesmo apoiando o golpe em 1964, houve o ato de lançar uma carta de repúdio a Castelo Branco por assumir a presidência mesmo sendo o chefe do exército, o que era também inconstitucional.

A falta de concessões às convicções que tinha e que defendia fazia dele uma personalidade sui generis, algo descoberto em sua integridade anos depois dos seus feitos junto ao romantismo, ao extraordinário trabalho que fazia para o povo de modo geral. Os créditos finais passam-se em uma homenagem no terreiro de samba, ao lado de seu amigo João Nogueira, que canta os feitos de seu amigo e mentor, popularizando uma figura de integridade ímpar, que a câmera de Paula Fiuza busca honrar. Às vezes não dando tanta vazão ao conservadorismo conhecido do advogado, a obra ressalta o viés de luta de seus convivas e o altruísmo que fala mais alto que qualquer pragmatismo pseudo-revolucionário, mostrando um Sobral como o jurista do qual o povo precisava.

Crítica | Em Busca de Iara

12 de março de 2015 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Carlos Lamarca, Cinema Brasileiro, Ditadura Militar, Documentário, documentários políticos, Flavio Frederico, golpe de 64, Mariana Pamplona

Todo o mistério a respeito da morte da psicóloga e ativista Iara Iavelberg é analisado no documentário de Flavio Frederico. Iniciando os relatos com uma reportagem de televisão, que acompanha a tentativa da família de exumar o corpo da moça, conclui-se que o falecimento de Iara não foi por suicídio, como as autoridades anunciaram. A tentativa foi fracassada, e a partir da narração da codiretora – e sobrinha de Iara, que teve o sobrenome mudado para não atentar aos olhos do Regime Militar – Mariana Pamplona, claramente obcecada pela história de sua familiar, a obra explora a tradição religiosa judaica da família, mostrando como a biografada começou a se interessar pelo discurso libertário.

Unida a outros jovens, Iara começa a viver na VPR – Vanguarda Popular Revolucionária, composta por estudantes, trabalhadores e militares. Iara também integraria o Polop (Organização Revolucionária Marxista Política Operária), e depois o Movimento Revolucionário 8 de Outubro (MR-8), todas organizações de extrema esquerda que tinham em comum a luta contra a ditadura. A sensação de pressa acometia Iara e todos os outros integrantes destes grupos, movidos pela possibilidade de não ter um futuro garantido, uma vez que os militares estavam no auge de suas ações de poder.

Os depoentes relembram o quão diferente tornou-se a repressão após o AI-5, recrudescendo e torturando de modo muito mais intenso e emocional, fazendo do decreto um divisor de águas na vida política e comum do Brasil, afetando diretamente os militantes. Iara transitava nesses meios e convivia com guerrilheiros na clandestinidade, usando o nome de Mariana para desviar a atenção de possíveis perseguidores, uma vez que era comum a polícia ficar de tocaia.

Em determinado ponto, a obra se dissipa em dois caminhos servindo como uma boa análise da biografia de Carlos Lamarca, desertor do exército brasileiro que ajudou a treinar um grande número de guerrilheiros. A câmera mostra um flagrante curioso, de que os “subversivos” militantes eram vistos como agentes do caos e um perigo para o status da família normativa, enquanto Lamarca era considerado um pária, um traidor das forças armadas que se debandou para o time inimigo.

Os detalhes da execução de Iara são explorados ao máximo, especialmente no depoimento do amigo e também militante Cesar Benjamin, que foi um dos primeiros a ver o corpo da moça, executada e com um corte que ia do queixo até a cintura, centralizado entre os seios. Além dessa imagem demonstrar um sinal de profundo desrespeito com o preso, ainda demovia a ideia de suicídio, sendo somente este um dos gritantes sinais de que a versão oficial da morte de Iara por suicídio era, na verdade, uma farsa.

A conclusão do filme não poderia ser mais simbólica: a segunda cerimônia de sepultamento de Iara, ministrada pelo religioso Henry Sobel, no ano de 2006, encerrando a memória da guerrilheira de modo emocional, seguindo a tônica presente em todo o filme. Em Busca de Iara consegue reunir depoimentos para montar um panorama de proporções pequenas, mas que não exclui argumentos contrários. O ponto alto da obra está em seu formato, bastante pessoal e carregado de emoção, fazendo da moça que buscam um personagem tão vivo quanto qualquer um dos que estão na produção ou na plateia do filme.

Resenha | As Veias Abertas da América Latina – Eduardo Galeano

19 de janeiro de 2015 by Filipe Pereira

Literatura, Resenhas

America Latina, Ditadura, Ditadura Militar, Eduardo Galeano, História, l&pm

A leitura de um manuscrito – no caso, um livro – é para Eduardo Galeano um exercício tão raro quanto o encontro de uma mensagem engarrafada, jogada ao oceano, com mínimas chance de ser cooptada por alguém. Passeando pelos territórios latino-americanos de um modo coloquial, As Veias Abertas da América Latina é um exercício de estudo do autor, que exibe algumas das figuras mais importantes no continente e que comumente são esquecidas, incluindo o sistema educacional brasileiro.

O início da narração é lúdico, passando pelos percalços de Colombo e pela inspiração de Marco Polo, em terras onde ainda não haviam visto a dita civilização dos brancos/europeus, os “donos do mundo” daquela época. O desejo por bens perecíveis, como noz-moscada, gengibre, cravo e canela era enorme, só não superando o desejo por metais preciosos.

A aura em volta dos colonizadores ganhou uma interpretação semidivina, graças a uma terrível mistura, na qual se juntou o misticismo de alguns locais e o modo como os exploradores pousaram naquelas terras habitadas. O “endeusamento” favoreceu o trabalho de escravização, invertendo o que deveria ser pautado pela empatia e transformando isso, de modo vil, em uma obediência sem discussões ou critérios. Os “paladinos” que desfilavam pelos Eldorados de Potosí (atual Bolívia) e Cuzco (Peru), tinham na ostentação um dos modos de coagir quem quer que fosse, com lendas que atravessaram as gerações ao afirmar que até os pisantes de seus cavalos eram de prata. Havia o bochicho que, se fosse somada toda a prata que havia sido transportada de Potosí à Espanha, daria para “fazer uma ponte de prata, desde o cume da montanha até a porta do palácio real do outro lado do oceano. Os exorbitantes lucros dos espanhóis são expostos em números gritantes, que se tornam ainda mais aviltantes e dignos de revolta quando se é analisada a condição miserável em que os colonos subsistem, sem qualquer sinal de retribuição às especiarias que migravam e atravessavam o oceano.

O comércio de caráter moral discutível se agravou com o comércio de mão de obra aborígene, tendo na justificativa religiosa da “ausência de alma” dos índios a maior prerrogativa do comportamento. Mesmo após o gradual processo de desescravização, permaneceu um residual e incômodo modo de encarar a população indígena, com um claro desprezo racial pelos que permaneceram no seu país e constituíram família e vida. Mesmo a classe que não a explorava os via com bons olhos, igualando aqueles que deveriam ser os herdeiros legítimos daquelas terras e de seus bens a párias, objeto de rejeição do povo que deveria ser seu cúmplice.

A primeira contribuição de contos brasileiros ocorre ainda pela corrida de exploração de metais, exemplificando como a febre do ouro em cidades de Minas Gerais deu vazão ao torpor relacionado ao regime escravagista, e a quanto os servos de pele negra entretinham os senhores de engenho, fosse por trabalho braçal, como em apostas esportivas, ou por mulatas que se prostituíam, se entregando a inúmeros prazeres proibidos pela religião, o que não impedia sequer a igreja de lançar mão do dinheiro e benefícios provenientes de mercado de escravos. O lucro que o império britânico e a Holanda faziam com o ilícito tráfico de carne negra só não era maior que o enriquecimento via acúmulo de ouro e especiarias que estes faziam. Pelos anos 1700, o transporte de metais favoreceu demais a existência econômica da Inglaterra, lotando suas fileiras.

O apogeu da América Central é muito bem retratado, primeiro ao exibir os contornos do imperialismo norte-americano, ao considerar a parte baixa do continente como seu território – nem o “justo” Lincoln fugiu das comparações – até a segunda independência, o grito extravasado pelas quebras das amarras do segundo explorador, o país que não os colonizou, mas que prosseguia fazendo dos seus bens, a base barata de seu mercado.

O modo como as antigas colônias sofriam exploração é mostrado em detalhes, com número precisos, que assustam o público pela forte crueldade dos países matrizes. O autor não deixa qualquer dúvida em relação ao seu posicionamento político, explorando ao máximo os defeitos que o culto ao capital gera nos países subdesenvolvidos, reforçando a ideia de que o sistema falhou mais do que a implantação do socialismo.

Galeano inicia um minicapítulo afirmando que qualquer chance de desenvolvimento sustentável foi completamente aniquilada pela chamada guerra da Tríplice Aliança contra o Paraguai, onde Brasil, Argentina e Uruguai, apoiados financeiramente pela Inglaterra, praticaram o genocídio no país afrontado. O presidente Francisco Solano Lopez resistiu até onde conseguiu, tendo de se entregar para que o morticínio de homens não fosse tão grande. Os motivos do embate são discutidos até hoje, com uma grande adesão de teorias da conspiração; no entanto, o país em frangalhos após o confronto é um fato irrefutável, pois até rodízio de genitores masculinos foi uma das atitudes emergenciais tomadas, dada a quantidade de “machos” assassinados.

A declaração de Simon Bolívar sintetiza toda a obra de Eduardo Galeano: “Nunca seremos afortunados”. A sina dos latino-americanos não era causada por caprichos do destino, mas sim por uma intensa e desonesta exploração de suas riquezas naturais e mão de obra, que geraram um povo cujo engajamento varia de país a país, tendo no Brasil talvez o povo mais alienante e pouco combativo ao comportamento opressor e recrudescido, refletido até nos resultados das eleições de 2014, com a elevação popular de defensores do regime ditatorial militar instituído dos anos 60 a 80.

O autor usa suas últimas páginas para grafar a diferença entre as colonizações de exploração, predominantes no sul dos EUA e em todo o continente latino, e as de habitação, na parte dos Estados Unidos que dominou todo o território, não esquecendo claro, dos aspectos herdados de um comportamento fascista, que ignora ferozmente aspectos de cunho social para supervalorizar o capital. Para Galeano, o legado a seguir na América Latina era sim o social, na tentativa de frear o alastramento do “progresso”, que tem suas aspas justificadas pelo corrimento também da miséria nos pedaços de terra conquistados pelo primo rico, localizado mais ao norte.

A intenção presente em As Veias Abertas da América Latina de discutir fatos normalmente ignorados pela história oficial é alcançado. O fato do livro ter sido proibido de circular no Uruguai – país do autor – Argentina e Chile causaram no escritor uma alegria tremenda, de que suas palavras não foram emudecidas, e a certeza de ser a presunção, dita pelos soberanos a respeito do tom narrativo, findar-se na verdade como uma semente de esperança de revidar o golpe que o povo recebia por parte dos que secularmente o agrediam, claro, contado de uma maneira não acadêmica e sim poética, fluida e dramática.

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Crítica | Que Bom Te Ver Viva

14 de dezembro de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Ditadura Militar, Documentário, documentários políticos, Filmes Políticos, golpe de 64, Irene Ravache, Lucia Murat, Política

Com uma inicial trilha de piano, prevendo a tristeza e o azedume nos fatos terríveis que seriam mostrados em tela, Lúcia Murat utiliza-se de sua experiência pessoal para contar, através de suas personagens, o porquê e como aquelas mulheres sobreviveram aos desmandos dos governantes militares após a instituição do Ato Institucional nº 5 e a prática da livre tortura contra quem se opunha ao tal regime.

A personagem anônima vivida por Irene Ravache recebe inúmeros telefonemas, graças a uma entrevista, retirada de outra publicação, sobre tortura sexual. Ela nega que tenha dado qualquer depoimento e diz que o jornalista em questão sequer perguntou a ela sobre esta exposição. A dramaturgia da hoje veterana atriz serve para inserir o público no mundo denunciativo, aos casos deflagrados que revelam o corpo feminino como um objeto de tortura.

O artifício da quebra da quarta parede exerce a função de tomar a atenção pública daqueles que costumam consumir as telenovelas, e alertá-los para a flagrante realidade dos anos de chumbo, que, apesar do tempo decorrido, ainda ecoam de modo cruel nas almas daquelas moças violentadas pelo DOI-CODI e por seus semelhantes. A narradora, e única personagem representada, tem a função de pôr o dedo na ferida, uma vez que, no início, a maior parte das entrevistadas está demasiadamente emocionada, e a maioria chega a chorar ao relembrar o que a acometeu.

Ravache beira a tragicomédia em alguns momentos, quando, por exemplo, surge a lembrança de que seu parceiro sexual deixará de “trepar” com ela por este descobrir, pela imprensa, que ela é uma mártir, fazendo-se perguntar se mártires têm necessidades humanas básicas, assim como os torturadores, demonstrando ao espectador que a “inconveniente história” das moças precisava ser lembrada e passada à posteridade, já que a conveniência está ao lado dos que trouxeram o mal à existência daquelas damas. O equilíbrio entre esquecer e conviver com as lembranças que não podem ser esquecidas, para que não sejam repetidas, e para que atrocidades como a dos torturadores serem chamados por suas profissões liberais, ao contrário dos torturados, intitulados apenas como terroristas, sequer contemplava qualquer mudança de comportamento, utilizando-se do prefixo “ex” antes de tais adjetivações. A mídia era deveras conivente nos idos dos anos 80.

Os depoimentos dos maridos das torturadas também são interessantes por mostrarem como é a observação daquelas que tiveram marcados seus corpos, almas e mentes por parte de terceiros, porém íntimos das vítimas. O descontrole de algumas delas perante questões que relembram aqueles traumas invariavelmente as fazia bloquearem sua psiquê. Para muitas que tinham problemas como a epilepsia, era complicadíssimo dar vazão aos ataques, mesmo que fossem completamente incontroláveis na maior parte das vezes.

Por parte das moças, alguns sentimentos “errados” sobrepunham-se ao prazer de viver mesmo após o término das torturas, como, por exemplo, a banalização daqueles que as cercavam, dado o tratamento aos presos anos depois, e a culpa por estarem vivas e tantos outros, parentes, companheiros e afins que não tiveram a mesma sorte que elas, ou mortos ou desaparecidos. O desaparecimento é também uma grande arma dos ditadores, já que pressiona sentimental e psicologicamente aqueles que esperam as notícias de entes queridos, cujo luto não pôde ser sentido, tampouco estava viva a esperança de encontrarem os desaparecidos.

O esquecimento é a omissão daqueles que a consideram conveniente. A gravidade é ampliada quando “esqueceram” de lembrar a essas moças que elas não podem mais sentir dor, ou rememorar todas as catástrofes que aconteceram naqueles ralos metros cúbicos, imundos, repletos de baratas, lagartixas e aranhas, animais que até aquele momento continuavam assustando e causando fobia nas mulheres.

A tecla tocada de modo mais agressivo – e necessário – é a da sexualização, da necessidade da mulher em transar, em se saciar, mesmo que sua vida pretérita fosse incomum. A vida das mulheres precisava ser comum novamente, ou o mais próximo disso possível. O prazer faz parte das necessidades básicas humanas; as dores e as marcas nos seus corpos não eram fáceis de serem arrancados, mas negar uma faceta tão presente em suas vidas seria declarar derrota, dar razão àqueles que praticaram o mal em seus corpos e em seus espíritos, e este revés não é algo que nem as mulheres, nem as companheiras e nem as ativistas políticas gostariam, afinal a luta delas e de Murat não foi em vão. Elas não fizeram parte deste acordo de silêncio e certas estão com esta atitude. Esquecer seria trair a luta e, principalmente, seria trair a si mesma, a memória dos muitos amigos e amigas e a memória delas. A tortura fez e faz parte das vidas. O comentário final é arredio, denunciativo e inconformista, mas, ainda assim, delicado e feminino, tanto na figura de Irene Ravache como no roteiro de Lúcia Murat.

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Crítica | Uma Longa Viagem (2011)

30 de novembro de 2014 by Filipe Pereira

Cinema, Críticas

Caio Blat, Ditadura Militar, Documentário, documentários políticos, Filmes Políticos, golpe de 64, Lucia Murat

O grito de liberdade se confunde com as fotos de família, saudosos retratos de tempos bem mais simples que aqueles em ebulição em meio aos anos 60. Foi a preocupação do clã que levou os responsáveis pelo jovem (de nome incógnito no começo da fita) a enviar o caçula para uma viagem a Londres, com a intenção de livrar o rapaz de se infiltrar nos grupos revolucionários, já que a sua irmã, Lúcia Murat, estava presa. A mulher encarcerada cresceria, se tornaria cineasta e faria do assunto de sua especialidade – a Ditadura Militar no Brasil – o pano de fundo para contar sua história.

O jovem, vivido por Caio Blat, relembra em suas cartas o motivo de estar nesse exílio, conduzido de modo eufemístico, em que os diplomas que conseguiria em solo britânico de nada valeriam para si, nem mesmo na condução de uma nova profissão. Os depoimentos do “próprio” revelam suas amizades na Inglaterra, russos infiltrados naquela sociedade capitalista e que foram deportados para “jogar futebol com os gatos”. Ele prossegue fazendo uso contínuo de drogas, já que em solo brasileiro não tinha acesso a elas.

A exposição da intimidade dos irmãos é corajosa e muito sensível. O irmão narra suas vivências em Cannes, no festival da Palma de Oro, que serve de pano de fundo para Murat contar sua experiência libertadora com o cinema e como sua carreira a ajudou a superar seus traumas. É somente neste momento que a narradora e realizadora pronuncia o nome de seu irmão que vivia em outra paisagem: Heitor.

O documentário dá lugar ao drama em diversos momentos da exibição, convivendo na mesma tela as duas abordagens de modo amalgamado. Entre a busca de novas bad trips e de mais dinheiro para investir em haxixe, são feitas viagens para lugares ermos nos quais se louva especialmente o subdesenvolvimento do Afeganistão e Paquistão, onde a não chegada da civilização moderna contrasta com a realidade da Inglaterra e do Brasil. A estadia dos meninos era quase todo na rua, onde dormiam com homens santos, cercados de animais silvestres, pavões, macacos e outros animais silvestres, claro, tudo regado aos entorpecentes que eles tanto buscavam e que deixaram sequelas, fruto daquela porralouquice.

A figura de Heitor é assustadoramente carismática e aclamada, já que sua vida foi talhada pelas vivências transgressoras e das desventuras além oceano Atlântico, ao redor de um globo explorado de modo dionisíaco, metade Gonzo metade Kerouac, sem qualquer compromisso com a normalidade ou com o método apolíneo de viver.

As distâncias longitudinais e o torpor que Heitor tinha com seu amado haxixe não o livraram de ter notícias dos seus familiares e entes queridos. Por quase não ter uma estalagem fixa, complicava-se a situação de conseguir receber as correspondências de seus pais e irmãos. As cartas que recebia dos seus queridos demonstram o quão importante é aquele meio de comunicação, tanto para a vida comum de Heitor quanto para a narrativa da fita, uma vez que é através delas que se contam e se narram as múltiplas tramas poéticas da história.

A volúpia por estar entorpecido começou pelo ócio, pela vontade de ocupar seu tempo e pela ausência de trabalho, mas talvez seja explicado, na vida de Heitor, pela saudade que tinha dos seus. Certamente, havia em seu comportamento uma vontade de transgredir, o que faz teorizar que o viés revolucionário estivesse impresso no DNA daquela geração familiar. No entanto, a internação tornou-se inevitável.

A magreza de Caio Blat nos últimos momentos em tela emula a fragilidade corporal de Heitor naqueles tempos. Em 1978, ele seria capturado na Índia, na embaixada brasileira, fora de controle. Heitor teve a sorte de quem iria até lá (sua mãe) para buscá-lo, ao contrário dos muitos outros que cercavam a embaixada norte-americana à espera de certa compaixão da civilização ocidental não tão pobre ou paupérrima como a que ele estava.

O cuidado da diretora em não subestimar a sociedade indiana – ou qualquer outra das que foram mostradas em tela – é atroz, já que a injustiça com tais povos denegriria seu emocionado relato e a história de seus parentes. Uma Longa Viagem é mais uma mostra da total maturidade de Lúcia Murat enquanto cineasta e contadora de histórias e que reporta múltiplas realidades.

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